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Public Enemy expulsan al icónico Flavor Flav, disconforme con el apoyo del grupo a Bernie Sanders

Por
Raúl Guillén
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Public Enemy ha emitido un comunicado en las últimas horas –recogido entre otros medios por Pitchfork– anunciando que el grupo neoyorquino prescindirá en adelante de Flavor Flav. El combo comandado por Chuck D y secundado musicalmente por los Proffesor Griff y DJ Lord ha tomado esta decisión después de que aquel emitiera una orden de cease and desist –una fórmula de advertencia para suspender una actividad antes de emprender acciones legales– contra ellos por su participación en un mitin de apoyo a Bernie Sanders en Los Ángeles. Una campaña a la que también se han sumado otros artistas tan conocidos como The Strokes, Vampire Weekend o Bon Iver.

Flav se quejaba del uso de su imagen –con ese icónico reloj gigante que solía colgar de su cuello con una cadena– en los carteles promocionales de ese acto, en el que participaba el ahora trío este domingo bajo el alias de Public Enemy Radio –un formato reducido, estilo soundsystem, en el que no suele intervenir ese rapero–. Flavor acusaba del uso fraudulento de su imagen a los organizadores de la campaña del aspirante a ganar las primarias demócratas, con la vista puesta en las presidenciales contra Trump del próximo noviembre. Y dejaba claro que, aunque lo hicieran sus compañeros, él no apoya a Sanders. «¡Hey, Bernie, no hagas esto!», concluía el escrito redactado por su abogado.

Horas después, y casi en paralelo a ese acto electoral que sí se celebró, Chuck D lanzaba una réplica a su compañero asegurando que “Public Enemy y Public Enemy Radio seguirían adelante sin Flavor Flav”. “Le agradecemos sus años de servicio y le deseamos lo mejor”, añadían, no sin acusarle de “escoger bailar por su dinero y en lugar de llevar a cabo un acto bondadoso como este”. Un abogado de D añade que, desde el punto de vista legal, su representado puede actuar bajo el nombre de Public Enemy puesto que es el único propietario de la marca, creador del logo y el letrista de «las líneas más memorables» de Flavor Flav. Aunque Chuck D fue el germen del grupo, lo cierto es que se daba por hecho que el grupo nace cuando él y Flavor se conocen en la universidad de Long Island en 1985, habiendo permanecido ambos al frente desde entonces.

La Canción del Día: Doja Cat logra su mayor éxito con la retrodisco ‘Say So’, otro hit impulsado por Tiktok

Por
Raúl Guillén
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Hace unos meses nos hacíamos eco del lanzamiento de ‘Hot Pink’, un álbum con el que Doja Cat debía confirmarse como una posible estrella del rap-pop estadounidense tras la broma y posterior controversia de ‘Mooo!’, que ya es cosa del pasado. Y finalmente así ha sido: impulsado por los singles ‘Candy’ y ‘Juicy‘ (impulsada por un posterior remix con Tyga), su repercusión ha sido mayor que la de su debut ‘Amala’ gracias a temas como ‘Rules‘, ‘Cyber Sex‘ o ‘Bottom Bitch‘. La clave de su éxito está, muy probablemente, en que sus canciones conjugan con habilidad hip hop, soul, R&B, ritmos latinos y pop, un poco en la línea versátil que han impuesto como tendencia Cardi B y Lizzo. Pero, aunque eso sea así, el single que realmente ha marcado la diferencia en su carrera y que la lleva a un nuevo estrato en la industria es ‘Say So’.

Sin haberse destacado previamente como single, ese tema ha logrado ampliamente el «sorpasso» respecto a sus singles más escuchados y, en estos momentos, sus 130M de streamings en Spotify superan ya por varias decenas de millones a sus anteriores canciones más escuchadas. La clave, una vez más, parece estar en la red social de vídeos Tiktok, que tan locos vuelve a adolescentes de todo el mundo. Tras los éxitos de ‘Roxanne’ de Arizona Zervas y ‘The Box’ de Roddy Rich, el baile viral de ‘Say So’ la ha impulsado a obtener cifras millonarias.

Porque lo mejor de ‘Say So’ (y lo que puede hacer que su éxito no sea efímero y se extienda más allá de la citada plataforma de vídeos) es que es una canción realmente atractiva. Detrás de su sensual y fresco retrodisco están, junto a la propia Amala Dlamini, Dr. Luke (bajo el seudónimo Tyson Trax) y su equipo, logrando un tema enormemente adictivo que bien podrían haber interpretado Ella Mai o incluso Bruno Mars. La clave está en ese gancho de su estribillo en el que Doja Cat que pide a un amigo que no se corte y «agarre su culo», porque va a ser correspondido.

Lo que hace pensar que la popularidad de la canción será incluso mayor es que además ha aparecido en el late-night de Jimmy Fallon interpretando llamativamente la canción. Y, además, se ha estrenado el correspondiente vídeo oficial: dirigido por la reputada Hanna Lux Davis, se ambienta muy apropiadamente en los años 70 y saca partido a la tensión sexual entre Amala y un macizorro chico para todo, con el que acaba dándolo eso, todo… en la disco. Así, si la pasada semana se alzaba ya hasta el puesto 51 del Billboard Hot 100, todo indica que su tendencia al alza seguirá. Diría que tenemos ‘Say So’ para rato.

Lo mejor del mes:

‘Geidi Primes’ de Grimes no es un ensayo de «drone atonal» infumable

Por
Jordi Bardají
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Grimes acaba de publicar su quinto álbum de estudio, ‘Miss Anthropocene’, un trabajo conceptual protagonizado por la «Diosa del cambio climático». Por poco la fecha de lanzamiento de este disco coincide con la de su debut, ‘Geidi Primes’, publicado originalmente el 10 de enero de 2010 en una tira limitada de 30 casetes por el sello canadiense Arbutus Records y reeditado después en CD y vinilo por el sello británico No Pain in Pop.

En la década que separa ambos lanzamientos han pasado muchas cosas, pero reconforta descubrir que Grimes no ha cambiado tanto. Como ‘Miss Anthropocene’, el ya algo olvidado primer disco de Grimes también era conceptual con trasfondo de ciencia ficción, en este caso basado en la famosa novela de 1969 ‘Dune’ de Frank Hebert célebremente adaptada a la gran pantalla por David Lynch en 1983. Como cualquier fan de ‘Dune’ sabrá, el título de ‘Geidi Primes’ está extraído del nombre del planeta en el que se desarrolla la historia de esta novela, y los títulos de sus pistas están basados en los nombres de algunos planetas o personajes presentes también en el texto.

Producido modestamente por Claire Boucher en su casa de Montreal el mismo año en que intentó zarpar con una casa-flotante desde el río Misisipi hasta Nueva Orleans junto a su novio de entonces (aventura que no terminó de materializarse), ‘Geidi Primes’ no es un disco poco ambicioso pese a su componente ultra lo-fi. En su momento Boucher llegó a decir que sonaba «naíf», pero en su instrumentación y melodías ya se empieza a vislumbrar el tipo de artista que Grimes es hoy. ‘Geidi Primes’ no es un ensayo de «drone atonal» infumable como el que la canadiense reconoce que solía practicar cuando «no tenía ni idea de música», sino un álbum bastante accesible en lo que se refiere a las canciones.

La razón principal es que previamente Grimes había escuchado ‘Person Pitch‘ de Panda Bear y descubierto que podía componer música experimental que también fuera pop, y así, algunas de las composiciones de ‘Geidi Primes’ podían perfectamente haber sido editadas más tarde por la artista, como ‘Rosa’, que con 4 millones de reproducciones en Spotify, con razón es el mayor hit del disco, o ‘Feyd Rautha Dark Heart’, que recuerda a John Maus. Incluso la misteriosa ‘Venus in Fleurs’ presenta una letra totalmente pop: «Todo el mundo cree que soy aburrida, mucha gente cree que no tengo idea de nada / ¿Y enfrentarme a todo ese fuego ahí afuera? ¿Qué hacer cuando todo eso está teñido de tristeza?»

Sin ser ‘Person Pitch’ ni mucho menos el trabajo más comercial editado por esta artista que terminaría fichando por el sello de Jay-Z y escribiendo para Rihanna, es decir, sin ser ‘Visions‘ ni mucho menos ‘Art Angels‘, ‘Geidi Primes’ es una pequeña chuchería de pop experimental que gustará a aquellos que también se dejan fascinar por los primeros trabajos de Ariel Pink, Julia Holter o Zola Jesus. La Wikipedia lo cataloga dentro de la categoría de «outsider music» por su producción casera y lo-fi, y si el disco es ambicioso es por su diversidad de ideas y referencias. Si ‘Caladan’ une un beat lo-fi con una bonita línea de piano, lo que une ‘Zoal, Face Dancer’ es un ritmo tecno con un ukulele, mientras ecos de música tradicional china emergen en ‘Sardaukar Laverbech’ y ‘Shadout Mapes’, y de post-punk en la mística ‘Avi’. Grimes utiliza estos sonidos desde una perspectiva artística que no niega ni el misterio (‘Venus in Fleurs’) ni la emoción (‘Beast Infection’), explorando un sonido muy interesante que apenas seguiría desarrollando en su segundo disco publicado el mismo año, ‘Halfaxa’, mucho más concentrado en los sintetizadores, y por tanto el verdadero punto de partida de la Grimes que todos conocemos, la de ‘Visions’ hasta la actualidad.

