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La Canción del Día: ‘Issues/Hold On’ ambienta en los 60 el matrimonio lleno de “issues” de Teyana Taylor y A$AP Rocky

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Teyana Taylor se ha quedado lejos de lograr el éxito y el reconocimiento que merecía (ni una nominación a los Grammy le ha caído) con su último trabajo producido por Kanye West, ‘K.T.S.E.‘, que contenía al menos una de las mejores canciones de 2018, ‘Gonna Love Me’. Por alguna razón, el estrellato se le resiste a Taylor pese a ir sobrada de talento -además de imagen-, y de buenas canciones como la que ha decidido apoyar ahora con un nuevo videoclip.

Y es que tras los clips para ‘Gonna Love Me’, por la que Taylor apostó lanzando un remix junto a los integrantes de Wu-Tang Clan Ghostface Killah, Method Man y Raekwon, en un ejercicio más 90s imposible; y la bailable ‘WTP‘, que la cantante presentaba no hace mucho con un visual que homenajeaba las ballrooms neoyorquinas de los 70; Taylor sigue retrocediendo en el tiempo en el vídeo de ‘Issues/Hold On’, el tema de su disco que samplea ‘I Do Love You’ de Clint Black & the Eastside Band, que fue un éxito en las listas de R&B americanas a mediados de los 60.

Y parece que concretamente en esa época, en medio de la eclosión hippy, está ambientado el vídeo de esta romántica composición en el que Taylor comparte protagonismo con el rapero A$AP Rocky, quien ya viajara a los 60 para casarse con otra mujer, en este caso con Lana Del Rey convertida en Jackie Kennedy, en el vídeo de ‘National Anthem’. La historia de Taylor va un poco peor en cualquier caso, en relación con la letra de esta canción que narra una relación llena de eso, “issues”. Sin embargo, el vídeo guarda cierto poso de humor en algunas escenas. En él hace un cameo Tyler, the Creator. La propia cantante lo firma con el nombre Teyana “Spike Lee” Taylor, pues el vídeo parece un homenaje a ‘Infiltrado en el KKKlan’.

¿Será ’45 revoluciones’ una auténtica serie musical o sólo un nuevo melodrama con decoración retro?

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Cuando se anunció ’45 revoluciones’, no era difícil sospechar que quizá tuvo algo que ver el por entonces cacareado estreno de ‘Vynil‘, la serie co-producida para HBO por Martin Scorsese y Mick Jagger (entre otros) ambientada en la industria musical norteamericana de los años 70. Ahora, sabiendo de la corta vida de aquella serie protagonizada por el director de un sello en horas bajas, también cabe pensar qué será de esta nueva serie televisiva producida por Bambú para Antena 3. ¿De verdad logrará triunfar un proyecto así en una televisión generalista española en la que hasta hace muy poco –cuando han comenzado a proliferar los programas con actuaciones en directo e incluso los documentales– la música era una mera anécdota, si no un chiste?

Lo principal, al menos para esta web, es saber si realmente será una serie sobre música o si esto es sólo un recurso coyuntural como en su día lo fueron el mundo de la moda, el hospedaje de lujo o los albores de las telecomunicaciones para los autores de ‘Velvet‘, ‘Gran Hotel‘ y ‘Las chicas del cable‘. El punto de partida, de entrada, parece interesante, ya que el argumento de ’45 revoluciones’ está inspirada en dos interesantisimos personajes de la historia musical de nuestro país: el productor Luis Sartorius, que dirigió Novola, subsello de Discos Zafiro dedicado a propuestas novedosas (cobijó a Los Relámpagos, Los Brincos y, años más tarde, a Juan Pardo en solitario y a Joan Manuel Serrat) y Mariní Callejo, una de las primeras directoras artísticas y arreglistas musicales del pop español, con un papel muy relevante en trabajos de Fórmula V o los propios Brincos.

Sin embargo, un repaso a la mayor parte de las referencias de prensa a la serie, incluido su espacio en la web de Atresmedia, no son nada halagüeñas. Apenas encontramos referencias a la música de los 60 –algún artículo de la casa reúne canciones de Los Brincos, Dúo Dinámico y Micky y Los Tonys dando supuesto contexto a la serie–, centrándose sobre todo en la coyuntura social: el músico que quiere triunfar (Carlos Cuevas, conocido por su papel en ‘Cuéntame cómo pasó’), un melenudo al que se tilda de «maricón» por su aspecto; un mánager (Iván Marcos interpreta a Guillermo Rojas, el que emula a Sartorius) que ve en ese chico atrevido la oportunidad para modernizar la anquilosada industria discográfica española; una secretaria que quiere ser tomada en cuenta, no ser sólo un florero a la espera de que un hombre le proponga matrimonio para escándalo de su familia…

El tráiler tampoco invita al optimismo: apenas se menciona –en boca de Maribel Campoy, el personaje inspirado en Callejo, interpretado por Guiomar Puerta– a Los Relámpagos, Los Mustang y Los Pekenikes, si bien lo peor es que la música que suena es una suerte de sucedáneo del soul de la Motown con una producción teóricamente moderna que, quizá, podría parecerlo en 1999. Para colmo, en lugar de recurrir a canciones de la época o a compositores actuales que sepan captar la esencia de aquellos años (sin pensar mucho, se nos ocurren varios: Guille Milkyway, Francisco Nixon, los Tachenko…), lo que vamos a escuchar por parte de los protagonistas son canciones de Lady Gaga, R.E.M., The Killers o Coldplay adaptadas a los códigos musicales de aquel tiempo, al estilo ‘Moulin Rouge’.

Por otra parte, la ambientación (una carrera delante de los grises invita a pensar que no estará ambientada en el mundo de fantasía de ‘Velvet’) y la apariencia de que temas espinosos como el sexismo o la homofobia tendrán protagonismo, unidos al hecho de que en el haber reciente de Bambú también está una buena serie como ‘Fariña‘, obligan a dar un voto de confianza a ’45 revoluciones’… al menos hasta que esta noche veamos su primer episodio.

Fallece Dick Dale, pionero del surf-rock y autor de la célebre ‘Miserlou’

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Dick Dale, pionero de la música surf, llamado el “Rey de la guitarra surf”, ha fallecido a los 81 años, ha confirmado a The Guardian su bajista Sam Bolle. La causa de su muerte no ha sido revelada por el momento, aunque Dale sufrió varios problemas de salud en los últimos años de su vida y en 2015 llegó a declarar en una entrevista que, si seguía dando conciertos, era para pagar sus facturas médicas.

Dale fue autor de la célebre ‘Miserlou’, en la que en realidad trasladó al surf-rock -entonces un género incipiente en Estados Unidos- una melodía tradicional griega que se remonta a finales de los años 20. La música surf se caracterizaba por fusionar ritmos del rock con melodías de Oriente Medio, el uso del reverb y punteos rápidos. ‘Miserlou’ ha ganado gran popularidad en años posteriores al ser empleada por Quentin Tarantino en su película de 1995 ‘Pulp Fiction’ (nada menos que al comienzo de la cinta) y sampleada más tarde por Black Eyed Peas en su éxito de 2005 ‘Pump It’.

Nacido en Boston en 1937, Dale fue hijo de un inmigrante libanés, quien le enseñó las escalas musicales orientales que él más tarde usaría en sus canciones, dando lugar al género de la música surf y a uno de los estilos más reconocibles del “sonido californiano”, que tanto se asocia en la actualidad a artistas indie como Best Coast o Wavves. El propio Dale se aficionó a surfear tras su llegada al sur de California a mediados de los años 50. En 1961 firmaría junto a The Del-Tones ‘Let’s Go Trippin’, considerada la primera canción de surf-rock y que fue versionada por Beach Boys en 1963.


