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Monago, candidato del PP a la Junta de Extremadura, apela al voto declarándose fan de Camela

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Aunque no lo parezca, la campaña electoral para las próximas elecciones generales, autonómicas, locales y europeas de nuestro país –todas ellas a celebrarse en casi todo el territorio español en los próximos meses– no ha empezado aún oficialmente. Pero sí oficiosamente: prácticamente desde que Pedro Sánchez convocara elecciones a la presidencia del gobierno, las estructuras de todos los partidos políticos están entregados a lanzar a los ciudadanos mítines, eslóganes y propuestas llamativas. Por eso José Antonio Monago, como candidato por el Partido Popular a presidir la Junta de Extremadura (de la que ya estuvo al frente entre los años 2011 y 2015), estaba esta mañana dando un discurso ante sus parroquianos. Todo normal salvo por una despiporrante declaración que les ha llevado tanto a él como al grupo Camela a ser trending topic esta mañana.

Según muestra un vídeo, Monago lanzaba un llamativo speech a favor del dúo de San Cristóbal de Los Ángeles (Madrid): «¿Sabéis cuál es el segundo grupo que más discos ha vendido de la historia de España? [Nde: Pausa dramática haciendo aspavientos] Camela. A mí me gusta Camela. Aquí la moda es decir que me gusta lo indie. O la fusión. O el tecno. A mí, Camela. [Nde: Y aquí viene el quid] Porque en los pueblos llenan de gente. De gente sencilla, de gente humilde. Porque no tienen patronos de multinacionales. ¡Me gusta Camela! ¡Que empezaron a vender las cintas en las gasolineras y en los mercadillos y son el segundo grupo que más ha vendido!» Las declaraciones de Monago no sólamente se han hecho virales sino que también han desatado numerosos memes, al menos tan guasones como el discurso del político.

Señor Monago: bien por reivindicar a Dionisio y Ángeles que, evidentemente, son autores de auténticos temazos de la vida. Pero su discuso hace aguas. Más allá de que tiene huevos que un dirigente del Partido Popular reivindique a un grupo que, efectivamente, ha sido encumbrado y admirado por la gente humilde con la que tradicionalmente no ha empatizado la formación; más allá de que hace 15 años que Camela publican discos con «patronos de multinacionales» (antes con Parlophone, ahora con Warner); y más allá de que «lo indie» no está claro que esté tan de moda, o que, precisamente Camela nazcan de una «fusión» de copla, rumba y «tecno»; su discurso es incierto. Porque no, Camela no son el segundo grupo español que más ha vendido en España. Como mínimo Mecano y La Oreja de Van Gogh han vendido más discos que Camela de manera oficial, y, si bien es cierto que no hay datos 100% fiables (en su momento pudieron vender muchos cassettes piratas), parece un hecho que grupos como Hombres G, Los Chichos, Héroes del Silencio, o Dúo Dinámico y Baccara, si hablamos de dúos, han vendido probablemente los mismos o más discos que los madrileños. Y eso que su último disco, un recopilatorio con invitados de excepción, ha sido top 1 de los álbumes más vendidos en las últimas. Pero eso, hoy día, no es mucho decir en cuanto a cifras, desgraciadamente. Aún así, buen intento, Señor Monago.

Anitta y Becky G piden ‘Banana’ y otros dulces en un sexy y colorido mercadillo

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Anitta había estado contemporizando su primer lanzamiento en la esfera internacional del pop desde que en 2015 publicara ‘Bang’, su último disco de estudio, cuando apenas había comenzado a asomar fuera del mercado brasileño. Pero, tras singles como ‘Switch‘ con Iggy Azalea, ‘Downtown‘ y ‘Machika‘ con J Balvin, ‘Vai malandra‘, ‘Is That For Me’ con Alesso, y ‘R.I.P.‘ con Sofia Reyes y Rita Ora, su popularidad ha crecido lo suficiente como para que el disco que lanzaba ayer, ‘Kisses’, llegue con toda la alharaca de cualquier otra estrella del pop anglosajón. Hasta el punto de que ha presentado simultáneamente en su canal de Youtube un vídeo oficial para cada uno de los temas del disco.

‘Kisses’ se cierra llamativamente con un dueto con nada menos que Caetano Veloso, pero sobre está repleto de invitados de campanillas para el mercado norteamericano como Snoop Dogg, Swae Lee o Alesso, junto a otros del planeta latino como Prince Royce o Mambo Kings. Aunque sin duda sobre todos ellos destaca Becky G, con la que ya había colaborado en un remix de ‘Mala mía’ de Maluma, mostrando la buena química entre ambas. Y participa en ‘Banana’, que destaca enseguida como uno de sus cortes más potentes.

Por eso ha sido objeto de un clip oficial –sinceramente, otra cosa hubiera sido una decepción– que es exactamente lo que cabía esperar para una letra repleta de metáforas sexuales a través de la comida, sobre chocolate, chicles, frutas y, en general, todo tipo de viandas dulces de las que brasileña y estadounidense no se cansan de pedir a su amante. Básicamente, como se saben expertas en materia oral, se dedican a reclamar su propia satisfacción primero, antes de que llegue el momento de degustar el plátano. Toda esta finura tiene una traslación visual tan colorida y sexy como merecía. Tras irrumpir en una cama del fruto amarillo –para luego cabalgar juntas sobre uno gigante–, Anitta y Becky se pasean por un mercadillo con puestos llenos de fruta y gente que permanece impasible al perreo del dúo femenino.

Karen O & Danger Mouse / Lux Prima

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A menudo los discos editados por superestrellas en proyectos paralelos pasan mucho más desapercibidos que los principales. Sucede a mayor o menor nivel, desde Wings a A Camp pasando por The Last Shadow Puppets. Unos pasan a la historia, como Crosby, Stills, Nash & Young; otros caen en el olvido como Monsters of Folk. A la espera de averiguar qué sucede con la carrera de Yeah Yeah Yeahs, Karen O ha publicado junto a Danger Mouse un disco que resulta una de las grandes curiosidades del primer trimestre del álbum. Un disco embriagador aunque lo sea por las razones inesperadas, no tanto por sus «singles».

De entrada, ‘Lux Prima’ suena justo como te esperas. Karen O, que tiene una considerable experiencia como autora de bandas sonoras tras haber sido nominada a un Grammy por el tema de ‘Donde viven los monstruos‘, y a un Oscar por el tema principal de ‘HER‘; exprime ese lado tan cinético que siempre ha tenido ahí Danger Mouse como productor, apreciable sobre todo en su proyecto junto al líder de The Shins, Broken Bells. Así, este disco resulta una excelente banda sonora imaginaria, influida por proyectos de los 60 como United States of America. Hablando de proyectos paralelos, recuerdan un poquito al trabajo de Cat’s Eyes.

La pena es que el resultado no se haya redondeado conceptualmente, resultando por momentos incluso contradictorio en su cometido. El álbum se abre con una pista de 9 minutos dividida en varios movimientos. Cuando llega la letra principal del tema -y se hace tanto de rogar que parece que ha comenzado el corte 2-, Karen O nos está hablando de una relación de dependencia en la que solo podemos percibir la obsesión por un ser querido. ‘Turn the Light’ es un corte en cambio hedonista sobre «dejar la cabeza en casa» para pasártelo bien bailando por ahí; mientras que ‘Woman’, menos carismática de lo que sugiere su título, un tema que incluso queda pequeño a la grandeza de Karen O, habla sobre empoderamiento, concluyendo «mi única amiga voy a ser yo». Más o menos lo mismo que sugiere ‘Redeemer’, un tema algo flojo en el que lo único bueno que pasa es ese desafiante «no vienes a por mí / soy yo la que va a por ti».

