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‘El 7 de septiembre’, el artículo definitivo

Por
Sebas E. Alonso
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Puede parecer que basta con poner una fecha a una canción para que sea icónica, como lo de Celtas Cortos con el ’20 de abril’. No es cierto. Mecano, que saben bien lo que es significar algo para todo un pueblo hasta dos veces al año (la otra ocasión es Nochevieja con lo de ‘Un año más’), están entre quienes aportaron algo más que un par de números del calendario. Pese al «empate técnico» de nuestra encuesta tuitera, recordamos 10 curiosidades sobre ‘El 7 de septiembre’, hoy 7 de septiembre.

¿Qué es el ‘7 de septiembre’?

‘El 7 de septiembre’ es una canción post-ruptura entonada desde la melancolía y la reverencia hacia lo que pasó. Como dice la letra, aunque «rotos nuestros lazos», «aunque la historia se acabó, hay algo vivo en este amor». En ella, dos ex se reúnen cada año después de haberlo dejado y, de manera marciana, no es ni para volver ni para echar un polvo a la desesperada (que se sepa). Compuesta por Nacho Cano, en general responsable de la vertiente más electrónica de Mecano, mientras su hermano José María desarrollaba cada vez una faceta mucho más clásica (‘Naturaleza muerta’), fue el primer single de ‘Aidalai’, el que a la postre sería el último disco de estudio de Mecano, aunque por aquel entonces no lo supiéramos.

¿Qué significó para Mecano?

Publicada no en septiembre, sino en mayo de 1991, ‘El 7 de septiembre’ sería su último «primer single» de verdad, pues la banda se separaría temporalmente en 1992, y la reunión de 1998 para el recopilatorio ‘Ana Jose Nacho’ sería un tanto falsa, como se apreciaba en el mismo vídeo de ‘El club de los humildes’. Ana Torroja se quedaría a cuadros cuando José María anunciaba en público en 1998 la separación definitiva de la banda, pero ya en los mismos textos de ‘Aidalai’ hay pistas muy gordas sobre el final del trío, en concreto en la letra de ‘El uno, el dos, el tres’, que narra la historia de la banda a modo de «agua pasada». De manera inconsciente, hay un paralelismo colectivo entre el fin de una relación personal y el fin de la banda: cada 7 de septiembre nos reencontramos con Mecano todos los que crecimos con ellos, pese a que nos dejaran tirados como colillas.

¿A quién está dedicada?

Aunque después de aparecer en el vídeo de ‘La fuerza del destino’ y hacerse novia de Nacho Cano, Penélope Cruz parece la destinataria de esta canción, no lo es: Nacho tuvo otras relaciones antes. La destinataria de ‘El 7 de septiembre’ es la escritora Coloma Fernández Armero. El País ha revisitado esta historia de amor recientemente, concluyendo que el romance se inició en septiembre -obvio- de 1981, en el Golden Village, el «Bar del Oro» referenciado en ‘La fuerza del destino’. La relación duró 8 años, hasta 1989, y se especifica que el restaurante al que ambos acuden en su aniversario es La Parra, de la calle Monte Esquinza, en el pijo-pero-poco barrio de Chamberí. «Taburete» vive por ahí.

¿Pero quién se reúne con su ex cada aniversario?

Hace unos años, Coloma concedía una entrevista a Vanity Fair en la que hablaba sobre esta canción, su impacto, cómo era compuesta y lo más raro de todo: ¿quién decide reunirse con un ex para celebrar un aniversario? Ella lo asocia a lo «intensa», «preciosa» y «potente» que fue aquella historia: “Fue así durante muchos años, diría que otros 8 por lo menos (después de romper). Nos habíamos separado en diciembre y el siguiente 7 de septiembre nos fuimos a La Parra, un restaurante que a Nacho le gustaba mucho y celebramos nuestro primer aniversario de separados. Ambos teníamos mucho respeto y mucha cautela, guardamos muchísimo las distancias en aquella comida, recuerdo que intentábamos no revolver el tema».

En la misma entrevista Coloma contaba lo que le gustó la canción en su momento: «Me conmovió muchísimo la frase «aunque empeñados en soplar/hay llamas que ni con el mar», mucho (…) Cuando escuché la canción, sabiendo ya que nuestra ruptura era definitiva, supe que no me había equivocado. Y además entendí también que a él le había ocurrido lo mismo». En el reciente libro ‘Mecano’ de Javier Adrados, el autor recoge unas declaraciones de Coloma sobre sus impresiones de la canción, en las que se la ve algo más abrumada: «No me podía creer que todo el mundo cantara una canción que hablaba de mí… de verdad que era increíble, iba a un aeropuerto y sonaba la canción, entraba a una discoteca y sonaba la canción, iba por la calle, y alguien cantaba la canción…».

¿Qué opinan de ella Mecano hoy?

Ana Torroja ha continuado cantando ‘El 7 de septiembre’ hasta este 2020 durante sus recitales. Un poco más y ni la covid puede con ella. De hecho, en 2015 volvió a hacerla single, en este caso a modo de dúo con Miguel Bosé. Es exactamente la tercera canción que más veces ha cantado Torroja en directo, tan sólo por detrás de ‘Un año más’ y ‘Barco a Venus’. Aunque no le pregunté específicamente por ella cuando la entrevisté hace poco, la cantante sí tenía muy claro que se debe a su público en vivo y que lo que quiere este es escuchar canciones de Mecano: «Soy realista, sé que tengo mis fans, fans de Ana Torroja, pero la mayoría son de Mecano».

Por otro lado, mientras José María Cano permanece alejado del pop y entregado a la pintura en algún lugar de Londres, Nacho Cano volvía a los escenarios en 2019, solo un año antes de la pandemia, y por supuesto ‘El 7 de septiembre’ no faltaba en el repertorio que desplegaba en Sonorama. ¿Quién fue el encargado de cantarla? Pues ni más ni menos que Alberto Jiménez de Miss Caffeina, como podéis apreciar en este vídeo. Ver para creer, ¿cierto?

¿En qué medida fue un éxito en España?

Como todo lo que publicaban Mecano en la época, pues al fin y al cabo estamos hablando del grupo más vendedor de la historia de nuestro país, fue un hit total. La canción entró directamente al número 1 de la lista de ventas, permaneciendo en dicha posición durante 3 semanas. ‘Aidalai’ llegaba al mercado un par de semanas después, siendo número 1 durante 13 semanas, es decir, todo el verano de 1991, 7 de septiembre incluido. Acabó con su reinado ‘On Every Street’ de Dire Straits… ¡el 9 de septiembre! ‘Aidalai’ fue el 2º disco más vendido en España en 1991, solo por detrás de ‘Bachata rosa’ de Juan Luis Guerra, y el 7º también de 1992, cuando se editaron sencillos tan recordados como ‘Una rosa es una rosa’ y ‘El fallo positivo’.

¿En qué medida fue un éxito fuera?

‘El 7 de septiembre’ apareció en varias listas de países latinoamericanos, pero no fue un gran éxito en Francia ni Italia pese a haberse grabado en estos dos idiomas bajo el sencillo nombre de ‘Il 7 Di Settembre’ y ‘Le 7 Septembre’. En aquellos tiempos las exportaciones funcionaban de manera mucho más despacio que ahora, y la canción que Mecano sí colocaron en las listas francesas en 1991 procedía en verdad de hacía dos discos: ‘Hijo de la luna’ llegaba al puesto 6 en Francia, un año después de que ‘Une femme avec une femme’, la adaptación de ‘Mujer contra mujer’, sí hubiera sido top 1 en el país vecino. El tercer y último hit de Mecano en las listas de Francia fue en noviembre de 1991 la versión de ‘Naturaleza muerta’. Ni rastro en las mismas de ‘Le 7 Septembre’.

¿En qué medida es un éxito hoy?

Con 15 millones de streamings en Spotify, ‘El 7 de septiembre’ no es ahora mismo una de las 10 canciones más reproducidas de Mecano en Spotify, pero sí en Youtube, donde figura con 26 millones de visualizaciones. En Tidal es la 11ª canción más reproducida de la banda. Sus números son más que saludables, pero no ha permanecido como el mayor hit de la época: ‘Bailar pegados’ de Sergio Dalma y ‘Entre dos tierras’ de Héroes del Silencio tienen muchas más reproducciones. En verdad, es muy curioso que las canciones más escuchadas de Mecano en las plataformas son 3 de José María: en este orden ‘Me cuesta tanto olvidarte’, ‘Cruz de navajas’ e ‘Hijo de la luna’. Todas proceden de ‘Entre el cielo y el suelo’, su gran disco de «breakthrough».

¿De qué va el vídeo?

A diferencia de lo sucedido en ‘No hay marcha en Nueva York’, que presentaba el álbum anterior, en este videoclip Mecano no son literales sino que decidieron ponerse «artys». La inspiración fue ‘Metrópolis’ de Fritz Lang, la cinta expresionista de 1927 situada en 2030 que dos años antes ya había inspirado ‘Express Yourself’ de Madonna, el vídeo más caro de la historia hasta entonces. El director de ‘El 7 de septiembre’, que no fue David Fincher, sino Juan Luis Arruga, terminaría dirigiendo vídeos para Marta Sánchez, ‘Dime la verdad’ y ‘Soy yo’, tras esta historia sobre el mundo obrero en la que Torroja hace de vibrante percusionista.

¿Pero es una buena canción?

‘El 7 de septiembre’ fue un extraño single de regreso tras el impacto que habían tenido singles del disco anterior como ‘Mujer contra mujer’ y ‘La fuerza del destino’. Por lo diferente que es a ambos o a ‘No hay marcha en Nueva York’, y a la vez 100% Mecano en su rima de «flores de mayo» con «patas de gallo», solo puede entenderse como un acierto. Con toques new-age cercanos a una Enya de popularidad creciente (luego desarrollados en la carrera en solitario de Nacho Cano), la canción se apunta el tanto de estar entonada con toda la calma que otorga la llegada de la vida adulta. Puede que el amor les durara 8 años y la resaca, otros 8, pero su perspectiva está perdurando hasta el infinito.

Cercano a la treintena (cuesta creer que Mecano se separaran cuando Nacho tenía tan sólo 29 años), el artista mira una relación pasada con madurez, pese al uso del diminutivo de «la misma mesita que nos ha visto amarrar / Las manos por debajo». Al fin y al cabo, era José María en verdad quien se había burlado del uso del mismo en ‘Quédate en Madrid’ («Siempre los cariñitos me han parecido una mariconez y ahora hablo contigo en diminutivo con nombres de pastel»). Con la salvedad de un crescendo de cuerdas en la segunda mitad un tanto rococó y un teclado un tanto kitsch al final, ‘El 7 de septiembre’ fue una opción elegante y arriesgada para presentar un álbum en el que José jugaría con los ritmos latinos, de ‘Una rosa es una rosa’ a ‘Bailando salsa’, mientras Nacho nos hablaba del sida (‘El fallo positivo’). Tuvo que ser difícil elegir el single para BMG Ariola, ¿pero alguien puede cuestionarlo casi 30 años después?

Calificación: 8/10
Lo mejor: La calma (el amor) con la que se analiza una ruptura pasada.
Te gustará si te gusta: lo mismo Depeche Mode que Enya.
Escúchalo:

Marilyn Manson unió pastelitos y porno, violaciones, asesinatos y samples impensables en su gran debut

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Jordi Bardají
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Marilyn Manson publica este viernes nuevo disco, ‘WE ARE CHAOS‘, el «Disco de la Semana» en nuestro site. Es por tanto buen momento para echar la vista atrás y recordar algunos de los discos más importantes de su carrera, como su debut ‘Portrait of An American Family’. El álbum ve la luz el día 19 de julio de 1994 a través de Nothing, el sello de Trent Reznor de Nine Inch Nails, quien, junto a Martin Atkins, co-produce parte del largo después de que la banda quedara insatisfecha con una primera versión del mismo producida por Roli Mosimann y llamada ‘The Manson Family Album’. Obviamente, Reznor pasará más adelante a producir la gran obra maestra de Marilyn Manson, ‘Antichrist Superstar’, objeto de nuestro siguiente artículo.