Las Mejores Canciones del Momento: marzo 2019

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Anni B Sweet / Buen viaje: Primer single, psicodélico pero inmediato, del disco en castellano que lleva años preparando Anni B Sweet. La espera ha merecido la pena.
Mujeres / Romance romántico: Otra gran píldora pop de los garajeros Mujeres, que acaban de sacar EP en Sonido Muchacho, el sello de Carolina Durante, Los Nikis, La Plata o Airbag.
Cupido / Autoestima: Aparte de ‘No sabes mentir’, el primer disco de los exitosos Cupido incluía esta maravilla de R&B en la que Pimp Flaco canta sobre ser demasiado guapo.
Confeti de Odio / Hasta romper el móvil: Contagioso tema de urban el que se ha marcado el proyecto de Lucas de Laiglesia, normalmente más anclado en el indie pop.
One Path, KICKBOMBO / Rompe: Bailable primer adelanto del que se considera el primer disco oficial de One Path, tras varios años entregado a la mixtape y el tema suelto dentro de la música urbana.
Novio Caballo / Jesús es negro: Desde Castellón y Mushroom Pillow, Novio Caballo gustará a los seguidores de León Benavente o El Columpio Asesino.
Carly Rae Jepsen / Now That I Found You: Nueva entrega electropop de la intérprete de ‘Call Me Maybe’, ahora con una serie de beats noventeros que Dua Lipa ya habría convertido en macrohit.
Miss Caffeina / Prende: Segundo single oficial de ‘Oh Long Johnson‘, actual número 1 de ventas en nuestro país, con guiños a la música de baile de los 70, los 80 y los 90.
Carolina Durante / Joder, no sé: Primer sencillo oficial del que será el disco de debut de Carolina Durante en Sonido Muchacho, con distribución de Universal.
The Cranberries / All Over Now: Primer single del disco póstumo de Dolores O’Riordan, en el que tanto funcionan pre-estribillo y estribillo como el riff de guitarra de Noel Hogan.

Kero Kero Bonito / Swimming: Rescate del último álbum de Kero Kero Bonito en el que no parecía ser una de las mejores composiciones del largo, pero finalmente sí.
Spellling / Under the Sun: La californiana Tia Cabral («la bruja del pop») llega a su segundo disco, que incluye canciones tan magnéticas como esta, todo un grower que se acerca a los 6 minutos de duración.
KH, Four Tet / Only Human: Fascinante revisión del tema que abría ‘Loose’ de Nelly Furtado a cargo del siempre acertadísimo Four Tet.
Monterrosa / Fauna: Gran tema electropop del dúo revelación Monterrosa, en el que cantan contra las manadas, constituyendo un himno feminista y LGTB+.
Novedades Carminha / Obsesionada: Top 20 de ventas en España y top 40 de streaming, ‘Ultraligero’ de Novedades Carminha, aparte de 6 singles ya conocidos, esconde joyas como esta dedicada a alguien «obsesionada por la unidad de España».
Solange / Stay Flo: En el complicado nuevo disco de Solange encontramos algún tema instantáneo como ‘Stay Flo’, sobre el que debatíamos recientemente.
MARINA / Superstar: Primer single verdadero del próximo disco de MARINA, una canción de devoción en el que un piano convive con un bajo más urban de lo que aparenta.
Jessie Ware / Adore You: Aunque no sea su hit más obvio, embriagador nuevo tema de Jessie Ware en el que se ha hecho acompañar por el líder de Metronomy.
DORA / Saving Star: Tema de debut de DORA, la hija de Bimba Bosé que ya despuntara en Youtube antes de que falleciese su madre.
Hayden Thorpe / Diviner: Separados Wild Beasts, uno de los grupos más influidos por el legado de Talk Talk, Hayden Thorpe destaca en este primer adelanto de su nuevo disco.

Robert Forster / Inferno (Brisbane in Summer): Rockero tema incluido en el nuevo álbum del ex Go-Between, que ha pasado por nuestra sección de Discos Recomendados.
Rocío Márquez / Luz de luna: Adelanto de ‘Visto en el Jueves’, lo nuevo de Rocío Márquez, sobre el que hemos charlado con la artista en una entrevista que publicaremos durante los próximos días.
Hatchie / Without a Blush: Siouxsie o My Bloody Valentine continúan siendo las referencias de Hatchie, que tiene ultimada ya finalmente su puesta de largo.
Hidrogenesse / Se malogró: Segundo adelanto del inminente disco de Hidrogenesse, del que también se ha conocido el tema ‘Claro que sí’.
Dido / Hell After This: Sorpresa incluida en el nuevo álbum de Dido, que se ha presentado con temas como ‘Hurricanes’ o ‘Give You Up’.
Rex Orange County / New House: El artista que quedara segundo en el BBC Sound of 2018 tan solo por detrás de Sigrid se muestra aquí entre Randy Newman y Frank Ocean.
Holly Herndon / Eternal: Experimental tema de Herndon con el que se presenta su próximo álbum, a la venta en mayo.
Xiu Xiu / Girl With Basket of Fruit: Tribal y experimental pero medio pegadizo tema de Xiu Xiu, incluido en el disco homónimo que acaban de publicar este invierno.
Don Patricio, Cruz Cafuné / Contando lunares: Uno de los mayores éxitos en España ahora mismo es este tema que bebe de la tradición cubana como lo hacía ‘I Like It’ de Cardi B.
Sean Paul, J Balvin / Contra la pared: Inminente hit recién salido del horno de estos dos magnates del pop internacional, con toda la pinta de arrasar el próximo verano.

Billie Eilish podría superar las ventas de Ariana Grande y lograr el mayor debut de 2019

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Billie Eilish lanza su esperado debut el 29 de marzo, y las predicciones de ventas en Estados Unidos son espectaculares tal y como informa HITS Daily Double, hasta el punto que ya amenazan las cifras en su primera semana logradas por ‘thank u, next‘, de la mismísima Ariana Grande.

Según el portal americano, ‘WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?’ “se prepara para desafiar el mayor braguetazo del año” hasta el momento, el de ‘thank u, next’, que debutaba el pasado 17 de febrero en el número 1 del Billboard con lo equivalente a 360.000 copias vendidas en una semana. Hasta la fecha, el álbum ha despachado ya lo equivalente a 1 millón de copias solo en tres semanas, lo que convierte a Grande en la artista más importante del momento.

‘thank u, next’ está arrasando en ventas pero sobre todo en streaming, y este es precisamente el punto fuerte de Eilish. Para que os hagáis una idea, el mayor éxito de la cantante en las plataformas de streaming, ‘lovely’ con Khalid, suma cerca de 700 millones de reproducciones entre Spotify y Youtube, pero solo ha ido top 64 en el Billboard. El resto de singles de Eilish ha registrado un recorrido más o menos similar en Estados Unidos a excepción de ‘bury a friend’, que ha sido top 14, aunque cabe mencionar que la música de Eilish parece funcionar especialmente bien en Australia y Nueva Zelanda y también en algunos mercados europeos, más minoritarios.

Eilish es uno de los mayores fenómenos pop del momento (pese a su imagen y sonido alternativos) y su disco será uno de los más exitosos de 2019 casi con toda seguridad. Si efectivamente su primer disco alcanza, iguala o incluso supera las cifras en su primera semana de ‘thank u, next’ en USA, cabe preguntarse si se mantendrá en listas sin la ayuda de un hit potente a la altura de ‘7 rings’ o si, por el contrario, terminará confirmando a Eilish como una artista de álbumes. Esta segunda opción parece la más probable.

Dido / Still on My Mind

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Dido ha sorprendido a propios y extraños (por decirlo de alguna manera) publicando no solo un quinto disco cuando ya nadie parecía necesitarlo, sino también una de las mejores canciones de su carrera cuando ya nadie parecía esperarlo. Aunque ‘Hurricanes’ ha pasado desapercibida por las plataformas de streaming, mientras por las listas de éxitos directamente ni ha pasado -la británica luego declaraba que era un “buzz single”, pero no cuela- este tema que empieza simplemente poco más que con la voz de Dido y una guitarra acústica para, poco a poco, desenvolver una melodía preciosa, y evoluciona poco a poco hacia el trip-hop, desde donde el ritmo despega para terminar en los cielos, es la prueba inequívoca de que Dido sigue siendo capaz de componer canciones tan emocionantes como sus primeros éxitos. Lo cual no estaba nada claro con su anterior álbum, ‘Girl Who Got Away’, que por lo menos sí nos dejó un pequeño clásico como ha terminado siendo ‘No Freedom’, aunque parte de su reconocimiento se deba a la versión de Miley Cyrus. Me atrevo a decir que he escuchado ‘Hurricanes’ más veces en 3 meses que todo el disco anterior de Dido en 5 años.

Si ‘Hurricanes’ ha sido un “grower” -la especialidad de Dido-, también lo ha sido el verdadero sencillo principal de ‘Still on My Mind’, un álbum llamado así porque, dice la autora de ‘White Flag’, la música “sigue en su mente” pese a lo mucho que suele tardar en sacar álbum. ‘Give You Up’ parecía la típica balada llorica que tanto gusta a los británicos, y aunque puede que lo sea, también es una de las canciones de Dido que mejor ha logrado equilibrar su elegancia habitual con el dramatismo asequible de una Adele. En la letra, la artista no se ve con fuerzas para tirar una relación para adelante, pero lo que termina llevando el tema a un lugar mágico es su coro masculino, que suena espiritual y parece acompañar a Dido en su aflicción.