Caribou / Suddenly

Por
Sebas E. Alonso
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Más que como un gran DJ y un productor de electrónica, que también, ‘Our Love‘ confirmó a Caribou como un amor. Valga la redundancia. Una persona sensible que sin renunciar a llenapistas como habían sido ‘Odessa’ y ‘Sun’ (y ‘Can’t Do Without You’ continúa siendo un himno fundamental en la historia de la década pasada), se preocupa por el valor de las cosas que le rodean. La muerte, la causa LGTB+ o el amor en la tercera edad eran algunos de los temas que rondaban aquel álbum, el mejor de 2014, y del que por tanto han pasado ya hasta 6 años.

‘Suddenly’, que debe su título a la rapidez con que pueden cambiar las cosas en la vida, es otro disco igualmente adorable, que se ha enriquecido con las experiencias de Dan Snaith durante todo este tiempo: un divorcio en la familia, la muerte de nuevo acechando a algunos de sus miembros, el nacimiento de una de sus hijas en la parte trasera de un coche, el Brexit, lo tóxico que es Reino Unido como lugar de residencia… Sobre todo despuntan dos temas: la muerte y algo que podríamos considerar «feminismo», o la importancia de la figura femenina en la vida del artista y en la sociedad.

Cuenta Caribou en una entrevista que publicaremos en breve (‘Suddenly’ será nuestro «Disco de la Semana») que, al estar su padre -un académico matemático- permanentemente encerrado en un despacho, considera que se crió con su madre y con sus hermanas. Ahora, si se ve arropado y vive en verdad un momento muy feliz de su vida, es gracias a su esposa y a sus dos hijas. Rodeado siempre de mujeres, Snaith dice haberse visto sorprendido y decepcionado por las revelaciones de la era #MeToo. «Sabía que había acoso, abusos, masculinidad tóxica… pero no hasta qué nivel. Muchas mujeres que conozco empezaron a postear cosas que no podía imaginar que habían pasado. Esas experiencias me mostraron que vivo en un mundo muy diferente al que yo creía».

De la necesidad de cambiar el mundo nace la canción con que se abre ‘Suddenly’, una balada intimista llamada ‘Sister’ que Caribou dedica a sus hermanas y a sus hijas, dirigiéndose también a los hombres por todas las cosas que tenemos que cambiar en nuestro interior («Tío, tú eres quien tiene que hacer cambios / Nadie va a hacerlo si tú no»). Dicen los créditos que Carolyn Snaith «canta» en este tema, pero se trata de una vieja grabación familiar rescatada por Dan en la que se escucha a su madre. Igualmente, ‘New Jade’ habla sobre una separación, pero no es precisamente un drama sobre el fin del amor. La relación era tóxica y Caribou escribe sobre cómo los hijos apoyan a su madre en su huida hacia la libertad. «No creas nada de lo que te dijo / Son siempre mentiras / Hemos estado esperando mucho tiempo / Y ahora finalmente se ha marchado», celebra el texto.

‘Home’, el primer adelanto, el que sampleaba una canción perdida de Gloria Barnes, es también un elogio hacia la mujer («hay tanto que ella puede enseñarme»); mientras que la muerte impregna gran parte del álbum por otro lado, como ya sucedía en el anterior, donde ‘Julia Brightly’ se dedicaba a su ingeniera de sonido (trans, por cierto), que había fallecido. El espléndido sencillo ‘You and I’ dirige unas palabras hacia alguien que ya se nos fue, mientras la balada ‘Magpie’ es aún más explícita al dirigirse a una mujer que «ya no está desde hace 5 años», pero continúa muy presente en la vida del artista.

Con estas descripciones, podríamos estar hablando de un disco turbulento de cantautor tipo Nick Cave o Sun Kil Moon, pero Caribou no ha dejado de ser un productor de electrónica, y además uno absolutamente genial, que además al mismo tiempo y aunque resulte contradictorio, cada vez se muestra más seducido por la canción pop: atentos a la balada ‘Like I Loved You’. ¿Por qué «contradictorio»? A Snaith le agobia muchísimo repetirse a sí mismo y ser consciente de que lo normal cuando un artista lleva 20 años en el mundo de la música, es que no esté precisamente en su mejor momento creativo. Así, ‘Suddenly’ sale de más de 900 borradores o ideas de música que ha ido desarrollando con la ayuda en la selección de su esposa y de Four Tet.

Únicamente ‘Lime’ une realmente varios de esos borradores. El resto del disco, cuando ofrece secciones cambiantes o unión de varios géneros musicales, es a través del desarrollo de una sola pista inicial. ‘You and I’ ejemplifica perfectamente esa sensación de «cambio repentino» de la que habla el disco y también su ambición artística, jugando con las estructuras e incorporando hasta guitarras eléctricas; y otra canción interesante es ‘Sunny’s Time’, en su yuxtaposición de pop de cámara al piano y retorcido hip-hop. A su vez, no se pierde de vista la pista de baile, centro del último sencillo ‘Never Come Back’ o de la evocadora ‘Ravi’, en la que la única frase es «Siempre es mejor cuando estoy contigo / y me abrazas como antes». El disco se cierra inmediatamente después, literalmente «en las nubes», con el artista pidiendo a alguien que vuelva para darle abrigo. A veces celestial, a veces envolvente, a veces eufórico, lo seguro es que Snaith no puede ofrecer a cambio mejor regazo musical.

Calificación: 8,5/10
Lo mejor: ‘You and I’, ‘Home’, ‘Ravi’, ‘Like I Loved You’, ‘Never Come Back’
Te gustará si: eres tan sentimental como cantaban Family.
Escúchalo: el single en Youtube.

Real Estate: «Leer que ‘In Mind’ era más de lo mismo nos hizo reflexionar»

Por
Jordi Bardají
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Real Estate, la banda de Nueva Jersey formada por Martin Courtney (voz, guitarra), Alex Bleeker (bajo, voces), Jackson Pollis (batería), Matt Kallman (teclados) y Julian Lynch (guitarra), llega a su quinto álbum con un puñado de preguntas existenciales en la cabeza que ha tratado de responder a lo largo de este nuevo trabajo llamado ‘The Main Thing’. En este disco, que sucede a ‘In Mind‘, el grupo sigue explorando su nostálgico sonido de pop de guitarras con el añadido de nuevas ideas que sorprenderán a sus seguidores. Poco después de los Grammy tuvimos oportunidad de hablar con Martin Courtney sobre este nuevo álbum en una charla en la que también hubo tiempo de hablar sobre paternidad, el deseo de «contribuir algo al mundo» o la importancia de unir a gente en los conciertos en un mundo cada vez mas conectado e irónicamente también más solo.

¿Viste los Grammy? Vampire Weekend ganaron el premio a Mejor disco de música alternativa. ¿Estáis de acuerdo? ¿Se lo habríais dado a otro?
No vi los Grammy, con los años han ido siendo cada vez más estresantes de ver. Solía hacerlo pero ya no me puedo identificar con nada de lo que veo ahí…

Supongo que no sigues mucho la música pop ahora mismo…
La sigo un poco porque tengo hijos pequeños. El último disco de Kacey Musgraves me encantó, pero no puedo decir que escuche mucho la radio. Hace poco descubrí una canción de Mac Miller que también me gustó mucho, es una pena que muriera. Quizá escuche más de su música en el futuro.

Como padre estarás familiarizado con Billie Eilish. Ha unido bastante público…
Mis hijos son muy pequeños aún, el mayor tiene 5 años, y básicamente escuchan la música que yo les enseño (ríe). He escuchado un par de canciones de Billie Eilish y me gustan. Me parece una artista muy guay y que representa una figura muy interesante ahora mismo en el pop. Ella es algo diferente para variar, una artista joven que parece estar al mando de su trabajo.

Hablemos sobre ‘The Main Thing’. De vosotros se dice que sois una banda «de la que uno se puede fiar», por el sonido reconocible que tenéis, pero en este disco probáis cosas nuevas: ‘Gone’ suena distinta a lo que soléis hacer, es lenta y tiene peso de los sintetizadores. ‘Also a But’ es un poco post-rock… ¿Alguna vez os ha preocupado que se os vea como una banda predecible?
Me alegra que menciones estas dos canciones porque sí son distintas a lo que hemos solido hacer. En concreto, ‘Also a But’ la compuso Julian Lynch, nuestro miembro más reciente. Aunque hace tiempo que le conocemos, aún se sentía fuera de lugar dentro de la banda, y esta canción es justo la que él necesitaba creativamente para sentirse totalmente integrado en ella. Lo que suena diferente en el disco viene sobre todo de Julian pero también es producto de nuestro esfuerzo por no hacer lo de siempre ni caer en viejos hábitos. Nosotros siempre hemos intentado hacer cosas nuevas e ir hacia diferentes direcciones. Cuando salió ‘In Mind’, la recepción crítica nos sorprendió. No es lo más importante del mundo, pero leer que el disco estaba bien pero que era más de lo mismo nos hizo reflexionar con la intención de esforzarnos más y hacer algo mejor. Somos afortunados de tener un sonido identificable pero nuestra intención siempre ha sido explorar nuevas vías dentro de este sonido.

