En nuestra playlist con las mejores canciones del mes hemos seleccionado ‘Baby’, lo nuevo de Clean Bandit. Parece que Marina Diamandis está un poco gafada y este no va a ser uno de los grandes éxitos de la banda británica como sí lo fueron ‘Rather Be’, ‘Rockabye’, ‘Solo’ o ‘Symphony’, pues de momento tan solo ronda el top 30 en Reino Unido, pero eso no le quita méritos artísticos a una melodía preciosa cuyo origen está presto al debate.
Billboard ha decidido que la melodía de esta canción colaborativa tiene una inyección «flamenca». En realidad, a mí me suena un poco más a la canción melódica mediterránea de los años 60 y 70. Más que un tema de Moloko de house ibicenco y con guitarra española, es como si Marina se hubiera dejado influir por sus raíces griegas para entregarse al catálogo de una Vicky Leandros. Algunos de mis compañeros intuyen en ‘Baby’ también el poso latino «fake» de algunas viejas bandas sonoras de la época dorada de Hollywood, algo así como Elvis Presley jugando a ser flamenco pero terminando sonando entre español y mexicano; pero lo seguro es que en el momento «Guess I had my last chance / And now this is our last dance», esto parece una canción que podría haber sido editada por Elefant, de The School a Papa Topo pasando por La Casa Azul.
Después está lo de Luis Fonsi. Tiene todo el sentido su invitación, para terminar de dar al tema ese toque latino deliberadamente buscado, pero aquí suena demasiado cortado y pegado, y con muy poca química con Marina. De la misma manera que Justin Bieber sobraba en ‘Despacito’, porque lo mejor de ‘Despacito’ eran Fonsi y Daddy Yankee, él y su cuenta atrás no añaden tanto en una grabación que por suerte existe en acústico.
‘Contigo’ de Nos Miran es una de las 30 canciones que hemos seleccionado para nuestra playlist «Las Mejores Canciones del Momento», a la que puedes suscribirte aquí. La canción pertenece al buen EP que el dúo fichado por Elefant acaba de publicar y ha sido esta semana la pista más votada por nuestros lectores, convirtiéndose en nuestro top 1 semanal. Hablamos con ellos, Sergio Rodríguez y Marta Quintana, sobre este fascinante tema. Foto: Antonio Máiquez.
Vuestro anterior EP era más variado, este tiene un estilo más definido. ¿Podemos decir que con canciones como ‘Contigo’ estáis más cerca de tener vuestro estilo o seguiréis explorando nuevas vías?
Nos encanta cómo ha quedado ‘Contigo’. Es más, en el disco hay otras 2 canciones que siguen la misma línea de esta canción, como ‘Mientras bailo’ y ‘El planeta’. Son canciones para la pista de baile y nos gusta ese camino.
La canción es bastante italo, ¿cómo y cuándo descubristeis este estilo y cuáles son vuestras canciones favoritas del género?
Es un estilo que nos encanta y siempre ha estado muy presente en nuestras vidas. Podemos nombrar a Savage y su ‘Only You’ ¡Qué canción! O la magnífica ‘Fantasy’ de Lian Ross. Si nos vamos a los 90, destacar, por poner un ejemplo, a Haddaway y su tema comercial ‘What is Love’, aunque ya estaríamos hablando de eurodance, y también podemos nombrar a la archiconocida ‘Blue’ de Eifeel 65. También tenemos que hablar de Sally Shapiro, ya que el grupo tiene ciertas similitudes: música dance con bajos puramente electrónicos, arpegios, colchones atmosféricos, arreglos preciosistas y canciones comandadas por una voz dulce. ‘I’ll Be By Your Side’ es tan bonita, y el estribillo es tan fantástico… Digamos que Sally Shapiro es un referente para nosotros y para muchos.
Por otro lado, hay un poco de melodía clásica o casi folclórica, no sé por qué veo a Soleá Morente haciendo una versión de este tema. ¿A qué creéis que se debe?
Sí, es verdad. Pues puede deberse a que primero teníamos la música, sin letra, ni melodía de voz. Tras probar algunas cosas, pensamos que le podría pegar una melodía de ese estilo, fue un poco intencionado, pese a que la progresión de acordes, aunque esté en una tonalidad menor, es muy pop y no pensamos en el flamenco ni nada parecido. A lo mejor fueron esos sonidos de la canción los que nos recordaron un poco a Camela y de ahí fuimos tirando hacia una melodía más folclórica.
La letra parece hablar de una relación de larga duración en dudas, ¿de qué va exactamente y cómo surgió?
Sí, es más o menos eso, de cómo no es fácil a veces estar en una relación y de cómo se le puede hacer daño a la otra persona sin querer. También de esa sensación de que todo se repite constantemente y que no te apetece volver a vivir con nadie más lo mismo. Así que surgió así, de ese sentimiento que alguna vez se puede tener.
El vídeo se dio a conocer antes de que ‘Contigo’ se subiera a Spotify, ¿por qué fue? ¿Queríais que todo el mundo asociara vídeo y canción, para vosotros era un tema muy visual?
Se hizo así por temas de organización. Lo visual es importante pero no se hizo así a propósito.
¿Qué creéis que ha aportado a la canción el vídeo y su situación en torno a las caravanas?
