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«Sexy Rayden» se postula como triunfador y «fucker» en La Resistencia

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El rapero Rayden ha sido el último invitado de La Resistencia, aunque como bien dice en un momento dado, no le hace falta hacer promoción de su disco ‘Sinónimo’, pues ya ha sido top 1 de ventas en España y justo acaba de volver al top 100 esta misma semana. El cantante es rebautizado como “hot Rayden” y “sexy Rayden” por David Broncano cuando este abre el perfil de Spotify y comprueba qué foto ha elegido poner.

En un momento dado Rayden llega a recitar la lista de ventas durante la semana que él fue número 1, incluyendo por detrás de él en aquel momento concreto «a Manu Carrasco, Rosalía, Pablo Alborán y Queen». Broncano bromea «¡toma, Freddie Mercury!» y hace alarde de su humor más negro cuando dice que Rayden ha logrado llegar a ese puesto de la lista “sin ETS, aunque aquí no pedimos un informe médico”.

Tras bromear varias veces sobre “darwinismo y vídeos de perros follando”, Rayden no se corta en revelar cuánto dinero tiene en el banco y cuánto sexo, las dos preguntas que se hacen a todos los invitados del programa. Se postula nada menos que como en el top 3 de cantantes masculinos nacionales que más dinero tienen entre quienes han acudido al programa (salen nombres como Leiva, Residente y Dani Martín), asegurando que tiene entre “cien y doscientos” (mil euros). El mismísimo director del banco llama a Rayden cuando sabe que está de gira, apuntando a lo elevado que ha de ser ya su caché, como prueba del gran año que está viviendo este rapero a una sonrisa de oreja a oreja pegado. Además, revela que tras un año sin sexo, ha conocido a una chica, y no para de tenerlo, topando con más bromas al respecto de Broncano. Rayden actúa en Arenal Sound, entre otras muchas fechas que puedes consultar en su web.

Escucha lo nuevo de Vampire Weekend, Kylie Minogue, L7, The Flaming Lips, Karol G, Violent Femmes…

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Sin duda el lanzamiento más importante de este primer viernes de mayo es el ansiado nuevo trabajo de Vampire Weekend, que preside nuestra playlist Ready for the Weekend junto con el nuevo single de Amaia. Lo cierto es que, tras un abril que se cerraba con un buen montópn de nuevos álbumes, este mes comienza más tímido, aunque con lanzamientos significativos por parte de nombres históricos: regresa el grupo femenino de grunge por excelencia, L7, y junto a ellas publican nuevos trabajos nombres cruciales del rock norteamericano de las últimas décadas como Bad Religion y The Dream Syndicate, a los que se une el supergrupo Filthy Friends, en el que milita Peter Buck (R.E.M.). Para equilibrar, también hay lanzamientos de nombres nuevos como Barrie, Patience (proyecto en solitario de Roxanne Clifford, ex-Veronica Falls), los catalanes Nomembers o los madrileños Nevver, además de un nuevo trabajo de la estrella del pop latino Karol G y un tercer largo de Big Thief que apunta a ser su consagración. Destaca además la llegada de varios EPs, como los de Diplo (que incluye un tema inédito con Tove Lo), Izzy Bizu, No Rome (protegido de The 1975), Neleonard o Milton James (ex-Dënver).

En cuanto a singles, a lo largo de la semana habíamos conocido nuevos temas de Los Punsetes, BANKS, Noel Gallagher’s High Flying Birds, Bleached, Kate Tempest, Fujiya & Miyagi y, ya en las últimas horas, Madonna e Iggy Azalea. Hoy les sumamos canciones de The Flaming Lips, The National, Rhye, Logic & Eminem, Bastille, Kim Petras, Violent Femmes (¡con Tom Verlaine!), PNAU, Ari Lennox, Jamie Cullum, Die Antwoord, Calexico & Iron and Wine, Terry vs. Tori, Titus Andronicus, Cintia Lund, Faye Webster, Girl Ultra & Cuco, Kindness & Seinabo Sey, The Futureheads, Of Monsters and Men, slowthai, DEVA, Lewis Capaldi, Shawn Mendes, FINNEAS (el hermano y productor de Billie Eilish en solitario) o Holly Herndon.

Como siempre, siempre hay espacio para rarezas como el single inédito que Saint Etienne publicaron en el Record Store Day, una remezcla de Diplo (sí, de nuevo) del hit country trap de Lil Nas X y Billy Ray Cyrus, ‘Old Town Road’, y un miniálbum de Editors que regraban en directo algunas de sus canciones. Además, el tema inédito que se incluye en el próximo recopilatorio de Kylie Minogue ya está disponible.

Aldous Harding / Designer

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Los comentarios para el vídeo en Youtube de ‘Blend’ de Aldous Harding están desactivados, pero por suerte los de ‘The Barrel’ no. Aquel single de ‘Party‘, uno de los mejores álbumes de 2017, supuso un punto de inflexión en la carrera de la neozelandesa, pues nos introdujo, a través de su inquietante vídeo, a una artista mucho más peculiar y preparada para incomodar al espectador de lo que al menos sugerían sus canciones. En el imperdible vídeo de ‘The Barrel’, Harding aparece bailando de manera extraña tras unas cortinas, vestida como de bruja colonial y mirando a cámara con toda la intención de que te mees de miedo en los pantalones. Los comentarios de Youtube son mayormente positivos. Una persona dice que es “sublime” y otra que es “como si Feist fuera un demonio de la parálisis del sueño”. Para otra, el vídeo es “un cruce entre Vashti Bunyan y Alejandro Jodorowsky”.

Sea como fuere, el vídeo de ‘The Barrel’ no puede dejar indiferente y lo mismo sucede con la música de Harding. Aunque la neozelandesa bebe de formas bastante convencionales de la música Americana, de un pop de cámara o folk-rock amable y cabaretero que puede recordar a Cat Power, ella siempre encuentra maneras de torcer un poco su mensaje a través de letras crípticas y de su voz, cuyos varios registros le permiten interpretar personajes a cada cual más perturbador (¿la voz de ‘Pilot’ no está retocada?). Su nuevo álbum ‘Designer’, producido de nuevo por John Parish en Bristol, busca profundizar en las peculiaridades de Harding pero sin dejar de resultar accesible, y en ese sentido ‘The Barrel’ es el single perfecto, un tema realmente adictivo gracias a su estribillo con coros femeninos y masculinos, que deja frases marca de la casa como “mira todos los melocotones, quiero celebrar, que puedo aparecer dentro de la nada” o “parece que hay una fecha fija, enséñale el hurón al huevo, yo no me voy a dejar arrastrar”, que pueden significar algo o ser simplemente absurdas.

Es imposible pensar que Harding se toma demasiado en serio cantando cosas como “¿qué estoy haciendo en Dubai?” (‘Zoo Eyes’) y sus letras, francamente obtusas con alguna excepción (‘Weight of the Planets’), solo pueden tener sentido en algún mundo que no es el nuestro. Está claro que Harding busca confundir más que resultar intrigante o misteriosa, pero como de costumbre, lo mejor es que al menos sí consigue divertirnos de vez en cuando con disparates del tipo “no pierdas tus ojos jóvenes / eso podría funcionarle a tu hijo feo” (‘Designer’). Como en ‘Party’, el humor es intrínseco a las canciones de Harding aunque no lo parezca, y por suerte en ‘Designer’ ese humor se acompaña de unas canciones mucho menos intensas y en general más apacibles y ligeras que las del álbum anterior, aunque quizá no tan carismáticas como cabría esperar de una letrista y vocalista con la personalidad de Harding. Un ejemplo es el single ‘Fixture Picture’ (cuyo vídeo tampoco debéis dejar de ver) o la balada ‘Treasure’, ambos perfectamente decentes pero algo formulaicos. No es difícil imaginar por ejemplo a Feist haciendo con ambos temas algo un poco más interesante.

El contraste entre contenido convencional y filtro que no lo es tanto, en cualquier caso, funciona la mayor parte de las veces, de manera especial en canciones como ‘Designer’, donde la voz de Harding no puede estar más presente en el mejor de los sentidos, o en la misteriosa balada de una nota ‘Pilot’, en cuya letra aparece de manera extraña la palabra “erección”. En la balada con flautillas ‘Zoo Eyes’, Harding utiliza sus varios registros produciendo un efecto inquietante e infiriendo personalidad a una canción que quizá no sería tan interesante interpretada por otra persona; y ‘Weight of the Planets’ es el single claro del álbum al margen de ‘The Barrel’, destacando su letra llena de ansiedad y cierta paranoia en contraste con la amabilidad de la música.