El primer álbum de Marilyn Manson, el único en el que aparece su bajista original, Gidget Gein, que es despedido de la formación antes del lanzamiento del largo debido a su adicción a la heroína (el músico fallecería en 2008) busca capturar la energía y capacidad de «shock» de sus primeros directos, visualmente muy llamativos -y aplaudidos por el público- al incluir cosas como «mujeres desnudas clavadas en crucifijos, niños encerrados en jaulas, sadomasoquismo o piñatas rellenas con restos de animales muertos». Con 6 meses de vida la banda agota salas con capacidad para 300 personas, y su repertorio -que ya incluye los singles ‘Lunchbox’, ‘Get Your Gunn’ y ‘Dope Hat’- impresiona a un Trent Reznor que ficha a la banda después de escuchar una de sus primeras maquetas (como curiosidad, Brian Warner y Trent ya se conocían después que el primero entrevistara al segundo para la revista musical en la que trabajaba; sí, Marilyn Manson fue periodista musical antes que estrella). Por sonido, el disco no logra diferenciarse demasiado del rock duro casposillo y mugriento de la época, pero las letras provocadoras de Marilyn Manson, los memorables singles y «album tracks» tan dignos como ‘Organ Grinder’ o el ataque a la hipocresía que es ‘Dogma’, con su clamor «no puedes sedar todas las cosas que odias», constituyen un estupendo trabajo que con el tiempo alcanza los 2,5 millones de copias vendidas.

El concepto de ‘Portrait of an American Family’, por si no quedaba claro con esa portada hecha por Warner usando papel maché y cabello humano, es elaborar una crítica a la sociedad americana tal y como aparece representada en la televisión. En concreto, Warner habla de esos «talk shows» o programas de entrevistas en los que la gente se «pone medallas para dárselas de moral» pero después no predica con el ejemplo. El artista explica su fascinación al descubrir que «muchas de las cosas que veíamos de pequeños, como Willy Wonka o las películas inspiradas en el trabajo de los hermanos Grimm, esconden significados mucho más profundos de lo que nuestros padres querían que viéramos», y apunta que considera «más dañino para un niño que sus padres le escondan la verdad, que el hecho que estos padres les enseñen directamente cosas como Marlyn Manson».

Lo que esconde este «retrato de una familia americana» probablemente se acerque mucho más a la verdad de lo que cualquier programa de televisión pueda contar, y esto incluye historias de lo más incómodas. En ‘Lunchbox’, Manson canta sobre la violencia escolar que sufrió de pequeño, cuando utilizaba sus estuches del almuerzo de metal como «armas» para protegerse de sus atacantes, al tiempo que soñaba con convertirse en una «estrella del rock»; la contundente ‘Get Your Gunn’ denuncia el asesinato por parte de un grupo de activistas pro-vida (irónico) del doctor David Gunn y samplea el suicidio televisado del político Budd Dwyer; ‘Dope Hat’ utiliza la simbología de ‘Charlie y la fábrica de chocolate’ para básicamente hablar sobre la adicción a las drogas, y ‘Wrapped in Plastic’, de título inspirado en ‘Twin Peaks’, incluye una escena que puede interpretarse como la antesala de una violación intrafamiliar, en concreto de un padre a su hija. De hecho, el tema siguiente, ‘Sweet Tooth’, parece dedicarse a la consumación de esta violación desde el punto de vista del violador, que canta: «cuanto más asustada de mi enfermedad estás, más te quiero / su cabello cuelga en hinchados hilos, la estoy ahogando, me parece enfermizo».

El impacto de este crudo disco lleno de «pis, mierda y azúcar» así como de violencia física y sexual y pornografía (la que ve Manson entre programas de cocina haciendo zapping en ‘Cake and Sodomy’, basada en una historia real) es potenciado por sus samples, muchos de ellos extraídos de canciones, series o películas que fascinan a la banda, como la mencionada ‘Charlie y la fábrica de chocolate’ (el largo se abre con un interludio que cita las palabras de Willy Wonka expresadas en la escena del túnel del terror, buena metáfora sobre lo que aguarda después), pero también la película británica de 1969 ‘Chitty Chitty Bang Bang’, la serie ‘Lidsville’ o al asesino Richard Ramirez, cuyas palabras abren el que iba a ser el primer single del disco, ‘Snake Eyes and Sissies’: «matar es matar, se haga por deber, provecho o por diversión». El mismo Charles Manson, que inspira el nombre de la banda junto a Marilyn Monroe, es sampleado en el delirio de ‘My Monkey’ para plantear una pregunta provocadora como pocas: «¿por qué los jóvenes están haciendo lo que están haciendo? ¿Qué llevaría a un niño a matar a su madre, a su padre y a sus dos hermanas pequeñas y después a cortarse la garganta?» El público americano más conservador, que ve en Manson la reencarnación misma de Satán, imagen que Brian Warner asumiría después en ‘Antichrist Superstar’ para terror del mundo, podía culpar a la banda por estas tragedias (como de hecho sucedería tras el tiroteo de Columbine), pero en ‘Portrait of an American Family’, Manson decide presentar la realidad tal como es, sin filtros ni fantasías bíblicas de por medio.

Clasificación: 8/10
Lo mejor: ‘Lunchbox’, ‘Get Your Gunn’, ‘Dope Hat’, ‘Dogma’
Te gustará si te gusta: Nine Inch Nails, Korn, Ministry, Rammstein

Curtis Waters, una estrella de TikTok que se prepara para algo grande sonando lo-fi

Por
Jordi Bardají
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Curtis Waters es un muchacho nepalí-canadiense que ha arrasado en TikTok con su single ‘Stunnin’. Muchos éxitos recientes lo han petado gracias a esta plataforma, como ‘Say So’ de Doja Cat o ‘Toosie Slide’ de Drake, pero el de Curtis es un caso especial, ya que el chico va camino de convertirse en una estrella del pop única de TikTok casi como Justin Bieber lo fue de Youtube. Con apenas 20 años, el artista acaba de firmar un contrato discográfico con el sello BMG para publicar su álbum debut, ‘Pity Party’, el próximo mes de octubre, después de rechazar varias ofertas multimillonarias que le dejaban con menos control de su carrera. Esto último, por cierto, aconsejado por su mánager, el ejecutivo Chris Anokute, conocido por haber impulsado las carreras de Katy Perry, Iggy Azalea o Zara Larsson.

Curtis, que presume de haber iniciado los trámites para abandonar oficialmente la universidad y de seguir viviendo con sus padres tanto como de haber conocido a Joe Jonas por vídeollamada, no tiene un sonido tan comercial como el de Justin Bieber. ‘Stunnin’ es un poco disco-funk, pero también presenta un sonido muy propio del underground neoyorquino, próximo al electroclash. Es sucio y ninguna radio la apoyaría en principio, pero se aproxima a los 100 millones de reproducciones en Spotify. Es un tema digno, sin demasiado misterio, que no se puede negar ha pegado entre los «tiktokers», lo cual ha de deberse en parte al mensaje de autoestima total de la canción («soy un chico guapo, soy impresionante»). El tema de la salud mental es importante para Curtis, un tema que no se trata en absoluto en la sociedad nepalí, y de hecho el cantante ha hablado abiertamente sobre su trastorno bipolar, el cual dice alivia creando música.

Con todo el buen ojo para promocionarse en la red social adecuada, Curtis, que ya ha protagonizado artículos de Rolling Stone (donde ha hablado largo y tendido sobre las ofertas discográficas que ha recibido, cogiendo las llamadas al lado de su madre) o de El País, adelantó ‘Stunnin’ durante dos meses en la plataforma antes de publicarlo oficialmente, creando el «hype» suficiente para que tras su lanzamiento fuera un éxito. Y de ahí llamaron los sellos a su puerta… y llegaron el resto de singles. Porque además de ‘Stunnin’, Curtis ha sorprendido con los ritmos industriales y radioactivos de ‘System’, similares a Death Grips (!!!), y a la vez no ha dejado de sumarse al típico sonido de artistas como Post Malone o Bazzi en ‘Feelings tend to stay the same’ o ‘Freckles’. Todos estos temas presentan un puntito lo-fi que obliga a pensar en Jai Paul y diferencian el sonido de Curtis Waters del de los artistas mencionados.

Desde luego no son las canciones más originales que a alguien pueda venirle a la mente, aunque ‘Stunning’ ha gustado tanto que hasta acaba de aparecer en un anuncio de Mercedes Benz; pero la verdadera pregunta es hasta dónde llegará todo este revuelo: ¿Es posible ser un one-hit-wonder de TikTok? ¿Trascenderá Curtis el éxito conseguido en esta plataforma para llegar a donde han llegado Justin Bieber, Post Malone, Bazzi, Doja Cat o el igualmente introspectivo Lauv, o se quedará más bien en el underground al que evoca su música?

Lo mejor del mes:

Escucha los «Revelación o Timo»





El disco de Arab Strap que debes escuchar si no estás celebrando su regreso

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Sebas E. Alonso
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Una de las sorpresas que nos dejaban las novedades de este viernes era el regreso de Arab Strap y no solo para una gira. Hace 15 años que el dúo formado por Malcolm Middleton y Aidan Moffat publicaba su último disco. Lo que tenemos de momento es una canción suelta llamada ‘The Turning of Our Bones’ y una entrevista en The Guardian, en la que Aidan ha hablado sobre un álbum nuevo que va a salir «a principios de 2021».

El nuevo single es un medio tiempo electrónico con un recitado muy Leonard Cohen, en el que suenan sintetizadores y percusiones tribales, pues su inspiración no es otra que un ritual de la tradición funeraria de Madagascar, la Famadihana, según el que se ha de bailar con los cadáveres de los seres queridos. «Es sobre resucitar y follar», ha dicho Moffat haciendo hincapié en el componente sexual que siempre han tenido los textos de Arab Strap, llamados así de hecho en honor a la prenda sexual. La poética letra incluye frases como «la segunda vida nos está llamando», «podemos volver a bailar en pecado» y «digamos adiós a esta tumba», y en este último caso hay que detenerse en la rima entre «grave» y «rave», pues incluye en medio un guiño a la moda latina: «We’ll say goodbye to this grave / Tonight we salsa, we rave».

El tema se presenta con un lyric video tipo popurrí en el que destaca el humor con el que han subtitulado cosas como “bongos”, “disco beats” y “solo de guitarra apocalíptico”. Eso sí, quizá no sea la mejor manera de acercarse a Arab Strap si tienes 15 años o pocos más, y desde luego no conocías a este grupo.

Tampoco lo es su mayor hit, ‘The First Big Weekend’, pues en la citada entrevista, en la que Aidan también habla de su carrera en solitario y de su condición histórica de «grupo-resaca después de la fiesta del Brit-pop», el autor recuerda que esta canción iba a ser una cara B, que enseguida se cansaron de ella y dejaron de tocarla. Una buena manera de conocer a Arab Strap o de reencontrarse con ellos es el espléndido álbum con el que se habían despedido hasta ahora. Moffat dice que no han vuelto para repetirse: «No estamos intentando recapturar los 90. El disco nuevo va de hacer nueva música con nuevas herramientas. No tiene sentido volver para sacar una mediocridad». Pero lo cierto es que el álbum que sacaron en 2005, ‘The Last Romance’, no ha perdido nada con el tiempo: al contrario, suena completamente atemporal y disfrutable a los oídos de hoy. Puede que no sea el mejor, el más querido por sus fans es el recientemente reeditado ‘Philophobia’ (1998), pero sí es el más accesible y un buen vehículo para introducirnos en su mundo.

‘The Last Romance’ comenzaba con una canción con una cadencia tan chula como ‘Stink’. La primera frase del álbum era “quema estas sábanas en las que acabamos de follar”, mientras el punteo parecía mirarse más en el post-grunge y el indie rock que en la “resaca Brit Pop”. Todo el álbum en verdad era un arsenal de singles, a destacar ‘Dream Sequence’, que hipnotizaba tanto con su riff de piano a modo de estribillo, como ‘Speed-Date’ lo hacía con su efecto de guitarra circular. Era esta una canción inmediata y polémica, pues no eludía la crítica social, poniéndose en boca de un hipócrita: «»La monogamia no es natural, con ella no podemos vivir», eso es lo que dirá / Le encanta intercambiar, tiene la mente abierta, pero no te atrevas a sugerir que es gay».

