Hoy 16 de julio salen nuevos discos de Clairo, Wavves, WILLOW, Tones and I, John Mayer, Alice Coltrane (una reedición) o el nuevo trabajo póstumo de Pop Smoke con colaboraciones estelares. Esta semana también ha visto la luz un EP de Yves Tumor.
En cuanto a singles sueltos, Shakira estrena hoy su single, bastante diferente a lo que ha solido hacer, y Normani presenta el suyo con la compañía de Cardi B tras un tiempo más o menos desaparecida. Además, Carolina Durante siguen avanzando su disco con un segundo adelanto y CHVRCHES presentan el tercero de su próximo trabajo, mientras Vetusta Morla ya han dado a conocer el primer single de su nuevo álbum.
Hoy presentan, o han presentado a lo largo de los últimos días, nuevas propuestas nombres internacionales como Mabel, The Chemical Brothers, Carolina Polachek con un ‘Bunny is a Rider‘ que hemos destacado en portada, Bastille, Alessia Cara, Walk the Moon, Aqua (para el Pride), Peach Tree Rascals, Conan Gray, Natalie Imbruglia, Baby Queen o Fryars, y también figuras nacionales como Don Patricio, Chica Sobresalto, La Zowi, Corizonas, Bea Pelea, Los Vinagres o MANTRA.
Entre las novedades de la semana también encontrarás un remix «muy 2021» de ‘Creep’ de Radiohead por parte de Thom Yorke, una nueva versión de ‘Venus Fly Trap’ de Marina con la participación de Tove Lo, un nuevo tema de Haim para la BSO de ‘The Last Letter from Your Lover’ o nuevos singles de Fuel Fandango, Anne-Marie, LANY, Modo Avión, Likke Li con Tyler, the Creator (un remix de ‘I Follow Rivers’) o Chet Faker, entre otros.
Madonna confirma al fin la fecha de edición de la película que documenta su última gira, el ‘Madame X Tour’ que se centró por primera vez en su carrera en teatros, y tuvo que terminar 2 días antes de tiempo debido a la pandemia. Antes de eso ofreció 75 conciertos, cancelando algunos de los previstos especialmente en Lisboa, París y Londres debido a una dolencia en cadera y rodilla de la que tan sólo se ha recuperado recientemente.
Se llama al proyecto «documental», pero se desconoce si se ahondará en esas dolencias u otras cuestiones relacionadas con el disco ‘Madame X’, o simplemente recoge las canciones interpretadas en directo: actualmente es habitual llamar «documental» a un «live» con un par de declaraciones intercaladas entre canción y canción. Desde luego se ha compartido el tráiler con un popurrí de números del show, en el que suena ‘Crazy’ del último disco, y cualquier parecido con ‘Truth or Dare’ es pura coincidencia.
Tras rumores que apuntaban a Netflix, es Paramount + quien se ha quedado la exclusiva para toda América, Australia y Escandinavia, mientras Deadline informa de que, en el resto del mundo, será MTV quien lo emita. Sería, pues, el caso de España, aunque este extremo suponemos que se confirmará en las próximas semanas. La fecha de lanzamiento es el próximo 8 de octubre. Recuerda que puedes leer nuestra entrevista con Madonna sobre este último disco, aquí.
‘Shoot for the Stars, Aim for the Moon‘ fue exactamente el 4º disco más vendido en todo el mundo en 2020 según las estimaciones de Mediatraffic. Dos canciones consiguieron llegar al top 10 del Billboard Hot 100: la melosa ‘What You Know Bout Love’ y ‘For the Night’, esta última un medio tiempo entre el trap y la guitarra junto a Lil Baby y DaBaby.
Pop Smoke había sido asesinado en su casa a la edad de 20 años en febrero de 2020, pero su legado continúa y esta misma noche sale al mercado un álbum suyo llamado ‘Faith’ cuyo tracklist se acaba de revelar tan sólo horas antes.
La lista de invitados es de vértigo e incluye nombres familiarizados con el pop como Dua Lipa (precisamente una gran amiga de DaBaby, pues ambos han hecho de ‘Levitating’ un macrohit) y Pharrell, polémicos como Chris Brown, omnipresentes como Future y Quavo, Kanye West, Pusha T, 21 Savage… Una obra de ingeniería en la producción sobre la que se desconocen más detalles sobre la forma de grabación. Pop Smoke habría cumplido 22 años estos mismos días, en concreto el próximo lunes día 20 de julio, por lo que el disco sale para celebrarlo.
1. “Good News”
2. “More Time”
3. “Tell the Vision” feat. Kanye West and Pusha-T
4. “Manslaughter” feat. Rick Ross and The-Dream
5. “Bout a Million” feat. 21 Savage and 42 Dugg
6. “Brush Em” feat. Rah Swish
7. “Top Shotta” feat. Pusha-T, Travi, and Beam
8. “30” feat. Bizzy Banks
9. “Beat the Speaker”
10. “Coupe”
11. “What’s Crackin” feat. Takeoff
12. “Genius” feat. Lil Tjay and Swae Lee
13. “Mr. Jones” feat. Future
14. “Woo Baby Interlude”
15. “Woo Baby” feat. Chris Brown
16. “Demeanor” feat. Dua Lipa
17. “Spoiled” feat. Pharrell
18. “8-Ball” feat. Kid Cudi
19. “Back Door” feat. Quavo and Kodak Black
20. “Merci Beaucoup”
El mismo año en que el único ‘Justice‘ que ha sido noticia ha sido el de Justin Bieber, para desgracia de los propios Justice, a los que el canadiense ha saqueado el logo, y no es ninguna coincidencia sino que lo ha hecho de verdad; y para desgracia también de la música pop en general, porque qué disco más malo, uno de los dos integrantes de Justice ha decidido publicar su primer disco en solitario. ‘Escapades’ es la aventura space age de Gaspard Augé y aunque sigue sonando a Justice también propone una visión más excéntrica, kitsch y «over the top» de su sonido, hasta el punto de recordar en espíritu a los trabajos más polémicos de Daft Punk, Arcade Fire o M83. Pocas portadas dicen tanto de lo que su disco contiene.
Ha contado Gaspard Augé que su intención con ‘Escapades’ ha sido «traer la diversión de vuelta» porque «hoy en día muchos artistas están ávidos de que se les valide públicamente y se toman a sí mismos demasiado en serio». Para el productor francés la diversión pasa por sonar ligeramente hortera y no tener ningún tipo de prejuicio con ello, hasta el punto de que el single principal de este disco, el hi-NRG de ‘Force majeure’, que ha sonado en la televisión británica durante la transmisión de la Eurocopa, suena a una canción que podría haber aparecido en la banda sonora de ‘Rocky Balboa’ o alguna película de su estilo… y de su año. Por otro lado, el neo-disco de ‘Rocambole’ no puede ser más eso, rocambolesco en el buen sentido y ‘HEY!’, otro de los momentos destacados, es totalmente camp sin dejar de inspirarse en los arpeggios típicos de Giorgio Moroder.
Si a Justice las reglas de lo que supuestamente dictaminan el buen gusto ya les daba absolutamente igual cuando sacaron un disco enormemente inspirado por el rock duro y después otro con influencias de Supertramp, la Electric Light Orchestra o de los 70 en general, ‘Escapades’ es el paso siguiente y lógico en esa misma dirección. Augé se ha inspirado en la música de biblioteca de los 60, 70 y 80 y en sus bandas sonoras favoritas, es decir, en la música que más escucha por extraño que parezca y, así, le ha salido un disco con elementos de esas épocas pero que suenan revestidos con la armadura electro de Justice… que, en este caso, es un poco la de siempre porque ‘Escapades’ no suena especialmente moderno ni contemporáneo en el contexto de la música actual. Quizá la intención ha sido que suene añejo, incluso desde un punto de vista técnico.
Entre los momentos a destacar de ‘Escapades’, la balada ‘Europa’ combina elementos de electrónica y prog-rock para dar paso a una voz femenina celestial que se suma a la grabación casi sin avisar, como un fantasma que de repente aparece para acompañarte en un paseo; ‘Pentacle’ es un buen ejercicio de intriga con ecos a Air y ‘Captain’ el momento más ‘Junk‘ de ‘Escapades’ pues su melodía parece sacada de la sintonía de un viejo programa de dibujos animados. Es un estilo de sampleo que a M83, a The Avalanches y a Polo & Pan les ha funcionado y se puede decir que a Augé también.
Pero, en este ‘Escapades’ totalmente instrumental, los temas mencionados se suceden con otros menos memorables como ‘Lacrimosa’, ‘Belladona’ o ‘Casablanca’: en todos ellos se nota que Augé ha buscado enrarecer, enturbiar esos sonidos y melodías que probablemente recuerdas haber escuchado en tu infancia. Ya sea con sintetizadores alucinógenos o efectos de producción varios, la idea ha sido hacer sonar extraño lo familiar, pero las canciones simplemente no están a la altura de las mejores. ‘Escapades’, como disco hedonista que es, se pasa rápido, pero no resulta tan divertido como promete su concepto. Y es que, teniendo en cuenta temas como el delirante ‘Rocambole’, podría haber sido una cosa bastante más loca.
Me cito con Miren Iza, «Tulsa», en el Café Pavón, un sitio muy de moda, al menos antes de la pandemia –yo ya no sé casi nada de Madrid-, que siempre he odiado para realizar entrevistas por su espantosa acústica. Logré en su momento engañar a Vicente Navarro para irnos a otro lugar, pero esta vez ha habido un malentendido con la hora a la que hemos quedado y no me atrevo a sugerirlo apenas. Es difícil entender algunas frases y sé que la transcripción será un calvario que retrasaré semanas, pero es realmente la conversación que más he disfrutado con la artista. Siempre tuvo cosas interesantes que decir, desde su espléndido debut, pero esta vez, además, me río mucho.
Tulsa ha estado a punto de tirar la toalla en la industria musical aunque casi nadie se haya enterado. Me encantaría decir que ‘Ese éxtasis’ es una resurrección como un piano y el álbum en el que definitivamente aclamarán las masas, pero hay cierto componente esquivo en su ejecución. Una vez más. Hablo sobre todo ello con Miren, psiquiatra «en la vida real», artista en esa fantasía de industria musical que estamos viviendo en los últimos tiempos. Os recordamos que tras singles como ‘Autorretrato’, una de las mejores canciones de 2020 para JENESAISPOP, ‘Ese éxtasis‘ es ahora nuestro «Disco de la Semana».
Este disco empieza con ‘Autorretrato’, una canción que da para una entrevista entera. ¿Es real o hay cosas ficcionadas?
Es un juego, algunas cosas no son enteramente ciertas. Como cualquier autorretrato, abre la puerta a la ficción. Es un ejercicio literario llevado a una canción: yo quería ir metiendo cosas muy prosaicas, banales y cotidianas… que te preparan para el punto emocional.
