Coincidiendo con el paso de Billie Eilish por Barcelona de gira, Rosalía ha publicado en sus redes una instantánea en la que ambas aparecen juntas, probablemente de cuando compartieron tiempo en el estudio hace un par de meses. En el texto asegura haber asistido a su concierto en la ciudad, pero revela que el dúo que han grabado las dos aún no está terminado, por lo que queda así aclarado que no estará incluido en el disco de Billie Eilish que sale este mismo mes. Su texto dice: «No puedo esperar a que acabemos nuestra canción. compartir contigo en el estudio o verte ayer actuar me inspira sooo much, love you». JENESAISPOP, junto a otros medios, tuvo la suerte de charlar con Billie Eilish a su paso por Barcelona y publicará el resultado de esta charla a finales de mes.
La noticia de la colaboración entre Billie Eilish y Rosalía se conocía el pasado 26 de febrero a través del programa de la prestigiosa Annie Mac. Billie acudía para hablar de su gira y de su próximo disco. En medio de la conversación confirmaba que había grabado con Rosalía. En una conversación en la que estaba hablando sobre la creación y la inspiración sobre su próximo disco, en un momento Annie Mac le preguntaba a Billie si su voz había seguido evolucionando y entonces decía que sí, que hacía un mes grababa algo con Rosalía y que ahí su voz hizo armonías que no había logrado antes. Annie Mac afirmó que la voz de Rosalía no le parecía humana sino un «ángel» y a continuación pinchó ‘Malamente’.
Precisamente cuando hablábamos con Billie Eilish el verano pasado, cuando aún faltaban meses para que se publicara ‘El mal querer’, aunque ‘Malamente’ sí estaba en la calle, la cantante contaba a nuestro colaborador Pablo Tocino que le encantaba Rosalía: «Encontré ‘Malamente’ porque un chico que trabajó conmigo en Apple me envió el enlace del videoclip diciendo que era increíble. Pero es que no es solo el vídeo, o sea, ¡esa voz! El vídeo, la voz, la música, la melodía… me dejó flipando. Y luego encontré ‘Brillo’, que es tan bonita, tan bonita… no sé, estoy realmente obsesionada con ella. Y me envió un DM dándome las gracias, diciendo que esperaba que nos pudiésemos conocer, me envió un vídeo agradeciéndomelo, y fue como súper adorable… es maravillosa». Para Rosalía será una nueva colaboración internacional tras las escuchas millonarias acumuladas por ‘Brillo’ con J. Balvin y el tema grabado en Spanglish junto a James Blake. El programa de Annie Mac con la referenciada entrevista puede ser escuchado aquí.
Can’t wait to finish our song 🖤 compartir contigo en el estudio o verte ayer actuar me inspira sooo much, love you B pic.twitter.com/TxV3J7D1QQ
Parte de la redacción evalúa una de las canciones contenidas en ‘When I Get Home‘.
«Solange ha vuelto con uno de esos discos que no pueden ser evaluados a la ligera. ¿Tiene razón el prestigioso Alexis Petridis puntuándolo a la baja (3 estrellas) para The Guardian? ¿El NME con un 10? ¿Quizá la verdad esté de nuevo en un punto intermedio? En cualquier caso, en este álbum tan particular, ‘Stay Flo’ para mí sí es ese algo con lo que poder tirar del hilo. Dominada por apenas un par de notas de teclado que se repiten de manera magnética, la composición de Solange bajo el paraguas de Metro Boomin es la perfecta canción de R&B que puede sonar en bucle durante una hora sin que te hartes, y por tanto la verdadera puerta para adentrarse en esa misteriosa «casa» a la que apela el nombre del álbum». Sebas E. Alonso.
“Solange ha huido de los singles en su nuevo disco, o al menos de los singles obvios. ‘Stay Flo’ es una de las canciones más inmediatas de ‘When I Get Home’, pero en el contexto de un disco lleno de medias canciones que parecen interludios y melodías y letras repetitivas, en el que la cantante ha reconocido haberse enfocado sobre todo en la producción, los ambientes y texturas, es inevitable que una canción así destaque. Sin embargo, aunque valoro el sentimiento despreocupado de ‘Stay Flo’, no puedo evitar pensar que, en el contexto de ‘A Seat at the Table‘, la canción habría pasado totalmente desapercibida. La producción es rica y aporta un tono metálico y terrenal a un disco ensoñador -está involucrado Metro Boomin-, las armonías de Solange son agradables, pero en todo caso ahí se terminan sus virtudes. ‘When I Get Home’ tiene muchos temas magnéticos, pero este no es uno de ellos”. Jordi Bardají
«Cuando la pasada semana la hermanísima se hizo un Knowles (mejor que definirlo como “hacerse un Beyoncé”, ya que la cosa viene de familia al parecer) no dudé en ponerme ‘When I Get Home’. Debo confesar que acabé pillando cariño a aquel ‘A Seat at the Table’, sobre todo, después del más que notable concierto que se marcó en el Primavera Sound, por lo que estaba intrigado por escuchar con qué salía esta vez. Conclusión: ni me gustó ni me disgustó, me causó indiferencia, que es mucho peor. Quien se enfrente al nuevo disco de Solange debe armarse de valor porque es uno de los trabajos más monótonos que he escuchado en los últimos meses. Y ciertamente se me escapa por qué está cosechando estas buenas críticas cuando para mí es un álbum intrascendente que no aporta nada nuevo ni realmente sorprendente. Igual de sorprendente es que ‘Almeda’ y ‘Stay Flo’ en estos momentos estén en la cima de sus temas más escuchados en Spotify, al margen de su inclusión en playlists multitudinarias. ‘Stay Flo’ me parece algo más interesante, pero hasta ahora supera a ‘Dreams’ en casi un millón de escuchas, la que para quien esto escribe es en realidad una de las piezas más notables del lote». Sergio del Amo.
Por muy obvio que sea ahora mismo, nunca está de más recalcarlo para despistados: Ariana Grande es la estrella del pop más importante del momento y cualquier artista que saque disco este año, sea Rihanna o sea Bruno Mars, va a tener complicado superar sus méritos. Su álbum ‘thank u, next‘, publicado tan solo medio año después del anterior, ha sido número 1 a nivel global, sobre todo porque sus streamings son absolutamente descomunales, y Mediatraffic estima que ha superado lo equivalente al millón de copias en tan solo 3 semanas, pero habrá más.
La buenísima aceptación de ‘thank u, next’ primero y de ‘7 Rings’ después ha propiciado que Ariana Grande haya ido batiendo numerosos récords en las listas internacionales, llegando a ocupar incluso las posiciones 1, 2 y 3 de las listas de singles en América gracias también a la buena aceptación de ‘break up with your girlfriend’. ‘needy’, ‘bloodline’ o ‘bad idea’ podrían ser en el futuro más o menos hits… siempre que ella misma no prefiera apostar por otros singles inéditos, colaboraciones con otras superestrellas o por concentrarse en los directos. De seguir así y si a ella le apetece seguir promocionándolo, ‘thank u, next’ puede ser muy fácilmente su álbum más vendido más allá de los 3 millones de ejemplares a nivel global, lo que superaría los 2,4 millones que lleva ‘Dangerous Woman’ o los 2 millones recientemente rebasados por ‘Sweetener’, cuya promoción se vio interrumpida por la llegada de este mismo disco.
Flops
Avril Lavigne, de otra generación y otro estilo musical, no podía ni por asomo competir con estas cifras internacionales, pero dejando a Ariana totalmente al margen, la verdad es que esperábamos datos un poquito mejores para ‘Head Above Water‘, el regreso de Lavigne tras 6 años de ausencia del panorama musical. 6 años que parecen haber terminado siendo decisivos.
Aunque solo sea porque la campaña no ha estado nada mal orquestada: el tema titular editado en septiembre suma 70 millones de reproducciones en Spotify y otros 70 en Youtube. Suena OK. Después se publicaba la resultona balada ‘Tell Me It’s Over’ con motivo de la Navidad, y finalmente como tercer single una colaboración nada menos que con Nicki Minaj, lo que siempre te garantiza cierta repercusión mediática.
Nada de esto ha funcionado, el disco no está muy allá, y así, ha caído del puesto 13 al 113 en su segunda semana en el Billboard 200, y ya no está, ni se le espera de vuelta, en el top 100 británico, donde ha durado tan solo 2 semanas. Mediatraffic estima que ha vendido 120.000 unidades, pero el camino hacia las 250.000 en todo el mundo va a ser un pequeño calvario.
Este fin de semana se han revelado al fin las canciones de dos países que son favoritos siempre en Eurovisión porque siempre quedan bien, Suecia y Rusia. Y sin embargo, ¿quién se acaba de alzar como favorito en las apuestas de pago? El holandés Duncan Laurence, salido de La Voz 5, que también estos días ha revelado la canción con la que representará a Holanda en la edición 2019: la balada al piano ‘Arcade’ que ha co-escrito él mismo.
El tema de Duncan Laurence está en sintonía con las baladas de proyectos tipo Hozier, el piano es muy Adele en ‘Someone Like You’, la producción cuenta con arreglos también tipo Sam Smith, y su voz podría estar cerca de la de un Chris Martin. De alguna manera, ‘Arcade’ podría haber sido incluida en un disco de Coldplay, en concreto ‘Ghost Stories’, y a su vez, la repetición de los “Loving you is a losing game” no puede sino recordarnos a Amy Winehouse.
Alguien se ha gastado el dinero para que ’Arcade’ cuente con un elegante vídeo subacuático lleno de claroscuros, aunque lo que se está viralizando es una presentación en vivo de la canción en la que Duncan brilla como intérprete. Parece además que la realización apostará por los primeros planos con todo el subrayado en Duncan, en vivo quizá más cerca de un James Vincent McMorrow de lo que decía la grabación de estudio. Me cuesta creer que Holanda pueda concentrar con esta balada el voto de público y jurado, pero al menos sabemos que el país puede currarse una sencilla pero vistosísima puesta en escena. Gracias a ello, The Common Linnets quedaron segundos hace 5 años para este mismo país.
Calificación: 6,5/10 En los foros de Eurovisión se dice: «Me gusta, es (hasta ahora) LA balada de este año». @adnmolo. En las casas de apuestas: número 1
Leo las críticas de ‘Black Album’ de algunas publicaciones del mundillo alternativo tanto españolas como foráneas y, como de lejos, me parece escuchar las risotadas que se está pegando a su/nuestra costa el simpar Rivers Cuomo. El disco negro de la serie de colores en la que vienen trabajando intermitentemente desde su eclosión allá por los 90, para el que incluso el cuarteto se ha embadurnado de arriba a abajo en una especie de denso alquitrán, es su disco más forzadamente pop, en el que las guitarras son una mera anécdota. ¿De verdad nadie ve el bromazo que Weezer nos están gastando a todos?
Dejando al margen el meramente anecdótico ‘The Teal Album‘, no será porque no avisaran con ‘Pacific Daydream’, un disco claramente popero (cuando no directamente hip-pop a lo Macklemore –‘Feels Like Summer’–) que nació en paralelo a este nuevo trabajo y que, sin embargo, no dejaba de lado las guitarras tanto como hace este disco. Pero además en esta ocasión han dado con un aliado perfecto para su propósito, David Sitek (TV On The Radio, Yeah Yeah Yeahs, Solange, Blondie, Kali Uchis, Miguel), que domina tanto el lenguaje del rock, como el del pop y el hip hop.
Todo ello confluye en este trabajo de Weezer que, eso sí, en las primeras escuchas obliga a arquear las cejas. Y no sólo por lo melifluo que se antoja el resultado sonoro, una suerte de mix ultragenérico de Smash Mouth, Macklemore, Coldplay y Maroon 5, sino porque el intento trae a la mente una y otra vez el famoso meme del Sr. Burns intentando hacerse el jovenzuelo. En los peores momentos, las escuchas no lo mejoran: el psico-rock blandito de ‘Too Many Thoughts In My Head’ o los “doo-doo-doo-doo”s de la glam ‘The Prince Who Wanted Everything’ no tienen mucho donde rascar, poco remedio.
Sin embargo, las escuchas van restando importancia a lo atávico de sus arreglos, y lo que va calando en el oyente son unas melodías realmente irresistibles, fantásticas, como las de la funky ‘Can’t Knock The Hustle’, la reggae-bombástica ‘Zombie Bastards’, la trap-popera (incluso parece mofarse del estilo con esos “woo”s) ‘California Snow’, y, sobre todo, el trío del núcleo central del álbum, ‘Living in L.A.’, la preciosa ‘Piece of Cake’, con ecos de Brian Wilson, y la tan ortodoxa como redonda ‘I’m Just Being Honest’ (que, por cierto, ya mostró en 2017 dentro de su proyecto cantado en japonés, Scott & Rivers). Canciones que nos hacen pensar que ojalá el pop mainstream de hoy día contara con trabajos melódicos tan redondos y ricos como estos. ¿Para cuándo un disco de Taylor Swift co-escrito con Rivers? El mundo sería así un poco mejor.