‘Still on My Mind’ encierra más sorpresas. La incursión latina de ‘Hell After This’, que incluye trompetas (!), es adictiva, un verdadero caramelo pop en una discografía que, si se ha caracterizado por algo, es por un repertorio de canciones que han buscado el ensueño, el elemento hipnótico, mediante coqueteos no solo con el folk-pop de ‘Thank You’, sino también con el new age, el hip-hop o varios tipos de electrónica. ‘Stoned’, la canción dance de ‘Life for Rent’, que destacaba por sus ambientes intoxicados y urbanos, conformando una de las grandes obras maestras de Dido, parece una influencia en las dos canciones bailables del álbum, ‘Take You Home’ y ‘Friends’. Ambas, con ritmos de pop-house ligero, demuestran que no hay nada de malo en que Dido no termine de dejar atrás los 90.

‘Some Kind of Love’ es otro de los momentos cumbre de este disco que Dido ha vuelto a producir junto a su hermano Rollo Armstrong, quien durante un tiempo fuera más famoso que ella como miembro de Faithless. Estamos ante una conmovedora balada acústica, adornada con las ambientaciones oníricas de rigor, en la que Dido se reencuentra con su juventud mediante los viejos discos de vinilo que sigue guardando en su habitación. Por otro lado, ‘You Don’t Need a God’ es otra buena balada próxima al new age, que en este caso habla sobre hallar transcendencia en las cosas mundanas.

El peor aspecto de ‘Still on My Mind’ es que sufre el clásico síndrome de disco cuya primera mitad es mucho mejor que la segunda, pese a que ‘Friends’ aparece hacia el final. Por ejemplo, alguien parece haber convencido a Dido de que haga una canción tropical y le ha salido una cosa bastante mediocre llamada ‘Mad Love’, mientras se vuelve a echar de menos un poco más de brío en algunas de las composiciones incluidas en esta “cara B”, como el tema titular o ‘Chances’. Un disco más que digno de Dido en cualquier caso, que confirma lo que ya sospechábamos, que aquel “greatest hits” de 2013 llegó demasiado pronto.

Calificación: 7,1/10
Lo mejor: ‘Hurricanes’, ‘Give You Up’, ‘Hell After This’, ‘Take You Home’
Te gustará si te gusta: tanto el pop alternativo tipo Lorde como el pop comercial tipo Adele
Escúchalo: Spotify

La Canción del Día: Four Tet hace maravillas con un tema olvidado de Nelly Furtado

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‘Loose’ fue el gran éxito de Nelly Furtado, llegando a despachar según las fuentes más optimistas 10 millones de copias. Las grandes triunfadoras del disco fueron ‘Promiscuous’, ‘Maneater’, ‘Say It Right’ o en España ‘Te busqué’ con Juanes, aunque lo cierto es que se llegaron a extraer 8 singles entre las 12 canciones que tuvo el disco. Eso quiere decir que tan solo 4 temas no fueron sencillo de aquel álbum y uno de esos 4 es el que acaba de ser rescatado del olvido por el bueno de Four Tet.

Se trata de ‘Afraid’, el tema que abría ‘Loose’. Era una colaboración con el rapero Attitude marcada por un repetitivo riff de guitarra, sobre el que Furtado hablaba sobre cuánto condicionaba sus acciones el «qué dirán». La co-producción de Timbaland, Danja y Jim Beanz decía repetidamente que «tienes miedo de lo que la gente pueda decir, pero no importa, porque eres humana», e iba incorporando un coro tipo tribal repitiendo esa misma frase, terminando este conjunto de personas entonando esta frase a capella en los últimos segundos de grabación.

Esa es la parte que Four Tet con su alias KH ha escogido para transformarla en rompepistas. ‘Afraid’ se transforma en un potentísimo ‘Only Human’ de base techno y ritmo frenético en el que las citadas voces se van abriendo paso hasta conformar una especie de estribillo. Kieran Hebden ya había pinchado su adaptación del tema, así como otros dj’s, propiciando que esta fuera una de las remezclas más buscadas de 2018, y finalmente ha sido este mes de marzo cuando se ha subido a las plataformas de streaming para nuestro deleite, tanto en todo su esplendor como en forma de «radio edit». Una nueva delicia bajo la producción de un Four Tet, donde el artista se permite juguetear de nuevo con la «world music» en sintonía con algunas de sus penúltimas inquietudes artísticas, centradas en la India.

‘Los crímenes de Alicia’: el enigma de Lewis Carroll y su obsesión con las niñas

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En 2004, el escritor argentino Guillermo Martínez publicó ‘Los crímenes de Oxford’, una estupenda novela de detectives que mezclaba de forma muy hábil el estilo, los personajes y los ambientes británicos de los clásicos del género (Conan Doyle, Agatha Christie), con la erudición y las reflexiones filosóficas (en este caso Wittgenstein y las matemáticas) de un Borges o un Umberto Eco. La novela, que fue adaptada al cine por Álex de la Iglesia con mucho oficio pero sin demasiada personalidad, nació de la experiencia del novelista en la universidad de Oxford, donde estudió matemáticas. De hecho, detrás del alumno protagonista, llamado G., no era difícil ver al propio Guillermo.

‘Los crímenes de Alicia’ (premio Nadal de este año) retoma los escenarios y personajes de la primera novela (aunque se puede leer de forma independiente), y sitúa la acción un año después, en 1994. En esta ocasión, G. y su profesor de Lógica Arthur Seldon (un trasunto de Watson y Holmes), se verán envueltos en una trama criminal que gira alrededor de un hecho real: el descubrimiento en 1994 por parte de la escritora Karoline Leach, de un documento en el que se revelaba cierta información sobre el contenido de las páginas del diario de Lewis Carroll que sus herederos habían arrancado tras su muerte.

¿Qué escribió el autor de ‘Alicia en el país de las maravillas’ en esas páginas para que fueran arrancadas? ¿Algún sentimiento comprometedor? ¿Algo que dejara traslucir su presunta pedofilia? Martínez tira del hilo interpretativo de este enigma para tejer una absorbente intriga criminal, llena de sorprendentes pespuntes, en la que se verán enredados los miembros de una sociedad de estudiosos del escritor y también matemático británico. Un misterio que avanza en paralelo a otro: el del propio Lewis Carroll. Martínez cita a L. P. Hartley -“El pasado es un país extranjero”- para reflexionar sobre cómo acercarse desde la época actual a la figura del victoriano Carroll, cómo asomarse desde nuestros códigos morales a un mundo donde la edad legal para casarse eran los doce años y la desnudez infantil el símbolo de un ideal edénico.

Crímenes que parecen seguir la (i)lógica de Alicia en el país de las maravillas, profesores que intentan aplicar la lógica matemática a la investigación policial, referencias a John Frankenheimer (el hoy algo olvidado director de maravillas como ‘El mensajero del miedo’, ‘El tren’ o ‘Plan diabólico’), y una historia de amor que, como en el caso de ‘Los crímenes de Oxford’, es la parte más floja de la novela. Guillermo Martínez ha vuelto a resucitar el subgénero del whodunit y le ha aplicado la lógica de Wittgenstein: después de 2, 4, 8, 16, puede venir el número 31. 7,5. Disponible en Amazon.

Red Hot Chili Peppers cantan ‘Pyramid Song’ de Radiohead frente a las pirámides de Egipto

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Red Hot Chili Peppers han llevado a cabo su plan de actuar frente a las famosas pirámides de Egipto en Giza. Los estadounidenses se suman así a la lista de artistas que han actuado en tan preciado lugar, entre los que se encuentran Frank Sinatra, Mariah Carey, Jean-Michel Jarre, Shakira, Kylie Minogue o Sting, según Setlist.fm.

La anécodta de concierto es que Red Hot Chili Peppers no han dejado pasar la oportunidad de tocar frente a las pirámides ‘Pyramid Song’, una de las mejores canciones de Radiohead. La elección no es casual, pues Flea -guitarrista de Red Hot Chilli Peppers- es a su vez miembro de Atoms for Peace junto a Thom Yorke -líder de Radiohead-, Joey Waronker, Mauro Refoscoel y el productor Nigel Godrich, quien de hecho produjo ‘The Getaway‘, el último trabajo de los Red Hot hasta la fecha.

El repertorio de Red Hot en las pirámides está disponible en Setlist.fm e incluye también sus habituales versiones de ‘I Wanna Be Your Dog’ de The Stooges y ‘Higher Ground’ de Stevie Wonder, además de los éxitos ‘Californication’, ‘By the Way’, ‘Give it Away’ o ‘Under the Bridge’. El vídeo completo, bajo estas líneas. ‘Pyramid Song’ empieza en torno a 1:59:50.