Hablas de tus hermanos y dices «ellos ya saben cómo soy». Independientemente de que tengas hermanos o no, sí has buscado cosas con que la gente empatice…
La experiencia más personal es la más universal. Un hermano te ha visto en tus momentos altos y bajos y conoce todas tus miserias, porque dentro del seno familiar se movilizan cosas que en otros ámbitos no ocurre. Pero si no tienes hermanos, también te puedes identificar. En el vídeo salen mis amigas en bici, y pensé que podría haber dicho «mis hermanas», porque también tengo hermanas de otro tipo.
Has dicho que todo autorretrato tiene algo que no es verdad. ¿Y eso?
Ese intento de fidelidad a la realidad es tramposo, siempre es una fantasía. Nos gusta que sea fiel y que la gente se ciña a la verdad… ¿pero qué coño es eso de la verdad? El libro de Edouard Levé (que inspira el tema, ‘Autorretrato’) habla de política, de amores, de cómo se viste… pero te cuela cosas y te va haciendo una idea fragmentada de una persona. Piensas que es buena persona, piensas que es un tío guapo, aunque no habla de cómo es… ¿Pero qué más da si es así o no? Al final importa lo que yo recibo. Ni siquiera lo que el autor quiere transmitir. Sino la idea que yo me hago con esos fragmentos que me da.
Me gusta la actitud de hacerle frente a la muerte con alegría, con fuerza, con desdén
Dices que no tienes miedo a la muerte, que no sé si será verdad o no, pero al menos te lo planteas.
Es una especie de reacción a ese miedo. Me gusta la actitud de hacerle frente a la muerte, incluso con alegría, con fuerza, con desdén, como diciendo: «¡ven aquí!». Me hace gracia como ejercicio de imaginación. Obviamente me da miedo la muerte, no mucho la mía, creo. Me da mucho miedo la muerte de los demás. Sobre la mía, no soy una persona aprensiva. Si me monto en un avión, pienso en la muerte y me duermo. No soy temerosa. No voy por la vida con muchísima precaución. Soy bastante kamikaze en general, como se ve al principio de esta letra. Me gusta el punto de heroína: «¿dónde está la muerte? ¡Ven aquí que yo te espero!».
Pero de repente, hay un punto en el que esto se transforma en una canción de amor…
Esto que te digo igual no lo crees. Pero muchas veces me acusan -y digo «acusan» de acusación crónica- de que mis canciones van de amor, y muchas veces van para mí misma. Hay una aceptación de que yo soy una compañía para mí misma. Juego con mi pareja, con alguien que está cerca… pero hay algo de un diálogo mío, no hay nadie interpelando.
Lo he pensado pero no cuela en este caso, porque dices que no te da miedo tu muerte, sino la de otra persona. Dices: «Me da miedo perderte».
Eso ya no es la muerte, es me da miedo que te vayas. Pero bueno, qué más da, si para ti es otra cosa… Eso es lo importante (risas)
Las canciones, el cine, la literatura… están aquí para corregir el mundo
Me gusta mucho también lo de «No me importa que me engañen». Aunque no me identifico, igual sí que está un poco sobrevalorada la verdad.
A mí tampoco me gusta que me engañen (risas) Has dado con una gran mentira en la canción. Lo que pasa es que me gustaría que fuera así. Entonces, ¿por qué no lo voy a poner en una canción? Si estamos para corregir el mundo con las canciones, el cine, la literatura…
Y finalmente, respecto a esta canción, te pregunto por la frase «No creo en los festivales»…
Esta es verdad. Los festivales en su origen son una cosa muy apetecible, bien pensada, un sitio donde se encuentran los grupos con el público… pero algunos se han convertido en algo obsceno. Me parece que nos utilizan para vender cerveza, nos tratan como a ganado tanto a los grupos pequeños y medianos como al público. Cuando he ido como asistente, me he sentido fatal. Y cuando he ido a tocar, muchas veces también. Me programan a malas horas, con un tiempo muy estricto, casi echándome del escenario, pagan poco… Cuando he vuelto a casa me he sentido como si me hubieran dado una paliza. Creo que nos estamos equivocando. Yo creo que lo sabe todo el mundo. Hay festivales como el Vida, que dices: «qué bien». Pero son pequeñitos, entroncan con la idea de compartir, que vayan varias generaciones… Pero un macrofestival con colas, los baños, el transporte… Es una broma. Y se está cargando un tejido que no sé si se va a recuperar, y menos después de esta pandemia.
Nos estamos equivocando con los festivales, yo creo que lo sabe todo el mundo
¿Cómo te gustaría que fuera la industria en ese sentido?
Que fuera más respetuosa sobre todo con el público, el gran maltratado. Lo digo sobre todo por cuando he ido de público. Me he preguntado cómo aguanta esto la gente, qué paciencia tienen que tener y qué entrega y qué amor a la música o qué ganas de fiesta. Porque la experiencia podría ser muchísimo más agradable.
Hay una serie de festivales que cuidan un poco más estas cosas, con un público muy pequeño. Pero mi sensación es que la industria no funcionaría sin esos macrofestivales con decenas de miles de personas de público casual pagando por esa experiencia.
Esa es la trampa que quieren que pensemos todos. En todo el capitalismo pasa eso: «o es todo o es nada, elegid». No, no, perdona: siempre hay un modelo alternativo, hacer cosas más pequeñas, más manejables. Y esos cachés tan desorbitados para los grupos grandes, que encima te priva de verlos en sala… Todos lo sabemos. Yo veo Angel Olsen en la Sala But y lloro, y me transforma la vida. La veo, no sé, en Benicàssim y me lo paso bien porque estoy con amigos, pero no es igual.
Los grupos tenemos esta cosa de estar en festivales porque si no, no existes. Y cuando vas, te ponen de cualquier manera, y vuelves completamente humillado
¿Dónde te gusta tocar?
Voy en muchos formatos diferentes, cada formato tiene su cosa. Me gusta una sala de 500 personas. Y cuando voy sola, como es fácil, la gente está sentada y atenta, puedo hablar con el público y me voy elevada. Con los festivales, con perdón, porque me gustaría que fuera de otra manera, porque con ‘Centauros’ fuimos a bastantes, me llevé una decepción enorme. Los grupos tenemos esta cosa de estar en festivales porque si no, no existes. Y cuando vas, te ponen de cualquier manera, y vuelves completamente humillado (risas)
Este año no has podido echarlo de menos…
Me pasó una cosa. Que iba a tocar en Tomavistas. El de septiembre se canceló, pero como había cierta presión social, lo volvieron a montar, pero ya no contaron conmigo. Dije: «a tomar por culo, lo dejo todo. No levanto cabeza». Pues no, no los echamos de menos. Creo en otro modelo. Si hay festivales, que sean de otro tipo.
El pasado otoño me dije: «a tomar por culo, lo dejo todo. No levanto cabeza». Pero ya estoy a tope
Tomavistas es más bien un festival de esos pequeñitos… No es un Mad Cool, aunque para mí sean igual de importantes.
Para mí es más importante: a Mad Cool no voy a ir nunca. Nunca le dije a Jose (de Tomavistas) lo que había pasado, porque ellos tampoco pueden estar en eso…
Tengo la sensación de que los eventos que se han hecho durante la pandemia están bien para los artistas a los que ya les iba bien…
Tomavistas es diferente, tiene otra filosofía, y la gente es de otra manera. Está pensado de otra manera. Creo yo. Me podría haber pasado con cualquiera. Me vine bastante abajo y decidí no tocar, sino esperar. Desde el sello me propusieron hacer cosas en abril, mayo… pero yo no podía más con el programar y cancelar. Tengo cosas pequeñas en verano yo sola o en dúo.
Te veo muy feliz, me estás contando unas penurias, y estás muerta de risa…
No estoy tomando antidepresivos (risas) porque podría ser. Que a veces estás con antidepresivo y estás distanciada de las cosas. Recuperé fuerzas. Me dije que no era obligatorio tocar, ni sacar el disco y me fui recuperando. Estoy contentísima: cuando el disco sale, te liberas. Y ahora ya estoy a tope.
No recuerdo verte tan contenta en ninguna entrevista. Además, el disco es oscuro…
¿Te parece?
¿Has visto la portada?
¡No…! (risas)
«Me encanta rebozarme en la oscuridad»
‘Gran fuerza domadora’ por ejemplo parece divertida, por texto, pero luego suena oscura.
Yo tiendo a lo oscuro completamente. Está en mí. Ángel Luján (productor), que me conoce mucho, está pendiente de que no gane todo el rato la batalla eso. Esta es una canción en principio de amor, de la fase inicial de un enamoramiento. Y luego se oscurece. Pero era más oscura. Ángel siempre pone luz en sitios, porque me encanta rebozarme en la oscuridad.
Pensé que Betacam estaba más implicado porque me coincide la grabación poco nítida, nada resplandeciente, con las cosas que hace en Rusos Blancos…
Opaca, más grave, menos agudos… Eso nos gusta a los dos. Me encanta que lo digas porque Betacam tocó en el disco y estaba muy inspirado. Me dijo que estaba muy contento y que se reconocía, pero yo ya llevaba trabajando 2 años con Ángel.
Un par de canciones podrían ser divertidas de otra forma, como ‘Destrucción Mutua Asegurada’, que suena un poco jamaicana…
Pero la producción te parece grave y seria…
… cuando las letras a veces me hacen reír.
Eso sí es intencionado. El contraste me gusta porque las letras no son paródicas o cómicas enteramente. No van al chiste. Son distanciadas, pero creo que para que te dé esa impresión cómica, la base tiene que ser seria y grave. Me suena a Destroyer. O a Michelle Gurevich, una rusa-canadiense, una especie de Leonard Cohen muy poco conocida, con letras con ironía donde todo es bastante oscuro y detectas que hay una sorna… Mi forma de hacer lo cómico es desde lo serio. La base no va a ser chistosa. No va a ser Harry Nilsson, ni Beatles, tipo parodia, saltarina, musical… no está para nada en mí. Cero.
‘Yo no soy Penélope’ también te hace sonreír cuando dices lo de «imbécil».
La veía muy teatral y pensé en llamar a Martirio, pero me apetecía tanto cantar eso a mí… Es muy Paquita la del Barrio. Cuando dice: «¿me estás oyendo, inútil?».
Sentirse excluido es un tema en este disco.
Sí, claro.
¿Por qué?
