‘Guns N Roses’ era uno de los grandes pelotazos de ‘El Plugg’, la mixtape que Yung Beef publicaba el pasado verano en la que, tras la consolidación en solitario que supuso ‘ADROMICFMS 4’ –uno de los discos nacionales de 2018–, el ex-PXXR GVNG buscaba expandir su sonido a nuevas sonoridades. El tema, compuesto por el tándem conocido como Fvck Vibez –compuesto por el cantante/MC Goa y el productor Pochi Sempere–, era una deslumbrante asimilación del sadcore-hop que encumbró a los fallecidos Lil Peep y XXXTentacion. Parecía una pena que esa alianza no tuviera continuidad, así que este ‘Traumatismo Kraneoencefalico’ (sic) se antojaba como una fantasía hecha realidad.
Y este miniálbum de ocho cortes –con Goa en casi todos, y Pochi como productor esporádico junto con otros “beat makers”– responde a las expectativas en buena medida, aunque no resulte tan redondo como hubiera cabido desear. ‘Castlevania’, ‘YTTQ’, ’Red Hot Chili Peppers’ y sobre todo la increíble ‘101 Dálmatas’ –impresionante base compuesta por voces y arpa a cargo de Marvin Cruz (Lil Uzi Vert)– cumplen con todo lo que cabía esperar de este volumen: riffs de guitarra, ganchos inmisericordes, amor y farmacia a espuertas.
Sin embargo, la fórmula se revela algo repetitiva de más (‘San Valentíon Sangriento’, ‘D.A.’), algo dispersa al implicar a productores de estilos distintos (aunque esforzándose en aplicarse al estilo de Pochi) y menos infalible de lo que aparentaba, especialmente cuando uno de los dos artistas titulares se ausenta (‘Ups N Downs’ flojea sin Goa; mientras que ‘Rainman’ se pasa esperando un verso de Fernandito que… no llega). Con todo, ‘Traumatismo Kraneoncefalico’ plasma una unión fantástica, que marca un nuevo camino para Yung Beef y confirma a Goa y Pochi como los nuevos nombres que perseguir en el trap español.
Calificación: 6,7/10 Lo mejor: ‘101 Dálmatas’, ‘Castlevania’, ‘YTTQ’, ‘Red Hot Chili Peppers’ Te gustará si te gustan: Lil Peep, XXXTentacion Escúchalo:Spotify
En 2019 se cumplen 20 años desde la formación de Mando Diao, y 10 desde que lanzaran ‘Give Me Fire‘, su gran despegue internacional con singles como ‘Gloria’ o ‘Dance With Somebody’. Pero ellos no están demasiado interesados en celebrar el pasado, sino que viven en el presente, el que muestran en ‘Good Times‘, su noveno álbum de estudio publicado hace unos meses.
Se trata de un disco marcado por un duro golpe: la marcha de Gustaf Norén, uno de sus compositores y vocalistas, que dejaba la banda en 2015. Sin embargo, su ahora cantante principal Björn Dixgård nos cuenta que ese episodio ha unido más al grupo, implicándose todos sus miembros en la composición de un trabajo que, lejos de sonar apesadumbrado, es luminoso y vibrante. Aprovechando su inminente visita para presentar estas canciones en el festival novel Fitur es Música, hablamos con él sobre este nuevo periodo de su carrera, sobre algunas colaboraciones pasadas tan curiosas como las de Lana del Rey y Zahara (sí, la de ‘Astronauta’) y, también, sobre el futuro del rock y el pop.
Han pasado meses desde que publicasteis vuestro noveno álbum de estudio, ‘Good Times’. ¿Cuál ha sido la recepción hacia él?
Ha sido realmente buena. Estábamos algo inseguros sobre qué esperar, así que fue realmente positivo cuando dimos los primeros conciertos y el público se sabía las letras y cantaba ‘Good Times’ o ‘Break Us’. Esto significó mucho para nosotros, de verdad. Fue un nuevo capítulo, uno del que estamos orgullosos y nos sigue dando nuevas canciones que son favoritas del público.
«[Sobre la marcha de Gustaf Norén] Fue muy duro. Tuvimos que reagruparnos y aceptar el reto para seguir adelante»
En vuestra web presentáis el disco como el resultado del «periodo más desafiante» en la carrera de Mando Diao, imagino que diciendo que habéis afrontado una nueva realidad tras la marcha de Gustaf del grupo. ¿Cómo pudisteis superar lo que eso supuso a nivel artístico y también personal?
Fue un desafío porque no sabíamos qué iba a pasar. Tuvimos que tomar decisiones, lo que estaba perfectamente claro se convirtió de repente en incierto. Esto fue muy duro. Tuvimos que reagruparnos y aceptar el reto para seguir adelante. Lo superamos siendo nosotros mismos. Volviendo a lo básico, ser un grupo, tocar en directo, encontrar nuestro sonido de nuevo.
De algún modo, ‘Break Us’ aparenta ser la expiación de ese dolor. ¿Era una necesidad comenzar el disco con esa canción, aunque es bastante diferente de su tono general?
‘Break Us’ es una letra fantástica. Era un momento emocionante, y publicar el álbum era en cierto modo una forma de mostrar que no íbamos a venirnos abajo. Nos pareció realmente potente comenzar con ella. Era fuerte, valiente.
Pero al contrario que esta canción, vuestra reacción a esas dificultades parece más una invitación a bailar y cantar, a «bailar todo el camino hasta el infierno» –como decís en una canción–. ¿Fue liberador grabar estas canciones?
Nos encanta montar la fiesta. Eso es lo que hacemos. Lo que nos gusta es el rollo de un auténtico club oscuro. La idea del disco era traer esos «buenos tiempos», y escribir y grabar estas canciones fue una explosión, como lo son nuestros shows.
Parece evidente que el estado natural de cortes como ‘Shake’, ‘Money’ u ‘All The Things’ es el directo. ¿Cómo están funcionando estas canciones ante la audiencia, considerando que ya tenéis un montón de temas que los fans están deseando escuchar en los conciertos?
Donde de verdad encontramos nuestro sonido es en directo. Es natural que, después de grabar algo, continúe desarrollándose a medida que lo tocas en directo. Todas estas canciones son bien recibidas, pero ‘Good Times’ es la que pensamos que tiene la mejor acogida por el momento. Tenemos muchísimas canciones para escoger y ese es un problema estupendo. También es bueno que las canciones nuevas sean nuestras favoritas. No queremos simplemente tocar el viejo material… ¡y por suerte la audiencia tampoco quiere que lo hagamos!
«La temática de ‘Good Times’ es sobre los buenos momentos en un mundo bastante desastroso. (…) Es una especie de pregunta: «¿realmente son buenos tiempos?»»
También decís que estas canciones traen luz a estos «tiempos oscuros». Esto también puede ofrecer una lectura política, cuando los movimientos de extrema derecha crecen rápidamente en todo el mundo –incluido en vuestro país, Suecia–. ¿Ha influido también la política en estas canciones?
La temática de ‘Good Times’ es sobre los buenos momentos en un mundo bastante desastroso. Queremos aportar buena energía y fiesta al público. El arte de la galleta del disco apunta a esto porque la portada es como una utopía, mientras que la contra refleja caos. Es una especie de pregunta: «¿realmente son buenos tiempos?»
En cierto modo, ‘Good Times’ suena como el equilibrio entre las diferentes versiones de vosotros mismos que habéis ofrecido a lo largo de vuestra carrera, desde el rock con influencia de los 60s hasta los tintes electro de ‘Ælita’, y a la vez os refrescáis con sonidos soul-pop. ¿Cómo llegasteis a esta mezcla de estilos cuando componíais el álbum?
Este disco fue una oportunidad para que todos nos implicáramos en la composición. Hay mucho talento en el grupo, y esto hace que este sea quizá más variado que otros álbumes.
¿De quién es la voz femenina que co-protagoniza ‘Without Love’? Es prácticamente un dueto, que no es algo tan frecuente en vuestra carrera. Ahora mismo sólo recuerdo ‘Titania’ de ‘Infruset’…
Su nombre es Lisa Lavender. De hecho sí podemos decir que es un dueto, pero no es raro. ‘Dalarna’ [Nde: el instrumental que cierra ‘Never Seen the Light of Day’ –2007–] es otro ejemplo. Y en directo hemos grabado grandes duetos femeninos, con Lana del Rey, Juliette Lewis [Nde: ambos en el MTV Unplugged ‘Above and Beyond‘] y hasta la versión de ‘Sweet Wet Dreams’ que hicimos con Zahara y Javier Limón.
¡Es verdad! ¡No recordaba esa colaboración con Zahara hasta que la has mencionado! Por favor, cuéntame cómo sucedió aquello. ¿Cómo surgió la idea de hacer en una versión en español para esa canción, precisamente? ¿Cómo recuerdas aquella grabación?