A la postre ha sido la truculenta ‘Don’t Ask Me to Dance’ la canción más recordada de aquel largo, y era la que contenía el nombre del álbum («So let’s toast the last romance / But just don’t ask me to dance»), pero también hay que reivindicar el gancho de ‘(If There’s) No Hope for Us’ y el modo en que se cerraba todo. Merced a una espectacular sección de vientos, ‘There Is No Ending’ era un cierre épico y magistral que es muy difícil escuchar menos de 3 veces consecutivas. Una canción que alerta de la llegada del apocalipsis, incluyendo «pedófilos», «terremotos» y «volcanes», pero que se alza superviviente («podrían robarte el nombre / y no me importa») porque «no todo debe morir» y «no todos los pactos de amor decaen». Habría sido un final de carrera apoteósico, ciertamente, aunque hoy estemos celebrando que no lo sea.


Belako / Plastic Drama

Por
Sebas E. Alonso
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Belako llegan a su cuarto disco de estudio sin casarse con nadie. Lo más fácil que podrían haber hecho sería convertirse en los Dover del siglo XXI (entiéndase esto como la banda de rock nacional que, cantando en inglés, da el salto desde el más absoluto underground a las masas). Lo más complejo, adaptar las rugosidades del indie-rock más exquisito, es decir, hacer algo cercano a Sonic Youth. El grupo de Mungia en cambio continúa a lo suyo, exhibiendo en ‘Plastic Drama’ un tipo de rock poco convencional, que no es fiel en particular a ningún género, en sintonía con su variadísimo gusto. Ha querido la pandemia de covid-19 que hayamos ido conociendo singles de adelanto del álbum hasta llegar a casi la totalidad de pistas (hasta 7 de 10 han salido estos meses), y muchos de ellos han sido una aventura diferente.

Uno fue ‘The Craft’. Y lo que comenzaba siendo una canción de acordes tarareables y saltarines, tan brillantes como un ‘Island in the Sun’ de Weezer, terminaba pervertida por el pitch: voces distorsionadas y una ambientación mucho más funesta aparecen a modo de «drop» final. A continuación en la secuencia de ‘Plastic Drama’, no se sabe si por los acordes, la letra en francés o la toma angelical de Cristina Lizarraga, Stereolab parecen una referencia para Belako en ‘Sirène’. Al menos hasta que emergen las guitarras eléctricas de lo que podríamos llamar el «estribillo» instrumental.

Igualmente fascinante es el paso de ‘All Nerve’ al corte titular. ‘All Nerve’ es una de las canciones mejor tituladas de este año, pues su base rítmica es pura tensión en la faceta más agitada del post-punk: el minuto y medio inicial e instrumental es un absoluto tiro. Hasta el punto de que a nadie le importaría que la canción no contara con letra alguna. Pero justo después el cuarteto decide entregar la propia ‘Plastic Drama’, una canción de melodía easy-listening, casi playera y vacacional, guiada por el piano y un bajo un tanto disco-funk. ¿Belako de crucero por el Mediterráneo? Por su parte, ‘marinela2017’ comienza como una balada lo-fi que parece compuesta por Moldy Peaches o Feist, para luego terminar alzando los puños; y sorprende también la final ‘Truce’, algo parecido a una balada coral, de melodía casi navideña e inspiración retro.

En ‘Plastic Drama’ es importante el mensaje. Sigo teniendo ciertos problemas con algunos alaridos ininteligibles tipo Metal Hammer (tampoco convence esa portada que parece la del nuevo musical de Sia), pero si esto no ha sido un problema para los periodistas del NME, que no lo sea para nosotros. Los textos de Belako son claros dardos políticos, cuestionando el sistema y los graves errores de nuestra sociedad. ‘All Nerve’ habla de «fallos en el sistema que protege el feminicidio» (la banda formada por dos chicos y dos chicas se refiere a sí misma indistintamente en masculino o femenino). ‘The Craft’ tiene claro que «nuestro es el poder / ahora es el momento». Y la grungera ‘Profile Anxiety’ -de melodía muy pop- cuestiona la justicia que consiente que «se violen nuestros cuerpos y mentes». En contraste a su letra, tan cruda, esa sección celestial en el centro de la composición.

Es muy significativa la casi total ausencia de canciones de amor (la inicial ‘Tie Me Up’ es bastante ambigua), sobre todo porque ‘Truth’ cuestiona el mal que ha hecho el amor en la sociedad. «El romance es un arma que asegura nuestra explotación» dice decididamente, lo cual tiene bastante gracia si atendemos a su tarareo final, casi propio de un «girl group» de los años 60. Teniendo en cuenta que BMG es quien publica este largo a nivel internacional, es como si Belako se hubieran propuesto derribar el sistema desde dentro. Y justo después en ‘Truce’ muestran cierta vulnerabilidad como para recordarnos que todos somos humanos, y que la contradicción forma parte de nuestra condición. Quien esté libre de pecado que tire la primera piedra y no se una a Belako en su canto: «We fell for a lie / We chose to get high / On empty dark nights / We drink our goodbyes…»

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘All Nerve’, ‘The Craft’, ‘Truce’, ‘Time Me Up’
Te gustará si te gustan: Savages, Hole, los Radiohead de ‘The Bends’
Youtube: ‘All Nerve‘

Críticas a Uribes por decir que ve «imposible» que se celebren ahora «conciertos de rock»

Por
Sebas E. Alonso
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José Manuel Uribes, ministro de cultura y deporte, ha concedido una entrevista a La Voz de Galicia que está levantando ampollas por su titular «Es imposible que se celebren ahora mismo conciertos de rock», pues de hecho en estos momentos se están celebrando «conciertos de rock», siempre que se respeten las medidas de seguridad decididas por cada comunidad autónoma.

En verdad, Uribes parece referirse a los conciertos de grandes estadios multitudinarios, pues él mismo reconoce haber asistido a algún concierto este mismo verano (en Twitter asegura que en la Quincena de San Sebastián, Granada o Santander), y afirma que la cultura es segura y ejemplar»: «Llevo diciéndolo durante todo el verano, en el que he ido a festivales de cine, teatro y música. La cultura es segura y ejemplar. Es verdad que no existe seguridad absoluta en ningún sitio, pero se están haciendo las cosas muy bien y se han sacrificado elementos de mayor rentabilidad económica en aras de la seguridad». Es cuando asocia «rock y pop» a cierta falta de seguridad cuando parece hacerse un lío, obviando el drama de las salas. Cuando el periodista le pregunta por el rescate que piden específicamente las salas de conciertos, responde: «Los conciertos de clásica o en espacios abiertos se están celebrando en una relativa normalidad. Pero es muy difícil -por no decir imposible- que los conciertos en vivo de rock o pop se puedan celebrar en este momento. No podemos imaginar un estadio o un pabellón de deportes con mucha gente. Sería muy difícil garantizar que no haya contagios. Cuando haya vacuna todo cambiará».

A continuación habla de las ayudas: «Desde el Gobierno hemos acompañado ese sacrificio con las ayudas del decreto del 5 de mayo -un paquete de 76,4 millones de euros- destinadas en buena medida al cine y a las artes escénicas y que pretenden completar la reducción de aforo con ayudas en estos meses hasta que haya una vacuna». Sin embargo, esa referencia también está resultando polémica, pues no se considera suficiente o parece haber medidas específicas para la música: «Las ayudas generales (ERTE, ayudas por cese de actividad, desempleo…) deberían servirles», concluye. En otros momentos de la charla, habla sobre Messi, toros y los museos, y recuerda que las diferencias de aforos y medidas por comunidades dependen de estas, pues son quienes tienen las competencias. De la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid fue la decisión de no celebrar Tomavistas Extra estos días pese a la reducción de aforo y a que el evento era sentado desde un comienzo.

El próximo 17 de septiembre hay una convocatoria del sector de música en directo para exigir acciones concretas al gobierno, bajo el lema de «Alerta Roja», como la web habilitada con información al respecto. Esta movilización tendrá lugar a partir de la unión del sector en una «mesa sectorial compuesta, por ahora, por 37 organizaciones participativas y diferentes organizaciones colaborativas» y que «se unen bajo un eje neutral, abierto y apolítico basado en el Movimiento Internacional de la Industria Cultural del Espectáculo y los Eventos».

‘Birthday’ de Disclosure funciona en su versión original y como remix

Por
Jordi Bardají
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Disclosure han firmado estos días el último «Disco Recomendado» de nuestro site, un ‘ENERGY‘ que es toda una colección de aciertos desde el principio hasta el final… y más allá, pues incluso el segundo CD que reúne los «bonus tracks» -muchos de ellos publicados anteriormente bajo el EP ‘Ecstasy’- vale la pena.

Entre los temas destacados de ‘ENERGY’ se encuentra el titular, un pepinazo house hecho para petarlo en los festivales que este año no ha habido; y también cortes más orientados a las listas de música pop como ‘Watch Your Step’ con Kelis, ‘Lavender’ con Channel Tres, el divertidísimo single ‘My High‘ con Aminé y slowthai o el veraniego ‘Douha (Mali Mali)’ con Fatoumata Diawara, que en un universo paralelo es la canción del verano. Y entre los temas que se salen de la dirección bailable del álbum se encuentra otro de los singles, un ‘Birthday’ en el que nos detenemos hoy.

El R&B contemporáneo ha sido uno de los intereses recientes de Disclosure, y para muestra el hit que se marcaban el año pasado con ‘Talk’, su producción para Khalid. ‘Birthday’ transita el mismo camino sonoro, aunque con diferencias, porque con la participación de Syd de The Internet y de Kehlani, que este año también ha publicado disco, ‘Birthday’ presenta una producción adictiva y sensual que remite a las perpetradas hace 20 años por artistas como Aaliyah, TLC o Janet Jackson, a la que recuerdan tanto los coros celestiales del «middle 8» que podría haberlos grabado ella perfectamente.

A pesar del título de ‘Birthday’, la canción plantea un escenario agridulce, el de dos personas -quizá amigas, quizá amantes- que se han distanciado inevitablemente, pero entre las que puede seguir quedando un resquicio de amor mutuo. Si Syd es quien directamente canta la frase «he estado pensando en ti», Kehlani deja más claras sus intenciones: «no te llamo para reconciliarnos, solo quiero saber cómo has estado, he estado esperando un periodo de tiempo adecuado para darnos a ambas espacio, creo que ha sido bueno para nosotras distanciarnos». El bonito estribillo captura ese anhelo de manera más clara: «¿Puedo llamarte en tu cumpleaños, solo para saber que estás bien? ¿O prefieres que desaparezca como un fantasma y te deje tranquila? Tengo guardado el número de tu antiguo teléfono, ¿pero sigue funcionando?»

Ante tan buena canción, Disclosure han tenido la genial idea de incluir en el álbum un remix de la misma producida por el DJ y productor de garage MJ Cole. Y totalmente al garage UK clásico suena esta adictiva remezcla que cierra la versión de lujo de ‘ENERGY’ e incorpora un ritmo bailable y el sonido de un arpa, y que, a modo de gancho melódico, utiliza un tarareo que en la versión original de ‘Birthday’ aparece solo hacia el final, de manera anecdótica. Buena lección de cómo llevar una canción que ya es buena a otro lugar y posiblemente mejorarla. Os dejamos con el surrealista videoclip de ‘Birthday’, con unas gigantes Syd y Kehlani que más tarde son convertidas en marionetas.