En nuestra opinión el vídeo le va genial, porque no queda muy claro dónde estamos, o por qué estamos ahí, sólo hay muchas caravanas vacías y parece una pesadilla, y también es un poco laberíntico y agobiante, creemos que le va bien a la letra por la sensación que teníamos al hacerla.
¿Qué podemos esperar del futuro de Nos miran después de esto? ¿Tenéis muchas más canciones compuestas y grabadas para un hipotético disco o seguiréis escribiendo?
Pues seguimos haciendo canciones que, poco a poco van cogiendo forma y, cuando estemos conformes con el resultado, las grabaremos. No sabemos si saldrán como ‘Contigo’, aunque desde luego es el estilo que nos gusta y queremos continuar en esa línea, aunque también nos gustan las canciones más lentas y envolventes. Sin embargo, vemos que no nos atrae hacer canciones más punk como por ejemplo en el EP anterior. Ya vamos entendiéndonos mejor y concretando las cosas que nos gustan a ambos, ¡así que a ver cómo queda!
El “éxtasis” de Rosalía, C. Tangana convertido en San Sebastián por Eduardo Casanova, las fantasías de Travis Scott, Milla Jovovich acosada por Parcels, y los Stories de Miss Caffeina. Analizamos los referentes estéticos y narrativos de cinco de los videoclips más destacados de las últimas semanas.
Di mi nombre (Rosalía)
Santo Domingo de Guzmán fundó la orden de los dominicos en el siglo XIII. Cuentan las hagiografías que en su lecho de muerte dio gracias a Dios por haberle permitido guardar la castidad. Esa es la razón por la que habitualmente se le representa con un ramo de azucenas en la mano, símbolo de la virginidad. El retrato del santo aparece en la pared de la habitación principal del vídeo ‘Di mi nombre’. No es la única referencia iconográfica a la pintura, el catolicismo y la virginidad. El vídeo se abre y cierra con Rosalía en una cama donde hay un rosario (a quien Domingo le otorgó un propósito evangelizador), ataviada con un vestido blanco “virginal” e imitando la pose (y parte de la vestimenta) de ‘La maja vestida’ de Goya. La letra de la canción -que por mucho que Rosalía diga que no dice “yeli, yeli», suena a “yeli, yeli”-, unida a la orgásmica secuencia del “éxtasis” en la cama, nos proporciona suficientes pistas: ‘Di mi nombre’ se podría interpretar como la representación de la primera relación sexual de una adolescente gitana o, siguiendo el argumento de la novela en la que está inspirado el disco ‘El mal querer’, ‘Flamenca’ (curiosamente también del siglo XIII), de la pérdida de la “pureza” marital por una relación adúltera. El vídeo, rodado casi todo en continuidad, destaca por el expresivo uso de la cámara que acompaña en todo momento a la cantante e incluso imita sus movimientos.
Cuando me miras (C. Tangana)
Y seguimos con iconografía religiosa. ‘La Virgen y el Niño en un cuadro rodeado de flores y frutas’, de Brueghel y Rubens (que se puede ver en el Prado) o ‘La Piedad’ de Miguel Ángel aparecen reinterpretados en clave iconoclasta y homoerótica por Eduardo Casanova en el nuevo vídeo de C. Tangana. Con ecos (chillidos, más bien) del universo visual de Pierre et Gilles y David LaChapelle, ‘Cuando me miras’ parece un padrastro arrancado de ‘Pieles’, el debut en el largometraje de Casanova. El estilo visual, los personajes y el efecto dramático que persigue es el mismo: un teatral roce entre lo cuqui y lo deforme, lo bello y lo sórdido, la luminosidad pop y la oscuridad de lo siniestro, capaces de generar rasposas metáforas sobre el concepto de monstruosidad física y moral. El director utiliza la cámara lenta para inyectar dramatismo y solemnidad a las imágenes y componer un relato sobre la iconografía del ídolo pop marcado por el simbolismo pictórico. Los protagonistas son el rosa, y la rosa: una flor con espinas que se clavan en la piel del cantante como las fechas en el cuerpo de San Sebastián.
Sicko Mode (Travis Scott)
En sintonía con la variedad vocal y musical de la canción, el director Dave Meyers (conocido por sus fabulosos trabajos para Ariana Grande o Kendrick Lamar) ha ilustrado ‘Sicko Mode’ haciendo gala de una apabullante inventiva estilística. El vídeo comienza con unos planos cenitales de un barrio de Houston (Texas) “pintados” como un cuadro de Andy Warhol. La aparición de Drake, paseando al perro entre botes de humo como un ultrasur, abre la puerta a un chorreo de efectos digitales, ópticos y de montaje capaces de dejarte con la boca más abierta que la cabeza gigante de Travis. Hay de todo. Desde vistosas transiciones en forma de barridos o efectos lumínicos, juegos de perspectivas, grafitis animados, zooms hiperbólicos o puzzles anatómicos, hasta un homenaje al célebre “anti-gravity lean” del ‘Smooth Criminal’ de Michael Jackson. Un vídeo que visualmente parece rodado a ritmo de twerk y que sirve para ilustrar una recurrente fantasía rapera: joyazas, cochazos y culazos. Solo falta Drake repartiendo panoja.