Porque muchas veces me siento así, que no estoy en la norma, donde debería estar. Que he perdido un tren (risas) El título es «un éxtasis alejado», un éxtasis inalcanzable que vislumbras pero nunca vas a tener. Está en ‘La Piscina’, ‘La Boda’, ‘Os oigo follar’… es lo que atraviesa todo el disco. Los caminos secundarios. Por un lado me interesa la gente de los caminos secundarios, pero también miro a la gente que va por la autopista y pienso «qué bien se debe de ir por esa pista tan cómoda» (risas)
Muchas veces siento que no estoy en la norma, donde debería estar. Que he perdido un tren
Pero tampoco es un disco conceptual…
No lo he compuesto con esa idea. A veces no sabes lo que une a todas las canciones. Para mí lo más difícil es empezarlo. A veces quieres hacer un Caetano Veloso, algo extremadamente bello y que la gente se corra de gusto. En otros, el disco tenía el motor de resolver algo en lo afectivo. En ‘Centauros’ era la mezcla, la bastardía, lo no puro…
Háblame de ‘Los volcanes avisan’, que es como una canción más comercial, pero no…
Tengo un problema con la percepción de las cosas. A mí sí me parece súper alegre, demasiado comercial, la quería quitar porque no tenía nada que ver conmigo. Ángel me decía «¡por favor, métela! ¡No sabes lo que dices!».
¿Pero por qué la querías quitar?
No la quería quitar porque fuera comercial, sino porque la veía fuera del tiesto respecto a las otras del disco. Sí que se sale un poco, pero al final me gusta. Me alegra que esté porque es un contrapunto que para mí da luz. Yo me inspiré en Robyn, no en New Order. Dije: «voy a jugar con esto». La base musical la tuve mucho antes de la grabación y lo de los volcanes lo incrusté después. A veces tienes que hacer esa labor de encajar las cosas. Entiendo lo que dices de New Order, también ‘ken’ de Destroyer podía ser una referencia.
Parece que no quieres ser comparada con algo comercial. Me hablas de Destroyer, no de New Order.
No es eso. No. Espero que no. Pero puede ser una de mis maldiciones, por eso estoy perdida en la carretera secundaria (risas)
Hay un tema sobre el dinero, ¿qué es el dinero para ti?
La canción va de cuántas vidas humanas tienen una carrera agotadora por el dinero…
¿Te gustaría ser rica? Se escribe poquísimo sobre dinero, realmente.
Me dijeron que Los Punsetes hicieron una de «necesito dinero». Si ser rica es no tener que trabajar para vivir, sí (risas) Todo el mundo debería tener una paga asegurada y poder dedicarse a trabajar si quiere o a otras cosas. Hay una esclavitud ahí que los ricos no quieren pararse a pensar. Pero los ricos tampoco duermen necesariamente tranquilos. Cuanto más dinero tienen, más gastos tienen, y más agobios. Eso me horripila también. Si soy una rica tranquila y feliz, sí.
Todo el mundo debería tener una paga asegurada y poder dedicarse a trabajar si quiere o a otras cosas
En tu vida feliz de rica, harías discos y conciertos para 500 personas…
Más que nunca. De ahí viene la canción. De que me tocó la lotería y perdí el décimo. Era una mierda, eran 100 euros. Y luego cuando te toca, es difícil de gestionar, casi todo el mundo lo pierde o lo gasta rápidamente. Seguramente haya algo de merecerlo o no merecerlo, hay todo un problema en realidad…
¿Qué significa ‘Autorretato’ dentro de este disco en general? ¿Nunca fue un punto y aparte para ti?
Lo veo un disco en general muy inspirado. Hay discos más racionales, más pensados… y hay discos que te golpean más, a golpe de inspiración. Este disco es así: tiene que ver con métodos de trabajo no estajanovistas. Tiene que ver con estar relajado. El resultado me ha sorprendido porque hay inspiración pero también trabajo para encontrar el tono perfecto, las partes… Hay dos ideas que conviven: la autodefinición, también en ‘Yo no nací así’ y ‘Yo no soy Penélope’. Y pensé en ir todo por ahí con la idea que te comentaba antes del éxtasis, de estar fuera, que también es autodefinitorio. Pero no pensé «esta canción va a dominar todas», porque el proceso no ha sido tan racional. Pero sí ocurre que en este momento de mi vida esas obsesiones están ahí.
¿Cuál es la relación del disco con la poesía?
Está hecho como trabajan los poetas. Se reivindica el trabajo pero yo soy más de inspiración. Soy capaz de distinguir fases en que estoy inspirada y las que no. Cuando estoy inspirada tengo como demencia (risas), lo reconozco como estado mental, y hay mucho de esto en este disco. Y la poesía funciona así. Mis amigos poetas siempre están así, no sé cómo van al banco (risas). Yo por suerte entro y salgo de ese estado.
Cada 3 años o cada 4, eso sí…
(risas) No funciona así. Estas canciones empezaron en 2019 y 2018, no sabría decirte. Ahora estoy entrando de nuevo. ¿Te parece poco?
Me parece que hay gente que saca disco cuando tiene que sacarlo y lo agradezco (…) Por cierto, ¿no te cansa ver a Bunbury en lo más oído de tu perfil de Spotify?
No, lo puse yo. Lo acabo de poner, estoy encantada: tengo 700.000 oyentes cuando entran a mi perfil. Él no me tenía etiquetada, la gente del sello me decía que lo pidiera porque la gente mira esas cosas. Me encanta la canción, estoy encantada. ¿Y tú no decías que todo bien con lo comercial?
Por supuesto, pero justo Bunbury con la que tiene liada…
Cuando menos popular sea algo, más lo voy a defender y a reivindicar. Parece que estamos en la era victoriana a veces. Que cada uno diga lo que quiera.
Vetusta Morla han anunciado nuevo disco y, como los de ‘Un día en el mundo‘ (2008), ‘Mapas‘ (2011), ‘La deriva‘ (2014) y ‘Mismo sitio, distinto lugar‘ (2017), su título alude a un sitio o un espacio físico. Es ‘Cable a tierra’ y saldrá en torno al mes de noviembre, sin que se sepa muchísima más información sobre el proyecto por el momento. En redes, Pucho se ha limitado a contar que ‘Cable a tierra’ «es una introspección a nuestras raíces y a nuestros orígenes de una manera muy particular y muy Vetusta».
Hablando de sitios, el primer single de ‘Cable a tierra’ se llama ‘Finisterre’, como el municipio de A Coruña que también titula el álbum de Saint Etienne de 2002 o un single de Rayden y Leiva. Ha salido hoy 15 de julio para descubrir un tema de corte folk-rock y melodía tabernera de esas hechas para cantar en pleno pulmón. Un tema de imaginería casi medieval por sus menciones a la patria, a piedras que dan abrigo, a aguijones e himnos, al «olor a combate» de la polvora o a una «herejía» que resonará en el «campanario», todo al servicio de lo que no deja de ser una canción de amor, como viene a revelar su estribillo: «Ya me da igual si la tierra es plana, si arden los bosques o si hierve el mar. ¿Qué más dará?, cuando tú andas cerca queda en suspenso la gravedad».
El anuncio de ‘Cable a tierra’ llega un año después de la edición de ‘MSDL – Canciones dentro de canciones‘, la revisión que Vetusta Morla hacían de su anterior álbum de estudio, sobre la que hablábamos con ellos en una extensa entrevista.
Sónar 2022 suma nuevos nombres a su próxima edición, que se celebrará los días 16, 17 y 18 de junio de 2022. Entre las confirmaciones se destaca la presencia de Eric Prydz, Nathy Peluso, que actualmente triunfa con ‘Mafiosa’; Folamour, Reinier Zonneveld, Helena Hauff, Kiddy Smile y Avalon Emerson o el «tándem a cuatro manos» de Tiga y Hudson Mohawke, que presentarán su nuevo proyecto rave ‘Love Minus Zero’. Hoy 15 de julio salen a la venta las entradas y acreditaciones para Sónar Barcelona 2022, disponibles aquí.
«La DJ brasileña ANNA, el proyecto de colaboración africano Scotch Rolex, el hard techno de los residentes de las fiestas de Berlín Herrensauna o las de Nueva York GHE20G0TH1K, con su fundadora Venus X; las relecturas del UK garage de Conducta, el drum’n’bass de Critical Soundsystem o el future grime de Manara son algunas de las propuestas de «baile futurista» que también se suman al programa», explica la nota de prensa.
Todos ellos se unen a un cartel que ya contaba con la presencia de The Chemical Brothers, The Blaze, Arca, Oneohtrix Point Never, The Blessed Madonna, Charlotte de Witte, Princess Nokia, Channel Tres, Serpentwithfeet, Joy Orbison, AJ Tracey, Polo & Pan, Richie Hawtin, Dj Marcelle/Another Nice Mess, Eris Drew B2B Octo Octa, DJ Python, Skee Mask, Morad o Ms Nina, entre otros que se anunciarán próximamente.
Las confirmaciones quedan así:
THE CHEMICAL BROTHERS (UK)
THE BLAZE (FR)
ERIC PRYDZ (SE)
ARCA (VE)
ONEOHTRIX POINT NEVER (US)
THE BLESSED MADONNA (US)
AJ TRACEY (UK)
PRINCESS NOKIA (US)
SERPENTWITHFEET (US)
CHANNEL TRES (US)
RICHIE HAWTIN (CA)
CHARLOTTE DE WITTE (BE)
HELENA HAUFF (DE)
POLO & PAN (FR)
NATHY PELUSO (AR)
KIDDY SMILE (FR)
ERIS DREW B2B OCTO OCTA (US)
SKEE MASK (DE)
FOLAMOUR POWER TO THE PPL AV SHOW (FR)
ANNA (BR)
JOY ORBISON (UK)
DJ PYTHON (US)
TOMM¥ €A$H (EE)
HERRENSAUNA XXL 6h set (DE)
SEGA BODEGA (UK)
MORAD (ES)
LAFAWNDAH (FR)
REINIER ZONNEVELD LIVE (NL)
JAYDA G (CA)
AVALON EMERSON (US)
MS NINA (ES)
LOUISAHHH LIVE (FR)
TIGA AND HUDSON MOHAWKE PRESENT LOVE MINUS ZERO (CA/UK)
MIDLAND B2B SHANTI CELESTE (UK)
VENUS X (US)
BATU (UK)
CHICO BLANCO (ES)
OR:LA (IE)
MBODJ (ES)
CRITICAL SOUNDSYSTEM (UK)
MANARA (UK)
NU GENEA LIVE BAND (IT)
NIHILOXICA (UG)
SCOTCH ROLEX (JP/UG)
TARTA RELENA (ES)
SIMONA (AR)
GAZZI (ES)
LECHUGA ZAFIRO (UY)
LOCOPLAYA (ES)
LA FLEUR (SE)
DJ MARCELLE / ANOTHER NICE MESS (NL)
CONDUCTA (UK)
RECYCLED J (ES)
ETM (ES)
LUCIENT (ES)
DJOHNSTON (ES)
JAMZ SUPERNOVA (UK)
Caroline Polachek ha publicado su primer single original desde el lanzamiento hace unas temporadas de ‘Pang‘, uno de los mejores discos de 2019. La artista estadounidense sigue asociada a la constelación de productores de PC Music y ‘Bunny is a Rider’, el tema que ha estrenado esta noche, está producido por ella y por Danny L Harle, autor de un ‘Harlecore‘ que hemos seleccionado como uno de los mejores álbumes de lo que llevamos de año.
