Juice WRLD fallece a los 21 años: la policía halla drogas, armas y munición en su avioneta privada

-

10 diciembre, 2019

4

El 13 de marzo de 1989 se editó ‘Southside’, el debut de Texas. 30 años después, la banda anuncia gira de aniversario en la que tocará el álbum completo además de sus grandes éxitos, y que pasará por España por partida cuádruple.

La gira recaerá el 27 de noviembre en Barcelona, en la sala Razzmatazz, el 28 en la Sala Vistalegre de Madrid, el 29 lo hará en el Auditorio Fórum Evolución de Burgos, y finalizará el 1 de diciembre en la sala Santana 27 de Bilbao. Las entradas para estos conciertos se podrán adquirir a partir de las 10:00h del próximo jueves 12 de diciembre. El precio de las entradas será de 38 Euros para Barcelona y Madrid, 25, 35 y 40 Euros para Burgos y 30 Euros para Bilbao (gastos de distribución no incluidos).

‘Southside’ produjo uno de los grandes éxitos de la carrera de Texas, ‘I Don’t Want a Lover’, tanto en las listas del momento como actualmente en las plataformas de streaming; además de los singles ‘Thrill Has Gone’, ‘Everyday Now’ y ‘Prayer for Now’. Sin embargo, el álbum no fue el más exitoso de Texas a nivel comercial, título que ganaría años más tarde su cuatro trabajo, ‘White on Blonde’.

Billie Eilish, por primera vez top 1 en JENESAISPOP; entran The Weeknd y Tinashe

Por

-

10 diciembre, 2019

Después de 36 semanas finalmente ‘bad guy’ de Billie Eilish ha sido capaz de alcanzar el número 1 de lo más votado de JENESAISPOP tras varios meses de dominio de Amaia, Rosalía y en menor medida Lana del Rey o Madonna. Precisamente esta semana toca despedirse de dos temas de Amaia que ya superan las 10 semanas de permanencia y están en la mitad baja de la tabla, así como de ‘Me envenenas’ de La Bien Querida y ‘Cola de pez’ de Miss Caffeina con La Casa Azul y Javiera Mena. Solo dos temas encontramos entre las nuevas entradas, ‘Blinding Lights’ de The Weeknd y ‘Save Room for Us’ de Tinashe. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top	Ant.	Peak	Sem.	Canción	Artista
1	4	1	36	bad guy	Billie Eilish	Vota
2	3	2	5	Don’t Start Now	Dua Lipa	Vota
3	1	1	27	Aute Cuture	Rosalía	Vota
4	5	1	71	Pienso en tu mirá	Rosalía	Vota
5	2	1	15	The Greatest	Lana del Rey	Vota
6	6	3	22	Milionària	Rosalía	Vota
7	7	1	23	God Control	Madonna	Vota
8	8	6	5	sad day	FKA twigs	Vota
9	14	2	12	Really don’t like u	Tove Lo, Kylie Minogue	Vota
10	10	3	17	Looking for America	Lana del Rey	Vota
11	33	11	4	Narcissus	Róisín Murphy	Vota
12	15	9	7	Harleys In Hawaii	Katy Perry	Vota
13	16	13	3	Everything I Wanted	Billie Eilish	Vota
14	18	1	28	Crave	Madonna, Swae Lee	Vota
15	30	15	9	Want You In My Room	Carly Rae Jepsen	Vota
16	11	1	18	Quedará en nuestra mente	Amaia	Vota
17	20	6	13	¿Qué?	La Bien Querida	Vota
18	–	18	1	Blinding Lights	The Weeknd	Vota
19	25	18	9	All Mirrors	Angel Olsen	Vota
20	22	15	6	Look at Her Now	Selena Gomez	Vota
21	28	15	8	Lights Up	Harry Styles	Vota
22	9	2	11	Quiero que vengas	Amaia	Vota
23	23	13	8	White Mercedes	Charli XCX	Vota
24	13	4	11	Cola de pez	Miss Caffeina, La Casa Azul, Javiera Mena	Vota
25	17	13	10	Me envenenas	La Bien Querida	Vota
26	39	26	2	Champion of the World	Coldplay	Vota
27	12	1	31	El relámpago	Amaia	Vota
28	40	28	6	So Hot You’re Hurting My Feelings	Caroline Polachek	Vota
29	34	29	5	Now I’m In It	Haim	Vota
30	19	19	6	Alocao	Omar Montes, Bad Gyal	Vota
31	24	11	6	Lose You to Love Me	Selena Gomez	Vota
32	37	32	5	In My Room	Frank Ocean	Vota
33	21	6	9	Un boomerang	Fangoria	Vota
34	31	31	2	Die A Little Bit	Tinashe, Ms Banks	Vota
35	38	33	4	You Ain’t the Problem	Michael Kiwanuka	Vota
36	27	27	3	So Heavy I Fell Through The Earth	Grimes	Vota
37	26	26	6	It Might Be Time	Tame Impala	Vota
38	–	38	1	Save Room for Us	Tinashe	Vota
39	36	24	7	La Canción	J Balvin, Bad Bunny	Vota
40	29	29	3	Preparada	El Columpio Asesino	Vota

Candidatos	Canción	Artista
–	You and I	Caribou	Vota
–	Migration of Souls	M. Ward	Vota
–	10%	Kaytranada	Vota
–	Good As Hell	Lizzo	Vota
–	Picaflor	Lao Ra, C. Tangana	Vota
–	Paracetamol	Calcutta	Vota
–	It’s All About You	Edwyn Collins	Vota
–	Gullible Fool	La Roux	Vota
–	Famous	IAMDDB	Vota
–	My Name Is Dark	Grimes	Vota
–	Algunos tenemos fe	Viva Suecia	Vota
–	Stay High	Brittany Howard	Vota
–	Mazo	Camellos	Vota
–	White Noise White Heat	Elbow	Vota
–	I’m the Man	Jehnny Beth	Vota
–	Repite	El Hijo	Vota
–	No pude	Lido Pimienta	Vota
–	Despertaré	Fuel Fandango	Vota
–	Riding Solo	Hinds	Vota
–	Everything Else Has Gone Wrong	Bombay Bicycle Club	Vota
–	Doorman	slowthai	Vota
–	In Person	Low Island	Vota

Cargando ...

Arlo Parks es una Lauryn Hill o una Tracy Chapman para la «generación supertriste»

Por

-

10 diciembre, 2019

5

Por más que el pollaviejismo no quiera verlo, los más jóvenes son la generación más preparada, abierta y despierta que haya conocido el mundo. Pero también son frágiles, extremadamente sensibles, una «generación supertriste». Esta definición no la acuño yo, sino una de sus integrantes, la «poeta/cantante» Arlo Parks. A sus escasos veinte años, esta londinense asegura que se pasó su adolescencia sintiéndose como «la chica negra que no sabe bailar una mierda, que escuchaba demasiada música emo y se enamoró de alguna chica en sus clases de español». Todo eso se filtra, de una manera u otra en sus canciones.

Canciones que comenzó a publicar a finales de 2018, cuando la musculosa y frágil a un tiempo ‘Cola’ –una historia de un desengaño amoroso con alguna referencia a My Chemical Romance– se convirtió en una pequeña revolución en el panorama alternativo británico. Era la antesala de, precisamente, ‘Super Sad Generation‘, el EP con el que debutaba a principios de este año. Un trabajo para el que, decía, su inspiración principal habían sido Portishead y Earl Sweatshirt.

Efectivamente por ahí iban los tiros. Pero, avanzado el año, nuevas canciones como ‘George’, ‘Second Guessing’ o ‘Angel’s Song’ –ahora reunidas en un nuevo EP, ‘Sophie‘– alternaban luminosidad y tristeza en un R&B electroacústico que no solo resultará perfecto para fans de Clairo. Sino que, además, hace pensar en ella por momentos como una Lauryn Hill o incluso una Tracy Chapman –y no solo por su corte de pelo, ojo– para esa «generación supertriste» de la que es parte. Sin duda es una de las artistas que podrían explotar en 2020 con un álbum debut que, esperamos, llegue antes de que nos visite el próximo verano, como poco dentro de la programación de Mad Cool 2020.

Todos los «Revelación o Timo»

SebastiAn / Thirst

Por

-

10 diciembre, 2019

6

Es curioso cómo, pese a su escasísima producción artística concreta, SebastiAn es uno de los músicos más respetados e influyentes de los últimos años. Surgido a mediados de la pasada década a instancias del gurú del french touch Pedro Winter (de Ed Banger Records, bajo cuya etiqueta sigue militando a día de hoy), apenas un EP y sobre todo algunos remixes (dice la leyenda que el que hizo para ‘Human After All’ de Daft Punk es, aun a día de hoy, el favorito del dúo en toda su carrera) bastaron para convertir a Sebastian Akchoté en adalid de la electrónica francesa más vanguardista e influyente.

Desde entonces y hasta hace unas semanas, en su haber se contaba –al margen de su skit en ‘Blond’ de Frank Ocean, casi tan célebre como sus remixes– su debut de estudio oficial ‘Total’ (2011), junto a trabajos de producción puntuales para Uffie, Kavinsky, Katerine, Fall Out Boy, Wolfram o lo último de Charlotte Gainsbourg, el soberbio ‘Rest’ y su apéndice ‘Take 2’. Todos ellos proyectos tan diversos como lo es el segundo disco en la carrera de SebastiAn, este ‘Thirst’ que se lanzaba semanas atrás tras muchos meses publicando distintos adelantos.

“Me encanta cuando no sabes dónde te ubicas exactamente”, dice Akchoté en esta interesante entrevista con Billboard, en referencia a la diversidad estilística de ‘Thirst’, un título que, explica, tiene muchos significados y ninguno en concreto –el nombre del disco fue “un sentimiento de lo que sucede ahora. La gente parece sedienta, no sé de qué”–. Lo cierto es que la cantidad y variedad de artistas invitados ya es parece una declaración de intenciones: el MC japonés Loota, el crooner neosoul Mayer Hawthorne, la audaz artista de R&B Syd, el heterogéneo artista británico Bakar, los simpares Sparks y su amiga Charlotte Gainsbourg entran y salen del disco con la naturalidad con la que SebastiAn maneja electro, pop vocal, hip hop, house y soul en su repertorio.

 Así, ‘Thirst’ se convierte en un carrusel de sonidos que están hilvanados por la particular paleta sonora de Akchoté, caracterizada por esos sonidos sintéticos, ácidos y grandilocuentes, que comparte con compañeros de sello y generación como Justice o Simian Mobile Disco. Un canon que, hábilmente mezclado con cuerdas reales, identificamos inmediatamente en cortes como el single ‘Beograd’ –inspirado en la capital serbia donde, pese a nacer en París, vivió muchos años con su familia materna– o en la elegante ‘Time to Talk’, junto al interesante Sunni Colón.