Withorwithout (Parcels)
Desde que en 1978 John Carpenter clavara con un cuchillo de cocina los principios del slasher en ‘La noche de Halloween’, el popular subgénero de terror ha sido doblado, retorcido y escurrido más veces que una toalla de playa. ‘Withorwithout’ es un modesto homenaje al slasher con Milla Jovovich, fan de Parcels, como protagonista. Desde el cartel, obra de Laurent Melki (autor de afiches de VHS tan emblemáticos como ‘Creepshow’, ‘Videodrome’ o ‘Ghoulies’), hasta la tipografía del nombre del grupo, con letras rojas sangrantes, todos los elementos del vídeo están dispuestos para hacer una festiva ola al subgénero: un prólogo amenazante con scream queen de protagonista, un desarrollo clásico de “invasión del hogar” y un desenlace con sorpresa a lo ‘El club de la lucha’, muy trillado pero eficaz. El director Benjamin Howdeshell mezcla la crudeza del relato de terror con la música amable del grupo, y la narrativa del slasher ochentero con la estética de títulos más recientes como ‘Los extraños’ o la saga ‘The Purge’, con los miembros de Parcels como acosadores nocturnos.
Merlí (Miss Caffeina)
Aunque las funcionalidades sean nuevas los conceptos son antiguos. Los Stories de Instagram o Snapchat hubieran hecho babear de gusto a dadaístas, surrealistas, Fluxus o artistas del videoarte efímero. Basándose en esos Stories, el realizador Jesús NYSU ha creado en ‘Merlí’ algo así como una cadena de clips inacabados, de recortes visuales que se relacionan entre sí como un cadáver exquisito. La idea, aunque atractiva, no está conseguida del todo, ya que, si no lees la explicación que el mismo autor da en el sumario de Youtube, lo que ves es una sucesión de escenas que componen un videoclip como los de toda la vida. En esas Stories cabe de todo. Hay explícitos homenajes al “payaso asesino” John Wayne Gacy o a los fantasmas de ‘Finisterrae’ y el de ‘A Ghost Story’, metáforas surrealistas como las de las cabezas-ojo o las axilas dentadas, un plano de un hombre huyendo que recuerda a la hipnótica estética setentera del cine de Peter Strickland (‘Berberian Sound Studio’, ‘The Duke of Burgundy’), varias secuencias de homoerotismo naturalista, y mucha parodia-tributo a la música disco con los miembros del grupo “replicados” en versiones femeninas e infantiles.
Dani Mateo ha sido imputado por sonarse los mocos con la bandera española durante un gag de El Intermedio emitido el pasado 31 de octubre. Así, el humorista tendrá que acudir el próximo lunes 26 de noviembre a las 11.30 al Juzgado de Instrucción Nº 47 de Madrid para declarar tras admitirse la denuncia de la Alternativa Sindical de Policía por los presuntos delitos de odio y ultraje a símbolos nacionales o sus Comunidades. No será la primera vez que declare, pues ya tuvo que hacerlo por un gag sobre el Valle de los Caídos, siendo finalmente absuelto.
Así lo confirma Vertele, donde se recuerda que el sindicato policial interpuso la denuncia en el juzgado de guardia de Madrid a principios de este mes de noviembre. Se habrían vulnerado los artículos 543 y 510 del Código Penal, el primero de los cuales indica que «las ofensas o ultrajes de palabra, por escrito o de hecho a España, a sus Comunidades Autónomas o a sus símbolos o emblemas, efectuados con publicidad, se castigarán con la pena de multa de siete a doce meses».
El Intermedio pidió perdón por el gag indicando que «no había intencionalidad política ni ningún posicionamiento editorial detrás», pero no ha servido para calmar las aguas. Por otro lado, La Plataforma en Defensa de la Libertad de Información ha tachado de «despropósito» esta nueva imputación contra Dani Mateo. “Quien persigue a un cómico por ejercer la libertad de expresión se esta sonando las narices con nuestra Constitución», ha afirmado el director legal de esta organización. La reacción de Mateo en Twitter ha sido subir un payaso.
Chris Martin de Coldplay tiene otras cosas que “celebrar” aparte de la boda de la hija de Amancio Ortega, por ejemplo, el nuevo recopilatorio de éxitos de Take That, ‘Odyssey’, que se ha lanzado hoy y conmemora el 30 aniversario de la formación del grupo en 1989 (aunque su primer single no salió hasta 1992).
Con motivo de este aniversario, colegas de Take That han enviado mensajes de felicitación al grupo, y el de Martin es el más “especial” de todos. Vestido con unas gafas de sol, una gorra con la visera del revés, un chaleco de cuero y unos leggings, Martin satisface o destruye tus deseos homoeróticos bailando al ritmo de ‘Do What You Like’ en su jardín con la intención de ser un Take That.
Martin, entonces, se dirige a cámara para anunciar: “Han pasado 30 años y todavía estoy haciendo audiciones y quiero saber sobre mi banda favorita, Take That. Ellos nunca me llaman, ¡pero yo nunca me rendiré!”, clama antes de cantar la canción equivocada. “Volveré de verdad, porque espero que me queráis en vuestra banda algún día”.