Siempre asociamos la bonita guitarra de [cuerdas de] nylon y el aire relajado de ‘Sweet Wet Dreams’ [Nde: incluida en su versión original en ‘Ælita’] a la música de origen latino. Conocimos a Javier y Zahara en un evento de una televisión española en el que participamos y la idea surgió de ahí [Nde: en realidad, en ese programa de televisión participó Maika Makovski, no Zahara]. Fueron muy majos y unos artistas fantásticos. ¡Es una gran canción, realmente aportaron un material maravilloso!
Volviendo a ‘Without Love’, me parece bastante divertido que tu voz parece estar rindiendo un homenaje a Bryan Ferry, especialmente hacia el final de la canción. ¿Es intencionado?
¡Qué guay que lo hayas pensado! La verdad es que no era la intención, pero suena bien.
«[Sobre su colaboración con Lana del Rey] Fue una sugerencia de nuestro A&R (…). En aquel momento aún padecía bastante miedo escénico»
Antes tú mismo mencionabas la colaboración con una Lana del Rey pre-‘Born to Die’ en aquel MTV Unplugged, donde ella interpretó con vosotros dos canciones, –’Chet Baker’ y ‘Gloria’–. ¿Cómo la conocisteis y se os ocurrió reclutarla para aquel álbum?
Fue una sugerencia de nuestro A&R, que acababa de firmar un contrato con ella. La trajimos a nuestro estudio en Estocolmo y conectamos inmediatamente, se mostró como una gran persona y con un maravilloso estilo al cantar. Aunque en aquel momento aún padecía bastante miedo escénico.
¿Y qué pensáis ahora que ella se ha convertido en una gran estrella mundial del pop? ¿Os habéis mantenido en contacto, o incluso planteado una nueva colaboración?
Hemos estado en contacto y sí, hemos hablado de volver a colaborar. Pero ella ha estado tan ocupada con lo suyo que no ha podido plantearse durante todo este tiempo.
También citaba antes ‘Infruset‘ que, siendo un arriesgado movimiento en vuestra discografía, sigue siendo algo sorprendentemente vuestro disco más vendido en Suecia. ¿Alguna vez os habéis planteado retomar ese perfil acústico y melancólico para un nuevo álbum?
Podría ser. Siempre hacemos lo que nos trae la inspiración y en aquel momento fue eso. Es importante hacer lo que sientes, y no tanto pensar en ello. Aquel álbum es un buen ejemplo de algo que surgió espontáneamente.
Este año se presenta como muy especial para vosotros, al cumplirse 20 años desde la fundación de la banda. Y además, ‘Give Me Fire’, que marcó vuestra explosión comercial internacional, cumple 10. ¿Hay planes para conmemorar estos dos hitos en vuestra carrera?
¡La gente nos lo pregunta todo el rato! ¡Jajaja! Pero la verdad es que no estamos muy seguros, no hemos pensado en ello. Ya veremos…
Ambas onomásticas me llevan a pensar, también, que hay muy pocos grupos de rock de vuestra generación que hayan conseguido subsistir hasta esta época. Muchos de ellos, incluso los nombres más famosos (y pienso en Bloc Party, The Libertines…) han perdido su relevancia actualmente, si no se han evaporado completamente. ¿Cuál dirías que es vuestro secreto para mantener la continuidad a lo largo de los años?
Estamos realmente orgullosos de haber llegado tan lejos, aún amamos lo que hacemos y sentimos que estamos muy lejos de nuestro final. Hay mucho que hacer y aún nos sentimos inspirados cada día para escribir, grabar y tocar en directo.
«La energía de la buena música rock, la actitud de un buen grupo punk… estas cosas no mueren nunca»
Es evidente que la música rock ha venido perdiendo peso dentro de la industria musical, tanto en el plano mainstream como en el underground. Pero muchos sostienen que, dentro de una evolución cíclica, el rock volverá a ser masivo en algún momento. ¿Cómo lo veis vosotros, como banda de rock?
La buena música es buena música. La tecnología es una oportunidad, y eso es bueno. Estamos en un momento de creatividad y esto aporta dinamismo a la escena musical. [Pero] la energía de la buena música rock, la actitud de un buen grupo punk… estas cosas no mueren nunca. Puede que tengan una «banda sonora» distinta, pero es lo mismo. Nosotros hacemos lo que hacemos, seguimos haciéndolo… ¡y esperamos que sigan escuchándolo!
Conectando con la anterior pregunta, es llamativo que vuestra inminente visita a nuestro país sea en el festival Fitur es Música. En él sois uno de los pocos shows de rock, rodeados por muchos jóvenes artistas españoles más cercanos al hip hop, el electropop o el twee pop. ¿Cómo os sentís en ese entorno? ¿Disfrutáis de la música pop actual, en todo caso?
Todo eso es música pop. Nos encanta todo tipo de música y hemos plasmado esa influencia en álbumes diferentes. Nos encanta compartir escenario con Wu-Tang Clan o con Foo Fighters. ¡Que nos lo propongan!
The Killers han publicado una canción nueva en las plataformas de streaming. ‘Land of the Free’ es una balada que incluye la co-autoría de la fallecida cantante de góspel Mahalia Jackson (probablemente su voz ha sido sampleada en la canción) y, como sus propios nombre y portada indican, es política. En un comunicado publicado en Twitter, Brandon Flowers explica que la idea de la canción nació en 2012, cuando leyó las noticias sobre el tiroteo en la escuela de Sandy Hook que dejó a 20 niños muertos.
En la letra, The Killers no dejan títere con cabeza, repasando algunos de los problemas más graves que sufre la sociedad estadounidense en la actualidad (y la que intenta emigrar al país sin éxito). Hablan de racismo y brutalidad policial, del “problema con las armas de fuego” y de la crisis penitenciaria, apuntando en una frase que Estados Unidos es el país con mayor cifra de prisioneros del mundo. “Es época de cultivo”, canta Brandon Flowers, quien también se refiere al muro de Donald Trump: “abajo en la frontera, quieren poner un muro de hormigón, bien alto para que esas sucias manos no puedan perseguir sus sueños y esperanzas”. Precisamente ese muro fronterizo y los campos de refugiados que se agolpan en torno a él, tras la crisis migratoria de Centroamérica hacia Norteamérica, protagoniza el clip que ha filmado Spike Lee para la canción.
‘Land of the Free’ es la primera novedad de The Killers desde el lanzamiento de su disco, ‘Wonderful Wonderful‘, a finales de 2017. Curiosamente, Flowers había declarado en mayo de 2018 que su próximo disco sería en solitario en lugar de con The Killers, por lo que la llegada de esta canción sin previo aviso es una sorpresa.
Este fin de semana ha arrancado en Perth (la ciudad australiana que nos ha dado a Tame Impala) la gira mundial de Florence + the Machine en presentación de ‘High as Hope’, que llega a Barcelona y Madrid en marzo. El disco, por cierto, acaba de ser nominado a un BRIT a Mejor álbum británico, así como su autora a Mejor artista británica femenina.
La gira de Florence es ahora noticia después que en este primer concierto, Florence y su banda presentaron un tema nuevo, documentado al completo en Youtube por cortesía de un amable usuario. El teme se titula más que posiblemente ‘Moderation’ y es bastante rockera, pero no rockera en el sentido en que lo podía ser ‘Hunger’ sino rockera en el sentido en que lo puede ser ‘What Kind of Man’, en menor medida ‘Kiss with a Fist’ o más generalmente cualquier canción de Queens of the Stone Age, lo cual sirve para recordar que Florence y Josh Homme han llegado a actuar juntos.
‘High as Hope’ llegaba el pasado verano auspiciado por los singles ‘Hunger’, ‘A Sky Full of Song’ y ‘Big God’. El álbum conseguía también una nominación al prestigioso premio Mercury, aunque no ha estado demasiado presente en las listas de lo mejor del año.
Amaia continúa en el número 1 de nuestro top una semana más con su anti-hit ‘Un nuevo lugar’, seguido de nuevo por su colaboración con Carolina Durante, ‘Perdona’. Las 3 novedades en el top 40 de la semana son las de Zayn, Javier Álvarez y Fuerza nueva, esta última, la unión de Los Planetas con Niño de Elche. Entre los temas que alcanzan nuevo máximo, hay que destacar los casos de Miss Caffeina, The 1975 y Billie Eilish, que aspira por otro lado a entrar con su tema inspirado en ‘Roma‘. Toca despedirse de ‘God Is a Woman’ de Ariana y de ‘Party for One’ de Carly Rae Jepsen. Ya podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.
Panda Bear publica nuevo disco, ‘Buoys’, el 8 de febrero, cinco años después de ‘Panda Bear Meets the Grim Reaper‘. El primer adelanto del mismo había sido el acuático ‘Dolphins’ y el segundo llega hoy junto a las fechas de la gira europea que realizará Noah Lennox en su apoyo, y que incluye parada en España. El concierto será el 25 de abril en Conde Duque, Madrid.