¿Cómo habéis afrontado este disco, desde qué mentalidad, después de ‘In Mind’?
Todos sentíamos que era un disco importante. Es el quinto, llevamos ya 10 años en la banda, nuestras vidas son más complejas, nos hemos hecho mayores, algunos hemos tenido niños… Además parece que el mundo se ha vuelto más confuso y peligroso. Sentimientos que quizá ya estaban ahí han salido a la superficie. Luego, el cambio climático… Cada vez son más los desafíos a los que nos hemos de enfrentar y no queríamos hacer un disco por hacerlo. Durante la composición de ‘The Main Thing’ nos preguntábamos si esto era realmente lo que queríamos hacer, por qué estamos aquí y si todo esto vale la pena…

«Me he preguntado si por hacer música no estaría siendo egoísta e irresponsable por mis hijos, si no debería tener un trabajo más estable»

El primer single del disco, ‘Paper Cup’, habla un poco sobre todo eso. ¿Os preocupa haber estado en la banda tantos años mientras “personas a vuestro alrededor han evolucionado y asumido nuevos desafíos”? ¿Os cuestionáis mucho el estar en una banda? ¿Creéis que os habéis perdido cosas?
Yo mismo me cuestionaba estar en una banda por mis hijos, me preguntaba si por hacer música no estaría siendo egoísta e irresponsable, si no debería tener un trabajo más estable… ¿Pero qué es mejor, eso o dedicarte a lo que de verdad te apasiona? He querido mostrarles a mis hijos que es bueno comprometerse con algo, y que hay que hacer las cosas lo mejor que uno pueda y no por hacerlas. Ese es el ejemplo que les he querido dar. También que nada de esto niega el que uno pueda divertirse. Hacer este disco ha sido una experiencia incómoda porque nos hemos esforzado en hacer cosas nuevas, pero también ha sido gratificante y divertida. Nuestro productor Kevin (MacMahon) ha sido muy útil en este sentido. Es muy directo y honesto y nos presionaba a hacer las cosas lo mejor posible.

¿Habéis trabajado con productores menos honestos?
Toda persona con la que hemos trabajado lo hemos hecho porque respetamos su talento. El proceso ha sido gratificante con todos ellos. Un buen productor actúa como un «coach». Con Kevin ha sido así. Las conversaciones filosóficas que manteníamos con él eran más importantes que el sonido al que quisiéramos llegar. El pensamiento era que queríamos hacer el mejor disco de nuestra carrera, lo cual siempre es el objetivo, por supuesto, pero en este caso sentíamos que teníamos algo que demostrar.

¿Alguna vez has pensado qué estarías haciendo de no ser parte de una banda?
Nunca lo he sabido realmente. Nosotros nos graduamos en el año 2008, acababa de empezar la crisis económica y apenas había trabajo. Yo no sabía qué hacer con mi vida en ese momento y la música era algo que siempre había hecho, la música siempre había sido mi pasión, así que mis amigos y yo montamos una banda sin expectativas de que fuera a ningún lugar. De repente la banda empezó a ganar popularidad, nos fuimos de gira y de repente se convirtió en mi trabajo. No nos dio tiempo ni a pensar en lo que estaba sucediendo. Fuimos muy afortunados y lo seguimos siendo, pero a la vez yo pensaba: ¿de qué manera estoy contribuyendo al bien general? ¿No estaré siendo egoísta? Al final crear arte es una actividad muy introspectiva…

¿Tú crees? Pero vosotros sacáis discos, salís de gira… Al final ponéis vuestro granito de arena.
Es difícil para un músico ver el modo en que su arte afecta a otra gente… En este disco hemos intentado valorar el apoyo y la lealtad de nuestros fans. Era la sensación de «si vamos a hacer esto, vamos a hacerlo bien». Y así contribuimos a la causa. Por otro lado, nuestro bajista Alex (Bleeker) dice que es muy especial poder viajar por todo el mundo y unir a tante gente en los tiempos que vivimos. Hoy estamos más conectados que nunca gracias a internet, pero a la vez nos sentimos más aislados. El hecho de poder unir a la gente en un concierto vale la pena y es algo por lo que me siento muy agradecido.

«Hoy estamos más conectados que nunca gracias a internet, pero a la vez nos sentimos más aislados. El hecho de poder unir a la gente en un concierto vale la pena y es algo por lo que me siento muy agradecido»

El disco tiene momentos muy nostálgicos («the days were long / when we were young»), pero también melancólicos, un poco tristones… La edad adulta parece un tema central. En ‘Also a But’ cantas: “always feeling tense, I await calamity”. El álbum tiene ese fondo de nostalgia por tiempos mejores. ¿Es algo que estaba en vuestra cabeza?
Sin duda. Hay una canción en el disco llamada ‘Shallow Sound’ que habla sobre la vida que he construido con mi mujer, mis hijos, el hecho de que vivimos en un lugar seguro. Como padre quieres cultivar esa sensación de seguridad para tus hijos, pero después te das cuenta de que no vas a poder protegerles para siempre, que al final la realidad es la que es y, en algún momento, ellos también lidiarán con los mismos sentimientos que tú. Aunque espero que en el disco también haya esperanza…

Para mí ‘Paper Cup’ tiene un poso de esperanza…
‘Paper Cup’ y ‘The Main Thing’ hablan un poco de lo mismo. Son las dos caras de una misma moneda. ‘Paper Cup’ plantea si soy feliz con lo que estoy haciendo, y ‘The Main Thing’ va por otro camino: expone que si cuestionas lo que estás haciendo y descubres que el mundo está en tu contra o algo así, lo mejor que puedes hacer es concentrarte en lo que te hace feliz. Esta es la razón por la que el disco se llama ‘The Main Thing’. Todas las preguntas que nos hemos hecho en el disco las hemos ido respondiendo durante el proceso de composición.

Dices que vuestro objetivo ha sido hacer el mejor disco de vuestra carrera, pero curiosamente el título es bastante ordinario. No es nada épico ni potente, pero cuando te das cuenta de lo que van las canciones tiene sentido…
Nos costó bastante titular el álbum porque es muy importante para nosotros. Al final ‘The Main Thing’ refleja que esto es lo «principal» para nosotros, tocar en esta banda, hacer un buen disco…

Hay una frase en ‘November’ que me ha conmovido: «when I was just nineteen / I was not here nor there / But I recall being alive / And I recall a palpable absence”. ¿Cómo recordáis vuestra adolescencia o post-adolescencia? ¿Con ansiedad, o más bien con espíritu emprendedor?
La adolescencia fue un tiempo en que pensaba que tenía que ser una persona adulta e ir a la universidad, saber lo que tenía que hacer, cuál iba a ser mi carrera… y no fue así. No tenía una senda clara delante de mí. Pero ‘November’ también es una canción de amor porque lo único que tenía claro entonces es que quería estar con esa persona. Todas esas preguntas sobre lo que queremos hacer no se disipan con la edad adulta, pero al final tenemos que vivir nuestra vida y ser felices.

«Mi aspiración como escritor es escribir letras poéticas y que tengan mensaje, pero que no sean demasiado obtusas»

‘Also a But’ es muy poética. Como hemos comentado antes, tú estudiaste literatura. ¿Tienes tienes tiempo para leer? ¿Qué te gusta leer?
(rie) Apenas tengo tiempo para escuchar nueva música, imagínate leer… Tengo que ir a recoger a mis hijos, hacer la comida…. Mi vida diaria es es ser padre, ir al estudio, escribir canciones… Quizá mi revolución personal podría ser leer más, eso me ayudaría a ser mejor escritor.

Tus letras suenan muy literarias, ¿recuerdas a algún autor que te influyera?
En realidad me inspiran músicos. Uno de mis letristas favoritos es Bill Callahan porque su manera de escribir es muy poética y hermosa pero también muy accesible. Sus textos me conmueven. Hace poco también descubrí a David Berman, recientemente fallecido. Leer sobre él me hizo explorar su poesía y con ello descubrí a un gran talento. Sentí una conexión de inmediato con sus textos, ya que mi aspiración como escritor es escribir letras poéticas y que tengan mensaje, pero que no sean demasiado obtusas.

‘Overlord’ recupera la sencillez de los mejores Dirty Projectors

Por
Jordi Bardají
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Buenas noticias para los fans de Dirty Projectors: la banda de Dave Longstreth vuelve al sonido de su obra maestra de 2012, ‘Swing Lo Magellan‘. Sí, ‘Dirty Projectors‘ y ‘Lamp Lit Prose‘ eran buenos trabajos de su enriquecedor art-pop, pero había algo en su buscada comercialidad que no terminaba de encajar. ¿Sería la sobreproducción de los temas?

‘Overlord’ no puede ser una canción más sencilla en comparación. Guitarra, batería y voz… poco más necesita esta preciosa melodía para dejar huella a primera escucha. El grupo ha dicho que ‘Overlord’ es el «Both Sides Now para el mundo Amazon Prime», y aunque por temática no tienen nada que ver (‘Both Sides Now’ era una conmovedora reflexión sobre la vida y el amor escrita desde los cielos), instrumentalmente la canción sí recuerda a la Joni Mitchell de ‘Clouds’ o al Neil Young de ‘Out of the Weekend’. Es tan 70s como Dirty Projectors en su producción maquetera pero nítida, en la que las guitarras acústicas, a ambos lados de los auriculares, no pueden sonar más presentes, una técnica que caracteriza el sonido de Dave Longstreth como ya pudo escucharse en el estupendo álbum de Amber Coffman, producido por él.

La nueva formación de Dirty Projectors hace tiempo que no incluye a Coffman, pero hoy tampoco integra únicamente a Dave, y el grupo es ahora un septeto compuesto por Longstreth, Maia Friedman, Felicia Douglass, Kristin Slipp, Nat Baldwin, Mike Johnson y Mauro Refosco. Maia es quien interpreta esta canción con una voz limpia y melódica que recuerda a la de la autora de ‘No Coffee’, y quien también aparece en el videoclip de la canción obviamente rodado en Nueva York. Si la letra de ‘Overlord’ parece aludir al fascismo («no grites al tren, simplemente súbete, aquel que se quede atrás se quedará en la orilla»), el vídeo muestra imágenes de varios monumentos asociados al neoliberalismo americano, como el Oculus del World Trade Center. Canción y vídeo son un doble acierto.

Lo mejor del mes:

Drake referencia a Michael Jackson en ‘When to Say When’: «mi palacio no es para niños»

Por
Sebas E. Alonso
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Drake ha estrenado este sábado, de momento tan sólo en Youtube, un par de canciones. Una es ‘When to Say When’ y lo siguiente es un ‘Chicago Freestyle’.