Twitter flagged the first upload for copyright as the cover was so good 😱 Here it is again… thank you Chris @Coldplay! #TT30 pic.twitter.com/gWb3SAcepZ
Alondra Bentley no para de mostrar que es un espíritu inquieto. Su voz, preciosa y aguda, es idónea para lo que ha venido haciendo en los primeros años de carrera: canciones folkies e intimistas, discos de nanas… que la podrían haber convertido en algo así como la Marissa Nadler de nuestro país. Pero no. ‘Resolutions’ en 2015 ya mostró un poso decididamente electrónico redondeado por la producción de Matthew E. White y ‘Solar System’ es un paso más en cuanto a estilo.
El nuevo álbum de Bentley está ahora inspirado por la electrónica de los años 70, con algún poso de psicodelia sesentera, como se aprecia muy bien en la segunda parte de ‘Tiny Portion of the Sun’, que puede gustar mucho a los seguidores de Tame Impala. Esta mención al «sol» o a la «luz» no es la única en los títulos o las letras del álbum (de ‘Burning Sun’ a ‘Before Sunset’), y en sintonía, los textos hablan a menudo de «cielos» y «baños de sol» (‘Priority’). Así se conjuga este «sistema solar», muy diferente por cierto al que ha dibujado después Zahara, pero solo para narrar historias personales tan bonitas y asequibles como las de la mencionada ‘Before Sunset’. Un reencuentro entre amantes parisinos 14 años después en Barcelona, que constituye la mejor canción del álbum cuando este estaba ya acabando.
Las letras de Alondra Bentley son cristalinas, y es de agradecer que sea una buena narradora de historias en un mundo del pop que en España, a menudo, se esfuerza demasiado en los versos, haciendo estos por momentos incomprensibles. ‘Mixtapes‘ habla sobre una relación pasada de la que se recuerdan con nostalgia los paseos en motocicleta y ‘My Projection of You’ sobre imaginar a alguien de quien no sabes nada en realidad. Por eso es una pena que, quizá en su deseo de huir de lo que se espera de Alondra, algunas canciones se hayan ido a volar por el espacio demasiado lejos de nuestro alcance, como es el caso de ‘My Projection of You’, que solo destaca por su letra pese a abrir cara; o ‘Prism’, demasiado arisca tras su prometedor principio. ‘Mixtapes’ y ‘45 Hours‘ tienen su pegada, pero no tanta como ‘What Will You Dream’. Bentley actúa este sábado 24 de noviembre en Barcelona y el 25 en Madrid. Más fechas y detalles, aquí.
Calificación: 6/10 Lo mejor: ‘Before Sunset’, ‘Mixtapes’, ’45 Hours’, ‘Sleep, Breathe and Run’ Te gustará si te gustan: Stereolab, el último de Russian Red, Marissa Nadler Escúchalo:Spotify
Bob Dylan ha sido noticia en los últimos tiempos por ganar el Nobel de Literatura -aunque también por supuestamente plagiar el discurso de recepción del premio- y por grabar al fin su “canción gay”.
Lo que ya no espera demasiada gente que haga Bob Dylan es salir en la tele, pero eso es precisamente lo que ha hecho en la noche del jueves. El músico, que acaba de lanzar al mercado su propio whisky, se ha pasado por el programa de Jimmy Fallon para grabar una secuencia en la que acompaña al presentador a un circo. Ambos atienden al espectáculo a su manera, Fallon embelesado y Dylan… pues como si nada, pero el final con “plot twist” sugiere que la “aparición” de Dylan es más fantasmal de lo que parecía.
El whisky de Dylan, que está disponible desde mayo, se llama, apropiadamente, ‘Heaven’s Door’. Como explica Todo Whisky, se trata de una línea de licores con tres “expresiones”, “un bourbon de Tennessee, un whisky envejecido en doble barrica y un straight rye”.
Dylan, que en 2019 cumple 78 años, publicaba en 2017 su último disco de versiones, ‘Triplicate‘, que, sí, era triple. El músico lo ha presentado este año en varios conciertos por España.
Cinco años después del final de Klaus & Kinski, y casi exactamente 10 después de su debut ‘Tu hoguera está ardiendo’, Alejandro Martínez Moya ha publicado ‘Muera usted mañana‘, primer largo de su nuevo proyecto, esta vez unipersonal, Alexanderplatz. Un disco en el que, aunque se reconoce al autor de canciones como ‘Crucifixión, la solución’ o ‘Mengele y el amor’, hay palpables diferencias formales con su anterior proyecto, en el que predominan los sonidos sintetizados e influencias de los 70 y 80. Coincidiendo con sus primeras presentaciones en directo junto a algunos músicos que ya habían participado en su aventura previa, charlamos con él por teléfono sobre la dificultad de levantar en solitario este proyecto, sus influencias y el trasfondo lírico de estas canciones. [Fotografía de José Carlos Nievas]
‘Muera usted mañana’ es un disco que, quizá por la abundancia de interludios instrumentales, deja la sensación de que en él dominan los sonidos sintetizados, por encima de los acústicos o los clásicos de pop rock. ¿Es un reflejo de la música que más te ha cautivado en los últimos tiempos o es una cuestión de economía de medios humanos?