Aunque quizá lo más interesante de ‘Thirst’ es, precisamente, cómo lleva ese teórico canon estético a territorios inexplorados, ayudado por voces nuevas y teóricamente alejadas de su hábitat frecuente. Es el caso de la evocadora y abiertamente pop ‘Run for Me’, que cierra el disco con la versátil voz de Gallant transportándonos, la tan sinuosa como bailable ‘Sober’, el paso de un ambient delicado a un electro violento (tanto como su vídeo dirigido por Gaspar Noé) en el tema titular, la muy Beach Boys ‘Better Now’ o el imposible (tanto como su título, “Esposado al parquímetro”) número de disco abstracto que perpetra con el simpar dúo Sparks.

Curiosamente, son las voces femeninas las que parecen inspirarle a texturas más extremos. Si bien ‘Doorman’ posee una suave cadencia de neo-R&B, sus teclados chisporroteantes disputan protagonismo a la dulce voz de Syd. Y, yendo aún más lejos, ‘Pleasant’ es un asfixiante (quizá los jadeos de la Gainsbourg tengan que ver con esa impresión) número de metal hecho con sonidos sintéticos, mientras que ‘Sev’, que alude a un diminutivo cariñoso de la iraní Sevdaliza, es un número oscuro y tenso.

La portada de ‘Thirst’ pone a Akchoté a luchar consigo mismo –en contraste con la memorable portada de su debut, en la que se automorreaba–, quizá aludiendo a romper con sus propias barreras. Desde luego lo hace, sacrificando en parte la comercialidad –desde luego hay temas que lo son, pero no es la tónica– a cambio de obtener un trabajo compacto y variado, repleto de subidas y bajadas, no siempre igual de deslumbrante pero que, sin duda, posee un sello. Y es que, pese a su carácter algo errático, ‘Thirst’ explica en sí mismo porqué SebastiAn es uno de los artistas franceses más influyentes y respetados de la última década.

Calificación: 7,4/10
 Lo mejor: ‘Sober’, ‘Run for Me’, ‘Thirst’, ‘Beograd’, ‘Doorman’
Te gustará si te gustan: Justice, Simian Mobile Disco, Yuksek.
Escúchalo: Spotify

Ozuna explica a Motos que ‘Nibiru’ no es un «restaurante japonés»

Por

-

10 diciembre, 2019

5

A falta de algo mejor, El Hormiguero sigue siendo el único programa de la televisión española que recibe a algunas de las mayores superestrellas internacionales de la música, el cine y la televisión. La última de estas estrellas invitadas al plató de Pablo Motos ha sido el cantante de reggaetón Ozuna, que acaba de publicar su nuevo disco, ‘Nibiru‘.

Los primeros minutos de la entrevista están dedicados a los logros comerciales de Ozuna. El presentador asevera que el cantante portorriqueño tiene «13 canciones en el Billboard» (no hemos podido comprobar cuáles exactamente, pero seguro que ‘Otro trago’ y ‘China’ andan por sus listas latinas: al menos en el Hot 100 no aparecen) y «decenas de vídeos con mil millones de reproducciones»… aunque en Youtube contamos siete, dos de ellos «featurings» (otros les siguen de cerca). El cantante reacciona apuntando que desconocía varios de estos datos.

Cuando llega el momento de explicar el significado de ‘Nibiru’, Pablo Motos indica que el título «parece un restaurante japonés»… ¿Palmadita por microrracismo? El cantante ya había contado a Billboard que ‘Nibiru’ es un planeta inventado que ha utilizado como concepto para enmarcar toda la experiencia de su nuevo disco, desde la música hasta las giras.

En otros puntos de la entrevista, el intérprete de ‘Amor genuino’ habla sobre su mujer, con la que lleva 8 años casado después de pasar con ella una noche de diversión en la que solo gastó 40 dólares (el cantante es además padre de dos hijos), su pasión por los relojes caros (posee uno de más de un millón de dólares, dato que deja a Motos y al público helados) o sobre su infancia, que pasó entre Puerto Rico y Nueva York, y que le inspiró rápidamente a ganarse la vida y por tanto a madurar.

KAYTRANADA avanza con ‘10%’ junto a Kali Uchis el disco que publica este viernes

Por

-

9 diciembre, 2019

1

KAYTRANADA publicó en 2016 un aclamado debut llamado ‘99,9%‘ en el que daba rienda suelta a su vivaz, colorida y personal visión de la música disco, funk, R&B y otros estilos, con la ayuda de un estelar plantel de colaboradores que incluía a Craig David, Anderson .Paak, AlunaGeorge o Little Dragon. Gracias a singles como ‘GLOWED UP‘, una de las mejores canciones de aquel año, ‘YOU’RE THE ONE’ o ‘GOT IT GOOD’, el productor canadiense se recorría medio mundo tocando en festivales, conquistaba a la crítica y lograba cientos de millones de reproducciones en las plataformas de streaming, mientras se ganaba una reputación como productor para multitud de estrellas.

El sucesor de ‘99,9%’ lleva tiempo gestándose, pero KAYTRANADA no puede esperar a lanzarlo y ha anunciado que ‘BUBBA’ sale este mismo viernes. El primer adelanto también lleva un porcentaje en su título, ‘10%’, y es una colaboración con Kali Uchis, que también acaba de lanzar single. Se trata de nuevo de una exquisita producción disco al estilo de KAYTRANADA, que no debería decepcionar a sus seguidores.

El tracklist de ‘BUBBA’ también está plagado de colaboraciones, y reúne en un mismo disco a Pharrell Williams, Tinashe, la misma Kali, Iman Omari o Estelle, entre otros.

01 DO IT
02 2 the Music [ft. Iman Omari]
03 Go DJ [ft. SiR]
04 Gray Area [ft. Mick Jenkins]
05 Puff Lah
06 10% [ft. Kali Uchis]
07 Need It [ft. Masego]
08 Taste [ft. VanJess]
09 Oh No [ft. Estelle]
10 What You Need [ft. Charlotte Day Wilson]
11 Vex Oh [ft. GoldLink, Eight9Fly and ARI PenSmith]
12 Scared to Death
13 Freefall [ft. Durand Bernard]
14 Culture [ft. Teedra Moses]
15 The Worst in Me [ft. Tinashe]
16 September 21
17 Midsection [ft. Pharrell Williams]

Meister of the Week: Adriana Proenza habla de maquillaje como herramienta de seguridad en el escenario

Por

JNSP

-

9 diciembre, 2019

Tenía solo 14 años cuando empezó a dominar el GarageBand. Desde entonces -ahora tiene 19-, Adriana Proenza ha llevado sus influencias de pop, jazz y soul hacia el mundo de la electrónica, logrando cientos de miles de reproducciones con temas como ‘About This Place’, una especie de cruce entre Amy Winehouse y James Blake, y ‘Apocalipsis’ que, en spanglish al igual que otros de sus temas, explota en su aproximación a la pista de baile. Recientemente ha estrenado un single llamado ‘5 de enero’ también bajo la producción de René (La Bien Querida, Axolotes Mexicanos, Natalia Lacunza) y, aparte de aparecer invitada en temas de Miqui Brightside (estupenda ‘Burning Bridges’) o colaborar con Masked Man en el EP ‘Songs I Wrote With Corey’, la asturiana afincada en Madrid ha conquistado el mundo con su colaboración con el italiano Kina, uno de los artistas más escuchados a nivel global. ‘Can We Kiss Forever’ suma 50 millones de streamings y así, resulta que donde más escuchan a Adriana Proenza es… ¡en Indonesia! La artista es la nueva invitada de nuestra sección comisariada por Jägermusic «Meister of the Week«, en la que ha decidido hablarnos de maquillaje. Adriana Proenza actúa junto a Yana Zafiro el 24 de enero en Madrid.

¿Por qué has escogido hablar de maquillaje en esta sección?
El maquillaje es la segunda cosa de lo que más sé después de la música. Pasé muchos años viendo vídeos de Jeffree Star, Nikkie Tutorials, James Charles: de ahí en parte mi fluidez con el inglés. Y coleccionado productos, a día de hoy tengo una gran colección de bebés.

Vive la Fête cantaban en su tema ‘Maquillage’ que «el maquillaje es una forma de camuflaje». ¿Lo es también para ti?
Bueno… el camuflaje es para pasar desapercibido. En este caso, al menos para mí, es todo lo contrario. Diría que es un disfraz, mejor dicho. Yo utilizo el maquillaje para verme guapa y que me vean guapa los demás, las cosas como son, para embellecerme y llamar la atención, así que si quisiera camuflarme me taparía la cabeza con una bolsa.

¿Se te ocurren otros himnos al maquillaje que te gusten dentro de la música o la cultura pop? No sabemos qué opinión te merece el de Mecano…
Antes de acabar con la pregunta la primera que me vino, cómo no, fue la de Mecano, y qué voy a pensar de ella… a las joyas culturales como esta hay que tenerlas cariño. También está la de ‘Make Up’ de Ariana Grande, que es de uno de mis discos favoritos y la verdad que me encanta.

«El propósito siempre era el mismo: interpretar, revestirse, tener unos minutos en los que puedes hacer cualquier cosa que tu tú real, no haría»

¿Crees que el maquillaje ha podido definir la carrera artística de algunos músicos?
Sí, y mucho. Empezando por cualquier cantante de ópera que utiliza maquillaje para parecer más lujoso, pasando por Michael Jackson, que se maquillaba la cara para parecer blanco antes de hacerse todas las operaciones. También un clasicazo como es Marilyn Manson que, sin su maquillaje, no creo que pueda ni interpretar. Desde luego, es una herramienta para tener muchísima más seguridad en el escenario.

Hay casos masculinos que son muy evidentes, de David Bowie a KISS. ¿Crees que en ese sentido estos artistas derribaron barreras?
Desde que existe Sófocles la interpretación no ha parado de desarrollarse. Se empezó con máscaras, y luego vino el maquillaje, pero al final, el propósito siempre era el mismo: interpretar, revestirse, tener unos minutos en los que puedes hacer cualquier cosa que tu tú real, no haría. Creo que ha habido referentes como estos que nombráis que han hecho que esta manera de expresarse evolucione y se desarrolle de manera creativa, pero la necesidad del artista por interpretar siempre ha estado. Creo que las barreras intentan con todas sus fuerzas mantenerse rígidas pero no lo consiguen porque siempre hay alguien que las derriba, y eso es el desarrollo creativo para mí.