Lo mejor del mes:

Miley Cyrus, nº1 en JNSP; entran Smashing, Blackpink, Kelly Lee Owens y Cut Copy

Por
Sebas E. Alonso
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3

Claramente influida por la ceremonia de los VMA’s, la lista de esta semana está coronada por tres canciones que se presentaron en la gala de MTV: ‘Midnight Sky’ de Miley Cyrus asciende al número 1 confirmándose como canción favorita de nuestros lectores ahora mismo; ‘Blinding Lights’ vuelve a subir al top 2, la posición máxima que había alcanzado en principio; y ‘Rain On Me’ reescala al podio también, desplazando a Kylie. Las entradas de la semana son modestas pero numerosas: llegan a la parte baja de la tabla lo nuevo de Smashing Pumpkins, Blackpink con Selena Gomez, Kelly Lee Owens y Cut Copy. Además, es momento de despedirse de Arca y Chloe x Halle, ya en la mitad baja de la lista y con 10 semanas de permanencia. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 2 1 3 Midnight Sky Miley Cyrus Vota
2 7 2 41 Blinding Lights The Weeknd Vota
3 11 1 15 Rain On Me Lady Gaga, Ariana Grande Vota
4 1 1 6 Say Something Kylie Minogue Vota
5 3 1 24 Break My Heart Dua Lipa Vota
6 4 1 31 Physical Dua Lipa Vota
7 15 5 24 In Your Eyes The Weeknd Vota
8 14 1 45 Don’t Start Now Dua Lipa Vota
9 8 2 6 cardigan Taylor Swift Vota
10 6 1 9 What’s Your Pleasure? Jessie Ware Vota
11 10 9 16 Watermelon Sugar Harry Styles Vota
12 9 2 17 Save A Kiss Jessie Ware Vota
13 22 13 2 Dying Breed The Killers Vota
14 5 5 3 Video Game Sufjan Stevens Vota
15 16 8 8 Easy Troye Sivan Vota
16 28 16 10 My Own Soul’s Warning The Killers Vota
17 12 11 5 My Future Billie Eilish Vota
18 13 3 5 exile Taylor Swift, Bon Iver Vota
19 19 1 55 The Greatest Lana del Rey Vota
20 18 6 14 TKN Rosalía, Travis Scott Vota
21 20 13 9 America Sufjan Stevens Vota
22 17 3 8 Love Me Land Zara Larsson Vota
23 21 19 6 Un día (One Day) J Balvin, Dua Lipa, Bad Bunny, Tainy Vota
24 30 19 4 WAP Cardi B, Megan Thee Stallion Vota
25 26 18 4 Nuevo verano Amaia Vota
26 39 14 10 Mequetrefe Arca Vota
27 32 15 10 Do It Chloe x Halle Vota
28 23 23 2 Baby It’s You London Grammar Vota
29 36 19 9 Don’t Wanna HAIM Vota
30 – 30 1 Cyr The Smashing Pumpkins Vota
31 31 31 2 Identical Phoenix Vota
32 34 26 9 Chicos transparentes Algora Vota
33 35 12 5 Something More Róisín Murphy Vota
34 40 28 4 Impact SG Lewis, Robyn, Channel Tres Vota
35 – 35 1 Ice Cream Blackpink, Selena Gomez Vota
36 27 27 5 Who’s Laughing Now Ava Max Vota
37 29 15 3 All of the Feelings Kiesza Vota
38 37 33 3 Thrill Future Islands Vota
39 – 39 1 On Kelly Lee Owens Vota
40 – 40 1 Love Is All We Share Cut Copy Vota
Candidatos Canción Artista
– Modo avión Cariño, Natalia Lacunza Vota
– Mosquita muerta Chico y Chica Vota
– Nos célébrations Indochine Vota
– Tú y yo Los Punsetes Vota
– Bolitas Colectivo Da Silva Vota
– Karaté Yelle Vota
– FREAK Shygirl Vota
– L’amor fa calor Renaldo & Clara Vota
– No estás Arista Fiera Vota
– Dancing Like Nobody’s Watching Iggy Azalea, Tinashe Vota
– Un grand amour Carla Bruni Vota
– Douha (Mali Mali) Disclosure, Fatoumata Diawara Vota

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Arista Fiera / Cromatismo doméstico

Por
Jordi Bardají
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Arista Fiera es una de esas bandas que han sabido diferenciarse de la masa de formaciones españolas que reivindican el sonido shoegaze de los años 90. Su marca se encuentra en la dulce pero afirmativa voz de su cantante, Isabel, pero también en unas letras llenas de mala baba y en unas composiciones atmosféricas y melancólicas que buscan ser pop ante todo.

La banda malagueña, formada por Isabel Galván (voz, pianos y sintetizadores), Juan Ortega (bajo) y Gorka Gamarra (guitarra) y ganadora del concurso de Contempopránea 2018 gracias a su mini disco de debut, ‘Simetría par’, publicado en 2017, ha despuntado gracias a singles como ‘Melo’, ‘Lo consigo’ o ‘Mi defensa personal’, pero se ha superado con un escalofriante ‘No estás‘ que resume perfectamente su sonido: un tema que alterna la presencia de guitarras distorsionadas con la de unos teclados espaciales que en el post-estribillo se funden como lava en los oídos, y que habla sobre una persona que «rebosa fealdad por los poros» y cuenta con un «rostro de necia» y con un «horripilante semblante». En el disco, solo la guitarrera ‘Tu familia’, otra de las pistas destacadas, puede rivalizar con ‘No estás’ en echada de bilis, al describir a los miembros de un hogar familiar que incluye «al perro salchicha de tu prima», «a tu abuela en su silla», «el diario de notas de tu hermano», «tu casa de color beige» o a «tu ex novia, con barba y bigotes mal pintados».

El grueso de ‘Cromatismo doméstico’ no emociona como ‘No estás’, pero sí presenta baladas tan apañadas como ‘El breve romance’, de letra clásica en el sentido poético del término («Y mi padre se opone por las razones que has de saber, que soy de buena familia y tus bondades nadie las ve») o la épica ‘Multitudes’. Sorprende sobre todo una segunda mitad que se separa con un interludio a piano, instrumento que vuelve a aparecer de manera prominente en ‘Cada vez que intento explicarlo’; y que además de un oscuro homenaje al ‘Walden’ de Henry David Thoreau lleno de redobles y más apropiado imposible en tiempos de confinamiento, incluye una graciosa aproximación al sonido Motown, girl-group y soul de los años 60 -pasado por las guitarras distorsionadas de rigor- llamada ‘Algo nuestro’, la canción más alegre y popera del disco con diferencia. Y también un cuco homenaje al amor incondicional: «Me gusta cuando me miras así con un solo ojo, me controlas cada paso y me encanta», reza la letra. «No importa si me despiertas porque te sientes fatal, mi supersentido se activará». Una nueva banda que seguir de cerca.

Calificación: 6,9/10
Lo mejor: ‘No estás’, ‘Tu familia’, ‘Algo nuestro’
Te gustará si te gusta: Odio París, Triángulo, Pan Total
Youtube: audio de ‘No estás’

Rihanna se recupera tras sufrir un accidente de «scooter»

Por
Sebas E. Alonso
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Rihanna ha sido vista esta semana en Santa Mónica con heridas en la cara. Según ha podido saber TMZ, al principio de esta semana la cantante ha sufrido un accidente de patinete eléctrico en el que ha debido de ver las estrellas, a juzgar por las fotos que han aparecido online, en las que se aprecia que tiene un ojo morado. TMZ ha podido saber que el aparato volcó, golpeando a la cantante en la cabeza y en la frente. Su equipo ha dicho que «no ha sido tan malo como parece».

Hay declaraciones de su equipo a la revista People, tranquilizando a sus seguidores e indicando que se encuentra perfectamente bien: «por suerte no hay heridas graves y se está recuperando muy rápidamente».

Continuamos sin noticia alguna sobre ninguno de los dos discos en que Rihanna ha trabajado durante los últimos años: ni el jamaicano, ni el pop. Sus seguidores empiezan a suponer que ambos proyectos están en punto muerto tras la falta total de novedad por parte de la cantante, que mantiene más o menos activas sus redes sociales sin ofrecer pista alguna sobre su carrera musical. En uno de sus últimos posts de Instagram, la vemos dándose una de esas cremas en las que está aparentemente concentrada desde hace demasiados años. ¿Pero quién dijo que suceder al enorme ‘ANTI’, un álbum mejor a cada año que pasa, sería tarea fácil?

Joesef, el chico triste de Glasgow que conquista a la prensa gay recordando a la Amy de ‘Frank’

Por
Jordi Bardají
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Joesef ha sido uno de los jóvenes artistas nominados en el sondeo de BBC Sound of 2020. Este ha sido el año de Celeste, ganadora oficial del concurso, y a la que hemos visto por tanto actuar en los premios BRIT, pero también de Arlo Parks, una de las artistas jóvenes más prometedoras actualmente en Reino Unido. Y Joesef también va camino de grandes cosas.

El joven de 24 años, de origen escocés, acaba de lanzar posiblemente su mejor canción (hoy nuestra «Canción del Día»), una ‘I Wonder Why’ compartida con el rapero Loyle Carner en la que terminan de materializarse todas sus virtudes. La primera es su voz, pues Joesef cuenta con uno de esos timbres especiales y andróginos que es imposible olvidar tras una primera escucha. Él cuenta que en las primeras impresiones hacia su música, la gente solía pensar que era un DJ y que quien cantaba era una mujer. ‘I Wonder Why’ refleja también el interés de Joesef por los sonidos del soul y el pop clásicos, por los ritmos hip-hop (esa base rítmica) y por las guitarras eléctricas, así como por las melodías celestiales capaces de abrir los cielos de par en par; pero destaca por contener una línea de piano preciosa que lleva la composición a cuestas desde el principio hasta el final, sirviendo como fondo melancólico donde los haya.

Joesef, que es abiertamente queer, ha sido portada de Gay Times y ha dedicado su single ‘Kerosene’ al primer chico del que se enamoró en su vida, cita entre sus influencias a Al Green, The Cure y The Mamas and the Papas, tres artistas que su madre solía poner a todas horas cuando él era pequeño, pero a quien algunos de sus temas recuerdan de verdad es a la primera Amy Winehouse, la de ‘Frank’. Especialmente cortes como ‘The Sun is Up Forever‘ y sobre todo ‘Think That I Don’t Need Your Love‘ recuerdan al estilo de pop nostálgico bañado en soul, jazz y hip-hop que primaba en aquel gran trabajo de la cantante británica fallecida hace 9 años; mientras otros como ‘Play Me Something Nice’ reinciden en el aspecto relajado y veraniego de la música de Joesef, presentando ecos al bedroom-pop de moda y también la presencia de unas maracas.

Lo mejor del mes:

Escucha los «Revelación o Timo»





Big Sean puede dar un susto a 6ix9ine en las listas estadounidenses

Por
Sebas E. Alonso
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Este viernes ha salido el segundo álbum de 6ix9ine envuelto de titulares, pues es el primer disco que Daniel Hernández publica tras haber estado en prisión. En una entrevista con The New York Times ha hablado sobre su juicio, sobre los maltratos a su esposa o la explotación de una menor, mientras entre los virales de Youtube seguimos encontrando su nuevo single ‘TUTU’. Según las estimaciones de Hits Daily Double, su disco ‘TattleTales’ va a ser el siguiente número 1 en Estados Unidos tras la venta de lo equivalente a 150.000 unidades.

Sin embargo, podría haber sorpresa de última hora. También esta semana ha salido el nuevo disco de Big Sean, y aunque parece que este ‘Detroit 2’ «solo» va a vender 125.000 copias durante estos 7 primeros días, lo cierto es que el álbum de Big Sean está siendo mucho más escuchado, como muestra Spotify. 17 de las 21 canciones de ‘Detroit 2’ aparecen en el top 200 de Spotify en Estados Unidos, encabezadas por las colaboraciones con Travis Scott (‘Lithuania’, para la que se ha presentado un videoclip) y Post Malone (‘Wolves’). Por el contrario, únicamente 3 canciones de ‘TattleTales’ de 6ix9ine aparecen en dicho top 200: parece que sin el añadido de los visuales de Youtube, hay ganador claro entre lo que escucha la gente. En las ventas de iTunes, también ‘Detroit 2’ acaba de destronar a ‘TattleTales’. ¿Puede haber vuelco o tal es la diferencia de ventas reales, como apunta Hits Daily Double?