Rocío Márquez renueva el mítico bolero ‘Luz de luna’ y lo eleva a los cielos

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Hay versiones y versiones: están las que sirven como homenaje, otras que simplemente imitan de pe a pa el original y otras, no demasiadas, que reinventan lo escuchado y, partiendo de una grabación anterior como referencia, la convierten en una nueva canción. Es el caso de lo que ha hecho Rocío Márquez con ‘Luz de luna’, el clásico bolero de Álvaro Carrillo que se presentó como single de ‘Visto en El Jueves’, el nuevo álbum de la cantaora de Huelva. Y mira que hay interpretaciones míticas de esta canción: Rocío Durcal, Chavela Vargas, María Dolores Pradera, El Cabrero… Pero la de la onubense la lleva a un espacio propio, reconocible y nuevo.

Precisamente de la adaptación a bulería que hacía el cantaor sevillano es de la que parte la autora de ‘Firmamento‘, como nos ha explicado en una profusa entrevista que publicamos en los próximos días. Esa versión comenzaba incorporando un fragmento de la ‘Vidala del nombrador‘ –una canción de Jaime Dávalos, en ese estilo tradicional de La Pampa que dio lugar a la vidalita, un palo flamenco de los llamados «de ida y vuelta»–, antes de atacar el bolero tal y como se conoce más popularmente. Rocío, además, difiere de la versión de El Cabrero en que conserva un último verso del original de Carrillo que el cantaor omitía –el verso que comienza «Si ya no vuelves nunca, provincianito mío»– y que ella ha recompuesto como una suerte de outro.

Pero más allá de su estructura e historia, lo que consigue que esta ‘Luz de luna’ suene del todo nueva es la interpretación que hace Márquez, yendo de la mano del tocaor Juan Antonio Suárez “Canito” y las percusiones de Agustín Diassera, sus únicos cómplices musicales en esta aventura. Con esta escueta formación, Canito demuestra una imaginación asombrosa, con un toque de guitarra que en muchos pasajes es tan iconoclasta que ni siquiera parece flamenco (aunque no deja de serlo en ningún instante), mientras Diassera emplea triángulo, maracas y cajón casi como si fueran pinceladas, muy leves pero imprescindibles. E impulsada por ambos, la voz de Rocío nos agarra por el pecho y nos zarandea, especialmente en ese verso final antes citado.

‘Luz de luna’ ha sido el primer adelanto de ‘Visto en El Jueves‘, el nuevo trabajo de Rocío Márquez, publicado hace un par de semanas, y que está inspirado en hallazgos hechos por la artista en EL Jueves, un conocido mercadillo de segunda mano que se celebra ese día de la semana en la capital andaluza. Con ello, Márquez y su equipo quieren hacer reflexionar sobre la memoria, lo antiguo en un mundo tan fugaz en el que las cosas nuevas dejan de serlo de manera casi instantánea. Esa imagen también parece inspirar el vídeo de la canción recién estrenado: en un precioso trabajo visual de Vampire Films, Márquez, «Canito» y el bailaor Rubén Olmo se desdibujan en líneas digitales, junto con bodegones de cacharros y discos viejos que bien podrían haber sido hallados en El Jueves, como si pugnaran por que lo crudo y lo real no sucumbiera a lo digital.

Nasty Cherry, el grupo entre Spice Girls y The Runaways que amadrina Charli XCX

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En el fondo, Charli XCX debe añorar (como nosotros) su etapa punk-popera, la de ‘Sucker‘. Y por eso ahora se ha implicado al máximo en apoyar Nasty Cherry, un grupo formado por cuatro chicas que Noisey ya ha definido con bastante tino como unas Spice Girls que hubieran nacido en Los Ángeles y hubieran flipado con The Runaways. Son referentes dispares pero que, extrañamente, cobran bastante sentido al escuchar ‘Win’, el recién estrenado primer single del proyecto.

Y es que, efectivamente, esta canción tiene algo de pop y algo de punk, aunque no esté protagonizado por guitarras sino por teclados que más bien recuerdan a MUNA o The Pale Waves, y un bajo muy Peter Hook. Y es que, tal y como están hoy las cosas, ya es bastante punk no caer en los tópicos del pop actual y no hacer estallar la canción a la primera de cambio, reservándose el gancho hasta el minuto 2, para comenzar a repetirlo hasta el final. Una estructura bastante llamativa en la que también colabora la propia Charlotte Aitchison junto al productor, Justin Raisen, que además de a Charli ha producido a Sky Ferreira (no en vano ‘Win’ también remite a ella), Angel Olsen, Ariel Pink o Marissa Nadler. El single ha sido publicado en Vroom Vroom Recordings (así se llama el sello de la autora de ‘Vroom Vroom‘), para que todo quede en casa.

El cuarteto es de Los Ángeles, y su formación es muy reciente. La conexión con Aitchison parece estar en Debbie Knox-Hewson, la batería del grupo que ejerció como tal en los directos de la británica precisamente en la era ‘Sucker’. Completan Nasty Cherry la vocalista Gabby Bechtel, la guitarrista Chloe Chaidez (que también pertenece a una banda angelina llamada Kitten), y la bajista Georgia Somary, que se han ido presentando al más puro estilo revista teen (diciendo su horóscopo y comida favorita, movidas así) en su perfil de Instagram. Y es que, pese a que de momento ‘Win’ no cuenta con un videoclip, en Nasty Cherry parece muy importante la imagen: no hay más que ver el portadón de su single, con las miembros formando un cuadrado sujetando los pechos de sus compañeras a cada lado. El tiempo dirá si esto es sólo una curiosidad o algo más consistente, o si resistirán sin la implicación de Charli XCX en el proyecto, pero de momento el juego les está quedando, como poco, llamativo.

Escucha la playlist «Revelación o Timo»

Lola Indigo canta (y baila) ‘Corazón partío’ y revela el título de su disco en ‘La mejor canción jamás cantada’

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Esta noche se ha emitido en TVE la nueva edición de ‘La mejor canción jamás cantada’ (suspendida la semana pasada por la huelga general del 8 de marzo). El programa se ha centrado en la década de los 90 y ha contado con la participación, entre otros, de Miki Núñez, Carlos Sadness, David Otero, Lola Indigo, Sweet California, Carlos Baute y Alba Reche.

Lola Indigo ha hecho una versión de ‘Corazón partío’ de Alejandro Sanz, quien casualmente acaba de anunciar un nuevo disco llamado “el disco”, aunque la noticia es que ha aprovechado su visita al plató de ‘La mejor canción jamás cantada’ para anunciar que su disco se llama ‘Akelarre’ -sí, con K– y que sale “en primavera” (aunque esto ya lo había confirmado). Puedes comprobarlo tú mismo en el vídeo completo del programa, a partir del minuto 59.40. Mimi Doblas confirma que “pronto” sale nuevo single.

En cuanto a su actuación, la artista granadina tampoco ha dejado pasar la oportunidad de marcarse unos pasos de baile, sumando otra estupenda performance a su carrera televisiva. En Twitter ha escrito: “para mí ‘Corazón partío’ siempre ha sido la canción mas bonita en nuestro idioma, gracias a Gestmusic por invitarme a cantarla, a Ferrara por hacerme bailar con esta version y al maestro Alejandro Sanz por su obra y su inspiración infinita”.

Nena Daconte / suerte…

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6 años fuera de la industria musical es una eternidad. Lo era en los 60, cuando era lo normal que los Beatles sacaran un disco todos los años; lo era en los 70, cuando era lo normal que David Bowie sacara un disco o más todos los años; y lo es desde luego ahora, cuando lo normal es que un artista pruebe «suerte» con un single cada dos meses, sin contar «featurings». Nena Daconte va a necesitar mucha de esa «suerte» de la que habla en el título de su regreso para volver a conectar como pretende con el público que canturreó ‘Tenía tanto que darte’, ‘El aleph’, ‘En qué estrella estará’ o ‘Disparé’, máxime después de unas controvertidas declaraciones sobre religión y el aborto que ni la han acercado al target comercial de Taburete, ni han conectado obviamente con sus seguidores más progresistas o LGTB+.

