Tal ha sido el fenómeno social generado por ‘Ay mamá’ de Rigoberta Bandini que ya casi habíamos olvidado que la canción todavía no cuenta con videoclip oficial. La actuación de Benidorm Fest, teta gigante mediante, es lo que la gente tiene grabado a fuego que es el visual de ‘Ay mamá’.
Sin embargo, el videoclip oficial de ‘Ay mamá’ existe y Rigoberta lo ha estrenado hoy en el Día de la Madre, como había prometido. El vídeo -producido por LAMP- incluye diversas referencias a la ciencia ficción, escenas en CGI y un cameo del famoso «globo tetáqueo» que Rigoberta visualiza durante una sesión de realidad virtual. Suspendido en la inmensidad del espacio exterior, el planeta descubre un volcán con forma de pezón que dispara rayos láser y que procede a fusilar un objeto espacial con forma de esfinge que reproduce el rostro de Mark Zuckerberg. De hecho, la escultura lleva grabado el símbolo de infinito que es, también, el logo de Meta. Una clara referencia a la censura de Facebook e Instagram, y también una posible metáfora del feminismo ganando la batalla al patriarcado.
El estreno del videoclip de ‘Ay mamá’ promete insuflar nueva vida a la canción, que resiste en la parte media de la lista de singles española, pero ya lejos de ese número 1 que conseguía a principios del mes de febrero, de manera totalmente autoeditada, y gracias a su paso por Benidorm Fest.
En una entrevista con El Diario, Paula Ribó ha afirmado que el videoclip de ‘Ay mamá’ «no es una historia» sino «un cúmulo de imágenes de mujeres en grupo, empoderadas». En una de las escenas, Rigoberta y un grupo de mujeres realizan una coreografía mientras sostienen bebés recién nacidos en los brazos.
En otra parte de la entrevista, Ribó ha hablado vagamente sobre su próxima canción. Asegura que será «bastante intimista» y muy diferente a todo lo que ha hecho antes. Explica: «No quiere decir que sea una balada, tiene su ritmillo, pero es una canción que habla de un tema totalmente diferente y muestra una parte mía que creo que nunca he enseñado».
En otro orden de cosas, Rigoberta Bandini está empezando este año su carrera de festivales, y está confirmada en Warm Up, Tomavistas o BBK Live, entre otros. Por otro lado, este Sant Jordi se la ha podido ver en Barcelona firmando ejemplares de ‘Vértigo‘, su primer libro.
Mientras llega el videoclip de ‘Ay mamá’, el público aguarda impaciente el siguiente paso de Rigoberta. La catalana seguirá publicando singles sueltos, pero también lanzará disco en algún momento. De momento, este año aparecerá como co-autora en el álbum de Amaia.
PUTOCHINOMARICÓN visita Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP, no solo para promocionar su nuevo disco ‘JÁJÁ ÉQÚÍSDÉ’. También hay tiempo para hablar de su estancia durante 2 años y medio en Taiwán, su identificación como persona no binarix, los diferentes discos que ha descartado y sus próximos conciertos. Podremos verle en pocas semanas tanto en Madrid, dentro de la programación de Tomavistas, como en Zaragoza junto a Samantha Hudson. Foto: Gonzalo Gallego.
Chenta Tsai nos cuenta que el subtítulo de «Distopía aburrida» para este disco salió de un hilo de reddit así llamado. En él se hablaba de que el fin del mundo iba a llegar de una manera aburrida, «haciendo un pan de plátano o algo así». El disco habla de ser felices en tiempos difíciles y PUTOCHINOMARICÓN reflexiona sobre «lo poco que se habla de la vulnerabilidad que viene después de la visibilidad».
Explica: «Desde la hegemonía heteropatriarcal, como que se nos exige a las personas disidentas exponer de manera extremadamente explícita nuestras experiencias vitales hasta un punto en que se nos anula como personas. Noto con este disco que la gente deslegitima mi música por el simple hecho de que yo he decidido no mostrarme tan vulnerable como antes. A mí me parece un problema porque no siempre hay que mostrar el sufrimiento y el drama para que la gente nos acepte. Y no es realista. Nuestras realidades son más ricas y tridimensionales, más allá del trauma y del sufrimiento. También hay que mostrar el deseo, el deseo de proyectar una futuridad en que se nos muestre felices, viviendo una vida como queramos. Ahí está el cambio de este álbum. He aparcado parte de la ira. La ira siempre va a estar ahí, pero no es el «main character» aquí. Es el deseo. Y eso molesta muchísimo a muchísima gente cishetero».
El disco también habla sobre la virtualidad y la legitimidad de estos espacios. «La extensión virtual es una parte más nuestra. En la pandemia se ha notado esa legitimidad», indica recordando que por ejemplo siempre había usado la tecnología para comunicarse con su familia online.
En una parte muy interesante de la conversación, Chenta Tsai explica cómo el colectivo LGTB+ está en constante tensión con su cuerpo y qué ha significado la estancia en Taiwán para elle. «Socializo como un español, pero allí no señalaban mi racialitud. No era racializado constantemente en la calle. Y por primera vez no estaba en resistencia. Al llegar allí descubrí lo que era ser «normal», entre comillas. Me marcó y me generó una crisis identitaria, más allá de la resistencia (…) sobre hasta qué punto somos aceptades y hasta qué punto nos hemos acomodado».
‘JÁJÁ ÉQÚÍSDÉ’ es un disco influido por PC Music, sí, y también hablamos de eso, pero es más curiosa la influencia que han ejercido en el álbum las compilaciones DO HITS, los arquitectos Pierre y Jacques o el autor Chi Ta-wei, a través de su novela ‘Membranas’, en la que habla del futuro de lo queer. En un momento del podcast, PUTOCHINOMARICÓN plantea: «Es genial que el matrimonio se haya legalizado, ¿pero realmente quién quiere casarse? ¿Eso nos va a hacer felices? ¿Hablamos el mismo idioma o tenemos que construir nuestras propias narrativas y enunciados, como decía Paco Vidarte sobre ‘La jiraba que pastaba‘?
Chenta cuenta que ha descartado un disco inspirado en lo que pensaba que era Taiwán: «he construido una falsa percepción de lo que es Taiwán. Al llegar allí me di una buena torta. Había construido una ficción con una perspectiva occidental y un poco fetiche de lo que era mi identidad». Y también ha descartado su proyecto paralelo llamado PRODUCTO, sobre una boyband/girlband, porque se estaba fijando «demasiado en la estética y no tanto en el concepto», cuando considera esto último su fuerte como artista.
En diferentes puntos de esta conversación hablamos sobre cómo PC Music, en su perspectiva de acelerar el pop para criticar el capitalismo acelerado se ha terminado convirtiendo en aquello que tanto había criticado. También sobre el gusto por el feísmo: «bella solo puedes ser de una manera, pero fea puedes ser de varias, no sé por qué no hay más artistas con esta fealdad. No sé por qué mezclamos todo el rato igual (…) la música de internet siempre ha sido feísta. Los artistas deberíamos desafiar la experiencia auditiva». Y por último sobre el concepto de concierto en 2022, post-pandémico, con cierta integración del playback e instrumentos llevables.
Madonna ha actuado con Maluma esta noche en Medellín. Maluma ofrecía ‘Medallo en el mapa’, el «concierto más importante de su carrera», que ha tenido lugar en el estadio Atanasio Gigardot y ha podido verse a través de Amazon Prime Video.
Madonna ha cantado dos canciones con Maluma. La primera ha sido ‘Medellín’, su single con el colombiano, y la segunda ha sido ‘Music’. Se rumoreaba que ‘Hung Up’ y ‘Bitch I’m Loca’ también formarían parte del repertorio, pero finalmente no ha sido así. En 2019, Madonna y Maluma interpretaron ‘Medellín’ juntos en la gala de los Billboard Music Awards.
La actuación de Madonna ha dejado cierta sensación de improvisación. La coreografía de ‘Medellín’ ha quedado correcta, pero Madonna ha empezado a cantar ‘Music’ antes de tiempo, y el mismo error ha sucedido antes de la llegada del estribillo. Madonna parecía improvisar movimientos in situ, y por momentos se la ha visto desorientada encima del escenario.