Pero lo que me ha terminado de convencer del tono de sorna, cachondeo y mala baba de este ‘Black Album’ han sido sus letras, a veces con dobles lecturas, a veces sobradas con una, que van más allá de quedarse con la tontuna del “hastaluegoadios”. Hay mucha mala leche y mucha acidez en las referencias a las sombras de la creación artística, entre referencias bíblicas (algo que deleita a Rivers) y citas a AC/DC, Queen o Prince –a él va dedicada la canción que incluye su nombre, compadeciéndose de su muerte prematura como si de una fábula se tratara–. Es inevitable ver relación con la crítica musical en ese “hazme una review de 5 estrellas y yo te haré una a ti” de ‘Can’t Knock The Hustle’, un guiño al tráfico de valoraciones con los chóferes de VTCs (el que protagoniza su vídeo oficial es el mismísimo Pete Wentz de Fall Out Boy). Igual que ‘Zombie Bastards’ puede interpretarse como una broma sobre el público como una tiranía que les amenaza en giros estilísticos como el de este álbum. Aunque quizá lo más chocante es que, entre broma y broma, hay veladas conexiones con la adicción a la cocaína (‘California Snow’) o a cualquier otra droga como salvación del suicidio y la depresión (‘High As a Kite’ juega, obviamente, con el doble sentido de “high”, alto/colocado) a la que muchos se ven empujados por la soledad (que es de lo que va, al menos en parte, ‘Living in L.A.’).
Pero, eh, que aunque suene muy grave todo está repleto sobre todo de ese humor bobalicón (la letra de ‘I’m Just Being Honest’ es un chiste en sí misma sobre lo inoportuno de ser sincero con los demás) que me lleva a la certeza de que Rivers ha intentado gastar un gigantesco bromazo a la ortodoxia rockera con este disco. No me extrañaría que a alguno le haya dado un patatús con el lounge-pop estilo Beach Boys decadentes de ‘Byzantine’, vaya. Lo que queda de ‘Black Album’, al margen de las buenas melodías que (otra vez) vuelven a caracterizar el trabajo de Weezer, es que Cuomo y sus secuaces no dejarán de hacer siempre lo que les resulte más divertido sin importarles demasiado lo que piensen los demás. Y eso es, intrínsecamente, bueno.
Calificación: 6,6/10 Te gustará si te gusta: el último de Beck, los primeros Maroon 5, Macklemore… ¿y Taylor Swift? Lo mejor: ‘Living in L.A.’, ‘I’m Just Being Honest’,‘Zombie Bastards’, ‘Piece of Cake’, ‘California Snow’ Escúchalo:Spotify
Fangoria están celebrando este año el 30º aniversario de su formación con un disco de versiones. Alaska y Dinarama se separaron durante el verano de 1989, y poco tiempo después Olvido Gara y Nacho Canut ya estaban en marcha como dúo primero actuando en directo, editando ‘En mi prisión’ a finales de 1990 y ‘Salto mortal’ a principios de 1991. Fue un disco no sé si revolucionario pero sí desde luego desafiante y renovador en un panorama que empezaba a mostrarse deprimente para los grupos de la Movida, con muchas de aquellas bandas en decadencia, retiradas o a punto de hacerlo. Fangoria, como mínimo, le echaron imaginación.
‘Salto mortal’ no ha envejecido demasiado bien en algunos aspectos, aferrado a una electrónica a veces más parca que minimalista, y hay algunas canciones algo carentes de melodía, si bien esto último parece algo deliberado. Así hablaba la cantante sobre el productor principal, Danny Hyde, en el libro ‘Alaska’, una entrevista que le realizaba su marido Mario Vaquerizo en 2001: «La palabra que mejor define a Danny trabajando es deconstrucción. Primero me hacía cantar y luego me decía que hiciese lo mismo pero gritando, luego susurrando, me decía que me olvidase de la melodía, que quitase la mitad de la letra porque había demasiada, demasiada melodía».
A esa Alaska que susurra la encontramos en el single ‘En mi prisión’, que el dúo solía presentar con Alaska dando vueltas subida en una plataforma circular, hablando sobre un pasado que dejar atrás, y cierta lucha contra la obsesión de uno mismo. Es aún una de sus producciones más finas y atinadas, entre los scratches de Maxi Judd, las cuerdas sintetizadas, el piano y ese cortapega de voces tratadas («causa perdida») absolutamente moderno. Lo habían co-escrito con Luis Miguélez (McNamara, Dinarama), justo antes de que este saliera de manera airada del grupo, pues las guitarras no iban a tener en el disco ningún protagonismo. «En la cabeza de otros estaba la idea de convertirse en el nuevo Carlos Berlanga, y de eso nada, entre otras cosas porque Carlos Berlanga es Carlos», decía Olvido un año antes de la muerte de este. «Como ‘En mi prisión’ nos gustaba mucho, le dimos (a Miguélez) lo que pedía y adiós». Seleccionada como canción del año por la revista Rockdelux, lamentablemente esta joya no tuvo ningún tipo de impacto comercial. En el libreto de la reedición de ‘Salto mortal’ en Subterfuge, Fangoria firmaban un texto en el que entre otras cosas decían: «Cuando la discográfica presentó el single ‘En mi prisión’ a las radios, se lo devolvieron con comentarios despectivos, «esto es una maqueta», «Alaska no canta, habla». Madonna todavía no había susurrado ‘Justify My Love’ (NdE: en realidad son coetáneas). Los conciertos tampoco contribuyeron a nuestra popularidad. No llevábamos músicos ni instrumentos convencionales».
El segundo single ‘Hagamos algo superficial y vulgar’, con vídeo divertidísimo con las Diabéticas Aceleradas y guiño a ‘La matanza de Texas’, es más recordado y fue mucho más recuperado en sus conciertos a posteriori, pero tampoco logró que ‘Salto mortal’ apareciera por el top 50 de ventas en España. Algo insólito para el grupo que había sido número 1 repetidas veces y multiplatino con ‘Deseo carnal’ (1984). Sin embargo, ‘No es pecado’ (1986) había visto mermada su popularidad pese a la inclusión de ‘A quién le importa’ (la portada erótica del disco no ayudó mucho, un single llamado ‘La funcionaria asesina’ supongo que tampoco) y ‘Fan fatal’ (1989), considerado de facto el último disco de Dinarama pero el primero de Fangoria en espíritu, no había pasado del puesto 14 en la lista de ventas. ‘Salto mortal’ fue la sentencia de muerte de Alaska y Nacho en Hispavox y pese a la inclusión de temas icónicos en los «Vulcanos» durante los 90, no terminarían de levantar cabeza hasta el fichaje de Subterfuge y la edición de ‘Una temporada en el infierno’ (1999).
Una pena, porque ‘Salto mortal’ no era tan experimental después de todo. El grupo contrató a Robert Gordon para un par de canciones debido a su vinculación con Warp, pero ninguna de las dos renuncia a su esencia pop. ‘Entre dos mundos’ habla pizpireta sobre morir cruzando la Gran Vía; mientras la simpática ‘Nunca tiro a dar’ contiene una de sus letras más divertidas (“sé que soy violenta”, “nadie quiere creer que yo de matar soy incapaz”). Pero es que la melodía de ‘Me comeré tu piel, me beberé tu sangre’ no puede ser más clásica en el sentido años 50 de la palabra. Su producción parece deliberadamente lo-fi, casi destartalada, con una caja de ritmos en primer plano y la voz de Alaska en segundo, y aun así contiene uno de los mejores pre-estribillos de Fangoria: “el matrimonio ya no quiere decir nada / el sexo es algo pasajero e informal / yo quiero algo que nos una en cuerpo y alma / algo que sea para siempre y de verdad”. Su outro llena de «papapapá» y «ooooohs» echa por tierra la tesis del disco experimental.
La mejor y más curiosa dentro de los «no singles» es ‘Soy tu dueña’, una canción sadomaso que -esta vez sí- se adelantaba a ‘Erotica’, con una producción tipo oriental que también se adelantaba a ‘Ray of Light’, muy inusual en Fangoria. La co-escribió un taxista llamado Big Toxic que terminaría co-produciendo el disco, al que conocerían mediante Luis Miguélez. Dice Alaska en el citado libro: «Creo que ha sido la única canción que (Big Toxic) ha compuesto en su vida, siempre hace instrumentales. Nos gustó e inmediatamente empezó a colaborar. Danny le dijo que trajera todo el equipo que tuviera, que era un equipo muy casero, y le puso en una esquinita del estudio para que se pusiera a hacer arreglos al tema ‘En mi prisión'».
Fangoria hicieron discos mucho mejores que ‘Salto mortal’ después y su gran mérito sin duda ha sido conquistar a las nuevas generaciones con los sencillos editados en la década de los 2010. Pero aquí caben, junto a guiños al pasado (no solo en los samples a ‘Fan fatal’, hay una mención a ‘El hospital’ de Pegamoides en ‘Contra viento y marea’), precedentes de lo que vino luego. El gusto por el drama de ‘La razón de vivir’, por la superficialidad (la acid «Hagamos algo») luego reproducido en ‘Más es más’ o ‘Dramas y comedias’, por el bolero en ‘Llorar’, por el saxo y el clarinete de ‘La razón de vivir’ mucho antes de que colaboraran con Mastretta… Incluso canciones que tienen todo el carácter consciente de cara y serie B, como ‘Extraña forma de vivir’, tienen algo interesante que decir, en este caso hablando de una lucha interior.
En todo caso y en este caso con razón, no es un disco favorito de la banda, que tan solo de manera muy puntual ha recuperado sus temas en vivo. Decía Alaska en el libro de su esposo: «Nos volvió a pasar lo mismo que en el proceso de grabación de ‘Fan fatal’, es decir, que teníamos limitaciones en cuanto a conseguir lo que teníamos en la cabeza. Lo que nos salía era algo mucho más simple de lo que en realidad podíamos estar buscando. El disco lo produjo Danny Hyde y es verdad que tampoco llevó la producción hacia un sitio concreto, no tenía un estilo definido sino que huía de todo lo que pudiera ser concreción. Entonces lo llevó hacia otro lado al que nosotros hubiéramos tendido». La cantante afirma a continuación que el trabajo después con el mismo productor en ‘Un día cualquiera en Vulcano 1.0’ y ‘Un día cualquiera en Vulcano 2.0’ ya fue mucho más «concreto», refiriéndose seguramente a temas como ‘En la Disneylandia del amor’ o ‘Sálvame’.
One Path, el proyecto de Javier Bilbao que ha venido publicando temas sueltos, mixtapes y colaboraciones desde hace unos cuantos años, está decidido a sacar lo que se considera su «álbum debut». ‘Sin plomo’ llegará al mercado el próximo 22 de marzo y el primer adelanto se publicaba hace un par de semanas. Era un tema instantáneo llamado ‘Rompe’ que se definía así: «es un tema de reggaeton pop sobre la tensión y el vínculo que se genera entre dos personas en una fiesta mientras bailan una canción y, aunque efímeros, esos minutos significan un mundo».
Estos 3 minutos de música pop también significan un mundo pues conforman un hit potencial de ritmo reggaeton, beats más propios del urban estadounidense o Mad Decent e incluso con un piano salsero; en el que destacan frases sensuales como «quiero sentirte hasta el hueso». Aunque si algo destaca es, claro, ese estribillo en el que Bilbao repite insaciable «rompe, rompe, rómpeme» antes de que la canción termine de manera abrupta solo para pedir más. ¿Es ‘Rompe’ su ‘Muérdeme’ particular?
El tema está producido por el trío Kickbombo mientras que el vídeo -un tanto Parchís, sólo falta el verde- está dirigido por la productora Voleurs De Pain. El disco ‘Sin plomo’ pretende ser una actualización del reggaetón primigenio, pues One Path, nacido en 1992, creció escuchando títulos como ‘La Gasolina’: «El título nos deja claro que La Gasolina es el eje que vertebra el álbum, por un lado rindiendo tributo al hit generacional del padre Yankee y por otro lado simbolizando movimiento, combustión, energía, fuerza y rabia: el renacer de un nuevo y revitalizado One Path». Os recordamos que en cierta ocasión One Path nos respondió una entrevista hablando exclusivamente de Daddy Yankee para nuestra sección «Meister of the Week».
Lo mejor del mes: escucha las últimas «Canciones del Día»
Tanto la BBC como Channel 4, principalmente, bordan el formato miniserie. Una o dos temporadas, cinco o seis capítulos, y a otra cosa. Nada de exprimirla como la última de ‘True Detective’. Calidad en vez de cantidad. Todas tienen un nivel enorme: escoge una al azar y casi seguro que aciertas. Aun así, para los más dubitativos, aquí va una nueva tanda de recomendaciones que completan las que ya hicimos anteriormente.