«Marilyn Manson, sin su maquillaje, no creo que pueda ni interpretar»

¿Cuáles han sido tus referentes, aunque sea a nivel musical o extramusical?
Me parece muy importante explayarme en esta pregunta por orden cronológico para mí: Kurt Cobain, Amy Winehouse, Caravaggio, Edgar Allan Poe, Ella Fitzgerald, Matisse, Tim Burton, The Beatles, Tame Impala, Mac Demarco, Kanye West y Tyler the Creator. A día de hoy los dos últimos.

Si pudieras usar solo 3 productos de makeup el resto de tu vida, ¿cuáles elegirías?
Pues está difícil pero os diría que delineador nude, eyeliner y highliter (risas).

¿Eres de las que tienen decenas y decenas de pintalabios «nude»?
(risas) Sí, jojojojo, soy muy fan.

¿Hay algo relacionado con el maquillaje que consideres un NO absoluto? Por poner un ejemplo, sombras metalizadas en el pliegue de un ojo.
Considero un no absoluto el pintarse la línea de agua del ojo de negro hasta el lagrimal y que después de 8 horas tengas legañas negras, me parece desagradable. Considero un no absoluto utilizar tonos de base que no se corresponden al tuyo y encima no ponértelo en el cuello. considero un no absoluto aplicar un brillo en la cuenca del ojo… Como veréis, no son pocos.

«El Kylie Jenner Lip Challenge lo he hecho y ha sido catastrófico»

¿Recuerdas cuál fue el primer producto de maquillaje que compraste con tu dinero?
¡Me acuerdo! Fue en un viaje de estudios, me compré una barra de Mac en el tono Tropic Tonic, empecé fuerte. Los labiales de Mac nunca pasarán de moda.

¿Cuál es el makeup trend viral más ridículo que has probado?
El Kylie Jenner Lip Challenge lo he hecho y ha sido catastrófico (risas) También he hecho lo de ponerme highliters de colorines por toda la cara y luego parecía un unicornio, terrible.

¿Drugstore makeup o high-end make up?
¡¡¡¡High end!!!! Prefiero comprarme una cosa high end que 4 drugstore, porque sé que es mejor para mi piel y que, por lo general, se verá también mejor.

Lizzo estrena segundo vídeo para el otro gran «sorpasso» de su carrera, ‘Good as Hell’

Por

-

9 diciembre, 2019

13

‘Truth Hurts‘ no es la única canción de Lizzo que ha triunfado años después de su edición. ‘Good as Hell’, publicada de hecho un año antes, en 2016, dentro del EP ‘Coconut Oil’, también se ha convertido en uno de los mayores éxitos de su carrera en 2019, y ahora misma lleva 224 millones de streamings en Spotify… sin contar los 67 millones que ha logrado su remezcla con Ariana Grande.

Está claro que Lizzo es una de las artistas pop de moda y su éxito actual ha hecho efecto dominó en varios de sus singles previos. Así, ‘Water Me’, de 2017, y ‘Boys’, de 2018, han terminado siendo añadidas en el tramo final de la edición «deluxe» de ‘Cuz I Love You‘, el último álbum de la cantante. No ha sido el caso de ‘Good as Hell’ por algún motivo, pero tras el mencionado «remix», el tema, que podría ser top 1 en el Billboard Hot 100, pues actualmente saluda desde el top 3, recibe ahora un segundo videoclip distinto al estrenado hace tres años, más acorde a su éxito actual.

Ambientado en el tradicional «homecoming» estadounidense, el vídeo de ‘Good as Hell’ muestra a Lizzo como líder de la banda del instituto, en algunas escenas flauta en mano, mientras otras estudiantes se entregan también a su pasión por la música. ¿Dará ‘Good as Hell’ a Lizzo su segundo número 1 en USA gracias a este vídeo? No parece tener mucho «replay value» de primeras, pero quizá más interesante sea preguntarse con qué otra canción le sonará a Lizzo la «flauta»: ¿con la nominada al Grammy ‘Exactly How I Feel’? ¿Con esa ‘Jerome’ que acaba de presentar en los AMA? ¿O más bien con la pegadiza ‘Like a Girl’? Desde luego, parece que tendremos Lizzo para rato…

‘cellophane’ de FKA twigs, canción del año para Pitchfork

Por

-

9 diciembre, 2019

15

Después de hacer un repaso a la mejor música de la década, Pitchfork vuelve a 2019 y publica sus listas de lo mejor del año. La de canciones es por supuesto la primera en salir y está liderada por ‘cellophane’ de FKA twigs. Curiosamente, ‘MAGDALENE‘, el segundo álbum de la cantante británica, recibía una puntuación de 9,4 sobre 10 por parte del medio de Chicago el pasado mes de octubre, una de los mayores del año, pero el disco no salía a tiempo de ser incluido en su lista de los mejores de la década.

‘The greatest’ de Lana Del Rey es la segunda mejor canción de 2019 para Pitchfork en esta lista que empieza, ojo, con ‘If I Can’t Have You’ de Shawn Mendes, seguida por ‘Bags’ de Clairo, ‘Gone’ de Charli XCX y Christine and the Queens y ‘Caro’ de Bad Bunny. El resto del top 10 lo completan ‘Seventeen’ de Sharon van Etten, ‘Dawn Chorus’ de Thom Yorke, ‘Con altura’ de Rosalía, J Balvin y El Guincho, ‘Not’ de Big Thief y ‘bad guy’ de Billie Eilish. Precisamente Big Thif repiten en el número 32 con ‘Cattails’ y no los únicos que hacen doblete: Angel Olsen aparece con ‘All Mirrors’ en el número 24 y con ‘Lark’ en el 13, FKA twigs vuelve a aparecer en el 67 con ‘sad day’ y Lana en el 22 con ‘hope is a dangerous thing for a woman like me to have – but i have it’ .

Entre las curiosidades de este repaso que cabe mencionar que quizá no tantos medios se están acordando de ‘Incapable’, el temazo disco que Róisín Murphy ha editado este año, y este aparece merecidamente en el top 92. Por su parte, Pitchfork apuesta como siempre por el hip-hop abriendo su top 20 con ‘Suge (Yea Yea)’ de DaBaby (una de las revelaciones del año en este estilo), sin olvidarse del ‘Old Town Road’ de Lil Nas X y Billy Ray Cyrus situado en el top 18, y también reivindica ‘Only Human’, el single de Four Tet que samplea a Nelly Furtado (37), ‘What Happens to People?’ de Deerhunter (37), ‘NASA’ de Ariana Grande frente a los singles (45), ‘Freelance’ de Toro y Moi (62), ‘Airplane’ de Jessica Pratt (62) o ‘bmbmbm’ de black midi (80).

Anna Calvi cancela su concierto en Madrid de este jueves

Por

-

9 diciembre, 2019

Anna Calvi ha anunciado la cancelación del concierto que iba a realizar este jueves 12 de diciembre en la sala Independance de Madrid. Representantes de la artista han comunicado que esta decisión se ha producido “por causas fuera del control de Anna, que le impiden actuar este jueves en Madrid”. En un comunicado, la promotora Houston Party lamenta «profundamente las molestias que esta circunstancia pueda causar a los seguidores de Anna Calvi» e informan de que «el importe de las entradas ya adquiridas para esta actuación será reembolsado a los poseedores de las mismas en los puntos de venta donde las compraron».

El disco que Calvi presentaba en Madrid es por supuesto ‘Hunter‘, que este año ha sido nominado al prestigioso Mercury Pize (ganado por el rapero Dave). El tercer trabajo de la rockera británica se editaba a mediados de 2018 con intención de cuestionar en muchas de sus canciones los roles de género. Algunos de sus temas destacados eran ‘Hunter’, ‘Eden’, ‘Wish’ o ‘Don’t Beat the Girl Out of My Boy’.

Calvi se daba a conocer en 2011 con su debut homónimo y en 2014 lanzaría su segundo largo, ‘One Breath‘. Con un sonido que en ocasiones ha podido recordar al trabajo de PJ Harvey o Nick Cave, la artista se ha hecho un nombre con temas como ‘Strange Weather’, ‘Suzanne & I’ o ‘Eliza’, y más tarde con varios de los singles procedentes de su tercer disco, en especial ‘Don’t Beat the Girl Out of My Boy’, que presentaba en la gala del Mercury.

Taylor Swift, Beyoncé, Almodóvar, J Lo, Eddie Murphy… entre los nominados a los Globos de Oro

Por

-

9 diciembre, 2019

17

Las nominaciones de la 77ª edición de los Globos de Oro han sido reveladas este mediodía (mañana en Estados Unidos). ‘El irlandés‘, ‘Historia de un matrimonio‘, ‘1917’, ‘Joker‘ y ‘Los dos Papas’ aspiran al premio a Mejor película dramática, mientras ‘Érase una vez en… Hollywood‘, ‘Jojo Rabbit’, ‘Knives Out’, ‘Rockeman‘ y ‘Dolemite‘ compiten por Mejor película musical o de comedia. Los premios se celebran el próximo 5 de enero. ‘Historia de un matrimonio’ lidera las nominaciones (6), seguida por ‘El irlandés’ y ‘Érase una vez en… Hollywood’, con 5 cada una.

En cuanto a la categoría de cintas extranjeras, Pedro Almodóvar obtiene una nominación por ‘Dolor y gloria‘, que además da a Antonio Banderas una nominación a Mejor actor dramático. La última película del director manchego competirá contra ‘The Farewell’ de Lulu Wang, ‘Retrato de una mujer en llamas‘ de Céline Sciamma, ‘Parásitos‘ de Bong Joon-ho y ‘Les Misérables’ de Ladj Ly.

En el apartado musical, Taylor Swift recibe su primera nominación al Globo de Oro por ‘Beautiful Ghosts’, su canción para ‘Cats’ co-escrita junto a Andrew Lloyd Webber, mientras Beyoncé también está nominada por ‘Spirit’, su contribución al «remake» ‘El rey león’. El resto de canciones nominadas son ‘(I’m Gonna) Love Me Again’ de Elton John y Bernie Taupin, para ‘Rocketman’; ‘Into the Unknown’ de Robert Lopez & Kristen Anderson-Lopez, para ‘Frozen II’, y ‘Stand Up’ de Joshuah Brian Campbell y Cynthia Erivo, para ‘Harriet’.

En cuanto a la pequeña pantalla, las series dramáticas nominadas son ‘Big Little Lies’, ‘The Crown’, ‘Killing Eve’, ‘The Morning Show’ y ‘Succession’, mientras ‘Barry’, ‘Fleabag‘, ‘The Kominsky Method’, ‘La maravillosa señora Maisel‘ y ‘The Politician‘ aspiran al Globo a Mejor serie musical o de comedia. Algunos de los actores y actrices reconocidos en estas nominaciones por sus respectivos trabajos en las películas o series nominadas son Lenoardo DiCaprio, Jennifer Lopez, Billy Porter, Ana de Armas, Joaquin Phoenix, Phoebe Waller-Bridge, Eddie Murphy, Kirsten Dunst, Tobias Menzies o Olivia Colman.