El segundo single de ‘Buoys’ es un ‘Token’ con el que el autor del excelente ‘Person Pitch‘ vuelve a sumergirse en sonoridades líquidas y psicodélicas, aunque esta vez la melodía es un poco más clara que la de ‘Dolphins’ y puede recordar a algunas de las canciones más melódicas de Animal Collective, en concreto a la tercera pista de ‘Centipede Hz‘, ‘Rosie Oh’ (no, este single tampoco es de reggaetón, del que habrá en el disco). El vídeo está dirigido y protagonizado por el cantante y artista multidisciplinar Dean Blunt, que se pasea feliz por una feria nocturna.
Recientemente se han cumplido 10 años de ‘Merriweather Post Pavilion’, el disco más importante de la carrera de Animal Collective. En JENESAISPOP lo hemos celebrado con un artículo especial que incluye declaraciones del propio Panda Bear extraídas de una entrevista con él que publicaremos próximamente.
El actual número 1 en discos en Estados Unidos es el joven 21 Savage, al que quizá conozcas por su colaboración con Cardi B en ‘Bartier Cardi’, con el álbum que sacaba hace un par de semanas, ‘I Am > I Was’. El tema que lo abre y uno de los claros responsables de ese éxito es el single que se ha enviado a las radios de urban hace unos días, el sobresaliente ‘A Lot’.
Como es perceptible desde el principio y como el Kanye West que tanto nos fascinó en sus dos primeros discos, 21 Savage se sirve aquí de una canción de décadas pasadas para narrar una historia nueva. En este caso la grabación sampleada es ‘I Love You’ de East of Underground (1971), a su vez una versión de un tema llamado ‘I Love You For All Seasons’ de The Fuzz (1970). 21 Savage plantea sobre ella un montón de preguntas que aluden al dinero, a las dudas de la vida y a las armas… y la respuesta es siempre «un montón». Y eso incluye cuántos disparos recibió el propio artista el día de su 21º cumpleaños, o su hermano, que murió en un tiroteo en pleno intercambio de droga. Desgraciadamente, «un montón».
La machacona letra de ‘A Lot’, tan pegajosa, deja paso en la segunda parte a un acelerado rap por parte de J. Cole, en el que habla indistintamente sobre la violencia en las calles, el morro con el que los raperos maquillan sus cifras de streaming, algún jugador de baloncesto de la NBA y beefs. «Supongo que esperaba que la música hablara por sí misma, pero la gente quiere otra cosa», concluye en un momento dado dejando una reflexión que al menos en este caso, sí está siendo escuchada y funciona a la perfección. ‘A Lot’ tiene una melodía maravillosa… aunque el mundo del que nos habla no lo sea precisamente.
Lo mejor del mes: escucha las últimas «Canciones del Día»
«El pop de los 90 es el pop más casposo y más cutre que hay en la historia de la música española». No son palabras mías sino de Varry Brava, el divertido grupo murciano que ha desarrollado su carrera a medio camino entre el pop desprejuiciado y el guilty pleasure, sonando un poquito a Tino Casal y también a La Unión. Volver, el dúo revelación formado en Madrid por Miriam Ruiz y Luis Montoro, que recientemente ganaba el concurso Bdcoder, recuerda mucho a los 90 y los primeros 2000. Sus ritmos son préstamos del R&B, aunque sus letras están en castellano, lo que les da curiosamente cierta pátina de originalidad. Porque… ¿quién hacía R&B en castellano en aquellos tiempos en España? ¿Greta y los Garbo? ¿Bellepop?
Evitando el horror y las producciones casposas que en nuestro país sacudían a composiciones que no estaban nada mal, Volver han traído aquellos viejos ritmos a las sonoridades de hoy. Sus minimalistas producciones parecen haberse mirado en el pop británico de unos London Grammar o unos The xx, como de todos es sabido, grandes admiradores de la música negra. Hay muchos arreglos en las 5 canciones que componen el EP de debut de Volver, como las guitarras funky de ‘Nadie más’ o el piano de ‘Abril’, pero el dúo no tiene miedo de los silencios ni del «menos es más».
Por tanto, son las letras las que acaparan el protagonismo, así como el conjunto de sus voces, apareciendo la de Miriam en primer plano, pero sin que Luis sea simplemente un corista. Aunque los textos sobre amor y desamor tienden hacia lo meloso, no llegan a empalagar por una simple cuestión de tiempo, y al grupo se le da bien construir estribillos recordables. «Me devolviste las alas, después de tantos inviernos sin soñar» es el de su pequeño hit ‘Alas’, mientras la mencionada ‘Nadie sabe’ cuenta con un buen pre-estribillo («no había nadie más, nadie más») y un estribillo aún mejor («Nos vamos acercando cada vez más»). ‘Cenizas’ pasa del medio tiempo a poder bailarse en su coro, y cierra este EP que pasa en un suspiro la agradable y cálida balada ‘Si te vas’. Volver tocan este mes en Fitur Es Música con bandas como Mastodonte, Delaporte, Mueveloreina o Cariño. Detalles, aquí.
Calificación: 7/10 Lo mejor: ‘Alas’, ‘Nadie sabe’, ‘Cenizas’ Te gustará si te gustan: London Grammar, Cassino, Ganges Escúchalo:Spotify
Uno de los acontecimientos audiovisuales que sin duda marcarán 2019 será la emisión de la octava y última temporada de ‘Juego de Tronos‘. Y, tras varios anuncios, teasers y tráilers, hoy por fin HBO ha confirmado lo que sin duda será un acontecimiento para los fans de la serie: su fecha de emisión.
Será el domingo 14 de abril –ya el día 15 en España– cuando la plataforma de VOD comience a emitir los seis episodios con los que se cierra la saga que comenzó su emisión casi exactamente 8 años atrás. El anuncio se ha acompañado por un nuevo tráiler en el que, con el lema «Por el Trono», vemos a algunos supervivientes de la Casa Stark caminando por una de las criptas de Invernalia.
La serie creada por David Benioff y D. B. Weiss basándose en las novelas de George R.R. Martin –que ha contribuido activamente en la escritura de los episodios televisivos, al haber avanzado cronológicamente más allá de su obra literaria– se ha convertido en una de las sagas televisivas más celebradas de esta década, batiendo todos los récords en unos Premios Emmy en cuya próxima edición volverá, muy probablemente, a ser la gran favorita.
Horas después de verla ocupar la portada del dominical del diario El País en la que el titular le dedicaba el calificativo de «la ambición rubia» –Madonna llegó a llamar así uno de sus tours más míticos–, Lady Gaga sigue cosechando premios por su trabajo en la última versión de ‘Ha nacido una estrella‘. Tras quedarse sin el premio a la mejor actriz en los Globos de Oro por su papel protagonista en la película de Bradley Cooper en favor de Glenn Close por su actuación en ‘The Wife’, en los Critics’ Choice Awards 2019 fallados en la pasada madrugada Gaga sí ha obtenido ese reconocimiento. Es la primera cantante que es distinguida como mejor actriz en estos premios.
De manera curiosa, se ha producido un empate entre las dos actrices, y por tanto ambas han recibido el mismo premio, el de Mejor Actriz, de manos de Willem Dafoe. Como muestran varios vídeos recogidos en redes sociales, Close ha celebrado efusivamente el galardón a Lady Gaga sobre el escenario. Además, no ha sido el único premio recibido por Germanotta en esta gala: como sí ocurriera en los Globos de Oro, también ha recogido la estatuilla por la Mejor Canción por ‘Shallow‘, de la BSO de esta película. De manera destacada, la gran ganadora de la noche fue ‘Roma‘ de Alfonso Cuarón, cosechando los premios a Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Fotografía y Mejor Película Extranjera.
Para Lady Gaga esta noche feliz se ha visto empañado por una noticia triste en el aspecto personal: según ha contado en redes sociales, poco después de recibir estos premios ha sido informada de que su yegua, Arabella, está muriéndose, por lo que ha abandonado la celebración rápidamente para reunirse con ella y decir adiós a «su ángel».
Tras algún tiempo olvidada, vuelve la sección 10 fotos que no debiste perderte, dedicada a revelar fotos y vídeos de nuestros artistas favoritos en las redes sociales que, si no lo hiciste ya, te gustará ver. En esta ocasión tenemos las insólitas bodas de Wayne Coyne y Tobias Jesso Jr., a Paul McCartney haciéndose un lol white people, la primera imagen en prisión del rapero 6ix9ine, a Nicki Minaj en una extraña escena en un jacuzzi, a Zahara cabreada (el motivo te va a sorprender), a Frank Ocean y a Grimes haciéndose selfies rarunos… ¡Vamos!
El viejo Macca está muerto (y el nuevo se hace un lol white people)
«🔥 PAUL IS d ∑ A D ⚄ ⚄», escribían los compañeros de Stereogum al reproducir un vídeo –suponemos que una story del venerable músico británico– de Paul McCartney en Instagram, en el que le vemos haciendo playback sobre su sorprendente tema ‘Get Enough‘. Así, el viejo Macca está muerto, y el nuevo se marca un bailecito en el que parece imitar los gestos de los cantantes de trap, marcándose un momento lol white people –ya sabéis, cuando un blanquito intenta infrutuosamente imitar movimientos típicos de la música negra–. Que, ojo, yo no podría mejorar, también os digo.