A Very English Scandal
En 1976, el líder del Partido Liberal británico, Jeremy Thorpe (un respetado hombre casado con serias probabilidades de ocupar el 10 de Downing Street), fue acusado de haber ordenado el asesinato de su supuesto amante, el joven modelo y cuidador de caballos Norman Scott. El “juicio del siglo”, como fue bautizado por la prensa de la época, tuvo una enorme repercusión en Gran Bretaña, precipitando la caída del político. El veterano Stephen Frears (‘La reina’, ‘Philomena’) regresa a la televisión recreando este famoso caso. Y lo hace cogiendo distancia, aplicando esa sutil y afilada mirada irónica que caracteriza a sus mejores películas. A pesar de tocar un tema trágico y profundamente triste, una historia real con una fuerte carga social y dramática –intento de asesinato, corrupción política, abuso de poder, represión y persecución homosexual- ‘A Very English Scandal’ está narrada con exquisita flema británica, como si cada capítulo estuviera contado (el guionista es de Russell T. Davies, famoso por ‘Queer as Folk’) a través de la sonrisa sardónica del político que interpreta Hugh Grant. Una comedia negra y elegante, como si a un guión de ‘Fargo’ le haces un nudo Windsor.
Disponible: Amazon
Derry Girls
La premisa argumental de ‘Derry Girls’ es irresistible: una comedia adolescente ambientada en un lugar tan poco asociado al humor como la convulsa Derry de los noventa, la ciudad de Irlanda del Norte donde se produjo la matanza del Bloody Sunday. Su creadora, Lisa McGee, fue una “chica de Derry”. Creció en esa ciudad fronteriza entre las dos Irlandas, donde la explosión de una bomba podía salvarte de un examen pero también fastidiarte una cita importante. “Esta bomba me viene fatal”, dice uno de los personajes tras un atentado. McGee mezcla de forma extraordinaria, con mucho humor irreverente y una muy eficaz construcción de personajes (tanto de las chicas como de las familias), la terrible realidad sociopolítica de la época con los problemas de un grupo de colegialas proletarias y malhabladas que estudian en un colegio de monjas (ojo al personaje de la directora). Diálogos punzantes, gags tronchantes (en el colegio de chicas aceptan a un chico porque tiene acento inglés) y una banda sonora que te sabes entera: ‘Insane In The Brain’ (Cypress Hill), ‘Push It’ (Salt-N-Pepa), ‘No Limit’ (2 Unlimited), ‘Girls And Boys’ (Blur)… y, por supuesto, ‘Dreams’ (The Cranberries).
Disponible: Netflix
Bodyguard
La serie que ha reventado los índices de audiencia en Gran Bretaña. Jed Mercurio, creador de ‘Line of Duty’, ha cogido el típico thriller protagonizado por un guardaespaldas (Richard Madden, el Robb Stark de ‘Juegos de tronos’) y le ha colocado un chaleco bomba. El resultado es una adictiva trama policial sobre terrorismo y corrupción política, desarrollada en un escenario cargado de tensión dramática y sexual. Los tres primeros episodios son una muestra del talentazo narrativo de Mercurio. A través de una sabia dosificación de la información y de un uso muy inteligente del suspense y del carácter ambiguo de los personajes, el guionista demuestra su enorme habilidad para jugar con las expectativas del telespectador y llevarle por caminos y desvíos inesperados. Paradójicamente, uno de esos “desvíos” es la causa de que los tres últimos capítulos sean algo más convencionales. La historia se resiente de una decisión de guión, perdiendo elementos de seducción. Aun así, consigue que el espectador siga clavado en el sofá como si le estuvieran apuntando con una pistola.
Disponible: Netflix
La chica del tambor
Tras su estupendo debut en Hollywood con la estilosa ‘Stoker’ (2013) y su regreso a Corea con la aplaudida ‘La doncella’ (2016), el director Park Chan-wook ha vuelto a la industria anglosajona con esta miniserie que adapta una de las novelas más famosas de John Le Carré. ‘La chica del tambor’ es la segunda producción de Simon y Stephen Cornwell, los hijos del veterano novelista (Le Carré es el seudónimo de David Cornwell), tras el éxito y lluvia de premios de ‘El infiltrado’. Esta nueva versión de la novela (se adaptó por primera vez en 1984 con Diane Keaton como protagonista) destaca sobre todo por cuatro aspectos: 1) el nivel de su producción, que se ve reflejado en la cuidada ambientación y los múltiples escenarios donde se ha rodado la serie (atención a la secuencia nocturna en la Acrópolis); 2) su estilizada puesta en escena, que mezcla de manera muy sugerente la caligrafía visual del thriller setentero con la estética de los melodramas de Fassbinder; 3) su protagonista, Florence Pugh, que ya demostró su potencial en ‘Lady Macbeth’ y que aquí empequeñece al gigante (solo de altura) Alexander Skarsgard; y 4) su pericia narrativa, capaz de exponer de forma muy efectiva una compleja trama sobre el conflicto palestino-israelí, y trazar estimulantes paralelismos con el presente.
Disponible: Movistar+
Las Ruinas son una banda divertida y fresca, que practica un punk-rock/pop vitaminado y con desparpajo. Llevan ya diez años alegrando el panorama del directo de Cataluña. El limeño Edu Chirinos montó el proyecto en 2007, que se consolidó como trío en 2009, con Toni López a la batería y Jordi Espinach primero y Jaime Bertrán después al bajo. Las Ruinas han sido una banda muy ligada a Barcelona y al sello El Genio Equivocado, que ha publicado prácticamente todas sus referencias; que son muchas, porque el grupo ha ido a lanzamiento por año desde 2009. Un día anunciaron que sacarían diez discos y se separarían. Lo que empezó siendo una broma se ha convertido en algo muy serio. El año pasado llegaron a su álbum número nueve, ‘Alucinaje’, y Las Ruinas desaparecen. Pero antes se van a despedir con una serie de conciertos; el 9 de marzo en Madrid (sala El Sol), el 15 y 16 de marzo (sala Vol) y el 12 de abril en Valencia (sala Loco Club). Por supuesto, su décimo disco será un directo que se grabará en breve. Así que quedo con Edu, Toni y Jaime en la tienda de El Genio Equivocado en el barrio de Gràcia para realizar una entrevista retrospectiva.
Empezasteis en 2007, 2008…
Edu: Sí, pero fueron maquetas que hacía en casa. Lo que fue grupo-grupo empezó en 2009. ¡Que incluso teníamos más integrantes! Después nos reformamos y fuimos ya un trío. Pero digamos que fue a partir de 2009-2010. Antes yo había empezado a hacer maquetas y canciones y luego ya salieron como Las Ruinas.
¿Y por qué diez años, diez discos y después la separación? ¿Estaba planeado desde el principio?
E: No, [la idea] apareció –creo- que en ‘Groarrr!’, el tercer disco. Ya habíamos hecho un par y, entonces, salió esa idea. Creo que la dije yo (risas). Y después quedamos atrapados, porque todo el mundo preguntaba por la idea de los diez discos.
¿¿Os habéis visto obligados, entonces??
T: ¡Fue de broma en una entrevista! Dijimos: “haremos diez discos en diez años” y ya en cada entrevista nos lo preguntaban y te reafirmabas.
E: Era el plan maestro. Se veía superlejano y se ha pasado superrápido.
El décimo disco será un directo, ¿verdad? ¿Dónde lo grabaréis?
En la [sala] Vol, en Barcelona. La primera fecha [15 de marzo].
Fecha que ya está agotada. Aparte de en Madrid, Barcelona y Valencia, ¿tenéis alguna fecha más?
E: No.
J: Tocamos en los sitios donde nos ha ido mejor.
El hecho de haber doblado fecha en Barcelona, ¿os ha sorprendido? ¿Os esperabais esta respuesta tan entusiasta, a pesar de ser un grupo que ha tocado casi cada semana? ¿O es que la idea de “el último concierto” anima más la asistencia?
E: Es que en Barcelona es donde tenemos más amigos, donde nos ha visto más gente… Creo que sí que esperábamos que se agotara. ¡Lo que no esperaba es que fuera bien la segunda fecha! (risas)
T: ¿Va bien?
E: Sí, han dicho que se van vendiendo anticipadas a buen ritmo…
¿Qué sorpresas podemos esperar en estos últimos conciertos (si se pueden anunciar, claro)? ¿Invitados? ¿Repertorios especiales?
E: (se lo piensa) Ehh… No (risas).
T: Yo lo pensaba en los ensayos: “ostras, podríamos invitar a gente”. Que ponga alguien algún tecladito, o que Hans [Laguna] toque la guitarra en algún tema. Lo pensé el otro día, pero como íbamos tan a piñón se me olvidó.
Jaime: Nos centramos en hacer un repertorio que más o menos abarcara todo. Y ya. ¡Con eso tenemos bastante!
E: Serán los conciertos más largos que jamás hayamos hecho. Siempre tocamos cincuenta minutos, ahora será una hora y media.
J: ¡Como mucho!
E: Lo cubrimos todo.
Repertorio hay…
E: Y se quedan fuera un montón.
¿Cómo se consigue ser tan prolífico?
T: Edu, que es un productor bastante…
E: Sí, siempre voy haciendo en casa.
T: Iba haciendo, nos iba enviando ideas. Mi email está lleno de correos con canciones. Nos iba enviando temas y luego los íbamos probando en el ensayo. A veces había emails con diez temas o bocetos por email.
E: Cada año salían unas cuantas canciones que funcionaban. Siempre había material.
Entonces habrá cosas que habrán quedado fuera…
J: Bastante. [Edu] tiene un bandcamp con las canciones que se quedaban fuera.
E: Con las grabaciones de una forma casera. Lo-fi.
¿Con el nombre de Las Ruinas?
E: No, a nombre de Edu Ruinas. Ahí hay pruebas que hacía en casa, como más subterráneo. Las que me han gustado más las he ido colgando.
¿Las Ruinas han sido un trabajo a tiempo completo?
E: Bueno… Sí.
T: A tiempo completo sí. ¡No hemos parado!
J: Había muchas cosas que hacer. Cuando teníamos local o cuando íbamos –o vamos, que aún vamos-, hacíamos muchas cosas que alguien tenía que hacer. Eso sí, nos repartíamos. Toni se zafaba un poco, pero luego hacía los diseños, que eso sí llevaba su tiempo.
E: Tenía su mes trágico de sufrimiento (risas).
T: Las dos últimas semanas antes de presentar. Siempre en el último momento.
Sí, las portadas son muy llamativas y representativas [todo el arte de los álbumes de Las Ruinas son obra de Toni]. ¿Tenías pensada siempre una imagen de grupo muy determinada, con ese tipo de ilustraciones tan coloridas y naïves?
T: No, en cada disco, lo que me ha salido. Supongo que el color es la forma que tengo de trabajar mi arte (como quieras llamarlo). A veces es lo que me salía, no me ponía a pensar. Bueno, en alguno sí que tenía una idea, ilustraba el disco o temas del disco, pero era “freestyle”, directamente. También he variado técnicas entre discos. En alguna dibujo, en otras imitaba un graffiti…
¿Y cuál es tu preferida?
T: Yo tengo mucho cariño a ‘Mutantes’ [‘Disco de Autoayuda para Mutantes’], que fue la segunda. Todas tienen una pequeña historia. La de ‘Butano!’ es muy sencilla. Y ahora la veo y… ‘Toni Bravo’ fue la que más triunfó porque era la más figurativa, con dibujitos que la gente podía entender. Luego las más abstractas a lo mejor pasan más desapercibidas, pero también les coges cariño, porque cada una es una etapa de Las Ruinas.
«Guided by Voices o Hüsker Dü sacaban incluso en un año dos discos. Iban a su ritmo, no al ritmo de la industria»
¿Creéis que ser tan prolíficos ha sido un lastre a la hora que los críticos valoráramos vuestro trabajo?
E: Bueno, también es verdad que, como iban saliendo muchos discos y muchos grupos…
J: No os daba tiempo…
E: … A asimilar el anterior y ya salía otro. ¡Una saturación de Las Ruinas! (risas). Yo siempre he sentido que la gente lo va descubriendo con retraso. Incluso si lo sacaras cada dos años, también lo descubrirían con retraso. Yo estaba inspirado en los americanos como Guided by Voices o Hüsker Dü, que sacaban incluso en un año dos [discos]. Iban a su ritmo, no al ritmo de la industria.
J: Yo creo que eso cansa más al fan que al crítico. El crítico igual hasta lo valora, le da un punto más a que seas tan prolífico. Mientras que el público sí que ves que se queda un poquito atrás, llegan al disco ya con retraso.
E: Supongo que ahora harán una revisión de todo (risas). ¡Todos de golpe! [Justo antes de la entrevista Edu me había comentado que iban a entrevistarlos también de RDL y de Mondosonoro. Después de mí, además, esperaba uno de los colaboradores de ‘Els Experts’, un programa de Catalunya Ràdio].
Estáis muy ligados a El Genio equivocado. De hecho, después de vuestras dos primeras referencias (‘Butano!’ y ‘Disco de Autoayuda para Mutantes’ ), el resto lo han editado ellos. ¿Cuán importante ha sido el apoyo del sello?
