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Ed Sheeran y Justin Bieber «no encajan en la fiesta», «pero no les importa», en la contagiosa, bailable y amable ‘I Don’t Care’

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Ed Sheeran, que ya había escrito la balada ‘Love Yourself’ para Justin Bieber y será para siempre uno de los mayores hits de este, ha invitado al intérprete de ‘Baby’ a cantar en su nuevo single. Se trata de ‘I Don’t Care’, un contagioso tema que utiliza un ritmo cuasi reggaetón pero virado hacia el pop, para que ambos expresen su optimismo contra la adversidad.

En este caso estamos ante la típica letra sobre inseguridad de Sheeran, que dice «no encajar en la fiesta en la que está», porque «no quiere llevar traje» y «nadie le mira a los ojos». ¿Puede haber una referencia a Lesley Gore? Bieber aparece para apoyarle totalmente en este pimpinelesco dúo, y para decirle que él se siente igual. Sus voces pegan tanto que en algún momento hasta dudas cuál de los dos está cantando y a cuál de los dos pertenece cierto autocoro.

Este nuevo intento de “Don’t worry, be happy” tiene créditos de ambos cantantes en la autoría, si bien en la producción encontramos en cambio a FRED, Max Martin y Shellback. Su estribillo subraya totalmente el optimismo de esta melodía tan amable, viniendo a decir que «nada me importa si tú me abrazas».

Por el momento, se desconoce el destino de este tema de Sheeran, que llega cuando ‘Divide’ está aún en las listas de éxitos, en concreto en el top 20 en Reino Unido tras 113 semanas; y en el top 42 en Estados Unidos. Todo ello tras haber despachado 14 millones de discos. Y la racha no tiene ninguna pinta de parar…

Anni B Sweet / Universo por estrenar

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Años después de que se supiera que Anni B Sweet estaba grabando su primer disco cantado completamente en castellano, ‘Universo por estrenar’ al fin se publica esta semana. Ha pasado casi un lustro desde su último álbum ‘Chasing Illusions’, pero al menos podemos decir que hay una relación directa entre la calma con la que se ha tomado tan importante «comeback» y el resultado que tenemos ya entre nuestras manos, pues estamos ante un disco que presenta a una Anni renovada pero perfectamente comprensible por sus viejos fans, muy bien equilibrado, y con un acabado excelente gracias a la producción de James Bagshaw. El cantante, guitarrista, compositor y productor de Temples ha resultado una persona idónea para comprender la inspiración astronómica de este largo, su relación con la psicodelia de los 60 y la influencia de Pink Floyd, uno de los grupos favoritos de Anni B Sweet desde pequeña.

El primer single, ‘Buen viaje’, es una de sus canciones más inmediatas y pop, una de las mejores de su discografía. Puede estar expresando desamor («me has convencido para bailar, pero estando triste no es igual») y buenos deseos tras una ruptura («que tengas suerte en tu camino / me hubiera gustado haber estado contigo»), pero el tipo de melodía y los efectos la hacen sonar gloriosa, alegre y a la vez casi ácida. No sé si en contraste o más bien en relación a la letra de este tema sobre el papel, el resto del álbum suena más oscuro. Está el optimismo de ‘La vida está en otra parte’, que habla sobre explorar nuestra propia mente y no renunciar a nuestra imaginación («yo persigo la estela de mi libertad») y su buen estribillo («quédate aquí / y haz que todo lo demás deje de existir»), pero en general el álbum presenta a menudo un punto muy tremebundo.

Sucede en el inicio distorsionado de ‘¿Qué hago aquí?’; en esa ‘La mente hambrienta’ que presenta una estructura ambiciosa y una producción compleja en la que las palmas no sé si aportan algo de luminosidad o más bien todo lo contrario; o en ‘Juramento’, dedicada a todos aquellos que nos hacen daño porque sí, nos critican sin conocernos o se aprovechan de nosotros, como nos ha contado la artista en una entrevista que publicaremos en breve. Un sabor amargo que dura hasta el final, cuando aparece una pista fantasma que podemos revelar que se llama ‘Buena hora’, pero nos habla de «un monstruo en casa que no [nos] quiere olvidar».

Todo esta dedicación a la imaginación, al dolor y a la paranoia, se corresponde con una producción acorde. Ahora podemos hablar más firmemente de Danger Mouse o Broken Bells entre las influencias de Anni B Sweet (los coros y guitarras de su pareja Noni Meyers parecen más anecdóticos y siempre esclavos de la composición de Ana López Rodríguez), aunque tampoco ha abandonado su ramalazo clásico. ‘Un astronauta’ tiene ese redoble siempre indisociable de Phil Spector, y, a continuación, ‘Ser luz’, pese a esa producción mitad cósmica mitad Western (el silbido sitúa a Anni B Sweet atenta a la gira de despedida de Ennio Morricone), podría haber encajado por melodía en la banda sonora de ‘Grease’. Ahondando más en la tradición, el álbum se cierra oficialmente con nada menos que una ranchera llamada ‘El tiempo’.

Cuando Anni B Sweet ataca así a México sin que desentone en un álbum que parecía inmerso en la cultura anglosajona, es cuando nos convence de lo acertado de la línea artística de este cuarto álbum de estudio. Todo un «universo por estrenar» en el que los recovecos están tan cuidados que al final del viaje ni siquiera te acuerdas de que este era el primer disco de la artista en castellano. ¿Era tan importante lo del idioma cuando las ideas estaban tan claras?

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Buen viaje’, ‘La vida está en otra parte’, ‘El tiempo’, ‘Astros’
Te gustará si te gustan: Tame Impala, Temples, Broken Bells
Escúchalo: Spotify

Madonna estrena ‘Crave’ con Swae Lee, ¿pero es el verdadero 2º single de ‘Madame X’?

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Madonna ha estrenado el tercer adelanto de los cinco que llegarán antes de su disco ‘Madame X’ el próximo 14 de junio. Se había confirmado que ‘Crave’ sería el segundo sencillo oficial del álbum, y el que se enviaría a las emisoras pop. Lo que encontramos es una delicada balada que alterna una guitarra acústica con electrónica al modo de ‘Music’ y ‘American Life’, pero con una base más trap, a la que se suma Swae Lee, conocido por su trabajo con Diplo, French Montana y Post Malone, y también como parte del dúo Rae Sremmurd. Ambos realizan una interpretación sentida y pura en una canción de «anhelo» muy breve. Si ‘Medellín’ duraba el doble que el reggaetón medio y el gran gancho tardaba casi 3 minutos en llegar; en esta el estribillo llega a los 35 segundos, y a los 3 minutos ya está terminando.

Un tema, por tanto, más pensado para las playlists de hoy, sobre todo en América, en lo que seguro que tienen que ver sus co-productores Billboard y Mike Dean, dos expertos en música negra. Y ahí es cuando empezamos a preguntarnos, con todo lo bonita que es ‘Crave’ y las posibilidades que encierra, dónde está el disco portugués, africano, latino, diferente del que hablaba Madonna. Porque si la gracia de la hipnótica ‘Medellín’ es que es un reggaetón abstracto y deconstruido, ‘Crave’ encajaría perfectamente entre el último repertorio de Ariana o ‘ANTI’ de Rihanna. No en vano ha sido co-escrito con Starrah, que posaba con Madonna en redes hace un año y medio, de lo que deducimos que este es de los cortes más antiguos del conjunto.

Parece que para oír esos temas distintos de ‘Madame X’, como podrían ser ‘Batuka’ y ‘Faz Gostoso’ con Anitta y sample de este hit de Blaya en portugués; habrá que esperar al álbum completo. Lo siguiente será la jamaicana ‘Future’, con Quavo y Diplo el viernes 17, y se espera que ese sea el tema que Madonna interprete en Eurovisión. De manera bastante sospechosa, Quavo ha confirmado en Tel Aviv un concierto en días previos, y la prensa israelí cree que Madonna interpretará ‘Future’ y ‘Like a Prayer’ en la gran final del sábado 18. De momento, ni Eurovisión ni Madonna han confirmado oficialmente nada. De suceder, lo lógico sería que ‘Future’ fuera el segundo single europeo. En cualquier caso, una promo de lo más entretenida, la mejor sin duda que ha tenido Madonna en Interscope, y que esta semana también ha incluido la llegada de dos remixes de ‘Medellín’ y de un vídeo alternativo para esta en vertical, que solo puede verse en Spotify junto al «radio edit».