Best Motion Picture – Drama
1917
The Irishman
Joker
Marriage Story
The Two Popes

Best Motion Picture – Musical or Comedy
Dolemite Is My Name
Jojo Rabbit
Knives Out
Once Upon a Time in Hollywood
Rocketman

Best Motion Picture – Foreign Language
The Farewell
Les Miserables
Pain and Glory
Parasite
Portrait of a Lady on Fire

Best Performance by an Actor in a Limited Series or Motion Picture Made for Television
Russell Crowe, The Loudest Voice
Jared Harris, Chernobyl
Sam Rockwell, Fosse/Verdon
Christopher Abbott, Catch 22
Sacha Baron Cohen, The Spy

Best Performance by an Actress in a Limited Series or Motion Picture Made for Television
Joey King, The Act
Katilyn Dever, Unbelievable
Helen Mirren, Catherine the Great
Michelle Williams, Fosse/Verdon
Merritt Wever, Unbelievable

Best Television Limited Series or Motion Picture Made for Television
Catch 22
Chernobyl
Fosse/Verdon
The Loudest Voice
Unbelievable

Best Performance by an Actor in a Supporting Role in a Series, Limited Series or Motion Picture Made for Television
Alan Arkin, The Kominsky Method
Kieran Culkin, Succession
Tobias Menzies, The Crown
Stellan Skarsgård, Chernobyl
Henry Winkler, Barry

Best Television Series – Musical or Comedy
Barry
Fleabag
The Kominsky Method
The Marvelous Mrs. Maisel
The Politician

Best Original Score – Motion Picture
Alexandre Desplat, Little Women
Hildur Guðnadóttir, Joker
Randy Newman, Marriage Story
Thomas Newman, 1917
Daniel Pemberton, Motherless Brooklyn

Best Original Song – Motion Picture
«Beautiful Ghosts» (Cats) — Taylor Swift & Andrew Lloyd Webber
«I’m Gonna Love Me Again» (Rocketman) — Elton John & Bernie Taupin
«Into the Unknown» (Frozen 2) — Robert Lopez & Kristen Anderson-Lopez
«Spirit» (The Lion King) — Beyoncé Knowles-Carter, Timothy McKenzie & Ilya Salmanzadeh
«Stand Up» (Harriet) — Joshuah Brian Campbell & Cynthia Erivo

Best Performance by an Actor in a Television Series – Musical or Comedy
Michael Douglas, The Kominsky Method
Bill Hader, Barry
Ben Platt, The Politician
Paul Rudd, Living With Yourself
Rami Youssef, Ramy

Best Performance by an Actress in a Television Series – Musical or Comedy
Christina Applegate, Dead to Me
Rachel Brosnahan, The Marvelous Mrs. Maisel
Kirsten Dunst, On Becoming a God in Central Florida
Natasha Lyonne, Russian Doll
Phoebe Waller-Bridge, Fleabag

Best Performance by an Actor In A Television Series – Drama
Brian Cox, Succession
Kit Harington, Game of Thrones
Tobias Menzies, The Crown
Billy Porter, Pose
Rami Malek, Mr. Robot

Best Screenplay – Motion Picture
Noah Baumbach, Marriage Story
Bong Joon Ho & Jin Won Han, Parasite
Anthony McCarten, The Two Popes
Quentin Tarantino, Once Upon a Time in Hollywood
Steven Zaillian, The Irishman

Best Performance by an Actress In A Television Series – Drama
Jennifer Aniston, The Morning Show
Olivia Colman, The Crown
Jodie Comer, Killing Eve
Nicole Kidman, Big Little Lies
Reese Witherspoon, The Morning Show

Best Performance by an Actor in a Supporting Role in any Motion Picture
Tom Hanks, A Beautiful Day in the Neighborhood
Anthony Hopkins, The Two Popes
Al Pacino, The Irishman
Joe Pesci, The Irishman
Brad Pitt, Once Upon a Time in Hollywood

Best Performance by an Actor in a Motion Picture – Musical or Comedy
Daniel Craig, Knives Out
Leonardo DiCaprio, Once Upon a Time in Hollywood
Taron Egerton, Rocketman
Roman Griffin Davis, Jojo Rabbit
Eddie Murphy, Dolemite Is My Name

Best Motion Picture – Animated
Frozen 2
How to Train Your Dragon: The Hidden World
Missing Link
Toy Story 4
Lion King

Best Director – Motion Picture
Bong Joon Ho, Parasite
Sam Mendes, 1917
Todd Phillips, Joker
Martin Scorsese, The Irishman
Quentin Tarantino, Once Upon a Time in Hollywood

Best Performance by an Actor in a Motion Picture – Drama
Christian Bale, Ford v Ferrari
Antonio Banderas, Pain and Glory
Adam Driver, Marriage Story
Joaquin Phoenix, Joker
Jonathan Pryce, The Two Popes

Best Performance by an Actress in a Motion Picture – Musical or Comedy
Ana de Armas, Knives Out
Cate Blanchett, Where’d You Go Bernadette?
Beanie Feldstein, Booksmart
Emma Thompson, Late Night
Awkwafina, The Farewell

Best Television Series – Drama
Big Little Lies
The Crown
Killing Eve
The Morning Show
Succession

Best Performance by an Actress in a Motion Picture – Drama
Cynthia Erivo (Harriet)
Scarlett Johansson (Marriage Story)
Saoirse Ronan (Little Women)
Charlize Theron (Bombshell)
Renee Zellweger (Judy)

Sabela / Despedida

Por

-

9 diciembre, 2019

2

A medida que han ido debutando con discos sus participantes más conocidos, la edición 2018 de Operación Triunfo parece ir confirmándose como la de las promesas incumplidas. Si bien Miki Núñez cumplía en ‘Amuza‘ con las (bajas) expectativas hacia su pop populachero, Natalia Lacunza, que logró despertar nuestra atención con aquella balada con Guitarricadelafuente y hasta hacernos pasar por alto el fusilamiento a Billie Eilish en la divertida ‘Tarántula’, no pasaba de ofrecer algunas buenas sensaciones en ‘Otras alas‘.

Algo parecido ocurría con Alba Reche en ‘Quimera‘, potable pero ni mucho menos lo que esperábamos tras ‘Medusa’, y con Julia Medina, que sorprendía incluyendo un dueto con Carmen Boza en su debut… por lo demás repleto de guiños al libro de estilo de Pablo Alborán o Vanesa Martín. La amiga de Hinds, María Escarmiento, mostró con su fallido primer single el mismo desinterés que en el concurso; Damien aún debe confirmar si será un «Lolo Indigo» para su generación; Famous, ya tal… ¿Quién queda? Ah, sí: Sabela.

La joven coruñesa nos dejó relativamente boquiabiertos (al fin y al cabo, el sonido del debut de The xx ha sido de los más imitados en esta década) con la ambientación sinuosa y la instrumentación poderosa, a lo Daughter, de ‘Despedida‘. El tema que da nombre a su primer disco –que en realidad es un EP de apenas 20 minutos– no es un dechado de originalidad, pero al menos sí muestra algo distinto al promedio triunfito, apoyada en este caso en la producción del portugués Diogo Piçarra. La presencia orientando a Sabela Ramil en el sonido de sus canciones, hacía albergar algo de esperanza hacia este trabajo. Falsa alarma.

‘Despedida’ no es un desastre infumable a la altura del debut del compañero que nos representó en Eurovisión con ‘La venda’. Incluso hay algún número interesante que, aunque no sigue la línea marcada por el tema que lo abre, al menos sí ofrece una personalidad propia: el encuentro entre folclore galego y electrónica de ‘Nai’ parece una veta en la que indagar, mientras que el electrosoul con arreglos de cuerda de ‘Sin tu amor’ saca buen partido a la bonita (aunque algo random) voz de Ramil. Lamentablemente, el resto del disco discurre por la tan bucólica como soporífera épica de ‘Mi reina’ –la melodía, un tanto vetustamorlesca, no está mal– y ‘Nazco yo’, junto a baladas folkies al estilo Ed Sheeran como ‘Dame una señal’ y ‘El paso‘. Se nota que la última está co-escrita por Xoel López, pero su enfoque instrumental es demasiado convencional… en línea con sus letras.

De nuevo, ‘Despedida’ es más timorato y blandurrio de lo que prometía su primer avance. El hecho de que Sabela no se flipe de más y vea este trabajo como la culminación de una etapa que da por cerrada, en cambio, invita a pensar que quizá en el futuro, liberada de la vigilancia de la multinacional que auspicia el talent-show, pueda ser más osada y personal. Si es así, prometemos contarlo. El problema es si para entonces quedará alguien escuchando.

Calificación: 5/10
 Lo mejor: ‘Despedida’, ‘Nai’, ‘Sin tu amor’
Te gustará si te gustan: Natalia Lacunza, Alba Reche, el Ed Sheeran más folkie.
Escúchalo: Spotify

Jehnny Beth se muestra lista para una carrera al margen de Savages con ‘I’m The Man’

Por

-

9 diciembre, 2019

2

Cualquiera que haya presenciado un concierto de las aguerridas Savages tendrá muy claro que su front-woman, Jehnny Beth, es todo un animal escénico. De esos que irradian algo especial y que encienden masas. Pero, ¿podría ser ella algo más sin el respaldo de sus compañeras de banda en discos como ‘Adore Life‘ y ‘Silence Yourself‘?

Sin noticias del grupo desde 2016, la presencia de Jehnny –de nombre real Camille Berthomier– en el mundo del pop no solo no ha menguado sino que se ha ido asentando. Tras aparecer en ‘Fixion‘ de Trentemøller y ‘Humanz‘ de Gorillaz como invitada estelar y publicar un curioso single con Julian Casablancas, Beth ha acrecentado su figura en solitario participando en un tema de la BSO de Johnny Hostile para ‘XY Chelsea’ –documental dedicado a la figura de Chelsea Manning– y lanzando su primer single en solitario. Y, a tenor de ambos, parece evidente que está lista para iniciar una carrera en solitario, pase lo que pase con Savages. Más aun cuando ya ha anunciado dos fechas en solitario en dos festivales europeos para 2020.

Contenida en el reciente álbum de canciones para la serie ‘Peaky Blinders’, el tema en sí se titula ‘I’m The Man’ y supone un auténtico bofetón estético que pone sobre la mesa sus referentes: el Nick Cave más salvaje –hace poco Beth versionaba ‘Red Right Hand’ junto a Anna Calvi, precisamente en el minifestival que celebraba ese disco para la serie británica y que en el disco es interpretada por…–, la PJ Harvey más azorada –Beth es de las pocas personas en el mundo capaces de arrancarle lo más parecido a una entrevista que Polly Jean está dispuesta a ofrecer hoy en día– y hasta Nine Inch Nails emergen de algún modo en esta canción.