No, economía de medios, no. Es en parte reflejo de cosas que me gustan, eso es obvio, y en parte lo que me apetecía hacer en este momento, tal vez un poco como reacción a lo que venía haciendo durante años con Klaus & Kinksi, donde todo era muy heterogéneo. No es que ahora no lo sea, imagino, porque supongo que no podré evitar cierta tendencia, pero por lo menos en cuanto a la idea global del disco quería centrarme en este tipo de sonido. Es cierto que hay muchos sintes, casi todos analógicos. Por ejemplo, las cuerdas: con Klaus hubiera optado por hacerlo con cuerdas reales, y aquí quería hacerlas sintéticas y que se reconocieran como tales, no emulándolas, buscando un poco esa sonoridad de los 70.
Ya has comenzado a ofrecer tus primeros conciertos con una banda en la que cuentas con antiguos miembros de Klaus & Kinski, pero ¿el disco ha sido sobre todo en solitario o ha sido un disco grupal?
Lo he hecho yo todo menos la batería, que es el instrumento que no me fiaría de tocar yo (risas). La ha grabado Juan Antonio, el técnico con el que llevo trabajando durante años. Tengo un estudio en casa desde hace tiempo, no para grabar a nadie sino para hacer mis cosas, igual que lo hacía con Klaus.
Puede parecer una referencia facilona, pero el tono retro de los sintes, especialmente al inicio del disco, no solo remite al rollo de la BSO de SURVIVE para ‘Stranger Things’, sino que ‘Homenaje’, como ironizando con su título, parece inspirada directamente por la sintonía de la serie. ¿Es así?
No. A ver, he visto la serie y me gusta, pero me gusta porque las referencias que toma esta gente para hacer esto tan retro son similares a las que yo he usado, estos 70 más instrumentales, las bandas sonoras de John Carpenter o la gente de Italians Do It Better, pero también el kraut alemán, el synthpop británico de los 80… Pero no precisamente por la serie. De hecho, ese tipo de arpegio es un recurso muy manido, no lo han inventado ellos. Lo que pasa es que como la serie ha sido tan popular es como lo primero que asocia la gente, pero no es que sea muy original, es una celebración retro. Que a mí me gusta, ojo, y me moló la música de la serie porque tocaban cosas que ya conocía.
Antes has dicho que buscabas una reacción a lo que venías haciendo con tu anterior grupo. Sin embargo, en sus canciones sigue habiendo como mucha diversidad de palos, que era exactamente lo que distinguía aquellos discos, ¿no?
Bueno, la diferencia está sobre todo en el sonido. Soy consciente de que hay una canción que ha quedado más como una balada sesentera, otra más canción melódica, otra más synthpop… Pero a la hora de vestirlas, a lo mejor con Klaus habría buscado cosas más extremas en la manera de producir. Aquí intenté repetir constantes sonoras, aunque el tema viniera de una cosa muy loca.
Y entonces ¿dirías que es esa uniformidad de arreglos lo que te aleja de aquel estilo y hace reconocible el sonido de Alexanderplatz?
Sí, pero no alejarme porque (aquello) me parezca mal, sino simplemente porque en tu vida vas probando cosas distintas quizá por reacción. Haces lo que te resulta divertido, lo que te apetece en cada momento y eso obedece más a impulsos. No sé lo que haré el resto de mi vida, pero espero que siempre sea algo que me parezca divertido, porque si no te entusiasmas mínimamente… no se puede hacer esto. Son muchas horas, muchos quebraderos de cabeza y si no estás un poco in the mood… (risas)
«Puedes huir de una coordenada temporal o espacial, pero no puedes huir nunca de ti mismo»
¿Dirías que, de haber un hilo conductor en el disco, podría ser la nostalgia del pasado, pero no en un plano individual sino colectivo, social?
En realidad la nostalgia del pasado es algo un poco impostado. Es un recurso literario como cualquier otro, más como forma de evasión. Evidentemente, hay cosas del presente que me gustan, pero también creo que en ningún presente me sentiría a gusto. Mirar hacia el pasado es como huir de un sitio, y puedes huir de una coordenada temporal o espacial, pero no puedes huir nunca de ti mismo. Y ahí es donde está el sarcasmo o la ironía de todo ello. Y también una parte real, pero eso ya sería psicoanalizarme… (risas)
Bueno, es lo que apunta ‘Odio el siglo XXI’, la canción, que en realidad parece libre de ironía.
Es lo que decía: «¿te gusta el tiempo en el que has vivido?» Pues si lo piensas racionalmente, no te vas a encontrar nunca totalmente a gusto, pero tampoco creo que en cualquier tiempo pasado estaría mejor, estaría igual. Y no es que me sienta infeliz, todo lo contrario. Es una reacción evasiva, un poco misántropa, de negar la realidad. Es como… Tú puedes amar a la Humanidad, pero en realidad no soportarla. (risas)
«A mí me interesa la música, el mundo de la música me interesa menos»
Y, en esa línea, ¿ha dejado de interesarte el pop contemporáneo, ya que parece que te interesan más sonidos retro? ¿Disfrutas más con obras del pasado?
Es que yo no sé lo que es el pop contemporáneo y de hecho nunca he estado atento a nada de eso. No sé si nunca he llegado a sonar actual. A mí me interesa la música y me da igual que ocurra ahora o que ocurriera hace 20 años, le doy el mismo valor. Lo único es que, si hay algo que me interesa de ahora, puedo verlo en directo. Como decía, nunca he estado muy atento y, de hecho, puede que haya cosas que estén surgiendo ahora que seguro que me gustan y no me daré cuenta hasta dentro de unos años. Es como leer: ¿por qué tengo que estar pendiente de las novedades literarias? Si merecen la pena las voy a leer igual dentro de 10 o 15 años. A mí me interesa la música, el mundo de la música me interesa menos. Lo he conocido por dentro y en parte es mi mundo, porque me dedico a esto, pero no es la parte que me entusiasma.