‘Vivir deprisa, amar despacio’: un ‘Call Me by Your Name’ en los tiempos del sida

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Christophe Honoré, ex crítico de Cahiers du Cinéma, irrumpió en el cine francés con la intensidad de una masturbación. El provocador drama erótico ‘Mi madre’ (2004), adaptación del clásico de Georges Bataille, fue uno de los títulos clave de ese movimiento de principios de siglo bautizado como New French Extremity, en el que también se incluyó a otros autores con ganas de llamar la atención como Gaspar Noé, François Ozon, Philippe Grandrieux o Bertrand Bonello. El estreno de ‘Mi madre’ también sirvió para confirmar el alumbramiento de una nueva estrella, Louis Garrel, quien se convertiría en el particular Antoine Doinel del director.

Con sus siguientes películas, las estupendas y muy influidas por la nouvelle vague ‘Dans Paris’ (2006), ‘Las canciones de amor’ (2007) y ‘La belle personne’ (2008), Honoré se convirtió en el nuevo niño mimado de la crítica francesa. Su presencia se hizo habitual en el festival de Cannes y en las nominaciones de los premios Cesar. Sin embargo, a partir de ‘Haciendo planes para Lena’ (2009), su prestigio se fue diluyendo como la sonrisa de Pablo Casado tras las elecciones. Sus intentos por volver a romper tabúes con ‘Hombre en el baño’ (2010) y ‘Métamorphoses’ (2014), repetir éxitos pasados con otro musical, ‘Les bien-aimés’ (2011), o cambiar de registro con la infantil ‘Les malheurs de Sophie’ (2016), no dieron el resultado esperado.

Cuando todo parecía indicar que Honoré se iba a convertir en algo así como el Julio Medem del cine francés, el año pasado regresó al festival de Cannes por la puerta grande. ‘Vivir deprisa, amar despacio’, cursilona traducción del original ‘Plaire, aimer et courir vite’ (cuyo título internacional es ‘Sorry Angel’, como la canción de Gainsbourg), compitió en la sección oficial. La película, ambientada en los primeros noventa, sigue la estela de títulos recientes como ‘Theo y Hugo: París 5:59’ (2015) o ‘120 pulsaciones por minuto’ (2017). De hecho, se podría ver como el reverso íntimo, poético y libertario de esta última, con toques de ‘Call Me by Your Name’ (2017).

Honoré, que era un veinteañero en esa época, parte de sus propios recuerdos para construir una historia de amor marcada por la distancia –geográfica, generacional, emocional-, la fatalidad y la urgencia. El protagonista, un estudiante bretón interpretado por Vincent Lacoste (‘Los casos de Victoria’, ‘Eden’), es el alter ego del director. A través de este personaje, el cineasta evoca su juventud: París, el primer amor, su formación intelectual (de François Truffaut a Jean-Luc Lagarce), la música que escuchaba (Massive Attack, Ride, Cocteau Twins, Prefab Sprout…). Una época alegre y llena de expectativas de futuro que contrasta con la realidad del otro protagonista, un escritor treintañero (Pierre Deladonchamps, famoso por ‘El desconocido del lago’) que lucha por llegar a cumplir los cuarenta.

El amanecer de la vida y su crepúsculo. La risa contagiosa y la sonrisa melancólica. Esta tensión dramática atraviesa toda la película provocando chispazos de humor, ternura y emoción. Sin esas descargas emocionales (el primer encuentro en el cine viendo ‘El piano’, la conversación telefónica, el baile con el vecino), ‘Vivir deprisa, amar despacio’ se quedaría en un convencional drama autobiográfico al que le falta solidez narrativa y le sobra metraje y cháchara literaria. Con ellas, la película se convierte en una de las mejores de su director. Un canto a la vida con la muerte acechando en cada esquina.

Honoré parece que ha cogido carrerilla y este año vuelve a Cannes con su última película, ‘Chambre 212’, donde repite protagonismo Vincent Lacoste. ¿Será su nuevo “muso”? 7,5.

The Regrettes anuncian 2 conciertos en España y presentan la infalible ‘Dress Up’

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The Regrettes, la banda de punk-rock californiana comandada por la joven pero ultra carismática Lydia Night, de la que ya os hablamos hace un par de temporadas, ha anunciado un par de conciertos en España poco tiempo después de telonear a Twenty One Pilots en su gira por Europa. El 30 de noviembre, el grupo formado también por Genessa Gariano, Brooke Dickson y Drew Thomsen estará en la sala Razzmatazz 3 de Barcelona y el 1 de diciembre en la Moby Dick de Madrid. Las entradas están a la venta desde el pasado viernes 3 de mayo.

Precisamente en esa fecha daba a conocer The Regrettes un nuevo single llamado ‘Dress Up’ que está llamado a ser otro hitazo en sus conciertos. En este caso será gracias a una melodía pegadiza e infalible y a una letra llena de autoflagelación pero también de cierto humor ante una relación que Lydia no ha sabido cuidar, llevándonos directamente al nombre de su grupo. “Hice una promesa, puede que la haya cagado, dije que estaría ahí, pero me disfracé”, canta Night, que se refiere a sí misma como el “cuchillo” que ha herido a su persona amada, reconociendo «quiero ser lo que necesitas, pero ahora mismo estoy estancada en mi rutina de víctima», y concluyendo al grito de «I love you, I love you, I love you, I’M SORRY!!!»

‘Dress Up’ llega dos años después del lanzamiento del álbum debut de The Regrettes, ‘Feel Your Feelings Fool!’, que dejaba su mayor éxito en las plataformas de streaming, ‘Seashore’, además de otros singles destacados como ‘Hey Now’ o ‘Hot’. Después, en 2018 veía la luz el EP ‘Attention Seeker’ y con él otro de los singles más populares del grupo, ‘Come Through’.

‘Wake Up’ es la balada de Bélgica para Eurovisión 2019… ¿o es Troye Sivan defendiendo a Australia?

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Bélgica acude a Eurovisión 2019 con una balada contemporánea interpretada por Eliot Vassamillet, un joven de 19 años (nació en 2000) que el año pasado concursó en La Voz Bélgica. El autor de ‘Wake Up’ es Pierre Dumoulin, que ya participó en Eurovisión 2017 componiendo la canción ‘City Lights’ para Blanche, quedando nada menos que cuarta en la final.

‘Wake Up’ es una balada pop oscurilla, que empieza con un arpeggio de sintetizadores muy James Blake, pero evoluciona hacia un estribillo dramático y explosivo que podríamos encontrar perfectamente en los «charts» británicos actuales. De hecho, la canción podría ser de Troye Sivan perfectamente si no fuera por su letra espiritual, en la que Eliot canta sobre la necesidad de creer en algún tipo de «luz» que nos guíe: «no esperaré a la señal, no encuentro a nadie con quien quedarme, pero hay algo en la luz, que salva nuestras vidas”, canta el muchacho.

‘Wake Up’ va 23ª en las apuestas, ¿por qué? Fácil: es una buena canción, pero desde luego no es una canción ganadora. A estas alturas, y como hemos comprobado, pocas lo son o lo parecen en principio, pero una buena puesta en escena puede salvar los muebles a cualquiera. En cualquier caso, Eurovisión difícilmente va a ver a Bélgica ganar Eurovisión con esta canción como lo hizo en 1984, y habrá que ver si se clasifica antes. Aunque ya lo decía Justin Bieber: «never say never».