Pero ciñéndonos a lo musical como ha de ser, ‘Mi mala suerte‘ sí es el single perfecto que puede servir para reconducir una carrera, pues es fiel a la esencia de la artista, conecta en espíritu con su mayor hit pero es independiente de él y no puede sonar más fresco y original en medio del huracán de música urbana y latina que suena en Youtube y otras plataformas de streaming. Recuerda a ‘Tenía tanto que darte’ no solo en el uso de voces infantiles, sino por ese gusto tan Mai Meneses de hacer sonar una canción triste, un sentimiento de rabia, como una grabación paradójicamente eufórica y optimista. La letra dice «Maldigo aquella vez y mi mala suerte», pero la sensación dejada es de desahogo, de dejar todas las malas vibraciones fuera, a lo que ha contribuido un simpático vídeo en el que la artista se pasea por Madrid y Barcelona acompañada de un bombo que marca el contagioso ritmo de la canción.

El resto de ‘suerte…’, 7 canciones que se verán complementadas por pistas sueltas durante los próximos meses, se compone de baladas como ‘Amanecí’ o la final ‘Ya sé’, esta última salpicada por los celos; y canciones de pop-rock como ‘Ya no somos niños’ o ‘Y qué’, con Nena Daconte intentando «recomponerse» de alguien a quien «no ha conseguido olvidar jamás». Otro gran estribillo. Las más interesantes son ‘En otra dimensión’, una acústica en la que Meneses sueña con una vida ajena a la maternidad («Me encantaría llegar a ser imprudente contigo, ser temeraria y vacía»); y muy especialmente ‘La llama’, en la que un precioso banjo aportado por el productor Paco Salazar y un pequeño cambio de acordes en el estribillo, construyen una canción con nada que envidiar al catálogo de Emeli Sandé, que habla sobre renacimiento (“He tropezado tanto y tantos fracasos / pero me sigo levantando y aún sigo aquí”) y resistencia («soy un barco en mitad del mar que ninguna ola consigue volcar»). Con un nivel compositivo infinitamente superior al de, por decir algo, los discos de Taburete o ‘Tráiler’ de Aitana, es un verdadero misterio por qué este disco no está logrando mayor repercusión. ¿Serán sus ideas políticas? ¿Será su edad? ¿Serán los años de silencio? Pero sobre todo, ¿está siendo justa la industria musical con esta autora? ¿No debería Meneses como mínimo estar componiendo para otros artistas de pop?

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Mi mala suerte’, ‘Y qué’, ‘La llama’, ‘En otra dimensión’
Te gustará si te gustan: Vega, La Sonrisa de Julia, Amaral
Escúchalo: Spotify

Hit de ayer: ‘God Give Me Strength’ de Kristen Vigard, un tema perdido de… ¿la mejor peli musical de la historia?

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En un reciente episodio de su podcast, el crítico de cine inglés Mark Kermode entrevistaba a la directora de cine Allison Anders con motivo de la reciente edición en DVD en el Reino Unido de su película de 1996 ‘Grace of My Heart’. Producida por Martin Scorsese y protagonizada por Illeana Douglas, John Turturro y Matt Dillon, narra la vida ficticia (pero inspirada parcialmente en Carole King) de una cantante y compositora de canciones del Edificio Brill durante la era dorada del pop en los EE.UU.

Durante el programa Kermode -que es un enorme fan de la película- alababa la obra de Anders y juntos departían sobre cómo se originó la idea y cómo se planteó quizá el elemento más crucial de la misma: la música. Anders explicaba cómo desde el principio quiso juntar a artistas contemporáneos de los 90 con compositores de éxitos de los 60 y que colaborasen componiendo. Así, Burt Bacharach, Joni Mitchell, Gerry Goffin o Lesley Gore se acabaron codeando -literal o metafóricamente según el caso- con Elvis Costello, J Mascis de Dinosaur Jr, Shawn Colvin, Dave Stewart de Eurythmics o Los Lobos. Las canciones, que recreaban los sonidos de la época bastante respetuosamente, se grabaron en el estudio B de Capitol Records en Nueva York -uno de los pocos que en los noventa mantenía su configuración y equipo originales- con la ayuda de gente como el arreglista Jimmy Haskell (The Everly Brothers, The Beach Boys) o el legendario bajista Chuck Berhofer (el de ‘These Boots Are Made For Walking’).

El sonido de la banda sonora va a la par con la calidad de recreación visual: la fotografía, ambientación y vestuario de ‘Grace of my Heart’ eran impecables, y vista veinte años después está a la altura de obras maestras de la resurrección visual más recientes como ‘Mad Men’ o la película ‘Love & Mercy’. Pero no es el único aspecto en el que film y banda sonora van parejos. Ambos comparten una constante que se resume en la palabra “emoción”. Si la historia de Edna Buxton de constante lucha (vital, sentimental, de género) está llena de triunfos y decepciones que llegan directamente al corazón, las canciones tienen una magia extraña que potencia todo ese caudal de sentimientos. Lo mismo ocurre con la trayectoria del personaje Jay Phillips (inspirado en parte en Brian Wilson) y las canciones que le rodean.

Los temas que elevan a los cielos a la película son varias, y de enorme calidad: desde los caprichos de pop recreado (‘Born To Love That Boy’) a la extraña-mezcla-que-sin-embargo-funciona de pop de guitarras 90s mirando a los 60 (las extraordinarias ‘Take A Run At The Sun’ y ‘Don’t You Think Is Time’ de J Mascis). Pero son las de corte más emocional las que coronan esta banda sonora, y a ‘Grace of my Heart’ por extensión: mención especial para la canción sobre amor lésbico en la sombra que Lesley Gore no pudo escribir en los 60 pero sí en los 90: ‘My Secret Love’, además de ser parte de una de las mejores escenas de ‘Grace of my Heart’, es un monumental himno y una composición que debería citarse más a menudo como una de las mejores de su obra.

Y sin embargo nuestro ‘Hit’ de esta quincena va dedicado a otra canción, interpretada por Kristen Vigard. Aunque no muy conocida, se trataba de una actriz y cantante que había debutado de niña en 1976 como la primera ‘Annie’ de la historia de Broadway y ya de adulta editó un único disco en solitario (‘Kirsten Vigard’, 1990) sin demasiado éxito (aunque incluso en España se vio bastante el vídeo de ‘Paint My Head’ en los canales satélite). A mediados de lo 90, mientras se estaba replanteando sus dos carreras, fue fichada para poner voz al personaje Edna Buxton en las escenas cantadas de ‘Grace of my Heart’. Tres son los temas que interpreta Vigard a voz y piano, y los tres son espectaculares. ‘A Boat on the Sea’, de Larry Klein, es de una melancolía difícil de explicar. La canción escrita por Joni Mitchell, ‘Man from Mars’, es estremecedoramente bonita también… y habría conseguido más fama de no ser por el impacto que deparó ‘God Give me Strength’, la colaboración entre Costello y Bacharach. Dos músicos que se juntaron simplemente para llevar a cabo el experimento propuesto por Allison Anders pero que para sorpresa de todos compusieron una canción tan exquisita, tan desarmante, tan colosal, que acabaron componiendo un álbum entero (‘Painted from Memory’, 1998).

Quizá por esa razón cuando se publicó la banda sonora la discográfica maniobró para que la versión que apareciese de ‘God Give Me Strength’ fuese la que grabaron ellos, una versión con gran pompa orquestal y sin duda excelente, pero que dejaba fuera del disco la interpretación más íntima e impactante: la de la película. En una de sus escenas más icónicas, Edna se la canta a Jay, quien va a producir su primer disco en solitario. Representa un momento de meta alcanzada, de etapa cumplida y también de expresión de dolor por un desamor que la canción expresaba magistralmente, en la doble interpretación de Illeana Douglas y Kristen Vigard:

“Ahora no tengo nada, así que Dios dame fuerza / Porque me siento débil después de su partida / Y aunque esté fuerte aún podría romperme (…) / Esa canción ya la hemos acabado / el sonido de esa campana ya se ha agotado / Él fue la luz que yo bendecía / Y se llevó mi última oportunidad de ser feliz”.

Conforme Kristen desgrana tan tristes versos con su voz cristalina, la canción va ascendiendo en una progresión de acordes y melodía a lo largo de unas estrofas, post-estrofas, pre-estribillos y estribillos que compiten entre sí en elegancia y emoción, con matices y detalles de los que hicieron de Bacharach el genio que en los 60 no sólo cambió el pop para adultos sino que influenció a figuras del pop futuro como Brian Wilson. Para cuando llegan el puente y el post-puente la tensión es máxima, extática. Y en ellos las letras de Costello son pura poesía sobre la necesidad del duelo cuando el amor muere:

“Aunque también podría borrarle de mi memoria / Romper el hechizo, mientras se vuelve mi enemigo / Quizá desaparecí como se borra una marca de labios en su camisa / Verás, soy de carne y hueso, y quiero que él duela / Quiero que él duela”.