Sorprendentemente, y a diferencia de algunos de los macrohits de Drake, esto sí viene acompañado de un videoclip en el que el artista recorre las calles de Brooklyn. La canción contiene un sample de ‘Song Cry’ de Jay-Z, y por eso parece haberse grabado delante de Marcy Houses, pues Jay-Z se crió allí. Este tema a su vez sampleaba el ‘Sounds Like a Love Song’ de Bobby Glenn que resuena en esta grabación en la que Drake se dedica a rapear sobre la fama y sobre el amor de su madre.

Pero sin duda lo que más choca en todo el tema, sample y voces tratadas aparte, es la frase dedicada a Michael Jackson, prácticamente nada más empezar. Cuando habla de “dar a los “niggas” el espacio que necesitan para existir”, Drake referencia el nivel alcanzado por Michael Jackson, pero corrige: “pero mi palacio no es para niños”. Sin duda está cuestionando que el autor de ’Thriller’ llevara a niños a Neverland y también hay quien cree que está indicando que es falso que haya salido con chicas jóvenes, como se ha cuestionado últimamente tras saberse que es colega de Millie Bobby Brown de ‘Stranger Things‘.

Willy Toledo, absuelto de cagarse en Dios, pese a su «mal gusto»

Por
Sebas E. Alonso
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Willy Toledo ha sido finalmente absuelto de los delitos de los que se le acusaba en el Juzgado de lo Penal número 26 de Madrid. El actor se había cagado en Dios y en la Virgen (“y todavía me sobra mierda para cagarme en el dogma de la santidad y virginidad de la Virgen María”), por lo que llegaba a ser detenido, acusado de haber ofendido los sentimientos religiosos. Era la Asociación de Abogados Cristianos quien le llevaba a juicio en 2017 y pedía una pena de 22 meses de multa.

Como informa la prensa generalista, por ejemplo el diario El País, la juez ha reconocido “la falta de educación, el mal gusto y el lenguaje soez utilizado por el acusado”, pero no acredita que haya incurrido en un delito. Además, recuerda que las afirmaciones se produjeron en el muro de Facebook de Toledo, por lo que se sobrentiende que se dirigían a sus seguidores, “personas que comparten las ideas del acusado y el gusto por su especial estilo literario”. La decisión de la juez aún puede ser recurrida.

Willy Toledo ha apelado en todo momento a su derecho a “ejercer la libertad de expresión”. “No ofender a nadie. Ni a los católicos, ni a los musulmanes, ni a los seguidores de la secta del monstruo del espagueti volador”. En la vista oral ha reconocido ahora: “Mis palabras pueden ofender, igual que a mí me ofenden expresiones homófobas y machistas. Pero jamás se me ha ocurrido perseguir a nadie por sus pensamientos políticos”. Su abogado ha recordado en un comunicado tras conocerse la sentencia que “el pensamiento no delinque, y la expresión escrita o verbal del pensamiento (salvo que aliente a la hostilidad violenta contra determinados colectivos) no debe ser delito, en un país que se entienda respetuoso con los derechos fundamentales”.

Christine and the Queens / La vita nuova

Por
Jordi Bardají
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Christine and the Queens ha tomado el título de su nuevo EP sorpresa del de la primera obra conocida de Dante Alighieri, dedicada a la revolución que un nuevo amor puede producir en nuestras vidas. Si algo ha demostrado Heloïse Letissier en su trabajo es que ella ama con todas las de la ley y esa intensidad marca a fuego todas sus canciones, también las de este breve trabajo que no es un EP cualquiera para pasar el rato.

Si la artista francesa está trabajando en un nuevo álbum, el que debería suceder al excelente ‘Chris‘, las 6 canciones incluidas en ‘La vita nuova’ serían dignas de formar parte de él. Incluso una pista menor como la balada ‘Nada’ sería bienvenida pese a su extraño uso del español («pasa nada») gracias a su intrigante sonido de synth-pop minimalista, que Christine and the Queens explora a lo largo de ‘La vita nuova’ de maneras diversas. Si el medio tiempo que ha adelantado el EP ‘People, I’ve been sad’ no puede ser más elegante en su construcción melódica e instrumental, la base instrumental de ‘Je disparais dans tes bras’ recuerda a la de ‘Sweet Dreams’ de Beyoncé a la vez que deja una melodía gloriosa: no extraña que Letissier haya decidido cerrar el EP con la versión en inglés de esta magnífica canción. ¿Single al canto?

«Escribiré una canción sobre ti, fingiré que estás conmigo» es el tipo de pasajes que deja Christine and the Queens, nueva romántica donde las haya, en ‘La vita nuova’. El amor que nace y florece pero también el que se pudre por culpa de la indiferencia nutre las letras de este trabajo que alcanza su pico de intensidad en la balada ‘Mountains (We Met)’, que empieza como un tema de Elton John y se transforma en uno de Kate Bush circa ‘Hounds of Love’ para terminar con unos sorprendentes ritmos distorsionados. Todo para hablarnos de un amor tan grande que Christine no puede sino compartirlo con «otras caras». Entremedias, el marco narrativo del EP pasa de la angustia adolescente de ‘People, I’ve been sad’ a la pasión irrefrenable de una ‘La vita nuova’ interpretada junto a Caroline Polachek (también aparece en el corto que acompaña al EP) que podría haber sido un hitazo «heartbreaker» de los años 80. «Quiero que me toques con tu ira, quiero que me toques con tu rabia»… ¿a quién no va a enamorar esta mujer con tremenda entrega?

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘People, I’ve been sad’, ‘Je disparais dans tes bras’, ‘La vita nuova’
Te gustará si te gusta: el synth-pop de los 80, de la Human League a Twin Shadow, Shura… pasando por Kate Bush, Prince…

5 discos para bailar con lágrimas en los ojos que resuenan en ‘Un extraño entre las rosas’ de Algora

Por
Raúl Guillén
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“El tecnopop ha sido una revelación, ya por fin hago lo que quería hacer” era una de las declaraciones más sonadas que nos ofrecía Algora hace un par de días, cuando charlábamos con él sobre su nuevo álbum ‘Un extraño entre las rosas‘, el Disco de la Semana que termina para nuestra redacción. 10 canciones redondas en las que emerge una nueva personalidad de Víctor Algora, más hedonista y bailable que nunca… aunque sus letras estén repletas de melancolía y reflexiones sobre el mundo contemporáneo. El abandono de la guitarra como instrumento clave de su sonido en favor de los sintetizadores ha propiciado que emerjan en su música influencias que tienen un sonido claramente ochentero… pero no necesariamente proveniente de esa época. Así, componemos esta selección de 5 álbumes de artistas que nos mencionó en dicha charla como referentes, 5 discos para bailar con lágrimas en los ojos –como cantaban Ultravox– como el suyo que resuenan en ‘Un extraño entre las rosas’.

Austra / Future Politics (2017)

En 2017, cuando Algora publicaba ‘Folclore de rascacielos‘, le hacíamos una entrevista en la que se confesaba fascinado por ‘Future Politics‘, el tercer disco de estudio de la canadiense Katie Stelmanis bajo su alias Austra. Al margen de la palpable conexión estética entre este disco y canciones como ‘Fotos en los gimnasios’, coinciden en su compartida querencia hacia las pistas de baile menos obvias. Además, también era un disco que se proyectaba hacia un futuro hipotético basándose en la situación política del momento (la irrupción de Donald Trump en la Casa Blanca estaba aún reciente). De manera similar, Algora nos explicaba que la inspiración original de su nuevo trabajo era el retrofuturismo, «utopías, distopías…» Sin embargo, esa idea fue maleándose a medida que se fue desarrollando: “Quería hacer un disco sobre el futuro (…) y al final me ha quedado un disco sobre el presente”, concluía.

John Maus / We Must Become the Pitiless Censors of Ourselves (2011)

Junto con el de Ariel Pink, el de su colaborador frecuente John Maus era otro de los nombres que, preguntado por los referentes estéticos del disco, Algora nos mencionaba. Lo cierto es que la producción de Víctor con Raúl Querido para este disco es más límpida y clara que la de un disco brumoso y por momentos sucio como ‘We Must Become the Pitiless Censors of Ourselves‘, la obra cumbre de este profesor universitario de filosofía metido a músico (o al revés) que le sacaba del underground. Lo cierto es que canciones cargadas de sintetizadores retro como ‘Believer’, ‘Quantum Leap’ o ‘Head for the Country’ rememoran –muy a su manera– tanto al legado de OMD, Ultravox o ABC como lo pueden hacer temas como ‘Drogas nuevas’, ‘Disco mágico’ o ‘Chicos transparentes’. Además, el nuevo planteamiento de directo de Víctor, en el que se centrará en cantar y bailar gracias a la preponderancia de los teclados, recuerda a aquel con el que John Maus nos impactó años atrás (años después volvía con banda, resultando algo más anodino). Como anécdota final, cabe destacar que el baladón ‘Hey Moon’ se ha convertido de la noche a la mañana en el mayor éxito de Maus en cifras de streaming gracias a un feliz accidente: suena en un capítulo de la exitosa ‘Élite’ de Netflix.