‘Lux Prima’, que culmina con una fantasía sobre ser otra persona entonada desde una habitación privada, con la «puerta abierta» para dejar pasar los sueños, podría haber sido una película conceptual sobre la contradicción humana entre quererse a una misma, ser una misma y odiarse el día siguiente. Pero Karen O y Danger Mouse no han terminado de pensar en grande en este proyecto, como muestra el modo en que han grabado la bonita ‘Reveries’. Una pena porque cuando el disco deslumbra, resulta fascinante de verdad. Y sucede en varias ocasiones.

Hay pasajes instrumentales realmente hermosos, como sucede en el arranque del álbum o en la escalofriante ‘Drown’, en la que Karen O suplica «deja que me ahogue, por favor», como aparente forma de evasión ante una mentira que no podemos soportar. Y hay una fuerte pulsión sexual emergiendo repetidamente a lo largo de la secuencia, que por ejemplo se asoma en el funky de ‘Turn the Light’, repite en el juego entre «lust» y «lost» en ‘Redeemer’ (porque la «lujuria» y estar «perdido» es muy parecido), y se consagra en la mejor canción del álbum, la sensual ‘Leopard’s Tongue’, puro sexo, si no cerdeo, cuando Karen O habla del «animal interior al que ha de alimentar». «Used up, used up, I’m used up, Now get’em», repite insaciable. Un álbum por momentos realmente cautivador que se ha quedado a las puertas de ser grande de verdad.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘Leopard’s Tongue’, ‘Drown’, ‘Turn the Light’
Te gustará si te gusta: Cat’s Eyes, Broken Bells, United States of America
Escúchala: Spotify

‘Between the Lines’ de Robyn te haría sudar en Ibiza y en cualquier parte

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Robyn ha estrenado videoclip para otro de los temas de ‘Honey‘ que mejor están funcionando en streaming. La sueca acababa de presentar ‘Ever Again’ en televisión, con una puesta en escena bastante invernal, pero el single que ha decidido potenciar ahora es ‘Between the Lines’, como no podía ser de otra manera pues el verano está a la vuelta de la esquina y este es uno de los temas más bailables y veraniegos del álbum, que cabe recordar, Robyn compuso en parte en Ibiza, donde la cantante ha solido actuar o pinchar en varias ocasiones en los últimos tiempos.

Colocada entre la envolvente ‘Honey’ y la hipnótica ‘Beach 2K20’, ‘Between the Lines’ es una cumbre de diversión absoluta en el disco de Robyn, además recreándose en una letra más sexy imposible, que es pura seducción y coqueteo: “no son tus palabras, es lo que hay entre ellas, sabes lo quieres, y a mí me gusta”. Para la composición de ‘Between the Lines’, la sueca se inspiró en la música dance de los 90, lo cual es obvio en sus elegantes ritmos y acordes de teclado propios del deep house de la época, mucho más cerca del sonido fino de Sole Fusion o 95 North que del discotequero de CeCe Peniston. Sin embargo, Robyn saca este ritmo al sol, mediante una producción luminosa y el anuncio ocasional de palabras como “relax” por parte de una narradora anónima en éxtasis, que anticipan las sutiles cumbres de la canción.

‘Between the Lines’ es un ejemplo perfecto de la influencia que ha supuesto en Robyn la música de baile en su último disco. “Cuando entiendes esta manera de relacionarte con la música de baile en un club, que tiene más que ver con estar en el lugar en el que estás y disfrutar de la música todos juntos, la música cambia”, declaraba hace unos meses en una entrevista. Las canciones de pop tienen sus cumbres, pero con la música de club, tiene que ver más con el groove, con disfrutar del momento. Bailar cambió mi manera de escuchar música”.

El vídeo para ‘Between the Lines’ es tan despreocupado como la canción, y se compone de imágenes de archivo de Robyn y sus colegas SSION o Kindness, entre otros, de vacaciones en Ibiza. De hecho, el propio SSION ha dirigido con su cámara digital la pieza, sobre la que ha dejado unas interesantes declaraciones: “evitando una producción cara de más o con historia, el objetivo ha sido capturar algo divertido y despreocupado en servicio absoluto de la canción. Queríamos que el vídeo tuviera un punto íntimo, caótico, sudoroso, tontorrón y ligeramente voyeurista».

Y continúa: «Robyn es una de mis personas favoritas con las que colaborar y hacer este vídeo nos ha permitido jugar y recrearnos en los extremos de estar en un lugar como Ibiza. La agresiva ordinariez de la cultura del turismo chocaba con la serenidad de las playas… También hemos buscado una edición tosca y dejar todos esos audios de nosotros partiéndonos de risa, hablando y gritando, como desprecio total hacia las formalidades del típico vídeo pop, con el objetivo de crear algo divertido y vívido”.

Rebe: ninfa de pop doméstico, antiestrella de la canción ligera, anomalía del sistema

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Si amas la perfección formal y estética; si la vida te ha dado tantos palos que ha acabado con tu sensibilidad; si Twitter te ha convertido en una bestia parda que solo alberga odio… ya puedes salir y soltar tu bilis por ahí. Porque Rebe es claramente una artista que se sitúa de una manera totalmente natural (al menos eso, naturalidad, es lo que transmite por encima de todo) fuera de los cánones del pop de nuestros días.

Con una cuidada –a su manera– estética post-vaporwave romántica amateur –por intentar acercarnos a definirla–, esta chica de tan sólo 22 años lleva varios meses encandilando al underground con las canciones que viene mostrando y, también, con los vídeos de su canal de Youtube: flores secas, filtros emulando el sueño o la duermevela, imágenes duplicadas y deformadas con efectos de edición retro, gente durmiendo de fondo en su dormitorio (que ya reconocemos casi como el nuestro)… Un indescriptible universo visual que sin duda Harmony Korine, Tim Burton o David Lynch encontrarían fascinante.

Pero más allá de su estética están sus canciones. Tras una primera fase en formato dúo con su amiga Luli como Luli Rebe & Sus Xocolatinas –de entonces es ‘Me clavao un pinxo‘, la canción a la que declaró públicamente su amor Rocío Quillahuaman días atrás–, el pasado verano Rebe comenzó a subir sus propias canciones a Soundcloud y Youtube. Unas canciones que son puro ensueño analógico al que el concepto costumbrismo se le queda pequeño: peticiones a su padre para que no entre en su habitación con los acordes de la sintonía de ‘La abeja Maya’ (‘No me molestes’), narraciones de un día metida en la cama como refugio del verano (‘Sola en mi habitación comiendo 1 melocotón’), teen-angst con olor a ropa sucia (‘Nunca mas nunca mas’) u odas a su propio «culito» (‘wapa wapa wapa wapa wapa wapa’) pueblan unas melodías que desarman, frágiles y hermosas.

Supongo que para los más jóvenes del lugar lo más sencillo de asociar a Rebe es el pop de dormitorio de Clairo. Pero sería quedarse corto en un universo en el que sus disonancias y su imaginación melódica la sitúan como un ente a medio camino de Ana D, Hidrogenesse, Daga Voladora y Daniel Johnston. Y es que Rebe es, como la autora del mítico ‘Satélite 99’, una enamorada de la canción melódica en su sentido más clásico, y tiene a Jeanette, Vainica Doble o Kikí D’Akí como referentes. No sorprende, por eso, que haya reinventado ‘El futuro’ de la última –con una base que parece la de ‘Losing My Edge’ de LCD Soundsystem– o una delirante ‘Dama Dama’ de Cecilia. Pero sí deja un poco más picueto que, en realidad, su política a la hora de elegir las versiones es totalmente libre: capta una canción que le gusta y se la lleva a su terreno.