¿Es hiperbólico declarar ‘God Give Me Strength’ la canción la más bella, compleja y emocionante de todos los 90? ¿O añadir que pertenece a la mejor película musical de la historia? Pues en ‘Hit de ayer’ lo afirmamos.

La ausencia de esta versión en la banda sonora decepcionó a muchos fans del film, hasta el punto de que a finales de 1996 Allison Anders acabó yendo al legendario programa de música de Los Angeles ‘Morning Becomes Eclectic’ (todavía en antena en la actualidad) para ser entrevistada y regalarles un DAT con la canción, que en la emisora se radiaba a menudo a petición de los oyentes. Un lustro después, la canción era una búsqueda habitual en Audiogalaxy, eMule, Soulseek y demás por parte de sus fans. Gracias a la llegada de Youtube, desde hace casi una década se ha podido ya acceder de manera normalizada a ‘God Give Me Strength’ (incluso la versión completa y en estéreo, aunque siempre gracias a canales no oficiales de los que afortunadamente la plataforma de momento tolera. Pero sigue siendo bastante inaudito que ni siquiera a día de hoy se pueda escuchar la canción (o la banda sonora) en Spotify ni plataformas similares. O ver la película en streaming. Quizá el destino de esta maravilla era simplemente ser un tesoro escondido, uno verdaderamente bello.

‘God Give Me Strength’ suena en la última entrega del podcast de Jaime Cristóbal, Popcasting, disponible en este enlace.

Alejandro Sanz presenta la portada de ‘El disco’, su nuevo disco

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Alejandro Sanz había anunciado que su nuevo disco llevaría por título ‘El disco’. La historia del pop ha conocido títulos bastante holgazanes para algunos álbumes, no exentos en algunos casos de cierta ironía que los hacían salvables: Björk llamó a su debut ‘Debut’, el primer disco de Meghan Trainor llevaba por título “título” y La Buena Vida tenían un álbum llamado “Album”. Seguro que nos dejamos muchos nombres más, pero “el disco” de Alejandro Sanz puede ser el peor de todos.

En cualquier caso, el autor de ‘Corazón partío’ ha anunciado finalmente que ‘El disco’ sale el 5 de abril y ha revelado su portada, en la que cual Jesucristo, el cantante aparece posando casi, casi en forma de cruz con la manos manchadas de pintura roja. Sanz iba a salir ganando con esta cubierta de todos modos, pues no habría habido forma de hacer una más fea que la de ‘Sirope‘. O sí.

Sanz había confirmado también que ‘El disco’ incluirá una colaboración con Camila Cabello y que la gira se llamará “la gira”. ‘No tengo nada’ (de imaginación poniendo títulos, podríamos apuntar) ha sido el primer single de este trabajo, y ‘Back in the City’ con Nicky Jam el segundo. Esperamos que el tercer single no se llame “single”, que ese nombre ya está cogido.

Nicki Minaj cancela el 2º concierto de su gira europea en una semana y el 3º en menos de un mes

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Nicki Minaj ha cancelado un tercer concierto de su gira europea solo una semana después de cancelar una fecha en Burdeos y menos de un mes después de cancelar un primer show en Bratislava, en los dos últimos casos por “problemas técnicos”: Nicki aseguraba que ni el recinto eslovaco ni el francés contaban con la “capacidad” suficiente para soportar su espectáculo, aunque en ambos casos las cancelaciones se producían con el público ya dentro del recinto.

Hoy viernes 15 de marzo, la autora de ‘Queen‘ actuaba en Dublín, pero parece que el tiempo no se ha puesto de su parte, al menos según la organización del 3arena. El recinto explica en un comunicado que “debido a condiciones climáticas adversas que han afectado a la navegación en el mar irlandés durante las últimas 24 horas, resultando en que varios camiones con equipamiento no hayan podido llegar a su destino, Nicki Minaj se ve obligada a cancelar su concierto de esta noche en el 3arena en Dublín”.

‘The Nicki Wrld Tour’ -una gira conjunta de Minaj y el rapero Juice WLRD- sí está llevando a cabo la mayoría de sus fechas europeas, la última de las cuales ha tenido lugar en Birmingham, aunque por lo que se ve en los vídeos de la gira en Youtube, no parece un show tamaño Muse. Así que o bien Minaj necesita un “team” nuevo, o bien está teniendo muy mala suerte en su periplo europeo.

Dave se impone a Foals y Dido y logra el número 1 de álbumes en Reino Unido

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Dave es el nuevo número 1 de álbumes en Reino Unido con ‘Psychodrama’. El rapero británico ya había sido número 1 en singles con ‘Funky Friday’, pero su top 1 en discos no estaba nada claro pues competía contra dos pesos pesados como son Foals con ‘Everything Not Saved Will Be Lost Pt. 1‘ y Dido con ‘Still on My Mind’, que son top 2 y top 3, respectivamente, en el caso de Foals con muy poco margen de diferencia respecto a Dave (279 puntos).

‘Psychodrama’ ha recibido 5 estrellas por parte de The Guardian. En su valoración del disco, el crítico Alex Petridis describe que es el “mejor y más valiente álbum de rap que ha visto una generación”, y destaca el controvertido single ‘Black’, que en sus palabras recibió una “oleada de críticas negativas” por parte de los oyentes británicos tras ser añadida a la playlist de BBC Radio 1, una de las emisoras de radio principales de Reino Unido. Pitchfork reseña hoy viernes el disco puntuándolo con un 8 sobre 10.

Dave además firma las tres entradas más fuertes en la lista de singles británica gracias a ‘Psychodrama’. En concreto, ‘Disaster’ con J Hus debuta en el 7, ‘Streatham’ en el 8 y ‘Location’ con Burna Boy en el 11. Parece que 2019 será el año de Dave. Por su parte, Sigrid –ganadora del BBC Sound of 2018– debuta en el top 4 con ‘Sucker Punch’.

PÆNDA defenderá a Austria en Eurovisión 2019 con una balada alternativa

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Austria ha ganado Eurovisión en dos ocasiones, la última en 2014 gracias a la gran Conchita Wurst, con su célebre ‘Rise Like a Phoenix’. La primera victoria de Austria en el festival fue en 1966, con ‘Merci, Chérie’ de Udo Jürgens, lo que significa que Austria es el país participante en Eurovisión que más ha tardado en volver a ganar: 48 años.

No parece que la suerte vaya a estar de parte de Austria esta vez en Tel Aviv, pues la canción que presenta el país este año en Eurovisión va 28ª en las apuestas y, en principio, aunque es una balada bonita no parece un nueva ‘Amor pelos dois’ que vaya a enamorar al mundo. PÆNDA -proyecto de la austríaca Gabriela Horn- firma esta balada entre lacrimógena e hipnótica, que por su carácter medio alternativo perfectamente podría pasar por una canción de London Grammar o Gordi.

‘Limits’ habla sobre la depresión, en una letra casi tan oscura como la propia canción: “he sentido el dolor, pero ya no duele, así que sonrío un rato, y empieza la tortura, la presión en mi pecho se hace rutina, no es que me de igual, pero ya no tengo nada más que soportar”. PÆNDA tiene algún tema bastante chulo en su repertorio, como ‘Waves’, en la onda pop post-Flume, por lo que es una pena que no haya tirado por ese camino para su puesta de largo en Eurovisión.

Calificación: 5,5/10
En los foros de Eurovisión se dice: “Austria no está mal, yo la tendria en alguna lista de fondo de Spotify mientras curro, pero es un ratico aburrida” – KikoCuadrado
En las apuestas: número 29

Rita Ora se apunta a la moda «disfrutona» en ‘R.I.P.’, junto a Sofia Reyes y Anitta

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Vivimos en la era disfrutona, en la que artistas propios y ajenos se apuntan a los ritmos latinos para construir un hit de pop transversal (es decir, que llega a muy variado espectro de público). Así que es cuestión de tiempo que veamos caer, una a una, a buena parte de las estrellas del pop en el post-reggaeton. ¿U os imagináis que lo de Madonna con Maluma va a ser un baladón orquestal?