En conjunto, ‘Designer’ sugiere que la intención de Harding esta vez ha sido restar intensidad a su propuesta (no hay que olvidar que estamos ante la autora de ‘Horizon’) y, en su lugar, sumarle accesibilidad. Cuando una balada tan solemne como ‘Damn’, de 6 minutos y 20 segundos de duración, no se hace plúmbea, está claro que el objetivo se ha cumplido con creces. Logrado un álbum sin duda digno, cabe preguntarse entonces por qué ‘Designer’ no es un poco mejor. En mi opinión, las canciones de Harding esta vez no son tan imaginativas como prometía su notable segundo álbum, y sobre todo la impenetrabilidad de las letras puede llegar a exasperar, sobre todo cuando incluso las explicaciones que da sobre ellas la propia Harding tampoco aclaran dudas. En cualquier caso, más importantes me parecen las canciones que las letras y Harding ha dado, en ‘Designer’, con otro puñado de buenos temas que nos mantendrán atentos a sus siguientes pasos.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘The Barrel’, ‘Zoo Eyes’, ‘Weight of the Planets’, ‘Pilot’
Te gustará si te gusta: Cat Power, Antony and the Johnsons, Cass McCombs, Feist
Escúchalo: Spotify

La «muerte lenta» deseada por Iggy Azalea en ‘Started’… ¿su mejor videoclip?

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Continúa el camino hacia el segundo disco de Iggy Azalea, que recibe el nombre de ‘In My Defense’. Se desconoce cuándo el largo verá realmente la luz y qué canciones contendrá, pero las cosas se materializan un poco más desde que conocemos el segundo sencillo oficial para el mismo.

Ya en el anterior vídeo ‘Sally Walker’, que lograba posicionarse en el puesto 62 del Billboard Hot 100, se anticipaba este ‘Started’ que Iggy Azalea ha definido como su canción favorita de esta era. También en tuits recientes ha situado el nuevo vídeo dirigido por el habitual Colin Tilley (‘Savior’, ‘Kream’ y ‘Sally Walker’) como «el mejor vídeo que ha hecho nunca».

Mientras Iggy Azalea repite que «empezó desde lo más bajo» y «ahora es rica», que aunque empezaste «odiándola» ahora te encanta su «drip«, asistimos a su nuevo reto. El videoclip parte de una boda entre la rapera australiana y un hombre de avanzada edad en silla de ruedas, cuando en su matrimonio -y en la canción- irrumpe un episodio de la teletienda sugiriendo formas de hacer que alguien «muera lentamente», en concreto «papi». Al final se echa de menos algo más de desarrollo, pero al menos podemos decir que el vídeo, entretenido está, y que quizá Iggy pueda situar otro tema en las listas gracias a la cuidada estética de este ‘Started’.

Muere Peter Mayhew, el actor detrás de Chewbacca

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Ha muerto a los 74 años Peter Mayhew, el actor detrás del querido Chewbacca de ‘Star Wars’, según ha comunicado su familia a través de un largo texto que se ha subido a Twitter junto a una foto del artista. En la misma se revela que en realidad su fallecimiento se produjo el pasado día 30 de abril, pero no se ha decidido comunicar hasta hoy, sin revelar las causas de la muerte. “La familia de Peter Mayhew lamenta, con profundos amor y pesar, compartir la noticia de que Peter ha muerto. Nos dejó en la noche del 30 de abril de 2019 en su casa de North Texas acompañado de su familia». Su esposa Angie y sus tres hijos son mencionados en el texto.

La carta publicada recuerda que era “el hombre detrás de la máscara de Chewbacca”, subraya que “puso su corazón y su alma en el papel” y que “para él la familia de ’Star Wars’ significó mucho más que un papel en una película”. A continuación se indica que su relación con lo que consideraba “amigos y familia” duraría décadas, viajando a través del mundo para pasar tiempo con sus seguidores e involucrándose en ONG’s. De hecho, la Fundación Peter Mayhew recaudaría bienes para familias en crisis, especialmente para “los niños de Venezuela en su reciente camino hacia la libertad”.

Mayhew interpretó al colega peludo de Han Solo en las tres primeras películas de la conocida saga, ‘Star Wars: Una nueva esperanza’ (1977), ‘El imperio contraataca’ (1980) y ‘El retorno del Jedi’ (1983). Tras asesorar a su sucesor volvió a aparecer en las cintas ‘Star Wars: Episodio III – La venganza de los Sith’ (2005) y ‘Star Wars: Episodio VII – El despertar de la Fuerza’ (2015). El próximo 29 de junio habrá un funeral público y también un homenaje a principios de diciembre para sus seguidores, donde se podrán ver algunos de sus objetos personales, relacionados con ‘Star Wars’.

Madonna incorpora un discurso de Emma Gonzalez al tema de superación que cierra su próximo disco, ‘I Rise’

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Madonna lanza su nuevo disco ‘Madame X’ el próximo 14 de junio, presentado por el single con Maluma ‘Medellín’, hace unas horas interpretado en los Premios Billboard. Como se había dado a conocer a través de Apple, varias pistas del mismo que no son singles se publicarán durante estas semanas. Se asegura en una de sus webs de fans más fiables que el verdadero segundo single del álbum tras ‘Medellín’ será ‘Crave’, una pista “dance” con rapero, Swae Lee. Pero de momento lo que se edita es el tema que cierra el álbum, ‘I Rise’.

‘I Rise’ era descrito por Universal como un tema con vocación de “himno”. Después, se había hecho saber que se trataba de un tema pro-LGTB+ en sintonía con los diferentes actos con los que Madonna va a celebrar ser embajadora del 50º aniversario de las protestas en Stonewall, el primero de ellos este mismo fin de semana.

Quizá por ello lo primero que oímos en el tema es el famoso discurso «anti-bullshit» de Emma Gonzalez («nosotros los jóvenes no sabemos de qué estamos hablando, somos demasiado jóvenes para saber cómo funciona el gobierno»), aquella joven bisexual de origen cubano que sobrevivió a una matanza en Estados Unidos, condenó el uso de armas delante de millones de personas y enfadó tanto a Jesse Hughes de Eagles of Death Metal, entre otros muchos. Os hablamos de su emocionante discurso aquí el año pasado.

El medio tiempo está en la línea de temas de Madonna de la era ‘Hard Candy’ como ‘Devil Wouldn’t Recognize You’ y ‘Voices’ y ha sido escrito por Madonna junto a Starrah y Jason Evigan, quien también lo ha co-producido.

La Canción del Día: Amaia aúna tradición y presente en ‘El relámpago’

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Amaia estrena el primer single de su disco de debut justo unas horas antes de presentarlo en el Warm Up de Murcia, festival que se celebra estos días con todos sus abonos agotados (aún quedan disponibles las últimas entradas de día). Como se había anunciado, el tema de Romero recibe el nombre de ‘El relámpago’ y ha llegado a las plataformas a medianoche.

Aunque ‘Un nuevo lugar’ era una canción absolutamente preciosa, fueron muchos quienes se quejaron de su escasa duración y, como para calmar las aguas, ya desde la portada de ‘El relámpago’ se revelaba que estábamos ante un tema largo, de más de 4 minutos y medio. En un mundo en el que la radiofórmula se compone de temas de 3 minutos o incluso algo menos, el tema de Amaia suena calmado, ajeno a las modas y concentrado en su melodía inspirada en la canción española. Marisol y Mari Trini pueden ser algunos de los nombres en venir a la mente, mientras la producción se orienta más al trabajo de Iñaki de Lucas para La Buena Vida. Esa tradición se ve adaptada a los nuevos tiempos en esa referencia a las redes sociales que aparece un par de veces («te miro las fotos pero no le doy al corazón»), algo que se confirma en el videoclip del tema, en el que en algunos planos Amaia sostiene un teléfono móvil.

Pese a su apego a la tradición, el tema no es menos pegadizo a tenor de lo que se repite su estribillo «escribo tu nombre en mi mano». La toma vocal de Amaia va in crescendo y es impresionante en lo que parece una canción post-ruptura, pese a que la cantante nos había indicado que el disco no iba a ir por ahí. Esto nos decía en diciembre: «El disco no va a hablar mucho sobre eso, por lo menos las canciones que tengo hasta ahora. Igual mañana hago una canción que sí, no lo sé. Pero por ahora no».

Algo ha cambiado en todo caso en el proceso de creación de este álbum, pues la producción no ha corrido ya a cargo de Refree sino de Santiago Motorizado de Él Mató a Un Policía Motorizado, uno de los grupos favoritos de Romero. En cuanto al vídeo, se trata de una sencilla pero bonita producción de Vampire, que se recrea en el carácter bucólico del corte, pero con un ligero punto psicodélico en algunos planos, en sintonía con los pequeños arreglos electrónicos del tema. Vampire ya había trabajado en el vídeo de ‘Un nuevo lugar’ y también para Primavera Sound.