En las letras, un poco como en los estilos que tocas musicalmente, hay un poco de todo, si bien se puede intuir que has evolucionado hacia un tono menos explícito, más simbólico. ¿Dirías que te ha llevado más trabajo el aspecto lírico que el musical?
Bueno, siempre es así. Hacer la música me cuesta poco… Obviamente, me refiero al aspecto mental, no al del tiempo, que sí cuesta más porque es muy laborioso técnicamente si lo haces tú todo y quieres que tenga cierta solvencia. Pero la parte de las letras… De alguna manera es una pequeña forma de literatura, en la que te desnudas, así que sientes vértigo por que esté a la altura que crees que debe estar o, al menos, no avergonzarte de lo que escribes. (risas) Ahí sí tardo más tiempo, el proceso de calidad es más complejo, piensas cómo afectan las cosas, las lees y las relees, a la semana cambias algo que te parece una mierda… No es que me cueste más, es que es menos inmediato.
¿Pero dirías que hay un cambio en el enfoque, ese giro hacia algo más simbólico que yo decía, en contraste con las letras de Klaus & Kinski que siempre se han identificado por cierto costumbrismo?
Se ha dicho mucho lo del costumbrismo, pero yo nunca he estado muy de acuerdo. Yo por costumbrismo entiendo como un escenario en el que se imbrica el relato. Lo que sí es cierto es que en ese estilo había préstamos de un habla popular, utilizar mucho el refranero, el argot, juegos de palabras en base a frases hechas… pero eso sigue estando. Sobre el carácter simbólico, no lo sé. A lo mejor es una destilación un poco del estilo, porque va evolucionando con los años, pero tampoco lo veo muy distinto. Son metáforas, que es un recurso literario que conocerás bien porque es un poco tu trabajo del día a día.
Sí, claro. Cuando digo esto me refiero a letras como ‘Sultana’, que podría estar dirigida a una persona pero le habla como si fuese un ente no terrenal, cosas así…
Sí, quizá es un tono lírico un poco más convencional, una metáfora menos explícita, más clásica. Por el tono del tema, que era más tierno y más convencional, quizá ahí sí hay lo que dices. Pero también empleo el sarcasmo, el humor negro, que te pone el pie en tierra, por decirlo así.
«[Sobre explicar sus canciones] No creo que deba hacerlo ni creo que debas saberlo, es como romper un poco la magia del hechizo, aunque quede estúpido decirlo»
Tú mismo hablabas del uso de refranes y frases hechas, y eso precisamente lo empleas a saco en ‘Maldición gitana’. Es como que lanza ideas pero lo deja todo como en el aire, ¿no? ¿Qué buscabas?
Sí que hay un poco ejercicio de estilo, porque todo está basado en emplear el refranero, pero es la parte formal, porque el contenido es, como indica el título, insultar y desear el mal. (risas) Pero no va dirigida a nadie en particular y de hecho hay un verso al final donde digo que todo eso puede volverse hacia ti. Lo que pasa es que, claro, explicar el sentido unívoco de las canciones… No creo que deba hacerlo yo ni creo que debas saberlo, es como romper un poco la magia del hechizo, aunque quede estúpido decirlo. No funciona así ni creo que dentro del proceso creativo deba funcionar así.
En ‘El puño en el corazón’, que es una especie de bolero, la letra también tiene que ver con la nostalgia… pero en el sentido político. ¿Cómo se te ocurrió la historia algo enrevesada de ese cantante perdedor, ex-militante de Fuerza Nueva que ahora planea acciones terroristas de extrema izquierda?
Bueno, es más canción melódica tradicional, canción romántica, latina. Es una de mis pocas canciones en tercera persona, la historia de un perdedor cutre, el giovanni de turno cantando para abuelos en un escenario al lado de una piscina en el Lopagán. (risas) A mí siempre me han interesado mucho los perdedores desde el punto de vista lírico, pero me resultó divertido inventarle una doble vida, en este caso de alguien que lleva una doble vida militando en un comando terrorista marxista, dejándose la piel en el escenario entre niños en bicicleta, la barra del bar… Ahí sí hay costumbrismo. (risas) Y también hay referencias a los 70, con la extrema derecha. (risas)
El disco es muy largo, como solían ser los de Klaus & Kinski, por otro lado. Es algo que tú siempre has defendido, diciendo que 10 canciones te parecía algo rácano y que no ibas a guardar temas para una edición japonesa. ¿Sigues siendo fan de los discos así de extensos?
No es que no me gusten los discos cortos, es que no me molestan los largos. Es que nunca lo he entendido muy bien, porque al final hablamos de la longitud de un disco como una convención, que además viene heredada por un condicionante técnico que marca el formato analógico, el vinilo, que tiene una capacidad limitada. A mí los discos largos no me molestan, si el disco me gusta me da igual que dure una hora o que dure tres. Entiendo que si algo no te interesa, no te interesa, pero no que no te guste porque sea largo. Respecto a ‘Muera usted mañana’, sí está concebido de una forma global y era consciente de que iba a ser largo, y no sólo es que como forma artística me parezca bien, es que lo necesitaba, se me hubiera quedado corta sólo media hora.