Así, algunos de sus mayores triunfos son completas transformaciones de ‘Ni una sola palabra’ de Paulina Rubio, el famoso bolero ‘Algo contigo’ o ‘Corazón partío’ de Alejandro Sanz, convertido en una canción completamente nueva… y maravillosa. Algunas de estas canciones ajenas y propias han sido reunidas en ‘Recuerdos de cuando me aplastó una roca y me morí‘, un álbum digital que ha sido co-editado por los artesanos sellos Snap! Clap! Club y Jeanne D’Arc en 50 cassettes contenidas en fundas de tela cosidas a mano por la propia artista. Una señal, otra, de la singularidad de Rebe, una auténtica anomalía de un sistema en el que propuestas de una belleza tan rara parecían casi desterradas.

Escucha la playlist «Revelación o Timo»

La verbena de Novedades Carminha tampoco cabe ya en La Riviera

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Novedades Carminha continúan su buena racha sin techo comercial a la vista, colgando el cartel de «sold out» en La Riviera con días de antelación. La banda no ha dejado de crecer desde que lanzaran sus segundo y tercer álbum, y lo que se vivió anoche fue el fruto de más de una década de trabajo y dedicación en la carretera. En vivo la banda gallega suena incluso con más cuerpo que en estudio (a veces hasta han sonado un poco traumatizados por ser vistos como «un grupo de directo»), menos austera, a lo que contribuye su técnico de sonido Luca Petricca, que ayer además cumplía años. Novedades Carminha sonaron en La Riviera mejor que muchos grupos internacionales, sin que nunca se descuidaran los instrumentos, y con la voz de Carlangas bien alta subrayando la importancia de las letras divertidas y costumbristas del grupo, permitiendo que las más de 1.800 personas que caben en la sala, cantaran a la vez. «Algo clave en las letras de Novedades Carminha es que no sabes si somos unos subnormales o más listos que tú», nos dijeron recientemente, y anoche se vio cuánto ha calado su planteamiento.

La gente se las sabía todas. Daba igual nuevas que viejas. La banda comenzó con ‘Volverte a ver’, el homenaje realizado a la música de finales de los 70 en Nueva York de su último disco ‘Ultraligero’; pronto se deshizo de singles recientes como ‘Te quiero igual’ con Alba Galocha y ‘Hay un sitio pa ti’; pero alternándolos con clásicos como ‘Que Dios reparta fuerte’, ‘Quiero verte bailar’, ‘Ritmo en la sangre’ o ‘Juventud infinita’. Unos llevan años en el mercado y otros mucho menos tiempo, pero la diferencia en la recepción de los temas era imperceptible. Sirviéndose de la acertadísima estrategia de haber ido lanzando singles sueltos a lo largo del último par de años, los temas nuevos han ido calando poco a poco entre sus fans llevando hasta la celebración de pogos y minis volando que se vivió durante prácticamente todas las canciones.

A diferencia de lo que habían sugerido en las entrevistas, el grupo no apostó por una escenografía tan ambiciosa como la que en la misma sala hemos visto a C. Tangana o Zahara, pero sí contó con varias sorpresas, como la dedicación de ‘Pesetas’ a los viejos fans o la presencia de algunos invitados especiales, como Dellafuente en ‘Ya no te veo‘, el telonero de la noche ORTIGA (ex-Esteban & Manuel) en ‘A Santiago Voy’, Erik Urano en ‘Atlántico’ y Alba Galocha en ‘Te quiero igual‘. Una alegría, por supuesto, pero me arriesgaría a decir que no fue necesariamente el «highlight» ni siquiera a sabiendas de que este momento no se podrá repetir todos los días por cuestiones de agenda. El divertimento que supone escuchar en directo ‘Obsesionada’ en plena pre-campaña electoral, la recepción de la icónica ‘Antigua pero moderna’ o la versión de ‘Mala vida’ recalcando su reivindicación de Mano Negra, como final antes de los bises, no tuvieron nada que envidiar al que va a ser su mayor hit de momento. En los bises, ‘Cariñito’, ‘Lento’ y ‘Verbena’ incluso subieron el listón, llevando a la pinchada de ‘Suavemente’ de Elvis Crespo mientras la banda se hacía la foto final saludando a las masas. El grupo liderado por Carlangas, que por cierto portaba camiseta de Whitney, realizaba una fiesta privada posterior en Galileo Galilei y apuesto a que fue una noche que difícilmente olvidarán les lleve donde les lleve su desprejuiciada verbena. 9.

Billie Eilish es la artista más joven en ser top 1 de discos en UK, pero se le escapa el de singles

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Como estaba previsto, ‘When We All Fall Asleep, Where Do We Go?‘, el primer disco oficial de Billie Eilish, es número 1 directo en Reino Unido, como también lo será oficialmente en Estados Unidos y se comunicará en un par de días. El álbum ha vendido lo equivalente 48.410 copias en las islas, de las cuales más o menos la mitad (algo más de 25.000) son puntos de streaming.

Lo que se le ha escapado a la cantante ha sido su primer número 1 en singles, pues este sigue siendo por sexta semana consecutiva el baladón ‘Someone You Loved’ de Lewis Capaldi, que ha movido esta semana lo equivalente a 63.990 unidades. ‘Bad Guy’ de Billie Eilish entra así al puesto 2 con 55.155 «unidades» y suben logrando nuevos máximos otros temas de la cantante como ‘bury a friend’ (puesto 6) y ‘Wish You Were Gay’ (puesto 13). Siguiendo las normas de listas en Reino Unido, solo 3 temas por artista pueden aparecer en el top, pero la Official Charts Company revela que el resto del álbum al completo aparecería entre los puestos 19 y 49 de no ser por estas normas.

También se informa de que, con exactamente 17 años, 3 meses y 18 días de vida, Billie Eilish es la solista femenina que más joven ha llegado al número 1 de la historia en este país. Supera así un récord de Kate Bush, que fue top 1 con 22 años; el de Kylie, que lo logró luego con 20; el de Avril Lavigne, que lo logró con 18; y el de Joss Stone, que lo logró con 17 años, 5 meses y 28 días en 2004. Para encontrar un solista masculino que haya superado la hazaña de Eilish, hay que ir nada menos que a 1972, cuando lo consiguiera la estrella televisiva escocesa Neil Reid, con 12 años.

‘Tim’, el disco póstumo de Avicii, saldrá en junio

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El próximo 20 de abril se cumplirá un año desde la muerte de Avicii, que sacudió el mundo de la música, pues el DJ sueco, que se suicidó durante su estancia en Omán, era muy joven y además se encontraba en un buen momento personal y profesional tras anunciar su retirada de los escenarios para concentrarse en su pasión, el estudio.

Poco después de la muerte de Avicii, su familia confirmó que Tim Bergling (su nombre real) había estado trabajando en la “mejor música“ de su carrera, y esta música llegará a oídos del público dentro de un álbum llamado ‘Tim’ que verá la luz el próximo mes de junio, han confirmado varios de sus involucrados a The New York Times. Entre ellos se encuentra el productor Carl Fark, que ha explicado al periódico estadounidense cómo ha sido el duro proceso de terminar la música de una persona que ya no está, preguntándose si a Avicii le gustaría. Las decisiones en torno al álbum se han tomado basándose en notas que Avicii había dejado antes de morir.

El primer sencillo de ‘Tim’, ‘S.O.S.’, sale el 10 de abril y está interpretado por Aloe Blacc, presente en uno de los mayores éxitos de Avicii, ‘Wake Me Up’. La letra apunta a que será sobrecogedora, pues parte de ella dice “¿puedes oírme?, S.O.S., ayúdame, necesito calmar mi mente”. El álbum contendrá también una colaboración de Chris Martin de Coldplay, ‘Heaven’, una canción que ya se había filtrado; y su sonido será diverso, reuniendo “sonidos de la psicodelia, la música árabe o los sonidos del caribe”.