La autora de ‘Madame X’ ha conseguido estos días un viral gracias al remix de ‘Frozen’ por el productor Sickick. La artista ha querido exprimir el éxito del remix lanzando dos remixes más, uno junto al rapero Fireboy DML y otro con la rapera 070 Shake.
Hace dos años que Adiós Amores irrumpió en la escena musical con ese precioso ‘Charlotte‘, pero este viernes 29 de abril el dúo ha cerrado un ciclo con ‘Noche Iluminada’. Esta canción es el último single de los ocho que conforman un recopilatorio también publicado este viernes, ‘Sus Mejores Canciones’. El disco incluye las ocho canciones que han lanzado hasta la fecha, en un esfuerzo por plantar una semilla única en el panorama nacional a la que le han puesto como guinda ‘Noche Iluminada’, uno de sus mejores temas.
Los singles de Adiós Amores empezaron muy influenciados por The Brian Jonestown Massacre, The Flaming Lips, The Shadows, Beach Boys y el pop sesentero que tanto les gusta. Sin embargo, a medida que ha ido pasando el tiempo se han vuelto más siniestras, misteriosas e hipnotizantes. ‘Noche Iluminada’ es el culmen de este viaje, la canción en la que por fin sueltan las guitarras y agarran el sintetizador y las castañuelas. Las guitarras no desaparecen, pero entre palmas y cuerdas que reproducen acordes clásicos andaluces, se impone una base techno arrolladora como recientemente ha hecho Joe Crepúsculo en ‘Trovador Tecno‘.
‘Noche Iluminada’ es la evolución quema pistas de ‘Doce Navajas‘ y ‘Luna Plateada’, otro de los singles donde también abundan castañuelas y una atmósfera casi de brujería. «Me encantaría poder subir al cielo para ver la luz» dice el estribillo de ‘Noche Iluminada’, pero mientras suene este tema no habrá quien quiera que amanezca. Sin embargo, lo que la canción nos cuenta es «cómo de diferente habría sido la historia de España si Fernando el Católico, en vez de conquistar La Alhambra, hubiese conquistado el corazón de Boabdil», dice la nota de prensa.
Al más puro estilo pegamoide, Adiós Amores ha llamado a su primer disco ‘Sus Mejores Canciones’. La portada del álbum es la misma que la de este single, creada por la artista Anita de la Cuadra. El disco recopilatorio se ha lanzado en digital, pero existe una edición vinilo limitada que se puede conseguir aquí.
Esta semana se han cumplido 10 años de la publicación de ‘Electra Heart’, el segundo disco de la artista anteriormente conocida como Marina and the Diamonds. La cantante galesa ha celebrado la efeméride con el lanzamiento de una edición «10 aniversario» que incluye pistas antes inéditas como ‘E.V.O.L.’ o ‘Electra Heart’ (sí, la pista titular permanecía inédita).
‘Electra Heart’ no fue uno de los discos más importantes de 2012 a nivel comercial. Alcanzó el número 1 en Reino Unido en su semana de salida y sigue siendo, a día de hoy, el único número 1 de álbumes logrado por Marina en su mercado principal. Sin embargo, ‘Electra Heart’ es conocido por ser uno de los discos número 1 menos vendidos del siglo XXI en las islas.
El impacto de ‘Electra Heart’ se mide mejor con otros parámetros. Los números tampoco estuvieron fatal y, a la larga, el disco puede presumir de haber producido tres macrohits: ‘Primadonna’, ‘How to Be a Heartbreaker’ y ‘Bubblegum Bitch’, el tercero de los cuales se ha viralizado últimamente en TikTok. Pero donde ‘Electra Heart’ dejó huella fue en internet. En concreto, en Tumblr.
‘Electra Heart’ es uno de los discos clave de la era Tumblr. De hecho, el personaje de Electra Heart emergió por primera vez en esta plataforma. Esto no significará absolutamente nada para el oyente medio, pero significa que es probablemente uno de los discos más importantes salidos en la era de internet. Su público principal fueron adolescentes tristes enganchadas a la red. Especialmente chicas adolescentes que se sintieron identificadas con la mezcla de sonidos pastel y letras trágicas que incluía el álbum. En una entrevista con Los 40 Principales, Billie Eilish afirmó que ‘Teen Idle’ es «la mejor canción en el puto mundo». Una canción cuyo estribillo expresa la frase «tengo ganas de suicidarme» como si lo cantara un grupo de cheerleaders.
Esa mezcla de «pop de chicle salpicado de sangre», como lo describe Stereogum, representa el sonido y la temática de ‘Electra Heart’. Marina lo describió con el término «Britney Spears gótica». El disco traía un concepto más o menos sólido. Electra Heart es el alias de Marina, un personaje que representa, a su vez, cuatro arquetipos femeninos asociados a la cultura americana: la ama de casa, la reina de la belleza, la destrozahogares y la adolescente vanidosa. En palabras de la propia Marina, Electra Heart es la «antítesis de todo lo que soy». En otras palabras, ‘Electra Heart’ es una reflexión sobre el engaño del sueño americano. «Quería explorar el lado de Estados Unidos que no tiene nada que ver con el glamour. Quería enfocarme en el fracaso». Y Marina tenía sus razones para explorar este concepto.
Marina se dio a conocer en 2010 con ‘The Family Jewels‘, un estupendo debut en el que desplegó su personalidad como autora de música pop. Su peculiar voz operística, y sus interesantes letras, le valieron una sólida base de fans que amaban su estilo de pop alternativo demasiado pop para los indies y demasiado indie para los poperos. En una entrevista que concedió ese mismo año, Marina habló negativamente sobre el sonido «mierdoso» del pop americano. Mencionaba explícitamente la «fábrica de hits» de Dr. Luke: «no tengo nada en contra de él, solo está haciendo su trabajo, pero las producciones me parecen aburridas. Y las canciones de Kesha, Katy Perry, Rihanna… no me parece que haya nada original en ellas». Marina tenía razón, pero dos años después estaba trabajando con Dr. Luke en Los Ángeles. La fábrica de hits de la que echaba pestes le había absorbido.
‘Electra Heart’ nace de una dicotomía: Marina odia el pop americano pero, presionada por su sello, aprovecha la oportunidad de convertirse en una estrella del pop tan grande como Katy Perry, con la que se va de gira. El personaje de Electra Heart representa su manera de disociarse de esa realidad. En una entrevista de 2016 recuerda aquella época con extrañeza. Asegura que no se sentía identificada con el sonido comercial de ‘Electra Heart’ y que tiene la sensación que el disco lo escribió otra persona. Dice que para ella fue como «actuar en una obra de teatro». Irónicamente, ‘Electra Heart’ es, a su vez, su disco más popular, y lo bueno es que tampoco dejó de sonar tantísimo a ella. Es cierto que las peculiaridades de ‘The Family Jewels’ desaparecieron y que ‘Electra Heart’ sonaba más genérico, pero también lo es que la voz y la firma de Marina seguían estando muy presentes en las canciones. En 2015, Marina se desquitó de las presiones de hacer un disco comercial lanzado ‘Froot‘, su álbum más autoral. Y también el mejor.
La estrategia de hacer un disco «conceptual» sobre la figura de la popstar para disimular que te has vendido no es nueva. Este mismo año Charli XCX ha hecho algo parecido. Y por mucho que Marina dijera que ‘Electra Heart’ es un disco conceptual, realmente no lo es. O solo lo es vagamente. Las letras exploran el lado oscuro de la figura femenina. Hablan de engañarse ante la realidad de un fracaso amoroso (‘Lies’), de sentirse vacía y amargada (‘Fear and Loathing’), de obsesionarse con una persona hasta lo enfermizo (‘Starring Role’), de sentirse desesperadamente sola (‘Homewrecker’). ‘Primadonna’, el single más exitoso del disco, dice «estoy triste hasta las entrañas / cada día se me hace un mundo». Marina no huye de los clichés («puede que mi vida sea un desastre, pero sigo estando guapa con este vestido», canta en ‘Homewrecker’) y su investigación sobre la figura femenina trágica no es especialmente profunda u original. En otras palabras, ‘Electra Heart’ es un álbum conceptual solo muy a duras penas.