Mecano / ¿Dónde está el país de las hadas? (1983)

En nuestra conversación Algora aludía a referentes contemporáneos para explicar la presencia de sonidos de los 80 en su más reciente obra. Pero el nombre de la época que no pudo ni quiso eludir fue el de Mecano. Su herencia se hace muy evidente en varios pasajes del disco, como el tecnopop pizpireto (y no solo en su base electrónica, sino también en los giros melódicos algo españoletos y algunos pasajes instrumentales) de ‘El último hombre en Europa’ y ‘Estrella fugaz’. Incluso se diría que ‘Reflexiones de una vieja lavadora’ es una letra que alguno de los hermanos Cano podría haber escrito para que la cantara Ana Torroja en ‘¿Dónde está el país de las hadas?‘, segundo disco del trío madrileño y uno de los que han marcado profundamente a Algora: «los tengo metidos hasta la médula», admite. Si las diversas referencias políticosociales y a la vida en la capital que pululan en ‘Un extraño entre las rosas’ nos remiten a la ironía de ‘Madrid’ o ‘La fiesta nacional’, ‘El amante de fuego’ se emparenta con las metáforas sobre la creciente dificultad para amar. E incluso ‘Viaje espacial’ tiene algo de ese retrofuturismo que servía de punto de partida a Víctor para comenzar a escribir.

MGMT / Little Dark Age (2017)

«Me flipan MGMT», nos decía explícitamente Víctor en la entrevista publicada el pasado martes. Y la verdad es que esta sí que era una referencia que no nos veíamos venir de su parte. Nunca hubiéramos adivinado que la deriva electro-rock-psicodélica de Ben Goldwasser y Andrew Van Wyngarden en sus tres primeros álbumes podría haber sido tan importante para Algora, ni siquiera en sus trabajos más experimentales. Sin embargo, sí es posible establecer un paralelismo con el último álbum del inclasificable dúo de Connecticut: ‘Little Dark Age‘ era un disco extraño que iba conquistando con las escuchas –tuvo un lugar destacado en los mejores discos de 2018 para nuestra redacción–, claramente emparentado con los también mentados Ariel Pink y John Maus, en su forma nada acomodaticia de hacer pop. Como en estos, sonidos bastardos de los 80 estaban muy presentes en cortes como ‘She Works Out Too Much’, ‘TSLAMP’ o ‘When You Die’. Pero, sobre todo, es fácil establecer un paralelismo con ‘Un extraño entre las rosas’ en temazos más tecnopop como ‘Me and Michael’ o la acelerada ‘One Thing Left to Try’.

Tr/st / TRST (2012)

Preguntado sobre al lado de qué otro disco para bailar con lágrimas en los ojos colocaría ‘Un extraño entre las rosas’, Algora citaba a Tr/st: «siempre me ha parecido como un artista muy melancólico, muy triste, pero como muy para bailar». No podríamos estar más de acuerdo. Especialmente si nos referimos al álbum debut de Robert Alfons, ‘TRST‘, un disco en el que el canadiense entregaba himnos de synthpop, techno y coldwave como ‘Sulk’, ‘Shoom’, ‘Dressed for Space’ o ‘Bulbform’, que bien podría haber firmado algún oscuro de tres décadas atrás a la sombra de Depeche Mode. De manera nada casual, en los inicios del proyecto de Alfons colaboraba Maya Postepski, miembro de Austra, cerrando así el círculo abierto algo más arriba. Curiosamente, el año pasado Tr/st publicaba en dos volúmenes ‘The Destroyer’, un trabajo más experimental y diverso, con muchos momentos ambient e incluso acústicos, recorriendo un camino artístico inverso al de Algora.

¿Nos devuelve ‘Stupid Love’ a la Lady Gaga que queríamos… o realmente no?

Por
JNSP
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Varios redactores evalúan el single de comeback de Lady Gaga.

«Reconozco que cuando vi ayer el videoclip de ‘Stupid Love’ me quedé un poco frío: casi dos meses después de su filtración, esperaba alguna sorpresa (se rumoreaban cambios en el lead single). Pero Gaga imagino que anda más centrada en el público general ajeno a la filtración, un público que tras ‘Shallow’ le va a prestar bastante más atención que cuando ‘Joanne’, y ha querido seguir con su plan. Y puede que la jugada le salga bien: hype aparte (y videoclip aparte, que vaya cuadro), ‘Stupid Love’ es mucho mejor apuesta que ‘Applause’ o que el suicidio comercial -aunque fuese temazo- de ‘Perfect Illusion’. La canción es directa y honesta con lo que propone, sin andarse con rodeos en su mezcla de la Gaga ochentera y la Gaga mamarracha, y añadiendo una producción bastante más fina. Yo digo «sí» a este comeback». Pablo N. Tocino.

«Tanto tiempo esperando que a Lady Gaga se le pasara el arrechucho de teórica seriedad de ‘Cheek to Cheek’, ‘Joanne’ y ‘A Star Is Born’ y que volviera a su yo más loco, divertidamente mamarracho y excéntrico… pa’ esto. A ver, ‘Stupid Love’ no es un desastre, es tan pegadiza como ‘Perfect Illusion’ (aunque quizá no tanto como ‘Judas’ o ‘Applause’) y hasta diría que mola que vuelva a reivindicar el funk grueso y sucio de Justice como ya hiciera en ‘Artpop’. Pero a la vez resulta algo más básica melódicamente de lo que nos tiene acostumbrados (los delirios y piruetas de sus líneas vocales siempre habían sido su gran baza) y resulta algo anacrónica en su reminiscencia de… ¿la Kesha de ‘Animal’? Para colmo, su vídeo (otro de sus fuertes) no podía ser más hueco (tres minutos y medio bailando en el desierto liderando un parchís viviente… mira, no) y aburrido. Aunque el problema quizá no esté tanto en ella como que el pop en 2020 ha avanzado: Dua Lipa, Ariana Grande, Lizzo… triunfan con productos más frescos y elaborados que este. Así, nunca creí que diría esto pero… ¿no estáis deseando como yo que se salte etapa y vuelva a lo de ‘Million Reasons’ y ‘Shallow’?» Raúl Guillén.

«Un día Lady Gaga saca un ‘Judas’ que odias, el siguiente un ‘Do What U Want’ que amas. Un día hace una performance errática en Graham Norton, y luego se marca una de las mejores Super Bowl de la historia. Un día saca una balada con unos artificiales aplausos de fondo que casi nadie entiende, el siguiente la convierte en su mayor hit. Un día destroza ‘Shallow’ en los Grammy, el siguiente lo borda en los Oscar. Un día odias ‘Perfect Illusion’, el siguiente te das cuenta de que es lo mejor que ha hecho. Echo de menos un poco de toda esta animadversión y extremos en ‘Stupid Love’. Se trata de una mezcla entre la base de ‘Do What U Want’ apitufada, el estribillo apitufado de ‘Anywhere’ de Rita Ora y las vibraciones de ‘Physical’ de Dua Lipa, es decir, está bien, y crece mucho con las escuchas, pero nunca llega a dar mucho carrete que elogiar/criticar/debatir». Sebas E. Alonso.

«Lady Gaga suena anticuada. Menuda sorpresa después de… ¿toda su carrera? ¿Alguien ha escuchado ‘Born this Way’? ‘Stupid Love’ al menos recupera parte del espíritu de ‘ARTPOP’ en que no parece tomarse a sí misma demasiado en serio. De ahí que Gaga haya decidido dejar de «actuar como una gilipollas» y llamar a Max Martin para que le ayude con su composición. Esta es principalmente de Gaga, pero algo clave habrá contribuido el sueco a ‘Stupid Love’ para que la canción sea el caramelito pop que es (esos nasales «look at me» parecen idea suya) y no una cosa grotesca como ‘Perfect Illusion’. Está claro que Gaga no pasa sus días permanentemente preocupada por sonar moderna y deberíamos dejar de esperar tal cosa de ella: ‘Stupid Love’ es una canción divertida sin más, con la personalidad de Gaga marcada al 100%, y a mí me vale». Jordi Bardají.

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David Broncano evidencia que se ha olvidado de lo que es un CD delante de Najwa

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Sebas E. Alonso
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Najwa ha estado promocionando esta semana su nuevo disco ‘Viene de largo’, que reseñábamos ayer. Entre la ronda de entrevistas que ha hecho, nos ha dejado titulares por un tubo a nosotros y ha vuelto también al programa de David Broncano, donde en el pasado, no sé si le tiró un piropo o le llamó «feo» cuando le dijo aquello de: «creo que me gustas un poco».

En su nueva visita, Nimri cree que es «disgusting» lo que ha crecido ‘La Resistencia’, indica que no ha follado en 30 días pero que no quiere saber nada del Satisfyer y similares, y ha aparecido en toda la prensa generalista por revelar lo que contiene la caja misteriosa del programa después de 6 meses de intriga, so pena de pagar 50.000 euros de multa que finalmente Broncano le perdona. Se trata de unas imágenes dignas del Festival de Sitges como narra en el vídeo que lleva 24 horas «trending» en Youtube.

Sin embargo, hay un momento en el que no ha reparado tanta gente y merece la pena detenerse: ese en el que David Broncano dice que quiere poner el disco de Najwa, pero que solo le han pasado el mp3 de una canción. El presentador nacido en 1984, es decir, con edad para saber lo que es un CD, ha olvidado por completo que Najwa acaba de entregarle el CD con el disco entero, y su cara es un poema cuando su equipo se lo recuerda y Najwa ha de explicarle: «lo sacas y hay ahí una rendijita para ponerlo» (porque sí, su portátil es de los que aún trae CD/DVD). Para colmo, el presentador confunde analógico con digital y es Najwa quien tiene que corregirle e indicarle que tanto el CD como el mp3 son formatos digitales.

Mención aparte para la cara de la artista cuando le dicen que le van a poner ‘Viene de largo’: primero resopla y después es todo un poema cuando tiene que seleccionar la canción que va a sonar, pues parece que ninguna le gusta. «Esta no, esta no, esta no…» repite hasta llegar a ‘Güija’. Najwa actúa el 5 de marzo en Madrid y el 6 en Barcelona. Entradas para Barna, aquí (las de Madrid están agotadas).