‘Cementerio de animales’: deja a los muertos marchar, deja a los libros estar

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Llega a los cines el «remake» de una novela de Stephen King de los años 80 que en verdad ya había sido adaptada a la gran pantalla en aquella misma década por Mary Lambert. La revisión de ‘Cementerio de animales’ en manos de Dennis Widmyer y Kevin Kolsch (‘Starry Eyes’, ‘Absence’) podía ser una buena idea, pues no es una obra tan conocida como ‘El resplandor’ o ‘Carrie’; pero podía ser una mala también si recordamos qué tal le fue al «remake» de esta última. Quiero decir, si recordabas que tal cosa existió hace unos años.

El debate sobre el bullying en las aulas había sido la excusa para volver a traer a la palestra aquella cinta; y aunque ‘Cementerio de animales’ no permite una nueva lectura de tan vibrante actualidad, trata un tema que nunca dejará de estar de moda: el miedo a la muerte y al más allá, el modo en que puede condicionar nuestra vida, o la forma adecuada en que enfrentar a nuestros hijos y sobrinos a todo esto. ¿Ha de ser un tabú o afrontarse con naturalidad? ¿Es positivo o negativo que los menores que dependen de nosotros nos vean titubear ante un asunto tan importante? ¿Hasta qué década de qué siglo seguiremos tentados de usar frases hechas como que «los muertos van al cielo»? El matrimonio con dos hijos protagonista de esta película tiene dos formas de ver las cosas muy distintas (él es médico, ella está traumatizada por la muerte de su hermana cuando eran pequeñas) y es interesante comprobar cómo este tema permanecerá vigente durante mucho tiempo. Mientras una dice que los muertos están en un lugar mejor; el otro, atónito, se pregunta: «¿en serio?».

Por desgracia, Dennis Widmyer y Kevin Kolsch han hecho poco más que adaptar esta obra con unos cuantos cambios en el guión para que los fans de la novela o la película no se aburran del todo averiguando a cada instante qué va a suceder. El desenlace del remake es bastante carismático e inolvidable. Por lo demás, ni han dado a la cinta una pátina estética que la enriquezca ni un carácter deliberadamente kitsch. Los momentos cómicos, que los hay, máxime si ves la peli con el pésimo doblaje que se ha realizado al castellano, parecen involuntarios. Así, la nueva versión de ‘Cementerio de animales’ es la mayoría de las veces un cúmulo de ocasiones perdidas que va desde los propios hijos desde el principio hasta los padres hacia el final pasando por el vecino Jud (la primera aparición de John Lithgow es bastante chanante), salvándose únicamente el gato Church, que era una genialidad de «personaje». La pareja de directores ha preferido ofrecer una peli palomitera concentrada en el ritmo (que tampoco está nada mal) y, por supuesto, en un par de sustos tontos. 5.

Drowned in Sound dejará de publicar reseñas y entrevistas, pero su foro permanecerá abierto

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Drowned in Sound, uno de los blogs musicales en inglés clave de las últimas dos décadas junto a Pitchfork, Stereogum o SPIN, pues además sus críticas cuentan en las medias de Metacritic, ha anunciado su cierre “hasta nuevo aviso”.

Sean Adams, editor jefe del blog británico, ha confirmado que la portada de Drowned in Sound ya no se actualizará, pero que sus redes sociales permanecerán activas así como su blog en Medium y sobre todo que su foro, muy concurrido, permanecerá abierto. Por otro lado, el contenido del site, que se remonta al año 2000, seguirá disponible.

Adams explicará en detalle las razones del cese de la actividad de Drowned in Sound próximamente en un comunicado, aunque en 2016 el blog inició una campaña de crowd-funding para “salvar” el site y sus foros. En ambos casos, el coste de manutención es muy elevado, ha detallado Adams no obstante en su Facebook, en la secció de comentarios.

Como recuerda Pitchfork, Drowned in Sound también tenía su propio sello discográfico, DiS Records, que editó lanzamientos tempranos de Kaiser Chiefs, Metric, The Stills y Martha Wainwright, entre otros. Recientemente han reseñado álbumes de Andrew Bird, Solange, These New Puritans, Sigrid, Foals o William Basinski y entrevistado a The Twilight Sad, Ludovico Eunadi, Jessica Pratt o Chromeo.

Amaral y Ana Belén cantan por Leño con El Gran Wyoming en el programa 2.000 de El Intermedio

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Anoche el programa televisivo El Intermedio emitía, tras 13 años en emisión ininterrumpida, su programa número 2.000. Una ocasión que su incombustible presentador, El Gran Wyoming, aprovechó para hacer una de las cosas que más le gustan. ¿Comprarse una de esas múltiples propiedades que sus enemigos ideológicos aseguran que tiene? No, eso no. Me refiero a pegarse una juerga.

Así que este espacio de La Sexta a medio camino del análisis político y la comedia trasladó ayer su plató a la histórica sala Florida Retiro (antiguo Florida Park), donde se emitió un programa especial que incluyó un par de actuaciones musicales en directo, con Wyoming comandando una banda —por si alguien no lo sabía, la de músico es una de sus facetas, que ha compartido con Javier Krahe o Moncho Alpuente–. Y, de hecho, la gran traca final del programa fue «el himno del programa».

Una ‘Maneras de vivir‘ de Leño que no cantó el propio José Miguel Monzón, sino que dio la alternativa a dos mujeres que están empezando en esto de la música: Ana Belén, que además de vacilar a Wyoming («me he enchufao un orfidal», respondió al presentador cuando le dijo que si estaba nerviosa) demostró que tiene voz para cantar como los ángeles lo que le de la gana; y Eva Amaral, que no sólo empleó su voz sino que se marcó un solo de armónica, se alternaron como voces solistas, dejando un momento musical memorable. Amaral, por cierto, anticiparon que después del verano publicarán un nuevo álbum que se prevé más colorido y electrónico. Ana Belén, por su parte, publicaba a finales de 2018 un nuevo disco con canciones inéditas, ‘Vida’.

Pixies ponen a la venta las entradas de sus conciertos en España para presentar su nuevo álbum

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Esta mañana del viernes 5 de abril Pixies han puesto a la venta las entradas de su próxima gira europea por salas, incluidos tres conciertos en nuestro país: el 23 de octubre estarán en Sant Jordi Club de Barcelona; al día siguiente, 24 de octubre, en la Sala La Riviera de Madrid; y el 26 de octubre rematan la gira en el Teatro Coliseum de A Coruña. Mientras que en esta ciudad el precio de los tickets oscila entre 30 y 34 euros, los de Madrid y Barcelona cuestan 56 euros. Pese a parecer un coste algo elevado, posiblemente volarán, ya que su base de fans da para llenar estos recintos de forma holgada.

Como lleva ocurriendo de unos años a esta parte, esta visita no es ya sólo para celebrar el maravilloso legado de sus cuatro primeros álbumes, icónicos y enormemente influyentes en el rock alternativo de las 3 últimas décadas, sino para presentar un nuevo álbum. Por el momento no tiene título, pero meses atrás comenzó su proceso de grabación, que será documentado desde el 27 de junio en una serie de 12 podcasts semanales bajo el nombre de ‘Past Is Prologue’. En ellos el periodista musical Tony Fletcher realiza entrevistas a los miembros del grupo y al productor, Tom Dagelty, en las que desgranan el proceso creativo y técnico.

El nombre de esta curiosa iniciativa, como explica el tráiler que han presentado hace unos días, apela precisamente a aquellos primeros años como una antesala de su actual desarrollo como banda. Lástima que discos como ‘Head Carrier‘ (2016) o ‘Indie Cindy‘ (2014), claramente inferiores a cualquiera de sus trabajos anteriores, no terminen de plasmar esa idea de manera fiel. En todo caso un nuevo trabajo del grupo comandado por Black Francis será siempre una buena noticia… hasta que se demuestre lo contrario.