La nueva popstar anglosajona en caer ha sido Rita Ora, que se apunta a un trío femenino junto a Sofia Reyes, la protagonista del asunto, y la brasileña Anitta, que lleva el disfrutonismo en sus venas y se apunta a un bombardeo. Se titula ‘R.I.P.’ y, como se suele decir, es un bueno bopazo: producida por The Fliptones, no deja de ser el típico ritmo reggaetonero –con algunos guiños a cumbia y chicha, al estilo de ‘Sin pijama’– con arreglos de tropical pop y, sobre todo, esos «bim-badi-bom-bom» que se incrustan en el cerebro sí o sí, puro ébola sonoro. Las tres artistas se han reunido en un clip muy colorido en el que interpretan el tema, con algunas referencias a la pleitesía que se rinde en México a los muertos y las calaveras –por aquello del «descanse en paz» del título, suponemos–.

No corráis a llamarlo apropiación cultural, puesto que Sofia Reyes es de Monterrey. Impulsada por Prince Royce, en 2017 publicó su álbum debut ‘Louder!’, logrando cierta repercusión con sus singles en español, sobre todo con ‘Llegaste tú’, con Reykon, y ‘Muevelo’ (sic), con Wisin. Aunque nada comparable al pelotazo que dio el año pasado con ‘1, 2, 3’, su hit con Jason Derulo y De La Ghetto, uno de los singles más exitosos de 2018 en España. Tras él, este ‘R.I.P.’ sigue un patrón muy similar, por lo que no nos extrañaría nada que volviera a pegar muy fuerte con él.

Janet Jackson, The Cure y The Killers, grandes nombres de Glastonbury 2019, donde también estará Rosalía

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Uno de los grandes eventos musicales del año en todo el mundo es el festival británico de Glastonbury. Por eso el anuncio de su cartel es uno de los que más especulaciones despierta, acostumbrando a incluir grandes nombres que pocos eventos de sus características pueden igualar. En esta ocasión no son tan sorprendentes como, quizá, cabría esperar: The Cure, sin duda, es un gran nombre, pero no tan inesperado si tenemos en cuenta que llevan meses confirmados en varios festivales continentales, como el madrileño Mad Cool 2019. Algo parecido sucede con The Killers, al los que el año pasado veíamos, por ejemplo, encabezando el Festival de Benicàssim y O Son do Camiño. Aunque algo nos dice que, en este caso, quizá presenten nuevo trabajo discográfico.

Lo que sí es más sorpresivo es la inclusión de Janet Jackson, como cabeza de cartel, puesto que no estaba embarcada en una gira mundial sino en una nueva residencia en Las Vegas, celebrando 30 años de ‘Rhythm Nation’. ¿Será el mismo espectáculo? Los otros cabezas de cartel de Glastonbury 2019, ya conocidos previamente, son Kylie Minogue y el icono del grime Stormzy.

Aunque quizá lo más impresionante del cartel de este festival sea su teórica segunda fila, que daría para encabezar varios festivales: desde Tame Impala, Miley Cyrus, Liam Gallagher, George Ezra, Ms. Lauryn Hill, Vampire Weekend, The Chemical Brothers y Janelle Monáe, el tamaño de la fuente comienza a ser casi invisible con Bastille, Christine and the Queens, Two Door Cinema Club… o Rosalía, a la que encontramos entre IDLES y Johnny Marr, nada menos.

Crystal Fighters, Tequila y Carolina Durante, entre los nuevos nombres de Sonorama 2019

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Sonorama, que este 2019 cumple ya 22 ediciones, acaba de anunciar buena parte de su programación para este año. La tanda de confirmaciones la encabezan Crystal Fighters, que acaban de publicar nuevo álbum, el festivo ‘Gaia & Friends‘. La organización asegura además que este concierto será el único que el grupo británico ofrecerá en un festival español en 2019. Otro de los grandes nombres que se incorporan a esta edición es la mítica banda capitaneada por Ariel Rot y Alejo Stivel, Tequila, que llevan a Aranda la gira de despedida que pone punto y final a la trayectoria de un grupo crucial en la historia del rock en castellano.

También destaca el regreso de los míticos Vancouvers, iconos de la primera oleada indie, Second –presentan ‘Anillos y raíces’, la fusión de folclore y electrónica de Fuel Fandango y unos Carolina Durante que vienen de triunfar en los Premios MIN y que para entonces posiblemente tendrán ya su debut en el mercado. Otros nombres, como es habitual centrados en el panorama del pop alternativo español, son Mucho, Los Vinagres, Agoraphobia, Ballena, Ladilla Rusa, Mostaza Gálvez, Invisible Harvey o Basanta.

Todos estos nombres se suman a un cartel en el que ya contaba con Love of Lesbian, La Orquesta Mondragón, Luis Albert Segura (L.A.), Miss Caffeina, Zahara, Shinova, Fangoria y Berri Txarrak. Sonorama 2019 tendrá lugar en Aranda de Duero (Burgos), del 7 al 11 de agosto. Los abonos están a la venta en la web del festival.

Primal Scream anuncian ‘Maximum Rock’ N Roll: The Singles’

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Primal Scream, con uno de los mejores catálogos de grandes canciones de los últimos 30 años, anuncian la edición de un nuevo recopilatorio. Se llama ‘Maximum Rock’ N ‘Roll: The Singles’ y saldrá el 24 de mayo a través de Sony Music. No faltará en él ninguno de los grandes clásicos de la banda, como podéis ver en el listado bajo estas líneas, pues el tracklist incluye ‘Rocks’, ‘Swastika Eyes’, ‘Miss Lucifer’ y así hasta 31 canciones que podrás escuchar en formato de doble CD o cuádruple vinilo.

El grupo, que actuará en Doctor Music Festival este verano, ha tenido unas palabras para presentar este disco: «Desde nuestro debut en 1985, ‘All Fall Down’, hemos abordado los singles como una opción estética, una declaración de dónde estamos como banda», ha indicado Bobby Gillespie. “Crecimos escuchando Suffragette City y Metal Guru en la radio. Los cuatro singles de los Sex Pistols eran geniales. Public Image de PiL tenía un sonido único. Prince y Madonna hicieron hits increíbles. Esta ha sido la línea que hemos escogido. Siempre me ha encantado la radio pop Top 40, me encantan los grandes éxitos como Meaty, Beaty, Big & Bouncy de The Who. Recuerdo que Alan McGee dijo de Higher Than The Sun no sería un éxito, pero que sería una revelación. Los grandes singles pueden salir al mundo y mostrar a la gente una forma de pensar distinta. Te hacen sentir menos solo»

Os dejamos con el repertorio del formato vinilo, y os recordamos que Primal Scream actuarán en el Doctor Music el viernes 12 de julio. Detalles, aquí.
VOL 1 A
1 1986 Velocity Girl
2 1987 Gentle Tuesday
3 Imperial
4 1989 Ivy Ivy Ivy
5 1990 Loaded
VOL 1 B
6 Come Together
7 1991 Higher Than the Sun
8 Don’t Fight It, Feel It
9 1992 Movin’ on Up

VOL 1 C
10 1994 Rocks
11 Jailbird
12 (I’m Gonna) Cry Myself Blind
13 1997 Kowalski
VOL 1 D
14 Star
15 Burning Wheel
16 1999 Swastika Eyes
17 2000 Kill All Hippies

VOL 2 A
18 Accelerator
19 2002 Miss Lucifer
20 Autobahn 66
21 2003 Some Velvet Morning (with Kate Moss)
VOL 2 B
22 2006 Country Girl
23 Dolls (Sweet Rock and Roll)
24 Sometimes I Feel So Lonely

VOL 2 C
25 2008 Can’t Go Back
26 Uptown (Weatherall mix )
27 2013 2013
28 It’s Alright, It’s OK
VOL 2 D
29 Goodbye Johnny
30 2016 Where the Light Gets In (with Sky Ferreira)
31 100% or Nothing

Mónica Naranjo presentará el reality ‘La isla de las Tentaciones’, el nuevo ‘Confianza ciega’

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Como contábamos hace unas semanas, Mónica Naranjo le ha cogido tanto el gusto a lo de la televisión tras su paso por ‘Tu cara me suena’, primero, y ‘Operación Triunfo’, después, había fichado por Mediaset. En principio parecía que ese fichaje consistía solo en la adquisición del grupo dirigido por Paolo Vasile del docu-reality ‘Mónica y el sexo’, una serie en la que la cantante viaja por el mundo investigando en las costumbres y la cultura sexuales de distintos países. Pero la cosa no se acababa ahí.

Hoy se ha anunciado que la autora de ‘Lubna’ será la conductora de un nuevo reality, ‘La isla de las tentaciones‘, que en realidad no es tan nuevo: ‘Temptation Island’ es un formato que lleva en antena más de 20 años en muchos países, y que consiste en trasladar a parejas consolidadas a una isla paradisíaca en la que el programa pondrá a prueba la fortaleza de su relación. ¿Os suena? Claro, porque en realidad es el formato que emitió Antena 3 hace años bajo el nombre de ‘Confianza ciega‘, uno de los realities más efímeros y a la vez más míticos de la televisión española. Por el momento no se ha confirmado ni la cadena que lo emitirá ni la fecha de estreno.