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6ix9ine no pierde el viaje ni en la cárcel
Días atrás salía a la luz la primera imagen del rapero 6ix9ine –encarcelado y pendiente de juicio por varios delitos que podrían llevarle a una condena de hasta 25 años– en la trena. Quizá imaginéis una foto en un estado paupérrimo, llorando lágrimas (arcoiris, obvio)… pues no. La imagen la subía su novia a IG tras un vis a vis, en el que él se agarró a su booty como si lo fueran a prohibir.
Wayne Coyne no sale de su burbuja… ni para casarse
Quien haya visto actuar a The Flaming Lips alguna vez en los últimos… lustros, sabrá que en una parte de su espectáculo su frontman Wayne Coyne se mete dentro de una gran bola de plástico transparente con la que avanza sobre el público. Pues tan a gusto se siente en ese habitat que adivinad dónde se ha metido el amigo para casarse con su novia, la también músico Kate Weaver… ¡Bingo!
Tobias Jesso Jr. también se casa, pero a velocidad-luz
Sin más noticias musicales de Tobias Jesso Jr. tras su trabajo para Adele que su papel de productor en el último disco de Emma Louise, se ve que el autor de ‘Goon‘ ha estado ocupado cuidando de su vida personal y enamorándose. Porque él también se ha casado dando un poco la nota, aunque no tanto como Coyne: en la foto que lo atestigua, irrumpe con la novia en uno de esos buggies que se usan para circular por los campos de golf. «No sé cómo pude hacer contacto visual viajando a la velocidad de la luz», dice guasonamente.
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Lo que sea que haga FKA Twigs implica manejar una espada
Muy recuperada tras serle extirpados 6 fibromas uterinos, la británica FKA Twigs parece más centrada en su carrera como actriz que en la música. Últimamente la hemos visto aparecer en un anuncio de Apple, en un clip de A$AP Rocky y, proximamente, en ‘Home Boy’, film escrito y protagonizado por Shia LaBoeuf. Quizá para ese proyecto –aunque ojalá sea para un vídeo de su próximo disco (si hay)– últimamente se ha mostrado en IG blandiendo una espada no precisamente de juguete con mucha convicción, desarrollando incluso una esforzada coreografía con ella.
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Nicki Minaj quiere farder de jacuzzi… sale mal
¿Qué coño es esto? O sea, ¿qué quería Nicki mostrarnos con este vídeo subido a su perfil de Instagram? Imaginamos que quería darnos envidia de cómo se daba un bañito caliente en un jacuzzi descubierto en plena noche, con el skyline de fondo, junto con un chulazo musculado, vale. Pero ¿estaba planeado que el tipo comenzara a besuquearle los pies con tanto fervor? Su impagable careto al mirar a cámara, ese cambio de rictus, vale más que mil noches en un jacuzzi.
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Tyler, the Creator intenta cantar ‘Starboy’… sale mal
La cuenta de un fan recoge un momentazo de Tyler, the Creator: va en un coche con un colega suyo que, no sabemos si en broma o en serio, dice que ‘Starboy’ de The Weeknd es su canción favorita. Tyler también dice que le flipa y que suba el volumen, y se arranca a cantarla cual fan que lo da todo sin importarle cuánto llegue a desafinar. Ternura máxima.
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Frank Ocean… ¿o Doña Rogelia?
Como contábamos hace poco, Frank Ocean había hecho por fin público su perfil en Instagram,. dejándonos saber más sobre él, su vida, su estilo, su espíritu. Y, entre esos nuevos conocimientos, sabemos que además de las deportivas caras, los chicos con el pelo coloreado y el torso desnudo haciendo skate o los ositos con la cara de Aphex Twin, le gusta hacer el ganso y hacer videollamadas a sus amigos y familiares disfrazado de Doña Rogelia. ¡Qué salao!
Como a Ocean, a Claire Boucher, Grimes, también le gusta subir selfies en los que parece otra persona. En esta foto ella misma se encuentra parecido con Lestat, el famoso vampiro de las novelas de Anne Rice que encarnó Tom Cruise en ‘Entrevista con el vampiro’. Pero eso no es lo más relevante de esta foto. Ni siquiera lo es que Rosalía, tratrá, le pusiera una carita-ojos-corazón. Lo más importante es que una usuaria de la red se felicitó por ver que «finalmente» Grimes se había duchado. «Admito ducharme unas cuantas veces a la semana», confesó la novia de Elon Musk.
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«¿Quién ha dibujado un pollón en mi Basquiat?»
El no-del-todo-oficial «Zahara cabreada» es uno de nuestros perfiles favoritos de Instagram y da casi para hacer un top 10 de esta misma sección (sin duda lo haremos). Pero, de sus últimas instantáneas, hoy nos quedamos con esta en la que la autora de ‘Astronauta’ muestra con estupor cómo alguien (en los comentarios se especula con que ha podido ser David Broncano, quizá el día de su aparición en La Resistencia) ha pintado con boli un pedazo de pollón sobre el tatuaje del famoso dinosaurio de Basquiat que lleva en su brazo. Más que cabreada, parece que se ha despertado de una siesta y se va a poner a llorar tras la putadita.
Arista Fiera / Melo: El quinteto malagueño Arista Fiera ha despuntado en semanas recientes con este pepinazo de shoegaze que no tiene nada que envidiar a sus equivalentes internacionales. Ex Hex / Cosmic Cave: Tremendo tema de 3 minutos redondos de Ex Hex, que podría haber estado incluido en el último disco de Blondie o incluso haber sido un gran sencillo para ‘No Exit’ tras ‘Maria’. Charlotte Gainsbourg / Bombs Away: Uno de los grandes cortes que incluye el nuevo EP de Charlotte Gainsbourg, ‘Take 2‘. Gesaffelstein, The Weeknd / Lost in the Fire: Nuevo tema a medio camino entre el synth-pop y el R&B por parte de The Weeknd para Gesaffelstein, con quien ya había trabajado con anterioridad. 21 Savage / a lot: Uno de los artistas más exitosos ahora mismo en Estados Unidos es el rapero 21 Savage, que ha sampleado aquí una maravillosa grabación de principios de los 70. The Chemical Brothers / MAH: Nuevo adelanto del dúo electrónico más popular de las Islas Británicas, que no fallan, esta vez tirando de sample de El Coco y de potentes audiovisuales. Amaia / Un nuevo lugar: La ganadora de OT2017 nos dejaba petrificados con el atrevido adelanto del que será su disco de debut en algún momento de este año. Produce Refree, en este caso autor de la línea de guitarra. Javier Álvarez: También preciosa es la balada medio bailable de Javier Álvarez incluida en su disco ’10’, producido por The New Raemon. Miqui Puig / Raros: Miqui Puig se atreve a sacar polvo a una canción que había autocensurado hace 10 años y que habla de ser gordo, rojo, marica o nazi. Bollera. IDLES / Samaritans: Algo parecido en temática es el punkarra tema de IDLES, que retoma un estribillo de Katy Perry para hablar de la «máscara de la masculinidad».
Piroshka / Everlastingly Yours: Miembros de grupos del siglo pasado como fueron Lush, Moose, Elastica y Modern English se lanzan a la piscina con este gran tema en la estela del sonido Stereolab. Billie Eilish / When I Was Older: Inquietante tema de la revelación Billie Eilish en el que se ha inspirado en ‘Roma’, una de las obras maestras cinematográficas de 2018, ya disponible en Netflix. Paul McCartney / Get Enough: Bonito vistazo al pasado en este tema descartado del último disco de Macca, en el que jugaba con el Auto-tune tanto o más que un Bon Iver. The 1975 / I Always Wanna Die (Sometimes): Una de las canciones que más ha gustado del gran álbum de The 1975 y sin ser single es justo la épica balada final. Fleur East / Favourite Thing: La intérprete de ‘Sax’ ha vuelto con su ‘Fuego’ particular. Perapertú / Panteras negras: Amalgama de géneros la de Perapertú en este atractivo corte que va a chiflar a los seguidores de Joe Crepúsculo y Papaya. Rosalía / Que no salga la Luna: Aunque no es uno de los singles de ‘El mal querer’, una de sus canciones con más aristas es la pista 2, en la que nos detuvimos en profundidad. Kiko Veneno / La higuera: Experimental tema de Kiko Veneno, cuyo vídeo tuvimos el privilegio de estrenar recientemente. Lola Indigo, Mala Rodríguez / Mujer bruja: Uno de los temas más exitosos del momento en España es el segundo single de Lola Indigo, sucediendo a ‘Yo ya no quiero ná’. Ms Nina, Erancy Music / Los Angeles: A Ms Nina le duele el culo de tanto reggaeton en este reciente tema también irresistible.