¿Cuál es el último disco largo que te ha flipado o que te ha inspirado?
Pues el otro día escuché en el coche el primero de Beak>, de 2009, que dura 1 hora y 1 minuto, por ejemplo.
«Me interesa la voz como cualquier otro aspecto de la música, pero no tengo vocación de cantante»
¿Te costó tomar la decisión de cantar tú mismo tus canciones, después del fin de Klaus & Kinski? ¿Qué ha sido lo más difícil de levantar algo como Alexanderplatz?
Sí me costó al principio. A mí me interesa la voz como cualquier otro aspecto de la música, pero no tengo vocación de cantante, y nunca me lo había tomado tan en serio. Pero hay que entrenarlo, hay que reflexionar, buscar una manera (de cantar) en la que te puedas encontrar más o menos cómodo a lo largo de los años, evolucionar, porque es un instrumento muy complejo que va cambiando con los años. Sí me ha costado ponerlo en marcha, porque antes ya tenía una manera de trabajar a la que me había adaptado y, al margen de cambios personales y otras evoluciones internas de qué vas a hacer con tu vida, ha llevado tiempo. Hasta que he definido el proyecto, sus señas de identidad, cómo iba a trabajar… Tienes que tomar mil decisiones y te tiene que convencer, porque si la ilusión te va a durar una semana, luego no lo vas a poder defender y te va a hacer profundamente infeliz. Cuando ya está en marcha es distinto.
¿Y te costó más o menos convencer a Antonio y José Carlos de volver a unirse a ti en esta aventura? ¿Está en vuestros planes recuperar alguna de las viejas canciones?
A Antonio no me ha costado nada (convencerle) porque, aparte de que he trabajado con él muchos años, llevaba tiempo sin tocar y a él le encanta tocar. (risas) Así es fácil. José Carlos se encarga del bajo eléctrico y sintetizado, y luego está Miguel Porras a la batería. En realidad lo más difícil ha sido montarlo técnicamente, programaciones, parches, etcétera, porque como pasaba con Klaus yo hago un disco y luego a partir de ahí se monta el directo. Son cosas poco interesantes para la gente pero que a mí me suponen meses de calentarme la cabeza. También ha intervenido Paco, pero en el arte del disco, es muy bueno en lo suyo y enseguida pensé en él. Hace lo que le pidas y lo que le pedí es bastante simple, opuesto al preciosismo que él suele hacer. Lo que hizo es bastante más conceptual, más simbólico, abstracto. Me ha gustado mucho lo que hizo.
«[Sobre recuperar canciones de Klaus & Kinski] Tengo claro que no. (…) Me sentiría como Paul McCartney»
¿Y pensáis tocar alguna canción de Klaus & Kinski?
No, qué va. Eso sí que tengo claro que no. Es otro grupo y sobre todo no está Marina, que aparte de la voz aportaba su personalidad. No sé, me sentiría como Paul McCartney. (risas)
Pues no le va mal al chaval.
Ya, pero… Ojo, que yo le admiro, me gustan los Beatles y cosas de Paul en solitario, tiene mucho talento. Pero me parece una broma.
¿Sabes si Marina ha escuchado el disco? ¿Qué te ha dicho de él?
Mmmmmm… No. No lo sé, sinceramente. Supongo que habrá sentido curiosidad, pero… Y cuando la vea, tampoco hablamos de esto. Igual surge, pero yo no le voy a preguntar si ha escuchado el disco. Ni a Marina ni a nadie. Me da vergüenza, ir mendigando escuchas. (risas)
«[Sobre conmemorar 10 años de ‘Tu hoguera está ardiendo’] No quiero pensar en el tiempo, porque me deprimo»
Se acaban de cumplir, por cierto, 10 años de la publicación de ‘Tu hoguera está ardiendo’. ¿Os planteáis o habéis planteado conmemorarlo de alguna manera?
No. ¿Haciendo qué? Los grupos que hacen eso es porque están tocando y se inventan un concierto. Y creo que Tanis (Abellán, del sello Jabalina) ya hizo una reedición, no sé si tendría sentido volver a hacerlo. Ni lo había pensado. ¿En qué año estamos? (risas) No quiero pensar en el tiempo, porque me deprimo.
Muchos siguen, o seguimos, encandilados con vuestra obra. Hace unos meses, hablando con Lolo de Hazte Lapón, me decía que para él vuestros tres discos son una de las obras cruciales de esta generación del pop español, que le inspiraron a la hora de cerrar su propio grupo tras el tercer álbum y que están destinados a trascender. ¿Qué sientes cuando te llega algo asÍ?
Es bonito. Si tú lo has hecho es esperando que alguien pueda sentir algo remotamente similar a lo que tú has sentido escuchando música de otros. Es lo que le da sentido a esto porque si no, ¿para qué? Sí, lo haces como una forma de expresión, una necesidad interna, no para epatar a nadie. Pero es muy duro, muy pesado, no siempre mantienes el mismo nivel de energía. Y que se te acerque alguien y te diga «las cosas que hicisteis me gustaban» o «son importantes para mí» te hacen pensar que merece la pena haberlo hecho. Porque a veces… Bufff… Cuesta trabajo. Supongo que es por mi carácter, me cuesta entusiasmarme con las cosas, dudas y piensas «no me gusta nada, todo es una mierda, me aburro»… Pero por otro lado la música, no sólo el pop, le da sentido a mi vida, la amo profundamente.