Kylie Minogue vuelve al pop electro en la esperada ‘New York City’, anticipo de su recopilatorio

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Kylie Minogue es uno de los nombres principales (y más sorprendentes) confirmados en la próxima edición del festival Cruïlla 2019 de Barcelona, donde comparte cartel con nombres como The Black Eyed Peas, Garbage, Foals, Bastille, Vetusta Morla, Years & Years o Seu Jorge. Aunque podríamos pensar que su intención en él sería presentar su razonablemente exitoso último trabajo, ‘Golden’, quizá los tiros vayan por otros derroteros, habida cuenta de que antes de su celebración (en el Parc del Fòrum de Barcelona, del 3 al 6 de julio) publicará un nuevo recopilatorio en el que hará un repaso sumario a sus más de 30 años de carrera –que nosotros nos permitimos resumir en 50 canciones, coincidiendo con su 50 aniversario–.

‘Step Back In Time’ saldrá a la venta el próximo día 28 de junio con un formato de doble CD, tanto en edición estándar como en una edición deluxe con un libreto de 32 páginas; también en doble vinilo estándar, además de en una edición limitada de doble vinilo en verde menta, otra con formato gatefold en color negro; y, por último, un doble cassette de edición limitada disponible en cinco colores. En él la australiana reúne todos sus éxitos y singles principales de cada álbum, además de incluir curiosidades que han terminado convirtiéndose en clásicos del pop como los duetos ‘Kids’, con Robbie Williams, y ‘Where The Wild Roses Grow’, con Nick Cave and The Bad Seeds.

Aunque quizá su mayor atractivo sea que incluye un tema completamente inédito llamado ‘New York City’, extraído de las sesiones de ‘Golden‘ y que ya había sido interpretado en directo alguna vez. La canción producida por Dan Stein tiene vibraciones completamente electro, lo cual explicaba que hubiera quedado fuera de su disco «country», pero había sido muy reivindicada por sus fans, que desde entonces anhelaban su edición. Finalmente el día ha llegado. Os dejamos con el tracklist completo de ‘Step Back In Time’:

Can’t Get You Out Of My Head
Spinning Around
Love At First Sight
Dancing
In Your Eyes
Slow
All The Lovers
I Believe In You
In My Arms
On A Night Like This
Your Disco Needs You
Please Stay
2 Hearts
Breathe
Red Blooded Woman
The One
Come Into My World
Wow
Get Outta My Way
Timebomb
Kids (with Robbie Williams)
Stop Me From Falling
Step Back In Time
Better The Devil You Know
Hand On Your Heart
Wouldn’t Change A Thing
Shocked
Especially For You (with Jason Donovan)
I Should Be So Lucky
Celebration
The Loco-Motion
Give Me Just A Little More Time
Never Too Late
Got To Be Certain
Tears On My Pillow
Je Ne Sais Pas Pourquoi
What Kind Of Fool (Heard All That Before)
What Do I Have To Do?
Confide In Me
Put Yourself In My Place
Where The Wild Roses Grow (with Nick Cave & The Bad Seeds)
New York City (Bonus Track)

El “que te pires” de Fujiya & Miyagi inspirado en la zurdera de uno de sus integrantes avanza su nuevo disco

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Fujiya & Miyagi, la simpática banda de krautrock-pop de Brighton autora de canciones como ‘UH’, ‘Ankle Injuries’ o ‘Collarbone’ o de álbumes como ‘Lightbulbs‘, tan aptos para fans tanto de Hot Chip como de Lali Puna, vuelve con un nuevo álbum el 17 de mayo. ‘Flashback’ llega 2 años después del séptimo disco del quinteto británico compuesto por David Best, Stephen Lewis, Ed Chivers, Ben Adamo y Ben Farestuedt, ‘Different Blades from the Same Pair of Scissors’, y el primer adelanto del mismo, el tema titular, llegaba el pasado el 22 de marzo.

Ahora, el grupo comparte un segundo single del álbum llamado ‘Personal Space’, un simpático tema con mensaje “que te pires” que contiene frases como “si te acercas demasiado, te apartaré” o “estás invadiendo mi espacio personal”. David Best, que es zurdo, dice que el tema nació en Taipei cuando se encontraba comiendo en un restaurante. “Ser zurdo significa que a veces la gente te invade mientras estás comiendo”, ha dicho. “En la canción, desarrollo esta idea para hablar de la manera en que la tecnología se entromete en nuestras vidas”.

El artista continúa: “La canción propone regresar a una mentalidad más simple, donde puedes respirar hondo y apreciar las buenas cosas que tienes en lugar de anhelar lo que no tienes”. Otra canción con electrónica hipnótica y voces susurradas que no decepcionará a los fans del grupo. Os dejamos con ella y con ‘Flashback’.

Bill Callahan anuncia nuevo disco de 20 canciones, ‘Shepherd in a Sheepskin Vest’

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El mismo año en que Joanna Newsom ha anunciado su regreso a los escenarios (de momento solo en Estados Unidos), quien fuera su pareja y descubridor Bill Callahan anuncia la llegada de un nuevo álbum para el próximo 14 de junio.

El álbum, que editará Drag City, se llama ‘Shepherd in a Sheepskin Vest’ y contiene 20 pistas con títulos como ‘Watch Me Get Married’, ‘The Ballad of the Hulk’, ‘Camels’ o ‘Tugboats and Tumbleweeds’, por lo que tiene toda la pinta de hacer las delicias de los fans de la americana clásica y moderna.

‘Shepherd in a Sheepskin Vest’ llega seis años después del último álbum de estudio de Callahan, el notable ‘Dream River‘, uno de los mejores álbumes de 2013. De momento no hay single de avance, pero sí un vídeo que muestra la producción del vinilo en fábrica.

‘Shepherd in a Sheepskin Vest’:

01 Shepherd’s Welcome
02 Black Dog on the Beach
03 Angela
04 The Ballad of the Hulk
05 Writing
06 Morning Is My Godmother
07 747
08 Watch Me Get Married
09 Young Icarus
10 Released
11 What Comes After Certainty
12 Confederate Jasmine
13 Call Me Anything
14 Son of the Sea
15 Camels
16 Circles
17 When We Let Go
18 Lonesome Valley
19 Tugboats and Tumbleweeds
20 The Beast

Moldavia no se puede arriesgar menos con su balada para Eurovisión 2019

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Moldavia quedó tercera en la edición de Eurovisión de 2017 con la divertida ‘Hey, Mamma!’ de Sunstroke Project, su mejor posición histórica. El año pasado, el país rumano volvió a despuntar con la bailable ‘My Lucky Day’ de DoReDos, quedando décimo gracias a su colorida puesta en escena. En comparación, el tema que presenta Moldavia este año tiene todas las papeletas para pasar completamente desapercibido en Tel Aviv.

Interpretado por la cantante Anna Odobescu, ‘Stay’ no se parece ni un poquito al clásico homónimo de Rihanna, más bien es el enésimo sucedáneo de ‘Halo’ de Beyoncé. Es otra balada lacrimógena con piano y cuerdas cuya melodía has oído tantas veces que es imposible no anticipar el “key change” de rigor que por supuesto sucede en el estribillo final. En la letra, Odobescu trata de salvar una relación amorosa, mientras el vídeo, con bien de lágrimas bajo la lluvia, por momentos parece más bien una mezcla entre el anuncio de un coche y el de un hotel.

Así las cosas, Moldavia tiene pocas probabilidades de registrar una buena posición este año en Eurovisión. Las críticas no están siendo demasiado favorables entre los eurofans y ‘Stay’ va 37ª en las apuestas. A su favor se puede decir que no es mucho peor que otras de las canciones que se presentan en el festival, como la de Alemania, pero poco más se puede rascar de ella, la verdad.
Calificación: 3/10
En los foros de Eurovisión se dice…: “Mala elección, Moldavia puede hacerlo mucho mejor”
En las casas de apuestas: 37ª

The Cure / Disintegration

La gran obra maestra de The Cure fue un disco envuelto en cierta controversia, del que recelaban tanto su compañía discográfica de entonces, Fiction Records –que, tras celebrar el petardazo de ventas que fue ‘Kiss Me Kiss Me Kiss Me’, no esperaba precisamente un disco oscuro–, como sus propios compañeros de grupo, que veían a Smith inmerso en una deriva turbia, perdido en la ingesta de LSD para recuperar la inspiración, en teoría.

La grabación de ‘Disintegration’ estuvo repleta de accidentes que han contribuido a alimentar la mística en torno a este álbum. Uno de los más recordados es el episodio de las letras quemadas a causa de un incendio en la habitación en la que pernoctaba Smith en la casa-estudio donde se recluyeron en primera instancia para preparar la grabación del álbum. Dice la leyenda que algunas de ellas se salvaron porque los propios miembros de The Cure entraron temerariamente a recuperarlas, y que, en el tono épico y romántico que tanto gusta a los fans del grupo, inspiró el nombre de la canción y, luego, del disco. Roger O’Donnell, teclista del grupo desde aquella época hasta la actualidad, desmitificó el asunto en sus memorias: su histórico productor, David M. Allen, guardaba otra copia de todos los textos.