Bad Bunny / Solo de mí: Sobrecogedora canción incluida en lo nuevo de Bad Bunny, con vídeo expresivo sobre la violencia machista. Monarchy / Deep Cut: Avance del disco de Monarchy que el grupo está a punto de editar este mes. Videoclub / Amour plastique: De youtuber a debutante de éxito en el mundo musical, la francesa Adèle recuerda a Lio o Vive la fête en su contagioso single de debut. Betty Who / I Remember: Gran tema de pop de guiños R&B de la cantante Betty Who, apto para seguidores de Carly Rae Jepsen y la primera Kylie. beabadoobee / Dance With Me: La revelación británica de origen filipino beabadoobee nos sorprendía esta Navidad con este bonito tema que seguiremos escuchando todo el invierno. Kikí d’akí / El pintor: El carácter invernal de mucha de la música que se ha editado estos días podemos comprobarlo en esta estupenda versión de Vainica Doble. Lana del Rey / hope is a dangerous thing: Tercer adelanto del disco que Lana del Rey publicará este año. Beach House / L’inconnue: Con motivo de la Navidad, reivindicábamos una de las grabaciones más mágicas de toda la carrera de Beach House. Rustin Man / Vanishing Heart: Más Bowie que el propio Bowie es esta canción del ex colaborador de Beth Gibbons, que sacará álbum en breve. Apartamentos Acapulco / Deseo: Gracias a una playlist de Spotify, este estupendo tema de shoegaze de los granadinos puede ser su hit definitivo.
The Weeknd es el artista invitado en ‘Lost in the Fire’, el nuevo single del productor francés Gesaffelstein y una de las canciones incluidas en nuestra playlist de novedades del mes. ‘Lost in the Fire’ es actualmente número 13 de las canciones más escuchadas a nivel global en Spotify, algo que ha preocupado a algunas personas que ven en su letra claramente un ejemplo de bifobia y lesbofobia.
La parte de la letra que más está siendo criticada es la segunda estrofa del segundo verso, que dice “You said you might be into girls / Said you going through a phase / Keeping your heart safe / Well, baby, you can bring a friend / She can ride on top your face / While I fuck you straight”. NME e INTO han publicado sendos artículos en los que analizan la letra de ‘Lost in the Fire’ y defienden que, en primer lugar, objetifica a la mujer “queer” al hablar de ella como si solo fuera una fantasía sexual para el hombre; y en segundo que promueve el estereotipo de que la homosexualidad tiene corrección, en concreto que un hombre heterosexual es lo suficientemente poderoso como para “convertir” a una mujer lesbiana en heterosexual. En Twitter, Trish Bendix, la autora del artículo de INTO, escribe que “los tíos cis cantan sobre las mujeres queer como si fueran conquistas y como sus pollas fueran terapia de reorientación sexual”.
También en Twitter, algunas usuarias de esta red social han sido mucho más duras con The Weeknd, apuntando que frases como “fuck you straight” “representan la mentalidad de los hombres que violan a mujeres lesbianas porque creen que pueden “convertirlas”. Por ejemplo, una persona pregunta si el músico canadiense acreditará en la canción a “todos los violadores que antes de asaltar a una mujer lesbiana le dicen que van a follársela hasta convertirla en heterosexual”, mientras otra felicita al artista por “ridiculizar, fetichizar e invalidar el lesbianismo todo en un solo verso”.
Anyone defending The Weeknd’s “I wanna fuck you straight” lyrics are so disgusting. that’s literally guys mindsets when they rape lesbians cuz they think they can “turn them straight” if they have sex with them. fuck offff
so y’all are really out here caring about the weeknd’s fucking shot at drake but not about the extremely offensive and homophobic lyrics???? ok. pic.twitter.com/bA68wfxzqe
So is The Weeknd gonna give writing credit to all of the rapists who tell queer women they'll "fuck you straight" before they assault them or nah? pic.twitter.com/tNndW747hP
i used to joke that listening to The Weeknd was homophobic but the lyrics from his new song "lost in the fire" are actually fucking vile. in 2019 we're still doing "fuck you straight" and calling female queerness a "phase?" pic.twitter.com/xDH3fnNrZv
i don't like cancel culture & i'm not saying "cancel the weeknd," but these are the kinds of lyrics that fucked me up when i was younger & subconsciously kept me in the closet. so it's important to talk about and say "this is isn't ok"
The Weeknd deserves to be boycotted. 'Fuck her straight' – wow, such amazing awe inspiring lyrical content, world class, so meaningful. Idiot. https://t.co/62nvOnD3vX
Coachella ha revelado recientemente su cartel de 2019, encabezado por Childish Gambino, Ariana Grande y Tame Impala y con la presencia también de Janelle Monáe, The 1975, Solange, J Balvin, Aphex Twin, Pusha T o Rosalía. Curiosamente, Ariana es la “headliner” más joven de la historia del festival.
Pero Ariana podía no haber actuado en Coachella. Billboard publica hoy una información exclusiva sobre el cartel en la que se revela que la autora de ‘Sweetener’ fue confirmada en el programa in extremis tras caerse de él el que iba a ser uno de sus cabezas de cartel originales, el rapero Kanye West. Fuentes cercanas a Coachella confirman a Billboard que Kanye exigía actuar en una cúpula gigante situada en el centro del festival, a lo que Coachella se negó, retirándole del cartel.
La historia es un poco más interesante de lo que parece. Las fuentes cuentan a Billboard que Kanye tenía muy clara su idea, pero que Coachella hubieron de explicarle que sería “imposible” construir una cúpula gigante en solo cuatro meses y que situarla en el centro del festival implicaría reorganizarlo por completo, ya que obligaría a eliminar una “gran parte de los baños portátiles”. Cita Billboard que Kanye, “irritado”, contestó que él es un “artista con visión” y que no “debería estar hablando sobre baños portátiles”, añadiendo que era responsabilidad del festival encargarse de los baños antes de colgar el teléfono “de manera abrupta”. En fin, cosas de un megalómano empedernido…
Parte de la redacción evalúa el nuevo top 10 en España de Bad Bunny, ‘Solo de mí’, incluido en ‘X 100PRE‘.
«La voz de Bad Bunny me ha parecido siempre difícil. No sé si me repele o me pone, pero lo seguro es que no podía pensar en ella sin añadir unas simpáticas comillas. Podía soportarle en un featuring con Cardi B o Becky G, pero un tema «solo de él» era harina de otro costal. Y sin embargo, llegó ‘Solo de mí’. La gran balada autoafirmativa de Bad Bunny, al margen de la fuerza expresiva que destila su histórico vídeo, que añade un guiño feminista muy necesario en su carrera, tiene varias ideas sobresalientes: la intro al piano, la no renuncia al ritmo reggaetón, el uso reiterado de la palabra «bebé» en representación de un idilio que fue una gran mentira contra la que ahora nos rebelamos, y sobre todo ese modo de extender las sílabas a modo de grito desesperado. «¿Lo nuestro ya se murióóóóóóóóóóóóóóó?». Muero de la pena. Mierda, ¿estoy a punto de llorar con una canción de Bad Bunny? «¡Mira, puñeta, no me quiten el perreo!». El giro final es la vía perfecta para introducirte en ‘X 100PRE‘, pues es el que definitivamente te hace preguntarte: «¿¡Pero bueno, qué me he estado perdiendo todo este tiempo?!». Sebas E. Alonso.
«‘Solo de mí’ no es una gran canción, pero clama al cielo especialmente que la intenten vender como un himno contra la violencia machista. Hay quienes ven aquí un lavado de imagen; lo cierto es que, sin llegar a esa conclusión, sí podemos decir que resulta un poco extraño que una canción en la que él trata a la chica como la posesivalocatóxica se convierta de repente en un alegato contra la violencia machista gracias a un par de ideas en el videoclip y un post de Instagram (un post en el que se dice «respeta a la mujer, respeta al hombre», por cierto). ‘Solo de mí’ no funciona con ese propósito, pero es que además su condición de híbrido fallido hace que tampoco funcione como canción de perreo, y ni a nivel de letras, ni tampoco a nivel de producción (giro aparte) destaca especialmente, como sí lo hacen otras canciones de ‘X100PRE’. Ahora, que si esto consigue remover la conciencia de alguien, pues bienvenido sea». Pablo N. Tocino.
«Se mire por donde se mire, fuera escrita con esa intención o no, la idea de extrapolar a una mujer la letra de despecho de ‘Solo de mí’ –potenciada con las impactantes imágenes de moretones y heridas causadas por ¿virtuales? golpes– es fantástica. Y es que es necesario romper ese yugo por encima de géneros, porque en realidad la idea del amor como forma de posesión es también parte del sistema patriarcal que rige en una inmensa mayoría de las sociedades y oprime a hombres y mujeres de cualquier condición sexual –aunque sus peores consecuencias recaigan, casi en su totalidad, apenas en el 50%–. Pero, como ya decía en la crítica del notable ‘X 100PRE’, podemos disfrutar de Bad Bunny sin sobreanalizar sus canciones. Y, en ese sentido, ‘Solo de mí’ es un sugerente numerazo de reggaeton-pop lento que se puede bailar tanto en su primera parte, la más emocional, como en su explosiva recta final». Raúl Guillén.