Ambos vuelven a hacer magia en ‘Bunny is a Rider’. El tema, que no tiene nada que ver con otro de of Montreal titulado casi igual, descarga el peso y la intensidad que caracterizan el sonido de ‘Pang’ y apuesta por un sonido más ligero acorde a su letra sobre una amante tan «escurridiza» que ni los «satélites» son capaces de encontrarla. En ‘Bunny is a Rider’, Caroline es el conejito de ‘Alicia en el país de las maravillas’ que nadie puede perseguir sin perder de vista.
En lo musical, ‘Bunny is a Rider’ es una producción de art-pop futurista y funky minimalista y tallada con toda la elegancia que cabe esperar de Caroline, pero por la que también asoman silbidos que reproducen la melodía o la voz de la hija pequeña de Danny. El músico, por cierto, toca el bajo en la grabación y Caroline define su aportación como «abrasadora», una elección de palabra oportuna pues la artista considera ‘Bunny is a Rider’ un «buen tema para el verano».
Tras las explosivas declaraciones que Britney Spears realizó ante la jueza Brenda Penny en un tribunal de Los Ángeles el pasado 23 de junio, el camino hacia su libertad continúa. Este miércoles, Spears ha vuelto a comparecer en el juzgado para hablar de la tutela bajo la cual ha vivido durante 13 años y le ha sido permitido el derecho de escoger su propio abogado después de que el anterior, Sam Ingham, haya renunciado a su posición tras la declaración de la artista en la que le acusaba de no haberla ayudado a salir de la tutela.
A partir de ahora, Spears será representada por Matthew Rosengart, un reputado abogado que ha llevado casos de Sean Penn, Winona Ryder o Steven Spielberg y que, durante la audiencia judicial de este miércoles, ha cuestionado el papel de Jamie Spears en la tutela de su hija, subrayando los posibles motivos económicos que le mantienen en dicha posición.
Esta vez por teléfono, Britney ha insistido en que desea que su padre se apee de la custodia y que quiere denunciarle por abuso. Ha dicho que «en lugar de que se investigue mi comportamiento o mis capacidades quiero que sea mi padre quien sea investigado». La intérprete de ‘Slumber Party‘, que ha roto a llorar durante su intervención, ha detallado más supuestos abusos sufridos por ella durante la tutela y ha señalado que «no es perfecta» pero que los «episodios» que ha sufrido son «resultado de lo que me han hecho» y que el objetivo de su equipo ha sido «que parezca que estoy loca, lo cual no es así».
En los últimos días, la vida de Britney Spears ha sufrido varios cambios importantes: no solo su anterior abogado Sam Ingham ha renunciado a su posición sino que también lo ha hecho Larry Rudolph, su manager durante 25 años. Rudolph ha asegurado que Britney está «pensando en retirarse oficialmente» y que, por tanto, ya no tiene ningún servicio que ofrecer a la cantante. Britney no ha confirmado esta información por ahora, pero sí ha acudido a Instagram para hablar en sus redes explícitamente sobre la tutela, algo que nunca había hecho. Ha dicho que «todo va viento en popa», que está «feliz» por haber conseguido «un nuevo representante» y ha agradecido a sus fans el apoyo, hasta el punto de concluir su post con el hashtag #FreeBritney, todo un hito pues hasta ahora no lo había utilizado.
Entre las fans de Britney que han apoyado públicamente a la artista se encuentra Madonna, quien ha pedido su libertad, ha comparado su caso con la esclavitud y ha exigido la «muerte al patriarcado codicioso». Y tras la declaración de este miércoles, Ariana Grande ha proclamado «Free Britney» en sus stories. Los apoyos de Madonna y Britney se han sumado a los de otros compañeros y compañeras de profesión como Courtney Love, con la que tiene bastantes cosas en común; Justin Timberlake, Mariah Carey, Cher, Missy Elliott o Miley Cyrus.
El darwinismo social fue utilizado por gobiernos y empresarios desde finales del siglo XIX para justificar y legitimizar todo tipo de abusos de poder: desde el colonialismo y el esclavismo, hasta el genocidio.
Desacreditada científicamente en su componente racista, la teoría de la selección natural es utilizada hoy por los defensores del neoliberalismo. “¡Es el mercado, amigo!”. ‘Selección natural’ comienza como si un supremacista de Alabama persiguiera a una hispana que “le roba el trabajo”. O como una película de terror: Maialen Gurbindo corriendo por un bosque, filmado en un opresivo formato cuadrado, mientras un “depredador” le pisa los talones.
La realizadora Lyona Ivanova, conocida por sus videoclips para Love of Lesbian, recoge la metáfora darwiniana para ilustrar una fábula sobre la supervivencia en un mundo que “gira demasiado deprisa”.
Como la canción, el vídeo está dividido en dos partes. En la primera, con planos del bosque que recuerdan a ‘Tropical Malady’ o ‘Lazzaro feliz’, Chica Sobresalto sobrevive con su manada en el campo (está rodado en el Parque natural del Montseny) como un animalillo asustado, como un ciervo que sale por la noche y se esconde durante el día.
En la segunda, tras ver a su verdadero yo reflejado en el espejo, su actitud cambia. Saca las uñas y se transforma en una figura autoritaria, en la jefa (autoproclamada) de la manada. Pero como no quiere “jugar a selección natural”, la cantante se zambulle en las aguas (sanadoras) de un lago, para renacer siendo “un animal que se adapta al medio”.
Estos días ha llegado a plataformas un bonus track del disco ‘Sinapsis’, ‘Inconstantes vitales‘.
‘Velvet Underground & Nico’, uno de los discos de rock más influyentes de todos los tiempos, si no el que más, vuelve a la actualidad 54 años después de su lanzamiento original (en 1967) gracias a la edición de un disco tributo que verá la luz el día 24 de septiembre. El disco contará con versiones de Michael Stipe, St. Vincent, Sharon van Etten, Matt Berninger de The National, Bobby Gillespie, Courtney Barnett, Iggy Pop o King Princess, cuya enigmática versión de ‘Femme Fatale’ pasara hace un tiempo por nuestra sección «Canción Del Día».
La primera canción versionada de ‘Velvet Underground & Nico’ que se da a conocer es la de ‘Run Run Run’ por Kurt Vile. El autor de ‘Walkin on a Pretty Daze‘ versionó esta canción por primera vez a la edad de 15 años y, un tiempo después, la cantó con el mismísimo John Cale en un concierto, según cuenta Rolling Stone.
En nota de prensa, Vile ha explicado que ‘Velvet Underground & Nico’ fue probablemente su «primera influencia en lo que a rock clásico se refiere» y ha recordado el día que lo escuchó por primera vez: «Estoy seguro de que estaba fumado. Cuando escuchas música este tipo de música tan cruda y orgánica, pero que a la vez desprende tanta confianza, y que simplemente es como es sin pedir disculpas, es una sensación increíble».
«Decía Brian Eno que «casi nadie compró sus discos cuando salieron a la venta, pero los que lo hicimos corrimos inmediatamente a montar nuestra propia banda»», explicaba Raúl Guillén en su repaso a la trayectoria de la banda. Y es que la escucha de estos discos resulta imprescindible para cualquier aficionado al pop rock pero, sobre todo, sobre su cadáver han germinado muchas de las propuestas musicales más importantes que les sucedieron. David Bowie, Patti Smith, Talking Heads, Can, Roxy Music, Suicide, Joy Division, R.E.M., Sonic Youth, Nirvana, U2… Cada leyenda de la música que se nos pueda ocurrir ha encontrado en algún momento de su carrera una deuda y una inspiración no solo en las canciones de Lou Reed y su Velvet Underground».
01 Sunday Morning – Michael Stipe
02 I’m Waiting For The Man – Matt Berninger
03 Femme Fatale – Sharon Van Etten (w/ Angel Olsen on backing vocals)
04 Venus In Furs – Andrew Bird & Lucius
05 Run Run Run – Kurt Vile & the Violators
06 All Tomorrow’s Parties – St. Vincent & Thomas Bartlett
07 Heroin– Thurston Moore feat. Bobby Gillespie
08 There She Goes Again – King Princess
09 I’ll Be Your Mirror – Courtney Barnett
10 The Black Angel’s Death Song – Fontaines D.C.
11 European Son – Iggy Pop & Matt Sweeney
Vuelve Flores en el estiércol para dar una visión muy personal de las novedades más destacadas –es decir, mis favoritas- que arroja el panorama del pop alternativo en su más amplia acepción. Para comenzar, en las últimas semanas (más de las previstas, otra vez), se ha sucedido una buena montonera de álbumes de figuras y bandas más o menos veteranas y consagradas demostrando que aún tienen mucho que entregarnos: me refiero a Luke Haines –el exAuteur recupera brío y brillo en buena parte de ‘Setting the Dogs On the Post Punk Postman’-, Juliana Hatfield –‘Blood’ demuestra lo infravalorada que ha estado siempre la norteamericana, incluyendo su época comercialmente dorada-, The Chills –en singles como ‘Worlds Within Worlds’, el neozelandés Martin Phillips reafirma su descomunal talento compositivo-, Del Amitri –la veterana banda escocesa recupera en ‘Fatal Mistakes’ la frescura e inspiración de álbumes como ‘Waking Hours’ o ‘Change Everything’- o Crowded House –temas como ‘Playing with Fire’, contenido en ‘Dreamers Are Waiting’, los hermanos Finn y compañía retrotraen a su pop post-Beatles más brillante-.
En un ámbito más próximo a la tradición norteamericana, pongo en contraste la incuestionable solidez de Damien Jurado –en ‘The Monster Who Hated Pennsylvania’, temas como ‘Tom’ dan rienda suelta a su faceta más accesible- y el talento sobreponiéndose a cuestiones ajenas al arte de Ryan Adams –‘Big Colors’ ha venido a confirmar que está viendo la luz aquella trilogía puesta en el limbo por las acusaciones de abuso de varias mujeres- con el fulgor de figuras femeninas como Faye Webster –el reciente y ya muy alabado ‘I Know I’m Funny Haha’ venía avisando con singles como ‘Cheers’- y Natalie Bergman –si recuerdas a un dúo de hermanos llamado Wild Belle que dio mucho que hablar a mediados de la pasada década, no puedes perderte ‘Mercy’-.