Pero sin duda uno de los episodios más dolorosos de ese período y de la historia del grupo fue cuando el cantante y compositor hubo de despedir a su amigo de la infancia y fundador de The Cure, Lol Tolhurst. Relegado como teclista tras no mostrar la pericia necesaria a la batería para un grupo de éxito ya internacional como este, sus alcoholismo hizo insostenible su presencia para toda la banda –su sustituto, Roger O’Donnell lo narra de manera explícita–, que empujó a Smith a despedirle por carta antes de la grabación del disco –con excepción de ‘Homesick’–.

A pesar de eso, Smith concedió a que estuviera acreditado como autor, tanto como compositor como intérprete de «otros instrumentos» (así se lee, literalmente, en los créditos originales). Semanas atrás, Tolhurst reaparecía como miembro en su actuación conmemorativa por su inclusión en el Rock And Roll Hall of Fame. En principio, de manera ocasional.

Aquel episodio sin duda fue doloroso, pero nada parecía ponerse en el camino de un Robert Smith que estaba decidido a entregar su obra magna antes de cumplir los 30 años, como consideraba que habían hecho sus grandes referentes: David Bowie, John Lennon, Ray Davies, Jimi Hendrix… Él estaba totalmente obsesionado con esa tarea y el paso del tiempo –se ve que en los 80 los 30 no eran los nuevos 20, precisamente– le atormentaba soberanamente: las referencias nostálgicas y al pasado son constantes, especialmente en ‘Pictures of You’ y la propia ‘Disintegration’, que fue la canción que desencadenó todo el sentido del álbum. Así que parece lógico achacar a ese acicate creativo la tristeza que subyace en todo el disco, puesto que, en lo personal, era un momento muy feliz para él: acababa de contraer matrimonio con su novia, Mary Poole, con la que sigue felizmente casado a día de hoy. De hecho, el single principal ‘Lovesong’ fue un maravilloso regalo de bodas de Robert para ella.

Así que, como decíamos y de manera un tanto desquiciada, su mejor aliado en la composición fue el desasosiego y la ansiedad de superarse a sí mismo en lo artístico. Smith estaba además convencido de que los seguidores del grupo, pese al impacto comercial de su anterior disco, deseaban un regreso a la oscuridad de discos como ‘Pornography’: de hecho, él considera que aquel, ‘Disintegration’ y ‘Bloodflowers’ (2000) conforman una trilogía, y así como tal los interpretaron íntegramente en unos directos que quedaron plasmados en el DVD ‘Trilogy’. Así, pese al relumbrón de sus cuatro singles, que se convirtieron en iconos de la época en buena medida gracias a los memorables vídeos que Tim Pope creó para ellos, ‘Disintegration’ es un disco tan plomizo como el color de los cielos tormentosos y la espesa lluvia que de cuando en cuando escuchamos en él, entrelazados con los plúmbeos sintetizadores que protagonizan los largos y oscuros desarrollos instrumentales que caracterizan en realidad el disco.

Especialmente en su cara B, donde cortes como la propia ‘Disintegration’, ‘The Same Deep Water As You’ o ‘Prayers for Rain’ nos sumergen en un mundo de atmósferas hoscas y asfixiantes, apenas descargadas al final por sencilla (aunque tristísima ‘Homesick’) y la apacible ‘Untitled’. Obviamente, no son las canciones más celebradas de la carrera de The Cure por el público, pero escucharlas hoy hacen palpable la cantidad no ya de grupos, sino de corrientes artísticas completas, que se han inspirado en ellas: shoegazers como Ride o Slowdive deben mucho a esos desarrollos instrumentales expansivos (‘Closedown’, por ejemplo), tanto como el slowcore de Slint o Bedhead. En el plano nacional, a nadie puede escapársele cuánto de esto tenía Sr. Chinarro en sus orígenes, mientras pensamos cuánto ha aprendido Jota de Los Planetas de esa sonrisa que hace vivir al límite de ‘Plainsong’ o esa niña transformada en mujer a ojos vista de ‘Last Dance’. En su cara A, en cambio, temas ‘Fascination Street’ y ‘Plainsong’ parecen hoy un evidente anticipo del rock alternativo de los 90.

Pese a los recelos que llevaron a Elektra Records (que publicó el disco en EEUU) a tildar las demos del disco como «un suicidio comercial», ‘Disintegration’ fue todo un éxito, alcanzando ventas millonarias en todo el mundo –curiosamente, fue disco de platino en España; seguro que el impacto del vídeo de ‘Lullaby’ tuvo mucho que ver–. Pero sobre todo ha pasado a la historia como el mejor álbum de The Cure, esa obra maestra que Smith perseguía con tanto ahínco. De hecho, resulta significativo que ningún disco posterior a este se haya acercado, a equilibrar tanta aceptación crítica como de público (aunque su sucesor, ‘Wish’ (1992), sí fue otro superventas). Como si la quimera gótica –de la que últimamente ha renegado el propio autor– edificada a lo largo aquella década que entonces terminaba hubiera llegado entonces a su zenit. Quién sabe si este nuevo trabajo del que ya se habla como una realidad podrá guardarle la cara a este álbum.

Maluma anuncia los detalles de ’11:11′, su nuevo disco, que incluye una colaboración de Madonna

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Pocas horas antes de su llamativa performance junto a Madonna en los Billboard Music Awards 2019, donde han interpretado ‘Medellín‘, single anticipo del nuevo disco de la Ciccone, ‘Madame X’, Maluma ha lanzado la pre-venta de su propio nuevo trabajo discográfico, ’11:11′.

El sucesor del potable ‘F.A.M.E.‘ se publica de manera inminente, el 17 de mayo, y así Maluma ha revelado tanto su portada (una foto de sí mismo, obvio) como su contra, revelando así el tracklist completo. En él, que por supuesto incluye el single ‘HP‘, no sorprende tanto encontrar que colaboran artistas de su cuerda como Ozuna, Nicky Jam o Zion & Lennox, ni siquiera a Ricky Martin. Más sorprendente resulta comprobar que el rapero estadounidense Ty Dolla $ign participa en un tema titulado ‘Tu vecina’. Y todavía más ver que la propia Madonna ha devuelto el favor al artista coombiano, su nuevo papi, colaborando en uno de sus cortes. Concretamente uno titulado ‘Soltera’. ¿Quizá escenifiquen el divorcio después de su calenturiento matrimonio?

Tracklist de ’11:11′:
1. 11 PM
2. HP
3. No Se Me Quita (feat. Ricky Martin)
4. Dispuesto (feat. Ozuna)
5. No Puedo Olvidarte (feat. Nicky Jam)
6. Me Enamoré de Ti
7. Extrañándote (feat. Zion & Lennox)
8. Shhh (Calla’)
9. Dinero Tiene Cualquiera
10. Soltera (feat. Madonna)
11. Te Quiero
12. Instinto Natural (feat. Sech)
13. Tu Vecina (feat. Ty Dolla $ign)
14. La Flaca (feat. Chencho)
15. Puesto Pa’ Ti (feat. Farina)
16. Déjale Saber

Local Natives / Violet Street

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Parece que a los “pobres” Local Natives siempre les va a perseguir el hecho de que difícilmente podrán escapar de las comparaciones con otros grupos. Coetáneos como Fleet Foxes, Vampire Weekend, Grizzly Bear o Foals son alzados como referentes al hablar o escribir sobre este quinteto de Silver Lake, California. Pero lo cierto es que aquí estamos, 10 años después de su debut, hablando de ‘Violet Street’, su cuarto trabajo de estudio. ¿Es posible construir una carrera sin sonar particularmente personal y reconocible? Parece que sí.

La clave, como siempre, está en las buenas canciones. Eso, que en ‘Hummingbird’ escaseaba, parece que logró hacerles recuperar crédito en ‘Sunlit Youth’ (2016), su primer álbum multinacional, especialmente gracias a ‘Fountain of Youth’ y ‘Dark Days’ (un dueto con Nina Persson). Y, si atendemos a eso, no duelen prendas en decir que, sin duda, ‘Violet Street’ es el mejor trabajo de Local Natives hasta la fecha. Si canciones como el precioso single con toques 80s ‘When Am I Gonna Lose You’ (presentada con un gran vídeo protagonizado por Kate Mara –‘House of Cards’– habla sobre la sensación de pensar que una relación se va a ir a la mierda a pesar de que vaya bien) y la sutilmente desatada y cálida ‘Cafe Amarillo’ ya destacaban como suculentos adelantos, lo mejor de ‘Violet Street’ lo mantenían semioculto en el grueso del álbum.