J: ¡Cierra la puerta! (risas)
J: No hubiésemos podido hacer un disco por año sin ellos. Bueno, no sé. Probablemente. ¡No lo hemos podido comprobar! Pero eso nos ha facilitado las cosas para que pudiéramos hacer un disco por año.
E: Nos pusieron en el mapa, porque cuando empezamos no nos conocía nadie. Fue nuestra primera experiencia con un sello, nunca habíamos tenido uno.
T: Otra cosa buena es que nunca nos han dicho nada. Hemos sacado lo que hemos querido.
J: Les preguntas, “¿te gustó el disco?” y es… [silencio] (risas)
E: A veces notabas que con alguno había menos entusiasmo que con otros.
J: Pero eso pasa con todo.
T: Nos han llevado a festivales, en una furgo ahí apretados, por su pueblo… Cosas así.
¿Habéis tenido también apoyo dentro del circuito de Barcelona? ¿Os habéis sentido arropados desde el principio?
E: Al principio, Xavi Pons de Mondosonoro. Fue la primera entrevista que [nos] hicieron, nos puso en las listas… Luego DJ Monamí, que trabaja en Discos Revólver, fue una apasionado desde el principio y nos hacía mucha promoción.
T: Ponía los discos de Las Ruinas en la tienda con comentarios en pegatinas: “¡Llévate el disco!”.
E: Hi Jauh [Usb?], la gente del Depo [Depósito Legal, mitiquísimo bar de L’Hospitalet de Llobregat], del Heliogàbal…
T: Ultralocal [Records] también.
«Quedamos atrapados, porque todo el mundo preguntaba por la idea de los diez discos»
¿Cuántos conciertos habéis dado durante estos años? Porque ya he perdido la noción de las veces que os he visto anunciados.
J: Yo antes llevaba un excel con todos los conciertos.
E: Yo tengo fotos de todos los conciertos, pero no los he contado. Tengo carpetas de cada bolo.
J: Hemos hecho bastantes. Si lo comparas con otras bandas, hemos tocado muchas veces. Bueno, igual a ti te parece que tocamos mucho… pero a veces nos parece poco. Hay grupos que salen todos los fines de semana a tocar.
E: Tal vez se juntaba el lanzamiento del disco con los conciertos y parecía que estábamos ahí a tope.
T: Pero es que los grupos profesionales hacen muchísimos más conciertos y giras enormes.
J (a Toni): ¡Pero nosotros somos un grupo profesional, no me jodas! ¿O no somos profesionales? (risas)
T: Pero meterte en furgo y giras por veinte países y…
J: ¡Pero eso depende de cómo te lo montes!
Pero esas macrogiras duran unos meses y después las bandas descansan durante un año o más. Y vosotros descansar no me parece que hayáis descansado mucho…
J: Sacando un disco por año no puedes descansar. No puedes desconectar ni un mes. No pasamos ni un mes sin ensayar.
E: A lo mejor en agosto, en vacaciones.
¿Cuáles son vuestros planes futuros tras el último concierto?
E: Pues descanso, supongo, primero. Imagino que sí, que cada uno tendrá planes de música. Yo sigo haciendo canciones igualmente, no paro.
J: Vamos a ser activistas del autocultivo (risas).
E: ¡Nos haremos críticos! (risas)
T: Yo hacía ilustraciones porque estaba en Las Ruinas, pero ahora yo que sé, voy a tener que buscarme otros grupos para pintar.
J: (a Toni) Yo ya te lo dije; hacer portadas es lo más fácil que puedes hacer. Hay millones de grupos y habrá muchos que necesitarán que les hagas la portada… Gratis, como nos las hacías a nosotros (risas). (De vuelta a la pregunta) Seguir haciendo música.
E: Ya no será con Las Ruinas pero…
A ver, que esto no vaya a ser una táctica a lo LCD Soundsystem…
T: Hombre, si nos viene una discográfica superpotente y nos dice: “mira, os juntáis para hacer una gira y os pagamos tanto”, pues no sé…
J: (a Toni) “Una discográfica”. Pero… ¿qué estás diciendo?? (risas).
E: ¿¿Quién va a venir?? ¿¿Sony??
J: Será una promotora, ¿no? Porque si nos viene Sony, los que se frotarían las manos son Joan y Rafa [responsables de El Genio Equivocado].
E: Teloneros de Rosalía (risas).
T: Bueno, a lo mejor haremos una gira en el Primavera Sound de aquí veinte años.
J: ¿Una gira en el Primavera Sound?
T: Ay, un concierto…
J: (pausa). No, no lo veo. Pero uno nunca tiene que decir que no.
Entonces, ¿no cerráis la puerta a volver?
(silencio)
E: Bueno… Supongo que ya se verá. Si te apetece hacer algo especial de aquí unos años, pues se habla.
J: Yo te diría que no, pero mi esposa me prohíbe ser tan rotundo (risas).
T: A lo mejor hay una celebración y alguien se casa. Tiene que ser algo muy especial. Por ejemplo yo me caso y salimos a hacer unos temas.
J: ¿Tú te vas a casar?
E: Sí, pero te cobramos (risas).
¿No se os va a hacer raro pensar que no vais a estar más como Las Ruinas en la escena barcelonesa? Sois unos de sus máximos agitadores.
J: ¿Si nos da pena pensar eso?
Sí…
J: No.
E: Porque hay una avalancha de grupos que…
T: Sí, yo estoy viendo grupetes que empiezan a salir.
J: Hay muchos. Siempre han ido saliendo.
T: Gente de 20-21 [años] interesante.
E: Nuevas generaciones…
J: Con nosotros en la Vol tocan Diamante Negro que tendrán… ¿cuánto?
E: Sí, son muy jóvenes.
J: Y en Madrid No Fucks, que son unos chavales también. Estamos viejos ya…
E: … Para el rock.
«Carolina Durante dicen que su primer concierto fue con nosotros y eso siempre es mentira. ¡Siempre hay uno antes!»
¿Hay algún grupo de la escena con los que tengáis especial afinidad?
E: Hay unos cuantos que son colegas.
J: Hemos hecho amigos…
E: Contemporáneos sí, un montón. Que hayamos coincidido en conciertos, bastantes.
T: Sí. Los Ganglios, los Punsetes…
(Los tres): Cosmen Adelaida…
J: Tigres Leones también… Tampoco nos vamos a extender.
E: Cómo vivir en el campo.
J: Con los del sello, casi todos.
E: Aquí en Barcelona, bastantes.
T: Carolina Durante, en su primer concierto, tocaron con nosotros.
J: Eso dicen ellos.
E: Creo que fue el segundo.
J: Sí, porque dicen “el primero” y eso siempre es mentira. ¡Siempre hay uno antes!
Luego está vuestro estilo, me hace gracia porque en vuestro bandcamp ponga que hacéis Heavy Metal…
(los tres): ¡¡No!! ¡¡Heavy pop!!
Ostras, pues sí que he leído yo bien. Se me ha fastidiado la pregunta, porque iba a comentar que vosotros practicáis punk, pop, rockabilly, rock alternativo y a preguntar si eso del Heavy era un vacile… ¿Hay algún género en el que os sintáis más cómodos?
T y E: Eso viene del Myspace.
T: Cuando podías escoger “música religiosa cristiana” en “¿qué es lo que haces?”. Entonces te dejaba escoger varios géneros.
E: Y juntamos Heavy y Pop.
T: Cada uno va de muchos palos y de ahí sale el mejunje.
E: Al principio, cuando empezamos, nos pusimos de acuerdo en ir del rollo Pixies, Sonic Youth, Dinosaur Jr, etc. Luego ya fueron entrando las influencias de cada uno y fue más variado.
También están las letras. Edu es el autor de la mayoría de canciones. Casi todas están enraizadas en Barcelona, pero también hay crítica social, relaciones sentimentales… ¿Hay alguna temática que te guste más, que creas que se te da mejor? ¿O esto va surgiendo de manera espontánea?
E: Depende del año tenía interés en diferentes temas. Tal vez sentía preocupación por la situación y escribía sobre cosas sociales. Luego ya saqué un disco que era como más personal… Sobre Barcelona, sí que es cierto que al principio me gustaba meter muchas cosas de Barcelona. Poco a poco fue desapareciendo y siendo cosas más generales. Pero dependía del año y de mi estado vital.
T: Un poco biográfico.
En este último destacan las letras de ‘Piensa por ti mismo’ o ‘Lo que siento por ti’, en que cantáis: “Han matado a Berta Cáceres (…) / tú sólo quieres escuchar lo que siento por ti”.
E: Esa es de Jaime.
J: Esa es mía, sí.
¿Creéis que la situación que hemos vivido en Catalunya durante este último año y os ha contaminado un poco en el momento de elaborar las canciones?
E: Sí, seguro. Lo que pasa es que tampoco nos gusta que sea muy literal. Lo mejor es mezclar cosas porque al final todo se te mezcla en la cabeza y sale algo que es un poco reflejo. Me gusta que no sea tan definido, sino que sea un poco más abierto.
J: ¿Pero la situación en Catalunya cómo? ¿Dices la política?
Sí. El tema del Procés, el referéndum del 1-O, toda la tensión… Que no os haya afectado a la hora de componer de una manera u otra…
E: Sí, no se puede escapar.
J: Pero no creo que haya afectado tanto en la parte de las letras, ¿no? Hubo una época en que sí que hubo muchas protestas, y salieron algunas letras como ‘Este espíritu’ [de su álbum de 2013 ‘Acidez house’].
E: A mí sí que se me van metiendo ideas y cosas, entra un poco ahí en la mezcla y… sale. Porque son cosas que vives aquí y es imposible escapar.
Y tú Jaime, ¿crees que la situación actual de tu país –Venezuela- sí que te ha podido influir de alguna manera en las letras o en la música a la hora de componer?
J: Es lo que dice Edu: no es tan claro. Es como viéndolo todo como más… alejado. Este tema, ‘Lo que siento por ti’, es sobre eso. Fue como que todo se va a la mierda alrededor pero… no nos importa. Simplemente estamos pensando en nosotros y en nada más. Creo que pasa un poco lo mismo con la situación política de Venezuela, aunque lo que sucede es bastante distinto. La gente se enfoca en lo que quiere, y no piensa en las consecuencias ni en todo lo que pierdes en realidad. Por ejemplo, ahora todo el mundo quiere que saquen a Maduro, pero no les preocupa que haya una intervención. Y sí, estos tíos se tienen que ir porque lo están haciendo muy mal. Pero una intervención, ¿quién en su sano juicio la quiere? A la gente no le importa. Solamente quieren que cambie, bajo cualquier precio. A mí sí que me afecta, pero es más desde ese punto del egoísmo de cada uno, el no pensar en el bien común. Los que quieren esto, hay que conseguirlo y los demás que se jodan. Y es de esa manera que lo puedo llegar a reflejar en una letra.
«Cuando estás empezando, cualquier sala pequeña te cobra de 150 euros para arriba por tocar»
En los últimos meses, parece que hay una voluntad por parte del Ayuntamiento de proteger a las salas pequeñas. Vosotros que lleváis ya diez años tocando, ¿creéis que ha habido –o habrá- mejoras en el circuito de directos o es un brindis al sol que no se está materializando?
E: Espero que se materialice. Ojalá. Porque son las salas pequeñas el espacio en que la gente que empieza puede conseguir tocar su música, su arte. Y sin ese tipo de espacios es muy difícil hacer música. Entonces ojalá que haya una ley que las proteja y haya un circuito.
T: Está muy bien eso de que puedas tocar así, porque siempre te encuentras el problema de que, cuando estás empezando, cualquier sala pequeña te cobra de 150 [euros] para arriba.
J: Cuando estás empezando y cuando no también.
T: Y que haya espacios para que los chavales jóvenes que tienen sus maquetillas para darse a conocer es muy guay.
J: La asociación de salas, que es precisamente la que organiza el concierto de Barcelona [los conciertos de las Ruinas en Barcelona están integrados en el festival Curtcircuït, organizado por la ASACC] hace un poco eso. Lo intenta, al menos por lo que sé. Darle la oportunidad a grupos pequeños de que toquen en los ciclos que montan y ellos se encargan del gasto de las salas. Pero bueno, este tema del Ayuntamiento está guay, pero hay que tener en cuenta a los vecinos. Que hay también mucha gente que se flipa. Pero se puede llegar siempre a un equilibrio.
E: Por ejemplo, el Ji Jauh.
T: Lo hacen superbién. Conciertos a partir de las seis. Y a las diez todo ha acabado.
E: Que es lo que sucede en otros países, que los conciertos son pronto. Y luego en las salas, hace más ruido el tum-tum-tum de la discoteca que otra cosa. Un concierto se puede celebrar pronto, como a las 20h, y luego ya no se molesta. Hay soluciones.
¿Creéis que ahora los chavales lo tienen más fácil que vosotros cuando comenzasteis?