Sin embargo, 10 años después ‘Electra Heart’ es objeto de análisis en los medios por lo que representó brevemente en un momento de la historia del pop. Y esto solo puede explicarse porque el disco sigue funcionando a día de hoy. Principalmente gracias a las canciones. ‘Primadonna’ era tan adictiva como cualquier hit de Katy Perry, pero sonaba a Marina. ‘Bubblegum Bitch’ se adelantaba por 10 años a la reivindicación de Avril Lavigne. ‘Homewrecker’ traía al pop los ritmos machacones de unos Depeche Mode con mucho poderío. ‘The State of Dreaming’ era un estupendo homenaje al pop alternativo de los 90. ‘Teen Idle’ podía glamurizar el suicidio, pero era pegadiza. Las canciones más melodramáticas, como ‘Lies’, ‘Starring Role’ o la maravillosa ‘Valley of the Dolls’, representaban muy bien el talento de Marina como compositora. Y Marina consiguió que ‘How to Be a Heartbreaker’, un bonus track, se convirtiera en uno de los mayores éxitos de su carrera.
‘Electra Heart’ no fue un disco bien recibido por la crítica en su momento. Como ‘Born to Die‘ de Lana Del Rey, un trabajo con el que comparte muchos elementos en común, su exploración de la estética retro americana, de los ideales de un Hollywood vacío de alma, no terminó de calar en los medios especializados. Y aunque Marina llegó a declarar que odiaba el pop americano y que las producciones de Dr. Luke le aburrían, no consiguió que ‘Electra Heart’ sonara mucho mejor. Es verdad que Dr. Luke no aparecía en tantas canciones, y que gente como Greg Kurstin ya había trabajado en ‘The Family Jewels’. Sin embargo, la producción de ‘Electra Heart’ sonaba… vacía. Comercialoide. Aún así, las canciones tenían tanta fuerza que a día de hoy las seguimos escuchando.
Puede que ‘Electra Heart’ no convirtiera a Marina en una popstar, pero ella ya dudaba que tal cosa fuera a ocurrir jamás. Como nos contó en una entrevista: «En un momento dado, que parece ser este, voy a estar durante un tiempo en el mundo del pop, pero no sé si tendré un sitio ahí». Puede que ‘Electra Heart’ haya prosperado más como disco de culto que como éxito comercial, pero no cabe duda que ha sellado a Marina para siempre en el «mundo del pop».
Un viejo cuento alemán narra la historia de cuatro animales domésticos que, tras toda una vida de servidumbre cruel a sus dueños, y despreciados ahora por estos, huyen de sus respectivas granjas con la esperanza de llegar a Bremen y dedicarse a tocar música en las calles. Durante su travesía, el grupo de animales, compuesto por un burro, un perro, un gato y un gallo, atracan a un grupo de ladrones y consiguen instalarse en su casa. Los animales nunca llegan a Bremen pese a que era su destino principal.
El relato que publicaron por primera vez los hermanos Grimm en el año 1819, sirve a Álvaro, Jorge, Pablo y Milky para reflexionar sobre el futuro. ‘Bremen no existe’ es el título de su nuevo disco, y Bremen es sinónimo de ese futuro que, para muchísimos jóvenes españoles, simplemente no se ha materializado. Es un futuro «cancelado», como canta el grupo en ‘Líneas de sombra’, la pista de apertura. De hecho, el subtítulo del disco anuncia que este contiene «música para otra generación perdida». En la final ‘Una historia de fantasmas’, eso sí, el futuro pasa a estar «postergado». Queda un rayo de esperanza al que aferrarse.
Ese rayo de esperanza, por fino que sea, atraviesa todo el disco de diversas maneras. Pablo Garnelo (guitarra), Jorge Martínez (batería), Jorge Navarro (bajo) y Álvaro García (voz y guitarra) han querido hacer un trabajo más luminoso que el anterior, menos ansioso y crudo, que se abriera más al mundo. El sonido de ‘Bremen no existe’ responde también al encierro del confinamiento. El cuarteto cuenta que le apetecía «calle», y algunas de sus nuevas canciones aspiran definitivamente a la categoría de himno generacional. Sin dejar de ser punk, son a su vez mucho más pop al incorporar influencias del guitar pop y el rock alternativo de los 80 y 90, de gente como R.E.M. o The Cure. Una de las pistas, ‘La escuela nocturna’, habla de «jóvenes que crecen como espectros», pero te hará bailar como si estuviéramos en 2007.
Entre los himnos claros que deja el álbum se encuentra ‘Contra mi generación’, una canción dedicada a «toda esa gente en edad de pirarse a un PAU / O de tirarse de un puente sin decir ni ciao», y también a «toda esa gente que duerme poco y mal / la precarizada y la aspiracional». ‘Espíritu el 92’ apela a esa gente que ha cumplido los 30 años y no tiene futuro al que agarrarse, y su potente estribillo clama: «¿el futuro era esto? no, por favor». Más pesimista, ‘Domingo especialmente triste’ habla de una juventud empobrecida pero servida de internet y teléfono móvil, que vive «seis meses de curro y seis de subsidio». En contraposición, el estribillo cantado por Isa de Triángulo es luminoso, bello incluso.
En su tercer álbum, los autores de ‘Sentido del espectáculo’ siguen demostrando que el suyo es uno de los discursos más sólidos del punk actual. Y que no tiene miedo de apelar a diversas generaciones que puedan sentirse representadas por sus textos. No tantos grupos citan en sus canciones lo mismo a Jacques Derrida que a C. Tangana, y esto sucede en ‘Filósofxs intempestivxs’, otra canción dedicada al pensamiento de baratillo que quizá ya no necesitábamos a estas alturas. ‘Líneas de sombra’, una de las pistas más garage-punk, incluye referencias a TikTok y a la música pop, y ‘Madrid nos pertenece’ llama a manifestarse invitándonos a dejar de decir «joder, no sé» como hicieron aquella vez Carolina Durante.
Por un lado, el mensaje de Biznaga puede sonar decididamente populista, como cuando en ‘Todas las pandemias del mañana’ cantan que «nosotros somos el puto virus, nosotros somos el puto cáncer, somos el bicho que hay que erradicar». Por otro lado, el grupo sigue destacando por sus cultas y eruditas reflexiones -en discos y entrevistas- sobre el mundo actual, y los futuros cancelados de los que habla recurrentemente ‘Bremen no existe’ son los mismos sobre los que escribió Mark Fisher. Biznaga transmiten su mensaje con confianza y seguridad. No tienen miedo a agitar al populacho. De hecho, lo buscan. Y les sale bien.
Entre referencias a personas «atrapadas en el ascensor social» o que siguen trayendo bebés a un mundo ya demasiado idiotizado, ‘Contra mi generación’ aún encierra un atisbo de esperanza cuando anuncia que «lo que no pudimos hacer / aún es posible tal vez». De hecho, el grupo explica que ‘Bremen no existe’ «no es un disco optimista, pero tampoco cenizo ni agorero», sino que más bien «es idealista y arrogante» porque cree que aún «hay futuros que nos esperan». ‘Bremen no existe’ vuelve a ser un disco lleno de angustia y desazón que refleja el sentir de una generación «perdida» en los dos sentidos: una generación que no sabe adónde ir, y también una que ya no se va a recuperar. Sin embargo, la esperanza es una de las cosas más importantes en esta vida, Biznaga lo saben y no renuncian a ella.
Justin Bieber ha estrenado estos días no una, sino hasta dos canciones nuevas. La primera es una curiosidad llamada ‘I Feel Funny’ y la segunda una canción propiamente dicha que recibe el título de ‘Honest’ y cuenta con la colaboración de Don Toliver.
‘I Feel Funny’ llama la atención por su brevedad (dura 1 minuto y 30 segundos) y porque es el propio Bieber quien la ha producido. Muy rara vez el autor de ‘Justice‘ ha aparecido en los créditos de composición de alguno de sus discos. Sin embargo, cabe recordar que es co-productor de ‘What Do You Mean?’, uno de los mayores éxitos de la era ‘Purpose‘.