Me refiero a que, liberada un par de días antes de la publicación del álbum, ‘Megaton Mile’ –un baile el día del apocalipsis– presenta una faceta desconocida en el grupo que, añadiendo a Tame Impala y Fleetwood Mac a la ecuación de nombres citada en el primer párrafo, les muestra más poderosos que nunca: a lomos de una tan atronadora como seductora sección rítmica soul con trasfondo psicodélico, presentan una de sus canciones más instantaneamente memorables. ¿Una casualidad? ‘Gulf Shores’, con los rítmicos golpes que propina su gancho instrumental, y ‘Shy’, igualmente bombástica y de final espectacular, dicen que no, que todo forma parte de una misma línea coherente y rotunda.

Cabe atribuir parte del éxito al productor Shawn Everett (Alabama Shakes, The War On Drugs, Kacey Musgraves, Hinds), que logra un maravilloso equilibrio entre lo orgánico y lo electrónico y saca un enorme partido a las riquísimas percusiones y las voces. Y no solo a las de Taylor Rice, Kelcey Ayer y Ryan Hahn (las armonías vocales al estilo del grupo de Robin Pecknold siguen siendo una de sus enseñas), sino que ‘Cafe Amarillo’ crece, por ejemplo, gracias a a aportación voces femeninas próximas al gospel.

Con su colaboración, el grupo se crece jugando con el espacio sonoro –la composición del álbum tuvo lugar en México, tocando en literalmente a campo abierto–, logran que composiciones menos explosivas como ‘Garden of Elysian’ o el bonito broche final ‘Tap Dancer’ resulten apasionantes en lo sonoro, y que absolutamente nada en ‘Violet Street’ resulte mínimamente vulgar o despreciable (especialmente exquisita resulta ‘Vogue’ como introducción). Así, sin duda, importa mucho menos que el nombre de Local Natives siga aludiendo a otros.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Megaton Mile’,‘When Am I Gonna Lose You’, ‘Shy’, ‘Cafe Amarillo’, ‘Gulf Shores’
Te gustará si te gustan: Fleet Foxes, Grizzly Bear y Foals y añadimos Tame Impala a la ecuación.
Escúchalo: Spotify

Superadas sus adicciones, Bleached aspiran a lo más alto con ‘Hard to Kill’

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Cuando Jennifer y Jessica Clavin, dos jóvenes hermanas de Los Ángeles, dejaban atrás el seminal proyecto de punk femenino adolescente Mika Miko para embarcarse en Bleached, no parecía muy claro si conseguirían sacar adelante su proyecto propio o si se perderían en una nebulosa de bandas olvidadas, como tantas otras bandas de esa era y estética (¿volverán algún día Vivian Girls y Best Coast?). Lo cierto es que, tras su coqueto debut ‘Ride Your Heart‘, las Clavin se reforzaron en su segundo álbum, ‘Welcome the Worms’, más abiertamente hard-rockero y con la aportación de una tercera mujer, Micayla Grace.

Ahora, ya sin el concurso de Grace (ha sido sustituida por Nick Pillot) y sobre todo tras haber superado algunas adicciones que las atormentaban, Bleached regresan con una perspectiva inédita para ellas: la de la sobriedad. “Componer estas canciones estando sobria se convirtió en una especie de experiencia espiritual», explica Jennifer, que esta vez se ha centrado en las melodías vocales y las letras, dejando a Jessie toda la construcción instrumenta, recuperando la dinámica creativa entre las dos hermanas. Así, con producción de Shane Stoneback (Vampire Weekend, Sleigh Bells) han registrado ‘Don’t You Think You’ve Had Enough?’ –título que hace referencia a ese punto de no retorno que alcanzó su vida–, un tercer trabajo que publica de nuevo Dead Oceans el día 12 de julio y que parece su trabajo más ambicioso y decidido hasta la fecha.

Al menos así lo indica su nuevo single –semanas atrás presentaban una grungy ‘Shitty Ballet‘–, una ‘Hard To Kill’ que sitúa a las Clavin en un papel casi desconocido: entre influencias declaradas de The Damned y Paramore, con un ritmo de punk-funk y un silbidito de esos que se hacen irresistibles, Bleached presentan una canción musculosa y atractiva, con melodías vocales impecables y magnéticas que a nosotros nos recuerdan un poco a las añoradas The Long Blondes. Además, su clip, dirigido por otra pareja de hermanas, Juliana y Nicky Giraffe, es una carrera de detectives, mujeres fatales y coreografías con estética 50s igualmente divertida. Sin duda, la sobriedad les sienta muy pero que muy bien.

Tracklist de ‘Don’t You Think You Have Enough?’:
1. Heartbeat Away
2. Hard to Kill
3. Daydream
4. I Get What I Need
5. Somebody Dial 911
6. Kiss You Goodbye
7. Rebound City
8. Silly Girl
9. Valley to LA
10. Real Life
11. Awkward Phase
12. Shitty Ballet

Noel Gallagher vuelve para hacernos bailar con una ‘Black Star Dancing’ que entusiasma a Nile Rodgers

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A punto de llegar a Murcia como cabeza de cartel del festival WARM UP 2019, donde compartirá escenario con Two Door Cinema Club, Amaia, Vetusta Morla, Teenage Fanclub o La Casa Azul, Noel Gallagher tendrá ocasión de estrenar allí un nuevo single lanzado justo hoy, día 2 de mayo. Se trata de una canción titulada ‘Black Star Dancing’ que anticipa un nuevo EP de su proyecto Noel Gallagher’s High Flying Birds. Se titula igual que la canción, se publicará el día 14 de junio y contendrá otras dos canciones inéditas, además de dos mezclas diferentes del tema titular.

Cabe pensar que su título alude a David Bowie y en cierto modo lo hace, aunque no al tono crepuscular del álbum final del genio británico. Según declaraba hace un par de días en un programa de radio de BBC2, la canción «se las arregla para combinar las influencias de David Bowie, INXS, U2, Queen, Indeep y ZZ Top». «Puede que haya estado viendo demasiado ‘Top Of The Pops’ últimamente», dijo también sardónicamente, añadiendo que el mismísimo NIle Rodgers dio su aprobación a la canción diciendo que era «la leche», según palabras del propio compositor principal de Oasis que recoge NME.

Y lo cierto es que, aunque después del viraje electro-bailable obrado por el mancuniano en su último trabajo ‘Who Built The Moon?‘ no se puede decir que es del todo sorprendente, sí es cuanto menos llamativo el espíritu genuinamente bailable de la canción, con un arranque que recuerda a LCD Soundsystem y un desarrollo que también remite a los neoyorquinos !!!. Lo de ZZ Top, por cierto, seguro que va por el solo de guitarra. Veremos si el resto del EP continúa por esos derroteros y, también, si tiene reflejo en un próximo álbum de Gallagher. Cuirosamente, parece bastante probable que vuelva a coincidir en tiempo con el nuevo disco de su hermano/enemigo Liam. ¿Volverá este a superar sus ventas?

Tracklist de ‘Black Star Dancing’:
A1. Black Star Dancing
A2. Rattling Rose
A3. Sail On
B1. Black Star Dancing (12″ Mix)
B2. Black Star Dancing (The Reflex Revision)

Drake arrasa en los Billboard Music Awards, donde actúan Madonna, Taylor Swift, BTS & Halsey…

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Esta noche se han celebrado los Billboard Music Awards, donde Drake, presente en la ceremonia, ha arrasado al hacerse hasta con 12 galardones, sumando su cifra total histórica en las 27 estatuillas. Los premios Billboard son para los artistas más exitosos, por lo que nadie esperaba que el gran ganador fuera el nominado Travis Scott, pero aun así es destacable que Drake se haya hecho con tantos premios, entre ellos mejor artista, mejor artista masculino, mejor artista en el Billboard 200, mejor artista en el Billboard Hot 100, artista más vendedor de canciones, artista con mayor streaming en canciones, etcétera. La mejor artista femenina ha sido Ariana Grande y el mejor grupo BTS. El palmarés completo puede consultarse en la web de Billboard. Foto: Instagram de Madonna.

Sabiendo de antemano quiénes son los artistas más exitosos del año, las miradas estaban puestas en el atractivo cartel de performers, encabezados por Taylor Swift y Brendon Urie de Panic! at the Disco. Ambos realizaron una colorida performance de su hit ‘ME!’, a medio camino entre la espectacularidad de la Super Bowl con decenas de extras y la estética cinematográfica de su vídeo; con Brendon apareciendo por los aires. Curiosamente no han sido seleccionados entre las 10 mejores actuaciones de la noche por la propia revista Billboard, que se ha decantado en primer lugar por el popurrí de nuevos y viejos hits de Jonas Brothers, que han interpretado ‘Jealous’, ‘Cake by the Ocean’ y ‘Sucker’.