E: Siempre van cerrando algunas [salas] y van abriendo otras… Por ejemplo, cuando empezamos nosotros no existía el Hi Jauh, que hubiera sido magnífico. Hemos tocado desde salas más normales, en Rocksound, por ejemplo, el Ceferino… íbamos buscando los sitios pequeños donde podíamos meternos.
T: En Centros Cívicos…
E: Luego la idea era juntarse con más grupos para ir a una sala más grande.
T: Y que vayan más colegas. “¡Venga, que hay que llenarla!”. Y recuperar por ejemplo la taquilla.
J: También lo vemos con nuestro reflejo, el de una banda de rock, por decirlo de alguna manera. Pero los chavales hoy en día lo tienen mucho más fácil para hacer música sin tener que pagar una sala, ensayar… Lo hacen en casa, lo suben y, si le gusta a alguien, ya le llamarán para hacer bolos.
E: Recuerdo que hubo una época en que hicimos muchos acústicos para poder tocar en bibliotecas, en bares pequeñitos, en FNACs, porque El Genio [equivocado] nos metió en muchos FNACs a tocar… y nos adaptábamos para poder tocar porque, si no, no tocábamos.
«Los chavales hoy en día lo tienen mucho más fácil para hacer música sin tener que pagar una sala, ensayar… Lo hacen en casa, lo suben y, si le gusta a alguien, ya le llamarán»
Se me hace rarísimo pensar en vosotros tocando de esa manera.
E: Pues piensa que íbamos a una biblioteca y tocábamos ‘Insecto’ con la acústica. Y Toni con una caja de ritmos.
Y la última pregunta, sobre los discos que habéis publicado, ¿cuáles son vuestros favoritos?
T: Yo creo que ‘Groarrr!’, porque nos empujó un poco para arriba. A ‘Mutantes’ [‘Disco de autoayuda para mutantes’], también.
J: Yo le tengo cariño a ‘Butano!’, que no lo hice yo. Es el disco que yo tengo como de fan de Las Ruinas. Y después terminé tocando las canciones. Y ‘Autoayuda’, que fue el primero que grabé con ellos.
E: Yo también, los dos primeros, porque era en los que teníamos toda la ilusión, el “¡Vamos a hacer!”. Los dos del inicio y luego ‘Toni Bravo’ y ‘Siesta Mayor’, que son los momentos en que hemos estado más inspirados.
T: A ‘Acidez House’ también le tengo cariño. Es como un disco secundario, no lo sacamos en vinilo y tiene también su qué. Y temas que están ahí y que nunca hemos tocado en concierto, caras B que tienen su rollo.
El detalle de que Jaime comenzara siendo fan de Las Ruinas lo desconocía.
J: Ellos empezaron con Jordi, que era el bajo y dejó el grupo. Yo había leído la reseña que había hecho Xavi Pons en la Mondosonoro de alguna maqueta que hizo Edu, y los seguía por Myspace. Entonces sacaron ‘Butano!’, yo tenía otra banda y les escribí para que hiciéramos un bolo juntos. Y ahí me dijeron “no tenemos bajista”, y dije: “Pues mira. A mí me mola mucho el disco y…”
E: ¡Él es guitarrista! Y yo soy bajista. Pero cuando empecé este proyecto me pasé a la guitarra para poder hacer canciones.
J: Y ya, fui un día a ensayar y, cuando volví, en el myspace ya ponía mi nombre en el bajo. Y yo me dije, “Vale. Pues ya toco el bajo con ellos”. Y ahí a los cinco meses ya entramos a grabar el disco.
T: El diez de abril fue cuando hicimos el primer concierto contigo.
E: Cuando vino a la prueba, no tenía barba. Venía todo peinadito y limpio.
J: ¡Siempre voy limpio y peinadito, eh! (risas)
El segundo vídeo más visto en Youtube España hoy es un clip en el que varias mujeres como Anna Castillo, Itziar Castro o Lluvia Rojo hacen un playback de una veintena de canciones muy populares que incluyen letras que demonizan a la mujer, la hacen de menos o la convierten en un mero objeto. Abundan los “eres mía”, de Bad Bunny a Julio Iglesias; pasando por canciones tan cuestionadas como ‘Mala mujer’ de C. Tangana o aquel ‘Corazón de tiza’ de Radio Futura que en los 80 hasta nos sonaba inofensivo. Hay temas que han sido muy debatidos, como el de Loquillo; otros muy defendidos por sus autores, como el del Dúo Dinámico; y otros muy recientes.
El vídeo ha sido realizado por dos youtubers llamadas Devermut y ha contado con la colaboración de mujeres implicadas en el mundo del arte y la comunicación. El listado completo de personalidades, según los propios créditos, es Anna Bertrán, Anna Castillo, Anna Verdú, Ariadna Tapia, Alejandra Victoria, Alexandra Gibert, Carla di Pinto, Carolina Ferrer, Inma Sust, Itziar Castro, Laura Baena, Laura Pedro, Lluvia Rojo, Luz Valdenebro, Lula Gómez, Marita Alonso, Marina Jade, Marta Cillán, Marta Riumbau, Maria Molins, Natalia Flores, Noelia López, Penélope Parra, Ramia Chaoui, Sandra Escacena, Sara Giménez, Teresa Lozano, Verónica Sánchez, Yaiza Sanz, Zaira Pérez y Zúa Méndez. Al final del vídeo se recuerda que el año pasado 98 mujeres murieron asesinadas a manos de hombres en España y que en 2016 hubo 140.000 denuncias por malos tratos. De ahí el nombre del vídeo, ‘Ni malas ni vuestras’.
Os dejamos con el vídeo y el listado completado de temas incluidos y cuestionados. Nuestra colaboradora Mireia Pería, en un análisis de los temas más exitosos en España en febrero de 2017 detectó frases abiertamente sexistas en un 32% de los casos, apuntando que otro 24% le parecía «ambiguo».
Eddy Lover / Rueda, rueda
Cacho Castaña / Si te agarro con otro te mato
Elilluminari / Perra
Platero y tú / La maté porque era mía
Bad Bunny y Drake / MIA
Anuel AA / Ella quiere beber
Romeo Santos / Eres mía
Julio Iglesias / Lo mejor de tu vida
J Balvin, Zion y Lennox / No es justo
Pimpinela / Como la tele
Dasoul / Si me porto mal
Dúo Dinámico / 15 años tiene mi amor
M-Clan / Carolina
Radio Futura / Corazón de tiza
Ozuna / Devuélveme
Hombres G / No te escaparás
6ix9ine, Anuel AA / Mala
Los Ronaldos / Sí, sí
Loquillo y Los Trogloditas / La mataré
C. Tangana / Mala mujer
Brytiago / Asesina (remix)
Brytiago / Asesina
La Casa Azul protagoniza la nueva portada de Rockdelux en promoción del nuevo disco del proyecto de Guille Milkyway, que se edita al fin en un par de semanas, el viernes 22 de marzo, 8 años después del último álbum del grupo. En una charla con la periodista Marta Salicrú, el artista habla sobre el retraso del disco, que llegó a desechar.
La historia se remonta a 2014. Entonces tenía un disco que «no acababa de estar pulido». Después, sufrió un desprendimiento de retina (el que le llevó a cancelar su actuación en el 10º aniversario de JNSP), se vio obligado a estar un año y medio «sin hacer nada» y cuando volvió al álbum no pudo acabarlo porque «ya no [le] representaba». Sin embargo después volvió a tener un «sentimiento de lástima» por esos temas y recuperó pistas, regrabó cosas pero «tampoco funcionó». «Al final muestro un trocito de cada uno de estos 8 años», indica y añade: «queda un álbum de transición para después empezar a editar singles cada poco. Que las cosas vayan saliendo tal cual las haga». Por eso, en cierto modo habla de este disco en pasado. «‘La gran esfera’ para mí ya está presentado, ya ha tenido su recorrido». Según Salicrú, hay 4 temas procedentes de la versión 2014 del álbum.
En otros puntos de la entrevista Guille Milkyway habla sobre su crisis de pareja con Silvia Sanz, de manera muy interesante sobre los estereotipos del rock al estar ahora en una banda con otros hombres («en algunas revistas no interesa que hable de preparar la merienda a mis hijos y para mí es parte esencial de mi vida, también artística») y bromea sobre terminar «explotando como una bomba nuclear» incluso en una clase de yoga. «Creo que (la fantasía de) entrar con una ametralladora en el centro de yoga es lo que mejor define el espíritu del disco», le indica en un WhatsApp a la periodista a las 5 de la mañana tras haberle pedido que no incluyera esa frase en la entrevista.
Os recordamos que ya conocemos 4 singles de adelanto de este ‘La gran esfera’ y que sus fechas de presentación están disponibles en la web de Elefant. La primera fecha es el 28 de marzo en OchoyMedio, Madrid.
Esta semana se ha sabido que Ana Torroja es la intérprete de la nueva versión de la sintonía de ‘Cuéntame cómo pasó’ en la que será nada menos que su vigésima temporada. La cantante ha ofrecido su interpretación más aniñada, al tiempo que ha declarado que esta es «la serie más importante que ha existido en este país»: «Es un regalo y me siento realmente honrada de formar parte del elenco de grandes artistas que han cantado esta sintonía. Y de formar parte de, creo, la serie más importante que ha existido en este país (…) Mi toque más personal es la voz, el color de mi voz, reconocible al cien por cien. Y luego mi forma de expresar es siempre con emoción. Yo no sé cantar sin emocionarme yo ni emocionar a los demás». Podéis oír su versión bajo estas líneas.
La cantante ha estado también esta semana de promo, acudiendo a ‘El Hormiguero’ para dar un nuevo «push» a su reciente single ‘Llama’, co-escrito entre otros por Rosalía, y producido por El Guincho y Alizzz. El vídeo del corte suma casi 3 millones de visualizaciones en Youtube, algo en contraste con las 400.000 escuchas del tema en Spotify, donde se refleja muy claramente que el mercado principal de la artista continúa siendo Latinoamérica.
Las ciudades que más escuchan a Ana Torroja son, en este orden, México DF, Santiago de Chile, Puebla City, Guadalajara (México, lógicamente) y Zapopan. Como veis, ni rastro de Madrid ni Barcelona. ¿Seguirá creciendo ‘Llama’ en semanas inminentes e irán sumando los sucesivos singles aportados por otros productores del underground como Henry Saiz y Pional?
Como pudimos hablar con ella misma, lo seguro es que de momento no hay disco a la vista. «Es un proyecto que está muy vivo, es divertido y emocionante. Seguramente saldrá un disco, pero antes del disco hay que hacer que la gente lo vaya descubriendo poco a poco y tenga ganas de escuchar más (…) Hay 8 canciones. Podría hacerse un disco de 8 porque hoy en día no hay cifras para hacer un disco. Pero de pronto aparece gente nueva, cosas y dices: “oops, me gustaría hacer algo con él y añadirlo”. Es un proyecto que está muy vivo, pero hay 2 o 3 singles claros que irán saliendo antes de que salga el disco».
“La canción trata sobre lo que es tener a una persona y quedarte congelado mirándola, quedarte suspendida en una tranquilidad aunque a ti te rodee el caos, va sobre encontrar tranquilidad y paz en ello. Y eso es algo maravilloso, porque la vida es dura. Es dolorosa. Creo que, durante mucho tiempo, yo no entendía lo que era el amor, he tenido un despertar tardío en eso. Estoy empezando a entenderlo ahora, y esta canción es una oda a eso”. Así se expresaba Allie X sobre ‘Focus’, uno de los temas más honestos y bellos que ha escrito, en una entrevista con Billboard, donde hablaba también de lo que ha escrito con Mitski o del concepto de ‘Super Sunset’, su siguiente álbum tras ‘CollXtion II’, y en el que abarca dos temáticas principales y más unidas de lo que parece. Por un lado, sus sentimientos hacia su pareja y el haber conseguido una relación pura e íntima en la “ciudad sin alma” que es Los Ángeles y, por otro, precisamente esa deshumanización a lo “late stage capitalism”.
Allie X tiene un discurso muy interesante sobre la industria actual de entretenimiento, al que no se le está haciendo mucho caso, como a su música en general. Lleva tres trabajos estupendos y ni eso, ni el apoyo de Katy Perry en su momento, ni haber coescrito la mitad de ‘Bloom’ o haber sido telonera en la gira de Hayley Kiyoko le ha servido para dar ese salto de fama o recibir la confianza de uno de esos ejecutivos a los que podría estar dirigida ‘Girl of The Year’. Cuando se le pregunta, la canadiense dice sin dudarlo que intentar ser un artista en la industria del entretenimiento te deshumaniza, que conoce a mucha gente pero no siente conexión especial con casi ninguno de ellos: “no quiero sonar a “pobrecita, vive en Hollywood y puede hacer música todos los días”, pero me he vuelto mucho más insensible y hastiada”.