La idea de ‘I Feel Funny’ ha sido -aparentemente- la de crear una cancioncilla improvisada. Bieber definitivamente no se ha comido demasiado la cabeza ni con la producción ni con la letra, que dice cosas como «soy Piscis, por favor, no me molestes». Quizá lo peor es que ‘I Feel Funny’ tampoco es graciosa en absoluto, hasta el punto que te preguntas si realmente valía la pena que viera la luz.
‘I Feel Funny’ cuenta con su propio videoclip, también improvisado y «rodado» con la cámara de un teléfono móvil. Bieber y el director Cole Bennett lo apañaron durante el rodaje del videoclip de ‘Honest’. En el vídeo, Bieber hace el bobo de varias maneras, pero su lado cómico tampoco está muy conseguido. Queda forzadillo. ¿Será porque nunca en su carrera ha demostrado ser capaz de reírse de sí mismo?
Cuenta Bieber que, cuando mandó ‘I Feel Funny’ a Bennett para que la escuchara, se imaginó que podía alcanzar el número 1. Lo cierto es que la canción no ha despertado demasiada curiosidad en el público y parece que pasará desapercibida. Aunque tampoco es que Bieber necesite un número 1 actualmente cuando ‘Stay‘ y ‘Ghost‘ siguen triunfando en listas.
Por otro lado, ‘Honest’ es una producción de trap-pop genérica, pero que tiene ciertas posibilidades de éxito… si como medidor de éxito usamos las canciones de Drake. Su videoclip invernal lo podéis visualizar también bajo estas líneas.
Purity Ring han anunciado un EP llamado ‘Graves’ que saldrá a la venta el 3 de junio. Este proyecto sucederá a su disco ‘Womb’ editado en 2020.
Los autores del espléndido ‘Shrines’ han compartido esta semana la canción titular. ‘Graves’, que os presentamos en la playlist de novedades del pasado viernes «Ready for the Weekend», es una canción 100% Purity Ring en la que conviven la luminosidad y la oscuridad. El título de nuestra “Canción del Día” hoy apela a las “tumbas”, si bien el estribillo es en realidad una “huida de las mismas”.
Como la misma producción, la composición luchar por superar la gravedad (“we’ll wish for weightless knees”), alternando los momentos de ultratumba, como esas voces tratadas en el puente; con un piano que es pura luz al final del túnel. Te gustará si te gusta Flume. El grupo indica que le ha llevado hasta 8 años completar esta canción nueva, al tiempo que comparte un videoclip centrado en las células humanas.
Para conocer el resto del EP hay que esperar al próximo 3 de junio, y Purity Ring se embarcan ya desde finales de mes de mayo en una gira de presentación que les va a llevar por toda Norteamérica. Les ocupará los meses de junio y julio al completo.
A Paco León le gustaba tanto una frase de su padre que decidió meterla en ‘Carmina o revienta‘, su debut en la dirección: en uno de los momentos más recordados de la película, el marido ficticio de Carmina le dice a su cabra Marifé: “la vida es tan bonita que parece de verdá, hijo”. Podríamos decir que ‘Heartstopper’, (mucho más que) el último fenómeno de Netflix, es realista, y a la vez que no lo es. Y ese realismo de Schrödinger es precisamente una de sus bazas, como lo era en el material original, un cómic-web de Alice Oseman (también guionista de la serie) cuyos cuatro volúmenes habían sido ya un éxito. Oseman saltó al mundo literario desde muy corta edad, firmando su primer contrato literario siendo aún menor, y publicando desde entonces decenas de cómics y relatos que, para colmo, se entrecruzan en varias ocasiones, de manera que podría decirse que coexisten en un universo propio. Esta historia en concreto parte de una premisa muy sencilla: el enamoramiento entre Charlie y Nick, dos compañeros de instituto. Pero no es sencillo que todo funcione tan bien en esta serie.
¿Por qué ‘Heartstopper’ es realista? Para empezar porque, en su retrato de un grupo de adolescentes, sus vidas sí parecen las de un adolescente promedio. Esto no es ‘Élite’ ni ‘Gossip Girl’ y los personajes no se meten tres tripis mientras se cargan a la profe de Mates y piensan en su próxima sesión de sadomaso con el padre de Jaimito. Además, inaudito, ¡los actores y actrices tienen una edad similar a los de sus personajes! También es cierto que el motivo por el que los actores de otras ficciones suelen ser mayores es para evitar líos en las escenas sexuales (salvo que sean franceses). Pero es que además la serie huye de la hipersexualización y, quizás por eso (alerta de melón), sus cuerpos también se acercan a eso que se llama “no normativo” cuando en realidad quieres decir “cuerpos normales”, más parecidos a los de tus vecinos y menos a los de Fraternity X: aquí hay chavales más delgados, más gordos, más cachas, más tirillas, etc. Todo esto lo vimos en parte el año pasado en la recomendable ‘Jóvenes Altezas’ (los fans ya sueñan con un crossover), pero aquí termina de ser redondo, y contribuye a que la serie parezca tan real.
La ficción, en cuya creación han intervenido la propia Oseman y Euros Lyn, tiene además maneras particulares de potenciar esto a través de pequeños detalles en la cotidianeidad de los personajes (ese Nick haciendo los deberes de camino a clase o el excelente uso narrativo que se hace de Whatsapp, Instagram y demás), y de esos toques de cómic para momentos que, verdaderamente, se sienten tan mágicos como las animaciones que salen. Porque hay mariposas reales cada vez que te quedas mirándole encoñadísimo, y hay chispas reales en esos segundos-milenios que preceden a un primer beso o a una declaración. La mayoría de la gente asocia estas sensaciones especialmente a la adolescencia… pero muchos otros no lo hacemos. Muchos nos reímos por dentro cuando escuchamos que estas cosas son “típicas de la adolescencia”, y soltamos alguna coña al respecto. Muchos soltamos esa coña para fingir que no nos duele, porque por nada del mundo queremos sentirnos una víctima. O, ¡peor aún!, que nos tachen de victimistas después de mostrarnos vulnerables. Y ahí está el quid de la cuestión por el que también podemos decir que ‘Heartstopper’ no es realista.
Entre los fuertes de la serie de Oseman & Lyn se encuentran también su fantástico reparto (Joe Locke, Kit Connor, Yasmin Finney, Corinna Brown, William Gao, Sebastian Croft, Kizzy Edgell o Rhea Norwood, y los padrinos de lujo Olivia Colman y Stephen Fry), una representación de todo el colectivo que, lejos de parecer escrita por una inteligencia artificial woke, no se siente en absoluto forzada, y una cuidada banda sonora, tanto los temas elegidos para acompañar escenas (el uso de Wolf Alice para finalizar el piloto es toda una declaración de intenciones) como los creados ex profeso para la serie, que sin duda contribuyen al sentimiento constante de “happy place” (quizás no es casualidad que recuerden a la BSO de ‘Los Sims’). A la hora de escribir esta reseña, la serie acumula un 100% y 98% en los parámetros de Rotten Tomatoes, algo que pocas series están acostumbradas a recibir (y, la verdad sea dicha, menos aún siendo una serie de Netflix).
Pero no es que estemos ante “una serie adolescente que puede gustarle a adultos”, es que hasta es más recomendable si eres adulto y, sobre todo, si eres una persona LGBT adulta (aunque también se identificarán personas heterosexuales que no hayan podido vivir su adolescencia). Hablando en plata, no tienes que ser maricón para disfrutar de ‘Heartstopper’ (y ni siquiera tienes que ser LGBT), pero, si lo eres, es muy probable que tenga un significado extra para ti, y te toque de una manera especial. Porque en muchas ocasiones no verás ‘Heartstopper’ como realista sino como aspiracional o incluso idílica. De hecho, las posibles “pegas” que se le puedan poner van por ahí: los personajes no son perfectos pero no hay duda de que son buenas personas, los conflictos se hablan en lugar de ser puro cebo, los familiares y profesores son comprensivos y amables, y el acercamiento al bullying es bastante naif. Pero es que todo esto está en sintonía con lo que la serie pretende ser, con esa pastelada que conquistará hasta a los más cínicos.