Calificación: 6/10
Los foros dicen: de «decepción» a «la mejor canción de todas» pasando por «infravalorada»
En las apuestas: 23ª

Kaiser Chiefs, Fuel Fandango, Carlos Sadness, Cupido, Bad Gyal… completan el cartel de Santander Music Festival

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Santander Music cierra el cartel de su próxima edición, que tendrá lugar en Santander los próximos días 1, 2 y 3 de agosto de 2019. Ocho nuevos nombres se suman al line up del festival en el que ya estaban confirmados Zahara, Second, ToteKing, Mastodonte, Élyella, Carolina Durante, Morgan (grandes triunfadores en la pasada edición de los premios MIN), La Plata y Kokoshca.

El cartel de Santander Music se cierra con la confirmación de un gran nombre internacional como los británicos Kaiser Chiefs, que publican nuevo álbum este año aunque aún sigue sin título ni fecha de edición (su último largo fue ‘Stay Together’, lanzado en 2016). El grupo es conocido por éxitos como ‘Ruby’, ‘Never Miss a Beat’, ‘I Predict a Riot’ o ‘Everyday I Love You Less and Less’ que han convertido a sus autores en pura carne de festivales, triunfando allá por donde van.

A la banda británica se suman Fuel Fandango, a los que entrevistábamos recientemente; Carlos Sadness, que sigue presentando su disco de 2018 ‘Diferentes tipos de luz‘; o la banda revelación Cupido. También se añaden a la programación de Santander Music el encantador Confeti de Odio, de cuyo debut os hemos hablado; Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, autores de un interesante debut de rock psicodélico que está dando que hablar; Bad Gyal -que acaba de fichar por Universal– y finalmente Virginia Díaz de Radio 3, que ejercerá de maestra de ceremonias dando continuidad musical a los conciertos del escenario principal de Santander Music.

Vanesa Martín delega a Adriana Ugarte el protagonismo aunque se moja con las preguntas sobre dinero y sexo en La Resistencia

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Vanesa Martín ha visitado La Resistencia para promocionar su nuevo videoclip correspondiente al remix de Carlos Jean de ‘De tus ojos’, protagonizado junto a la actriz Adriana Ugarte y en el que ambas encuentran el amor en una tienda de discos. De hecho la propia Ugarte entra en plató poco después que Martín ofrezca Broncano un chupito de tequila y le regale una taza con su nombre, acaparando casi toda la atención desde el minuto uno con su desparpajo y ocurrentes réplicas al presentador.

Algunos de los temas tratados en la entrevista son la abuela de David Broncano, con la que Ugarte propone hacer una ouija; el nerviosisimo de Martín durante el rodaje de ‘De tus ojos’ pues ella no es actriz y la interpretación le costaba aunque al final consiguió estar cómoda, y La Zowi, a quien Broncano menciona brevemente en relación a su difícil visita por el plató, confundiendo a Ugarte, que no sabe quién es.

La entrevista termina con las típicas preguntas de Broncano a sus invitados sobre dinero y sexo. Martín responde que mayo ha sido un mes mucho mejor que abril en cuanto al sexo pero que la declaración le ha salido a pagar, mientras Ugarte, que ya respondió a la pregunta del dinero cuando visitó La Resistencia en noviembre, confiesa que se encuentra en un momento más espiritual que sexual.

Kim Petras logra que el despecho de ‘Broken’ sea tan emotivo como bailable

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Una de las mayores esperanzas para el pop mundial, Kim Petras, acaba de obsequiarnos con una nueva ráfaga de singles, tal y como hizo el pasado febrero. Si entonces lanzaba simultáneamente 3 singles (que incluían colaboraciones de SOPHIE y Lil Aaron), ahora, envueltos en una estética muy particular, ha lanzado también 3 canciones, una por semana.

Con una producción perpetrada por Aaron Joseph (colaborador habitual de Petras) y MADE IN CHINA (nuevo alias de Dr. Luke), todas ellas suenan envueltas en ese R&B contemporáneo que en realidad rebusca en sonidos de los 90 (hola Ariana Grande, Ella Mai y cía). Hoy mismo presenta ‘Blow It All‘, la última (que sepamos) de esta tanda, un medio tiempo pop-rap con arranque semi-acústico. La semana anterior lanzaba el evidente intento de hit ‘Got My Number‘, en la que la muy cabrona hace público el número móvil de un amigo (REAL). Y 7 días antes mostraba el primero de esta terna y la que hoy destacamos como Canción del Día, ‘Broken’.

Con la llamativa participación de Ben Billions, beatmaker que colaboró en ‘Lemonade’ además de con The Weeknd, Maroon 5 o Rita Ora, ‘Broken’ es casi una balada, pero su capacidad de seducción se ha ido revelando poco a poco, como buen grower. Sobre todo gracias a su gancho vocal, lanzado desde el primer instante por la artista alemana, sumando la eficacia de duplicar esos «hope you got», «pray to God» y «broken» tras cada línea del estribillo a su buena melodía.

«Me hiciste tanto daño / Espero que consigas / Todo lo que quieres / Rezo a Dios / Para que ella te deje roto, roto / Como tú me dejaste rota, rota». Desde el primer instante Kim Petras muestra que ‘Broken’ es una de esas canciones de despecho que tanto han dado a la música popular, confiando en que la vida devuelva a su ya ex-pareja todo el dolor (o más, si es posible) que ella recibió («Me abriste en canal, lloré océanos / Todo lo que quería era devoción / No tengo nada»). Y, aunque ahora ya esté OK («Espero que estés feliz con tu nueva zorra / ¿Qué tal vives? / Yo estoy en París vestida de Marc Jacobs, la vida es maravillosa»), confía en «esa mierda del karma» para verle sufrir «cuando ella le deje por su mejor amigo».

Se da por hecho que estas canciones formarían parte del álbum debut en el que hace tiempo es notorio que trabaja, pero no se sabe nada con certeza. Tampoco si lo tendrán cabida en él los otros tres singles lanzados en febrero o si recuperará «viejas» joyas como ‘Heart to Break‘. Lo que sí ha confirmado es que el EP de inspiración terrorífica publicado el pasado otoño, ‘Turn Off The Light‘, tendrá una segunda parte el próximo octubre.

ANTIFAN / Podría ser una mala racha

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ANTIFAN es el proyecto de post-punk del MC Jerva y el productor i-Ace de Agorazein y el también productor Hartosopash. Aunque su primera mixtape era de hip-hop, bastante similar de hecho al trabajo de los autores de ‘Siempre’, el debut de ANTIFAN solo podría haberlo editado un sello como Sonido Muchacho, casa de Carolina Durante, La Plata o los desaparecidos Juventud Juché. ‘Podría ser una mala racha’ es un disco inspirado -como el propio grupo ha reconocido- en bandas como The Who o 13th Chime, en películas como la post-apocalíptica ‘Infierno en el pueblo’ o en el caso Ruby Ridge / Waco, pero también es producto de otras cosas: “Esto va de cuando el amor y la droga dejan de molar. Hemos salido del dolor, de la fealdad y del anonimato. Imposible triunfar desde ahí. Somos la cara oculta del éxito. Ni siquiera somos yonkis guays como los Clash o los Eskorbuto. Somos perderos de barrio como Perros Callejeros y de ahí no nos sacas. No pertenecemos a nada, como tú. Somos hijos de Internet y del no tiempo. Una maravilla catastrófica antimusical”.

‘Podría ser una mala racha’ es un disco urbano y periférico, con olor a ‘Gasolina‘, asfalto y cuero quemado, cuyo título por otro lado no podría ser más desolador, pues lo que nos cuentan las letras del disco es que del dolor no hay salida. Los 13 cortes de ‘Podría ser una mala racha’ están preocupados casi de manera exclusiva por el final de las cosas, por la falta de tiempo, por la extinción, la desaparición, la ausencia de futuro. Las canciones, que por estilo podrían haber sonado en los antros de la España post-franquista y por tanto contemporánea a la Inglaterra de Margaret Thatcher, si no fuera por el autotune en las voces y algunos sintetizadores, que nos recuerda de dónde viene el grupo y las fijan en la actualidad, describen “recuerdos muertos”, una “Madrid en llamas”, un “mundo que se está rompiendo” y a gente “corriendo hacia un barranco”, a menudo en varias canciones, como en ‘La última generación‘ con C. Tangana y ‘Mi mundo’.