La edad, y especialmente en una mujer, tampoco ayuda, como dijimos al reseñar su anterior disco, y como ella misma, además de mencionar explícitamente (“somebody gonna take my place, you gotta keep your system going”, “you start to get old when you turn 25”), ha tratado de reflejar en los álter-ego creados para el disco; una monja que representa la inocencia y autenticidad de un artista al llegar a LA, una aspirante a estrella cuyos delirios le hacen creerse más exitosa de lo que es, y una “chica sci-fi” que sería la más cercana a la propia Allie. Pero, realmente, las tres son Allie.
Cuando canta ‘Girl of The Year’ en directo, la aspirante a estrella sale a la luz, y Allie inicia un juego que por momentos siente de verdad: “canto desde esa parte de mí desesperada por estar en el foco y tener ese enorme público frente a ella, desde esa parte que delira y cuyos sueños son aún grandes… y es triste porque no estoy cantándola en un estadio, sino en un club”. Sin duda uno de los mejores cortes del álbum -tanto en su versión normal como en la que forma parte de la extensión “analógica” del disco, como decía mi compañero Jordi-, ‘Girl of The Year’ brilla con una melodía y una producción de esas que tan bien sabe hacer Allie, pero a la vez con un toque distinto, como ocurre en la lanadelreyesca ‘Not so Bad in LA’. Y es que aquí, además de volver a contar con Jordan Palmer, la autora de ‘Lifted’ suma en la producción a Captain Cuts (Marina and the Diamonds, Halsey, Broods, Carly Rae Jepsen), Kyle Shearer (Tove Lo, Carly, Melanie Martínez, RAYE), Pascal Reinhardt (ALMA), XSDTRK (Dua Lipa) o Donnie Sloane (Empire of the Sun). Hay temas cuyo sonido nos recuerda más a los ‘CollXtion’, como ‘Can’t Stop Now’ o la más ochentera ‘Science’, pero aun así guardan novedades y, sobre todo, una unidad en torno a las reflexiones de la canadiense sobre su propia experiencia. Unas reflexiones que comparten muchas más artistas, pero que (les) cuesta mucho verbalizar de forma tan clara.
Allie X no solo lo ha verbalizado, sino que ha sabido transmitir el mensaje en un notable compendio de canciones pop al que, por mucho que el gran público o la industria dé la espalda, es imposible no reconocerle su calidad y su valor. Puede que toda la falsedad y el bienquedismo que rodea a la industria, y que hace que en el espejo veas cada vez menos a un artista y más a un comercial de inmobiliaria, acabe desanimando del todo a Allie hasta el punto de que decida dedicarse a otra cosa… pero, de momento, no ha sido el caso. Y menos mal, porque, como cronista de este desengaño, no tiene precio. O sí.
Calificación: 7,8/10 Lo mejor: ‘Focus’, ‘Girl of the Year’, ‘Not so Bad in LA’, ‘Science’ Te gustará si te gusta: Sky Ferreira, Billie Eilish, Lana del Rey, Marina (sin Diamantes), Carly Rae Jepsen, la primera Ellie Goulding Escúchalo: Spotify
El Mundo, a través de su suplemento La Otra Crónica, destaca hoy en su portada un artículo sobre la relación entre Nacho Vegas, que publicaba otra vez en 2018 uno de los discos del año, el excelente ‘Violética’; y Andrea Levy, vicesecretaria de Estudios y Programas del Partido Popular, conocida aficionada a la buena música pop. Levy siempre ha tenido a Nacho Vegas entre sus artistas favoritos y ambos han sido vistos públicamente en alguna ocasión, como en un concierto de Pimp Flaco y Kinder Malo.
Desde hace un par de temporadas se ha rumoreado que están juntos, y El Mundo ha tratado ahora de hacer una cronología de la relación, llegando a hablar con un amigo de Vegas, cuya identidad por supuesto no se revela. El medio recuerda que ella «era fan del compositor asturiano, se tomaron unas cervezas y comenzó una relación que sorprendió a muchos y que es igual de indie que el artista».
La Otra Crónica afirma que vio a la pareja en un concierto de León Benavente en 2016, asegura pese al citado testimonio que «en 2017 la pareja consolidó su noviazgo de recital en recital» y cuenta que ese verano fueron vistos besándose en el backstage de Sonorama, como hace un par de semanas, al parecer, en la calle Goya. La citada fuente del periódico indica que «siguen juntos, pero no es que sean novios al uso, van y vienen y así se entienden», «ella estuvo varias veces en Asturias en vacaciones» y que «han encontrado el equilibrio con una relación que no responde a un noviazgo tradicional, pero se entienden bastante bien y se respetan».
El Mundo contrasta este tipo de relación con el modelo de familia de Pablo Casado o con la educación del Opus catalán en que se formó Andrea. El artículo obvia la bisexualidad de Nacho Vegas, sobre la que habló muy abiertamente en el libro sobre ‘Cajas de música difíciles de parar’; y el modo en que anteriormente ha bromeado sobre sus apariciones en la prensa rosa a raíz de su relación pasada con Christina Rosenvinge.
Inequívocamente Cranberries era la voz de Dolores O’Riordan y sin ella, la banda simplemente no tiene sentido. Pero el primer single del que será su último disco pone sobre la mesa lo que a la banda le gustaba una buena intro instrumental, larga de más, algo incasable con los tiempos de las playlists de Spotify, en que en poquísimos segundos tiene que entrar la voz principal. ‘Zombie’ tenía una intro instrumental de casi 50 segundos y una outro instrumental de 90 segundos (la mitad del tema era totalmente instrumental aunque por la potencia de la voz de Dolores parezca mentira), ‘Empty’ tenía igualmente 50 segundos de intro, y la letra de ‘Linger’ tardaba también 50 segundos en arrancar, si bien en este caso escuchábamos a Dolores tararear en medio de la música. Lo mismo puede decirse de otros temas al contrario: ‘Animal Instinct’ se cerraba con una outro sin voz en la que dominaba un punteo. La voz de Dolores no era tan omnipresente como parecía.
‘All Over Now’ se recrea en esa vertiente del grupo, pues se abre y se cierra con un riff con el sello de Noel Hogan, y esto es así porque era un sello de la banda, no porque O’Riordan no estuviera allí para añadir algo. De hecho, lo primero que oímos sí es su voz diciendo algo ininteligible. Después, 45 segundos instrumentales (en la versión del álbum, la intro está doblada). Hogan ha reconocido muchas dificultades para terminar demos como ‘Illusion’ tras la muerte de Dolores, y se han usado voces de Joanna, la corista en los directos de la banda; pero asegura que ‘All Over Now’ es de las que han quedado igual que la maqueta. De esta manera, Hogan y O’Riordan se equilibran como autores: ella tenía un buen pre-estribillo y un estribillo bastante contagiosos, mientras la guitarra ejecuta un punteo que se clava en el cerebro de manera instantánea, en este caso representando para mí lo mejor de la canción. La letra, pese a su mención a un «hotel de Londres», tan común a la vida y muerte de Dolores, habla sobre violencia doméstica, como confirma Billboard, que acaba de estrenar el videoclip. De ahí frases como «una cicatriz en su rostro» o «dijo que se había caído / tenía miedo de que se supiera la verdad».
Una mezcla de luminosidad y oscuridad presenta ese videoclip de ‘All Over Now’. La bonita animación de Daniel Britt representa “la luz de la esperanza en medio de circunstancias deprimentes”, y representa a una chica que vuelve a casa tras una aventura turbulenta en la montaña que parece simbolizar el dolor del pasado que se quiere dejar atrás. «Todo se ha acabado al fin», dice la unión del título de single y álbum.
Sobre el álbum, JENESAISPOP tenía ocasión de charlar recientemente con Noel Hogan, guitarrista del grupo, que explicaba así sus claroscuros: [Dolores] solía decir que era fácil escribir cuando estaba triste y en un lugar oscuro. Siempre hemos encontrado muy difícil escribir algo emocional cuando estás de buen humor. Sobre todo en cuanto a letras. Este nuevo disco fue escrito durante el último año, sobre todo a finales de aquel año (2017), y refleja esas emociones. Hay altibajos, pero en verdad como en cualquier disco de Cranberries. La gente espera un disco muy oscuro, pero hay que recordar que cuando lo escribimos no sabíamos lo qué iba a pasar, simplemente estábamos escribiendo otro disco de Cranberries, y por eso tiene esos altibajos”. Sebas E. Alonso, Jordi Bardají.
Fennesz, es decir, el austríaco Christian Fennesz, es uno de los proyectos de electrónica ambient más conocidos en el mundo del pop sobre todo desde discos como ‘Endless Summer’ (2001) y ‘Venice’ (2004). Ahora está de vuelta, cinco años después de ‘Bécs’ (sí ha publicado entretanto discos colaborativos con King Midas Sound, OZmotic y Jim O’Rourke) con una nueva entrega que se llama ‘Agora’. Saldrá este mismo mes de marzo, en concreto el día 29, e incluirá 4 pistas, la primera de las cuales se revela hoy, extendiéndose más allá de los 12 minutos de duración. Se llama ‘In My Room’ y podéis oírla bajo estas líneas.
Es el propio Christian quien explica cómo ha grabado este nuevo álbum en Bandcamp: «es una historia sencilla. Temporalmente carecía de un espacio de trabajo adecuado en el estudio y tuve que mudar todo mi equipo de vuelta a una pequeña habitación en mi apartamento, donde grabé este álbum. Lo hice todo con cascos, lo que fue bastante frustrante al principio, pero más tarde me sentía como antiguamente, cuando produje mis primeros discos en la década de 1990. Al final fue inspirador. Utilicé equipos muy minimalistas; ni siquiera tuve el coraje de conectar todos los equipos e instrumentos que estaban a mi disposición. Solo usé lo que estaba a mano».
Os dejamos con el tracklist del disco y la propia ‘In My Room’, de tenebroso inicio y desolado desarrollo, si bien con algún atisbo de luz y misterio. En ‘Rainfall’ encontraremos la voz de Katharina Caecilia Fennesz y en el tema titular la de Mira Waldmann.
1.-In My Room
2.-Rainfall
3.-Agora
4.-We Trigger the Sun
Desde que ‘Leaving Neverland’, el documental sobre Wade Robson y James Safechuck, dos hombres que en su infancia supuestamente sufrieron abusos por parte de Michael Jackson, se estrenara en un festival de cine, ha estado rodeado de polémica. Los herederos del artista han criticado severamente su carácter unilateral y sesgado y los supuestos intereres económicos de los dos protagonistas, pero al mismo tiempo están siendo varios los columnistas que afirman que no volverán a escuchar la música del artista. Al parecer, algunas radios han dejado de pincharle.
Tras su estreno hace una semana en HBO en Estados Unidos, con demanda incluida por parte de la familia de Michael Jackson por incumplimiento de contrato (se habían comprometido a «no dañar su reputación»), ‘Leaving Neverland’ llega este sábado 9 de marzo a las pantallas españolas. Pero en nuestro país no se emitirá en HBO sino en el canal O de Movistar +. En su guía encontramos programado a las 22.00 el primero episodio, de 2 horas de duración; y el segundo, también de 2 horas de duración, justo a continuación, a medianoche. La sinopsis oficial del programa plantea entre interrogaciones: «¿Era Michael Jackson un depredador sexual?».
En los últimos días ‘Leaving Neverland’ también ha sido noticia porque una campaña pro-Michael Jackson ha aparecido en los autobuses londinenses. El eslogan es que «los hechos no mienten, las personas, sí». Además, los discos de Michael Jackson han subido en las listas de ventas tras la emisión del documental. Sin embargo, por otro lado, Los Simpsons han decidido retirar de circulación el episodio en el que aparecía Michael Jackson, lo que abre las puertas a que el artista sea boicoteado en listas de reproducción en Youtube o playlists de Spotify. Actualmente, es el 74º artista más oído del mundo en esta última plataforma.
#MJFam I think we should help MJ fans in England. Today the buses campaign starts in London using the hashtag #MJInnocent Facts don't Lie People do. Let's bombard the hashtag #MJInnocent with all the FACTS again for people outside of MJ community curious to see what is about pic.twitter.com/VjluGZa8Rz
El lanzamiento pop más importante de este importante 8 de marzo en cuanto a álbumes es ‘Still on My Mind’, el primer disco de Dido en cinco años. Además, hoy viernes ven la luz los nuevos discos de Foals, Gesaffelstein, Sigrid (por fin, aleluya), Helado Negro, Juice WLRD y M83 (la banda sonora de ‘Knife + Heart’).
Entre los nuevos singles que deja el viernes se encuentra ‘Joder, no sé’ de Carolina Durante, el primer sencillo oficial de un disco en el que no encontrarás sus viejos hits. También ‘wish you were way’ de Billie Eilish, ‘Lo/Hi’ de The Black Keys (su primer single en 5 años) y la curiosa unión de Marshmello con CHVRCHES en ‘Here with Me’ destacan entre las novedades de la semana.