El quinto álbum de Big Sean ha sido muy esperado tras el éxito de todos los anteriores, después de que Kanye West le fichara para su sello GOOD Music en 2007, cuando Big Sean tenía tan sólo 19 años. Tanto ‘Dark Sky Paradise’ como ‘I Decided’ ya fueron número 1 en Estados Unidos en 2015 y 2017, respectivamente. “Paradise” contenía el hit ‘I Don’t Fuck With You’, y ‘I Decided’, ‘Bounce Back’. Además, este nuevo es el primer largo de Big Sean desde que diera un pelotazo junto a Calvin Harris, Katy Perry y Pharrell en ‘Feels’, que fue número 1 en Reino Unido.

‘Detroit 2’ viene presentado por un single de hip hop tan atractivo como ‘Harder than My Demons’, pero también incluye canciones más próximas al jazz, como ‘Guard Your Heart’, en la que encontramos a Anderson.Paak; o al R&B, como esa ‘Body Language’ en la que escuchamos colaborar a Ty Dolla $ign y Jhené Aiko. También hay sonido apocalíptico, trompetas mediante, en ‘The Baddest’. El álbum, que se extiende hasta los 72 minutos de duración, incluye también las participaciones de Lil Wayne y Diddy, este último en la tristona ‘Full Circle’, entre muchísimos otros. Como nota curiosa, aparece una «Story by Erykah Badu», que no es otra cosa que una locución de la cantante hablando de lo que significa Detroit para ella, y agradeciendo a Stevie Wonder.

Como decíamos, después de que el disco se haya promocionado con el single previo ‘Harder than My Demons’, que salía unos días antes, se está dando especial empujón al nuevo tema ‘Lithuania’ con un vídeo recién estrenado. La canción cuenta con unas melódicas voces autotuneadas, además de con una mención a Prince y otra a Michael Jackson, mientras que el vídeo, de corte mágico-surrealista, se sitúa en una casa en la que cualquier cosa puede pasar.

Las claves visuales de ‘WAP’: de las odaliscas galactotrofusas a la mansión Playboy

Por
Joric
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2

Los sueños cottagecore de Taylor Swift, el duelo a lo ‘Tigre y dragón’ de FKA twigs, la chorreante alegoría sexual de Cardi B y Megan Thee Stallion, el confinamiento de Úrsula Corberó al son de J. Balvin, Dua Lipa y compañía, y los helados de BLACKPINK y Selena Gomez. Derretimos las imágenes de los videoclip más destacados de las últimas semanas y dejamos al descubierto sus referentes estéticos y narrativos.

WAP (Cardi B, Megan Thee Stallion)

En sintonía con la letra de la canción, el clip ‘WAP’ comienza con una sofisticada metáfora sexual del tipo un tren entrando en un túnel: la cámara entra por un cenador cubierto de azaleas, se moja en la fuente con dos odaliscas galactotrofusas en posición de twerking, y accede a una mansión tipo Playboy por una puerta que chorrea agua como si se hubieran dejado el grifo del bidet abierto. El interior de la mansión es una mezcla de palacio versallesco, puticlub con habitaciones temáticas y oda al “animal print” a lo Carole Baskin. Una colorida y muy húmeda casa de lenocinio, con pasillos inestables como de thriller psicoanalítico tipo ‘Secreto tras la puerta’, donde, parafraseando la letra del sample de Frank Ski, aparecen varias “whores” invitadas: Kylie Jenner, Normani, Rubi Rose, Sukihana, Mulatto y nuestra Rosalía.

sad day (FKA twigs)

El exitazo de ‘Tigre y dragón’ (2000) provocó una avalancha de películas con chinos volando y pegando espadazos. Veinte años después, cuando el wuxia ha desaparecido prácticamente de las pantallas occidentales (entre ‘The Assassin’ y la segunda parte de ‘Tigre y dragón’ lo mataron), el realizador Hiro Murai (director de la serie ‘Atlanta’ y de muchos de los clips de Childish Gambino) hace una relectura del género de las artes marciales en clave metafórica y urbana. ‘sad day’ (tan “sad” que hasta a la “s” le cuesta estar en mayúscula) narra los conflictos sentimentales de una pareja en forma de combate alegórico. Un duelo de textura onírica y final con sablazo en la cara a lo ‘Equilibrium’ (2002), que describe una pelea de enamorados en tres escenarios: un bar-restaurante chino de estética muy influenciada por David Lynch (uno de los grandes maestros reconocidos por Murai junto a Takeshi Kitano), las calles de un Londres nocturno y desangelado (en sintonía con el clima emocional de la pareja), y el interior de un loft cuya decoración parece la proyección de una mente enajenada.

Cardigan (Taylor Swift)

Taylor Swift en camisón tocando el piano en medio de una bucólica cascada. ¿Ha llegado al videoclip la cursilería de Le piano du lac? El nuevo vídeo de la cantante pensilvana es una fantasía hogareña con estilismo cottagecore, un cuquicuento narrado en una mecedora a la luz del fuego que, como en ‘Alicia en el país de las maravillas’ o ‘Las crónicas de Narnia’ (o ‘Peter Pan’, que aparece bajo el reloj), juega con el recurso narrativo de las puertas dimensionales. El vídeo transcurre por tres escenarios simbólicos que representan las tres etapas de la relación sentimental de la que habla la canción: la cabaña, iluminada con colores cálidos y estética de pan-recién-hecho, símbolo del hogar familiar (el señor que aparece en la fotografía es el abuelo de Taylor); el bosque, bucólico y frondoso, símbolo de la exuberancia (amorosa) y las (cascada de) emociones; y el mar agitado, iluminado con colores fríos, que representa el naufragio de la relación. La tabla de salvación es –obvio- la música, y la vuelta al hogar marca también el regreso del amor: “you come back to me”.

Un día (One Day) (J. Balvin, Dua Lipa, Bad Bunny, Tainy)

El rutinario y desabrido clip de ‘Un día (One Day)’ parece la metáfora perfecta para estos tiempos de coronavirus: una “canción del verano” ilustrada en blanco y negro y rodada entre cuatro paredes. “¿Recuerdas aquellas épocas en las que éramos felices?”, tras esta declaración de intenciones comienza un relato cuarentenoso (Úrsula Corberó lo rodó en la casa que compartió con Chino Darín en Buenos Aires durante el confinamiento) dividido en cuatro partes. Cada una de ellas, marcada por la aparición de un gran monolito -¿guiño a ‘2001: Una odisea del espacio’?- en forma de pantalla de móvil (símbolo de la comunicación durante la cuarentena), corresponde a una etapa de una ruptura amorosa: de la tristeza y la rabia, a la superación y la aceptación. Cuatro estados de ánimo que coinciden con la entrada en la canción de los distintos intérpretes. El plano final está compuesto por una sucesión de metáforas, por si acaso no te habías enterado: el amanecer, las cenizas de la relación volando, la desaparición de la pantalla luminosa…

Ice Cream (BLACKPINK & Selena Gomez)

Ya lo decía Papa Topo: “Lo que me gusta del verano es poder tomar helado”. Aunque en el caso de las BLACKPINK es más bien, “que me comas el helado”. El videoclip de ‘Ice Cream’ es una colorista y chorreante tarrina de sabores que van desde la estética pin-up de los cincuenta, representada por el desfile de modelos ‘Grease’ de Selena Gomez, al estilismo de la casa de Pinypon; de la psicodelia sesentera (la escena del rap de Lisa), al parque de bolas infantil; del grafiti ochentero, a las cerezas de Pachá. Un cucurucho de estímulos visuales (la mayoría de los planos no duran ni un segundo) que funciona como pleonasmo de una estética, la del K-pop, ya de por sí subida de azúcar.

Ian Brown desconcierta con un tuit anti-mascarillas y anti-vacunas

Por
Sebas E. Alonso
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Ian Brown ha dejado a Reino Unido muy desconcertado con un tuit en el que parece negar la existencia del coronavirus o de las maneras de combatirlo. Su mensaje es breve, pero bastante claro en su negacionismo: «ni confinamiento, ni tests, ni rastreos, ni mascarillas, ni vacunas». Su hashtag es «investiga y destruye», lo cual es bastante extraño si recordamos que su último «lead single» se llamaba ‘First World Problems’. El estribillo de dicha canción decía: «ya estás otra vez con tus problemas de primer mundo / cuando tu vida es bien fácil / haciéndote un lío a diario / Déjalo todo atrás / estás volviendo loco a todo el mundo».

A pesar de la ambigüedad de su tuit, no están las cosas en mitad de la pandemia para estos misterios y son muchos los seguidores y amigos músicos que han decidido responderle, como recoge el NME. Reverend & The Makers han contestado que adoran a Ian Brown pero que están decepcionados por este mensaje, el DJ Dave Haslam recuerda que Toots Hibbert de Toots and the Maytals está hospitalizado en coma y con un respirador, aguardando los resultados de covid-19, y su ex compañero en Stone Roses el guitarrista John Squire ha acudido también a Twitter para decir: “ponte una mascarilla, mantente a salvo. Cuídate a ti mismo y a los demás”.

Entre los mensajes que han dejado sus seguidores podemos encontrar otra frase en negativo: «ni tampoco ninguna idea sobre ciencia, aparentemente». También hay quien cree que le han hackeado y otra persona sugiere: «muramos todos de enfermedades que se pueden prevenir como si fuera el año 1348». En tiempos recientes, varios artistas han sido criticado por su cuestionamiento de la pandemia o de las vacunas. En España ha sido sonado el caso de Miguel Bosé, que incitaba al público a asistir a una concentración sin mascarilla; mientras Madonna subía al Stories de Instagram una «fake news» sobre que el gobierno ya tenía la vacuna contra el coronavirus pero no la quería compartir. Annie Lennox, por ejemplo, le pidió explicaciones, pero nunca las hubo.

Parada parece que definitivamente la actividad de Stone Roses tras un intento de tercer disco que quedó en la edición simplemente de un par de canciones sueltas, Ian Brown ha continuado con su carrera en solitario. En 2019 salía su primer álbum en 10 años, un ‘Ripples’ que se presentaba con singles como la aún brit-popera ‘First World Problems’ y la propia ‘Ripples’.

Las críticas no fueron muy buenas, desde luego fueron mucho menos entusiastas que cuando su carrera en solitario comenzaba en 1998 con el single ‘My Star’, que se convertiría en un pequeño hit en las islas británicas. Desde entonces han sido 7 los álbumes que ha lanzado al mercado y 7 los que han sido recibidos con los brazos abiertos por sus seguidores pese a su irregularidad: los cuatro primeros fueron disco de oro y los dos siguientes, disco de plata. Entre las curiosidades de su carrera, una ‘In the Year 2525’ que suena entre españoleta y el spaguetti-western. Una versión de una canción que fue un hitazo a finales de los años 60 de mano de los «one hit wonders» Zager and Evans, y que Ian incluyó en su disco ‘My Way’, el editado en 2009 y penúltimo hasta el momento.




5 discazos que han influido a Kelly Lee Owens aunque te parezca impensable

Por
Sebas E. Alonso
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A Kelly Lee Owens no le gusta que le pasen discos o música para inspirarse. Cuando alguien lo hace su respuesta es: «¡no, no, no!», como nos contaba en una entrevista reciente. No le gusta que los agentes externos sean tan obvios. Lo que no significa que sea el tipo de artista que guarda silencio sobre sus influencias. Ha hablado con pasión durante la promoción de ‘Inner Song‘, nuestro «Disco de la Semana», de ‘In Rainbows’ de Radiohead, de Alan Silva (de donde sale el título del disco), de cuando descubrió a The Knife, de su colaboración con Jon Hopkins, de lo que le afectó la muerte de Keith de Prodigy y de su colega Four Tet, que tanto la ha animado a cantar. También podríamos hablar de ‘Our Love’ de Caribou (disco y vídeo) si tenemos en cuenta que uno de los instrumentales del nuevo álbum de Kelly Lee Owens se llama ‘Jeanette’ y está dedicado a su abuela, que ha fallecido y era quien más «había apoyado la música de la artista» (llegó a oír este álbum y le encantó, se llevaba bien con Jon Hopkins, podéis encontrar su nombre en el vinilo). Pero en este artículo repasamos algunas de las influencias no tan evidentes de Kelly Lee.