En el mejor de los casos, los textos de ANTIFAN dan lugar a canciones realmente embriagadoras como ‘Arde conmigo’, magistral en su descripción de una inquietante realidad post-mortem (casas sin vecinos, un reloj parado, una nevera vacía, un televisor apagado, plantas muertas…); la explosiva ‘Juego’, que parece hablar de la industria musical, o el single con C. Tangana ‘La última generación’, que menciona drogas y operaciones estéticas de manera perturbadora. En otros casos, las canciones se parecen demasiado entre ellas y cuando prometen un giro crucial, no lo llevan del todo al cabo. Si en el disco destacan, por estilo, la balada ‘No me dejes volar’ o la ravera ‘Baile’, ‘Demonio’ promete una producción mas bruta e industrial que al final no se desmarca demasiado del resto del álbum, mientras otros temas son menos vitales en el conjunto, como ‘Tu pelo’. Aunque al final, gracias a estribillos como el de ‘Descontrol’ o al asfixiante single ‘Mi mundo‘, ANTIFAN logra mantener el interés a lo largo de 45 minutos gracias a su subyugante estética industrial, reflejada sobre todo en unas canciones tan decadentes como la propia etiqueta post-punk merece.

Calificación: 7,1/10
Lo mejor: ‘Arde conmigo’, ‘Juego’, ‘La última generación’, ‘Mi mundo’
Te gustará si te gusta: Juventud Juché, Antiguo Régimen, La Plata
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Bifannah suben la temperatura de su rock psicodélico con espíritu bailable en ‘Capri’

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Desde 2016, Bifannah ha venido despuntando como uno de los nombres con mayor proyección del underground español. Los gallegos (aunque actualmente viven en Madrid y Londres) Guille V. Zapata, Antía Figueiras, Antón Martínez y Pablo Valladares llamaban la atención de los fans del garaje y los sonidos 60s con ‘Maresia‘, un debut publicado en 2017 que les llevaba a ejercer de teloneros de grupos internacionales como Allah-Las o Mystic Braves y a actuar en festivales de gran repercusión como el SXSW de Austin, Texas. [Foto: Luis Basilio.]

Este año, en septiembre, se disponen a publicar en The John Colby Sect su segundo largo, ‘Danças Líquidas’, con producción de Frank Maston (Jacco Gardner, Paint). Un disco que debería suponer un salto para ellos además de la confirmación de su peculiar estilo, trufado de sonidos exóticos como la tropicalia de Os Mutantes, una referencia palpable (especialmente cantando en portugués). En esa línea se muestra ‘Capri’, primer adelanto del álbum que, tras sonar en Radio 3 días atrás, es objeto de un videoclip oficial que hoy estrenamos en JENESAISPOP.

En palabras de Guillermo, cantante y guitarrista, «es una canción que propone el alejamiento para encontrar la recomposición y la perspectiva. ‘Capri’ nos deja pinceladas de una visión irónica y terca del día a día, mientras caminamos hacia sonidos cercanos a la tropicalia, al soul latino o a la música de baile de los 70». Con esas tonalidades y una pugna entre la parte vocal de la canción y la instrumental, con un solo de teclado a lo Ray Manzarek de esos que se te va la olla, la música de Bifannah sube de temperatura y efectivamente invita a bailar al son de su lisergia.

Una lisergia que la realizadora Silvia Coca (autora de la parte audiovisual del último disco de Soleá Morente, por ejemplo) captura a la perfección en el vídeo de la canción. Un vídeo filmado en un paraje desértico de Toledo (aunque parezca Arizona), en el que juegos de simetría y efectos de postproducción crean juegos caleidoscópicos que se adaptan de maravilla a la canción.

Bifannah actúan este viernes, 10 de mayo, en el festival menorquín CRANC (junto a Temples, Zahara, Bad Gyal o Australian Blonde) antes de partir para México. Allí actuarán en una sala de Pachuca antes de presentarse en el festival MARVIN de Ciudad de México. Y ya en julio, el FIB 2019 será otra ocasión de verles tocar en España, poco antes de la llegada de ‘Danças Líquidas’.

José María Guzmán de los míticos C.R.A.G. se presenta a las audiciones de ‘La Voz Senior’

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Tras finalizar semanas atrás la emisión de ‘La Voz‘, anoche comenzaba en Antena 3 ‘La Voz Senior’, una nueva vertiente de la cabecera que Atresmedia arrebató a Mediaset en la que esta vez el talent-show se centra en señores y señoras ya con una edad. Con David Bisbal sustituyendo a Luis Fonsi como coach, sumándose así a Pablo López, Antonio Orozco y Paulina Rubio, el programa comenzaba con una sorpresa algo tragicómica: la participación en él de José María Guzmán, miembro de Cánovas Rodrigo Adolfo y Guzmán –también conocidos como C.R.A.G.–, un supergrupo que reunía a estos miembros de bandas míticas de los 60 como Pekenikes, Módulos, Íberos y Solera.

C.R.A.G. se unían en 1974 conformando una suerte de versión española de Crosby Stills Nash & Young para publicar su debut ‘Señora Azul‘, producido por el igualmente mítico Rafael Trabucchelli y que, pese a ser un fracaso comercial –a excepción de su tema titular, todo un icono contestatario pre-democracia– en primera instancia, ha sido una evidente influencia posterior para artistas de todo corte, especialmente independientes como El Hijo, La Familia del Árbol, Cuchillo o La Ruleta China. Con un par de discos más lanzados en los 80 y diversas idas y venidas a lo largo de las décadas, en 2014 el grupo celebraba los 40 años de su debut en algunos conciertos entrañables.

Volviendo a ‘La Voz Senior’, Guzmán (que en los últimos tiempos ha orientado su carrera hacia el teatro musical, participando en ‘We Will Rock You’, musical de Queen, y ‘Godspell’) se presentó sobre el escenario para interpretar guitarra en mano precisamente ‘Señora azul’. Pablo López fue el primero en darse la vuelta, asegurando que «conocía la canción» y que «era un honor para él tenerle allí». Así que, pese a que Antonio Orozco también giró su sillón, José María decidió inclinarse por el malagueño porque, dijo, conocía sus carreras y se sentía más cercano musicalmente a él.

Pero, si es algo amargo que un artista de su talla se vea abocado a pugnar con anónimos en un programa así, resulta aún más desolador escuchar a Paulina Rubio cómo alucinaba con que él escribiera esa canción (aclaró luego que lo hizo con el grupo) y decir cosas como que «tenía muy buen sonido» de «rock de los 80» («¡70!», la corrigió Guzmán), a Antonio Orozco decir que la canción «le suena», que «está ahí», y a Bisbal que había hecho «cosas técnicas de voz muy chulas».

Tool confirman la publicación el próximo verano de su primer álbum en más de 13 años

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Cuando el año pasado se producía el regreso de A Perfect Circle con ‘Eat The Elephant‘, algunos lamentaban que volviera ese grupo paralelo de Maynard James Keenan y no Tool, la banda de post-metal con la que se hizo enormemente popular en los años 90. Pues bien, fuera lamentos porque parece que la larga espera a la continuación de ‘10.000 Days’, publicado en 2006 nada menos, ha tocado a su fin.

Tras haber insinuado en Twitter la idea días atrás, este martes, durante un concierto de la gira que el grupo de Los Ángeles está desempeñando en estos días por su país, el propio Keenan desveló que el 30 de agosto será la fecha en que ese disco que sus fans llevan 13 años esperando verá la luz. Después de pedir a los espectadores que compartieran la noticia en sus redes sociales, fue la propia cuenta oficial de Tool la que subió un gif con el logo del grupo y la fecha mencionada. Todavía sin título confirmado, lo que sí ha comenzado a mostrar Tool son algunas de sus canciones. Concretamente dos: una titulada ‘Descending’ y otra llamada ‘Invincible’ forman parte del setlist de esta gira norteamericana, y ya hay algunos vídeos de fans subidos a Youtube.