Lo de NIN no es casual: Atticus Ross figura como co-autor de esta canción furiosa y palpitante, con percusiones tan brutales como sus pausas, distorsiones desbocadas y trazos de electrónica, puestos al servicio de una Jehnny magnética cuando lanza al principio de cada verso esos «soy el hombre». Tras un inesperado y fascinante puente al piano, en el que la «acción» se detiene, aun queda energía para un arrebato final.

La canción se ha visto potenciada hace unos días con un vídeo oficial totalmente imperdible: dirigido por Anthony Byrne, guionista y director de la propia ‘Peaky Blinders’, y con un poema recitado por su protagonista Cillian Murphy como introducción, el clip nos lleva a una noche en una ciudad británica en la que una Beth, con su androginia habitual, provoca con su actitud impetuosa y agresiva a hombres y mujeres. Una provocación que funde lo lírico («no hay puta en la ciudad que no sepa lo dura que puede ser mi polla», canta) y hace que lo visual salte de la pantalla a nuestras mentes, incomodándonos. Y, siguiendo con el reto, no está claro si sucede por su actitud asquerosa en sí (que en el puente se torna fragilidad) o por ver a una mujer haciendo «gala» de ella.

Lo Mejor del Mes:

La Sala Caracol de Madrid se disculpa tras acoger un concierto de grupos de ideología nazi

Por

-

9 diciembre, 2019

12

Este fin de semana las redes sociales y la prensa generalista han dado cuenta de una sonada polémica a cuenta de la Sala Caracol de Madrid, veterana sala de conciertos de la capital. En la tarde del pasado sábado, 7 de diciembre, diversos colectivos antifascistas daban la voz de alarma al observar en las inmediaciones de la sala (muy próxima al barrio de Lavapiés, que acoge numerosos comercios y vecinos de origen migrante) grupos de personas exhibiendo símbolos de ideología nazi y ultraderecha. Al parecer, se congregaron en la Sala Caracol para ver el concierto de dos grupos rock, Iberian Wolves y Brigada Totenkopf.

Como muestran algunos vídeos subidos a Twitter, los grupos y público no solo exhibieron esos mismos símbolos sobre el escenario sino que escenificaron consignas nazis. Como consecuencia, el promotor Guacamayo Tropical decidió cancelar la fiesta «Balkan VS Cumbia» que estaba programada después, «para resguardar la integridad de nuestro público y ser consecuentes con nuestras opiniones, orígenes y formas de pensar». Numerosas personas en redes sociales llamaron al boicot de la sala por haber aceptado celebrar ese concierto, recordando que en el año 2004 la sala canceló un concierto de Berri Txarrak por supuestos mensajes de apoyo a los presos de ETA en sus letras.

Horas después, la Sala Caracol ha salido al paso de la polémica pidiendo disculpas por la celebración del concierto. Según ellos, fueron engañados por los grupos escondiéndoles cualquier signo que pudiera indicar cuál era su ideología. Solo supieron de ello cuando, «minutos previos a la apertura», se personaron agentes de la Policía Nacional preguntando por el evento, confirmando los agentes que se trataba de grupos de extrema derecha, explica el comunicado. Según el mismo, la Policía recomendó seguir adelante con el concierto porque «ellos mismos no se consideran aptos para ofrecer la protección y seguridad para que pudiéramos cancelar el evento». «Visto el margen de reacción y el apoyo nulo para cancelar (…), nos vimos obligados a realizar el concierto», prosiguen antes de aclarar que en sus 27 años de historia la sala ha «rechazado cualquier tipo de ideología racista, xenófoba y en contra de los derechos humanos». Posteriormente, Caracol ha emitido un segundo comunicado insistiendo en que no tenía constancia de la «naturaleza fascista» del evento: «es de mentes retorcidas creer que una sala con 27 años de experiencia y 6.00 eventos realizados tenga la necesidad de apoyar la cultura del odio», escribe, antes de pedir al público que deje de hacer «conjeturas» y de «criminalizar». La sala hace público que la recaudación del evento irá a la Fundación Pequeño Deseo y que Guacamayo Tropical recibirá una indemnización. A pesar de sus disculpas, numerosos mensajes en tuit desconfían de estas explicaciones y aseguran que no volverán a la sala.

La Sala Caracol de Madrid se ha erigido en uno de los epicentros de la cultura en la capital, acogiendo innumerables conciertos de artistas nacionales e internacionales e incluso siendo sede de festivales como Primavera Club. En el año 2013 fue clausurada por el Ayuntamiento de Madrid, al entender este que carecía de las licencias oportunas para celebrar conciertos. Tras reabrir semanas después de manera preventiva, gracias en parte al apoyo popular que la sala pidió, un año después la sala logró subsanar todas las deficiencias y obtuvo su licencia definitiva.

pic.twitter.com/QJk6NZ2U6N

— Sala Caracol (@salacaracol) December 9, 2019

ATENTXS A NUESTRO COMUNICADO OFICIAL. La fiesta de hoy en @salacaracol está CANCELADA. pic.twitter.com/QwfCOauKtI

— Guacamayo Tropical (@GuacamayoTropic) December 7, 2019

COMUNICADO OFICIAL sobre los hechos acaecidos este sábado 7 de diciembre pic.twitter.com/V7ylbS7Tzn

— Sala Caracol (@salacaracol) December 8, 2019

https://t.co/B8jIJKCUem

— Gatobique (@ConLdeLlorente) December 8, 2019

Para cancelar este os faltó tiempo @salacaracol pic.twitter.com/PjgBT5hZU8

— Luish☻ck (@luishock) December 8, 2019

Nos parece poco verosímil.

— Sección Sector Musical CNT Madrid (@unionmusicasCNT) December 8, 2019

Guía de lectura: los libros que lee Antonio Banderas en ‘Dolor y gloria’

Por

Joric

-

9 diciembre, 2019

3

“Vivo rodeado de libros”, así comienza Pedro Almodóvar el apartado que dedica a la literatura en ‘Dolor y gloria’, el libro que acaba de publicar Reservoir Books que incluye el guión de la película, fragmentos del storyboard y comentarios del director. Almodóvar escribe sobre sus autores de cabecera, las novelas recientes que más le han impresionado, y la manera que tiene de utilizar la literatura como fuente de inspiración para sus guiones. “A veces la lectura me da la clave para alguna secuencia […], me transporta a un lugar donde florecen las ideas”. También habla de alguno de los libros que aparecen en ‘Dolor y gloria’. El personaje de Salvador Mallo, como Almodóvar, vive rodeado de ellos. La mayoría forman parte del atrezo, pero hay algunos que el director ha querido destacar especialmente, ya sea como recurso dramático o como simple homenaje. Su recopilación, por orden de aparición, nos permite elaborar una especie de “guía de lectura según Almodóvar”.

Nada crece a la luz de la luna (Torborg Nedreaas)

Almodóvar habla sobre cómo le fascinan las novelas de escritoras “malditas y torrenciales”. Una de esas autoras que “escriben arrolladas por la pasión” es la noruega Torborg Nedreaas. ‘Nada crece a la luz de la luna’ (Errata Naturae), publicada por primera vez en 1947 (la autora falleció en 1987), narra la historia de un amor obsesivo y, por tanto, destructivo. El tipo de amor que ha reflejado muchas veces Almodóvar en sus películas. Pero la novela también es un desgarrador relato sobre la soledad, sobre el miedo a la soledad, lo que le permite al director utilizarlo para reflejar ese sentimiento en Salvador Mallo. El personaje aparece leyendo la novela en la cama. Por medio de su voz en off escuchamos un fragmento del libro, muy significativo, que luego subrayará: “Estábamos todo lo cerca que dos personas pueden estar, pero cada uno en su mundo”.

The Master. Retrato del novelista adulto (Colm Tóibín)

En esa misma secuencia donde Antonio Banderas lee a Nedreaas, Almodóvar destaca otro libro, que está colocado en la mesilla de noche. Se trata de ‘The Master. Retrato del novelista adulto’, en la edición de 2006 de Edhasa (la última es de Lumen, de 2018). El libro del irlandés Colm Tóibín (‘Brooklyn’, ‘El testamento de María’) es una mezcla de biografía y ficción histórica sobre el neoyorquino Henry James, uno de los autores preferidos de Almodóvar. Como explica el cineasta en ‘Dolor y gloria’, casi todas las páginas de sus obras maestras –‘Washington Square’, ‘Retrato de una dama’, ‘Otra vuelta de tuerca’- las tiene subrayadas. Para los más completistas, durante la panorámica que termina con Banderas leyendo, aparece también en la mesilla de pasada ‘El último de la estirpe’ (Tusquets), la colección de cuentos de la suiza Fleur Jaeggy (‘Los hermosos años del castigo’, ‘Proleterka’), también conocida por su colaboración con Franco Battiato bajo el pseudónimo de Carlotta Wieck.

Ana No / El cordero carnívoro (Agustín Gómez Arcos)

El único escritor que repite presencia en la película es español, aunque no sea muy conocido en España. La razón de este desconocimiento es que Agustín Gómez Arco decidió emigrar a Francia en junio de 1968, al calor de los movimientos estudiantiles y cansado de batallar contra la censura franquista. Durante su exilio voluntario comenzó a escribir en francés, convirtiéndose en uno de los novelistas más reputados de las letras francesas de los ochenta. Silenciado por la dictadura y olvidado durante la democracia, su obra había quedado prácticamente inédita en España. En 2006, la editorial Cabaret Voltaire decidió rescatar gran parte de sus novelas (ya ha publicado ocho). Almodóvar, quien estuvo conviviendo con el escritor en la misma casa durante un tiempo, decidió sacar sus obras en la película a modo de, como él mismo dice, “pequeño homenaje”. ‘Ana No’ aparece en el atril del escritorio de Salvador, y ‘El cordero carnívoro’ lo está leyendo éste cuando recibe la llamada de Alberto Crespo (Asier Etxeandía) contándole que Federico (Leonardo Sbaraglia) ha ido a verle a la función de teatro.

Llamadas telefónicas (Roberto Bolaño)

No podía faltar Bolaño. Almodóvar es un apasionado del formato cuento y un ferviente admirador del autor de ‘Los detectives salvajes’ y ‘2666’. “Me gusta todo”, dice en ‘Dolor y gloria’. ‘Llamadas telefónicas’ (Alfaguara) fue la primera colección de cuentos que publicó el escritor chileno. De entre los catorce que componen el volumen destaca ‘Sensini’, sin duda uno de los cuentos más célebres de Bolaño, su gran relato metaliterario. El libro aparece en la película durante la noche de insomnio de Salvador, tras la discusión con Alberto. Es el libro que está leyendo cuando mira el reloj y comprueba que son ya las cuatro de la mañana. Además, aunque no aparece destacado en la película, el director ha expresado su deuda creativa con ‘Manual para mujeres de la limpieza’, la colección de relatos de Lucia Berlin. Lo tiene lleno de acotaciones a lápiz, ha explicado el cineasta, y le “tienta hacer algo con ellos”. ¿Una pista sobre su próxima película?