Jessie Ware lleva la elegancia funky de ‘Spotlight’ al Tren Azul de Tito

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Sebas E. Alonso
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Jessie Ware es una de las personas que puedes encontrar en nuestra playlist de novedades de cada viernes «Ready for the Weekend» porque tiene nuevo single, con vídeo grabado en Belgrado, ‘Spotlight’. Pero no solo eso. La cantante ha anunciado en redes que ese tema pertenece a un nuevo álbum. El que será su cuarto disco tras lo interesantes que resultaron ‘Devotion‘, ‘Tough Love‘ y ‘Glasshouse‘ recibirá el nombre de ‘What’s Your Pleasure’ y saldrá el 5 de junio. La lista de colaboraciones incluye nombres tan afines como Kindness, Joseph Mount de Metronomy o James Ford, que es quien produce el single que acabamos de conocer, ‘Spotlight’.

Jessie Ware indica en un comunicado que le han pasado muchas cosas pero que con este disco vuelve a su primer amor, que es la música, y en particular a la Jessie bailable. La cantante indica que este nuevo single le parece melodramático y romántico a la vez porque eso es “todo lo que ama” y quizá por eso empieza como una fantasía Disney incluso por la letra “a dream is just a dream”, pero por suerte, la cosa cambia en cuanto Jessie Ware pronuncia la frase mágica: “pero esta noche no quiero dormir”.

Es entonces cuando esta canción de amor dependiente que llama a disfrutar del momento se transforma en un número funky, de bajo sintetizado, base machacona y guitarras disco, que va a gustar a los seguidores de Róisín Murphy, Chic o Chromeo. Y si el tema te suscita ciertas dudas, atentos al sencillo pero elegante -marca de la casa- videoclip. Jessie Ware y su corte de bailarines se han trasladado al lujoso Tren Azul de Tito en Belgrado para realizar una serie de coreografías que realzan la composición. Al final, un fiestón que va poner como loco a Beirut.

Os dejamos con el tracklist del disco, que incluye un single que conocimos hace justo un año, ‘Adore You‘, cerrando la cara A que abre este ‘Spotlight’.
1.-Spotlight
2.-What’s Your Pleasure?
3.-Ooh La La
4.-Soul Control
5.-Save a Kiss
6.-Adore You
7.-In Your Eyes
8.-Step Into My Life
9.-Read My Lips
10.-Mirage (Don’t Stop)
11.-The Kill
12.-Remember Where You Are

Lo mejor del mes:

El lado oscuro de la broca / Salvaje Oeste

Por
Sebas E. Alonso
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1

Una tarde de domingo en Castro de Alcañices, Zamora, un hombre que ha salido a recoger setas descubre una instalación sonora artística en medio del monte. Pregunta a familiares y vecinos quién ha hecho eso y así descubre a Rosa Herbert, una artista brasileña curtida en Brooklyn abanderada del movimiento Land Art, que vive en el pueblo sin apenas contacto humano desde hace 13 años. Ese es el germen de ‘Salvaje Oeste’, el vinilo de El lado oscuro de la broca que reúne 2 EP’s editados en 2018 y 2019, llamados respectivamente ‘Salvaje’ y ‘Oeste’, y que pretende dar visibilidad a la España olvidada.

El Land Art se caracteriza por unir paisaje y obra de arte, siendo el soporte el propio paisaje y configurándose a menudo a través de elementos naturales, y eso es más o menos lo que ha hecho aquí la banda zamorana: inspirarse en el paisaje vacío de su tierra y aledaños para seguir expresando sus inquietudes. Dicen que ‘Salvaje Oeste’ habla de las «decenas de amigos que se van (de Zamora) para llenar esta zona de olvido» y, en la línea, ‘Baila chica baila’ nos habla de una «reina de la pista» que «está oculta en Logroño»; ‘La Golondrina’ toma su nombre de un cuadro del pintor zamorano Antonio Pedrero; y el mini álbum brilla especialmente con la adaptación del clásico popular ‘El frente de Gandesa’.

Y es que esta melodía tradicional sirve para renovar el discurso de una banda que sigue apegada al ruidismo de My Bloody Valentine (las letras continúan siendo casi siempre deliberadamente ininteligibles), pero con ciertos desarrollos instrumentales a lo Mogwai (el final de ‘Las naves de Tolosa’, hasta entonces una canción pop), la oscuridad de gente salida del post-punk como Parálisis Permanente o en nuestro siglo nudozurdo (‘Con estrella’) y la misma angustia existencial que nos conquistara en obras anteriores como ‘Poderosa‘. El lado oscuro de la broca acaban de estrenar un tema nuevo en Radio 3, pero tiene en ‘Salvaje Oeste’ algo más que una curiosidad en su discografía sobre la que podrán volver de manera reiterada: trae algunas de sus canciones más inmediatas (‘Baila chica baila’ habría sido un pequeño hit en manos de Triángulo de Amor Bizarro o León Benavente) y una adaptación popular que llegó al mercado antes que el disco de Fuerza nueva. El lado oscuro de la broca actúan hoy 29 de febrero en Pontevedra, el 6 de marzo en Sevilla, el 7 de marzo en Jaén, el 20 de marzo en Toledo, el 21 de marzo en Navalmoral de la Mata (Cáceres) y el 4 de abril en Barcelona, como parte del ciclo Girando por salas.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Baila chica baila’, ‘El frente de Gandesa’, ‘Nossa Senhora da Luz’
Te gustará si te gusta: Triángulo de amor bizarro, Fuerza nueva, nudozurdo, León Benavente
Escúchalo: la mejor canción, en Youtube.

Bad Bunny vuelve a hacer uno de los discos del año: la chicha dentro de ‘YHLQMDLG’

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Sebas E. Alonso
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Bad Bunny no es Kanye West y ha acudido puntual a la cita con el lanzamiento de su nuevo disco sorpresa, que tan sólo anunciaba ayer. Se llama ‘YHLQMDLG‘ como acrónimo de «Yo hago lo que me da la gana» y para muestra este álbum de hasta 20 canciones que llega al mercado casi sin previo aviso y además en la jornada de sábado en lugar de en viernes.

‘YHLQMDLG’ incluye un par de singles recientes de Bad Bunny publicados después de los pelotazos de ‘X100 PRE‘ y ‘Oasis’ junto a J. Balvin. Es el caso de la balada despechada ‘Vete’ y también de ‘Ignorantes’ junto a Sech, ambas justo en el lugar central del disco de 65 minutos, mientras que en cambio la festiva ‘Callaíta’ ha sido excluida. ‘YHLQMDLG’ se abre con una canción tan juguetona como ‘Si veo a tu mamá’, en la que aparentemente hay un guiño a ‘The Girl from Ipanema’ de Jobim (al menos de momento no acreditado); y también llama la atención en la primera escucha «en diagonal» la deriva de ‘Soliá’, que comienza como una canción jamaicana que podría haber sido producida por Diplo pero en el último momento se transforma en una balada de Daft Punk. Eso sí, la noticia aquí es que prácticamente cada una de estas 20 canciones podría ser un single: a estas horas de sábado ofrecemos un premio a quien adivine cuáles de estas pistas van a convertirse en pelotazos comerciales. Casi todas podrían serlo, sobre todo en la primera mitad del disco.

Evidentemente la colaboración con Daddy Yankee, ‘La santa’, está entre las pistas que más van a llamar la atención, además comenzando con un «Tú no ere’ una santa, ni yo soy un santo / Nos conocimo’ pecando»; pero es difícil adivinar si el público se decantará por las producciones más próximas al reggaetón (‘La zona’, ‘La difícil’, que ya tiene vídeo) o las baladas (‘Pero ya no’, ’25/8′). Aquellos que busquéis en Bad Bunny sorpresas, estructuras arriesgadas y giros inesperados, vuestra canción es sin duda ‘Safaera’, que arranca oscura con Jowell & Randy hasta que Bad Bunny emerge para cantar «¡hoy se bebe, hoy se gasta!» , antes de que el tema vuelva a recular. Contiene una referencia a Missy Elliott y es una producción de Tainy y DJ Orma. También es cambiante ‘Hablamos mañana’ que evoluciona de algo parecido a unas flautas a una batería y guitarras eléctricas.

Otros divertimentos que localizar son las referencias a los Pokemon («a mí ya no me «catchas», no soy un Pokemon» de ‘Pero ya no’), su aparición en la Super Bowl y ‘La Casa de Papel‘ («una mai fría como Nairobi», en ‘Yo perreo sola’, un tema de empoderamiento con Nesi), pues el artista es fan de la serie y ya ha jugado con su imaginería. Al término del disco, Anuel AA pone el lado más macarra (‘Está cabrón ser yo’), mientras ‘Puesto pa guerrial’ es una de las más «trap», cantada junto a Myke Towers y ‘P FKN R’ una de las más agresivas.

Finalmente, por razones obvias está llamando la atención de sus seguidores en Twitter, donde disco y artista son «trending topic», la última canción del largo, una baladita con guitarrita y arpa, dedicada a sus fans, a sus padres, etcétera, por haberle apoyado. Bad Bunny presume de ser el mejor, aunque tenga sus momentos de bajón y la fama no le convenza. Entre sus atrevimientos, tomad nota: «Este disco está cabrón, lo hice para vosotros, / Y en nueve meses vuelvo y saco otro / Para retirarme tranquilo como Miguel Cotto (…) aunque mis mejores temas aún no han salido». Bad Bunny actúa en Bilbao BBK Live, festival del que JENESAISPOP es medio colaborador, y también en Madrid Reggaetón Festival y Primavera Sound.