Tool nacieron en 1990 como parte de aquellos nueva escena de metal impulsada por el auge del grunge, en el caso de estos acercándose a lo progresivo. Su debut ‘Undertow'(1993) y su continuación ‘Ænima’ (1996) les convirtieron en superestrellas, habiendo certificado unos 13 millones de copias de sus cuatro álbumes de estudio en todo el mundo y logrando 3 Grammys.



Por qué Rolling Stone puede haber revolucionado las listas de éxitos con su alternativa a Billboard

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Peligra la supremacía de las listas de Billboard -si es que no peligraban hace rato- con la vibrante idea de Rolling Stone de presentar unas listas alternativas. Estas listas diarias, si están bien hechas y presentadas, que habrá que verlo, pueden ser una revolución en el mercado de la industria musical por varios motivos.

El principal es que el Billboard Hot 100 de singles se ha quedado casi tan obsoleto, como rocambolesco es el Billboard 200 de álbumes que premia a los «one hit wonders». Ya no hablamos de cuánto cuenta la radio, de cuánto cuentan las trampas detectadas como aquel día que un estribillo de Post Malone se subió en bucle a Youtube o de cuánto cuenta la payola. Es que cuando las listas del Billboard salen al mercado los martes, lo hacen sobre datos que se empezaron a recoger 10 días antes. Y en 2019 no necesitamos esperar 10 días para saber si una canción ha tenido éxito o no, sino en la mayoría de los casos apenas unas horas o, a lo sumo, un par de días.

Por supuesto puede haber excepciones. Hay sleepers, virales y growers; pero estos suelen ser excepciones dependientes de casos muy concretos, como un vídeo que se viraliza cual ‘Turn Down For What’ o una actuación en la tele como la de Adele con ‘Someone Like You’. Cosas que se producen muy pocas veces al año y están al alcance de unos pocos cortes afortunados, frente a los cientos de temas que se editan cada viernes. Pero incluso cuando esas excepciones suceden, cualquier ciudadano tiene también a su disposición herramientas para detectarlas en directo, como los virales de Spotify y Youtube, y otras más elaboradas y complejas. Lo seguro es que ya no necesitamos tanto que Billboard recopile los datos por nosotros.

Muerta o a punto la descarga digital de pistas, cuando un top 1 en iTunes puede implicar la absoluta nada, la mirada está naturalmente puesta en el streaming. Actualmente no solo tenemos acceso fácil a las estadísticas de streaming, de las reproducciones exactas de un tema en las dos plataformas líderes, Spotify y Youtube, sino que ambas facilitan un top 50 diario, que es ampliable a un top 200 por países de lo más informativo, que se puede consultar libremente en sites como Kworb o SpotifyCharts. Más difícil todavía, SpotOnTrack, que en este caso no es gratis, te indica todas las playlists del mundo en las que está un tema, por lo que el usuario puede ver con sus propios ojos cuánto puede estar distorsionado el éxito real de algo o alguien por estar incluido en la playlist de Spotify adecuada… ¡y así adivinar cuánto va a subir o bajar al día siguiente cuando entra o desaparece!

Gracias a estas plataformas se ha intuido desde el primer momento que Taylor Swift no iba a ser número 1 con ‘ME!‘, desde demasiados días antes de que Billboard lo confirmara. Haciendo una analogía con la lista española, no necesitamos esperar a que Promusicae se publique el próximo martes para que sepamos que ‘El relámpago’ de Amaia NO va a ser número 1 en España a lo Rosalía o Aitana, pero que tampoco le está yendo nada mal (es top 49 en Spotify tras haber llegado al puesto 19 el día de salida); que ‘Para repartir’ no le ha funcionado a C. Tangana tanto como la chorrada de ‘Ontás’, que va a durar más de lo que parecía; o que ‘La Playa’ será el tema que finalmente derribe a ‘Con altura‘ del número 1 en España… a menos que Ed Sheeran y Justin Bieber se vengan con algo muy gordo este viernes (sabremos este mismo sábado cómo les ha ido, no dentro de 2 semanas).

Las listas diarias son claramente el futuro, y no las listas semanales que salen con días de retraso, con una peregrina semana de tracking en Estados Unidos que además, en radio, no va de viernes a jueves como todas las demás. Si la empresa estadística que Rolling Stone ha contratado, Alpha Data (antes BuzzAngle Music), no les ha timado, y es capaz de satisfacer las necesidades de la industria musical y de los fans fatales con las listas diarias que van a presentar, pueden apuntarse un tanto histórico. Sobre todo porque no solo contemplarán Spotify y Youtube, sino otros servicios en auge como Apple Music y el resto de plataformas pertinentes, dando datos más veraces y completos (también incluyen descargas y la radio, habrá que ver si en adecuados y representativos porcentajes, y cuán ajenos a la «payola» en este último caso).

Es increíble que Billboard se siga dedicando a hacer sublistas de dance, club y country que a nadie le importan en lugar de haberse adaptado correctamente a los nuevos tiempos. En un mundo en el que un single puede durar en las listas un año o un único día, en el que la moda de una canción puede extenderse dos años o muy poquitas semanas, una propuesta como esta es más necesaria que nunca. No es lo mismo un vídeo de BTS que sale y arrasa y luego se olvida un poquito, que un tema de Billie Eilish que lleva 40 días rondando el número 1 global. Y por otro lado, Taylor se hubiera ahorrado toda una semana de dolores de cabeza y drama si le hubieran dado el merecido número 1 del día de salida por sus primeros datos arrasadores y ya.

De acuerdo: estos dramas de primer mundo no salvarán vidas, pero hay alguien a quien sí pueden salvar: a la revista Rolling Stone. No sabemos cuánto les va a costar esta idea, cómo estará ejecutada y cómo planean rentabilizarla. Si les ha salido muy cara y la ejecución no cumple las expectativas, igual es su ruina, pero de momento es lo suficientemente suculenta como para ser aplaudida, y como para que su competencia se ponga las pilas. Los foros de listas de UK Mix, ATRL o Pulse suman literalmente millones de visitas al mes. Mientras cada poco tiempo cierra un medio musical, como ha pasado con Drowned In Sound hace unas semanas, si realmente son capaces de atraer ese tráfico totalmente renovado y hasta ahora ajeno a Rolling Stone, es posible que ellos sí salven el pescuezo.

Zahara trata de salir de ‘El Fango’ de «La Bestia» en su nuevo vídeo

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El nuevo single de ‘Astronauta’, el exitoso último disco de Zahara, es ‘El Fango’. La artista había manifestado hace meses hacer varios vídeos para diversas canciones del álbum y finalmente se ha decantado por esta, una de las más instantáneas, pese a que el primer single original del disco iba a ser ‘Bandera blanca’.

En un momento durante la grabación del largo, a la cantante le encantó cómo estaba quedando el tema ‘Hoy la bestia cena en casa’ y meses después no solo puede decirse que la decisión fue un acierto sino que se ha comido un poco las posibilidades del resto de temas. Por supuesto, ‘Astronauta’ ha estado al completo en la lista española de lo más escuchado durante semanas, pero da la impresión de que de no haber pasado por pancartas del 8-M por su carácter sociopolítico, los Premios MIN con el mejor vídeo y su famosa dedicatoria a «Alberto, Pablo y Santiago» (Rivera, Casado, Abascal); más gente se habría enterado aún del bonito dúo con Santi Balmes para ‘Guerra y paz’, que también tuvo su vídeo.

El nuevo clip ha sido dirigido por Guillermo Guerrero, Zahara ha escrito en redes que espera que os guste porque “pasó mucho frío grabándolo” y en él la vemos tratando de “desenfangarse” en plena naturaleza, aludiendo al título de la composición. El tema, que ya pasó por nuestra sección “Canción del Día” en su momento, se dedica, como «la Bestia», a una persona tóxica, aunque en otro sentido, como nos explicaba ella misma: «Es una canción a esa persona con la que tienes una relación relajada pero no das el paso a que haya nada serio. El otro cree que lo merece, porque es lo más, porque se tiene en muy buena estima porque cómo no amarlo con todo lo que es. Así que esta canción es para decirle: “tronco, mira, paso de ti””.