‘Heartstopper’ es “tan bonita que parece de verdá” porque, a pesar de su realismo, parte de un imposible para muchos. Un imposible que es ahora bastante más posible en la generación que retrata la serie; aunque no estén viviendo ahora mismo una historia como la de Charlie y Nick, tienen al alcance de su mano una historia contada para ellos que les dice que por supuesto que pueden vivirla y, no menos importante, que por supuesto que la merecen. Porque la esperanza es imprescindible, ya lo dijo Harvey Milk en ese fantástico discurso, y más ahora que seguramente nos esperen años difíciles: sin entrar en temas económicos (que daría para largo) y centrándonos solo en derechos LGBT, la sensación de los últimos años de que solo íbamos hacia adelante tiene toda la pinta de detenerse. Puede que, incluso, vayamos hacia atrás. Lo bueno es que, si eso ocurre, sabremos que podemos volver. Como cuando te mataban en un videojuego cerca del final, y te daba mucho coraje pero volvías a empezar con la seguridad de que ya te sabías el camino.
Pueden quitarnos muchas cosas, pero la realidad es que ahora mismo hay un crío de 13 años viendo algo como ‘Heartstopper’, cosa que hace 10 años nos habría parecido imposible (y no digamos más décadas atrás). Eso no nos lo van a quitar. Incluso a quienes esta serie nos parezca “poco realista” por los motivos ya mencionados, la alegría que no pudimos sentir en su día es la alegría que sentimos ahora cuando vemos a dos chavalitos de esa edad cogidos de la mano por la calle. Y al ver representaciones como ésta. Aunque nadie nos pueda devolver el esplendor en la hierba nuestra adolescencia, la misma esperanza que ‘Heartstopper’ le está dando a ellos nos la puede dar a nosotros.
Florence + the Machine logra su 10º número 1 en JENESAISPOP con ‘Free’. Anteriormente llegaron a la cima de lo más votado en nuestro site ‘You’ve Got the Love (xx remix)’, ‘What The Water Gave Me’, ‘Breaking Down’, ‘Sweet Nothing’ con Calvin Harris, ‘What Kind of Man’, ‘Queen of Peace’, ‘Too Much Is Never Enough’ y más recientemente los singles de su inminente disco, ‘King’ y ‘My Love’.
Charli XCX tiene que conformarse con el puesto 2 con ‘Used to Know Me’, mientras continúa en el top 40 ‘Beg for You’, que tampoco llegó a lo más alto de nuestra lista por poco: fue top 3.
Llegan al top 10 las Cariño con ‘llorando en la acera’, y al top 20 lo nuevo de Orville Peck y Dorian. También entran dani, PUTOCHINOMARICÓN y Daddy Yankee con Rauw Alejandro.
2023 será el último año para James Corden como presentador de The Late Late Show. El humorista ha hecho pública su decisión de abandonar el programa en la emisión de este jueves 28 de abril, donde ha explicado que ha renovado por un año más, pero tras la temporada de 2023 dejará la CBS.
Justo antes de un corte publicitario, James Corden hace conocedores de la noticia a todos los espectadores conteniéndose las lágrimas: «Hace siete años y medio empecé a presentar este programa, y y cambió mi vida». «Cuando di comienzo a este viaje, siempre tuve claro que era un viaje, una aventura. Nunca lo vi como mi destino final. Siempre he querido amar lo que hago, y creo que dentro de un año será un buen momento para pasar página y ver qué más hay ahí fuera».
Corden llegó desde Reino Unido para presentar el Late Late Show en 2015, y desde entonces ha logrado convertirse en uno de los presentadores más queridos de Estados Unidos. La cultura y la música están en deuda con un presentador que ha dado todo su humor, originalidad y pasión por el arte. Dentro de un año quedarán viudos formatos como el carpool karaoke por el que han pasado desde Lady Gaga, Madonna, Foo Fighters o Elton John, pero Corden ha tranquilizado a todos asegurando que durante este último año no faltarán «ni carpools, ni crosswalks, ni sketches. Habrá sorpresas, lágrimas, muchas lágrimas».
Recordamos algunos de los mejores momentos que ha regalado James Corden:
«Les dan a elegir entre ver MasterChef o dormir poco». La diputada de Ciudadanos María Muñoz Vidal se ha quejado este jueves 28 de abril en la comisión mixta de control parlamentario de RTVE sobre la duración y el horario del programa culinario. El presidente de la corporación, José Manuel Pérez Tornero, ha reforzado su intención de «adelantar la hora de emisión y reducir el tiempo de emisión por contrato» de MasterChef.
Tornero ha dejado claras sus intenciones de adelantar el comienzo de MasterChef para las proximas ediciones, aunque en cuanto a la duración del programa, ha advertido que no depende completamente de él. «Es un diálogo constante con la productora (Shine Iberia), que tiene los derechos del formato, y estamos trabajando por esto. Hemos progresado, no hasta donde teníamos que llegar pero hemos progresado». La diputada Vidal ha añadido que MasterChef «tiene millones de adeptos que para poder disfrutar del programa tienen que acostarse de madrugada».
El año pasado, tras las abundantes protestas de los telespectadores, RTVE adelantó 10 minutos la emisión del talent show desde las 22:10 a las 22:00. En esta nueva edición el programa vuelve a su horario original, terminando casi a las 2 de la madrugada. Dar comienzo al programa antes de las 22:00 es algo improbable teniendo en cuenta el fin del telediario a las 21:55, pero la duración de MasterChef sí que acepta debate. Además, en la comparecencia, el presidente ha sido preguntado por la publicidad en el programa, a lo que ha respondido: “Hemos extremado en la contratación actual y futura la presencia editorial de RTVE en todos y cada uno de los contenidos aunque sean de producción externa”.
El gran timo de la década pasada fue sin duda la falsa separación de LCD Soundsystem: para cuando terminaron de publicar los vinilos de su concierto final, el libro y montar una exposición al respecto, literalmente ya estaban firmando su regreso en Coachella. A la zaga, lo de Swedish House Mafia, aunque por lo menos a estos les ha llevado más tiempo reunirse.
Corría el año 2012 cuando el proyecto de EDM del trío formado por Axwell, Steve Angello y Sebastian Ingrosso anunciaba su final en la cima de su carrera. Hacían una gira para decir adiós y en 2018 ya estaban sucumbiendo a las mieles de los cachés millonarios por una reunión en vivo. ‘Paradise Again’ es ahora realmente su disco de debut, pues hasta ahora solo habían publicado compilaciones y temas sueltos.
Gracias a The Weeknd pueden decir que su vuelta suma hitos a grandes éxitos como ‘Don’t You Worry Child‘. Mucho menos genérica que esta, ‘Moth to a Flame‘ no desluce nada el trabajo del último Abel Tesfaye, más bailable. Es un pequeño gran diamante en la carrera de ambos gracias al modo en que la melodía se arrastra penosa pero repetidamente hacia eso mismo: una llama a la que no debería arrimarse.
En sus mejores momentos, ‘Paradise Again’ forma un buen contraste entre la zapatilla y el alma. La apertura con ‘Time’ puede recordar tanto al mejor Moby como a Caribou. Como ella, ‘Calling On’ trata de bucear en los sentimientos más profundos gracias a la música soul. ‘Heaven Takes You Home’, con Connie Constance, es también música de baile con cierto espíritu, gracias a su uso del piano, el cual podemos vincular con la aparición de Jacob Mühlrad en ‘Jacob’s Note’, donde se van introduciendo las notas del single estrella, ‘Moth to a Flame’.
En esos primeros minutos de ‘Paradise Again’, la sensación de álbum está bastante conseguida. Las canciones son accesibles, resultonas, bonitas y están bien hilvanadas. Después, el viaje se pierde. Quizá dada su inexperiencia en el formato álbum a sus 40 ó 45 años, los featurings y las canciones de sonoridades demasiado dispersas van sucediéndose sin orden ni concierto.
Del terror de A$AP Rocky en ‘Frankenstein’ pasamos a la colaboración impersonal de Ty Dolla $ign y 070 Shake en ‘Lifetime’. Tras un penoso remedo de LCD Soundsystem en ‘It Gets Better’ pasamos a un innecesario sample de The Police en ‘Redlight’. La única idea de Swedish House Mafia para armar un álbum de hasta 62 minutos ha sido situar al final una balada de melodía emo-trap llamada ‘Another Minute’ y una producción épico-catárquica que habría funcionado mejor hace 10 años, ‘For You’. Por alguna razón, a nadie se le ocurrió hacer un álbum siguiendo la línea de los primeros 12 minutos del disco.