Tracklist de ‘YHLQMDLG’:
1.-Si Veo a Tu Mamá
2.-La Difícil
3.-Pero Ya No
4.-La Santa
5.-Yo Perreo Sola
6.-Bichiyal
7.-Soliá
8.-La Zona
9.-Qué Malo
10.-Vete
11.-Ignorantes
12.-A Tu Merced
13.-Una Vez
14.-Safaera
15.-25/8
16.-Está Cabrón Ser Yo
17.-Puesto Pa’ Guerrial
18.-P FKN R
19.-Hablamos Mañana
20.-﹤3 (Corazón)

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Grimes logra el primer top 10 de su carrera e improvisa vídeo para una «favorita de los fans»

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Sebas E. Alonso
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Como ya se sabía desde hace unos días, BTS son la entrada más fuerte en las listas británicas, directos al número 1 con ‘Map of the Soul 7’. Pero quizá la noticia la deja Grimes, que llega al puesto 10 con su nuevo disco ‘Miss Anthropocene’. Puede parecer poco dada su popularidad y lo mediática que es la artista, pero es la primera vez que Grimes llega a algún tipo de top 10 en alguna lista de éxitos relevante… en todo el mundo.

‘Visions’ fue puesto 67 en Reino Unido y ‘Art Angels’ número 31. El top 16 de este último álbum logrado en Canadá era su mejor marca mundial hasta la fecha, si nos ceñimos a los principales mercados. Queda aún por conocer la posición del nuevo álbum en Estados Unidos, pero podría mejorar el número 36 logrado por ‘Art Angels’.

Por otro lado, la artista estrena el vídeo para ‘Idoru’, indicando que nota que se ha convertido en una de las canciones favoritas de sus fans. Es curioso porque es exactamente la canción menos escuchada de ‘Miss Anthropocene’ si bien hay que reconocer que es la última de la secuencia antes de los bonus tracks. El vídeo viene de que Grimes estaba haciendo una prueba de cámara, pero terminó siendo una “performance emocional”, por lo que ha decidido convertirla en vídeo.

Los Vinagres quieren «Nochebuena» en el vídeo de ‘Súmbale’, que confirma su deriva latina

Por
Jordi Bardají
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Los Vinagres, la banda de punk-rock garajero canaria formada por Abel (voz/guitarra), Rober (batería/coros) y Sergio (bajo/coros), que se diera a conocer hace un par de temporadas con temas enérgicos y llenos de testosterona como ‘Chibichanga’, ‘Verbenita’, ‘Los volcanes se duermen’ o ‘Sácate los colmillos’, ha emprendido su incursión por los ritmos latinos, avanzada recientemente por los sonidos cubanos del single ‘Pa que te quedes conmigo’.

El grupo confirma la deriva latina de su sonido con el lanzamiento hoy de un nuevo tema que estrenamos en JENESAISPOP junto a su videoclip. ‘Súmbale’ presenta sonidos de la cumbia y del reggaetón y pretende consagrar a Los Vinagres como «pioneros del perreo en eléctrico». Es una producción totalmente sabrosona de Antonio Narváez, quien ha trabajado para C. Tangana, Dellafuente o Mala Rodríguez, con propuestas como la que da inicio a la canción: «ya sé que no es Navidad, pero lo que yo quiero es que me des Nochebuena».

El vídeo de ‘Súmbale’ está dirigido por Guillermo Guerrero (Zahara, Miss Caffeina) y protagonizado por el conocido estilista, DJ y «modelo del siglo XXI» Alex Mercurio, que protagoniza a una mujer de cabellos rubios a la que los chicos de Los Vinagres no pueden quitar los ojos de encima allá por donde va. Os dejamos con las fechas de la gira de la banda, que arranca el próximo 7 de marzo en Madrid (entradas, aquí) y transcurrirá por lugares como Asturias, Valencia o Zaragoza antes de concluir en Ourense.

Sala El Sol, Madrid – 7 de marzo
Festival SanSan, Benicàssim – 10 de abril
LLangreu Festival, Asturias 18 de abril
Museo de la Evolución, Burgos – 7 de mayo
Red Piert Fest, Castellón – 22 de mayo
Festival de Cans, Galicia – 23 de mayo
Festival de les Arts, Valencia – 6 de junio
Magacu Fest Viana, Navarra – 27 de junio
Cultura Inquieta, Madrid – 5 de julio
San Javier, Murcia – 25 de julio
Festival Amante Borja, Zaragoza – 7 de agosto
Granada Sound, Granada – 18 de septiembre
Costeira Sonora, Ourense – 26 de septiembre

Lo mejor del mes:

Pet Shop Boys y New Order, «unidos» para intentar reconquistar América

Por
Sebas E. Alonso
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Pet Shop Boys y New Order acaban de anunciar uno de esos tours conjuntos siempre fascinantes, como en décadas pasadas lo fueron el de Metallica con Guns’N’Roses, más recientemente el de Lana del Rey con Courtney Love, el de Blondie con Garbage y, casi, casi, el de Lady Gaga con Kanye West (que se canceló).

Rara vez estas cosas llegan a España, y desde luego no va a ser el caso, pero ahí queda para la posteridad: Pet Shop Boys, que acaban de editar ‘Hotspot‘, y New Order, siempre dispuestos a sumarse a una fiesta, realizarán 11 conciertos juntos, aunque no revueltos, en territorio americano. Lo han llamado ‘Unity Tour’ y está claro por qué: solos no pueden llenar recintos que, juntos, quizá sí. Tradicionalmente ambos han tenido problemas para congregar público al otro lado del charco, como casi toda formación británica, así que han decidido unir fuerzas en una gira que pasará por «arenas» tan grandes y emblemáticos como el Madison Square Garden de Nueva York (12 de septiembre).

New Order lograron en su momento que ‘Technique’ y ‘Republic’ fueran disco de oro en Estados Unidos (‘Republic’ incluso fue top 11 en el Billboard 200), pero la recepción de ‘Music Complete’ fue más modesta (top 34, mientras en Reino Unido era número 2). El número 28 de ‘Regret’ fue su mejor dato en el Billboard Hot 100.

Por insólito que parezca ahora mismo Pet Shop Boys tienen su número 1 en SINGLES en Estados Unidos, pues ‘West End Girls’ fue top 1 del Billboard Hot 100 y después repitieron unas pocas veces en el top 10; pero en 1991 se acabaron sus top 100 en singles. En discos, solo los 3 primeros fueron platino u oro, mientras ‘Hotspot’ ha tenido que conformarse con el puesto 100 en el Billboard 200. Os recordamos que esta primavera-verano podréis ver el tour de «greatest hits» de Pet Shop Boys en Mallorca Live Festival y en Bilbao BBK Live.

Lady Gaga, entre ‘Barbarella’ y los ‘Power Rangers’, busca amor aunque sea «estúpido»

Por
Sebas E. Alonso
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Lady Gaga estrena hoy, como había prometido, ‘Stupid Love’, el primer single de su nuevo disco, llamado ‘Chromatica’, de momento sin fecha de edición. Se trata de la canción filtrada hace más de un mes que ahora sabemos que está co-escrita junto a BloodPop -con quien tan buenas migas hiciera en la era ‘Joanne’-, Max Martin, Ely Rise y Martin Joseph Leonard Bresso, y producida por el mismo BloodPop y Tchami (que no es otro que Martin Joseph).

Se trata de un urgente tema pop de 3 minutos, de base sintética cercana a ‘Do What U Want’ y voces distorsionadas a la moda en el estribillo, que habla sobre la búsqueda del amor, aunque este sea «estúpido»: «nadie va a curarme si no abro la puerta», indica. La cantante opta aquí por una letra cortísima en la que pre-estribillo y estribillo suman exactamente dos frases, decantándose por la inmediatez, en busca del modo «on repeat».

El vídeo estrenado a la vez, dirigido por Daniel Askill, es en cambio un regreso a sus tiempos más extravagantes, como prometían los teasers en que ya veíamos a Lady Gaga con el pelo rosa. Grabado con un iPhone 11, como figura en sus créditos, es kitsch como una película de Russ Meyer y, entre referentes como ‘Barbarella’, ‘Power Rangers’ y ‘Thriller’, resulta un evidente contraste con la sobriedad de la era ‘A Star Is Born’. La cantante indica en sus primeras declaraciones sobre el disco a Apple Music que lo que quiere con este disco es «bailar».

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La «cowgirl» Marem Ladson sigue explorando nuevos caminos en ‘No sentir nada’

Por
Jordi Bardají
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Marem Ladson sigue de gira por España gracias a la iniciativa de Girando por Salas y, después de haber visitado Ciudad Real, León, Vilagarcía y Cáceres a lo largo del mes de febrero, la artista actuará el 6 de marzo en la sala Manolita Café de Lérida, el 7 de marzo en la Lata de Bombillas de Zaragoza (entradas, aquí), el 13 de marzo en el Auditorio Alfredo Klaus de Las Palmas y el 25 de abril en el Directo Cuenca de Cuenca entradas, aquí.

De cara a estas fechas, la autora de uno de los debuts más prometedores del pop nacional de 2018 sigue presentando las canciones que presumiblemente conformarán el disco que planea publicar en algún momento de este año. Y después de sorprender con sus últimos pasos artísticos, en concreto con el sonido de R&B experimental de ‘Nothing Really Matters’ y con las delicadas texturas electrónicas de ‘Fight’, la gallega vuelve a abrir nuevos caminos para su sonido -que siempre ha sido ecléctico- con ‘No sentir nada’, en este caso interpretada totalmente en español.