Alice Coltrane / Journey in Satchidananda

Kelly Lee Owens no tiene problema en reconocer que la música experimental no le gustaba de adolescente, pero ahora le encanta. «Alice Coltrane es algo que no entendía con 15 años y ahora me vuela la cabeza. Puedo ser snob sobre algo aun sabiendo que a los 20 años me va a gustar», ha dicho específicamente. Su trabajo favorito de la artista es ‘Journey in Satchidananda’ (1971), dice que tiene la «mejor portada de la historia». Especialmente le gustan los 6 minutos de la canción titular y de apertura, un delirio de arpa, contrabajo y la tambura india, «algo a lo que vuelve una y otra vez». Owens lo relaciona con su faceta espiritual y cósmica, que ha impregnado todo su disco, y con cómo nos hemos dado cuenta durante esta pandemia de cuánto nos necesitamos los unos a los otros.

Sevdaliza / ISON

Una vez terminado su debut, en Brooklyn Vegan preguntaron a Kelly Lee Owens por sus discos favoritos de 2017. En la selección estuvieron Björk y Talaboman, el proyecto del catalán John Talabot y Alex Boman, pero el primer álbum de la lista fue el debut de Sevdaliza, ‘ISON’, quien por cierto acaba de publicar un nuevo álbum. Kelly Lee Owens la definía como una «artista increíble, infravalorada e independiente». «Su voz es increíble y me encanta la producción del disco y el modo en que deja cierto espacio». ‘ISON’ es, sin duda, el álbum más cercano al sonido de ‘Inner Song’ de todo este listado, como atestigua la inicial ‘Shahmaran’, de impecables beats y vídeo dirigido por Emmanuel Adjei. Lo que no es habitual es escuchar a artista británicos hablando de artistas de Irán u Holanda.

John Cale / Paris 1919

Lo mismo que Kelly Lee se está poniendo morada a hablar de ‘In Rainbows’ de Radiohead en lugar de recurrir a ‘OK Computer’ o ‘Kid A’, cuando ha tenido que seleccionar música de John Cale, que canta un tema de ‘Inner Song’, se ha decantado por su obra maestra, el ultra accesible ‘Paris 1919’, que contenía obviamente el tema titular, más orquestado que ‘Eleanor Rigby’ de los Beatles y con pajaritos. La productora dice que su canción con John Cale tuvo el nombre temporal de «Seta» («y eso es todo lo que voy a decir al respecto»). Por el contrario, este disco pertenece más a esa vena melódica que Kelly Lee Owens asocia a Gales. ‘Child Christmas In Wales’ era el primer corte de aquel álbum que tenía un tema llamado ‘Andalucia’ y otro ‘Macbeth’, e incluía cosas tan cantarinas como ‘Graham Greene’.

Nick Drake / Bryter Layter

Sin embargo, cuando Kelly Lee Owens tuvo oportunidad de hablar con John Cale, en lugar de preguntarle por su trabajo o por el de la Velvet, le preguntó por Nick Drake, siendo un alivio para el propio Cale. A Kelly Lee le interesan hasta los zapatos de la portada de ‘Bryter Layter’, sobre los que se han escrito ríos de tinta (se cree que representaban su rechazo a la fama), y ciertamente John Cale llegó a tocar en aquel segundo álbum del artista a principios de los años 70. En concreto la viola y el clavecín en ‘Fly’, y la celesta, el piano y el órgano en ‘Northern Sky’. Island Records puso toda la carne en el asador aunque no llegara a pasar nada con aquel álbum ni con los otros dos de Nick, contando con músicos de Fairport Convention y Beach Boys. El álbum tiene ese poso jazzy que tanto atrae a Owens (‘At the Chime of a City Clock’, ‘Poor Boy’) y a buen seguro la melancolía de sus melodías ha inspirado aunque sea de lejos pistas como ‘L.I.N.E.’. Ella misma reconoce que la melancolía en su música es tan importante como los beats techno. Además, ‘Bryter Layter’ se abría con un corte instrumental (todo un «arpeggi») y después incluía un par más… como ‘Inner Song’.

Gorky’s Zygotic Mynci / Barafundle

Que la música experimental haya sido una revelación para Kelly Lee Owens, que haya vivido en Manchester y Londres, codeándose con productores de Beyoncé, no significa que haya dejado de lado su pasado como «indie girl» en Gales. Dice que le encantaban Maccabees y Friendly Fires y que vestía con pitillos. Cuando le han preguntado por sus músicos favoritos de Gales, ha hablado de Super Furry Animals y Gorky’s Zygotic Mynci, momento que aprovechamos para recuperar a estos últimos, a menudo olvidados dada su separación en 2006. Muy reivindicables son discos como ‘How I Long to Feel That Summer in My Heart’ (2001) o este ‘Barafundle’ (1997) que tenía ciertamente melodías preciosas como la de ‘Heywood Lane’, muy Paul McCartney, o ‘Sometimes The Father Is the Son’, y también estructuras experimentales como las que hallábamos en ‘Patio Song’, su canción más popular. Todo el disco es un extraño pero disfrutable viaje por la tradición: lo pastoral (‘The Wizard & The Lizard’) y la ruptura de todo aquello.

Tekashi 6ix9ine habla de sus delitos en una entrevista en profundidad

Por
Sebas E. Alonso
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Entre los lanzamientos de este viernes se nos ha olvidado comentaros que también hay nuevo disco de 6ix9ine, el segundo de su carrera, conteniendo los cuatro adelantos lanzados hasta la fecha, destacando la repercusión mediática que han tenido ‘GOOBA‘ y ‘TROLLZ‘, esta última número 1 en Estados Unidos junto a Nicki Minaj.

El rapero ha concedido su primera entrevista tras salir de la cárcel y The New York Times ha sido el medio elegido, dejando momentos totalmente inauditos, como ese en el que el periodista le sugiere que puede estar cerca de la muerte y le pregunta si ha considerado unirse a un programa de protección de testigos, pero 6ix9ine responde que no por sus «tatuajes en la cara». Hablando de política ha declarado: «no creo que Trump trolee. Creo que Trump es genuinamente Trump. Me comparan con Trump todo el rato, pero yo amo a la gente de México. No creo que seamos lo mismo». Su nombre real, recordemos, es Daniel Hernández, pues su madre es mexicana y su padre, de Puerto Rico. Cuando le preguntan si alguna vez ha votado, él pregunta si los convictos pueden votar. Le dicen que algunos sí pueden votar en Nueva York y su respuesta es: «votaría por Trump», entre risas. Quizá por lo que le gusta jugar a generar odio, cosa de la que habla en otros puntos de la entrevista.

La entrevista realizada por Joe Coscarelli no elude sus problemas con la justicia, de hecho comienza con su secuestro, su condición de «chivato», por la que es despreciado, y su pertenencia a banda armada. A continuación, 6ix9ine responde preguntas sobre la explotación de una menor en unos vídeos que circularon hace unos años. «Hacía vídeos de Instagram, un montón de contenido», son sus primeras palabras. Cuando el periodista pregunta si cree que ha pagado por aquello, indica: «Por supuesto. Ninguna otra celebridad ha dado tanto como Daniel Hernández». El periodista le pregunta si el dinero es la manera de arreglar una deuda con la sociedad y él responde que ha servido de «modelo» tras haber trabajado duro como «repartidor durante 12 horas al día durante 3 años». Añade que tenía 18 años cuando sucedieron los hechos con la chica de 13. «¿Parezco como un señor de 40, tipo Jeffrey Epstein?». Después añade que estaba «en el lugar equivocado, en el momento equivocado», y que si hubiera sabido que era un delito grabar a la chica, no lo habría subido a las redes. «Si cometes un asesinato, ¿lo subes a Instagram?». Indica que le «destrozó» saber que tenía 13 años y recuerda que Tupac estuvo en la cárcel por un delito sexual, y no recibe el odio que recibe él. «Nunca he tenido cargos por violación. Nunca».

El periodista insiste: «pero si alguien dijera que no te puede perdonar por lo que hiciste a esa niña, ¿lo entenderías?». 6ix9ine se defiende: «Sí, diría «que Dios te bendiga». No me despierto cada día pensando: «¿le gusto a esta persona?». Sino diciendo: «¿cómo podría esta persona odiarme incluso más?». Porque alguien a quien no le gusto es que no está cómodo en su propia piel». Continúa: «admito todos mis errores, ¿vale? Me declaré culpable por utilizar a una chica en una performance sexual, y asumí mis responsabilidades. Me declaré culpable por crimen organizado durante 47 años, y asumí mis responsabilidades. Tendré que pagar el precio por el resto de mi vida, me mirarán por encima del hombro. Te lo aseguro. Lo que la sociedad intenta hacer es arrinconarme en una esquina y decir: «¿sabes qué? me odio a mí mismo». Y yo nunca me odiaré a mí mismo. Amo todo por lo que he pasado y nunca lo retiraré. Nunca jamás, jamás, jamás, jamás, jamás, jamás me arrepentiré de las lecciones que he aprendido de la vida, porque me han convertido en una bestia, en un animal, y puedo superar cualquier cosa».

También hay tiempo para hablar de los maltratos sufridos por su pareja entre 2011 y 2018, que él admite. «Sí que teníamos peleas físicas. Lo admití». ¿Está bien pegar a una mujer?», pregunta el periodista. «No, no, no», responde, antes de explicar en relación a su hija: «mi hija no es tonta. Va a ver todo en internet. Hay un montón de cosas que tendré que explicarle. Yo y Sara hemos hablado. He visitado a mi hija, le he dado dinero. He admitido la verdad. Ha sido lo peor. Pero no me voy a sentar aquí y mentirte. Te lo estoy diciendo, lo hice. Lo admití y me disculpé. No debo al mundo una disculpa, la persona a la que debo una disculpa es Sara Molina. Y ella recibió mi disculpa. Eso es lo que importa». Sara Molina ha rechazado hablar con The New York Times.

El álbum de 6ix9ine está compuesto por 13 temas chillados en mayúscula y dispuestos a lo largo de media hora, encabezados por una producción de Akon. De ellos, se ha viralizado en Youtube el vídeo realizado para ‘TUTU’, la segunda pista del álbum, otro derroche de color y culos al aire con frases como “consigo putas cuando quiero”. En un momento curioso de la entrevista, el periodista pregunta a 6ix9ine si cree que su música está añadiendo al mundo, pues no es muy «introspectiva» y sólo hace «un tipo de disco». Su respuesta es que «por supuesto». «Tengo que alimentar lo que en 2020 es relevante. Tengo que alimentar a las masas. No hay ninguna diferencia entre yo y Tupac Shakur», indica comparando «una de las canciones más grandes» de este ‘Troublesome ’96’, y su propio tema ‘Baby’.

Hurts / Faith

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Sebas E. Alonso
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En la portada de su disco anterior, Hurts esquivaban al público: el cantante Theo Hutchcraft aparecía con gafas de sol y el multiinstrumentista Adam Anderson miraba al suelo protegido además por un sombrero. Anderson habló de sus problemas mentales en aquella época y la gira del anterior álbum los dejó al «límite», como ha reconocido Theo, pero en este álbum al menos ambos se atreven a mirar a la cámara. Lamentablemente el único cambio que percibimos respecto a ‘Desire’ es estético: Theo se ha dejado el pelo largo, y Adam, mucha más barba. Poco más.

El debut de Hurts era tan bueno que merecerá la pena continuar esperando que lo igualen, o se acerquen al menos a ello, por toda la eternidad. Pero ‘Faith’ no nos devuelve a la banda que conocimos con ‘Wonderful Life’ sino a la que se esfuerza por emularlo añadiendo capas innecesarias de dubstep e industrial. Así, ‘Somebody’ parece como una canción de Queen producida por Skrillex. Si esto suena bien en tu cabeza, lo cierto es que por cada canción que parece encarrilada hacia la dignidad se añaden una serie de efectos que buscan la grandilocuencia, logrando en verdad su opuesto, como sucede nada más empezar con ‘Voices’, una nieta de ‘Personal Jesus’ de Depeche Mode que han decidido decorar con efectos de «voices» a tope.

En la línea, ‘Redemption’ era una buena canción que por alguna razón se ve obligada a introducir en su segunda mitad unas cuerdecitas, unos coros y una percusión que ni Woodkid. La final ‘Darkest Hour’ decide convertirse en ‘Yellow’ de Coldplay con el añadido de guitarras eléctricas. En la intensita ‘Liar’, la gran idea de producción ha sido mandar a Theo al estudio de al lado para que grite desde allí «LIAR! LIAR!» como colofón.