Zahara estará actuando este verano en multitud de festivales como Low Festival, Arenal Sound o Sonorama, entre otros.

El amor nace para Vanesa Martín… ¡en una tienda de discos!

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Érase una vez una tienda de discos en la que surgió el amor y… esperad, ¿alguien sabe de lo que estamos hablando? Vanesa Martín y Carlos Jean sí y por eso han querido situar la acción de su nuevo vídeo conjunto en una de ellas. Se trata del videoclip correspondiente a ‘De tus ojos’, un tema de Vanesa que abría su álbum ‘Todas las mujeres que habitan en mí’ que ahora ha sido remezclado por Carlos Jean con un poquito de reggaetón, un poquito de tropical y un poquito de sus característicos sonidos de la era Fangoria. Dista bastante del españolete tema original, que era un poco Alejandro Sanz, pero tampoco se pierde su esencia.

En dicha tienda de discos, entre vinilos de Jane Birkin y Serge Gainsbourg, de Kraftwerk, posters de Suede y maxis de Cardi B (aquí sí que me han pillado, ¡hubo 12” de ‘I Like It’!), es donde se conocen las protagonistas de esta historia de amor. Porque sí, las protagonistas de ‘De tus ojos’ son dos chicas, en concreto la propia Vanesa Martín y Adriana Ugarte, llamando la atención de los medios y situándose entre los grandes virales de Youtube España. En los agradecimientos aparece el Club de Amigos del Disco por si alguien necesita saber dónde ir para que le pase todo esto.

Vanesa Martín, que hace unos años tuvo una polémica entrevista con Risto Mejide sobre su sexualidad, ha acudido ahora a Instagram para agradecer la buena acogida de este videoclip: «No tengo palabras de verdad para agradecer vuestros comentarios, vuestra emoción que es tan mía, vuestra libertad, vuestra verdad. No podía ser de otra manera. @adrianaugarte10 qué viajazo a los centros que mueven el mundo, al lugar donde todo es bien. #DeTusOjos vuela».

Egosex puede haber encontrado un tesoro con su sonido de «jungle trance blues»

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Egosex ha sido la banda ganadora de Bala Perduda, el concurso de talentos emergentes de Sala Apolo de Barcelona, que celebraba su final el pasado 25 de abril. El trío de Barcelona ha destacado entre las bandas aspirantes por su sonido de R&B y soul atmosférico y por su estética afrofuturista (reflejada en las portadas de sus singles), aunque también por el carisma y presencia escénica de su cantante Wekaforé Jibril. El resto del grupo está compuesto por el guitarrista Hug Bonet y el percusionista Lluís Campos y su sonido de «jungle trance blues» (como ellos mismos lo llaman) ha dado lugar ya a varias canciones interesantes.

La última llegaba a las plataformas de streaming un día después de la victoria de Egosex en Bala Perduda y es ‘Congo’, un tema bailable a la par que atmosférico en el que el grupo potencia sus influencias de la música africana a través de unos punteos de guitarra eléctrica. En la electrónica ‘Big Fish’, de hecho, Wekaforé canta «gran pez, bienvenido a África”. Sin embargo, el grupo es versátil y si ‘Chamaleon’ guarda un sonido más mágico y tribal, además de espiritual, ‘Indestructible’ es una sencilla balada acústica, ‘Ego Sex’ una balada rock y ‘Love and Guidance’ un pegadizo medio tiempo R&B que es también su tema más abiertamente pop.

El propio grupo explica su nombre en Facebook: “La palabra Egosex se refiere al seductor conocimiento de nuestra sensación de yo más primitiva, al arte de estar en contacto con el animal divino que eres y el de saber exactamente cuáles son tus intenciones”. Además, describe que “mezcla sonidos primitivos con arreglos futuristas para explorar temas de espiritualidad, asuntos de amor moderno y política”. Tras esta coartada conceptual se esconden unas canciones que pueden recordar a los primeros Algiers o a cantantes como Yves Tumor, Moses Sumney o Sampha. “Jungle trance blues” no podría ser una etiqueta más representativa de su sonido y por su éxito en Bala Perduda, el grupo está llamado a ganar cada vez más adeptos.



Escucha la playlist «Revelación o Timo»

Albania trata el tema de la inmigración en un tema épico en Eurovisión 2019

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Albania ha sido el primer país participante en Eurovisión 2019 en seleccionar su canción. Conocemos ‘Ktheju tokës’ (“volver a la tierra»), interpretada por Jonida Maliqi, desde el pasado mes de diciembre y la canción acaba de ser presentada en Tel Aviv durante los ensayos de las semifinales. Maliqi ha tenido que enfrentarse a un problema técnico durante su actuación cuando el águila de fuego que debía aparecer en los visuales no ha aparecido.

‘Ktheju tokës’ es una canción política que habla sobre la inmigración, y como tal presenta un sonido épico, dramático y casi tribal representado por percusiones apocalípticas y melodías orientales. La letra habla sobre encontrarse “sola” y “sin identidad” en el mundo, al frente de una vida que se le puede escapar de las manos de un día para otro («un día estás vivo, el otro estás muerto»), y movida solo por la “nostalgia” de tiempos mejores pero “sin esperanza”.

Maliqi, que no es nueva en esto de la música, pues su primer single data de 1995 y además es conocida en Albania por haber interpretado a Julieta en la versión albanesa de ‘Romeo y Julieta’, destaca por su potente voz, que casi forzosamente le ha llevado a cantar este tipo de canción. Pero también tiene presencia escénica y solo hay que ver el vídeo de ‘Ktheju tokës’ para comprobarlo. En él vemos a Maliqi cantar bajo la lluvia y otras escenas de niños corriendo a través de una ciudad en llamas o a varias personas encerradas en un cerco de espinas. Y al final, el famoso águila. ¿La canción? No es tan emocionante como probablemente debiera, pero con una buena puesta en escena puede dar lugar a un momento memorable en el festival.
Calificación: 5/10
Los foros dicen: de «hermosa» a un categórico «NO»
En las apuestas: va 21ª

Taylor Swift logra un decepcionante resultado en España con ‘ME!’ junto a Brendon Urie

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Taylor Swift está triunfando en Estados Unidos y Reino Unido con ‘ME!‘, su nuevo single con Brendon Urie de Panic! at the Disco, pese a que el número 1 se le ha escapado en ambos mercados. En otros territorios el tema también está funcionando, pero España no es uno de ellos. En nuestro país, ‘ME!’ debuta en el número 36 de la lista de singles, un resultado más cerca de un cuarto single como ‘Style’ que el de un primer single que inaugura una era.

De hecho, y sin contar la pretérita ‘Tim McGraw’, este es el peor resultado de un primer single de Taylor Swift en España de toda su carrera después del número 47 de ‘Love Story’, logrado cuando Swift no era absolutamente nadie en nuestro país. Se queda por tanto lejos del top 12 de ‘Look What You Made Me Do’, más lejos del top 9 de ‘We Are Never Ever Getting Back Together’ y más lejos aún del top 2 logrado por ‘Shake it Off’.

En cuanto al resto de entradas, ‘Me llama’ de Beret es la más fuerte, debutando en el 15, mientras Ozuna protagoniza la subida más importante con ‘Baila baila baila’, del 16 al 5. Otras entradas en la parte superior de la tabla son las de ‘Maldición’ de Lola Indigo y Lalo Ebratt en el número 21, ‘Date la vuelta’ de Luis Fonsi, Sebastián Yatra y Nicky Jam en el 26 y ‘Serpiente veneno’ de Kidd Keo y Ele A El Dominio en el 35.

En la segunda mitad de la tabla, dos artistas consiguen un par de entradas. Por un lado, C. Tangana entra con ‘Para repartir’ con Alizzz en el número 57 y con su single-meme ‘Ontas?’ en el 69. Por el otro, Farruko aparece en el número 59 con ‘La cartera’ con Bad Bunny y en el 65 con ‘Delincuente’ junto a Anuel AA y Kendo Kaponi. Rosalía coloca ‘Me traicionaste’, su canción junto a A.Chal para el disco de ‘Juego de tronos’, en el 70, mientras ‘Ellos’ de Ceky Viciny, que samplea ‘Blue’ de Eiffel 65, es top 90, ‘El efecto’ de Rauw Alejandro y Chencho top 92 y entra por los pelos ‘No lo trates’ de Pitbull, Daddy Yankee y Natti Natasha en el top 100.