Publicado el 30 de noviembre, ‘A Briefly Inquiry into Online Relationships’ de The 1975 ha sido uno de los discos que mejores críticas ha cosechado en 2018, terminando en multitud de listas de lo mejor del año, incluida la nuestra. Sin embargo, las ventas no están acompañando por alguna razón y no será porque en el disco no haya temazos, entre ellos este ‘I Always Wanna Die (Sometimes)’ que, sin ser single, se ha posicionado como una de las canciones más escuchadas del disco en las plataformas de streaming.
‘I Always Wanna Die (Sometimes)’ es la última pista en la secuencia e ‘A Briefly Inquiry into Online Relationships’, y cierra el disco por todo lo alto, demostrando nuevamente que The 1975 son capaces de escribir canciones estupendas en cualquier estilo. En este caso está claro a lo que recuerda ‘I Always Wanna Die (Sometimes)’ y solo hay que pasarse por la sección de comentarios de la canción en Youtube para corroborarlo: a Radiohead y Oasis circa 1995, a Jimmy Eat World, a Coldplay, a Keane… y por tanto a la “típica canción que suena en los créditos finales de una comedia romántica” de principios de los años 2000 (¿nadie ha dicho Hoobastank?). Una mezcla, como el propio Matt Healy ha declarado a Genius, entre el pop británico y el “gran rock americano de finales de los 90” y principios de la pasada década.
En Pitchfork, Healy ha sido un poco más específico con las influencias de la canción, citando ‘Bittersweet Symphony’ de The Verve (el tema contiene un arreglo de cuerdas), ‘I Don’t Wanna Miss a Thing’ de Aerosmith y ‘Iris’ de Goo Goo Dolls, además del “sonido Manchester”. En la misma entrevista, Healy recordaba que, en el momento en que añadía las cuerdas a ‘I Always Wanna Die (Sometimes)’, se le ocurrió que esta podría ser la “gran canción” de The 1975, y no es un pensamiento descabellado, ya que es sin duda una de las canciones más emocionantes y “grandes” que ha compuesto el grupo hasta la fecha, escondiendo en una melodía preciosa una letra que habla sin tapujos sobre el deseo de morir, que Healy asegura “todos hemos sentido alguna vez, aunque no terminemos planificando nuestra muerte”.
La letra de ‘I Always Wanna Die (Sometimes)’ habla de viajes solitarios en tren o “recuerdos que son escenas de cosas que dijiste pero jamás quisiste decir” y se cuestiona hasta qué punto la “geografía” determina la identidad de una persona en relación sobre todo con su religión (¿hasta qué punto se “nace” musulmán o cristiano?). Pero la idea de la canción parece más simple: “la tragedia del día día es agotadora”, declara Healy a Genius, y esa energía es la que parece mover una canción que suena desolada al principio, pero que va abriéndose poco a poco hasta llegar a su magistral cumbre, tan clásica como todas las canciones a las que pueda recordar, en el mejor sentido. Al fin y al cabo puede ser perfectamente “la gran canción” de The 1975.
Es tal la avalancha de novedades que se genera semana a semana que tratar de dar abasto es muy complicado. El riesgo de no reseñar lanzamientos interesantes y/o relevantes es inevitable. Como inevitable es la tentación de dejarse vencer por las prisas y aparcar las críticas de aquello que ya no es novedoso. Pero, aunque tarde (el álbum es de mayo), obviar el debut de Halo Maud (el nombre tras el que se esconde la cantante, compositora y multiinstrumentista Maud Nadal) se me hacía demasiado… inexcusable. Porque es un disco maravilloso, tal como pudimos comprobar en el pasado Primavera Club.
Nadal no es novata, por eso, ya que fue miembro la banda francesa de psicodelia Moodoïd. El cabecilla del combo es Pablo Padovani, colaborador de Melody’s Echo Chamber, así que las comparaciones con Melody Prochet no son meramente estilísticas. Pero en Halo Maud el componente pop es mucho más acusado, lo que le acercaría más Beach House que a Tame Impala. En ‘Je suis une Ile’, se mezcla alegremente el prog y la psicodelia pastoril con un pop delicado y encantador pero enérgico a la vez. La voz de Maud, doblada y filtrada, tiene un timbre aniñado que, por momentos, recuerda a la primera Björk y que otorga el toque mágico, sin caer en la languidez. La belleza y el encanto de la inicial ‘Wherever’ te arrastran, entre redobles juguetones, rápidamente a su terreno; terreno al que te atan ‘Du pouvoir/Power’, con la batería rememorando el patrón rítmico de ‘When Doves Cry’ de Prince, o una ‘Chanceuse’ digna de los últimos Arcade Fire. En todos estos temas, la vena más psicodélica va mostrando la patita en forma de teclados brujos y guitarras expansivas, hasta que se muestra en todo su esplendor en ‘Surprise’ o ‘Tu Sais Comme Je Suis’.
Pero si la primera parte del álbum es de glorioso pop psicodélico, la segunda es muchísimo más progresiva. A partir de la quasi letanía de ‘Baptism’ ganan los paisajes más tenebrosos, densos y sinfónicos, que explotan en ‘Fred’, repleto de percusiones, guitarrazos y panderetas dignas de los setenta. Las digresiones alcanzan su cenit en las posteriores ‘Je Suis Une îlle’ o ‘Proche Proche Proche’. Pero esta deriva se modera en ‘Dans la Nuit’, la cima del disco, en la que aúna con mayor precisión el pop electrónico con los paisajes oníricos.
En ‘Je Suis Une île’ el photo-finish daría como vencedora su vertiente melódica sobre la progresiva… aunque esta es una valoración absolutamente personal. Porque seas más de dream pop, seas más de psicodelia, el de Halo Maud es un sendero digno de ser recorrido.
Calificación: 7,8/10 Lo mejor: ‘Wherever’, ‘Du pouvoir/pouvre’, ‘Chanceuse’, ‘Baptism’, ‘Dans la nuit’ Te gustará si te gusta: Melody’s Echo Chamber, Beach House, Björk, Julia Holter Escúchalo:Spotify
Esta tarde se han revelado las nominaciones a los Brits, los premios más importantes del pop británico, y la noticia es que no hay noticia: si el año pasado Dua Lipa hacía historia al conseguir cinco nominaciones a los premios, este año no está muy claro qué artista, grupo o disco ha despuntado en 2018 por encima del resto. Por ejemplo, Clean Bandit han conseguido dos nominaciones por ‘Solo’ con Demi Lovato, pero no aspiran al BRIT a Mejor banda británica, por el que sí competirán The 1975, Arctic Monkeys, Gorillaz, Little Mix y Years & Years, ninguno de los cuales puede decir que 2018 haya sido su año.
El raro de la clase de los BRITs es Aphex Twin, quien, con únicamente un EP en el mercado en 2018, competirá en la categoría de Mejor solista masculino británico contra pesos pesados de las listas británicas como George Ezra o Sam Smith, además de contra el querido Craig David y el rapero Giggs. Este último había colaborado con Lily Allen en ‘Trigger Bang’ y la autora de ‘No Shame‘ está nominada a Mejor solista británica femenina. Sus competidoras son Anne-Marie, Jess Glynne, Jorja Smith y Florence + the Machine, quien, por cierto, aspira al BRIT a Mejor álbum: parece que alguien sí le gustó ‘High as Hope‘.