‘Punto G’ es la poco sutil pero bailable oda a la masturbación femenina de Karol G

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Karol G es una de las mayores estrellas del pop latinamericano en estos momentos y convierte en éxito casi (el faltón ‘Hijoepu*#‘ con Gloria Trevi no parece haber cuajado) todo lo que toca. De hecho, ‘Secreto‘, el single que lanzaba a principios de año con su pareja, el también cantante Anuel Aa, ha propiciado un sorpasso para la propia artista colombiana: con casi 200 millones de reproducciones en menos de 3 meses, ya es su canción más escuchada en Spotify.

Pero ella sigue buscando nuevos singles en solitario que emulen la pegada de temas como ‘Mi cama‘ o ‘Pineapple‘. Esta semana lo intenta con convicción: ‘Punto G’ es un tema de base sabrosa, obra de Rayito Colombiano y Andy Clay (su productor de confianza), en la que el ritmo caribeño va de la mano de un acordeón, entre la champeta y el vallenato, que conforma el gancho secundario de la canción.

Pero sin duda lo que más llamará la atención es una letra de la que el título no es ninguna metáfora: Karol se detiene en indicar a su amante los caminos hasta su zona erógena, si bien no tiene el más mínimo problema en trabajarlo ella misma si su partenaire se pierde. Y tanto ella como sus bailarinas lo escenifican muy gráficamente, situando su mano en su pelvis en el finísimo clip de la canción. Karol G, por cierto, está confirmada en el cartel de Arenal Sound 2019.

C. Tangana sigue trabajando a escala internacional, lanzando singles con Miguel y Rammriddlz

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Poco a poco, C. Tangana va labrándose un nombre en el pop internacional, gracias a éxitos como ‘Booty‘, con Becky G. Y no nos referimos únicamente a Latinoamérica, donde precisamente estos días está de gira, actuando en festivales como las franquicias argentina y chilena de Lollapalooza. Si no que su alcance llega ya a toda Norteamérica. Este viernes, sin ir más lejos, se confirma esa expansión por partida doble.

En primer lugar, aparece en ‘Ramreaper’, el nuevo trabajo del artista egipcio-canadiense Ramriddlz. Se trata de un joven MC llamado Ramy Abdel-Rahman que es una pequeña estrella del género urbano en su país, muy influenciado por el dembow jamaicano. Su single de 2015 ‘Sweeterman’ le valió supuso su explosión, logrando el beneplácito del mismo Drake, que la versionó. Ahora Ramriddlz publica este nuevo trabajo en el que, junto a invitados como Jaeger o Hamza, aparece Antón Álvarez aportando el gancho al tema ‘Cha Cha’, con guitarras de influencia caribeña.

Y en segundo lugar, y más importante, está su aportación a ‘Criminal’ de Miguel. Se trata de una nueva versión del tema que se incluía en el álbum ‘War & Leisure‘ del estadounidense, que forma parte de un EP titulado ‘Te lo dije‘ que contiene adaptaciones al español de algunas de sus canciones. Además de Kali Uchis (que vuelve a cantar ‘Caramelo duro’) y el grupo femenino Flor de Toloache, Puchito aporta al tema de Miguel (cuyo padre es mexicano, de ahí que hable nuestra lengua) un verso a aquella canción en la que originalmente colaboraba Rick Ross.

Otra de las recientes colaboraciones internacionales de C. Tangana, ‘Pa llamar tu atención‘ –producida por Alizzz y con la participación del brasileño MC Bin Laden–, acaba de convertirse en disco de platino en nuestro país.

Kiko Veneno / Sombrero roto

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“Me quiero asegurar / Que mi sombrero está bien roto y así los rayos / Pueden entrar en mi cabeza”, cantaba Kiko Veneno en ‘Los delincuentes’, una de las canciones más icónicas del ya de por sí icónico ‘Veneno’ (1977), un disco que sin duda marcó no sólo su carrera sino buena parte del pop más heterogéneo del panorama hispanohablante, ese que no se cerraba al folclore patrio. Una metáfora sobre la inspiración y la apertura de mente a la que el artista nacido en Figueras apela de nuevo no sólo en su título sino también en una enérgica canción llamada así. Pero que esto no se malinterprete: pese a que el libro dentro del cual se edita (escrito por su hijo Adán) contiene preciosas referencias biográficas alternadas con bonitas imágenes basadas en antiguas fotos, José María López Sanfeliú no muestra el más mínimo atisbo de nostalgia o mirada al pasado en el plano musical, sino todo lo contrario.

Y es que la pátina electrónica que ya mostraba el sorprendente primer adelanto de este álbum que estrenábamos aquí semanas atrás, ‘La higuera’ –una poética alusión sexual, inspirada por el complejo sistema de polinización de los higos; genio y figura–, era una esforzada declaración de intenciones de ir más allá de lo ya mostrado en algunos pasajes de ‘Sensación térmica’, su último disco en solitario (producido por Refree). ‘Sombrero roto’ es un disco de electrónica y no lo es por casualidad, sino por un esfuerzo explícito de Veneno en 3 años de trabajo y un largo proceso de creación: primero solo en su estudio, luego con la aportación del uruguayo Martín Buscaglia (con el que firmó a medias ‘El pimiento indomable’ –2014–) y finalmente con la aportación del talentoso Bronquio, que dio la última capa al conjunto.

Con ello Kiko busca orientarse hacia un público más amplio y ecléctico, que no le identifique únicamente como el de su etapa más comercial –la de la primera mitad de los 90– y que comprenda su visión transversal del pop. Una en la que junto a su reconocible deje aflamencado caben tecno, soul, funk, kraut, psicodelia y, en fin, prácticamente de todo, con una perspectiva fresca en la que las guitarras son casi anecdóticas, dejando que el peso recaiga en cajas de ritmo y sintetizadores. Sin perder, eso sí, el punto orgánico, materializado sobre todo en el tratamiento de las voces –tanto la propia como las ajenas, en coros y jaleos a veces multitudinarios– y la profundidad sonora, riquísima.

Pero, sobre todo, busca “renovar su cancionero” y tal cual lo expresó en una entrevista que publicaremos en los próximos días: quiere nuevas canciones que muevan y conmuevan al público, que no pase sus conciertos esperando los viejos éxitos sino que vibre también con lo nuevo. Por eso ‘Sombrero roto’ es, sobre todo, un disco luminoso, vital y celebratorio en el que ‘La higuera’ es sólo la punta de lanza para canciones igualmente festivas y cargadas con tanto sentido del humor propio y ajeno. Como ‘Autorretrato’, una tragicómica semblanza de su humanidad; ‘Títiri títiri’, el arte como punto de encuentro para zanjar las diferencias; ‘Chamariz’, un canto de amor a la Naturaleza; o la juguetona rumba disco-funk ‘Sombrero roto’.

Ni siquiera le sale la gravedad cuando trata asuntos tan vigentes y traumáticos como el aislamiento social al que nos empujan los hábitos de vida contemporáneos (una ‘Vidas paralelas’ a medio camino de lo cómico, lo dramático y lo bailable, cuya letra encuentra eco en ‘Ojalá’, esta vez más apesadumbrado). O cuando, choteándose de los nacionalismos en la rumbera ‘Yo quería ser español’, paraliza con verdades como puños: “el miedo es lo que da más dinero” y “no hay negocio como la guerra”. Aunque, paradójicamente, la canción más melancólica y reposada del conjunto, termina emergiendo sobre todas: ‘Obvio’ es una maravillosa canción de amor universal, de una honestidad desarmante, envuelta en preciosos arreglos de cuerda y con un desarrollo en la melodía vocal que evoca al clasicismo de un Nat King Cole. No es el único “prócer” de Veneno que se pasea por ‘Sombrero roto’: la cálida coplilla final ‘Miss You’ parece una suerte de homenaje a Lennon/McCartney, capitales también en la educación del andaluz de adopción. No en vano está cantada en un encantador inglés.