Segundos en ese listado han quedado Madonna y Maluma, que han confirmado que su química es excelente en una presentación de ‘Medellín’ en la que se incorporaban varias Madonnas en forma de realidad aumentada. Esta vez la realidad virtual ha tenido más protagonismo que su habitual corte de bailarines que, no obstante, al final sí ha protagonizado una simpática conga. Mariah Carey, que recibía el premio Icon, Kelly Clarkson y finalmente Paula Abdul, han realizado un popurrí de sus éxitos, mientras también entre las actuaciones más comentadas han estado las de Halsey con ‘Without Me’, Ciara con ‘Thinkin Bout You’ y BTS con Halsey. Los vídeos están disponibles en el canal oficial de NBC de Youtube y en la web de Billboard, pero solo para IP americana.




Lola Indigo detalla ‘Akelarre’, del que ya conoces la mitad de canciones

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Lola Indigo ha compartido al fin los detalles de ‘Akelarre’. El álbum debut de la cantante y bailarina granadina Mimi Doblas, quien fuera la primera expulsada de Operación Triunfo 2017 aunque parezca que han pasado siglos desde aquello, sale el 17 de mayo e incluirá todos sus éxitos.

En concreto, ‘Mujer Bruja’ con Mala Rodríguez será la pista 1 y ‘Ya no quiero ná’, la 9 en un álbum de 10 canciones en el que también encontraremos ‘Fuerte’ (canción principal de la edición actual de ‘Fama a bailar’) y los recientes singles ‘El Humo’ (canción principal de la película ‘Lo dejo cuando quiera)’ y el reciente single ‘Maldición’ con Lalo Ebratt. Esto significa que ya has escuchado la mitad de ‘Akelarre’, aunque también que Doblas ha decidido apostar por un álbum de pop conciso y no por el típico disco-playlist de 27 canciones a la moda.

El resto de pistas revela colaboraciones de Nabalez y Maikel Delacalle y títulos como ‘Inocente’ o ‘Amor veneno’. Con los detalles de ‘Akelarre’, Lola Indigo ha compartido a su vez las primeras fechas de la gira de presentación del álbum, que adjuntamos.

Univers anuncian su separación

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La banda barcelonesa de post-punk Univers, autora de los discos ‘L’estat natural’ (2014) y ‘Límit constant’ (2016) y de temas como ‘Aliança 2000’, ‘Joventuts unides’ o ‘Minerals’, la última de las cuales incluimos en nuestra lista de mejores canciones de 2014, ha anunciado su separación.

En un comunicado, el grupo ha escrito: “Después de 8 años tirando alante este proyecto, todos hemos decidido que es el mejor momento para cerrar esta etapa. Algo que ha sido tan importante para nosotros requiere una dedicación que ahora ya no le podemos dar, al menos en la manera que se la dábamos antes. Por esta razón, Univers llega a su fin. Solo nos queda agradecer todo el apoyo que se nos ha dado siempre: a los que habéis agotado las ediciones de nuestros discos, a los que habéis cantado nuestras canciones en los conciertos o a los que habéis editado estos temas en formato físico y nos habéis ayudado en todo lo que habéis podido: sobre todo a Famèlic y a Modern Obscure Music”.

Univers informa que celebrará su concierto de despedida el día 14 de junio en la Sala VOL de Barcelona. Le acompañarán las bandas Heather y Tercer Sol.

Bad Gyal da el salto a una multinacional y firma por Interscope y Aftercluv

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Después de triunfar de manera independiente con sus hits de dancehall ‘Fiebre’, ‘Mercadona’, ‘Jacaranda’, ‘Más raro’ o ‘Candela’ y en general con sus dos mixtapes, ‘Slow Wine Mixtape‘ y ‘Worldwide Angel‘, que le han abierto las puertas del mercado internacional, llevándola a actuar por todo el mundo y a sumar millones de reproducciones en las plataformas de streaming, Bad Gyal ha decidido llevar su carrera al siguiente nivel y ha fichado por Interscope y Aftercluv, dos grandes sellos pertenecientes a la multinacional Universal Music Group.

La nota de prensa indica que, así, «la artista barcelonesa pasa a compartir casa discográfica con artistas como Lady Gaga, Kendrick Lamar, Billie Eilish o Lana del Rey» con el objetivo de «conquistar el mercado global». El texto se refiere en concreto a Interscope, que trabajará con Bad Gyal en el mercado anglosajón, mientras Afterluv lo hará en el latino, pues es casa de artistas como Karol G o Charly Black. ‘Open the Door‘, el single de Bad Gyal con Govana y DJ Papis, ya había salido a través de Aftercluv.

Sobre el fichaje, Bad Gyal ha dicho: «Esta decisión creo que va a suponer un cambio en mi vida. He sido paciente, he esperado a que fuese el momento adecuado para mí y para mi carrera. Me siento con muchas ganas, con mucha energía, aprovechando la oportunidad que te brinda trabajar con estos dos equipos discográficos, para expandir mi creatividad y dar lo mejor de mí. Seguiré siendo yo misma pero llevándolo todo al mejor nivel posible. Estoy muy contenta y muy emocionada».

Por otro lado, esto es lo que tiene que decir sobre Bad Gyal Sam Riback, Presidente de A&R en Interscope: «Bad Gyal ha revolucionado completamente la escena underground de España y estamos ansiosos por ver cómo conecta en Estados Unidos. Cuando Matt Morris de mi equipo me mostró la música de Bad Gyal, supe que era una fuerza de la naturaleza con un sonido que desafiaba la categorización. Estamos muy emocionados de nuestra colaboración con Aftercluv para llevar su música a una escala global». Luis Estrada, director de Aftercluv, añade: «Bad Gyal es pura expresión personal, navegando dentro y fuera de diversos géneros y estilos, creando un sinfín de música que huye de los sellos o las condiciones. No podríamos estar más emocionados de trabajar con Bad Gyal, con su equipo y con nuestros compañeros de Interscope».

‘A Lot’s Gonna Change’ de Weyes Blood es uno de esos inicios de disco que sobrecogen

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Pocas cosas hay mejores que escuchar un disco por primera vez y que su primera pista te atrape de manera que sabes que va a ser para siempre. ‘Titanic Rising‘ de Weyes Blood es uno de esos álbumes. La cantautora de Santa Mónica, cuyo nombre real es Natalie Mering, publicaba el pasado mes de abril un trabajo espectacular basado -en su mayor parte- en la canción pop clásica americana de los 60 y 70 de gente tipo Carpenters o Judy Collins, aunque con breves pero cruciales buceos en la electrónica new age inspirados en la música de su admirada Enya. Todo esto conceptualizado en un álbum sobre el devenir del ser humano que está recibiendo unas críticas magníficas.

‘A Lot’s Gonna Change’, el tema que abre ‘Titanic Rising’, pertenece al grupo de canciones del álbum inspiradas en el pop clásico. Empieza con unos sintetizadores góticos, pero cuando irrumpe la melodía de piano queda claro que esto es puro pop melódico de los 70. Crystal Gayle la habría cantado, aunque el tema está siendo comparado sobre todo con Carpenters por la voz de Weyes, parecida a la de Karen como ya lo era la de la cantante británica Rumer. En cualquier caso, ‘A Lot’s Gonna Change’ no solo es más dramática que cualquier balada romántica de Carpenters sino que también tiene un punto cinematográfico, introducido por su escalofriante sección de cuerdas, que lo convierte en un inicio cuanto menos épico para ‘Titanic Rising’.

En un disco que habla sobre el cambio climático o la evolución del amor a través de las redes sociales, ‘A Lot’s Gonna Change’ establece el tono general de ‘Titanic Rising’ también en cuanto a su mensaje. La letra es nostálgica, pues de hecho empieza con Weyes cantando sobre su deseo de volver a ser una niña y regresar a ese mundo imposible de corromper por la inocencia, pero ‘A Lot’s Gonna Change’ presenta ante todo un mensaje de esperanza y aboga por mirar hacia adelante y enfrentarnos a las adversidades con serenidad y valentía. En un mundo adicto a la nostalgia como si fuera heroína, el mensaje de ‘A Lot’s Gonna Change’ es un soplo de aire fresco pese a lo irónico que pueda parecer, pues la canción no puede ser sonar más nostálgica.

12 artistas imprescindibles en el cartel de WARM UP 2019

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Este fin de semana, los días 3 y 4 de mayo, llega el «primer gran festival del año» , el WARM UP de Murcia. Y lo hace con un cartel realmente atractivo, en el que incluso los nombres en tercera fila parecen cabezas de cartel. Repasamos 11 de los más importantes (no podían ser menos) y os recordamos que los horarios del festival ya están disponibles. Toda la información sobre las actividades paralelas de WARM UP la encontrarás en su página web.