Por supuesto, estos nombres bien conocidos se mezclan aquí con la jugosa vibración del talento más joven: Emotional Oranges –‘The Juicebox’ reúne a una curiosa cohorte de invitados, de Becky G a Channel Tres- y Alfie Templeman han publicado sendos discos de imponente frescura. En el panorama español, Flores en el estiércol plantea una paradoja pasado-presente: mientras que el venerado Kiko Veneno se reinventa en ‘Hambre’ con un nuevo giro de tuerca a la ya arriesgada propuesta de ‘Sombrero roto’ -aunque ‘Gitano Dave’ sea un gozoso mix de country aflamencado-, la jovencísima Cabiria apuesta por un pop sintético y nostálgico (pero vigente) de ‘Ciudad de las dos lunas’, debut oficial de Eva Valero, es ya uno de los discos nacionales del año para mí-. Y, sin salir del circuito nacional, El Buen Hijo, Carlota -en su caso, con ciertos ecos a Astrud en ‘Vuelvo enseguida’- y Río Arga han lanzado álbumes repletos de gran pop de guitarras, ajenos a tendencias y moditas, que merecen muchísimo la pena.
Otros álbumes de próxima aparición que apuntan muchas maneras son los de Pond –‘America’s Cup’ se relame también sin sonrojo con el papel (de plata) del Duque Blanco-, Little Simz, Molly Burch –la ¿ex?cantautora country reafirma el giro de su guión, ahora cambiando a Wild Nothing por Tennis como aliados-, la boyband indie en formato dúo joan, Soccer Mommy -Susan Gibson resulta deliciosa en el perfil tradicional de ‘Wide Open Spaces’-, Dan Croll -que, tras entregar su ‘Grand Plan’ el pasado año, vuelve a la carga este con más pop añejo y exquisito-, Joy Crookes -el debut de la británica se está haciendo querer, pero singles como ‘Feet Don’t Fail Me Now’ sugieren que valdrá la pena la espera-, Jade Bird, Beach Fossils -ojo al giro sonoro de ‘L.I.N.E.’, coescrita e interpretada con Kelly Lee Owens-, Girl Ray, Adiós Amores -trío y dúo femeninos, respectivamente-, El Petit de Cal Eril, Alavedra -la mitad masculina de Pantocrator es igualmente gamberra en este otro grupo-.
Y, entre EPs de la revelación Wallice y Escuelas Pías -el dúo sevillano muestra tener su mira pop cada vez más enfocada- y sustanciosos singles de Apartamentos Acapulco y Jordana B. -tan ácido como adictivo su antihimno ‘Mala feminista’-, corona esta selección una absoluta maravilla inédita de la desaparecida Karen Black, rescatada del olvido por el visionario Cass McCombs.
La nueva gala de los premios Emmy se celebrará el próximo 19 de septiembre. En las últimas horas se han dado a conocer las nominaciones, ‘The Crown‘ y ‘The Mandalorian’ a la cabeza gracias a que han obtenido 24 candidaturas cada una. Les siguen ‘Bruja Escarlata’ y ‘Visión’ con 23 nominaciones, ‘El cuento de la criada‘ y ‘Saturday Night Live’ con 21 y ‘Ted Lasso’ con 20. También van con ventaja ‘Gambito de dama’, con 18 nominaciones, y ‘Mare of Easttown‘, con 16.
El cómico y actor Cedric the Entertainer será el encargado de presentar la ceremonia, a la que llegará MJ Rodriguez habiendo hecho historia al proclamarse primer mujer trans que ha sido nominada en una categoría principal en los Emmy, en la de Mejor actriz de serie dramática, por su trabajo en ‘Pose‘. Así quedan las nominaciones:
Mejor serie dramática:
The Boys
Bridgerton
The Crown
The Handmaid’s Tale
Territorio Lovecraft
The Mandalorian
Pose
This Is Us
Mejor actriz principal en serie dramática
Uzo Aduba (En terapia)
Olivia Colman (The Crown)
Emma Corrin (The Crown)
Elisabeth Moss (The Handmaid’s Tale)
MJ Rodríguez (Pose)
Jurnee Smollett (Lovecraft Country)
Mejor actor principal en serie dramática
Sterling K. Brown (This is Us)
Jonathan Majors (Territorio Lovecraft)
Josh O’Connor (The Crown)
Regé-Jean Page (Bridgerton)
Billy Porter (Pose)
Matthew Rhys (Perry Mason)
Mejor actriz de reparto en serie dramática
Aunjanue Ellis (Territorio Lovecraft)
Emerald Fennell (The Crown)
Gillian Anderson (The Crown)
Helena Bonham Carter (The Crown)
Yvonne Strahovski (The Handmaid’s Tale)
Samira Wiley (The Handmaid’s Tale)
Ann Dowd (The Handmaid’s Tale)
Madeline Brewer (The Handmaid’s Tale)
Mejor actor de reparto en serie dramática
Michael K. Williams (Territorio Lovecraft)
John Lithgow (Perry Mason)
Tobias Menzies (The Crown)
Max Minghella (The Handmaid’s Tale)
Bradley Whitford (The Handmaid’s Tale)
O-T Fagbenle (The Handmaid’s Tale)
Giancarlo Esposito (The Mandalorian)
Chris Sullivan (This Is Us)
Mejor actriz invitada en serie dramática
Alexis Bledel (The Handmaid’s Tale)
Mckenna Grace (The Handmaid’s Tale)
Claire Foy (The Crown)
Phylicia Rashad (This Is Us)
Sophie Okonedo (Ratched)
Mejor actor invitado en serie dramática
Courtney B. Vance (Territorio Lovecraft)
Charles Dance (The Crown)
Don Cheadle (The Falcon and the Winter Soldier
Timothy Olyphant (The Mandalorian)
Carl Weathers (The Mandalorian)
Mejor comedia
Black-ish
Cobra Kai
Emily in Paris
Hacks
The Flight Attendant
El método Kominski
Pen 15
Ted Lasso
Mejor actriz de comedia
Aidy Bryant (Shrill)
Kalwey Cuoco (The Flight Attendant)
Allison Janney (Mom)
Tracee Ellis Ross (Black-ish)
Jean Smart (Hacks)
Mejor actor de comedia
Anthony Anderson (Black-ish)
Michael Douglas (El método Kominsky)
William H. Macy (Shameless)
Jason Sudeikis (Ted Lasso)
Kenan Thompson (Kenan)
Mejor actriz secundaria en comedia
Hannah Einbinder (Hacks)
Aidy Bryant (Saturday Night Live)
Kate McKinnon (Saturday Night Live)
Cecily Strong (Saturday Night Live)
Juno Temple (Ted Lasso)
Hannah Waddingham (Ted Lasso)
Rosie Perez (The Flight Attendant)
Mejor actor secundario en comedia
Carl Clemons-Hopkins (Hacks)
Kenan Thompson (Saturday Night Live)
Bowen Yang (Saturday Night Live)
Brett Goldstein (Ted Lasso)
Brendan Hunt (Ted Lasso)
Nick Mohammed (Ted Lasso)
Paul Reiser (El método Kominsky)
Jeremy Swift (Ted Lasso)
Mejor actor invitado en comedia
Chris Rock (Saturday Night Live)
Dave Chappelle (Saturday Night Live)
Daniel Kaluuya (Saturday Night Live)
Dan Levy (Saturday Night Live)
Morgan Freeman (El método Kominsky)
Mejor actriz invitado en comedia
Maya Rudolph (Saturday Night Live)
Kristen Wiig (Saturday Night Live)
Issa Rae (A Black Lady Sketch Show)
Jane Adams (Hacks)
Bernadette Peters (Zoey’s Extraordinary Playlist)
Yvette Nicole Brown (A Black Lady Sketch Show)
Mejor miniserie
Podría destruirte
Mare of Eastown
Gambito de dama
The Undergrount Railroad
WandaVision
Mejor tv-movie
Dolly Parton: Navidad en la plaza’
Oslo
Robin Roberts Presents: Mahalia
Mi tío Frank
El amor de Sylvie
Mejor actriz en una miniserie o película para televisión:
Michaela Coel (Podía destruirte)
Cynthia Erivo (Genius: Aretha)
Elizabeth Olsen (WandaVision)
Anya Taylor Joy (Gambito de dama)
Kate Winslet (Mare of Eastown)
Mejor actor en una miniserie o película para televisión:
Paul Bettany (WandaVision)
Hugh Grant (The Undoing)
Ewan McGregor (Halston)
Lin-Manuel Miranda
Leslie Odom, Jr.
Mejor actriz de reparto en miniserie o película para televisión:
Renée Elise Goldsberry (Hamilton)
Phillipa Soo (Hamilton)
Julianne Nicholson (Mare of Easttown)
Jean Smart (Mare of Easttown)
Moses Ingram (Gambito de Dama)
Kathryn Hahn (WandaVision)
Mejor actor de reparto en miniserie o película para televisión:
Daveed Diggs (Hamilton)
Jonathan Groff (Hamilton)
Anthony Ramos (Hamilton)
Paapa Essiedu (Podría destruirte)
Evan Peters (Mare of Easttown)
Thomas Brodie-Sangster (Gambito de dama)
Programas de variedades y talk-show
Conan
The Daily Show with Trevor Noah
Jimmy Kimmel Live!
Last Week Tonight with John Oliver
The Late Show with Stephen Colbert
Mejor reality
The Amazing Grace
Mailed It
RuPaul’s Drag Race
Top Chef
The voice
LP, el proyecto de la cantante y compositora estadounidense Laura Pergolizzi, está de vuelta con un nuevo disco que verá la luz el 8 de octubre. El sucesor de ‘Heart to Mouth’ se llama ‘Churches’ y se presenta con otro de esos singles enormes que solo Pergolizzi, autora de tremendo clásico de nuestros tiempos como es ‘Lost on You‘, es capaz de hacer.
‘Goodbye’ es un tema de pop-rock ritmo trotón ligeramente country que versa sobre el fin de un amor del que LP se despide en varios idiomas como el italiano, el francés y el español, pero también el árabe, el ruso y el zulú. «Cantaré en el idioma que me dejes, adiós, digamos hola al mañana» es la declaración de intenciones que deja LP en este corte producido por Mike Del Rio en el que vuelve a lucirse en lo vocal, dejando notas vocales capaces de llegar a la estratosfera.
En ‘Goodbye’, LP recuerda «aquellos días de nuestra vida, la primera vez que la vi, los ojos de un salvador, la amé y la perdí». La ruptura es tan dolorosa que canta: «no hago más que intentarlo, la noche solitaria me habla, y termina pasando factura en el alma más dulce, llegar a la aceptación de decirte a ti misma que la tienes que dejar marchar». El mensaje es conmovedor pero la música busca la euforia que produce esa liberación.