IDLES, uno de los grupos de punk más aclamados del momento gracias a su último disco, ‘Joy as an Act of Resistance‘, han conseguido una nominación a Artista revelación y puede ser una risa verlos recoger el premio el próximo 20 de febrero, adelantándose a Ella Mai, Tom Walker, Mabel y Jorja Smith. Esta es la lista completa de nominados, con Janelle Monáe, Drake, Kamasi Washington o First Aid Kit entre los nominados internacionales:
Mejor solista británico masculino
Aphex Twin
Craig David
George Ezra
Giggs
Sam Smith
Mejor solista británica femenina
Anne-Marie
Florence + The Machine
Jess Glynne
Jorja Smith
Lily Allen
Mejor single británico
Anne-Marie – ‘2002’
Calvin Harris & Dua Lipa – ‘One Kiss’
Clean Bandit – ‘Solo’
Dua Lipa – ‘IDGAF’
George Ezra – ‘Shotgun’
Jess Glynne – ‘I’ll Be There’
Ramz – ‘Barking’
Rudimental – ‘These Days’
Sigala & Paloma Faith – ‘Lullaby’
Tom Walker – ‘Leave A Light On’
Mejor grupo británico
The 1975
Arctic Monkeys
Gorillaz
Little Mix
Years & Years
Artista revelación británico
Ella Mai
IDLES
Jorja Smith
Mabel
Tom Walker
Mejor vídeo británico del año
Anne-Marie – ‘2002’
Calvin Harris & Dua Lipa – ‘One Kiss’
Rudimental – ‘These Days’
Little Mix ft. Nicki Minaj – ‘Woman Like Me’
Dua Lipa – ‘IDGAF’
Rita Ora – ‘Phoenix’
Jax Jones – ‘Breathe’
Clean Bandit – ‘Solo’
Jonas Blue – ‘Rise’
Rita Ora and Liam Payne – ‘For You’
Mejor solista masculino internacional
Drake
Eminem
Kamasi Washington
Shawn Mendes
Travis Scott
Mejor solista femenina internacional
Ariana Grande
Camila Cabello
Cardi B
Christine And The Queens
Janelle Monáe
Mejor grupo internacional
Brockhampton
The Carters
First Aid Kit
Nile Rodgers & Chic
Twenty One Pilots
Mejor álbum británico
The 1975 – ’A Brief Inquiry Into Online Relationships’
Anne-Marie – ‘Speak Your Mind’
Florence + The Machine – ‘High As Hope’
George Ezra – ‘Staying At Tamara’s’
Jorja Smith – ‘Lost & Found’
Clean Bandit ocupan actualmente el 9º puesto en la lista de álbumes más vendidos en Reino Unido con ‘What is Love‘, un éxito que sin duda hay que atribuir a la enorme acogida lograda por los cinco primeros singles del disco, estos son, ‘Rockabye’ con Anne-Marie, ‘Tears’ con Louisa Johnson, ‘Symphony’ con Zara Larsson, ‘Solo’ con Demi Lovato y ‘I Miss You’ con Julia Michaels. Las cifras en Spotify de todos estos temas se cuentan por los cientos y cientos y cientos de millones, por eso sorprende que el single inmediatamente posterior a ellos, ‘Baby’ con Marina y Luis Fonsi, no esté consiguiendo cifras similares en absoluto pese a ser probablemente una de las mejores canciones de Clean Bandit hasta la fecha. Desde luego, este contiene una de sus melodías más preciosas y atemporales.
No, ‘Baby’ no ha sido un “flop” en Reino Unido exactamente, pues tras 10 semanas en lista y después de Navidad, durante la cual muchos éxitos actuales suelen quedar sepultados por la montaña de villancicos que invaden la tabla, el tema aguanta en un digno puesto 17 tras haber tocado cumbre en el top 15. ‘Baby’ es ya el mayor éxito comercial de la carrera de Marina Diamandis desde ‘Primadonna’, que fue top 11 en 2012, lo cual es más meritorio si recordamos que ninguno de los singles de ‘Froot‘ llegó al top 100 de la lista de singles británica; pero es a su vez el single menos exitoso de ‘What is Love’ por alguna razón, pese a que sus involucrados -entre los que se encuentra el mismísimo autor de ‘Despacito’- se han currado para él un videoclip estupendo con historia y además el single sigue la línea latina de moda, aunque desde un punto más mediterráneo (o “flamenco”) que caribeño.
Puede que haber salido en noviembre y no más cerca de verano esté pasando factura a ‘Baby’, pero hay que recordar que ‘Despacito’ se lanzó en enero, cuando a nadie podía ni pasársele por la cabeza lo que iba pasar con ella unos meses después. Además, ¿alguien recuerda que ‘Rockabye’, una de las canciones más exitosas de 2017, salió en octubre de 2016? Es verdad que ‘Rockabye’ tardó más de medio año en superar las cifras de ‘Rather Be’ y convertirse en la canción más exitosa de Clean Bandit hasta ese momento, pero con la racha de macrohits que lleva el grupo, sorprende que precisamente con ‘Baby’ haya perdido tanto el ritmo.
Existen otras razones por las que ‘Baby’ puede no haber calado como el resto de singles recientes de Clean Bandit. Mal que nos pese, Marina no es un nombre sinónimo de éxito pese a las canciones magníficas que ha firmado durante su carrera, lo que puede deberse a su voz operística, quizá no tan apta para todos los públicos como la de una Anne-Marie, o simplemente a la suerte. Además, la parte de Luis Fonsi en ‘Baby’ parece un poco pegote y no está claro que favorezca demasiado a la canción. Claro que viniendo de ‘Despacito’, ‘Échame la culpa’ y ‘Calypso’, que el nombre de Luis Fonsi -como el de Clean Bandit- no sea suficiente para catapultar cualquier canción al número uno sorprende. En cualquier caso, el tiempo dirá si ‘Baby’ es el “sleeper hit” del verano de 2019 o si su recorrido en las listas está llegando a su fin. Sería una pena por Marina -a quien ya le viene tocando firmar un hit de verdad- y sobre todo por una gran canción que merecería muchísimo más aceptación de la que está consiguiendo, al menos de momento.
Lady Gaga había anunciado su decisión de eliminar ‘Do What U Want’, su colaboración con R. Kelly, de las plataformas de streaming tras las acusaciones de abusos sexuales contra él aparecidas en el reportaje ‘Surviving R. Kelly’. Como hemos recordado, ‘Do What U Want’ ha sido una canción maldita desde el principio debido a la colaboración con R. Kelly y al videoclip que llegó a grabarse para ella, dirigido por el también polémico Terry Richardson, que jamás llegó a publicarse.
Ahora, Christina Aguilera, quien cantó ‘Do What U Want’ con Gaga en The Voice y luego grabó su parte en una versión alternativa, ha apoyado la decisión de Gaga de eliminar su colaboración con R. Kelly de las plataformas de streaming. En Instagram, ha escrito: “Me gusta ver la versión de esta canción que hice con Lady Gaga en las listas de nuevo… Esto es un ejemplo de mujeres que permanecen unidas y no dejan que un hombre se atribuya la autoría de una gran canción o de un buen momento. Y en cualquier el caso el mensaje de esta canción sigue siendo que, aunque puedes haberte quedado con mi cuerpo, jamás tendrás mi corazón, mi voz, mi vida o mi mente. Yo, que también he sobrevivido a depredadores, me sentí identificada con esta canción, por eso la hice. Me siento orgullosa de que los supervivientes de abuso sexual y violencia doméstica ocupen un lugar especial en mi corazón, y de ti, Lady Gaga, por haber hecho lo correcto”.
Billboard ha publicado este viernes un artículo en el que se indica que ‘Do What U Want’ sí seguirá disponible en la versión física de ‘ARTPOP‘ (como era de prever) y que las emisoras de radio seguirán teniendo el derecho de pinchar la canción. Sin embargo, cabe apuntar que ‘Do What U Want’ no ha desaparecido por completo de las plataformas de streaming, ya que la versión con Aguilera sigue disponible pese a contener un crédito de R. Kelly, pues este ya aparecía en la versión original.
Hace tiempo que a Hot Chip no les sale un ‘Ready for the Floor’, un ‘I Feel Better’ o un ‘Motion Sickness’ siquiera, así que tendría guasa que Alexis Taylor hubiese hecho él solo un disco muchísimo mejor que ‘Why Make Sense?‘ cuando ya han pasado casi 4 años desde que se lanzara este. Su carrera en solitario parece más bien un entretenimiento recreativo que los seguidores de la banda británica pueden disfrutar de cerca, en petit comité. En ‘Beautiful Thing’, el álbum que editaba el año pasado, únicamente en el corte titular, con un piano un tanto house y un beat bailable, de cierto parecido con la última Róisín Murphy, se acerca a la pista. Por lo demás, y con alguna excepción como la uptempo ‘Oh Baby’, estamos ante un disco intimista y lento. Pequeño.
Ha habido un gusto por la balada desde siempre en Hot Chip (recordemos que es lo que escribieron para ‘Witness’ de Katy Perry, una balada) y de hecho es el espíritu de ‘Made in the Dark’ -la canción- el que encontramos aquí en el R&B de ‘Deep Cut’, donde reflexiona sobre la desesperación por sentir algo en un mundo en el que todo nos es demasiado indiferente y nos aburrimos demasiado. El piano que dio título a su álbum anterior sigue siendo su instrumento guía en ‘Roll on Blank Tapes’ por muy experimental que sea el fondo de esta; y las referencias son ahora a gente como Damien Rice y George Michael (‘A Hit Song’) o Paul McCartney (‘Oh Baby’), aunque sus composiciones no llegan a sonar tan clásicas y atemporales como ‘Cold Water’, ‘One More Try’ o ‘Let It Be’.
Esto no es, por tanto y de nuevo, un «te gustará si te gusta Hot Chip». Por supuesto Alexis Taylor hace aquí alarde de su peculiar voz, que dota de una personalidad enorme a todo lo que toca, ahora bajo los mandos de Tim Goldsworthy en la producción. Pero ‘Beautiful Thing’ parece un disco con el que regodearse en sus inquietudes creativas (‘There’s Nothing to Hide’ habla sobre NO explicar las canciones), amorosas (‘Out of Time’) o existenciales (‘Dreaming Another Life’). Te gustará si siempre has querido adoptarle.
Calificación: 6/10 Lo mejor: ‘Oh Baby’, ‘A Hit Song’, ‘Out of Time’ Escúchalo:Spotify
En una de esas extrañas coincidencias de la vida, en 2018 tanto Beach House como Allie X publicaron sendas canciones tituladas, exactamente, ‘Girl of the Year’. Hoy nos detenemos en la segunda pues su autora lanzaba recientemente su “versión analógica”, incluida en la reedición en casete de su EP ‘Super Sunset’, publicado en octubre.