Carolina Durante, top 2 de ventas y 9 de streaming con su debut

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Carolina Durante entran en el número 2 de ventas con su notable debut, bloqueados únicamente por Alejandro Sanz. Además son top 9 en streaming en el que constituye el mejor resultado comercial para cualquier banda amparada por el sello independiente Sonido Muchacho de su historia, aunque cabe recordar que el disco de los madrileños lo edita también Universal (como a Alejandro Sanz). A los autores de ‘Cayetano’ les sigue en el número 3 Estopa con su nuevo recopilatorio y dentro del top 10 entran también el nuevo disco tributo a Mecano, que incluye versiones de Zahara, Love of Lesbian o Miss Caffeina (8) y Cranberries con su último disco, en el número 10.

Otra entrada destacada en listas es la de ‘Hurts 2B Human’ de P!nk. Si ‘Beautiful Trauma‘ entró directo en el número 4 de ventas y en el 6 de streaming y fue uno de los discos más vendidos de 2017 pese a lanzarse a finales de año, su continuación es tan solo número 14 de ventas y en streaming el resultado es incluso peor, pues el disco asoma por el puesto 41. Estos resultados pueden deberse a que ‘Walk Me Home’ se ha quedado lejos de repetir el exitazo de ‘What About Us’, aunque también a que el álbum está plagado de baladas.

En la lista de ventas entran también, en el número 16, la reedición de ‘Voces del extremo‘ de Niño de Elche, cuyo nuevo disco ‘Colombiana’ se publica a finales de mes; ‘Bajo la piel’ de Green Valley en el 17 (80 en streaming), ‘En bruto XIX’ de Soziedad Alkoholika’ en el 19, ‘Love + Fear‘ de Marina en el 24 (73 en streaming), ‘Ver-S.O.S.’ de Brock Ansiolitiko en el 30, ‘Stay Around’ de J.J Cale en el 33, ‘La distancia‘ de McEnroe en el 36, ‘Te lo mereces’ de Salvador García «Pitu» en el 45, ‘The Secret’ de Alan Parsons en el 49, ‘Ultimate Rave’ de Prince en el 57 y ‘TR3TZE’ de 31 Fam en el 85.

En streaming, el disco más reproducido sigue siendo el de Billie Eilish, mientras Carolina Durante protagonizan la entrada más fuerte en la clasificación como ya hemos contado. También entran en el 12 ‘Gangalee’ de Farruko, el disco de canciones inspiradas en ‘Juego de tronos’ en el 26, ‘Un perro andaluz’ de Delaossa en el 58, ‘Crash Talk’ de Schoolboy Q en el 81 y el EP de debut de Pol Granch en el 98.

Vampire Weekend / Father of the Bride

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Aunque Chris Tomson y Baio siguen siendo miembros de la banda y han participado activamente en su grabación, incluso aunque Rostam –oficialmente ex-miembro del grupo– siga colaborando activamente con ellos, este demorado ‘Father of the Bride’ deja entrever que Vampire Weekend es definitivamente el proyecto personal de Ezra Koenig. Más allá de que en las fotos oficiales del grupo sólo aparezca él, lo cierto es que parece que ha estado a los mandos de todo en la composición y grabación de este cuarto disco de la ¿banda? De hecho, casi parece que la pareja sentimental formada por Ariel Rechtshaid –como co-productor– y Danielle Haim –colaboradora no sólo co-protagonizando tres de sus cortes sino en todo el álbum con guitarras y coros– han tenido más que ver en la gestación del álbum que aquellos. Pero es que, además, en el aspecto lírico y estético encontramos sobre todo la particular visión artística y ética de Koenig.

Aunque es evidente que Ezra goza de una posición de privilegio como hombre blanco cisgénero y heterosexual, con una situación social y económica envidiable, una relación sentimental en principio feliz con la actriz y escritora Rashida Jones (hija de Quincy Jones, por cierto) que hace varios meses daba como fruto un niño, no todo es siempre tan apacible. Precisamente la conciencia de su propio privilegio le hace empatizar con el mundo exterior, la desigualdad socio-económica, la geopolítica y la permanente confrontación de distintas fes religiosas, poniendo el foco a esas cuestiones en un disco que, como una medicina oculta en la comida de un bebé, desliza esas preocupaciones en un envoltorio que casi siempre transmite celebración y festejo. Tampoco se puede decir que una lectura esmerada vaya a cambiar la vida de nadie, pero sí es de agradecer que, al menos, no hable de chorradas, sino del amor entre los hombres y sus civilizaciones.

Koenig despliega ese tejido de referencias cruzadas con la coartada de una boda truncada en el mismo altar (escenificada en el precioso inicio ’Hold Me Now’, donde Danielle da el palo a Ezra y se introduce ese “padre de la novia” que, tontamente tomado de aquella comedia de Steve Martin, hay quien interpreta como una alegoría de Dios). Un trauma que le empuja a la madurez y dispone también el trasfondo principal de este álbum: el paso del tiempo (aludido en la preciosa ‘2021’) nos enseña que los sinsabores y las alegrías van casi siempre de la mano. Así que parece una buena idea asumirlo con las mejores disposición y humor –algo de lo que Koenig hace gala incluso en los momentos más insospechados–. Es decir, por más que duela, la vida es como es. Así que disfrutémosla. “I don’t wanna live like this / but I don’t wanna die”, se canta en el primer y político single “screamadelico”, ’Harmony Hall’ –una poderosa frase que ya incluía ‘Finger Back’ de ‘Modern Vampires of the City‘, ejemplificando una de esas conexiones múltiples que mencionaba antes–.

Esa dualidad se trasluce también de manera muy potente en lo musical. Por una parte, alternando canciones muy uptempo con otras muy melancólicas –que a su vez juegan a contraponer letras más amargas en los temas de apariencia más divertida, y viceversa–. Y, por otra, haciendo complejo lo sencillo –como en una ‘We Belong Together’ que, repleta de arreglos imaginativos y cambiantes, se soporta sobre una melodía fácil, casi infantil– y sencillo lo complejo –en ‘Sunflower’, la combinación de complejas escalas de jazz que ejecuta entre risas Steve Lacy, entre ricos arreglos de guitarras y prog-rock vocal mientras suenan sirenas de policía parece un juego de niños–.

Como sabíamos, ’Father of the Bride’ no es en realidad tan extenso en duración como sugerían sus 18 cortes. Pero sus 58 minutos sí que son bien sustanciosos, en tanto que ninguno de ellos se acerca a ser un interludio o una anécdota (como podía parecer). Demostrando que, vicisitudes personales aparte, los 6 años transcurridos desde el último álbum de Vampire Weekend han sido de arduo trabajo. Bien es cierto que no todo en él suena igual de refrescante, y que canciones como ‘Rich Man’, ‘Spring Snow’ o ‘Flower Moon’ –con jocosa referencia al kalimotxo– parecen un escaloncito por debajo del resto en cuanto a inspiración y capacidad de emocionar. Pero ni mucho menos resultan vulgares o prescindibles, aunque sólo sea por el tratamiento sonoro –en el que con frecuencia ruidos de la vida real sirven de background, haciéndolo aún más humano–, la delicadeza de sus arreglos o alguna referencia de justicia: el sample del guitarrista de Sierra Leona S.E. Rogie que contiene la primera de las citadas, por ejemplo, parece aludir al africanismo post-‘Graceland’ que tanto nutrió al grupo en sus inicios.