Sonando un poco a una canción perdida de Fleetwood Mac, pero haciendo uso de sutiles detalles electrónicos, ‘Goodbye’ bebe de las sonoridades del country-pop para armar una composición de pop-rock épica y heroica de las que ya no se hacen tanto. Podría ser un clásico de Kiss FM si no hubiera salido en 2021, y merece ser otro gran éxito para LP.
‘Churches’:
01 When We Touch
02 Goodbye
03 Everybody’s Falling in Love
04 The One That You Love
05 Rainbow
06 One Last Time
07 My Body
08 Angels
09 How Low Can You Go
10 Yes
11 Conversation
12 Safe Here
13 Can’t Let You Leave
14 Churches
15 Poem (Outro)
El éxito casi sin precedentes de Måneskin es de los que provocan que los ejecutivos de la industria discográfica se den cabezazos contra la pared. Ha tenido que llegar un grupo de italianos, sin la ayuda de productores tipo James Ford, Danger Mouse, Rick Rubin o Jacknife Lee, a contarnos que el mercado internacional necesitaba un grupo de rock en un mercado saturado de solistas, reggaetón y featurings y más featurings. El pelotazo de Måneskin ha llegado desde Europa a Estados Unidos, donde su vieja versión de ‘Beggin» ya es top 50, y puede cambiar el curso de Eurovisión: pinta a que el festival, que de hecho va a ser replicado en breve en una versión americana, dejará atrás para siempre su imagen más freak para volver a representar un trampolín para artistas en un mundo globalizado.
Mientras los grupos que han marcado la carrera de Måneskin, de manera muy visible Arctic Monkeys y Red Hot Chili Peppers, se pierden en lanzamientos más experimentales, pequeños abandonos, grandes ausencias de incluso lustros o pasos más arriesgados que renueven su discurso o al menos lo intenten; el cuarteto liderado por Damiano David ofrece al público esa frescura que, salvo excepciones, sólo se ve en un primer o en un segundo disco.
En ‘Teatro d’ira Vol. I’ esquivan con garra y concisión los que puedan ser sus mayores peros: la fidelidad a sus referentes, a los que no se han propuesto cambiar ni una coma, y cierta sensación de pose extrema que produjo que los encantos de cosas como The Darkness duraran menos que un pitillo. Pero la cantidad de dianas contenida en este segundo álbum se está traduciendo en éxito de manera muy merecida. Es así de compacto. Tenemos la canción ganadora en el citado certamen, aunque ya casi nos habíamos olvidado de que es ‘ZITTI E BUONI’, con su segunda estrofa agitada, casi rapeada, ciertamente reminiscente de Anthony Kiedis, a medio camino entre una Sofia Loren enfadadísima y chillona, y una Courtney Love dando patadas a todo sobre el escenario. Y después, ese puente en el que denuncian que la gente hable siempre sin saber. Actitud no le falta.
Tenemos por supuesto el que está siendo en realidad el tema más popular de este álbum, un ‘I WANNA BE YOUR SLAVE’ en inglés y directo al grano en sus 3 minutos escasos de duración. Está también la gran acogida que ha tenido ‘CORALINE’, una grabación más larga y ambiciosa, con su desarrollo y su historia de dedicación a una «pequeña chica que no encuentra su lugar en el mundo».
¿Qué sucede en el resto del álbum? Que aparte del cierre con la predecible balada, de nuevo muy Alex Turner, topamos con crescendos y menciones a Frida Kahlo (‘LIVIDI SUI GOMITI’); ‘IN NOME DEL PADRE’ se alza contra aquellas cosas que oprimen nuestra libertad explotando esa vena más rapeada que tiene Damiano, sin abandonar el delirio guitarrero; que ‘LA PAURA DEL BUIO’ tiene una “outro” estupenda y ‘FOR YOUR LOVE’ un atractivo puente que parece un homenaje a Siouxsie & The Banshees… Que no, que Måneskin no han revolucionado el rock como otros pioneros, pero que la crítica no debería ignorar este fenómeno que muy obviamente forma parte de la historia musical de 2021 desde hace ya demasiadas semanas.
Halsey ha dado los detalles del que va a ser su nuevo álbum, que hace unos días revelaba que se llamaría ‘If I Can’t Have Love I Want Power’, como se desprendía de un cartel desplegado en Beverly Hills. Ahora sabemos que saldrá a la venta el 27 de agosto y que tendrá esta portada que veis aquí.
En sus propias palabras, será «un álbum conceptual sobre la alegría y el horror del embarazo y dar a luz». La portada representa su viaje a lo largo de los pasados meses. «Esta imagen celebra el cuerpo del embarazo y el post-parto como algo hermoso, que ser admirado. Nos queda un gran camino por recorrer en cuanto a erradicar el estigma social en torno a los cuerpos y la lactancia. Espero que esto sea un paso en la dirección correcta».
El anterior disco ‘Manic’ fue uno de los mejores discos de 2020, uno de esos álbumes que lamentablemente parece que no tuvieron oportunidad de desarrollarse adecuadamente durante la pandemia a nivel mundial (sí en Estados Unidos, donde continúa en el Billboard 200 hasta 75 semanas después de su edición). En cualquier caso, la cantante ya ha pasado página y ya tiene preparado un cuarto disco que parece que representará un cambio de rumbo. Porque más llama aún la atención que el álbum se presuma producido por Trent Reznor y Atticus Ross, esto es, Nine Inch Nails. Ese sonido que tanto ansiábamos para la Lady Gaga rockera cuando veíamos a Nine Inch Nails en vivo hace unos años, parece que tendrá su desarrollo en este álbum del que de momento se desconocen más detalles.
Sí se ha publicado un adelanto en forma de trailer para la película de 1 hora que acompañará el lanzamiento de ‘If I Can’t Have Love, I Want Power’ y que se estrenará en cines IMAX. La cinta, ambientada en el periodo medieval, narrará el «laberinto social que dura de por vida de la sexualidad y el parto», añadiendo que «las grandes historias jamás contadas fueron enterradas junto a los cuerpos de aquellos que murieron en aquel laberinto». En el vídeo, 100% cinematográfico, una Halsey en avanzado estado de gestación entierra a su esposo y se da a la fiesta antes de parir y ser proclamada reina.
Esta semana, la subida más fuerte en la lista española de Promusicae es el volumen 41 de estas “Music Sessions” con BZRP, que cuenta con otro gigante como es Nicky Jam, y pasa del número 58 al número 3 de la lista de singles oficial de nuestro país. Bizarrap ha estado en La Resistencia -en concreto en la despedida de la temporada- hablando de su proyecto y eso ha dado un nuevo empuje a una carrera ya de números estratosféricos que hacen del artista y productor argentino uno de los 300 artistas más escuchados de todo el globo. De momento, este volumen 41 no opta al número 1 en España, pero sí a otro disco de oro o platino en nuestro país, lo cual superará en breve.
Continuando con la lista española, sigue en el número 1 inamovible y como cuádruple single de platino, ‘Todo de ti’ de Rauw Alejandro, parece que la canción oficial de este verano. ‘La niña de la escuela’ de Lola Indigo da la sorpresa y entra directamente al puesto 14 de la lista de singles: no todos los singles de la cantante han tenido una aceptación tan buena últimamente, por lo que quizá la longevidad de su disco ‘La Niña’, que además es número 1 en ventas, sea mayor de la esperada.
Para las siguientes entradas hay que irse ya mucho más abajo y varias corresponden a Farruko o a featurings de Farruko: ‘Pepas’ llega al número 65, ‘Rápido’ con Amenazzy, Myke Towers y Rochy RD llega al 69 y ‘Me pasé’ con Enrique Iglesias al puesto 74.
La lista de novedades se cierra con dos entradas muy discretas de dos grandes totems estos días triunfando con otras cosas: ‘In Da Getto’ de J Balvin con Skrillex entra solo al puesto 67, mientras ‘De museo’ de Bad Bunny es solo puesto 88. Ambas avanzarán algo en los próximos días, pero el hit actual de J Balvin es con Maria Becerra (‘Qué más pues?’) y es número 2 ahora mismo y platino; y el hit actual de Bad Bunny es ‘Yonaguni’, top 4 ahora mismo y también platino.
Semana extraña en la lista de álbumes española con solo tres entradas. Lola Indigo es número 1 directo con ‘La Niña‘ en una semana poco competitiva en parte porque el disco de Ana Torroja no ha salido en formato físico, pero en la que también habían llegado al mercado álbumes de Laura Mvula, David Otero o Cecilio G, ninguno de los cuales aparece en todo el top 100 de la tabla de álbumes oficial. Bobby Gillespie y Jehnny Beth sí lo hace en la lista de vinilos, en el número 58.
‘La Niña’ da a Lola Indigo su segundo número 1 de álbumes (en concreto de ventas físicas) en España después de que ‘Akelarre’ debutara en la misma posición en el año 2019 y además compitiendo con Maluma (que sí era número 1 de streaming en la lista entonces segregada). El reto ahora será mantenerlo en lista a largo plazo pues Mimi Doblas no ha conseguido mantener ni uno solo de los temas que lo han avanzado en la lista de singles.
Entre los artistas que publicaron disco la semana pasada y que sí entran hoy en lista también hay que contar al reggaetonero y trapero estadounidense criado en Puerto Rico Eladio Carrion, que coloca su álbum ‘SEN2 KBRN VOL. 1’ en el número 1. Carrion, que también es conocido como influencer a raíz de los vídeos humorísticos con los que se dio a conocer, ha sido noticia recientemente tras viralizarse su tema con Bizarrap, perteneciente a su «sesión número 40».
La tercera y última entrada en la lista de álbumes española la protagoniza Tom Petty & The Heartbreakers con ‘Angel Dream’, reedición de su álbum de 1996 ‘Songs and Music from the Motion Picture ‘She’s The One’’. Entra en el número 100.
Y entre las entradas en la lista de vinilos aparecen títulos como ‘Camping del Hastío’ en el número 5, ‘Alianza Atlántica’ de Los Pilotos en el 31 o ‘It Still Moves’ de My Morning Jacket en el 84, además de reediciones de U2, Zahara o Edith Piaf.
Lorde se ha pegado un batacazo importante con ‘Solar Power‘, el primer avance del álbum que publica el 20 de agosto. El tema ha salido ya del top 100 de singles de Estados Unidos, está a punto de hacerlo de la tabla británica pues acaba de caer del número 66 al 87, y en la lista española nunca ha llegado a entrar, ni siquiera en su primera semana. Se puede pensar que Lorde es una artista de álbumes más que de singles pero el alcance comercial de ‘Solar Power’ es a todas luces decepcionante.