Cómo acabar con la contracultura (Jordi Costa)

El fabuloso ensayo de Jordi Costa no solo aparece en la película, sino que protagoniza una escena. Es el momento en el que Salvador y su asistente Mercedes (Nora Navas) están tomando un té en la cocina. Ella saca el libro del bolso y se lo da. El director, que está deseando meterse un poco de heroína, lee el título y responde con un desganado “yo qué sé”, muy elocuente sobre su estado de ánimo. ‘Cómo acabar con la contracultura’ es, como reza el subtítulo, “una historia subterránea de España”. La crónica de los movimientos contraculturales que surgieron en lugares tan insospechados como las bases aéreas americanas de Rota y Morón de la Frontera, y que luego se expandieron a otros territorios como Barcelona, Ibiza, Formentera y, más adelante, Madrid. Costa cartografía brillantemente el underground español, haciendo hincapié en una de sus figuras más representativas: el propio Almodóvar.

Cuentos (Antón P. Chéjov)

Más cuentos. La edición de Alba de los relatos de Chéjov, una antología de sesenta cuentos, aparece en la misma secuencia donde sale el libro de Jordi Costa. Se puede ver encima de la cómoda donde Salvador se está haciendo un chino mientras Mercedes está hablando por el móvil. Para alguien que, como hemos dicho, adora el género del cuento, el homenaje a uno de los mejores cuentistas de la historia no podía faltar. Si tú también eres fan del autor ruso, una recomendación: los cuentos completos en cuatro volúmenes que editó hace un par de años la editorial especializada en el género Páginas de Espuma. Y, si eres de los completistas que hablaba antes, otro apunte: encima del libraco de Chéjov aparece otro libro del que apenas se lee el título. Se trata de ‘Escenas de una vida de provincias’ (Random House), las memorias noveladas del Nobel sudafricano J. M. Coetzee.

El orden del día (Éric Vuillard)

Justo después de la secuencia mencionada anteriormente, aparece un plano de Salvador durmiendo. La novela que sujeta contra el pecho es ‘El orden del día’, la maravilla con la que Éric Vuillard ganó el premio Goncourt hace dos años. El libro, nuestro número uno de 2018, sale en la película por una razón muy sencilla: Almodóvar acababa de leerlo y le había entusiasmado. Vuillard narra la historia del ascenso del nazismo, concretado en la reunión que en 1933 mantuvieron Hitler y los grandes industriales alemanes (de ahí el título), desde un ángulo inédito. Un punto de vista que bascula entre lo irónico (“es que en Alemania estaban muy apretados”, comenta acerca del discurso sobre el “espacio vital”) y lo poético (compara a los industriales con “veinticuatro calculadoras en las puertas del Infierno”), entre la Historia con mayúsculas y las pequeñas historias que se ocultan bajo las alfombras de los grandes despachos. Lo dicho, una maravilla.

El libro del desasosiego (Fernando Pessoa)

“La vida me disgusta como una medicina inútil. Y es entonces cuando siento con visiones claras lo fácil que sería alejarse de este tedio si tuviese la simple fuerza de querer alejarlo de verdad”. Junto a ‘Nada crece a la luz de la luna’, este es el otro libro que Almodóvar utiliza como recurso dramático en una secuencia. Salvador recita ese párrafo en off, y lo subraya con un lápiz como hace el cineasta con sus libros. Su elección no es casual. Además de ser uno de los escritores de cabecera de Almodóvar (junto a otros que no aparecen en el filme pero señala en el libro como Borges, Kafka, Scott Fitzgerald o Virginia Woolf), ‘El libro del desasosiego’ (Acantilado) tiene algunas de las frases más desoladoras de la historia de la literatura. El párrafo que llama la atención de Salvador le sirve al director para proporcionar información al espectador sobre el funesto estado de ánimo del personaje.

En la orilla (Rafael Chirbes)

Es el último libro que aparece destacado en la película. Después de la visita de Federico, su antiguo amante, Salvador, en pleno subidón emocional, abre la cómoda dispuesto a relajarse fumándose otro chino. Cuando está rebuscando para sacar la papelina, se puede ver perfectamente el título de la última novela que publicó en vida Rafael Chirbes, fallecido en 2015. ‘En la orilla’ (Anagrama), con la que el autor valenciano ganó el Premio Nacional de Narrativa, es una de las novelas más lúcidas sobre la crisis de 2008 y la burbuja inmobiliaria. A partir del hallazgo de un cadáver en un pantano, Chirbes pone en marcha una narración protagonizada por un carpintero en paro víctima de la crisis del ladrillo. A través de un estilo muy rico, combinando el monólogo interior con la voz en tercera persona, el autor nos sumerge en el fango creado por el polvo de las construcciones del boom inmobiliario. Ese polvo que se respiraba en su obra maestra, ‘Crematorio’, y que seguro que Salvador Mallo tiene también guardada en alguna estantería.

Angel Olsen se suma a Belle and Sebastian y Destroyer como gran nombre para Vida Festival 2020

Por

-

9 diciembre, 2019

Tras celebrarse este fin de semana la segunda edición del curioso evento Secret Vida –un festival de dos días en el que no se desvelan los artistas que actuarán hasta el mismo momento de subir al escenario–, Vida Festival anuncia un nuevo nombre para su edición 2020. En este caso, uno de los grandes, puesto que se trata de Angel Olsen: la cantautora de Missouri se anuncia como cabeza de cartel en el festival, donde compartirá protagonismo con Belle and Sebastian, Destroyer y Parcels.

Angel Olsen es uno de los grandes nombres de 2019 al haber editado uno de los mejores discos del año y, en buena medida, una cumbre de su carrera. Con suntuosos arreglos de cuerda y lleno de melancolía, ‘All Mirrors‘ exhibe no solo la magnificencia de Olsen como intérprete, compositora y arreglística, punto álgido de una trayectoria en constante crecimiento tras su debut ‘Half Way Home’ (2012), su notable continuación ‘Burn Your Fire For No Witness’ (2014) y el gran salto que supuso ‘My Woman’ (2016).

Además de Angel Olsen, Vida Festival también comunica la inclusión en su cartel de Manel, que precisamente han sido protagonistas en el citado Secret Vida 2020 –los otros fueron, entre otros, Teenage Fanclub– después de haber publicado semanas atrás el muy interesante ‘Per la bona gent‘. Los barceloneses suponen el primer gran nombre del ámbito nacional para el Vida, después de haberse anunciado la presencia de Ferran Palau –que acaba de publicar el notable ‘Kevin‘– y María José Llergo –cantaora cordobesa que expandirá sus raíces flamencas hacia territorios contemporáneos en su próximo debut–. Vida Festival se celebra entre el 2 y el 4 de julio de 2020 en Vilanova i la Geltrú.

Brittany Howard / Jaime

Por

-

8 diciembre, 2019

7

Hay que querer a Brittany Howard. Con la base de blues y sureña de Alabama Shakes podía haber sido una niña mimada en los Grammy para siempre, cuando menos en las categorías rock, limitándose a hacer canciones clásicas que, dada la fidelidad del público rockero, la hubiera llevado de festival en festival, de Lollapalooza en Azkena, prácticamente de por vida. Pero su culo inquieto le pedía algo más, así que ha abandonado momentáneamente su exitosa banda, ha escrito un álbum titulado como una hermana suya que falleció a consecuencia de un cáncer a los 13 años, se ha desnudado en unas letras que hablan de familia, homosexualidad, política y religión, ha customizado géneros como el rhythm & blues y el soul, y después se ha metido en Genius para explicar palmo o palmo de qué va exactamente todo esto.

Prince es un referente en ‘History Repeats’, una canción de apertura muy crítica que derriba géneros y habla sobre cómo «nos derrotamos a nosotros mismos» de manera reiterada. A Mavis Staples y a Lauryn Hill nos pueden remitir piezas más clásicas como ‘Baby’. Pero lo más interesante de ‘Jaime’ es cuánto puede retorcerse para embarcarse en un viaje similar a los emprendidos por Dirty Projectors o tune-yards. Es lo que sucede en ‘Tomorrow’. En una de las explicaciones más simpáticas de Genius, Howard cuenta que esta canción no le gusta a nadie, pero que a ella le encanta, pues se divide en 3 fases musicales: una en la que deja para otro día hacer algo, otra en la que llega ese «mañana» y otra en la que se trata de disfrutar del momento porque «la vida es corta». Así, una de las canciones más ariscas del álbum, termina despertando tu atención.

‘Jaime’ se divide de hecho entre grabaciones que resultan inmediatas y grabaciones que buscan algo más. Entre las últimas hay que destacar la politizada ’13th Century Metal’, surgida de la rabia experimentada por la artista tras la muerte de Prince y la elección de Donald Trump. En el mismo año. Se trata de una canción hecha a base de improvisación, con evidentes influencias del jazz y la batería mandando de manera fascinante en directo y excelentemente mezclada, pero a su vez con cierta querencia por el siglo XXI. Algunas partes podría haberlas firmado Julia Holter. Su letra no es más que un «speech» sobre la libertad entonado por alguien que es hija de padre negro y madre blanca, un manifiesto a favor de la unión de «hermanos y hermanas», si bien la sencillez extrema de su texto y su repetición en este caso juegan a favor de Brittany: su mensaje se entiende perfectamente.

En otras ocasiones, el resultado es algo más confuso. En ‘Georgia’ recuerda cómo de niña se enamoró de una mujer mayor, pero no se acierta a comprender por qué la canción suena tan esquiva y psicodélica, dejando algo indiferente: su temática habría pegado más con la música de ‘Stay With Me’. Igualmente, una genialidad como la letra de ‘He Loves Me’, en la que Brittany Howard proclama que Dios la querrá igual aunque no vaya a la iglesia, beba y fume, habría agradecido una producción más inmediata. Algo sabemos que va regular cuando la cantante confiesa que se planteó dejar la mencionada ‘Stay With Me’, la mejor canción del disco, fuera del disco y, en la línea, ‘Short and Sweet’, que es de las canciones «clásicas», empieza muy «sweet» pero debería ser mucho más «short».