Si el single súper Lana Del Rey ‘Not So Bad in L.A.’ hablaba del lado oscuro de Hollywood, en ‘Girl of the Year’ Allie X parece volver a ese mismo tema ahora desde el despacho de un hombre que busca a la “mujer del año”. Podría ser una canción de desamor, pero las pistas indican hacia una dirección más siniestra. La narradora es una chica “con ambición” que se ha pateado Hollywood en busca del éxito, pero que finalmente se siente usada (“te has involucrado y ahora me echas”) en cuanto es reemplazada por otra chica “más joven y con el cabello más largo”. La artista llega a concluir: “sin expectativas, y sin remordimientos, sabía dónde me metía en cuanto nos conocimos”.
Es un misterio a quién se puede referir Allie X en ‘Girl of the Year’, y en cualquier caso la canción brilla por sí sola gracias a una melodía grande y explosiva, tan preparada para el éxito como el número uno que acaba de conseguir Ava Max con ‘Sweet but Psycho’ o los petardazos pop que ha publicado Kim Petras en los últimos dos años. La “versión analógica” es una modesta interpretación en vivo del tema (¿o es su maqueta?), pero demuestra que esta es otra gran canción de Allie X, y ya van unas cuantas. Ojo a su vídeo en plan VHS, más 80s que los 80.
«Ay, ¿otro ‘I Will Survive’? Creo que la fórmula está ya agotada, ¿no? ‘Espectacular’, el tema con el que más fácil es emparentarlo, aún tenía su gracia –buen estribillo, homenaje a los Pet Shop Boys más horteras–. Pero ‘¿De qué me culpas?’ no tiene pegada ni carisma. Como gran-single-de-retorno le falta eso, espectacularidad (la que sí que tenía ‘Geometría polisentimental’, por ejemplo). Resulta agotadora de escuchar, con esa fórmula puente-puente y pseudo subidón que no se acaba de materializar. ¡Y sin estribillo! Y esos coros replicando “¿de qué me culpas?” tan feos. Sólo me gusta la intervención de Ms Nina y King Jedet, que aporta frescura a unos Fangoria que van con el piloto automático». Mireia Pería.
«No favorece nada a ‘¿De qué me culpas?’ salir tan poco después de aquellas declaraciones de Alaska y Mario sobre el VIH con esta letra que habla “envenenar la realidad” y del derecho a juzgar o no dar explicaciones, pero incluso pareciéndose mucho a ‘Espectacular’, me quedo con este nuevo tema (en su versión sin King Jedet y Ms. Nina, que solo aportan el nombre) ligeramente más oscuro que lo que ha venido haciendo Fangoria en los últimos tiempos… pese a volver a estar producido por La Casa Azul. Ahora falta que algunos de sus involucrados se apliquen el cuento…» Jordi Bardají.
«No puedo negar que ‘¿De qué me culpas?’ es un poco más de lo mismo, que a veces hasta marea por su sucesión de giros melódicos casi imposibles de seguir, que el léxico empleado es tan delirante como siempre y que la versión de King Jedet y Ms Nina, por más que me guste esta última, no se justifica más que como curiosidad (qué necesidad había, con lo bien que queda el spoken-word de Alaska). Pero todo esto no parece que vaya a lograr que, como pasó con ‘Espectacular’ (a la que se podía achacar prácticamente lo mismo que a este single), su fuerza melódica manuelalejandresca termine por imponerse y ‘¿De qué me culpas?’ sea otro hit que, sí o sí, acabaremos bailando todas». Raúl Guillén.
«»No te debo una explicación, ni me voy a justificar». Teniendo en cuenta la polémica hace unos meses de Alaska y Mario por las burradas sobre el VIH que dijo Vaquerizo en Yu (a las que se podría responder parafraseando a la canción que no «es tu opinión»; es ciencia), es obvia una cosa: además de la interpretación en clave de pareja, ‘De qué me culpas’ tiene una lectura dirigida a Twitter y al ente abstracto que representan «los ofendiditos». Quizás errando un poco el tiro (recuerda al caso de Campofrío), pero igualmente les podría haber quedado un corte realmente interesante donde trataran su visión… y no ha sido el caso. La letra no es precisamente la de ‘Fiesta en el infierno’, y esto no sería problema (‘Espectacular’ es temazo y su letra muy simple) si tuviese gancho, si la producción fuese potente, etc, pero no es así: de los lead-singles de la etapa Milkyway, éste es sin duda el menos acertado y la canción parece mucho más larga de lo que es. Por otro lado, y aunque aquí el featuring sea una anecdóta sin mucha chica, puede ser buena idea si se atreven a explorar más el trap en otro tema del disco. Sin duda sería una combinación interesante si explotan su punto oscuro como parece que quieren hacer por la estética feísta del videoclip (los atuendos de Jedet y Ms. Nina en el vídeo recuerdan a una mezcla entre Carlos Areces en el clip de ‘Madrid Bilbao Bollo’ y Pepper de ‘American Horror Story’)». Pablo N. Tocino.
Con la premiada novela ‘Días sin final’ (ganadora del Costa Book en 2016) se ha producido un hecho curioso en España: ha encabezado listas de lo mejor de 2018 tanto en el género de ficción histórica como en libros de temática LGTB. Y es que, aparte de su calidad literaria, no es nada habitual que un relato ambientado en Estados Unidos durante las guerras indias y la Guerra de Secesión, con mucha acción, aventuras y épica de western, esté protagonizado por una pareja gay e incluya apuntes sobre travestismo, transexualidad, matrimonio homosexual y adopción homoparental.
El responsable de esta fabulosa rareza es el novelista y dramaturgo irlandés Sebastian Barry, conocido en España por novelas como ‘En el lado de Canaán’ o ‘El caballero provisional’ (las dos publicadas por Alba). Barry comenzó a escribir ‘Días sin final’ cuando en 2015 su hijo pequeño, que llevaba un tiempo inquieto y desanimado, entró en su habitación para explicarle el motivo de su desasosiego: era gay. A partir de ese día, su hijo se liberó de la angustia que le atenazaba y él encontró una vía de inspiración. Fue consciente de que el relato de la historia de la homosexualidad apenas había sido escrito, y quiso aportar su grano de arena.
Como es habitual en su obra, Barry encontró a sus personajes investigando en su propia historia familiar. Explorando su árbol genealógico, descubrió que un tío abuelo de su abuelo había emigrado a Estados Unidos en el siglo XIX y había participado en las guerras contra los indios. También, documentándose sobre la época, encontró varios daguerrotipos en los que se veía a parejas de hombres cogidos de la mano o vestidos de mujer. De esta manera, fundiendo estos dos descubrimientos en su imaginación, el escritor creó a Thomas McNulty, un joven emigrante irlandés que actúa como narrador y protagonista en ‘Días sin final’.
La novela narra la epopeya de McNulty (es la cuarta vez que un McNulty protagoniza una obra de Barry) desde 1851, cuando conoce a su pareja, John Cole, hasta el final de la guerra entre unionistas y secesionistas. Quince años de vivencias que transcurrirán entre espectáculos de travestismo (los popularísimos minstrel, donde los actores se maquillaban de negro para parodiar a los afroamericanos), matanzas de indios (el autor denuncia sin ambages el genocidio), batallas entre yanquis y confederados (descritas con hiriente realismo), campos de prisioneros (el terrible de Andersonville) y momentos de intimidad donde se va forjando el amor entre la pareja protagonista y su inesperada “hija”.
Con ecos de la reciente ‘Neverhome’, Barry mezcla la belleza y la crudeza de las ficciones de Cormac McCarthy, con la lírica y el sentido de la camaradería y lealtad de los personajes de los western de John Ford. El resultado es una novela que te atrapa con la fuerza de un indio agarrando una cabellera blanca, te salpica (sangre) como un neo-western cinematográfico, te abre los ojos como el más lúcido ensayo histórico o estudio de género, y te hace temblar de emoción “como la última hoja marchita de una rama en invierno”. 8,5. Disponible en Amazon.
‘Guns N Roses’ era uno de los grandes pelotazos de ‘El Plugg’, la mixtape que Yung Beef publicaba el pasado verano en la que, tras la consolidación en solitario que supuso ‘ADROMICFMS 4’ –uno de los discos nacionales de 2018–, el ex-PXXR GVNG buscaba expandir su sonido a nuevas sonoridades. El tema, compuesto por el tándem conocido como Fvck Vibez –compuesto por el cantante/MC Goa y el productor Pochi Sempere–, era una deslumbrante asimilación del sadcore-hop que encumbró a los fallecidos Lil Peep y XXXTentacion. Parecía una pena que esa alianza no tuviera continuidad, así que este ‘Traumatismo Kraneoencefalico’ (sic) se antojaba como una fantasía hecha realidad. 
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