Al margen de la repercusión de ‘Solar Power’ esta nueva era de Lorde está siendo un poco extraña… también debido a las cartas que la cantante está enviando a sus seguidores regularmente a través de su buzón oficial. Dichas cartas ayudan a enriquecer el universo que está creando Lorde en esta nueva etapa de su carrera, llena de luz solar, felicidad y despreocupación, pero depende de quien las lea provocan una sensación incómoda o quizá directamente envidia. En ellas, Lorde describe su privilegiada vida como si fuera una autora de novelas que vive durante los felices años 20, pero distanciándose a su vez de ella, como si le pillara por sorpresa.
Un ejemplo es el texto que ha publicado en las últimas horas: en él, la neozelandesa explica dos momentos de «choque cultural» que ha vivido recientemente tras mudarse de Nueva Zelanda a Estados Unidos. En el primero «entra en un hotel de lo más lujoso» y llama a su mánager emocionada para preguntarle si no se ha equivocado de hotel porque «parece demasiado caro»; y el otro tiene lugar durante un rodaje al aire libre, donde «todo el mundo sudaba e iba en tejanos y parecía gente normal, y yo llevaba un bolero top de Prada». Lorde viene a querer decir que se siente «como una friqui» vestida con prendas caras y no como una persona de a pie como la mayoría de la población porque «la vida de las estrellas del pop es ridícula y extravagante y está muy centrada en el aspecto físico».
En otro texto, la autora de ‘Melodrama‘ nos habla de su preocupación del día: qué cocinar. Se cambia el bañador «por una prenda ligera, un camisón vintage de Dior, quizás», es decir, lo primero que ha encontrado en el armario así sin pensárselo mucho. Empieza a «preparar pequeños platitos con aceitunas Castelvetrano y con hinojo en escabeche y con sardinas y con este queso de oveja llamado Devoción, ¿no es este un gran nombre para un queso?» De repente la gente aglomerada en la piscina «pone música mientras disfruta una copa de mezcal». ¿Desde cuándo Lorde vive en ‘El gran Gatsby’? ¿Hay entradas? ¡Yo también quiero!
Lorde es una gran escritora, pero si su intención con estas cartas es acercarse a sus fans, y de hecho lo es, ¿no consigue el efecto contrario cuando parece que viva literalmente en otro planeta? ¿Por qué le parece interesante hablarnos sobre sus «jardines que explotan con flores y abejas» y sobre la «gente rica que toma el sol» que la rodea? El problema ni siquiera es que Lorde escriba sobre lo rica y afortunada que es, sino la culpabilidad subyacente por serlo que desprenden sus cartas. La condescendencia de que nos hace un favor «iluminando» nuestra vida con sus historias. Este meme, colgado en el foro de Lorde, no puede expresarlo mejor…
Sofia es uno de los últimos fichajes del sello Humo Internacional, casa de grupos como Fasenuova, La URSS, Futuro Terror o Somos La Herencia. Como dice Bernd Schuster, no hace falta decir nada más. Aunque esta aseveración no es del todo cierta porque la música de Sofia promete ya dar muy buenos momentos a pesar de tener publicadas apenas dos canciones, ‘Decir adiós’ y ‘El cielo blanco’.
Esta artista de nombre artístico imposible de encontrar en Google, procedente de Ibiza según su biografía de Bandcamp, inició su proyecto musical durante el confinamiento. Inspirada en el minimalwave, una versión gélida, minimalista y estoica del synth-pop de los años 80, Sofia Ramis Massu hace canciones pop que se sustentan en hipnóticos «loops» de sintetizador de sonido nuclear, industrial, urbano, trayendo a la manete las sonoridades del tecno berlinés e imágenes de los edificios brutalistas donde puede escucharse. La atmósfera de ‘Decir adiós’ y ‘El cielo blanco’ es fría y lóbrega, pero la cálida voz de Sofia ejerce de equilibrio entre el sonido de las producciones y las melodías.
Ex integrante de Escorpio y POU, Sofia explica a JENESAISPOP que haber pasado por ambas bandas le ha ayudado a «perder el miedo» y a aprender como músico porque, «al ser tan diferentes supongo que me han abierto a poder hacer más música diferente entre sí». Escuchando sus canciones es obvio que Sofia no se limita a reproducir los patrones del synth-pop sino que va más allá y cuando reconoce entre sus influencias a gente como Broadcast, Grimes y John Maus, es imposible no apreciarlas en sus producciones. Estos tres artistas, tan distintos y a la vez tan similares entre sí, parecen estar presentes a la vez en ‘Decir adiós’, hoy la Canción Del Día.
El primer single oficial de Sofia nació, como hemos dicho, en el confinamiento. «Estaba escuchando ‘Felicita‘ de Deux y pensé que quería hacer una canción parecida, aunque no tengan mucho que ver al final». Con ella, Sofia «rememora situaciones que en el pasado me dolieron y que me siguen afectando; quiero expresar la dificultad de olvidar». En ‘Decir adiós’, Sofia recuerda un pasado amante que se «fue hasta Plutón» habiendo «aprendido ya a decir adiós» y es visitada por humanoides para «decir que lo nuestro nunca fue».
A espera de lo que ofrezca Sofia en estos tiempos de novedades musicales incesantes, la artista prepara un casete de seis canciones que publicará proximamente y, el año que viene, asegura que le gustaría sacar su primer álbum. Con estos dos primeros singles, promete.
Hard Feelings, el proyecto de Joe Goddard de Hot Chip y la cantante y compositora Amy Douglas, que ha trabajado con Horse Meat Disco o Róisín Murphy, ha anunciado que su álbum de debut ‘Dangerous’ sale el 5 de noviembre y contendrá un total de 8 pistas. Si el primer adelanto ‘Holding On Too Long’ era una de esas canciones de música disco épicas que hoy esperamos de Jessie Ware, el dúo asegura que su disco será una «ópera de pepinazos tristes».
Muy ‘What’s Your Pleasure’? es el segundo adelanto de ‘Dangerous’, que ya puede escucharse. Es una canción vieja que Amy compuso hace tiempo pero que Joe Goddard ha conseguido «renovar» gracias a su «producción guarra y llena de graves» que en realidad no es tan «guarra» (ella escribe «dog-nasty») sino bastante elegante. Amy dice que ‘Dangerous’ es una composición «sensual y sexy bañada en las mieles del hip-hop» y, aunque sí es sensual y sexy, la canción tiene poco de hip-hop y mucho de ese disco-house neoyorquino que te hace creerte estar en Studio 54.
‘Dangerous’:
01 Love Scenes
02 Dangerous
03 Running Out Of Time
04 You Always Know
05 Take You Down
06 About Us
07 Holding On Too Long
08 Sister Infinity
Tyler Okonma nos ha tenido tan bien acostumbrados en sus últimos discos, que este ‘CALL ME IF YOU GET LOST’ me ha pillado un tanto fuera de juego. La brillantez de ‘IGOR‘ o ‘Flower Boy’ aquí se muestra un tanto esquiva. Ojo, no porque no esté, sino porque cuesta dar con ella a la primera. La construcción del disco hace que, en las primeras escuchas, este se escurra como el agua. La impresión es que sus canciones se suceden cual suite, escuetas y concatenadas, como si formaran una única pieza. Así al menos las seis primeras, que apenas superan los dos minutos cada una. Su brevedad hace que cueste asirlas, porque apenas estás entrando en una, ya saltas a la siguiente. Este arranque, que te arrasa como un alud, hace que la escucha no acabe de fijar la atención, al menos en sus estadios iniciales, lo que obliga a hacer un pequeño esfuerzo de concentración, para que lo global, el sonido del disco, no arrastre lo particular, las canciones.
No hay aquí una línea argumental tan definida como en ‘IGOR’, pero sí un eje vertebrador. Y su manera de fluir tiene un algo del ‘When I Get Home‘ de Solange. El disco está narrado y salpicado desde el principio por la voz en grito de DJ Drama, que ejerce de maestro de ceremonias y llena todo el disco con sus arengas, co sus «Call me if you get lost!» y otras frases, que pueden llega a resultar molestas, de tan reiterativas (y de aparecer en el momento menos adecuado). Pero DJ Drama no está aquí de manera gratuita. Si hacemos caso a Genius, este disco es un homenaje a las mixtapes de Gangsta Grillz de los dosmiles, de las que DJ Drama era productor y promotor. Más pistas: el título del disco viene de la curiosa manera en que Tyler lo presentó. Sorpresivamente, apareció una marquesina publicitaria en Los Ángeles en junio, con un número de teléfono. Al llamar, se escuchaban buzones de voz con fragmentos de los diferentes temas. Definitivamente, más tardo-noventera no podía resultar la cosa…
Pero que nadie espere un producto dosmilero. Aunque sí lleno de nostalgia, de sonidos funk, retros y flautas cortesía de Fabián Chávez. Tyler -que aquí se presenta como Tyler Baudelaire (aunque no sé con qué clase de relación con el poeta francés), esta vez canta menos, rapea más. ‘SIR BAUDELAIRE’, el primer track, recuerda al ‘BLOOD.’ con el que abría el ‘DAMN.‘ de Kendrick Lamar; como esta, es una puerta de entrada la mar de sugerente. El fraseo ahumado de Tyler, más soul que nunca, se asienta sobre una base también de corte vintage sensual, robada descaradamente al tema ‘Michael Irvin‘ de Westside Gunn. Su letra referencia lugares, viajes (ese pasaporte «lleno de sellos»), no se sabe si externos o interiores. Pero la untuosidad enseguida se torna en brutalidad en ‘CORSO’, un tema que duda entre lo acogedor (los rastros de dulzura, los versos gritados por DJ Drama) y lo amenazante que suena el propio Tyler, basculando entre el despecho y la chulería («In the end, she picked him, I hope when they fuckin’, She still thinkin’ of me ‘cause I’m that perfect»). De hecho, esta oscilación entre la ostentación del estatus del rapero, con el viajar como máximo exponente (y Suiza como epítome del lujo), con cierta inseguridad y resentimiento sentimental, parecen ser la base conceptual del álbum.
Las bases, en la misma tesitura, operan sin descanso en ‘LEMONHEAD’. Pero a la mitad ya se sosiega y salta la dulzura r&b noventera y elegante de ‘WUSAYANAME’, junto con Ty Dolla $ign y YoungBoy Never Broke Again. Una tonada de estribillo arrebatador y de apenas dos minutos de duración, en que Tyler parece parodiarse a sí mismo como el típico acosador de luxe, que farda de snob y pijo para llevarse a la chica («Let’s go to Cannes and watch a couple indie movies that you never heard of»). De ahí pasa a ‘LUMBERJACK‘, otra pieza de aparente dureza musical, pero con Tyler apesadumbrado, tenue, para volver nuevamente a los aires de jazz y r&b setentas sedosos en ‘HOT WIND BLOWS’, con Lil Wayne, en la que la tensión la genera ese contraste entre la voz sampleada proveniente de un pasado lejano (el ‘Slow Hot Wind’ de Penny Goodwin de 1974), el fraseo algo más duro de Tyler y la presencia estelar de Lil Wayne.