Hay, pues, cierto desequilibrio en ‘Jaime’ a medida que avanza entre momentos que son puro amor, como el riff de piano retorcido de ‘Goat Head’, y otros que no terminan de encerrar tanto encanto como parece en sus primeros instantes, como ‘Presence’. Sin embargo, solo por lo que ha intentado hacer, el álbum merece mucho la pena. Para muestra, ‘Run to Me’, una de esas canciones finales que apetece escuchar en bucle entre la oscuridad de la producción, una verdadera pesadilla lynchiana, y su letra simplemente diciendo cosas como «corre hacia mí / seré tu compañera / cuando ya no puedas soportar más».

Calificación: 7,5/10
 Lo mejor: ‘Stay High’, ’13th Century Metal’, ‘Goat Head’, ‘History Repeats’
Te gustará si te gustan: Dirty Projectors, Prince, Lauryn Hill
Escúchalo: Spotify

Ellie Goulding, camino al número 1 en UK con su versión de Joni Mitchell… y sin la ayuda de Spotify

Por

-

8 diciembre, 2019

4

Ellie Goulding ha vuelto a publicar una versión por Navidad, en este caso de ‘River’ de Joni Mitchell. Por su componente navideño pese a no ser exactamente un villancico, ‘River’ es uno de los temas más queridos de toda la discografía de Mitchell. Fue editado en 1971 dentro de su obra maestra ‘Blue’.

La versión de ‘River’ de Ellie Goulding, publicada a mediados de noviembre, es un lanzamiento exclusivo de Amazon, por lo que no está disponible en Spotify. Sin embargo, ha dado a la británica su mejor cumbre comercial en mucho tiempo, lo cual podría explicarse con que Alexa se está hartando de reproducir la canción en sus playlists navideñas, de manera involuntaria por el usuario.

Si es así, el «timo» está funcionando. Mientras la mayoría de los singles recientes de Goulding ni siquiera han llegado al top 20 de la lista de éxitos británica, ‘River’ ha alcanzado el top 14, mejorando de hecho el dato de ‘Close to You’ con Diplo y Swae Lee, que fue top 17 en 2018; y quedándose cerca de igualar el de ‘Still Falling for You’, que fue top 11 en 2016. La canción ha pegado un subidón importante esta semana pasando del 57 al 14 y en las «midweeks» de la siguiente está situada nada menos que en el número 2, solo por detrás del gigante ‘Dance Monkey’. ¿Se avecina el tercer número 1 de la carrera de Goulding tras ‘Love Me Like You Do’ (2015) y ‘Burn’ (2013)? UK Official Charts ya lo prevé.

La autora de ‘Delirium‘, que se encuentra preparando su próximo álbum, ha lanzado un vídeo de ‘River’ que puede verse en Youtube. Y es digno de ver, porque en estos tiempos de elevada conciencia ecológica, la artista británica aboga por la reducción del uso de plástico en un vídeo en que este material es reciclado para construir un árbol de Navidad. Rodado en la costa de Dungeness, en Kent, es un vehículo con significado para seguir disfrutando de esta maravillosa melodía que Mitchell compuso hace casi 50 años.

Al contundente ritmo de un piano, ‘Gullible Fool’ de La Roux será un cierre de disco perfecto

Por

-

8 diciembre, 2019

1

10 años después de ‘Bulletproof’, ‘In for The Kill’ y de su magnífico debut, La Roux ya no es aquella artista que se comía las listas de éxitos, ganaba Grammys o colaboraba con gente como Kanye West. ‘Trouble in Paradise‘, su segundo disco, era un objeto de artesanía pop más que un trabajo hecho para arrasar, y parece que ‘Supervision’, el álbum que Elly Jackson publica el próximo 7 de febrero, va por el mismo camino.

‘Supervision’ volverá a ser un disco 100% La Roux, hecho a su ritmo y a su manera, y su gusto por los 80 más «cheesy» volvía a hacer acto de presencia en ‘International Woman of Leisure’… y en parte también en el segundo adelanto del álbum, ‘Gullible Fool’. Se trata de un medio tiempo de 7 minutos en el que, pasada una primera parte más melancólica, se impone la melodía de un piano que además también marca el ritmo, acompañado de un contundente sintetizador. El tema recuerda al trabajo de Michael Jackson en los 80 y 90 y puede considerarse un cruce entre ‘Human Nature’ y ‘Will You Be There’, pero el motivo por el que es adictivo es su elegante desarrollo: cuando menos lo esperas estás completamente subyugado por la música… hasta que empieza un más que merecido «fade out», dando la impresión de que podría durar horas. Su estructura parece traducir musicalmente el concepto de salir adelante tras un periodo malo, por lo que no extraña que ‘Gullible Fool’ vaya a cerrar ‘Supervision’: suena al cierre perfecto.

¿Qué nos cuenta ‘Gullible Fool’? La propia Jackson ha explicado que es un tema de superación, por lo que su letra, con menciones a «secarse las lágrimas», «hacer la maleta» y «volver a levantarse» tras pasar demasiado tiempo en un lugar oscuro, no se dirige a otra persona que a ella misma: Jackson afirma: «La canción describe el sentimiento de fiarte demasiado de los demás y vivir con el pensamiento de que no deberías protegerte de los demás si eres buena con la gente. Llega un día en la vida de cualquier persona en que te das cuenta que no es que no debas fiarte de la gente, es que a veces límites más firmes son necesarios. Y a veces eso da lugar a la tristeza. ‘Gullible Fool’ habla de varios momentos en mi vida en que se me ha tratado mal y me ha pillado totalmente por sorpresa, y después pasa a construir la fortaleza interior que lleva a un lugar de seguridad y felicidad».

Sen Senra: «Yo no me pongo la bandera del R&B ni del pop ni de nada»

Por

-

8 diciembre, 2019

9

Sen Senra ha publicado esta semana su esperado nuevo disco, ‘Sensaciones‘. Es el primero de su carrera en Sonido Muchacho (sello de Carolina Durante, La Estrella de David o La Plata) y el primero cantado íntegramente en español. También es una novedad en su discografía en cuanto a estilo, pues se entrega más que nunca al R&B en sus diversas extensiones, aunque sin hacer asco a otros estilos. Siempre con ánimos de no encasillarse en ningún género concreto, hablamos con el joven gallego -de nombre Christian- sobre sus nuevas canciones, su trabajo en el estudio con Natalia Lacunza o con su productor, Anxo de Novedades Carminha, y también sobre sus videoclips, que, a diferencia de lo que pudiera parecer, no presentan un «personaje» que los una a modo de hilo conductor. Al menos, conscientemente.

¿Como están siendo los primeros días después de la salida del disco?
Una maravilla. Un poco abrumador pero feliz, disfrutando de la salida, que ya tenía ganas.

Visto desde fuera, se ha hecho esperar. Desde dentro habrá sido diferente. ¿Has buscado, con ‘Sensaciones’, ser meticuloso más que espontáneo? ¿Has dado al disco muchas vueltas?
Sí, le dimos vueltas pero por gusto también. Quisimos trabajar el sonido, darle mucho cariño, y estuvimos Anxo y yo un año y medio, casi dos trabajándolo, así que el proceso también se ha hecho largo por nuestra parte. Pero le dimos mucho amor y cariño.

¿De dónde viene tu interés por el R&B? En JENESAISPOP hemos mencionado ‘blonde‘ de Frank Ocean como posible inspiración, pero no sé si tú lo compartes.
Puede ser que lo sea, pero yo no me pongo la bandera del R&B ni del pop ni de nada, yo al final hago música por intuición y por gusto propio, y lo que nace es eso. Está claro que ‘blonde’ es un discazo pero escucho mucha música, como Stevie Wonder… Música de todos los palos. No está orquestado ni hay una guía, no hay un sonido claro al principio, me encanta jugar con la música y lo que sale, si me gusta, pues pa’lante.

«Yo no me pongo la bandera del R&B ni del pop ni de nada, yo al final hago música por intuición, no hay nada orquestado»

Quizá por tu aproximación al R&B, en el disco te recreas en las armonías, el «groove», la sensualidad… ¿Te apetecía hacerlo?
Sí, total. Además tenía ganas de experimentar con lo digital y lo analógico, y el «groove» es algo que me encanta priorizar, así como la pureza de la música en directo, que al final es de donde vengo. La idea ha sido mezclar el directo con el mundo digital pero sin perder lo que soy.

‘Nos dará alas’ la has extendido. ¿No era definitiva la primera versión?
Me encantan las dos versiones, no hay una mejor ni peor, pero en el disco la quise sacar sin el «fade out» para enseñar cómo acababa la versión original.

‘RRIINNGG‘ tiene unos arpeggios muy electrónicos, unos efectos vocales muy Daft Punk, pero también tiene un fondo funky. ¿La consideras una de tus canciones más experimentales? ¿Buscabas hacer una canción que aglutinara varias cosas?
Hay experimentos en varias canciones del disco, y en ‘RRIIINNGG’ mezclamos varias cosas. Tiene airecillos funky y también me apetecía que tuviera cierto aire a tema disco. Me apetecía caminar por ahí y le metimos ese sonido.

Por otro lado, ‘Como sacude’ me suena un poco a UK grime, a Benga, esas cosas… No suelen escucharse estos sonidos en el pop español. ¿Tienes una motivación interior de hacer cosas nuevas o simplemente sigues tu instinto?
No hay intención ninguna. ‘Como sacude’ es una de las primeras canciones que hice con Anxo. Me acuerdo de estar en el estudio con él, que empezó a jugar con los cacharros y salió de esa manera, entonces yo me subí encima del ritmo y luego la llevamos a un terreno que nos gustaba. La canción nació sin intención, nació de estar tocando música y enganchar el tema.

Está claro que no te gustan las etiquetas. ¿Te incomodan o las aceptas como algo que sucede en la prensa? ¿Te dan igual?
Lo entiendo pero a mí no me gusta etiquetarme, ni a mí ni a la música en general.

«Hacer un disco coherente es fácil si te guías por lo que te mueve a ti: la clave es hacer el trabajo de llevar esos sonidos al terreno propio»

Simplemente te guías por donde te lleva la música…
Pura libertad, tío.

‘La cura’ suena un poco turbia.
Esta canción nació en Vigo, estaba tocando el teclado y me salió ese sonido que me moló, que me inspiró a subirme encima con un verso. Me mola que el sonido de ‘La cura’ sea un poco peligroso y me apetecía que el tema metiera un poco de miedo, por así decirlo.

‘No quiero más de lo que merezco’ es bailable, tiene un punto caribeño. ¿Hubo algún momento en que dudaras de su inclusión en el disco o iba dentro sí o sí?
Iba dentro sí o sí. Cuando hago música no me pongo ninguna barrera, me guío por mi intuición y por gusto, y esa canción nace igual que el resto, el hilo conductor es la inspiración que tengo.