Lisasinson, ahora mismo el grupo ya tan sólo de Miriam Ferrero (voy principal y guitarra) y Paula Barberán (bajo y voz), sacaban hace unas semanas un divertido tema que os presentamos en «Sesión de Control«. ‘No sé muy bien’ es nuestra «Canción del Día» aprovechando que hoy viernes 29 de abril Lisasinson actúan en el Ochoymedio de Madrid.
Lisasinson ya tienen un mini LP en el mercado. ‘Perdona mamá‘ incluía canciones como ‘Barakaldo’, ‘Atasco’ o ‘Canción para mi crush’ que vinculábamos con Carolina Durante o Cariño. Yendo más atrás en el tiempo, ‘No sé muy bien’ recuerda más bien a Alaska y los Pegamoides. No a los de ‘No sé por qué’ sino más bien a los de ‘Odio’ y ‘La rebelión de los electrodomésticos’, pues suena tan vengativa como la primera y a la vez tan divertida como la segunda.
‘No sé muy bien’ es más bien un «sí sé muy bien que quiero dejarte pero no sé cómo». «Nunca serás mi amor, lo digo de corazón» es parte de una letra que deja «un whatsapp en visto», que asegura: «estoy aburrida de ti, pero en realidad estoy pensando en mí». Todo ello antes de un puente que apunta hacia la escena, más que hacia un ex. «Ya no quiero ser moderna, ahora paso del post punk / No me invites a tu puta fiesta, no soy parte de ese club».
En cuanto al vídeo, es un homenaje a la pilota valenciana, un deporte tradicional de dicha Comunidad. El director Miguel Yubero sitúa a Lisasinson en un trinquet, donde desarrollan una partida. Oficialmente es un homenaje a «la cultura valenciana, al punk-pop con raíces, al compañerismo y la presencia de las mujeres en los deportes». El 7 de mayo, por cierto, actúan en el Festival Incendiari de Burjassot junto a La Plata y Triángulo de Amor Bizarro.
La sangre de ‘La matanza de Texas’ (1974) lleva salpicando el cine de terror desde hace casi cinco décadas. Su influencia ha crecido al ritmo de la longitud de las motosierras que han ido apareciendo en sus secuelas, precuelas y remakes (la última es de este año, estrenada en Netflix).
En ‘X’ su influjo es enorme: en la premisa argumental, en la atmósfera, en la estética… Pero, a diferencia de otros, su director, Ti West, no ha buscado la simple imitación o el homenaje facilón, sino que ha reelaborado su referente, lo ha “sampleado” con elegancia, como suele hacer Tarantino en su cine y como ya hizo él mismo en su obra maestra ‘The House of the Devil’ (2009).
‘X’ es un caramelo para los aficionados al género, una juguetona escabechina de referentes que van del american gothic al porno setentero (la protagonista, Mia Goth, tiene algo de la Linda Lovelace de ‘Garganta profunda’), del slasher más salvaje (con gore artesanal a lo Tom Savini) al humor granguiñolesco, de la exploitation más chusca al terror con mensaje (la presencia de un telepredicador es constante), de guiños a clásicos como ‘El resplandor’ o ‘Psicosis’ a otros homenajes menos obvios (y más divertidos) como Lucio Fulci (la escena del ojo) o el Tobe Hooper de ‘Trampa mortal’ (1976) (el caimán en el lago).
‘X’ es pura diversión
A nivel de puesta en escena, la película funciona de maravilla. La composición de los planos, los movimientos de cámara y el montaje, destacando esos estilosos encadenados que juegan con la repetición de los planos, son fabulosos. La planificación de los crímenes es fantástica, en particular el primero, con el ‘(Don’t Fear) The Reaper’ de Blue Öyster Cult sonando de fondo. La atmósfera, entre gótica, sórdida y sensual, está muy conseguida. Y el diseño sonoro está cuidadísimo.
Ti West no se avergüenza de sus referentes. A pesar ser una producción de A24, esto no es terror elevado. Quien espere algo parecido al cine de Ari Aster o Robert Eggers se llevará un buen chasco. ‘X’ es pura diversión. Una simple, lúdica y estilizada sexploitation que solo levanta la ceja cuando pretende introducir un comentario social, una reflexión no demasiado interesante sobre la represión sexual y el miedo a envejecer. La película tendrá su continuación el año que viene. El director ha confirmado que ya ha rodado su precuela, ‘Pearl’, con el personaje que interpreta Mia Goth nuevamente como protagonista.
Zahara celebra hoy el primer aniversario de ‘PUTA‘, el mejor disco de 2021. Disco que le ha llevado a arrasar esta semana en la ceremonia de los Premios MIN al llevarse hasta cinco premios.
Con motivo de este primer aniversario, Zahara ha estrenado una canción antes inédita grabada durante las sesiones de ‘PUTA’. La ubetense la compuso mientras terminaba de grabar las voces del disco. La letra de ‘la hostia de dios’ sí estaba disponible en el boxset de ‘PUTA’, pero la canción como tal permanecía guardada en un cajón. Zahara la reservaba para publicarla en este día tan señalado en su carrera.
Producida por Marti Perarnau IV y la propia Zahara, ‘la hostia de dios’ es una composición dramática y atmosférica que habla sobre la desesperación de pedir ayuda y no recibirla, mientras Zahara lucha por espantar a sus viejos demonios. La producción mantiene el componente abrasivo de todo el disco, pero su uso de la distorsión extrema recuerda, más bien, a los últimos trabajos de Low.
La religión es una de las temáticas más importantes de ‘PUTA’, y ‘la hostia de dios’ supone un nuevo ejemplo de ello. De hecho, su último verso dice: «Seguimos rezando, pidiendo ayuda y nadie mira a su alrededor / ahora lloramos a solas / cuando la hostia que recibimos no es el cuerpo de Dios» es uno de los escalofriantes versos que deja la canción.
Por otro lado, ‘la hostia de dios’ llega de cara al inicio de la gira de festivales de Zahara, llamada ‘LA PUTA RAVE’ porque va a hacer hincapié en su faceta más electrónica y bailable. La gira arranca este sábado en el WARM UP de Murcia y pasará por el BBK Live de Bilbao, el Cruïlla de Barcelona o el FIB, antes de concluir en el Love to Rock de Valencia. Aquí puedes consultar todas las fechas.
Franc es el proyecto de Francesc Abril, cantautor de Barcelona que, después de pasar por varias bandas como The Amy’s Soul o Shindø, ha emprendido su camino en solitario. Franc tiene tres singles publicados, ‘Things’, ‘Standby’ y ‘La festa de la teva mort’. En este último, que publica la comunidad musical Acqustic, Franc se anima a cantar en catalán.
‘La festa de la teva mort’ también es el tema en el que Franc empieza a diferenciarse de un sonido ya mil veces escuchado. Ni el pop buenrollista de ‘Things’ ni el soul-pop luminoso de ‘Standby’ pueden decir lo mismo. En cambio, ‘La festa de la teva mort’ persigue un camino diferente, el de un folk-pop atmosférico que equilibra el protagonismo de unos redobles electrónicos con el sonido alborado de pianos, órganos y ambientaciones.
En redes, Franc se nos presenta como un artista que explora su gusto por las melodías pop, y que también experimenta con el folk, el soul y la canción de autor. Entre sus influencias reconocidas se encuentran Lianne La Havas, Tom Misch, Emily King o Bruno Major. Por su parte, las letras «nos hablan de emociones humanas de manera sencilla y cercana».
Por otro lado, Franc ofrece una propuesta «rica en texturas, con un discurso directo y sincero que huye de encasillarse en etiquetas, y en el que explora sonoridades que viajan desde la canción de autor al pop con influencias del soul, y de la música urbana».