‘MASSA’ rompe la inercia. A partir de aquí, las canciones cogen carrerilla y toman cuerpo. ‘MASSA’ es la primera pieza que supera los tres minutos y medio, donde se equilibra la vena más retro con el fraseo más contundente, en una canción que se mueve sensual, (aunque los gritos de DJ Drama empañan un poco), mientras Tyler se va acrecentando, enronquece, en contraste con la sedosidad, esas líneas de teclado elegantísimas. Pero frena de manera abrupta para dar paso a ‘RUNITUP’, en el que las trompetas sintetizadas y las bases que juegan a ser de vieja escuela encuadran un par de estribillos estupendos: Tyler, distorsionado canta «Bitch, I’m runnin'», las voces replican «We gon’ run it up!», equilibran lo hermoso de la base, con el entusiasmo, la reivindicación, lo ufano que se muestra Tyler, que pasa a la amenaza en ‘MANIFESTO’, el tema que más cerca lo muestra a terrenos de Kendrick Lamar. Sobre una base creada sobre voces ululantes, el discurso de Tyler sube, amedrenta.
Y aquí se produce otra de las rupturas del ritmo del álbum. Pasamos de las piezas breves, luego a las de duración estándar, hasta rematar en una que llega casi a los diez minutos, ‘SWEET / I THOUGHT YOU WANTED TO DANCE’ es la primera en que Tyler se anima a cantar casi al completo, y nos devuelve al r&b, a Prince, al jazz elegante, pero también a un adictivo poso pop de su pizpireta línea de teclado. Tyler se reparte los versos con Brent Faiyaz, de timbre meloso. Hay deliciosas irrupciones bossa nova, reggae; podría pasar por un tema de los setenta si no se colara, una vez más (argh) la voz de DJ Drama, y alcanza altas cotas de emoción a la lovers rock jamaicanoa con la irrupción de la voz rasgada de Fana Hues, primero replicando a los «So, what makes you think I’m not in love?» y luego cantando toda una estrofa. Y acaba Tyler rapeando todos cantando, la voz de ella sola. Una virguería que, a pesar de su duración, pasa en un suspiro. Quizás por eso descoloca y resulta hasta innecesario el interludio ‘MOMMA TALK’ (que es eso, literalmente), pero se recupera en ‘RISE!’, con la voz de DAISY WORLD y otro estupendo estribillo… para soltarte una colleja en ‘JUGGERNAUT’, la pieza más dura y metálica del disco, con la participación de Lil Uzi Vert y Pharrell Williams.
Y entonces llega el tour de force del disco, ‘WILSHIRE’. Más de ocho minutos y medio. grabado de una sola toma, de Tyler a corazón abierto, en el que la voz de Tyler, su arte de rapsoda alcanza quizás una de sus más altas cimas en una letra sobre amor, desamor y puyitas, con ese tono entre impávido, de vuelta de todo, y vulnerable, sobre una base de cadencioso r&b y sutiles ecos de coros, a corazón abierto. Cómo suelta hacia el final, con su voz ahumada, ese compungido pero contenido «I’m a shit, I’m a bad person, like, I’m in the wrong, I’m a bad person». Pero, ay, se corta abruptamente, cuando podría haber durado quince minutos minutos más sin problemas. Ahí lo habríamos estado jaleando.
No hay duda de que ‘CALL ME IF YOU GET LOST’ es un gran disco. El único pero que se le puede poner es que sus canciones parecen funcionar mejor si las desconectas entre ellas, si te concentras en ellas a título individual, que cuando haces la escucha seguida del álbum, ya que a ratos su cadencia hace que desconectes. Y todo el hilo conductor de DJ Drama, más que dar continuidad, emborrona las canciones.
«Mujer errante» sería un buen título para el biopic de Connie Converse. Una de sus mejores canciones, ‘Roving Woman’, habla de la manera en que la sociedad de los años 50 impedía a las mujeres prosperar o simplemente buscar la felicidad y la satisfacción personales más allá de las cuatro paredes del hogar: «La gente dice que una mujer errante no puede ser mejor de lo que debería ser, y cuando me desvío de donde debería estar, alguien siempre me trae de vuelta a casa». Quizá como acto de rebelión definitivo, Connie Converse decidió un día no volver a casa nunca más.
La historia de Connie Converse fue contada en un documental de 2014, pero en esta época de fascinación por los biopics y los documentales de misterio tiene un interés especial. Cantautora adelantada a su tiempo, pues se dice que su obra predijo el género «cantautor» cuando todavía Bob Dylan y Joni Mitchell no existían en la imaginería popular, la artista nacida en New Hampshire dejó un fascinante cancionero grabado durante los años 50 antes de desaparecer para siempre dos décadas después, precisamente antes de cumplir 50 años.
Según la historia oficial, Converse se mudó a Nueva York para intentar dedicarse profesionalmente a la música, pero su trabajo no provocó demasiado interés y, en 1963, se trasladó a Michigan para trabajar de secretaria y editora en una revista académica. Cada vez más frustrada con su vida y tras recibir la noticia de que debía someterse a una histerectomía, la cual la dejó «devastada», en el verano de 1974 empacó sus cosas, cogió su coche y no volvió a ser vista nunca más. Sí dejó escritas unas cartas de despedida (que no de suicidio) en las que pedía a su familia que la «dejara marchar» porque no sentía que «encajara» en la sociedad pero su paradero ha sido desconocido desde entonces. Su querido hermano Phil creyó haber visto su nombre en una agenda telefónica pero nunca contactó con ella porque «desaparecer había sido su decisión» y le había parecido «embarazoso» presentarse en su puerta de repente.
Es importante apuntar, para terminar de comprender la historia de Converse, que la cantautora nació en el seno de una familia profundamente religiosa que no aprobaba su carrera musical, hasta el punto de que su padre murió sin nunca haber escuchado una canción suya. En 1954, Converse apareció en un programa de televisión matinal para cantar una canción pero sus padres se negaron a verlo. Durante su depresión, la madre de Converse intentó animarla llevándosela con ella y una amiga de viaje a Alaska pero parece que madre e hija no se llevaban especialmente bien: Connie llegó a espetar antes de meterse en el avión que le apetecía «ir a Alaska lo mismo que al sótano». Connie fumaba y bebía y, como canta en su canción ‘The Clover Saloon’, le apasionaba frecuentar bares. No se comportaba acorde a lo que su religión esperaba de ella.
Creativa desde que era una niña, Converse fue además una estudiante sobresaliente, pero lo que le motivaba era la música. Sus canciones, solitarias pero espabiladas, hablaban de una soledad buscada (‘We Lived Alone’) o impuesta por la eterna ausencia de la persona amada (‘Man in the Sky’), pero también versaban sobre adulterios (‘Johnny’s Brother’) o sobre disfrutar como nadie empinando el codo (en ‘The Clover Saloon’ le lanza la botella a un tío por llamarla «una cosa que odio particularmente»). Otras se basaban en poemas (‘With Rue My Heart Is Laden’) o eran directamente cuentos en los que perderse (‘Playboy of the Western World’). Solo con su guitarra y su voz, Converse creó pequeñas cápsulas de tiempo en las que vertió sus sentimientos e inquietudes de manera genuina y pura.
La música de Connie ha sido conocida por el público desde 2004, cuando sonó por primera vez en un programa de radio, y sobre todo desde que, en 2009, el sello Lauredette Records publicó ‘How Sad, How Lovely‘, una colección de 17 canciones rescatadas de su repertorio -las originales fueron grabadas junto al veterano de guerra Gene Deitch, quien adoraba su música- y restauradas para la ocasión. En 2020 salió el EP ‘Sad Lady’ con más canciones antes inéditas. Mejor que seguir dándole vueltas a lo que le pudo pasar (su hermano nunca ha descartado la idea de que se suicidara, pues Connie no estaba en contra de dicha práctica) es explorar el maravilloso mundo de esta mujer que, se puede decir, nació en el momento equivocado pero dejó un legado único.
Tal es la ristra de singles que J Balvin lleva publicada este año que alguno ha terminado colando. Es el caso de ‘¿Qué más pues’? con María Becerra, actual número 2 en la lista de singles española solo por detrás de ‘Todo de ti’ de Rauw Alejandro. El colombiano está a punto de volver a tocar el cielo con los dedos tras sus últimos pequeños fracasos. Sus últimos sencillos, ‘Tu veneno’ y ‘Ma’ G‘ que supuestamente avanzaba su nuevo disco, no habían convencido del todo.
Otro single reciente de J Balvin que está llamando la atención, pues continúa entre los más vistos de Youtube en la categoría musical, es ‘In Da Getto’, su tema conjunto con Skrillex. El productor de Los Ángeles no publica disco desde 2015. De este año data su proyecto Jack Ü junto a Diplo. Sin embargo, ha estado muy presente en los últimos tiempos gracias a varios asuntos. Por ejemplo, su trabajo de producción en temas como ‘Ego Death‘ de Ty Dolla $ign con FKA twigs y Kanye West (sí, esto sucedió). También ‘Butterflies’ con Starrah y Four Tet. O el ultra-distorsionado ‘Supersonic (My Existence)’ con Noisia, josh pan y Dylan Brady. Y ‘Too Bizarre’ con Swae Lee y Siiickbrain.
‘In Da Getto’ es un single de J Balvin producido por Skrillex más que un tema de Skrillex en el que Balvin colabore. De hecho, Skrillex comparte créditos de producción con Tainy, habitual colaborador de Balvin. Y entre los compositores encontramos, sorpresa, a David Morales y Delta Benet. Y es que esto no es otra cosa que un saqueo a ‘In The Ghetto’ de David Morales & The Bad Yard Club con Crystal Waters y Delta. Aquel hit dance triunfó en las discotecas de Nueva York a mediados de los años 90. Y lo hizo gracias a su pegadiza melodía de teclado como sacada de una atracción de coches de choque que aquí se replica.
El single de J Balvin y Skrillex se suma así a la moda de temas de «urban latino» que han sampleado hits dance de los años 90, como ‘Me gusta’ de Shakira con Anuel AA, ‘Muévelo’ de Daddy Yankee con Nicky Jam o ‘RITMO (Bad Boys for Life)’ de Black Eyed Peas con el mismo Balvin. También vuelve a ser un ejercicio de sampleo holgazán y forzado en el que se busca capturar la atmósfera de una fiesta frenética, febril, desfasada que no termina de sentirse en la grabación. El colombiano avisa de que «to’ el mundo está loco, to’ el mundo está loco, to’ el mundo está loco, todo el mundo rayao’ del coco» pero la fiesta parece estar más en su cabeza que otra cosa.