Two Door Cinema Club

La banda autora de éxitos como ‘What You Know’ o ‘Undercover Martyn’ sigue fiel a su sonido fiestero y este año publicará un álbum, ‘False Alarm’, en el que refuerza su vena electrónica. Al menos eso se desprende de los dos sencillos lanzados hasta el momento, ‘Talk’ y el más reciente ‘Satellite’. No hace falta decir que su concierto el 3 de mayo estará a rebosar de gente cantando y bailando sus canciones.

Noel Gallagher’s High Flying Birds

Los conciertos de Noel Gallagher son por supuesto masivos, en primer lugar porque suponen una de las dos formas que existen actualmente de escuchar en directo los grandes clásicos de Oasis (la segunda son los conciertos de su hermano Liam). Y en segundo porque sus álbumes en solitario suelen estar bastante bien y dentro de su proyecto High Flying Birds se ha sacado de la manga varios temazos. Su último disco, ‘Who Built the Moon?’, además recibió una nominación al Mercury Prize.

Amaia

La ganadora de Operación Triunfo 2017 había confirmado que “pronto” tendríamos noticias suyas y el 3 de mayo lanzará al fin ‘El relámpago’, el primer single oficial de su próximo disco. Es el mismo día en que la navarra actuará en el festival murciano, en el que se espera que se olvide (aunque no del todo) de las versiones y toque más canciones nuevas pertenecientes a ese esperado debut que ha creado entre Barcelona y Buenos Aires.

La Casa Azul

Guille Milkyway tocará en Murcia las canciones de su esperadísimo nuevo disco, ‘La Gran Esfera’, algunas de las cuales ya había presentado en vivo. Una ocasión perfecta para cantar a pleno pulmón estribillos de nuevo estelares como los de ‘El final del amor eterno’, ‘El colapso gravitacional’ o el ya clásico (y no porque saliera en 2016) ‘Podría ser peor’. Recientemente hemos repasado la discografía de La Casa Azul para dilucidar cuál es su mejor disco.

Miss Caffeina

10 años después del lanzamiento de su primer EP, ‘Magnética’, el grupo madrileño comandado por Alberto Jiménez se encuentra en el mejor momento de su carrera, pues acaba de ser número 1 de ventas en España con su nuevo trabajo, ‘Oh Long Johnson’, gracias al éxito de los singles ‘Merlí’ y ‘Reina’. Un éxito precedido, claro, por el obtenido previamente por su álbum ‘Detroit’ y el single ‘Mira cómo vuelo’.

Carolina Durante

El grupo autor de ‘Cayetano’ llega a Murcia con su esperado debut recién salido del horno. Y también convertido en la mayor promesa del rock en español de la actualidad. Son palabras mayores, pero no tantos grupos indie, salidos de un sello pequeño como Sonido Muchacho, llegan a su debut con dos hitazos bajo el brazo como el mencionado ‘Cayetano’ y ‘Perdona (ahora sí que sí)’ con Amaia y lo mejor es que su debut contiene más himnos potenciales que sumar a su repertorio, como ‘El año’. ¿Se pasará Amaia por su concierto? Parece que sí: el mismo día, el 3 de mayo, ella actúa antes y ellos justo después.

Roosevelt

Con la tontería, Roosevelt ha conseguido despuntar entre las decenas de proyectos de synth-pop que surgen cada año de manera bastante triunfal, pues él es alemán y además su propuesta no parece la más original del mundo. Sin embargo, el nombre del proyecto de Marius Lauber aparece bien arriba en el cartel de WARM UP y está claro que sus pegadizas canciones han conquistado al público, y si su debut dejaba temas estupendos como ‘Wait Up’, su segundo trabajo ‘Young Romance’ era aún mejor, sumando a su repertorio singles de la talla de ‘Under the Sun’.

Zahara

De manera similar a Miss Caffeina, Zahara se encuentra en un momento profesional pletórico cuando están a punto de cumplirse 10 años desde el lanzamiento de su primer disco, ‘La fabulosa historia de Zahara’. Paso a paso, lanzando discos mejores cada vez, Zahara ha llegado a 2019 con el excelente ‘Astronauta’, presentando singles ya clave de su repertorio como ‘Hoy la bestia cena en casa’, currándose la edición física del álbum como pocos y sobre todo ofreciendo un directo divertídisimo, a la altura de su estatus.

Teenage Fanclub

Uno de los cabezas del cartel del 4 de mayo en WARM UP es Teenage Fanclub, una de las bandas de indie pop clave de los 90 gracias a discos como ‘Bandwagonesque’ y a canciones como ‘Sparky’s Dream’. Precisamente el autor principal de esta canción, Gerard Love, abandonó la formación el año pasado, por lo que estos están siendo los primeros conciertos de Teenage Fanclub sin uno de sus componentes originales. El grupo ha compensado la situación publicando un tema nuevo, ‘Everything is Falling Apart’, con un puntito a Deerhunter.

The Jesus and Mary Chain

Una de las bandas de rock alternativo más influyentes de los 80, sobre todo en cuanto a su contribución al nacimiento del shoegaze con su obra maestra de 1984, ‘Pychocandy’, The Jesus and Mary Chain siguen presentando sus emblemáticas canciones por el mundo un año después de girar junto a Nine Inch Nails, y el 3 de mayo su gira recaba en Murcia. Otra gran oportunidad para recordar en vivo la importancia de canciones como ‘Just Like Honey’ y de otros álbumes como ‘Darkland’ y también para recuperar las canciones de ‘Damage and Joy‘, el último álbum de la banda, lanzado en 2017 y que estaba bastante bien.

Vetusta Morla

Poco más se puede decir que no se sepa sobre el grupo español más importante en estos momentos. La popularidad de Vetusta Morla no conoce desgaste y el grupo, que ha ido publicando álbumes a cada cual mejor, consolidándose como un grupo tan independiente como masivo, celebrará en WARM UP el décimo aniversario de su histórico debut con un show especial centrado en aquel disco que incluía hits como ‘Copenhague’ o ‘Sálvese quien pueda’.

Novedades Carminha

Otro grupo en la cúspide de su carrera, Novedades Carminha no ha hecho más que crecer y crecer sobre todo desde el lanzamiento de ‘Campeones del mundo’ y hoy, asumidas influencias que van de la música disco a William Onyeabor pasando por la rumba, es artífice de uno de los directos más divertidos, verbeneros y concurridos que pueden verse en el (indie) pop nacional, como se puede comprobar siempre que suenan en directo ‘Yo te quiero igual’, ‘Verbena’, ‘Ya no te veo’ con DELLAFUENTE u ‘Obsesionada’, solo cuatro de sus recientes éxitos.

¿Ha sido el 8×03 de ‘Juego de Tronos’ el mejor episodio de la historia de la TV?

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Por si aún no te has enterado a pesar de la multitud de carteles publicitarios, y de que Twitter sea un campo de minas de spoilers cada lunes: se está emitiendo la octava temporada de ‘Juego de Tronos’, que es además la encargada de poner punto y final a la que se ha convertido en la serie más popular de la década, y según muchos también la última que viviremos en comunidad de esta forma. El inicio de temporada rompió récords de audiencia, y no me extrañaría que este episodio lo haya pulverizado: tras dos primeros capítulos más calmados, estaba anunciado que ‘The Long Night’, el 8×03, iba a ser esa tormenta que llega tras la calma, y todos vaticinábamos batallas espectaculares y muertes por doquier (¿quién no ha hecho porra con amigos estos días?). Finalmente, el día ha llegado y, aunque con críticas de algunos fans, en general muchos seguidores y no pocos medios coinciden en encumbrarlo como el mejor capítulo de la serie. Y no solo eso, sino el mejor capítulo jamás emitido en televisión. Yo diría que esto último es fliparse un poco, pero sí comparto que nunca habíamos visto algo así. Probablemente no sea el mejor, pero sí el más ambicioso y espectacular, y sin duda uno de los que han tenido más en vilo a los espectadores, a pesar de su duración. En este artículo vamos a repasar algunas de las claves que pueden haber influido en ello. AVISO: A PARTIR DE AQUÍ HAY SPOILERS DEL CAPÍTULO 8×03. En serio, no sigas leyendo. Huye. ¿…sigues aquí? ¡Última oportunidad!