Más singles en la playlists los firman Mueveloreina con su ‘Tiki Tiki’, lo nuevo de Ava Max tras el éxito de ‘Sweet but Psycho, ‘So Am I’, Las Chillers con ‘Baile’ o Kindness junto a Robyn y Todd Rundgren en ‘Cry Everything’. The Chemical Brothers, Vampire Weekend, The National, Khalid, Las Robertas o la versión final de ‘La venda’ de Miki Núñez, también entre las novedades de la semana y del viernes.
Alejandro Sanz es otra de las personalidades del mundo de la música que han acudido a las redes sociales a reivindicar los derechos de las mujeres este 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer. Aunque, en su caso, parece que habría sido mejor no pronunciarse al respecto de este día, aunque haya sido a favor, porque su mensaje no ha sido el más atinado.
Sanz ha compartido una imagen de él con el ojo derecho maquillado y ha escrito: “Hoy en el Día Internacional de la Mujer debemos ponernos en su piel. Sólo así podremos entender porque merecen su día todos los días”. Aunque la intención ha sido buena, todo el mundo sabe que de intenciones no se vive y la ocurrencia, que demuestra una comprensión tirando a superficial de lo que es el feminismo, está siendo bastante criticada en Twitter, hasta el punto que el cantante es ahora mismo uno de los temas más comentados en la red social.
“No. No. No. Decidme que Alejandro Sanz no se ha maquillado un ojo para ponerse en la piel de las mujeres. No puede ser”, ha expresado una persona en Twitter, mientras otra ha indicado irónicamente: “Alejandro Sanz se ha puesto en nuestra piel, se ha maquillado un ojo…” Aunque lo gracioso del asunto, como advierte otro usuario, es que en su intento por “ponerse en la piel” de las mujeres, Sanz ha terminado pareciéndose más bien al maquiavélico protagonista de ‘La naranja mecánica’.
No. No. No. Decidme que Alejandro Sanz no se ha maquillado un ojo para ponerse en la piel de las mujeres. No puede ser. https://t.co/sTYfK6VJeg
Jonas Brothers han vuelto, contra todo pronóstico, con una canción que no está nada mal, muy Maroon 5, llamada ‘Sucker’, que además está arrasando en streaming cual Ariana Grande gracias en parte a su atractivo videoclip: entre Youtube y Spotify suma ya 96 millones de reproducciones en solo siete días, por lo que se pronostica número 1 directo en Estados Unidos.
Mientras, el grupo de hermanos está presentando el tema en la tele y ahora ha aparecido en el famoso Carpool Karaoke de James Corden, donde Nick, Joe y Kevin han recordado viejos éxitos como ‘Year 3000’. Aunque sobre todo han hablado sobre su reunión: Nick explica que el regreso de Jonas Brothers se debe a que hace un año se reunieron para trabajar en un documental sobre su carrera, y que entonces descubrieron que querían volver a actuar juntos y sentir esa misma energía. El documental, sin fecha de estreno confirmada, podrá verse en Amazon Prime.
Durante su viaje, los hermanos se someten también a un detector de mentiras, donde responden a cosas como quién de ellos incitó la separación del grupo (fue Nick) o si alguna de sus cuñadas les pone nervioso, y hablan de su trabajo en Disney -una empresa que admiran pero que puede llegar a ser difícil- y de sus “anillos de pureza”, que se quitaron en cuanto llegaron a la adolescencia.
Mariah Carey vuelve con nuevo vídeo, en este caso para ‘A No No’. Esta era la canción más divertida de ‘Caution‘, su último disco, uno de los mejores de 2018, así que no es de extrañar que la cantante haya decidido apostar por ella como single, aunque sin la rumoreada colaboración de Cardi B y Missy Elliott (que se enteró de esta supuesta colaboración como todo el mundo, leyendo el Twitter).
‘A No No’ mola porque samplea ‘Crush on You’ de Lil’ Kim, pero aparte de su letra medio absurda, con frases tipo “Eduardo Manostijeras, te he cortado de mi vida” o la presencia de la palabra “irregardless”, que sí existe aunque no es de uso común según el diccionario de Oxford, lo mejor de ‘A No No’ es que es totalmente cómica en su retrato del típico hombre baboso que no entiende un no por respuesta: Carey se pasa toda la canción diciendo “no” a un hombre hasta que se lo tiene que repetir en varios idiomas y, en el momento cumbre de la canción, acompañada de un coro góspel, probablemente cumpliendo la fantasía de miles de personas.
Esta situación daba para un vídeo bastante divertido, pero Carey ha decidido en él simplemente hacer un pequeño homenaje a la ciudad de Nueva York, de donde es oriunda, y montar una colorida fiesta en el metro -aunque tampoco puede pasarse por alto que haya salido el 8 de marzo-. No se han hecho esperar las comparaciones con el vídeo de ‘All for You’ de Janet Jackson, aunque la noticia del de Carey es que ahora ‘A No No’ es ligeramente diferente a la versión del disco: ahora incluye silbidos. Os recordamos que Carey actúa en Barcelona el 10 de junio.
Balthazar han vuelto este año con un nuevo disco llamado ‘Fever’. Es el primer largo de la banda belga desde que en 2015 publicara ‘Thin Walls’, el disco que ha terminado por darle el mayor éxito de su carrera hasta la fecha, un ‘Bunker’ que a día de hoy supera los 14 millones de reproducciones entre varias plataformas de streaming.
‘Fever’ ha llegado después de un parón por parte de Balthazar durante el cual sus miembros han emprendido proyectos en solitario. Ya os hablamos por ejemplo del alias de Maarten Devoldere, un Warhaus en el que el músico aparcaba el indie-pop sofisticado de Balthazar para entregarse a sus inquietudes más clásicas, publicando un par de álbumes en la vena de Cohen o Gainsbourg. Por su parte, Jinte Deprez se sumergió en el R&B en su disco ‘Running Days’, firmado como J. Bernardt.
Este descanso parece haber nutrido el cancionero de Balthazar de nuevas influencias y sonidos, y en ‘Fever’ el grupo demuestra de hecho que suena mejor que nunca. Sí, también a nivel de producción, pero sobre todo en cuanto a la riqueza de su paleta sonora. En este caso las cuerdas orientales protagonizan estupendos momentos en ‘Fever’ y ‘Wrong Faces’, mientras en ‘Grapefruit’ el grupo se entrega de lleno a la pista de baile y en ‘Wrong Vibration’ al pop clásico de The Last Shadow Puppets.
En plena forma, el grupo presentará ‘Fever’ en España esta primavera, el 30 de marzo en La 2 de Sala Apolo y el 31 de marzo en el Cool Stage de Madrid. El arista telonero será el también belga Faces On TV. Conocido por su pop sofisticado y psicodélico, el proyecto de Jasper Maekelberg presentará su debut ‘Night Funeral’. Las entradas están disponibles desde el 5 de noviembre.
Confeti de Odio, el proyecto de Lucas Delaiglesia, nos enamoraba con las canciones incluidas en su EP de debut el otoño pasado, ‘Llorar de fiesta‘, entre ellas, la deslumbrante ‘Hoy será un día horrible‘. Y últimamente lograba lo mismo con su adictiva (y parece que momentánea) reinvención trap, ‘Hasta romper el móvil‘. Este sábado 9 de marzo actúa en el Café La Palma (entradas aquí) y aprovechando la circunstancia el artista es el nuevo invitado de nuestra sección «Meister of the Week», auspiciada por Jägermusic, en la que un artista escoge hablar de un tema ajeno a su carrera. El suyo han sido los videojuegos al margen de las grandes corporaciones y nos cuenta muchísimas cosas interesantes.
¿Cómo te introduces en el mundo de los videojuegos indies?
No recuerdo cuál fue el primer juego indie al que jugué. Entiendo por indie cualquier juego creado por un grupo pequeño de desarrolladores y sin una empresa enorme detrás tirando billetes. Pero intuyo que fue con el ordenador indagando por ahí. Desde siempre me ha gustado intentar hacer mis propios juegos con el RPG Maker (sin éxito) y jugar a los que los usuarios colgaban en la red. Encontraba un atractivo a jugar a algo sintiendo que su creador era alguien como yo, que posteaba en foros y parecía un ser humano.
¿Cuál es el primer videojuego de este estilo que te engancha y dijiste “esto es lo mío”?
Hotline Miami, ese fue empezarlo y alucinar, desde la música hasta la trama no se me ocurre nada mínimamente negativo sobre ese juego. Me lo habré pasado 4 veces, que para mí es mucho. ¿Alguna vez juegas a videojuegos de grandes compañías o ni te lo planteas?
Constantemente, de compañías más grandes mis favoritos son los de From, todos los Dark Souls son de mis juegos favoritos, sin olvidarme del Zelda Majora’s Mask que fue mi primer gran juego.
¿Qué es lo más distintivo de los pequeños, eso que les diferencia de los productos mainstream y te hace inclinarte por ellos?
Normalmente me dan la sensación de que no dependen tanto de lo que el público quiere sino de lo que el creador quiere hacer. Aunque haya muchísimos horribles que sólo quieren tus 5 euros y que te dure la gracia 5 minutos, hay creadores que, al no tener que rendir cuentas a ningún productor, hacen algo original y diferente al Call of Duty de turno.
«Encontraba un atractivo a jugar a algo sintiendo que su creador era alguien como yo, que posteaba en foros y parecía un ser humano»
¿Qué valoras más en un juego? ¿La parte estética? ¿El concepto? ¿La jugabilidad?
Normalmente lo que más valoro es la atmósfera, una combinación entre la parte estética y la música pero si la jugabilidad no lo acompaña pues pasando.
¿PC o consola?
Soy muy consolero, es verdad que la oferta de juegos indies en PC es mucho más amplia por razones obvias pero si está para la Play lo prefiero jugar allí. Nunca me ha gustado jugar con teclado y ratón y cuando estoy en el ordenador me distraigo a la mínima, sin darme cuenta he abierto 30 pestañas de internet en cinco minutos.
En el mundo de los videojuegos, ¿ocurre como en el del pop, que el mainstream acaba fagocitando los hallazgos de lo indie para potenciarlo comercialmente?
No me da esa sensación, aunque puede ser, en el mainstream videojueguil hay fórmulas que funcionan muy bien y no se la juegan tanto. Están los juegos de deportes, shooters, los de aventura que parecen más bien una película y ahora los battle royale. Preveo que el género de los roguelikes, que en el mundo indie se ve mucho, puede llegar al mainstream pero quién sabe.
Dentro del indie, ¿tienes creadores favoritos? ¿Quiénes?
Por dar algo de support al producto nacional, me parece que la gente de Deconstructeam hace cosas guapísimas y con muy buen gusto, especial mención a “Gods Will Be Watching” que aún no he conseguido pasármelo. Maravilloso.
¿Cuál es la panzada más grande, rondando lo insano, que te has dado a jugar con uno de estos juegos? ¿Con cuál?
Con el Lisa: The Painful cayeron más de 5 horas seguidas pero se las merece completamente.
«No voy a entrar al debate de si los videojuegos son arte o no pero muchos de ellos no sólo me divierten un rato sino que me cuentan historias, me hacen conectar con los personajes y me sorprenden estéticamente»
Nos mencionabas ‘Lisa: The Painful’, ‘Firewatch’ y ‘Hotline Miami’ como algunos favoritos… ¿Qué te gusta en especial de ellos? ¿Podrías hacernos un ranking?
Si tuviese que hacer un ranking ‘Lisa: The Painful’ estaría el primero, es mi juego indie favorito y de mis juegos favoritos en general. La historia es brutal y los personajes que te encuentras son raros y excéntricos, la música toca muchos palos y el combate por turnos es hilarante. ¡Y lo ha hecho todo un tío! Obra maestra.
‘Hotline Miami’ se llevaría el segundo puesto, tanto el 1 como el 2 tienen una atmósfera de ultraviolencia y neón espectacular y estoy seguro de que es el responsable, junto con la película ‘Drive’, de que el synthwave se pusiera de moda un tiempo.
‘Firewatch’ lo que tiene es una historia muy inmersiva y un voice acting de primera, no tiene nada que ver con los dos primeros, ya que es mucho más calmado, un walking simulator como dicen, y no hay combates ni frenesí, pero la historia te atrapa totalmente.
¿Qué opinas de los grandes exitazos del mundo indie que se han hecho masivos, tipo ‘Minecraft’, ‘Outline’ o ‘7 Days to Die’? ¿Pierden encanto para ti?
Me parece muy bien que algo que haya nacido como una cosa pequeña se convierta en una máquina de dinero para los creadores. No he jugado a dos de esos títulos así que no puedo opinar y al Minecraft le tengo una manía seria, nunca le vi la gracia.
¿Dirías que esta afición te influye o te inspira para Confeti de Odio, ya sea musical o estéticamente?
Me influye en todos los niveles al igual que la música, cine o literatura que consumo, no voy a entrar al debate de si los videojuegos son arte o no pero muchos de ellos no sólo me divierten un rato sino que me cuentan historias, me hacen conectar con los personajes y me sorprenden estéticamente, y con eso me vale.