Kiko Veneno es de esos artistas que merecen una reverencia por todo lo que ya nos han dado a lo largo de más de 40 años de carrera, una figura sin duda crucial en el pop español. Pero es que además da toda una lección de vida y arte publicando un disco tan valiente como este. Ante esto sólo cabe (¿se veía venir la imagen?) quitarse el sombrero… y hacerle unos agujeritos, a ver si se escapa alguno de esos rayos que él atrae y nos entra alguno en la cabeza.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Obvio’, ‘Vidas paralelas’, ‘La higuera’, ‘Chamariz’, ‘Yo quería ser español’, ‘Títiri Títiri’
Te gustará si: sabes apreciar lo mucho que Kiko Veneno había aportado ya al pop y eres de mente abierta.
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Miley Cyrus se une a Primavera Sound 2019 en sustitución de Cardi B

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Según comunica Primavera Sound esta mañana, el festival sufre la cancelación de una de sus cabezas de cartel, Cardi B, y ha sido ya sustituida por otro gran nombre del pop, Miley Cyrus. Aunque no hay informaciones confirmadas al respecto, la creciente actividad en redes sociales de la artista anteriormente conocida como Hannah Montana augura que su potente single ‘Nothing Breaks Like A Heart‘ podría anticipar un nuevo álbum que, tras el algo blandito ‘Younger Now’, será de un pop «como ella: sin género». Este es el comunicado completo de la organización:

«Primavera Sound da la bienvenida a Miley Cyrus, un icono del pop contemporáneo en todas sus vertientes. La autora de Bangerz no necesita presentación pero sí algo de contexto: del country al pop urbano pasando por sus experimentos psicodélicos con The Flaming Lips, Cyrus se ha alzado como una de las voces más inconformistas del star system actual, aportando además un transformador discurso de género que la convierte en un encaje perfecto para el año de The New Normal en Primavera Sound.

Al mismo tiempo, lamentamos comunicar que Cardi B no actuará en Primavera Sound 2019. La artista estadounidense ha cancelado unilateralmente su presencia en el festival debido a compromisos promocionales inaplazables en Estados Unidos. Sentimos mucho las molestias que esto pueda ocasionar.

Miley Cyrus actuará en el festival el viernes 31 de mayo, compartiendo cartel y escenario durante esa jornada con otras voces del nuevo pop como Carly Rae Jepsen, Janelle Monáe y Robyn.

Todos/as aquellos/as poseedores/as de entrada de día para el viernes 31 de mayo que así lo deseen pueden solicitar la devolución. Detalles sobre la operativa de devolución«.

Miley Cyrus actuará en el Parc del Fòrum barcelonés el viernes 31 de mayo, compartiendo protagonismo con Tame Impala y Janelle Monáe. Las entradas de día y abonos del festival, por cierto, siguen a la venta y cambiarán de precio el próximo viernes, 12 de abril.

Cupido llenan el clip de ‘Autoestima’ de gente con «la cara demasiado bien»: Lola Índigo, David Broncano, Carlotta Cosials…

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Hace unos días Cupido realizaban un playback en ‘Fama A Bailar’ que pasaba a engrosar esa prestigiosa lista de mejores peores playbacks musicales de la historia de la televisión. Y ya entonces anunciaban que hoy presentarían el vídeo oficial de la canción que mostraron allí, ‘Autoestima’. Una canción que, a pesar de cerrar su estupendo álbum de debut ‘Préstame un sentimiento‘, se ha convertido en una de las grandes bazas del grupo por méritos propios y que ya elegimos por aquí como Canción del Día en su momento.

Por eso, posiblemente, han decidido impulsar aún más la canción con un clip bastante simple pero muy efectivo, por lo que conecta con el trasfondo de la canción: el vídeo concatena selfies de gente, al más puro estilo stories de Instagram, que va cantando sincronizádamente la letra de Pimp Flaco sobre lo guapo que es uno mismo y lo bien que le hicieron a uno sus papás. La gracia del asunto es que alterna a completos anónimos con caras conocidas como las de Lola Índigo, Kinder Malo (hermano y pareja artística ocasional del vocalista de Cupido), Carlotta Cosials de Hinds o el presentador de La Resistencia, David Broncano.

Gracias a canciones como esta, ‘No sabes mentir’ o ‘U Know’, el debut oficial del proyecto de Pimp Flaco y Solo Astra se ha convertido en un considerable éxito (llegó a ser top 6 en las listas oficiales de streaming) que está alcanzando a un público muy diverso. Esto se está traduciendo en contrataciones en numerosos festivales como WARM UP o Bilbao BBK Live, y salas llenas en todo el país. Este finde está en Las Palmas y Tenerife.

La Canción del Día: The National, maestros de la sencillez en la conmovedora ‘Light Years’

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Después de una ‘You Had Your Soul With You‘ que no ha convencido a todo el mundo, The National han presentado un segundo adelanto de ‘I Am Easy to Find‘, el álbum que el grupo establecido en Nueva York publica el próximo 17 de mayo. Se trata de ‘Light Years’, una canción en la que la banda de los hermanos Dessner y Devendorf más Matt Berninger sorprende en una tesitura que se aleja de sus patrones más reconocibles. No hay grandilocuencia rítmica ni épica (al menos en lo sonoro) en este tema extremadamente sencillo, en la que apenas el eco de un feedback de guitarra y unos tenues arreglos de cuerda acompañan al piano y la voz de Matt, grandes protagonistas.

En ‘Light Years’ (que además es la canción que cierra el álbum) The National demuestran que se han hecho maestros también de lo pequeño, logrando que cada elemento sea distintivo y tenga una importancia fundamental. La preciosa línea de piano que ejecuta Bryce Dessner manda de principio a fin, aupada en el último minuto y medio por esos arreglos ambientales que dejan de ser tan tímidos. Y mientras Berninger ofrece una de sus interpretaciones más sobrias y medidas, especialmente singular por su manera de hacer pausas (curiosamente, en los terceros versos de cada una de las estrofas).

Y si la canción emociona de por sí, como resulta demoledora es con su videoclip oficial, un extracto del cortometraje protagonizado por Alicia Vikander y dirigido por Mike Mills que acompaña al álbum. De hecho, el clip parece ejercer de tráiler no-oficial: si entendemos bien, la película es una suerte de ‘Boyhood‘ femenino, con Vikander interpretando el papel de niña, adolescente y adulta. En esa tesitura, la letra de Berninger parece retratar ese terror que los padres vivimos en cuanto vislumbramos que nuestros hijos empiezan a abandonar la infancia. Una brecha que nos sitúe a años luz de distancia de ellos. La letra de Matt es muy somera pero brutal, especialmente en ese segundo verso que alude a una relación padre-hijo trabada además por la separación de los progenitores: «Creo que vi a tu madre la pasada semana en el parque / Podía haber sido cualquiera, ya había anochecido / Todo el mundo estaba en soledad iluminando las sombras / Podrías haber estado justo a mi lado / Y que nunca lo hubiera sabido».

The National realizarán una serie de 5 conciertos únicos en distintas ciudades del mundo, acompañados por distintos invitados-sorpresa, antes de iniciar una gira mundial tras la publicación del álbum. En nuestro país presentarán ‘I Am Easy to Find’ en Mad Cool 2019.