A todo esto, Mónica Naranjo no ha abandonado precisamente su faceta como cantante. Semanas atrás anunciaba ‘Renaissance Tour‘, una gira en la que celebrará sus 25 años de carrera repasando toda su discografía. De momento se conocen las de Madrid (2 de octubre), Sevilla (12 de octubre), Málaga (19 de octubre) y Barcelona (24 de octubre). Las entradas para los tres primeros conciertos están a la venta ya en Ticketmaster, mientras que los de Barcelona están a la venta en la web de El Corte Inglés.

A la mierda con esta mierda: ¿es hora de cancelar la cultura de la cancelación?

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Amaia Romero y Donald Trump tienen algo en común. Sí, esto es un cebo, pero antes de que saquéis las antorchas os prometo que tendrá sentido más tarde, y que precisamente de antorchas va la cosa. Antorchas como las del vídeo de ‘Burn the Witch’ de Radiohead, que curiosamente lanzaron después de borrar toda su actividad en redes sociales, lo cual hizo pensar a muchos que la canción trataba de los linchamientos digitales, especialmente en Twitter y especialmente lo que llamamos “cultura de la cancelación”. ¿Y qué es eso? Pues es un poco ese “a la mierda con esta mierda” de Los Punsetes, sacar las antorchas en redes sociales y tratar de paria a la persona famosa en cuestión, por unas declaraciones que ha hecho, o un comportamiento concreto de hace años que de repente sale a la luz. Aunque originalmente se diferencia entre “cancelation culture”, que va más sobre no consumir sus productos, como el debate que hay estos días en torno a Michael Jackson (no, este no es otro artículo del autor de ‘Thriller’, aunque sí recomiendo este interesante enfoque de Amanda Marcotte en Salon sobre cómo ella prefiere una “cultura de la justicia”); y “call out culture” (que encaja más con lo que acabamos de describir), lo cierto es que en nuestro país ambos términos se usan indistintamente, así que en este artículo vamos a hacer lo mismo en pos de la comprensión.

Los análisis de esta forma de ¿opinar/reaccionar? rezuman a veces un desprecio hacia unas generaciones concretas (millennial/Z) y, aunque tienen aspectos interesantes, el enfoque “old man yells at cloud” de artículos como estos de Conor Friedersdorf en The Atlantic dan bastante pereza. Sobre todo porque, empezase o no en una generación concreta, la cultura de la cancelación engloba ya a gran parte de la sociedad, y está en todas las generaciones (¿cuántos José Luis de cincuenta años llaman de todo a Anabel Alonso desde que osa pronunciarse sobre política, por poner un ejemplo sencillo?). Tampoco es exclusivo de la izquierda ni un comportamiento “de progres”, como se empeñan en decirnos, y de hecho muchos de los llamados “ofendiditos” que han ocasionado al “cancelado” problemas realmente graves no se correspondían con ese espectro ideológico: más o menos recientes tenemos los casos de Miren Gaztañaga, Dani Mateo, Guillermo Zapata, Fernando Trueba o Guillermo Toledo. En cualquier caso, que muchos de estos análisis tengan este sesgo no hace menos cierto el problema que intentan señalar: la velocidad a la que va todo en la actualidad implica juzgar y lapidar a celebridades con la misma velocidad, dándose casos cada vez más injustos, como el sufrido hace poco por Terry Crews, quien para algunos pasó de ser un osito de peluche a un demonio en cuestión de horas.

En el caso de Crews, mucha gente se asombraba por que alguien tan concienciado y deconstruido como él pudiese hacer esos comentarios. Y ésa quizás sea una de las raíces del problema: nadie es un demonio a todas horas, pero tampoco nadie es un osito de peluche a todas horas. La idealización que hacemos de las celebridades, convirtiéndolas, como decía hace unos meses a cuenta del caso de Marina, en objetos más que en personas, es totalmente contraproducente. Esperamos tanto de ellos que no les dejamos ser humanos: idealizar es una forma de deshumanizar, como venía a decir Chidera Eggerue en una reciente entrevista a Vogue: “deshumanizas a tus ídolos en tanto que les robas la posibilidad de equivocarse, de cometer errores”. Esto hace que la mayoría de famosos vayan con pies de plomo a la hora de comunicar sus ideas, y nosotros no somos tontos: la gente es consciente de ello, y precisamente el suponer que el famoso de turno es casi una simulación siempre sonriente de ‘The Stepford Wives’ les hace reaccionar con más crueldad. Así, un comentario desafortunado no es solo un comentario: es la prueba de que se ha roto esa simulación, de que ese es su verdadero yo y de que el resto de palabras que salen por su boca son falsas. Y pocas cosas nos revientan más que un hipócrita.

En cambio, gente como Trump, Bolsonaro o Abascal atraen no solo por el erróneo concepto de lo políticamente incorrecto (si el sistema está cargado de homofobia y tú estás siendo homófobo, estás haciéndole el juego al sistema, así que de antisistema y “políticamente incorrecto”, poquito), sino por lo mismo que nos encanta de Amaia: su transparencia. Soltando burradas constantemente dan la ilusión -solo la ilusión, pero esa ilusión es muy eficaz, como bien sabe Steve Bannon- de ser transparentes, auténticos, y estamos acostumbrados a que nuestros famosos no lo sean (quizás confundamos conceptos, porque no me parece que Mitski, por ejemplo, sea menos auténtica que Amaia, tan solo son muy distintas). Pero la política es un reflejo de nuestra sociedad: no parece casualidad que el reinado de este tipo de personajes en política coincida con la época de los linchamientos diarios online, porque a cualquiera de ellos tres podríamos verlos perfectamente, antorcha en mano, liderando uno de esos linchamientos. La delgada línea entre guerreros de la justicia social y antorchas se ve clara en situaciones tan surrealistas como la que se dio hace unos años con Irene Villa (insultada por no ofenderse por los mismos que la defendían (!!!)) o la descrita de forma brillante por la mencionada Mitski.

En conclusión, personalmente veo un error “cancelar” a gente por comentarios o comportamientos concretos, porque en sí es un error pensar que lo poco que vemos de alguien en redes sociales refleje su personalidad y su evolución, como comentaba Stephanie Smith-Strickland en Paper Magazine. Y no sé a vosotros, pero a mí el hecho de “cancelar” me recuerda al funcionamiento mental de los niños, cuando, tras una rabieta, son capaces de chillarle a su madre “¡te odio!” cuando dos minutos antes le estaban diciendo “mamá te quiero mucho”; cada vez que veo un “exposed”, un #FulanitoIsOverParty o, en definitiva, un “Fulanito está cancelado”, pienso que el modo de actuar no está demasiado lejos de ese niño de cinco años, por mucho que la “rabieta” pueda tener una causa noble detrás. Quizás se trate más de contextualizar el acto / la declaración en cuestión, de aplicar matices, y entender que, como nosotros y las personas de nuestro alrededor, esas personas cometen errores, y que, como hacemos con esas personas de nuestro alrededor, la solución puede pasar por poner las cosas en una balanza. En cualquier caso, un enfoque más efectivo (y ciertamente más empático), y del que cada vez se habla más, es que sea la gente cercana a esa persona la que, en privado, le haga ver su error; es decir, lo opuesto al “call out” sería el “call in”.

Porque, si lo pensamos fríamente, ¿nuestra buena intención en busca de justicia nos está cegando, haciendo que funcionemos como una masa enfurecida 24/7? Y, en muchos casos, ¿hay realmente buena intención o es solo morbo? “Una vez que adoptas esa mentalidad binaria, lo despersonalizas todo. Reduces seres humanos complejos a una simpleza del Bien contra el Mal. Eliminas el sentido de la proporcionalidad. De repente no hay distinción entre R. Kelly y el emoji con mala leche de una niña de instituto.” comenta David Brooks en este artículo de NY Times, de los más recomendables y claros sobre el tema. En él, el columnista pide empatía y contexto en vez de furia ciega, y deja entrever otra cosa: por supuesto que muchos SJW tienen buena intención, pero el porcentaje de bullies que usan la “justicia social” como excusa para su sadismo es también altísimo. Seguro que conocéis algún ejemplo entre vuestros círculos. “I put the world to rights / and when I’m a big boy I’m gonna write for Vice”, que decía Lily, “U-R-L B-A-D M-A-N with no empathy”.