En ‘No sentir nada’, Ladson -que el año pasado triunfaba con ‘Otras alas’, su colaboración con Natalia Lacunza, que suma más de 2 millones de reproducciones en Spotify- se recrea en un sonido de minimalista funk-R&B-pop con guitarras eléctricas, que al final de la canción emergen por sorpresa convertidas en una sorprendente capa de distorsión. Buen tema sobre superar un amor dañino que la artista gallega presenta con un vídeo de inspiración Western dirigido por Jean LaFleur, al frente recientemente de los últimos visuales de Sen Senra.

Cuatro razones para engancharte a ‘El Palmar de Troya’ y una para no comulgar con ella

Por
Joric
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En 2016, la mujer de un papa salió desnuda en Interviú. Fue Nieves Triviño, la esposa de Ginés Hernández, un ex militar murciano que entre 2011 y 2016 fue Gregorio XVIII, Sumo Pontífice de la Iglesia Cristiana Palmariana de los Carmelitas de la Santa Faz. Dos años después, la pareja irrumpió en su antigua congregación (Nieves había sido monja en la orden) armada y con caretas de payaso. Se produjo una pelea a navajazos con varios heridos. Ginés y Nieves fueron condenados a seis y cinco años de cárcel respectivamente por “robo con violencia e intimidación en grado de tentativa y delito de lesiones con agravante de disfraz”.

Estos han sido los dos últimos sucesos de la larga y rocambolesca existencia de ‘El Palmar de Troya’. Una historia increíblemente tragicómica, llena de giros disparatados, que comenzó hace medio siglo con una aparición mariana en un secarral sevillano. El director Israel del Santo, conocido por la serie ‘Conquistadores: Adventvm’, ha resumido esos cincuenta años de la iglesia palmariana en un documental de cuatro capítulos para Movistar.
Te damos cuatro razones para engancharte a la serie como si fueras un devoto de la secta y una para huir como si te persiguiera el papa Clemente con las manos sangrantes:

1. Es El Palmar de Troya, con eso basta
Apariciones de la Virgen, señores ahorcados y toros con cuernos verdes, videntes cayendo en éxtasis como bolos, estigmas tan espectaculares que dejan a los del Padre Pío en simples pupas, baronesas benefactoras capaces de levantar catedrales, un cura vietnamita ordenando sacerdotes como si se acabara el mundo, Clemente “La Voltio” Domínguez proclamado nuevo papa, abusos sexuales, automutilaciones genitales, santorales fascistas, accidentes profetizados… Muy mal director tiene que ser Israel del Santo para que con este material no elabore algo interesante. Y no es el caso.

2. El (inusual) enfoque de la serie
La historia de El Palmar de Troya se ha contado principalmente de dos maneras: como crónica de investigación, denunciando su naturaleza sectaria, financiación irregular, abusos, etc; y como reportaje de “misterio”, enfatizando sus aspectos más enigmáticos y sobrenaturales. Casi todos utilizan un punto de vista único y la mayoría de las veces está narrado con voz en off. ‘El Palmar de Troya’, en cambio, construye su discurso por medio de entrevistas y material de archivo, multiplicando los puntos de vista y sin ninguna figura narrativa invisible contándolo todo por encima de las imágenes. Además, se toma su tiempo. Cuatro capítulos de casi una hora en vez del habitual reportaje tipo ‘Informe semanal’.

3. La variedad de entrevistas
Es uno de los puntos fuertes de la serie. Hay gran diversidad de voces, y la mayoría son bastante relevantes: testigos de los sucesos primigenios, devotos, ex miembros de la iglesia palmariana, periodistas, investigadores, teólogos, psicólogos, un taxista vidente y hasta la pareja Ginés Hernández y Nieves Triviño. Además, algunos de los entrevistados no solo aportan su visión o su experiencia sobre El Palmar, sino que tienen (y comparten) historias personales bastante emotivas.

4. El papa Clemente… habla
Como desveló el director en la presentación de la serie, el equipo de investigación del documental se encontró en un cobertizo cercano a la basílica palmariana varios casetes con la voz de Clemente grabada. Estos sorprendentes hallazgos sonoros, donde se puede oír al falso papa Gregorio XVII entrando en éxtasis, completan el jugoso material audiovisual que ofrece ‘El Palmar de Troya’, en gran parte inédito. Ah, y la serie no utiliza cámara oculta.

5. ¿Por qué han incluido dramatizaciones?
Es el aspecto más desconcertante (y molesto) de la serie. Existen imágenes de archivo, audios, testimonios, recortes de periódicos, posibilidad de filmar en el pueblo, en los alrededores, en las tascas sevillanas donde iba la curia palmariana… ¿De verdad hacía falta recurrir a las recreaciones ficcionadas? Su inclusión dentro de la narración, independientemente de si están bien o mal rodadas, desactiva en parte su eficacia. Se pierde realismo, misterio y capacidad de sugerencia. Esto en ‘Wild Wild Country’, su modelo confeso, no pasaba. 7,5.

Maria Rodés presenta su aquelarre ‘Lilith’ hoy en Apolo, del que estrena «cumbia chamánica»

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Jordi Bardají
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Maria Rodés presenta hoy en la Sala Apolo de Barcelona su nuevo espectáculo-aquelarre ‘Lilith’, dedicado a la figura de las brujas. El repertorio está centrado en unas canciones que Rodés planea publicar en disco el próximo mes de mayo, y después de entregar ‘Carta al diablo’, hoy viernes estrena ‘La extraña’.

En sus palabras, el segundo single de ‘Lilith’ está inspirado en los cantos chamánicos de María Sabina, «bruja mexicana que a través de sus palabras podía sanar, transmutarse con la naturaleza y darle voz». Sabina llegó a recibir visitas de los Beatles, Aldous Huxley o Alejandro Jodorowsky, como la cantautora ha explicado en El Periódico. Y añade que en ‘La extraña’ «jugamos a dar voz nada más y nada menos que a la Triple Diosa: la niña, la mujer adulta y la anciana que viven en el inconsciente femenino, simbolizadas por la naturaleza cíclica de la Luna».

‘La extraña’ es una intrigante cumbia de rica instrumentación, y no es la primera vez que Rodés se aproxima a este estilo: ya lo hizo en ‘Chocará conmigo‘ junto a Ximena Sariñana, uno de los temas incluidos en su último álbum de estudio, ‘Eclíptica‘. ‘Lilith’ será el sucesor de aquel interesantísimo disco que Rodés publicaba en 2018 inspirado en el trabajo de un antepasado astrónomo. Rodés planea además un «disco country» con David Rodríguez de La Estrella de David.

Bad Bunny anuncia la salida de su nuevo disco para mañana, dando la espalda a la industria

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Jordi Bardají
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*Actualización: lee nuestro primer análisis de ‘YHLQMDLG’, lo nuevo de Bad Bunny, aquí’.

Bad Bunny y J Balvin volverán a publicar disco el mismo año después de editar el álbum conjunto ‘OASIS‘ en 2019 y sus respectivos últimos discos en solitario, ‘X 100PRE‘ y ‘Vibras‘, en 2018. Si el colombiano prepara el lanzamiento de ‘COLORES’ para marzo, el portorriqueño le adelanta por varias días: su nuevo largo sale mañana.

Así lo ha anunciado el autor de ‘Ni bien ni mal’ durante su aparición de esta noche en el programa de Jimmy Fallon. Benito ha revelado que el álbum se titulará ‘YHLQMDLG’ (siglas de «yo hago lo que me da la gana»), ha mostrado su portada; que muestra a un chaval abandonando una escena de caos en bici por la noche; y ha confirmado que sale mañana sábado 29 de febrero. El artista da así la espalda a la industria y decide publicar su disco «cuando le da la gana», en este caso un día después del viernes, día oficial de lanzamientos, probablemente al ser consciente que va a ser un éxito absoluto igualmente y por tanto no necesita adaptarse a los ritmos de la industria.

Aunque Bad Bunny no ha confirmado todavía el tracklist oficial de «Yo hago lo que me da la gana», este incluirá presumiblemente los macrohits ‘Callaíta’ (ojo a sus 554 millones de reproducciones en Spotify), ‘Vete’ y el reciente ‘Ignorantes’ con Sech, que acaba de debutar en el top 3 de la lista de singles española. Os dejamos también con la actuación en directo de Bad Bunny y Sech de ‘Ignorantes’ en el programa de Fallon. Ojo al mensaje reivindicativo de su camiseta, en honor a Alexa, joven trans asesinada en Puerto Rico.

La vampira Christine and the Queens baila en el corto de 14 minutos que presenta su nuevo EP

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Jordi Bardají
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Christine and the Queens tramaba algo con la publicación del estupendo single ‘People, I’ve been sad’, y lo que tenía entre manos la artista francesa es un EP de 5 canciones (más una versión en inglés) titulado en italiano, un ‘La vita nuova’ que ya puede escucharse.

‘La vita nuova’ llega acompañado de un cortometraje ideado por Christine y en el que se presentan las cincos nuevas canciones a través de diferentes secuencias. Según la nota:»Este corto de 14 minutos es un viaje interior en el que la artista francesa llena la Ópera Garnier de París de fantasmas y criaturas míticas. A través de la lente del colaborador Colin Solal Cardo (Robyn, Charlie XCX) y la coreografía de Ryan Heffington (ganador del premio VMA en 2014 por el videoclip de ‘Chandelier’ de Sia), Christine y sus bailarines recorren diferentes lugares de la famosa Ópera: la azotea, su escenario y algunos lugares secretos, culminando en un momento delirante con Caroline Polachek, colaboradora en la canción que da nombre al EP.

Efectivamente, la autora de ‘Pang‘ es una de las personas que aparecen en este corto lleno de intensidad y baile que podríamos describir como un cruce entre Kate Bush y ‘Thriller’, y con el que Christine suma un puñado de canciones a su repertorio un par de años después del lanzamiento de ‘Chris‘, su segundo disco y uno de los mejores álbumes de 2018.

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