El ejemplo más flagrante es ‘Slave to Your Love’. Estaba llamada a ser la gran balada electrónica de este álbum, la que nos tenía que recordar que ‘Stay’ es y siempre será la gran obra maestra de Hurts, cuando decide convertirse en una canción de los penúltimos Hooverphonic, los que ya solo escuchaban en Bélgica. Entre producciones tan feístas como ‘White Horse’ y experimentos tan fallidos como la medio rapera medio india ‘Fractured’ (¿qué será? ¿una aproximación a Missy Elliott?), solo hay una canción que se queda quieta y no intenta ser algo que no puede: el tema a piano ‘All I Have to Give’. No me atrevo a reivindicarlo como single navideño, pues no sabemos si Adele va a mover ficha, pero al menos no es víctima de una mala ejecución.

Theo conserva una voz preciosa, y Hurts, un nombre, aunque solo sea por falta de competencia en un mundo tomado por el trap y lo latino. ¿Es tan duro pedir, qué sé yo, a Tove Lo, que te escriba unas canciones cuando la inspiración no termina de volver?

Calificación: 3/10
Lo mejor: ‘All I Have to Give’
Te gustará si te gusta: hasta la última cara B de Depeche Mode, hasta el último disco de Hooverphonic
Youtube: ‘All I Have to Give’

‘WAP’ de Cardi B y Megan Thee Stallion es el primer top 1 de rap femenino en Reino Unido

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Jordi Bardají
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‘WAP’ no solo ha sido número 1 en Estados Unidos: desde este viernes también lo es en Reino Unido, en su cuarta semana y después de esperar pacientemente en el número 2. Es un dato importante, pues las raperas que habían sido número 1 en Reino Unido (Iggy Azalea, Nicki Minaj, Lil’ Kim y Missy Elliott) lo habían conseguido pero como «featuring» de una colaboración más «convencional», como informa la OCC. Es la primera vez que un single de rap hecho solo por mujeres, llega al top 1 de las listas británicas. Además, desplaza al fin al número 2 al que ha sido el éxito del verano en Reino Unido, ‘Head & Heart‘ de Joel Corry con MNEK. Os dejamos con 3 reseñas diferentes de la canción realizadas por nuestra redacción.

«‘WAP’ de Cardi B y Megan Thee Stallion me gusta si a) olvido que he visto su videoclip b) trato de no ponerme muy a fondo con la letra. Haré ver que es un tema en que Cardi y Megan cantan de manera triunfal sobre su deseo sexual y cómo sus respectivos totos dirigen el cotarro (aunque hay versos que me patinan). Ciñéndome a lo estrictamente musical, ‘WAP’ es un tema sencillo y de pasmosa efectividad; una línea de bajo, unas palmas y como gancho el sample de ‘Whores in This House’ de Frank Ski. Todo para que reinen los rotundos recitados de Cardi y Megan y un estribillo simple y pegadizo. Si a eso le sumamos una duración de poco más de tres minutos, conseguimos un hit pop bastante redondo». Mireia Pería.

«Mi único problema con ‘WAP’, que como single de rap puro y duro, por explícito y vulgar que sea, es estupendo (la base no es tan «hardcore» como podría ser, pero es pegadiza), es que sería mejor sin Cardi B, quien de hecho es la artista principal. Personalmente, disfruto más de aquellos raperos y raperas cuyo «flow» me hace sentirme en una montaña rusa, y la relajada dicción de Cardi B me causa cierto rechazo de cara a disfrutar de esta composición. Megan se la merienda sin pensárselo mucho, y creo que un duelo entre ella y Azealia por mucho que esta esté en horas bajas; o entre ella y Doja Cat, o entre ella y Tkay Madza, o incluso entre ella y Tinashe, que ojito con el flow de esta última, habría sido mucho más satisfactorio». Jordi Bardají.

«Cardi B y Megan Thee Stallion son número 1 no solo por el éxito de su colorido y polémico videoclip (la PETA espera que los animales sean de mentira), sino porque el tema ha arrasado en Spotify. No es de extrañar porque el sample es un puto martillo que se te clava en la cabeza ¿Cuántas veces suena? ¿20 cada 30 segundos? Tiene además el sentido de la ironía que escuchemos de fondo todo el rato que hay «putas en la casa». Cardi B y Megan Thee Stallion se apropian del insulto en una letra en la que repiten la palabra «pussy» una veintena de veces, se jactan de que «no limpian, ni cocinan», aunque sí se «cabalgan sobre pollas» «para conseguir anillos», e invitan a su fiesta a un montón de chicas más, desde Rosalía a la Kylie que no es Minogue. Un gobernador de derechas se ha preguntado si esto es el feminismo, Cardi B considera una victoria haber cabreado a los conservadores y, en todo caso, con un poquito de titulares y un poco de gracia, el tema hip-hop de base sobria -casi conservadora también, ojo- tiene ya un pequeño hueco reservado en la historia». Sebas E. Alonso.

‘Ritos exóticos’ tendría que haber sido el single de ‘Hortera’ de Varry Brava

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Sebas E. Alonso
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Varry Brava han sido uno de los grupos más afectados por el coronavirus, pues tenían el lanzamiento de su nuevo disco ‘Hortera’ pensado para finales del mes de marzo, es decir, justo cuando se decretó el estado de alarma. Fueron pioneros… en aplazar todo. Ni que decir tiene que se pensaban poner morados este verano a presentarlo por todos los festivales del país -o todos los que acojan a artistas que llaman un álbum ‘Hortera’ con un emoticono de mierda en su portada- pero no ha podido ser. La banda sí ha podido actuar en algunos lugares puntuales, como algunos de sus compañeros de profesión. Foto: Jose David – La Industrial.

El álbum se ha ido presentando con un chorrazo de singles, incluso desde antes de la pandemia. Casi al mismo tiempo que su colaboración con Miss Caffeina para la minigira conjunta de ‘Dancetería’ salía su single de reggaetón ‘Loco’, después otro “normal” llamado ‘Luces de neón’ y más tarde ‘PlisDonGou’ y ‘Mi mejor momento’. Además, según la nota de prensa de Hook Management, se está preparando un vídeo para el tema titular. Pero ‘Hortera’ esconde otros momentos estelares aún por descubrir, como es el caso de ‘Ritos exóticos’.

En esta canción continúan esos guiños a la cultura pop que tanto gusta a los murcianos: si la melodía de ‘Ritos exóticos’ podría haber pertenecido al Tino Casal más entregado a la pista de baile (más el de ‘Embrujada’ que el de la rococó ‘Eloise’), los teclados synth-poperos que se añaden en el estribillo están pensados para llenar estadios y la letra contiene una referencia muy evidente a Franco Battiato («yo quiero verte danzar»). La canción tiene un punto romántico que podría pertenecer a Dorian («me dices que acabará el cuento a las doce / y veremos salir el sol en mitad de la noche»), pero en verdad va sobre follar. Con «brujería» de por medio, como en el disco de La Bien Querida, pero ni menos ni más.

Eso nos inspira un estribillo que va directo a la yugular: «yo quiero hacerte el amor / con viejos ritos exóticos / hagamos que hablen de ti y de mí / mañana los periódicos». Después, Varry Brava han tenido a bien rimar «ritos eróticos» con «que aplaudan todos los católicos». El propio grupo nos habla sobre la creación de esta canción, que no en vano fue la «primera» que hicieron para ‘Hortera’: «‘Ritos Exóticos’ fue el primer tema que hicimos para ‘Hortera’. Fuimos al local y empezamos a tocar dando vueltas a los acordes que ahora forman las estrofas de la canción. Buscamos fuerza en las primeras melodías de voz con giros tipo ‘Burning Down The House’ de Talking Heads. A las semanas retomamos aquella idea en casa, abrimos un nuevo proyecto en Logic y comenzamos a maquetar: baterías muy ochenta, pads ambientales tipo Pet Shop Boys de los primeros 90, arreglos Synth-Chorus-Voices entre frases, toms de transición y poco más. La maqueta tomó un ambiente ElectroRock 80 que nos flipó, venías de escuchar la primera estrofa con aquellos arreglos y la melodía del estribillo salió sola. Fue inspirador trabajar con aquellos sonidos, creó un ambiente lleno de azules nocturnos que nos llevó directamente a los más enigmáticos y bohemios mundos estético-líricos de Battiato y Tino Casal. Todas las frases que lanzábamos encajaban en ese cuadro y en una de ellas fue inevitable no hacerle el guiño a ‘Voglio Vederti Danzare’”.

Sobre por qué no ha sido un single, responden: «No tenemos mucho concepto de single. Vamos sacando canciones cada una con su material audiovisual según creemos que pueden encajar en cada momento y según nos va apeteciendo. También es cierto que no pensábamos que «Ritos» fuese a gustar tanto como lo está haciendo. Son esas las sorpresas que te guardan las canciones, y es maravilloso».

‘Hortera’ ha sido producido por Andrés Terrón y Pablo Estrella, y es, según la nota de prensa escrita por el periodista Jam Albarracín, «una invitación irrechazable a molar, a salir a guapear, a colgar los prejuicios en el armario, a dejarse acariciar por la brisa, a bailar como si no hubiera un mañana (y quién sabe si lo habrá), a despeinarse con glamour, a permitir que se corra el rimmel con orgullo, a seducir a la luna, a hacerle un guiño a los rótulos de neón, a pintarse las uñas y sonreír, a enamorarse aunque sea del mismo amor, a acabar tirados en la playa, ya sea esta real o soñada». En breve, el grupo comunicará nuevas fechas de presentación del álbum.

Lo mejor del mes:

¿Convence el regreso de SZA con The Neptunes?

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Jordi Bardají
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SZA es una de las protagonistas del viernes al haber publicado un nuevo single por sorpresa. Se titula ‘Hit Different’ y es una «slow jam» producida nada menos que por The Neptunes, el dúo formado por Pharrell Williams y Chad Hugo que es conocido sobre todo por sus vanguardistas producciones de R&B y hip-hop editadas a principios de siglo, tales como ‘Hollaback Girl’ de Gwen Stefani, ‘I’m A Slave 4 U’ de Britney Spears o ‘Milkshake’ de Kelis.

‘Hit Different’ es una colaboración de SZA con el rapero Ty Dolla $ign y lleva la firma de SZA sobre todo en la letra, que vuelve a hacer gala de su verborrea típica como si la cantante hubiera extraído las palabras de su propio diario personal. El tema narra los altibajos de una relación abierta en la que SZA busca fingir que el hombre al que le dedica la letra no es el «principal». Curiosamente, el videoclip de ‘Hit Different’ dirigido por la propia Solana incluye una segunda canción que no ha sido publicada en las plataformas de streaming. Se trata de una balada en la que prima cierto sabor a R&B y soul clásicos, ¿una pista de lo que está por venir?

El segundo disco de SZA es uno de los grandes misterios del pop de los últimos tiempos. Ya lo fue el primero, que tardó años en ver la luz hasta el punto que su autora consideró abandonar la industria de la música poco después de aparecer en nada menos que la pista número 1 de ‘Anti’ de Rihanna. ‘Ctrl’ salió el fin en junio de 2017 fue un absoluto éxito de crítica y público. De hecho, el álbum lleva tres años sin apearse de la lista de ventas americana, haciendo gala de una longevidad que ya quisieran para sí muchos álbumes que sí han alcanzado el número 1 en dicha clasificación.

A pesar del éxito de ‘Ctrl‘, al que han seguido colaboraciones igualmente exitosas con Maroon 5, Kendrick Lamar o, en menor medida Justin Timberlake, la relación de SZA con su sello, Top Dawg Entertainment, el mismo que edita a Kendrick, sigue sin ser la mejor. En concreto ha llegado a ser «hostil» y la artista incluso ha dado a entender que el lanzamiento del álbum, que estaría terminado -ella pretende publicarlo este año- se encuentra parado por culpa del jefe de Top Dawg, Terrence “Punch” Henderson. En respuesta al mensaje de un fan que pedía a «Punch» nueva música de SZA para este contestarle después que nuevo material saldría «pronto», SZA no se cortaba un pelo al tuitear: «Esto es todo lo que me dice a mí también. Bienvenidos a mi puta vida». De hecho, ante el lanzamiento de ‘Hit Different’ SZA ha escrito que «simplemente quería compartir algo». ¿Menudo… entusiasmo?