Màxim Huerta en El País: «Yo era fácil de ridiculizar, por maricón, por venir de la tele y por asuntos varios»

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Cuando está a punto de cumplirse un año desde el visto y no visto político más sonado de los últimos tiempos, el de Màxim Huerta al frente del Ministerio de Cultura y Deporte en el entonces recién armado Gobierno de Pedro Sánchez, también polémico pues Huerta era conocido por su trabajo en el Programa de Ana Rosa, si bien ya había trabajado en telediarios y actualmente es un exitoso escritor, Huerta ha hablado por primera vez sobre esta polémica con El País, en una entrevista sincera que deja un titular sorprendente, pues el escritor reconoce que volvería a aceptar el cargo si pudiera, aludiendo no obstante a su carácter inconsciente: “poder aportar cosas me parece un destino maravilloso”.

En un plazo de seis días, Huerta, quien presenta nuevo libro, ‘Intimidad improvisada’, juró y abandonó su cargo al frente del Ministerio de Cultura y Deporte después que un antiguo pleito con Hacienda resurgiera en los medios, solo horas después de confirmarse su cargo. El escritor insiste en que los medios llamaron “fraude” a lo no fue más que una “sanción administrativa” por parte de Hacienda tras una sentencia que le obligó a devolver 300.000 euros procedentes del periodo 2006-2008. En cualquier caso, Huerta advirtió que tras la polémica se había convertido en un problema para Sánchez, quien ya había dicho que no aceptaría a dirigentes con sociedades en su Gobierno, conque decidió dimitir lo antes posible.

Huerta recuerda también la tensión vivida tras jurar su cargo, pues era consciente de los prejuicios que estaba suscitando en los medios por haber colaborado en el Programa de Ana Rosa, en el que Huerta se dedicaba a las noticias del corazón. “No soy gilipollas, soy mayor y tengo años, y hubo recochineo”, cuenta el escritor, que asegura en el momento de su nombramiento sintió la “pérdida de la inocencia”, pues ya no quedaban restos del “adolescente del pueblo” que fue, aunque afirma que llegó a sentirse como un intruso por culpa de esos prejuicios cuando leía medios que destacaban su papel en Ana Rosa, pero no en los telediarios. “Eso hubiera estropeado el personaje que algunos estaban construyendo”.

El escritor añade: “Con la distancia desde la que lo veo ahora, me da incluso ternura: yo era fácil de ridiculizar, por maricón, por venir de la tele, por asuntos varios, como mis tuits cogidos con pinzas donde se interpretó que odiaba el deporte. Da igual que explicara cien veces que mi problema era no practicarlo porque soy asmático”.

Huerta explica la razón por la que no ha hablado sobre este tema hasta ahora: “No quería que de mí saliera ni una sola frase con rabia. En un país que echa fuego, lo último que quería yo era regalar titulares». También recuerda que sufrió una “crisis muy gorda” cuando trascendió a los medios la noticia que Pedro Duque, actual Ministro de Ciencia, poseía un chalé a nombre de una sociedad instrumental para posiblemente evadir impuestos, pero afirma que decidió mantenerse al margen aunque volvió a reconocer “la diferencia de trato, tanto de los medios como del Gobierno. Y fui consciente de que debía seguir callado y secando la herida”.

Escucha lo nuevo de MARINA, The Drums, Anitta, Doble Pletina, Khalid, Alejandro Sanz, Weyes Blood…

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El segundo trimestre de 2019 llega con un montón de novedades de lo más variopinto. En cuanto a álbumes, tras la sorpresa ofrecida ayer tarde por MARINA, que lanzaba la primera parte de su disco ‘LOVE + FEAR’ sin previo aviso, hoy llega un nuevo aluvión de álbumes: The Drums, Weyes Blood, Kiko Veneno, Anitta –su primer álbum como estrella internacional, con invitados como Prince Royce o Becky G–, Khalid, Alejandro Sanz, Sara Bareilles, Fémina –disco que ayer avanzábamos en exclusiva–, Lee Fields & The Expressions, Circa Waves, Jai Wolf, Priests o Rose Elinor Dougall presentan sus trabajos. Especialmente abundante es también la producción alternativa nacional: Cala Vento –aunque de momento ‘Balanceo’ sólo está disponible al completo en formato físico–, El Grajo –nuevo proyecto de Marcos Rojas de Los Claveles–, Brigitte Laverne, los debuts oficiales de Nebraska y la singular Rebe, más EPs de Doble Pletina, Penny Necklace y Go Cactus ven la luz hoy.

Desde el pasado fin de semana hemos venido conociendo nuevas canciones de Ariana Grande (con su amiga Victoria Monet), J Balvin, Bejo, Niño de Elche, Hot Chip, The National, Vampire Weekend y The Divine Comedy, pero es hoy viernes cuando llega la avalancha de novedades: Karol G, Anderson. Paak, Titus Andronicus, Jennifer Lopez, Tayla Parx (otra amiga íntima y colaboradora de Ariana), Bazzi, Mac DeMarco, Paloma Faith, whenyoung, Goa & Yung Beef, Jonas Brothers, Juan Luis Guerra 4.40 (con un relativamente sorprendente toque contemporáneo), Cuco, Paulo Londra, King Jedet, Rosie Lowe, Ganges, Fruit Bats, Paulina Rubio, The Lumineers, Tomasito, Alex Lahey o BLACKPINK, junto con interesantes promesas como Barrie, CYN y Omar Apollo, nos muestran sus nuevos singles.

Un inédito de Tom Odell para una película de los Moomins, una colaboración de Kacey Musgraves con el dúo country Brooks & Dunn (aunque su sonido dista de ser clásico), un dueto de Zahara con Ventiuno, una versión de Joni Mitchell a cargo de Rita Ora (!), un EP de remixes en español de Miguel en el que encontramos a C. Tangana (que también hace un feat en el álbum del canadiense Ramriddlz) y un álbum de clásica contemporánea de Bryce Dessner (The National) completan la oferta de la semana. Suscríbete y escucha Ready for the Weekend.

Jonas Brothers son más hortera que “cool” en su playero nuevo vídeo

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Jonas Brothers se han marcado un señor “comeback” este año con ‘Sucker’, su primer single desde 2013, que entraba directo en el número 1 de Estados Unidos -el tema permanece en el top 10 de la tabla americana- y en el top 5 en Reino Unido. Casi no hace falta decir que ‘Sucker’ es uno de los mayores éxitos en las plataformas de streaming en estos momentos.

Mientras Nick, Joe y Kevin saborean este nuevo éxito en sus carreras, los hermanos aprovechan para publicar otro single en el que dejan claras sus intenciones de posiblemente lograr una de las canciones más escuchadas este verano. ‘Cool’ tiene el sonido pop y los falsetes de cualquier canción de Maroon 5 y es igual de pegadiza, mientras su vídeo se ha rodado no en Benidorm aunque lo parezca, sino en Miami Beach, y entre otras cosas muestra a Nick Jonas enterrado en la arena o los hermanos actuando para un adorable grupo de señoras.

Vestidos con traje, posando en un yate, sujetando unos loros… el nuevo vídeo de Jonas Brothers es más hortera que “cool”, pero no en el mal sentido. Aunque para vídeo playero me sigo quedando con el de Tinashe.

‘Identidad borrada’ visibiliza con sensibilidad el horror de las terapias para «curar la homosexualidad»

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El estreno de ‘Identidad borrada’ en España llega tan solo unos días después del escándalo en el que se ha visto involucrado el obispado de Alcalá, donde se practicaban terapias ilegales para “curar” la homosexualidad y “emprender una nueva masculinidad”. Los dolorosos testimonios de las víctimas bien podrían hacerlos protagonistas de la película de Joel Edgerton, que está inspirada en la novela de Garrald Conley en la que narraba su propia experiencia en un centro de terapia de conversión. Él era hijo del predicador de una pequeña iglesia, y al contarles a sus padres a los 19 años que era gay, lo mandaron a un programa apoyado por la iglesia para “curarle”, y en caso de no asistir, sería rechazado por su familia y amigos. Esto sucedió en 2004.