A esta paleta sonora, ‘La festa de la teva mort’ incorpora por primera vez elementos electrónicos con la producción del propio Franc y Marc Sambola, los cuales llevan a Franc al terreno de un Bon Iver o un James Vincent McMorrow. La canción incluye referencias a un «agosto triste y exhausto» y a vientos que acarician la piel, funcionando casi como un elemento atmosférico más de la grabación.
Hoy salen los nuevos discos de Röyksopp, Kelly Lee Owens, Let’s Eat Grandma, Toro y Moi, Bloc Party, Kehlani, Melody’s Echo Chamber, Rammstein, Sofi Tukker, Girlpool, Future, Tomberlin, Miranda Lambert, The Head and the Heart y Frog Eyes. En el plano nacional se edita el recopilatorio «todo éxitos» de Adiós Amores.
Abrimos la playlist con ‘la hostia de dios’ de Zahara, tema antes inédito de ‘PUTA‘ que llega a las plataformas en el primer aniversario del disco. Le sigue dos de los lanzamientos más importantes del viernes, los nuevos singles de Sam Smith y Ava Max sobre los cuales ya hablamos en portada. Además, Babi vuelve con un tema que ya se encuentra entre lo más escuchado en Youtube.
En las últimas horas, Wilco han dado la sorpresa anunciando álbum doble, y lo adelantan ya con el primer single. También siguen avanzando sus respectivos trabajos Arcade Fire, Angel Olsen, Flume, Superorganism, Regina Spektor, Sean Nicholas Savage, beabadoobee o The Black Keys.
Entre las novedades que puedes escuchar ya en la playlist actualizada se encuentran también las nuevas propuestas de Marshmello con Tokischa, Holly Humberstone, la revelación pablopablo, Tegan and Sara, Kimberley Tell con mariagrep o Iseo & Dodosound.
Por otro lado, algunas de las novedades que hemos comentado en portada a lo largo de la última semana son la versión original de ‘Ay mamá’ de Rigoberta Bandini, el nuevo single de Bizarrap con Paulo Londra, la versión de Neneh Cherry por Sia o el regreso de Tamino.
Para escuchar muchas más novedades te invitamos a suscribirte a las playlist de Sesión de control -dedicada a la música en castellano – o Flores en el estiércol, en la que Raúl Guillén selecciona sus novedades favoritas de las últimas semanas.
Ava Max ha estrenado esta noche su nuevo single. ‘Maybe You’re the Problem’ es un tema que Ava lleva varios meses avanzando en redes sociales, especialmente en TikTok, y que por fin está listo de ver la luz al mundo.
‘Maybe You’re the Problem’ contiene la frase «it’s not me, it’s you», que nos lleva directamente al segundo disco de Lily Allen. Sin embargo, por sonido, en realidad estamos ante la enésima reencarnación de ‘Blinding Lights’ como ya sugerían los primeros avances.
En las últimas horas, Ava había mostrado también la portada de ‘Maybe You’re the Problem’, que la sitúa exactamente entre dos eras de Christina Aguilera, la de ‘Ven conmigo’ y la de ‘Dirrty’. La nostalgia por el pop de los 2000 no se ciñe únicamente a las girl bands.
Pero qué le vamos a contar a Ava Max: ella fue una de las primeras artistas de pop en recuperar el sonido eurodance de aquella época. Tanto fue así que muchos se resistieron entonces a tomársela en serio, para después descubrir que la artista había hecho un disco buenísimo. ‘Heaven and Hell‘ fue uno de los discos de pop clave de 2020.
En los últimos tiempos, Ava ha seguido triunfando con ‘The Motto’, su colaboración con Tiësto, que ha sido un éxito especialmente en Europa. A solas, ‘Head & the Heart‘ le ha seguido dando alegrías, mientras ‘EveryTime I Cry’ se ha estancado injustamente en listas.
Sam Smith ha estrenado esta noche su nuevo single ‘Love Me More’. Se trata del regreso de Smith tras el fracaso comercial de ‘Love Goes’, un tercer disco que decepcionó a la crítica y tampoco movilizó al público a las tiendas.
‘Love Me More’ no es exactamente el regreso al blanco y negro de Smith que parecía. Estamos ante una «midtempo ballad» que recuerda a ‘Stay with Me’ en varios elementos, como el piano o los coros góspel. Sin embargo, la nueva canción se diferencia de aquella por su marcado ritmo hip-hop, que nos lleva más bien a los tiempos de ‘Frank’ de Amy Winehouse, añadiendo color.
Ese «mí» del título de ‘Love Me More’ no es otro que Sam, quien en la canción describe sus problemas de autoestima. Habla de mirarse en el espejo y no reconocerse y lamenta que «cada día intento no odiarme a mí misme». Sin embargo, finalmente celebra que estos sentimientos ya no le atormentan tanto a día de hoy, porque ha aprendido a quererse.
El mundo del pop aguardaba con ganas el regreso de Smith, quien llegara a vender 7 millones de copias de su debut, ‘In the Lonely Hour’. El siguiente, ‘The Thrill of it All’, vendió alrededor de 2 millones gracias al gran éxito del primer single ‘Too Good at Goodbyes’, que lleva mil millones y medio de reproducciones en Spotify.
Los éxitos más recientes de Smith, como ‘How Do You Sleep?’, ‘Diamonds’ o ‘Dancing with a Stranger’, ha tirado por un sonido decididamente pop y electrónico. Sin embargo, también hay que recordar que la orquestal ‘Fire on Fire’ lleva 440 millones de streamings. ¿Conseguirá encarrilar la carrera de Smith este ‘Love Me More’ que reinventa su sonido un poquito?
El Primavera Sound no solo ha extendido sus escenarios a Madrid y Oporto, sino que ha anunciado tres nuevas ediciones en Argentina, Chile y Brasil. Ya se han publicado los carteles de los tres festivales, y el Primavera Sound va a por todas en Latinoamérica con Arctic Monkeys, Björk, Travis Scott, Lorde, Father John Misty, Charli XCX, Mitski, Phoebe Bridgers, Interpol, Beach House y Arca.
Las redes se han incendiado tras conocerse los artistas que actuarán en Santiago de Chile, Buenos Aires y São Paulo, siendo los más comentados Lorde, Arctic Monkeys y Phoebe Bridgers. Además de estrellas internacionales como estas, hay que destacar que el Primavera Sound ha apostado por varios nombres nacionales como Amaia, Bad Gyal, Soto Asa, Carolina Durante o Los Planetas en su cartel. Otros artistas que completan este line-up de primera son Jessie Ware, Shygirl, Caroline Polachek, Japanese Breakfast o JPEGMAFIA.
Uno de los temas más comentados está siendo la inclusión de Travis Scott en el festival después de su paso por Astroworld. De hecho, esta será la vuelta a los festivales para el cantante después de que también lo eliminaran del cartel de Coachella tras la tragedia.
La edición del Primavera Sound en Brasil se celebrará entre el 31 de octubre y el 6 de noviembre, mientras que Chile y Argentina lo acogerán del 7 al 13 de noviembre. Los abonos ya están a la venta en su página web.
Wilco lanzará el mes que viene un nuevo álbum doble llamado ‘Cruel Contry’, y ya han compartido el primer single, ‘Falling Apart (Right Now)’. Esta noticia llega tan solo una semana después de que anunciaran la reedición del álbum ‘Yankee Hotel Foxtrot‘ por su 20 aniversario.
El título del álbum, ‘Cruel Country’, juega con el debate de si el grupo es una banda country o no. Su líder Jeff Tweedy explica en una nota de prensa: «Han existido elementos de música country en todo lo que hemos hecho. Nunca nos hemos sentido realmente cómodos con esta definición, con la idea de que estabamos haciendo música country. Pero ahora, después de todos estos años, nos parece liberador aceptar el simple hecho de llamar a la música que estamos haciendo: country». Además, la idea de comparar el concepto «cruel country» con el propio país de Los Estados Unidos es algo que también ha tenido en cuenta Wilco. Según Tweedy, el álbum ofrece una narrativa conceptual sobre la historia del país.
‘Cruel Country’ saldrá a la venta el 27 de mayo. Prácticamente los 21 temas del álbum son fruto de sesiones en vivo grabadas en el estudio por los seis integrantes de la banda. De momento han adelantado su primer single, ‘Falling Apart (Right Now)’, con un videoclip grabado en el propio estudio de grabación.