Al final el disco tiene coherencia por mucho que experimentes con géneros. ¿Buscabas un disco coherente?
Claro, pero al final hacer un disco coherente es fácil si te guías por lo que te mueve a ti, y los sonidos del disco son los que me molan a mí, los que me nacen todo el rato al hacer música. A ver, no es que sea fácil, pero la clave es hacer el trabajo de llevar esos sonidos al terreno propio.

Cuando tienes clara tu visión, eso se termina reflejando en el trabajo final, y cuando no, sucede lo contrario…
También es importante no perder el «mood» de los temas, y tener muy presente el trabajo de llevarlos al terreno de uno.

«(Con Natalia Lacunza), ella trajo la prueba de la canción y la letra y nosotros pusimos la música y la orientamos en lo que pudimos»

En general, ¿cómo ha sido trabajar con Anxo en el estudio? ¿Ha sido un trabajo colaborativo, o sobre todo traías a la mesa ideas terminadas?
Fue un curro fuerte, estuvimos casi dos años hablando todos los días, era casi la única persona con la que hablaba (ríe). Fue mano a mano: hay temas, como ‘Ya no te hago falta’, que nacieron a guitarra y voz en mi casa, y que luego trabajábamos él y yo en el estudio para que no perdiera el «mood», para que siguiera sonando chiquitito, que no perdiera el «feeling»… Luego fuimos mucho al estudio, probamos instrumentos, fuimos a sitios… Fue un curro fuerte pero fue entre los dos, mano a mano.

A través de Anxo conoces a Natalia Lacunza y entre los tres trabajáis en ‘Olivia’, uno de los temas de su EP. ¿Fue un trabajo de cero?
Natalia trajo la prueba de la canción y la letra, y luego nosotros pusimos la música y orientamos la canción en lo que pudimos.

¿El vídeo de ‘Ya no te hago falta’ está inspirado en ‘Pink Flamingos‘?
Más bien fueron Jean Lafleur y su equipo los que encarrilaron el vídeo a esa estética y a ese tipo de visuales, pero la idea original es mía.

En general todos los videos del disco parecen compartir un hilo conductor, que es el chico protagonista interpretado por ti, que en todos ellos parece un poco perturbado… En el vídeo de ‘Tienes reservado el cielo‘ das un poco de miedo, y también en el de ‘COMO el FUEGO’, con esos dientes ensangrentados…
No hay una unión intencionada, pero los vídeos me gusta enfocarlos en un estilo más cinematográfico, que me permita jugar un papel y abrirme a explorar en el ámbito de los visuales.

Quizá más que nada buscabas expresar un poco tu lado malévolo, sin más misterio…
Las ideas de los vídeos son míos, pero no es buscado… Supongo que tendré algo perturbador dentro de mí que no conocía (ríe).

El vídeo de ‘Tienes reservado el cielo’ debió ser un currazo a nivel interpretativo.
Sí, en este caso me apetecía hacer un vídeo que no fuera de playback y listo. Quería narrar una historia y hacer una interpretación.

Antes has dicho que has buscado que ‘Sensaciones’ tuviera el «feeling» del directo, ¿qué estás pensando para los directos del disco?
El show ya se está preparando y vamos con banda. Seremos una banda y yo y tocaremos en directo.

Eloy Azorín: «Russian Red me debe un diente y lo sabe»

Por

-

8 diciembre, 2019

6

Conocido por sus papeles en películas como ‘Todo sobre mi madre’, ‘Los Borgia’, ‘Juana La Loca’ o ‘Todas las canciones hablan de mí’, Eloy Azorín ha protagonizado también algún que otro videoclip. Últimamente le hemos visto participar en la nota de prensa del disco de Alis, indicando que este álbum le lleva a sus 15 años como cuando se ponía a Cranberries a dicha edad. Momento que hemos aprovechado para preguntarle por sus discos favoritos de antes y de ahora.

¿Tienes canción favorita de todos los tiempos?
No. Ahora te digo que ‘Fin de fiesta’ de Kevin Johansen. Versión directo.
¿Alguna canción que te haya obsesionado últimamente?
‘Tú que vienes a rondarme’ de María Arnal i Marcel Bagés. Poco partido se le está sacando. Cierra los créditos de la peli ‘Los días que vendrán’.
¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
‘Pacto entre caballeros’ de Sabina. Mi madre gritando por la casa «mucha mucha policía». Me flipaba. Tenía nueve años y ya me quedaba con frases como «los encantos de Maruja, la cachonda»…
¿Qué canción te hubiera gustado escribir personalmente porque te define totalmente?
‘Si te vas’ de Extremoduro.

¿Qué canción odias con toda tu alma?
Ninguna. Las que no me gustan no las vuelvo a escuchar, excepto las que toca el músico de al lado de casa que se empeña en versionar ‘Let It Be’ con el saxo para engancharlo con el ‘Despacito’.
Actuación vocal que adores.
Alice Wonder en directo y cerquita, crema de la buena.
¿Alguna canción que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure”?
Me pasaba con muchas de Amaral. Ya no me siento culpable. Su último tema, ‘Nuestro tiempo’ lo escuché el otro día en el coche y al terminar la busqué en Spotify para ponerla dos veces más.
¿Mejor secuencia de canciones en un disco que hayas oído? En otras palabras, un disco que hayas quemado mogollón entero.
El ‘Blue Lines’ de Massive Attack y el disco dorado de Kruder y Dorfmeister.

¿Algún disco que te encante pero cuya secuencia te parezca un desastre?
Esta no me la sé.
Un remix que te haya vuelto loco
‘I’ll Kill Her’ de Soko. Remix Hannes Fischer.
Te hemos visto en vídeos de Supersubmarina y Russian Red, ¿qué recuerdas de ellos o de su rodaje?
En el de Russian perdí un diente. Hay un momento en el que me deslizo por el suelo mojado. Me resbalé y mi boca besó el mármol veneciano donde rodábamos. Lourdes me debe un diente y lo sabe.

También te vimos en primer plano en las pantallas del FIB durante un concierto de Los Planetas, como parte del show, ¿o se nos alucinó?
Estaba rodando una peli dentro del festi y en un momento nos avisaban de que saldríamos en las pantallas y aprovechamos para hacer una secuencia donde tenía que besarme con la que hacía de mi pareja. La peli se llama ‘A+’.
¿Sueles ir a festivales de música? ¿Alguno favorito?
Cada vez menos. Me gozo los que puedo escuchar bien y si es en recinto cerrado, mejor: José González, Olafur Arnalds, Nils Frahms…
¿Qué vídeo te hubiera gustado protagonizar, tenga o no tenga, dicha canción videoclip? ¿En qué canción crees que hubieras encajado?
‘Weapon of Choice’ de Fatboy Slim dirigido por Spike Jonze.
¿Sigues comprando discos en formato físico? En caso afirmativo, ¿cuál fue tu última compra y en qué formato?
No tengo ningún reproductor por la casa. Solo altavoces. Pero el otro día en el primer concierto de Nico Casal en Madrid me compré su disco. Ya encontraré el sitio para escucharlo.

‘The Affair’: la música de Fiona Apple, lo mejor de este culebrón extendido 5 años

Por

-

7 diciembre, 2019

3

‘The Affair’ despuntaba como serie dramática hace 5 años al apostar por una original estructura: cada capítulo se dividía en dos partes, mostrando durante la primera mitad la historia desde el punto de vista de un personaje, y durante la segunda más o menos lo mismo, pero pasado por el prisma de otro personaje. Este sencillo truco servía para que el espectador comprobara las distintas versiones de unos hechos, reflexionando sobre cómo manipulamos la realidad cuando contamos una historia, o cómo llegamos a autoengañarnos hasta el punto de perder toda objetividad sobre lo que de verdad ha pasado. Así, esta historia sobre la decadencia del matrimonio y un «affair» vacacional tenía hasta un punto de humor y ligeramente filosófico. El atractivo cásting que llevaba tanto a Maura Tierney (Helen, la esposa) como a Ruth Wilson (Alison, la amante) a triunfar en los Globos de Oro, sumando también a Joshua Jackson (muy querido por aquí por su protagonismo en ‘Fringe’) y Dominic West (‘The Wire’, ‘Chicago’, ‘300’) alejaba a la serie de lo telefilmesco.

Sin embargo, pasaron los años y la avaricia rompió el saco: la estructura empezó a resultar repetitiva o ya muy poco relevante para la trama, y el guión empezó a dar bandazos con el único objetivo de mantener a la audiencia en vilo. ‘The Affair’ tuvo sentido mientras la trama principal era resolver quién fue el responsable de la muerte de un personaje (uno de los Lockhart) y Alison era un personaje conmovedor en su lucha con sus problemas mentales tras haber perdido un hijo en el mar. Cuando las cosas empezaron a derivar hacia tramas más culebronescas (que si este hijo en verdad no era tuyo, que si ahora un personaje sufre cáncer), gran parte del encanto fue quedando por el camino.

La serie ha terminado este otoño, siendo su quinta temporada la definitivamente final. ‘The Affair’ ha llegado a ella tras prescindir no de 1 sino de hasta 2 de sus 4 personajes principales. Tras el shock que este hecho supuso en la cuarta temporada, la quinta es ya un hervidero de ideas sin culminar que fluctúan entre las dificultades de un personaje secundario para ser buena madre, la vigencia de la institución del matrimonio, el #MeToo, la hipocresía y el «todo vale» en Hollywood, el Alzheimer, los incendios de California… y hasta un viaje al futuro de mano de Anna Paquin, medio influido por ‘Black Mirror‘. Ideas que podían haber enriquecido la trama más desarrolladas -sobre todo la del #MeToo, teniendo en cuenta el carácter de Noah, el clima social y el target de la serie-, pero que aparecen desdibujadas y desaprovechadas, como si ni a los mismos guionistas les importaran.

Entretenidilla pero mucho menos ácida y afilada que ‘Mujeres desesperadas’, ‘The Affair’ ha llegado a su fin sin hacer mucho ruido y con algunos problemas de maquillaje y caracterización. Ahora mismo, es hasta raro que Fiona Apple se prestara para hacer la canción de cabecera de esto. En una época en que las cabeceras ya no duran precisamente 2 minutos, ella, que no saca disco desde 2012, donaba la inédita ‘Container’ para regocijo de Sarah Treem, fan desde los 16 años, y creadora de ‘The Affair’ junto a Hagai Levi. Pensaréis que es irrelevante pero no lo es: hasta tal punto Fiona Apple ha terminado siendo lo más destacado de la serie que le han reservado el número final. Efectivamente, la serie acaba con una versión suya de ‘The Whole of the Moon’ de The Waterboys en una escena poética que recuerda al desenlace de ‘A dos metros bajo tierra’ y que dignifica de alguna manera una quinta temporada un tanto decepcionante. 6.

‘Picaflor’ de Lao Ra y C. Tangana debería «llamar tu atención»

Por