¿La buena noticia de todo esto? ‘Hit Different’ no es exactamente ‘Drew Barrymore’, de modo que el single bueno de verdad de SZA debería estar por venir. En sus palabras cabe esperar un álbum que alternará sonidos «agresivos, de trap, inspirados en Joni Mitchell, acústicos» o «más mierda parecida a ‘The Weekend'». Entre los productores con los que Solana ha trabajado, Jack Antonoff. De ahí solo puede haber salido algo bueno, ¿no?

Carla Bruni anuncia disco homónimo: escucha el vals italianizado de ‘Un grand amour’

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Jordi Bardají
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Carla Bruni vuelve el próximo 9 de octubre con su primer disco de material inédito en 7 años. Fue en 2013 cuando escuchamos por última vez nuevas canciones originales de la cantante francesa, en este caso reunidas en un álbum llamado ‘Little French Songs‘ que era de lo más digno a pesar de su falta de pretensiones y de lo incómodo de temas como ‘Mon Raymond’ obviamente dedicados al señor Nicolas Sarkozy, marido de quien fuera primera dama de Francia durante el mandato del susodicho.

Después de ‘Little French Songs‘ sí escuchamos un interesante pero fallido álbum de versiones «afrancesadas» de clásicos del pop tales como ‘Enjoy the Silence’ de Depeche Mode, ‘The Winner Takes it All’ de ABBA, ‘Highway to Hell’ de AC/DC o ese maravilloso ‘Moon River’ de la película ‘Desayuno con diamantes’ interpretado por Audrey Hepburn. Sin embargo, Bruni presenta al fin nuevos temas propios y su nuevo disco es homónimo, con todo lo que ello debería implicar. ¿Su álbum más personal? Según la nota de prensa este trabajo es el «reflejo de la propia Carla Bruni, un abrazo incondicional de su verdadero yo», y a su vez promete ser una obra sin grandes novedades respecto a la discografía de la artista: «Siempre sensible, con emociones a flor de piel por momentos, la música del disco da testimonio de un temperamento único y evita la ostentación».

La nota continúa: «A través de él podemos sentir el deseo de una sencillez tranquila, libre de brillo y arrogancia. Probablemente se deba a que la producción de estas canciones se planeó mucho antes de que alguien pusiera un pie en el estudio de grabación. Guitarra, piano, un toque de pies y fragmentos de melodía son la base de todos los temas, grabados a puerta cerrada con Albin de la Simone, que produjo todo el disco. Para su primera colaboración con Carla Bruni, el multiinstrumentista, uno de los mejores de la escena francesa en los últimos 20 años, estaba decidido a darle a sus nuevas canciones el tratamiento más delicado. Al escuchar el nuevo manifiesto, «Carpe Diem», no puede evitar recuperar un fuerte sentido del momento presente. Y esto es lo que cautiva a las canciones de Bruni: la intimidad, la sencillez, en un espíritu de libertad, amistad y amor».

Dicho esto, ¿cómo suenan las nuevas canciones de Carla Bruni? El animadillo primer single, ‘Quelque chose’, es de lo más mono y pegadizo, y desde hoy puede escucharse el segundo, que presenta un título más francés imposible: ‘Un grand amour’. Estamos ante otra balada serena y preciosista de Carla Bruni que esta vez se apoya en un ritmo de vals y en una instrumentación que incluye el sonido de una mandolina, el de un piano y el de una caja de música. Ecos a la decoradísima ‘Arrivederci Roma‘ de Dean Martin, es decir, ecos muy italianos, asoman también en esta bonita composición donde Bruni se acompaña de un coro de voces celestiales que pueden llegar a poner los pelos de punta.

Renaldo & Clara vuelve con la adictiva ‘L’amor fa calor’, un tema lleno de giros inesperados

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Jordi Bardají
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Renaldo & Clara, el proyecto de pop de la cantante y compositora de Lérida Clara Vinyals, vuelve este año con un nuevo trabajo discográfico llamado ‘L’amor fa calor’ («el amor da calor») con el que tiene toda la pinta de consolidarse definitivamente en el panorama nacional. Tras publicar sus dos primeros largos, el estupendo ‘Fruits del teu bosc‘ y el aún mejor ‘Les afores‘, a través del sello Bankrobber, Vinyals inicia con ‘L’amor fa calor’ su etapa en El Segell del Primavera, sello que en tiempos recientes ha editado los últimos trabajos de Christina Rosenvinge, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Enric Montefusco, Lorena Álvarez y un largo etcétera.

Que el sonido de Renaldo & Clara ha dado un paso adelante es evidente en los dos primeros sencillos publicados de su nuevo disco. Y es que, si antes las referencias que nos podían venir a la mente escuchando sus canciones son cosas como Julio Bustamante, Le Mans, Joan Miquel Oliver, El Petit de Cal Eril o Belle and Sebastian, y eran, por tanto, bastante amables, ahora estas son un pelín más contundentes: la mezcla de teclados y guitarras eléctricas del primer adelanto, el sensual medio tiempo de ‘La finestra’, parece inspirado en los sonidos que transmitían las radios de R&B americanas de los años 80 (¿no tiene un punto al ‘That’s What I Like‘ de Bruno Mars?); mientras el segundo adelanto, ‘L’amor fa calor’, lanzado hoy mismo, es más sorprendente todavía por diversas razones.

‘L’amor fa calor’ es una de esas producciones que aguardan una sorpresa cuando menos lo esperas. Arranca con un ritmo de batería medio funky, pero procede a ralentizarse y a enturbiarse en los versos para dar paso a una Clara que recita la letra aproximándose al susurro: «se aparten las nubes, sol cegador, llega directo y sin ninguna solución, te tapas la cara, del todo sospechoso, arriba hay un techo enorme y precioso». Con la nueva entrada del mencionado ritmo funky llega un estribillo melódico y armonizado creado para crear adicción desde el segundo cero: «todo lo que tocas se vuelve fuego, en medio de las llamas explota el corazón, coges aire y te agarras fuerte, ¡con qué ganas sale todo volando!». Esta vez, las referencias pueden ser Natalie Prass, Matthew E. White… pero también algo más gamberro vinculado al dance-rock de los 2000, y ninguna terminaría de acercarse a la creación tan personal con la que regresa a la actualidad musical Renaldo & Clara. Su nuevo disco, que ha sido grabado, mezclado y producido por Víctor Ayuso y masterizado por Heba Kadry, sigue sin fecha de edición.

Shygirl se jacta de ser «freak» en la cama y en la pista

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Sebas E. Alonso
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El nombre de Shygirl puede sonarte gracias a sus colaboraciones con Arca y Georgia, por canciones tan locas y chillonas como ‘UCKERS‘ o por el EP que publicaba en 2018 ‘Cruel Practice’. Ahora el proyecto de la londinense Blane Muise da un paso adelante con la edición de un tema llamado ‘Freak’ que como es habitual ha producido Sega Bodega, productor británico también conocido por su trabajo con Brooke Candy.

Y si conociste a Brooke Candy protagonizando un videoclip de Grimes, lo cierto es que este ‘Freak’ puede gustarte. Se trata de una composición sobre la liberación sexual, que pretende «buscar un mundo sin vergüenza ni vacilación». Estamos ante producción ultra 2020 en la que caben los beats industriales, los trucos del dubstep, los subidones de la EDM, el ritmo propio del voguing (es fácil imaginar esto en un RuPaul o en un ‘Pose’), el fraseo del rap, la suciedad del techno, y el descaro de Miss Kittin o Azealia Banks. Todo ello sobre un fondo próximo en filosofía a PC Music.

Maurice Andersen se ha encargado de realizar un sencillo videoclip para esta grabación que se jacta de ser «rara» «en la pista y en la cama», y que es hoy nuestra «Canción del Día». El vídeo se presenta de la siguiente manera: «Realizado con la ayuda del diseñador 3D Sy Blake, el videoclip de “FREAK” muestra esta faceta de la artista londinense a través de un personaje que aparece jugando en un paisaje digital diseñado por Blake y el animador Maurice Andresen. Nacido a partir de varios elementos de la propia personalidad de Shygirl, este personaje refleja sus deseos de autonomía y libertad, como artista y como mujer».

En un perfil elaborado por The Face el año pasado sobre Shygirl, en el momento en que lanzaba el mencionado ‘BB’ (“bad boys”), la artista reconocía que su inspiración eran “los chicos, amigos, viajar en Londres, salir de fiesta en Glasgow y la idea de euforia más que la experiencia en sí”. Parece con este tema que este continúa siendo su cometido.

Lo mejor del mes:

‘La broma infinita’ de Taburete: Kubrick, C.R.A.G., Robert Rodríguez, Macarena Gómez, ovnis, Roma, bucle carmesí

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Sebas E. Alonso
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Siempre ha sido fascinante cómo una gran parte del público de nuestro país ha abrazado las canciones de Taburete, que con sus dos álbumes han triunfado en las listas y han actuado para miles de personas a lo largo de toda España. Independientemente de que el grupo de Willy Bárcenas te caiga bien o mal o entres en cólera tratando de asumir que su sello Voltereta Records es una discográfica independiente como cualquier otra, el fenómeno ha sido digno de análisis.

Al margen de filias, sus canciones tienden a sonar melódicamente un poco justas, como improvisadas a partir de retazos de otras. En ese ejercicio de eterno popurrí en el que nadie ha querido ahondar, quizá porque siempre hay otras cosas más interesantes que preguntar al guapo de Willy, resulta que se han superado con el primer single de su nuevo disco, que están estrenando estos días. La canción se llama ‘2018: Odisea en el espacio’ y el nombre del álbum es puro desparpajo: ‘La broma infinita’.

La primera impresión de ‘2018: Odisea en el espacio’ es positiva. Juro que en algún lugar de todo esto hay una melodía clásica, melódica y setentera. Incluso la voz y la toma vocal de Willy suena nítida, directa y clara como la de un cantautor de los que compusieron C.R.A.G. La letra, entre «bucles carmesí», hasta parece sonar contestataria en un primer momento («Si mi casa quieren derribar, rezo por estar allí»). Un arreglo de guitarra eléctrica por aquí y la calma que rebosa por allá hasta me han llevado a alguna grabación de Nacho Vegas (sorry). El solo de guitarra hacia el final no puede ser más Lindsey Buckingham, y ojo porque no es la primera vez que Fleetwood Mac parecen una referencia en su discografía.

Lo malo es que Taburete presentan esta canción de la siguiente manera: «2018 es el himno al resurgimiento de las cenizas, cuando todo parece que acaba pero solo está dando comienzo a algo nuevo. Un canto a las segundas oportunidades que te hacen inventar simulacros de aterrizaje para luego volver a volar más alto». Y quizá por eso esta «odisea» en un momento dado opta por pervertirse en su búsqueda desesperada del mechero -ahora iPhone- al viento, cual balada de La Oreja de Van Gogh, precisamente para asegurar su intento de «volar alto». Sobre todo en su estribillo.

La imaginería que rodea el lanzamiento de este single, esos detalles que deberían añadir, en realidad restan. Porque son mucho. El título ‘2018: Odisea en el espacio’ es una referencia de dudoso gusto -por evidente, manida e interpretación random- de Kubrick; la portada del sencillo parece estar en sintonía pero de manera muy rara: una persona es abducida por un ovni desde un anfiteatro romano tipo Mérida. ¿Acaso Taburete se aburren sobremanera en la función y desean trasladarse a otro planeta con ayuda extraterrestre? ¿O uno de sus fans en Starlite está siendo salvado del coronavirus? Peor aún es el vídeo estrenado ad hoc, con tremendo plot twist final. No os lo perdáis. Porque lo que parece una pelea de pareja más, con el protagonismo de Macarena Gómez y Esteban Balbi, realmente no lo es. Ajenos a aquello de que «quien mucho abarca, poco aprieta», Taburete suman y siguen…

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