Tracklist de ‘Cruel Country’:
1. ‘I Am My Mother’
2. ‘Cruel Country’
3. ‘Hints’
4. ‘Ambulance’
5. ‘The Empty Condor’
6. ‘Tonight’s The Day’
7. ‘All Across The World’
8. ‘Darkness Is Cheap’
9. ‘Bird Without A Tail’ / ‘Base Of My Skull’
10. ‘Tired Of Taking It Out On You’
11. ‘The Universe’
12. ‘Many Worlds’
13. ‘Hearts Hard To Find’
14. ‘Falling Apart (Right Now)’
15. ‘Please Be Wrong’
16. ‘Story To Tell’
17. ‘A Lifetime To Find’
18. ‘Country Song Upside-down’
19. ‘Mystery Binds’
20. ‘Sad Kind Of Way’
21. ‘The Plains’
Neneh Cherry ha anunciado ‘The Versions’, un álbum recopilatorio de versiones interpretadas por otros artistas. Una larga lista de artistas unidas a la cantante versionarán 10 canciones extraídas de su repertorio. Entre estas artistas se encuentra Sia, quien ha lanzado hoy su propia interpretación de ‘Manchild’, canción originalmente de 1989. Además de Sia, los otros nombres que ponen voz a ‘The Versions’ son Robyn, Mapei, ANOHNI, Jamila Woods, Sudan Archives, Kelsey Lu, Honey Dijon, Seinabo Sey, Greentea Peng y Tyson.
‘Manchild’ se incluyó en el álbum debut de Neneh Cherry ‘Raw Like Sushi‘, que se reeditó en 2019. La canción no tiene una melodía fácil, y esta nueva versión descubre a Sia rapeando sus estrofas, algo a lo que no acostumbra la artista.
La amistad entre Neneh y Sia se remonta muchos años atrás. Sia confiesa en una nota de prensa: «Cuando estaba lidiando con problemas mentales con unos veinte años, de alguna manera terminé en su casa y me cuidaron como si fuera una de sus propias hijas. Llamé a su marido en un intento de suicidio, quien me había estado asesorando como un productor musical increíble, y me dieron todo el amor que podría haber soñado».
Además de ‘Manchild’, Neneh también compartió en marzo una nueva versión de su hit ‘Buffalo Stance’ interpretada por Robyn y Mapei. El videoclip del single lo protagoniza Indya Moore, conocida por su papel en la serie Pose, donde también utilizaron la versión original de la canción. El disco ‘The Versions’ estará a la venta a partir del el 10 de junio.
‘The Versions’:
01 Neneh Cherry/ Robin: ‘Buffalo Stance’ ft. Mapei
02 Neneh Cherry / Sia: ‘Manchild’
03 Neneh Cherry: ‘Woman’ ft. ANOHNI
04 Neneh Cherry: ‘Buddy X’ ft. Greentea Peng
05 Neneh Cherry: ‘Kootchi’ ft. Jamila Woods
06 Neneh Cherry: ‘Sassy’ ft. Tyson
07 Neneh Cherry: ‘Heart’ ft. Sudan Archives
08 Neneh Cherry: ‘Kisses on the Wind’ ft. Seinabo Sey
09 Neneh Cherry: ‘Manchild’ ft. Kelsey Lu
10 Neneh Cherry: ‘Buddy X (Honey Dijon Remix)’
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‘Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space’, la obra magna de Spiritualized, va a cumplir 25 años en breve. ‘Everything Was Beautiful’, el último disco de Jason Pierce, aka J. Spaceman, conecta con ella, como si de un homenaje se tratara: el diseño de portada de Mark Farrow vuelve a ser una caja de medicamento; el disco abre también con una locución femenina, sólo que esta vez cambia el enunciado de ‘Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space’ por el título de este nuevo disco…
Claro que también ‘A Perfect Miracle’, el tema inicial de ‘And Nothing Hurt’, recordaba melódicamente a ‘Ladies…’, la canción. Quizás este doble juego de espejos se deba a que ‘Everything Was Beautiful’ se pergeñó casi a la vez que ‘And Nothing Hurt’. Solo que su construcción es más fastuosa. Son siete canciones grabadas en once estudios diferentes con treinta músicos, entre cantantes, vientos y cuerdas. Para rematar, Pierce además toca hasta dieciséis instrumentos distintos. Todo para sonar sonoramente ambicioso y apabullante, como tan (mal) acostumbrados nos tiene Pierce. Tanto exceso instrumental no se traduce en exceso de tiempo: este es el disco más corto de Spiritualized. Sólo dura 44 minutos.
A Pierce el confinamiento parece haberle sentado bien: en ‘Everything Was Beautiful’ la energía fluye a borbotones. Sus particulares himnos religiosos aquí tienen mucho de exaltación y poco de recogimiento o melancolía. El álbum abre con la que, para mí, fue la mejor canción de todo 2021: ‘Always Together With You’. Una absoluta locura que parte de una demo de 2014 que Pierce convierte en un monumento de pop. Una rendida declaración de amor, de letra tan simple como arrebatadora: “If you want a radio I’ll be a radio for you, If you want an aeroplane I’ll be an aeroplane for you…». Y así todo el rato.
Con estas repeticiones, Pierce construye un puente emocionante que rompe en un estribillo glorioso y catártico, un muro de sonido a la Phil Spector erigido sobre coros angelicales, delirios orquestales, rock espacial y castañuelas locas. Pero también contiene versos envenenados: “Justo cuando pensabas que tu vida estaba contenida en una papelina llena (…) tu actitud cambia / Quedaos con vuestro San Valentín, Catie y Constantine”. Una doble referencia a la heroína y parece que a Kate Radley, pareja de Jason, al que dejó para casarse con Richard Ashcroft, ambas protagonistas de ‘Ladies and Gentlemen…’.
El Jason más rockero, soul y psicodélico aparece en la segunda canción, ‘Best Thing You Never Had (The D Song)’. Es un chute energético y stoniano sobre un desvarío de vientos y coros multiplicados, que actúa de remedo de ‘Come Together’ y también como hit del disco. La aparente calma de ‘Let It Bleed’ rompe enseguida en otra oleada de exaltación a los Beatles psicodélicos, con las voces elevándose cual catedral gótica. Muy grata sorpresa es la nana-vals-country ‘Crazy’, escrita y cantada con Nikki Lane, en la que la sensación de intimidad no se pierde ni aun con sus fantásticos y grandilocuentes coros.
La cara B parece tener una masterización más pastosa que la cara A; los temas suenan menos claros que las precedentes. Pero da un poco igual, porque es una absoluta locura, en la que el Jason más mesiánico (en el buen sentido) y desmedido devora al chico tierno. Y porque cuando llegamos a ‘The Mainline Song/The Lockdown Song’, el efecto de la música de Spiritualized abruma: se inicia con una introducción instrumental que es puro delirio y delicia, para retratar a continuación la belleza de la ciudad durante el confinamiento, esa sensación de euforia que te invade cuando es de noche, todo está desierto y las calles te pertenecen; el síndrome de Stendhal amenaza con ahogarte gracias a la combinación de voces y flautas y clarinetes que forman el fondo y los toques de teclado tan Beach Boys.
‘The A Song (Laid in Your Arms)’ es otro crescendo perpetuo y ensordecedor, que rompe en un caos que enerva y electriza. Jason se guarda cierta amargura y algo parecido a la contención para cerrar con ‘I’m Coming Home Again’, casi diez minutos de liturgia rock que se va abriendo a saxos, coros y percusiones en progresiva subida, entre alusiones a la Virgen María, los calmantes y cierto hastío existencial.
Parece que Jason Pierce siempre haga un ejercicio de recuperación, de memoria, de relectura de sus obras pretéritas. Esa necesidad de ahondar en sus temas recurrentes (amor, drogas y Dios), en sus fantasmas, lejos de limitar su discurso lo expande. Lo que en otros sería mero revival sin ideas, en el caso de Pierce adquiere otra dimensión: es más de lo mismo, pero en el caso de Spaceman, ese “mismo” es una maravilla. Una música casi imposible para cualquiera, que Pierce hace tan fácil. Otro milagro más.
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