Hoy 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer, se celebra en España una nueva huelga feminista para reivindicar los derechos de la mujer. Las manifestaciones están teniendo lugar en todo del mundo y son varias las personalidades destacadas del mundo de la cultura que saldrán a la calle y también están acudiendo a las redes sociales para decir no al machismo y exigir una sociedad equitativa y justa.
En Instagram, Zahara ha compartido un importante mensaje: “El feminismo es igualdad. Es cuestionarse cada día qué hacemos por inercia del heteropatriarcado y qué podemos cambiar para mejorar. Ya lo hemos tenido difícil simplemente explicando qué es como para que ahora encima quieran vendernos uno liberal; pero claro, es mucho mejor inventarse uno acorde a sus intereses que tratar de entender el que es. Y cuento todo esto porque el 8M estaré de huelga. Ni me veréis por aquí, ni concederé entrevistas o contestaré mails, ni haré ninguna compra. Tampoco quiero que me felicitéis, me regaléis flores o me ofrezcáis descuentos en vuestras webs por ser mujer. Las cosas están cambiando, pero queda muchísimo por hacer. Por eso este 8M estaré reflexionado, pensando en qué puedo hacer desde mi rincón y, si llego a tiempo desde Galicia, iré a la manifestación”.
Belako, por su parte, reivindican los espacios seguros para las mujeres en los conciertos: “Hoy, como cada día, sobran motivos para luchar por las que ya no están y por las que no pueden hacerlo. Nos asesinan, nos violan, nos maltratan y discriminan constantemente y aquí no pasa nada. Vamos a repetirlo hasta la saciedad: si le tocan a una, nos tocan a todas. Estamos hartas, y no vamos a parar hasta conseguir una sociedad más justa. Gracias a dedicarnos a la música, hemos aprendido lo importante que es crear espacios seguros y dejar claro que en nuestros conciertos no son bienvenidos quienes se atrevan a maltratar física verbal o psicológicamente (nos rodeamos de maltratadores a los que no les hace falta levantar la mano o insultar para hacer daño) a una mujer, que no queremos ver pogos de machirulos haciendo demostraciones de fuerza, y vamos a seguir utilizando nuestro pequeño foco para hacer todo el ruido posible. Queremos rodearnos de más mujeres en los carteles, currando en salas, festis, desgañitándose entre el público, queremos seguir aprendiendo de vosotras”.
También Amaral ha expresado en sus redes que saldrá a la calle a protestar por el 8 de marzo: “Somos DEMASIADAS y no podrán pasar por encima de los años que tuvimos que callar”. Por otro lado, Izal piden que la igualdad vaya “de polo sur a polo norte”: “Por todas las mujeres de verde, azul, rosa o del color que sea. Muchas cosas tienen que seguir cambiando, no paramos de pensarlo. Para eso tenemos que fomentar que este planeta sea igualitario y justo. Está en manos de todos lograrlo”.
Miley Cyrus, que ha compartido una galería de sus “mujeres que lo petan” favoritas; Tulsa, Vetusta Morla, Marilia o la ilustradora Moderna de Pueblo son algunas de las personas que celebran el 8 de marzo en sus redes. Los Planetas han recordado a su bajista femenina, mientras otros artistas que han colgado sus aportaciones han sido Christina Rosenvinge, Dolorosa, Bea Pelea, New Day, Sidonie (con ilustración de Nina Simone), Coque Malla, Leiva o Ana Torroja, que ha dicho: «Me siento orgullosa de ser mujer. En casa me enseñaron a quererme, respetarme, valorarme, a ser independiente, a creer en mí. Estamos en el camino, hemos avanzado, pero aún no hemos llegado. Sigamos luchando por la igualdad, sigamos concienciando». Rayden ha compartido un vídeo en el que habla sobre por qué existe el #8M, indica que irá a la manifestación y concluye que si: «alguien me dice que soy un bragazas me come el culo, si alguien me dice que soy feminazi, me come el culo».
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Por todas las mujeres de verde, azul, rosa o del color que sea 💜 Muchas cosas tienen que seguir cambiando, no paramos de pensarlo. Para eso tenemos que fomentar que, este planeta, de polo sur a polo norte, sea igualitario y justo. Está en manos de todos lograrlo
Coincidiendo con el paso de Billie Eilish por Barcelona de gira, Rosalía ha publicado en sus redes una instantánea en la que ambas aparecen juntas, probablemente de cuando compartieron tiempo en el estudio hace un par de meses. En el texto asegura haber asistido a su concierto en la ciudad, pero revela que el dúo que han grabado las dos aún no está terminado, por lo que queda así aclarado que no estará incluido en el disco de Billie Eilish que sale este mismo mes. Su texto dice: «No puedo esperar a que acabemos nuestra canción. compartir contigo en el estudio o verte ayer actuar me inspira sooo much, love you». JENESAISPOP, junto a otros medios, tuvo la suerte de charlar con Billie Eilish a su paso por Barcelona y publicará el resultado de esta charla a finales de mes.
Parte de la redacción evalúa una de las canciones contenidas en ‘
Por muy obvio que sea ahora mismo, nunca está de más recalcarlo para despistados: Ariana Grande es la estrella del pop más importante del momento y cualquier artista que saque disco este año, sea Rihanna o sea Bruno Mars, va a tener complicado superar sus méritos. Su álbum ‘
Avril Lavigne, de otra generación y otro estilo musical, no podía ni por asomo competir con estas cifras internacionales, pero dejando a Ariana totalmente al margen, la verdad es que esperábamos datos un poquito mejores para ‘
Este fin de semana se han revelado al fin las canciones de dos países que son favoritos siempre en Eurovisión porque siempre quedan bien, Suecia y Rusia. Y sin embargo, ¿quién se acaba de alzar como favorito en las apuestas de pago? El holandés Duncan Laurence, salido de La Voz 5, que también estos días ha revelado la canción con la que representará a Holanda en la edición 2019: la balada al piano ‘Arcade’ que ha co-escrito él mismo. 
Leo las críticas de ‘Black Album’ de algunas publicaciones del mundillo alternativo tanto españolas como foráneas y, como de lejos, me parece escuchar las risotadas que se está pegando a su/nuestra costa el simpar 
Fangoria están celebrando este año el 30º aniversario de su formación con un 
One Path, el proyecto de Javier Bilbao que ha venido publicando temas sueltos, mixtapes y colaboraciones desde hace unos cuantos años, está decidido a sacar lo que se considera su «álbum debut». ‘Sin plomo’ llegará al mercado el próximo 22 de marzo y el primer adelanto se publicaba hace un par de semanas. Era un tema instantáneo llamado ‘Rompe’ que se definía así: «es un tema de reggaeton pop sobre la tensión y el vínculo que se genera entre dos personas en una fiesta mientras bailan una canción y, aunque efímeros, esos minutos significan un mundo».
En 1976, el líder del Partido Liberal británico, Jeremy Thorpe (un respetado hombre casado con serias probabilidades de ocupar el 10 de Downing Street), fue acusado de haber ordenado el asesinato de su supuesto amante, el joven modelo y cuidador de caballos Norman Scott. El “juicio del siglo”, como fue bautizado por la prensa de la época, tuvo una enorme repercusión en Gran Bretaña, precipitando la caída del político. El veterano Stephen Frears (‘La reina’, ‘
La premisa argumental de ‘Derry Girls’ es irresistible: una comedia adolescente ambientada en un lugar tan poco asociado al humor como la convulsa Derry de los noventa, la ciudad de Irlanda del Norte donde se produjo la matanza del Bloody Sunday. Su creadora, Lisa McGee, fue una “chica de Derry”. Creció en esa ciudad fronteriza entre las dos Irlandas, donde la explosión de una bomba podía salvarte de un examen pero también fastidiarte una cita importante. “Esta bomba me viene fatal”, dice uno de los personajes tras un atentado. McGee mezcla de forma extraordinaria, con mucho humor irreverente y una muy eficaz construcción de personajes (tanto de las chicas como de las familias), la terrible realidad sociopolítica de la época con los problemas de un grupo de colegialas proletarias y malhabladas que estudian en un colegio de monjas (ojo al personaje de la directora). Diálogos punzantes, gags tronchantes (en el colegio de chicas aceptan a un chico porque tiene acento inglés) y una banda sonora que te sabes entera: ‘Insane In The Brain’ (Cypress Hill), ‘Push It’ (Salt-N-Pepa), ‘No Limit’ (2 Unlimited), ‘Girls And Boys’ (Blur)… y, por supuesto, ‘Dreams’ (
La serie que ha reventado los índices de audiencia en Gran Bretaña. Jed Mercurio, creador de ‘Line of Duty’, ha cogido el típico thriller protagonizado por un guardaespaldas (Richard Madden, el Robb Stark de ‘
Tras su estupendo debut en Hollywood con la estilosa ‘Stoker’ (2013) y su regreso a Corea con la aplaudida ‘La doncella’ (2016), el director 
El segundo vídeo más visto en Youtube España hoy es un clip en el que varias mujeres como Anna Castillo, Itziar Castro o Lluvia Rojo hacen un playback de una veintena de canciones muy populares que incluyen letras que demonizan a la mujer, la hacen de menos o la convierten en un mero objeto. Abundan los “eres mía”, de Bad Bunny a Julio Iglesias; pasando por canciones tan cuestionadas como ‘Mala mujer’ de C. Tangana o aquel ‘Corazón de tiza’ de Radio Futura que en los 80 hasta nos sonaba inofensivo. Hay temas que han sido muy debatidos, como el de Loquillo; otros muy defendidos por sus autores, como el del Dúo Dinámico; y otros muy recientes. 
La Casa Azul protagoniza la nueva portada de 
Esta semana se ha sabido que Ana Torroja es la intérprete de la nueva versión de la sintonía de ‘Cuéntame cómo pasó’ en la que será nada menos que su vigésima temporada. La cantante ha ofrecido su interpretación más aniñada, al tiempo que ha declarado que esta es «la serie más importante que ha existido en este país»: «Es un regalo y me siento realmente honrada de formar parte del elenco de grandes artistas que han cantado esta sintonía. Y de formar parte de, creo, la serie más importante que ha existido en este país (…) Mi toque más personal es la voz, el color de mi voz, reconocible al cien por cien. Y luego mi forma de expresar es siempre con emoción. Yo no sé cantar sin emocionarme yo ni emocionar a los demás». Podéis oír su versión bajo estas líneas.
“La canción trata sobre lo que es tener a una persona y quedarte congelado mirándola, quedarte suspendida en una tranquilidad aunque a ti te rodee el caos, va sobre encontrar tranquilidad y paz en ello. Y eso es algo maravilloso, porque la vida es dura. Es dolorosa. Creo que, durante mucho tiempo, yo no entendía lo que era el amor, he tenido un despertar tardío en eso. Estoy empezando a entenderlo ahora, y esta canción es una oda a eso”. Así se expresaba Allie X sobre ‘Focus’, uno de los temas más honestos y bellos que ha escrito, en una 
El Mundo, a través de su suplemento
Inequívocamente 
Fennesz, es decir, el austríaco Christian Fennesz, es uno de los proyectos de electrónica ambient más conocidos en el mundo del pop sobre todo desde discos como ‘Endless Summer’ (2001) y ‘Venice’ (2004). Ahora está de vuelta, cinco años después de ‘Bécs’ (sí ha publicado entretanto discos colaborativos con King Midas Sound, OZmotic y Jim O’Rourke) con una nueva entrega que se llama ‘Agora’. Saldrá este mismo mes de marzo, en concreto el día 29, e incluirá 4 pistas, la primera de las cuales se revela hoy, extendiéndose más allá de los 12 minutos de duración. Se llama ‘In My Room’ y podéis oírla bajo estas líneas.
Desde que ‘Leaving Neverland’, el documental sobre Wade Robson y James Safechuck, dos hombres que en su infancia supuestamente sufrieron abusos por parte de Michael Jackson, se estrenara en un festival de cine, ha estado 
El lanzamiento pop más importante de este importante 8 de marzo en cuanto a álbumes es ‘Still on My Mind’, el 
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Mariah Carey vuelve con nuevo vídeo, en este caso para ‘A No No’. Esta era la canción más divertida de ‘
Balthazar han vuelto este año con un nuevo disco llamado ‘Fever’. Es el primer largo de la banda belga desde que en 2015 publicara ‘Thin Walls’, el disco que ha terminado por darle el mayor éxito de su carrera hasta la fecha, un ‘Bunker’ que a día de hoy supera los 14 millones de reproducciones entre varias plataformas de streaming. 
Confeti de Odio, el proyecto de Lucas Delaiglesia, nos enamoraba con las canciones incluidas en su EP de debut el otoño pasado, ‘
Hoy 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer, se celebra en España una nueva huelga feminista para reivindicar los derechos de la mujer. Las manifestaciones están teniendo lugar en todo del mundo y son varias las personalidades destacadas del mundo de la cultura que saldrán a la calle y también están acudiendo a las redes sociales para decir no al machismo y exigir una sociedad equitativa y justa.