55 días para rodar una batalla: es obvio que a ‘The Long Night’ pocos pueden toserle a nivel de espectacularidad, pero no se trata solo del tamaño de los ejércitos, los destrozos de castillos, los dragones, gigantes, etc, sino de las sensaciones que consigue transmitir. Muchos pensábamos que Daenerys, Jon y compañía iban a perder, que algunos de sus compañeros morirían en la batalla y el resto tendría que huir (a las Islas de Hierro, como dejó caer Yara un par de episodios atrás). Pero lo que no imaginábamos es llegar a un momento de “todo o nada”. Y es que, al ver a TODOS los personajes al borde de la muerte, solo había tres opciones: o morían todos (improbable), o moría el Rey de la Noche (también improbable, ¿no?) o Bran volvía al pasado (improbable porque Benioff y Weiss aprendieron de lo mal que salió eso en ‘Lost’). El desasosiego constante que se crea en el público es tremendo.

La iluminación -o falta de ella- se ha criticado mucho, por ser demasiado oscuras las escenas y llegar a ser hasta caótico ver (o más bien intuir) qué estaba ocurriendo, pero a mí me parece una buena decisión, y una de los motivos por los que hemos estado en vilo casi hora y media. Además, nunca antes habíamos tenido a prácticamente todos los protagonistas en una misma batalla, lo cual hace enormemente complicado no perder el ritmo y, a la vez, abarcar a todos los personajes. Pero ‘Juego de Tronos’ es mucho más que su espectacularidad y sus batallas y, por mucho presupuesto que tuviese el episodio, no nos habría mantenido en tensión de esta forma de no ser por sus personajes y su evolución, una de las grandes bazas de la serie. Especialmente si tenemos en cuenta que el camino de algunos les ha llevado finalmente a desembocar en lo que aquí acontece.

Arya y Melisandre son el ejemplo más claro. Los fans de Arya (no vale hacerse fan ahora, ¿eh?), como los de Tyrion, quien espero que también tenga su momento, teníamos cada vez más difícil justificar nuestra pasión, con unas tramas que les convertían en personajes que no parecía que fuesen a aportar mucho en el final de la serie. Pero entonces todo hace “clic”. Y mira que lo teníamos en nuestra cara desde la tercera temporada: Arya es Azor Ahai, o eso podemos deducir de sus acciones en este capítulo. A la propia actriz le preocupaba cómo se iban a tomar los fans esta revelación, ya que las apuestas estaban en Jon, Daenerys o Tyrion –o incluso Gendry, por la sangre Baratheon. Pero este giro da un sentido al propósito de Arya; ya en la primera temporada Syrio le decía eso de “what do we say to the God of Death? Not today”, se pasa varias temporadas entrenando y volviéndose casi psicópata, y finalmente le dice “not today” a quien simboliza la muerte en sí. Se cierra un ciclo también para Melisandre, que protagoniza a lo ‘Frozen’ de Madonna el último plano del episodio.

No todo son alabanzas, claro. Haber tomado esa decisión le da una dosis extra de épica al capítulo, pero también nos deja sin “jefe final” cuando aún quedan casi cuatro horas más. Porque Cersei es un gran personaje, Lena Headey una gran actriz… pero, seamos sinceros, no da más miedo que un puto ejército zombie cuyo líder es una especie de Anticristo. Y a ver, que esto sí es para indignarse: ¿en serio Euron Greyjoy sigue vivo y el Rey de la Noche no? Espero que sea para que Yara le rebane la cabeza nada más verlo. Otra pega es hasta qué punto llega aquí la suspensión de la credibilidad. Los Dothraki y los Inmaculados están prácticamente aniquilados (o al menos diezmados), lo cual es lógico, dado el enemigo al que se enfrentaban. Pero precisamente, dado el enemigo al que se enfrentaban, ¿cómo es posible que todos los personajes principales sobrevivan? Quizás en otra serie aceptaríamos barco con más facilidad, pero ‘Juego de Tronos’ no ha sido precisamente temerosa ni poco realista en este aspecto: en un mundo injusto y violento, mucha gente justa muere de forma violenta. Desde luego no pensábamos que la Batalla de Hogwarts iba a ser un baño de sangre mayor y más dramático que la Batalla de Invernalia.

“¿Y ahora qué?” es lo que la mayoría de sus fans se están preguntando, y seguro que es también lo que se preguntará Guadalupe, la maravillosa Abuela de Dragones. Existe la posibilidad de que la amenaza sobrenatural no se haya eliminado del todo, de que quieran que nos confiemos para darnos un golpe de efecto (¿se convertirá Arya en Rey de la Noche y tendrá que matarla Gendry, cumpliendo la profecía?). Pero también nos encajaría que ese haya sido el final definitivo de los Caminantes Blancos, y ahora haya que enfrentarse no solo a Cersei, sino a otra amenaza: poder gobernar: George R.R. Martin ya advirtió de que le diferenciaba de Tolkien su opinión sobre la bondad de las personas que ostentaban el poder, y que ‘Canción de hielo y fuego’ tiraba más hacia la política que hacia la fantasía. En cualquier caso, en pocos capítulos (snif) saldremos de dudas. Y es que no habrá sido “el mejor episodio de una serie de la Historia”, pero sí todo un acontecimiento que nos vuelve a demostrar que ‘Juego de Tronos’ es eso: más que una serie, todo un acontecimiento.

Oso Leone / Gallery Love

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Si el salto que obraron Oso Leone en los 2 años transcurridos desde su debut homónimo hasta la publicación de ‘Mokragora‘, un álbum (y sus directos de presentación) les valió una repercusión internacional que alcanzó medios como Pitchfork, The Line of Best Fit o XLR8R, imaginemos lo que dan de sí para los mallorquines 6 años. Son los que han pasado desde aquel disco hasta que han publicado ‘Gallery Love’, su tercer álbum (publicado por el sello belga Apollo Records). El grupo ha tenido cambios de formación, con Xavi Marín aún al frente, Eusebio A. Joy aún al bajo y la crucial incorporación de Emil Saiz (hijo del histórico Suso Saiz, también conocido por su proyecto Nothing Places). Pero, sobre todo, ha dado un viraje estilístico sorprendente que ya dejaron entrever hará algo más de un año en ‘Virtual U‘.

Esta fantástica canción marca el tono del disco y la nueva dirección de todo el álbum: suaves ráfagas de R&B, jazz, soul y funk se entremezclan en un sólo fluido cálido, en el que las guitarras comparten parte protagonismo con sintetizadores melosos y percusiones exuberantes y seductoras, con la voz de Xavi en un perpetuo falsete que por momentos parece evocar aquellas sexy quiet storms de los 70 a las que también apelaban Rhye –aunque con un enfoque diferente– en su último trabajo. Al grupo de Mike Milosh nos recuerda por ejemplo ‘Best In You‘, aunque su enfoque experimental, con ritmos que se esconden y cambios de pitch, es muy distinto en forma y fondo. ‘Gallery Love‘, por su parte, presenta tintes más abstractos y free jazz que hermanan a Oso Leone con los Sade más inquieta y menos pop –no deja de resultar llamativo que las inflexiones vocales de Marín nos recuerden tanto a las de Adu).

De manera nada casual, primer, segundo y tercer adelantos (el que da nombre al disco) se suceden así en el tracklist, estableciendo los colores de la paleta de azules y grises que emplea el trío en todo ‘Gallery Love’. Un disco de innegable calidad, elegancia y personalidad –el trabajo realizado con guitarras y sintes para aportar matices resulta exquisito– que nos deja momentos sublimes pero que, precisamente por esa paleta de colores a la que se limita, termina resultando demasiado reiterativo. Desde luego parece lejos de su intención crear un disco repleto de giros y sobresaltos sin más bien una experiencia inmersiva, pero la mansedumbre atmosférica que respira puede ser, por momentos, un poco hueso.

Aunque ojo, porque incluso así, en los tránsitos de apariencia más ensimismada encontramos preciosos hallazgos en momentos de calma, como las segundas mitades de ‘Riverside of Jasmines’ o el final de ‘Blue Come In’. Y cuando dan con la mezcla de colores adecuada, vuelven a resultar tan deslumbrantes como al principio de ‘Gallery Love’: ‘Vernal Pools’ retoma ese camino de ‘Virtual U’ en el que se dan la mano Blood Orange, Sun Ra y Solange, mientras que ‘A Pale Blue Dot’ no puede (ni seguramente quiera) evitar recordarnos a los Talk Talk de ‘Spirit of Eden’. Palabras mayores.

Oso Leone presentan en directo (una de sus mejores bazas) ‘Gallery Love’ en Madrid este jueves, 2 de mayo, en Suena Conde Duque, donde también ofrecerán una masterclass en la que mostrarán su proceso compositivo como banda y compartirán las influencias de las que beben para crear su música. Será al día siguiente, 3 de mayo, desde las 11:30h y de forma gratuita, hasta completar el aforo.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Virtual U’, ‘Best In You’, ‘Gallery Love’, ‘Vernal Pools’
Te gustará si te gustan: Talk Talk, Blood Orange, Solange, Rhye
Escúchalo: Spotify