Un africanismo que no desaparece del todo, aunque sea en espíritu: los Vampire Weekend de su ya decano debut subyacen de manera más serena y pulcra en ’This Life’, ‘Bambina’ o ‘Stranger’. Pero, en una evolución directa del camino emprendido en su anterior trabajo, ‘Father of the Bride’ es un tapiz tan diverso y rico como la nómina de colaboraciones de lujo que esconden sus créditos: Mark Ronson, Jenny Lewis, Dave Longstreth (Dirty Projectors), BloodPop®, Dave1 (Chromeo), Lüdwig Goransson, DJ Dahi, Buddy Ross (Frank Ocean) o Hans Zimmer (a través del sampler del coro malasio de la BSO de ‘La delgada línea roja’ que suena en ‘Hold You Now’) pululan por ahí como si nada. Unas colaboraciones que no aportan el relumbrón de sus nombres sino que reman junto a Koenig en aras de una idea musical ecléctica, en la que tradición y futuro van de la mano en el presente. Sirvan como ejemplos más claros el bajo house que subyace en la preciosa balada de cierre ‘Jerusalem, New York, Berlin’ –y que hace pensar que, en cualquier momento, podría convertirse en un banger bailable– o el audaz tratamiento del clásico dueto de country melódico (a lo Dolly Parton & Kenny Rogers) que Haim y Koenig ejecutan en la divertida ‘Married in a Gold Rush’. Pero en realidad la constante de ‘Father of the Bride’ es la permanente sorpresa que esconde en cada requiebro estilístico del disco, del arreglo sampleado en esa balada swing a lo Bing Crosby que es ‘My Mistake’ a los coros humano-sintéticos estilo ‘OK Computer’ de la maravillosa balada estilo George Harrison, ‘Big Blue’, pasando por la ya célebre post-rumba de ‘Sympathy’ o la sencillez desarmante de ‘Unbearably White‘. Ezra Koenig… Perdón. Vampire Weekend enarbolan la bandera de la libertad y el amor con este disco que, en su efervescencia disparada en múltiples direcciones, esconde una riqueza duradera que va más allá de lo meramente estético.

Vampire Weekend presentarán ‘Father of the Bride’ en España dentro del cartel del festival Mad Cool 2019, en IFEMA Madrid del 11 al 13 de julio.

Calificación: 8,3/10
Lo mejor: ‘Harmony Hall’, ‘Big Blue’, ‘Married in a Gold Rush’, ‘Sympathy’, ‘Bambina’, ‘Sunflower’, ‘Jerusalem, New York, Berlin’, ‘2021’
Te gustará si te gusta: la música que toma de lo clásico pero suena fresca y libre.
Escúchalo: Spotify

La Canción del Día: El himno a la «Muerte por asco» de No Fucks ya tiene videoclip

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«La vida es aburrida. Tía, no me interesa nada de lo que me estás contando. Me encerraré en mi casa, me moriré del asco, de algo hay que morir al fin y al cabo». Esta es la totalidad de la letra del tema de No Fucks antes de que se entreguen por completo al estribillo y al título de la canción: ‘Muerte por asco’.

El grupo formado en Gijón en principio por Elisa y Stephen (luego en Axolotes Mexicanos) al que luego se sumaría Dani, asturiano afincado en Madrid, subía en 2016 la maqueta de esta canción a Bandcamp, pasando por nuestra sección «Revelación o Timo» en octubre de aquel año. El grupo era eventualmente fichado por Discos de Kirlian, que este 2019 ha publicado un disco homónimo llamado como ellos, ‘No Fucks’, en el que aparecen temas entregados a lo que ellos mismos llaman «beach punk» o «cutre garage», como ‘Estrellas’ o ‘Punkipop’.

Pero sigue siendo ‘Muerte por asco’ su gran himno oculto y, como si ellos mismos lo supieran, acaban de dedicarle un videoclip esta misma semana. En él se alternan imágenes algo siniestras con otras violentas o de fiesta, entre cassettes caseros de Bad Gyal y ‘El mal querer’, y cameos de miembros de Carolina Durante y Axolotes Mexicanos.

Dice la nota de prensa de Discos de Kirlian sobre su álbum que es para la gente «que ve la vida muy negra» o «para quien quiere aprovechar el último día de playa antes de volver al pozo del curro», y esa desidia está ahí, es cierto. Y sin embargo, será el tono de voz, los teclados excesivamente siniestros o simplemente la autoconciencia de su pesimismo, pero lo cierto es que también hay un punto deliciosamente ácido y autoparódico en este pequeño himno.

MIRA 2019 confirma a Biosphere, Alessandro Cortini, CURL, B12, Vessel, Skee Mask, Kali Malone…

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La novena edición de MIRA, el festival de artes digitales de Barcelona, se celebrará del 5 al 9 de noviembre de 2019, ampliando su programación a lo largo de casi una semana. Como es habitual, el epicentro del festival será Fabra i Coats – Fàbrica de Creació, pero se expande a otros espacios culturales de referencia de la ciudad, en este caso el Teatre Lliure, L’Auditori e IDEAL, el primer centro de artes digitales de España que se inaugurará el próximo mes de octubre. El festival pone hoy a la venta un número reducido de abonos a precio especial de 55 euros, hasta agotar existencias.

Además, MIRA anuncia las primeras confirmaciones de su cartel, encabezadas por Biosphere, toda una institución del ambient gracias a trabajos como ‘Substrata’, uno de los mejores discos de 1997, que presentará su nuevo trabajo ‘The Senja Recordings’. También se suman a la programación de MIRA Alessandro Cortini con su nuevo show, el compositor, productor y «alquimista sonoro» Vessel; el colectivo y sello londinense CURL, formado por Mica Levi, Coby Sey y Broter May; la productora y DJ Beatrice Dillon o el dúo B12, pionero del tecno británico y del IDM junto a Autechre, Aphex Twin y The Black Dog.

A todos estos nombres hay que sumar los del dúo berlinés de tecno Schwefelgelb; el producto de ambient Ossia: el músico y productor Huma, que mezcla música ambiental y electrónica con metal y drone: y a DJ Haram, mitad de 700 Bliss y compositora de la gira de debut de la compañía de danza moderna Ballet of Difference de Richard Siegal. Además, MIRA ofrecerá shows exclusivos e instalaciones del dúo noruego Smerz, la músico y artista sonora Kali Malone; Skee Mask, autor del aclamado ‘Compro’, y Carlos Sáez, que presentará su primera instalación de grandes dimensiones, Dualmismo. Más información, en la web de MIRA y en sus redes.

2manydjs, Delaporte, HOVB, Biig Piig y Sua cierran el cartel de Bilbao BBK Live 2019

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Bilbao BBK Live cierra su cartel de 2019 con varias confirmaciones. En primer lugar está la de 2manydjs, el dúo de DJs belga formado por los hermanos David y Stephen Dewaele, muy conocido por sus divertidas sesiones y como Soulwax por sus remixes para gente como Daft Punk, LCD Soundsystem, Gossip o Robbie Williams. 2manydjs será la banda encargada de clausurar el festival como indica la nota de prensa, pinchando en el «fin de fiesta».

Otra confirmación destacada en Bilbao BBK Live es la de Delaporte, el dúo italiano-español formado por Sandra Delaporte y Sergio Salvi que este año ha publicado su debut oficial ‘Como anoche‘, sumando a éxitos como ‘Un jardín’ o ‘Cariñito’ otros temas vibrantes a su repertorio de inspiración pop, tropical y africana como ‘Superman’, ‘No te vas a olvidar’ o ‘Ni un beso’.

Además, se incorporan al festival el dúo electrónico vinés HOVB, que presenta su cuarto disco, ‘Rocco’; Biig Piig con su interesante propuesta de jazz y hip-hop lo-fi; y finalmente Sua, joven banda vizcaína que llega al festival tras ganar el concurso de maquetas de la emisora Gaztea, certamen que sirvió de trampolín a bandas como Berri Txarrak o El Columpio Asesino.

Por otro lado, BBK informa que la actuación de Las Ligas Menores se traslada a la jornada del sábado. Todos estos artistas se suman a los ya confirmados Liam Gallagher, The Strokes, Hot Chip, Rosalía, The Good The Bad and The Queen, Thom Yorke, Suede, Thom Yorke y The Blaze, entre muchísimos otros.