Hay numerosas películas -especialmente en la actualidad- que han retratado y denunciado el horror de los centros de conversión de diversas maneras. Desde la comedia en tono satírico en la encantadora ‘But I’m a Cheerleader’ a las más recientes y dramáticas ‘La (des)educación de Cameron Post’ (ganadora en Sundance el año pasado) y ‘Temblores’ (nueva película de Jayro Bustamante, director de la estupenda ‘Ixcanul’). Quizá se deba a que durante mucho tiempo se ha pensado que estas aberraciones no existían, o si lo hacían era solo en poblaciones remotas -cuando es probable que a día de hoy estén pasando en tu propia ciudad-, por lo que surge la necesidad de visibilizar un problema gravísimo que consiste, literalmente, en anular la identidad de una persona.

Llama la atención que una obra como la que nos ocupa haya pasado totalmente inadvertida en el circuito de premios de Hollywood, ya que es un drama familiar con conflicto social de por medio (una temática muy del gusto académico), con buena factura técnica y actores de renombre como el prometedor Lucas Hedges –que debería haber aspirado a todos los premios del pasado año-, Nicole Kidman, Russell Crowe e incluso iconos LGBT actuales como Xavier Dolan o Troye Sivan en pequeños papeles. Es posible que se deba a que ‘Identidad borrada’ está lejos de ser una película amable. Su visionado genera un estado angustioso gracias al que es su mayor acierto: crear un clima psicológico a través de la desoladora mirada del protagonista. La represión, la culpa o la presión familiar subyacen en cada uno de sus gestos.

Edgerton dirige con sensibilidad evitando caer en el telefilm de sobremesa pese a que el material se prestaba a ello, e incluso toma el riesgo de filmar una de las escenas más impactantes de la película en plano secuencia con la cámara fija. La fotografía, aparentemente simple, a cargo de Eduard Grau (‘Un hombre soltero’), se caracteriza por el uso de una paleta de colores marrones que ayuda mucho a transmitir la tristeza de lo que relata. Como también lo hace la delicada y ecléctica música de Saunder Jurriaans y Danny Bensi (‘El regalo’, ‘La autopsia de Jane Doe’) o las canciones ‘Who Are You Thinking Of?’ de Jónsi y ‘Revelation’, también de él y Troye Sivan . En un principio, Jonny Greenwood iba a ser el encargado de la banda sonora, pero se cayó del proyecto antes de comenzar.

El valor de la cinta consiste principalmente en narrar de forma potente y con realismo el calvario de las personas que son sometidas a las terapias. Incluso si la narración en ocasiones resulta caótica, la fuerza de su mensaje permanece en cada segundo de metraje. Es cierto que cinematográficamente no ofrece nada novedoso, pero es una película digna, y que, sobre todo, nos recuerda que estas cosas han pasado y siguen pasando, ya sea en Arkansas o en Alcalá. 7

Grimes llama a ‘Art Angels’ un “pedazo de mierda” y habla sobre su nuevo disco

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Grimes está concediendo las primeras entrevistas sobre su nuevo disco, ‘Miss Anthropocene’, que sigue sin fecha de lanzamiento. La canadiense, que al parecer ahora se hace llamar legalmente no Claire, sino c, ha hablado con Cultured Magazine sobre este álbum dedicado a “la diosa antropomórfica del cambio climático” que, asegura ahora, es una especie de “demonio” o de “Voldemort del cambio climático” que está “saboreando el fin del mundo”. El disco va, entendemos que irónicamente, “sobre lo genial que es el cambio climático”.

Aunque si por algo va a ser noticia esta nueva entrevista de Grimes es por sus declaraciones sobre ‘Art Angels‘, su anterior álbum, que prometen perseguirle el resto de su carrera pues no son nada positivas, pese a que aquel fue uno de los discos mejores valorados de 2015. Grimes opina que ‘Art Angels’ es un “pedazo de mierda” y una “mancha en mi vida”, aunque según explica, parte de su odio a este disco proviene de la interpretación sobre él que realizó el público, y que Claire o c considera errónea. “Grimes niega que intentara hacer un disco de pop y lo considera más un ejercicio de estilos en el que demostró su dinamismo como productora”, escribe la revista.

Grimes añade que desearía “poder crear música en un vacío”, se entiende que libre de exponerla a las críticas e interpretaciones del público, aunque luego se retracta: “es bueno hacer enfadar a la gente; si puedes hacer enfadar a la gente sin hacer daño a nadie, seguramente eso es algo bueno”.

En el resto de la entrevista, y volviendo a su nuevo disco, Grimes revela títulos de tres nuevas canciones, ‘My Name is Dark’, ‘Shall I Compare Thee’ y ‘So Heavy I Fell Through the Earth’, en este último caso inspirada en su relación con Elon Musk. Y ojo porque su explicación sobre ella tampoco tiene desperdicio, pues dice que va sobre “cómo el amor puede ser un veneno, en concreto sobre el momento en que un tío se corre dentro de ti y te conviertes en su esclava: es como un ataque a tu libertad feminista”.

Muere Alberto Cortez, el argentino que supo hacer suya la chanson francesa

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Acabamos de conocer la muerte de Alberto Cortez a la edad de 79 años. Según han reportado fuentes de la SGAE a EFE, Cortez llevaba dos semanas ingresado en el Hospital Universitario Puerta del Sur, en Móstoles (Madrid), a causa de una insuficiencia cardíaca. Finalmente ha fallecido en dicho centro sanitario. Aunque su nombre había menguado en popularidad en las dos últimas décadas, este artista argentino fue uno de los grandes nombres de la canción iberoamericana desde finales de los años 60 y las dos décadas posteriores, llegando a tener un considerable éxito con ‘Castillos en el aire’. Pero su carrera fue mucho más que eso.

José Alberto García Gallo nació en Rangul, Argentina, en 1940. Estudiante de piano desde pequeño, salió de su ciudad para estudiar derecho en Buenos Aires, pero eso nunca llegó a ocurrir: se enroló en una orquesta de jazz como cantante y con ella giró por Europa, donde se empapó de primera mano de la chanson francesa. Así, tras un par de discos, se inició como cantautor con ‘Poemas y canciones’, donde reinterpretaba antiguas tonadas latinoamericanas (se abre, por cierto, con la ‘Vidala del nombrador’ que recientemente reivindicaba Rocío Márquez) y las conectaba con la canción francesa, con arreglos grandilocuentes al más puro estilo de Brel y Brassens. Tras un segundo volumen de ‘Poemas y canciones’ y un álbum de homenaje a Atahualpa Yupanqui, su fama fue enorme, especialmente en España –aunque en esto también tuvo algo que ver el litigio que mantuvo con un artista peruano llamado exactamente así, Alberto Cortez–. Pero su figura se engrandeció sobre todo con discos como ‘No soy de aquí’ (1971), que contenía algunas de sus canciones más reivindicadas, como ‘Camina siempre adelante’ o la misma ‘No soy de aquí’. Un año después se publicaba el mítico ‘Miguel Hernández’ de Joan Manuel Serrat, que contaba con arreglos de Cortez en tres de sus canciones, incluida la memorable ‘Nanas de la cebolla’, que él mismo incluyó en su repertorio.

A finales de los 70 y los primeros 80 supo actualizar su sonido en discos como ‘Castillos en el aire’ o ‘Entre líneas’, que le mantenían como uno de los cantautores melódicos más importantes, si bien esa figura fue perdiendo fuerza. Aún así, con alianzas artísticas (y amistades) como la que mantuvo con María Dolores Pradera o Facundo Cabral supo pervivir en el tiempo. Pero sobre todo con su timbre único y su gran carisma como intérprete –con su verborrea y su permanente camisa negra– hasta el último momento. De hecho, el ingreso previo a su fallecimiento había obligado a cancelar una actuación en Santo Domingo, Puerto Rico.