¿Y ahora estás totalmente entusiasmado con Alexanderplatz?
Sí, depende del día. (risas) Pero con Klaus me pasaba igual, supongo que porque tiendo a ser muy crítico. Hay una parte sentimental/emocional, que necesita llenar un poco el alma, echándole galleticas. Y otra más intelectual, más crítica, que hace que todo te parezca una basura. (risas) Te sientes mal, a veces. Pero eso me va a pasar toda la vida y supongo que si no hiciera cosas sería más infeliz.
Aunque aún quedan algunos lanzamientos importantes de 2018, la lista de nuevo álbumes publicados mengua ya drásticamente en estos últimos viernes de 2018. Hoy destaca el muy demorado nuevo álbum de Rita Ora, además del regreso de los punk-rockers británicos Art Brut y el nuevo disco de la siempre interesante My Brightest Diamond, además de trabajos de Jacco Gardner, Frakkur (Jónsi de Sigur Rós) u Oneohtrix Point Never (un EP con colabos de Ryuichi Sakamoto o (Sandy) Alex G). Donde más agitada está la semana es en el plano nacional: los nuevos trabajos de La Zowi, Kikí D’Akí, Pavvla, Rozalén (en un disco plagado de estrellas mainstream como Ana Balén, Amaia Romero o Estopa e indies como Shinova, ToteKing, Kase.O…), Charlie Mysterio (sin Los Caramelos, y etiquetado sólo con su «apellido»), Holy Bouncer, el rapero Hard GZ, Chicharrón, la triunfita Miriam Rodríguez y EPs de Confeti de Odio, Caliente Caliente (nueva aventura de Raúl Querido) y BeatLove están ya disponibles. Además, Sidonie publican un álbum con regrabaciones de canciones de toda su carrera –incluido el «featuring del año»– para celebrar sus 20 años de carrera. Y Rosendo publica una caja retrospectiva con grabaciones inéditas en directo y estudio.
Además de los nuevos temas de J Balvin, C. Tangana feat. Niño de Elche, Billie Eilish, Miss Caffeina, Carolina Durante & Amaia, Andy Burrows y Tommy Genesis, también hay cierto movimiento en cuanto a singles de obras que verán la luz en las próximas semanas (como el de Earl Sweatshirt) o ya en 2019. The Streets, Grandaddy, Mucho, Weezer, Vic Mensa, Booka Shade, Cuco, Alien Tango, Mike Posner, El Faro o Amistades Peligrosas presentan canciones.
Pero si por algo destacan estas fechas es por las sucesivas reediciones, conmemoraciones o regrabaciones que se acumulan y suceden de cara al suculento mercado navideño. Entre toda esa paja, encontramos un álbum de versiones orquestales de Justice, Uffie, Cassius o Mr. Oizo para conmemorar el 15º aniversario del sello francés Ed Banger, un nuevo EP de Luke Haines que complementa al álbum que publicaba este año, una reedición de ‘The Lioness’ de Songs:Ohia, con sesiones inéditas del añorado Jason Molina, la loquísima adaptación de la BSO de ‘Sonrisas y lágrimas’ que perpetran Laibach o un disco que reúne las caras B y descartes del último disco de Cults. También llaman la atención un villancico original de los veteranos Alphaville, una versión de ‘How Deep Is Your Love’ a cargo de Take That contando con el mismísimo Barry Gibb (Bee Gees) y un tema de Quincy Jones junto a Chaka Khan y Mark Ronson que promociona el documental que Netflix ha producido sobre el afamado productor.
Sidonie publican hoy ‘Lo más maravilloso’, su nuevo recopilatorio, que celebra sus 20 años en activo. El disco incluye dos canciones nuevas, el single a lo Georgie Dann ‘Maravilloso’ y una versión nueva de ‘Fascinado’, su éxito de 2005, re-titulada ‘Fascinados’. Y el plural es significativo en este caso, pues Sidonie han buscado re-grabarla con la ayuda de 29 colegas del pop, dando lugar a un “featuring” ambicioso como mínimo que pide a gritos un videoclip lleno de cameos estelares.
Joan Manuel Serrat, Jeanette, Vetusta Morla, Zahara, Dani Martín, Loquillo, Albert Pla o Mikel de Izal son algunos de los artistas que aparecen en la canción repartiéndose líneas y versos, y no necesariamente en este orden. Hay muchos más y Noni de Lori Meyers, Santi Balmes de Love of Lesbian, La Bien Querida, Xoel López, Anni B Sweet, Carlos Sadness, Javiera Mena, Carlangas de Novedades Carminha, Nina e Morgan y Rafa Val de Viva Suecia tampoco se pierden la fiesta de Sidonie.
Completan el “line-up” (porque esto, más que una canción, parece un festival) Alondra Bentley, Abraham Boba de León Benavente, Martí Perarnau IV de Mucho, Miri Ros, Juan Alberto de Niños Mutantes, Marc Dorian, Nita de Fuel Fandango y Shuarma de Elefantes. Y ojo porque, lejos de abrumar, queda una versión divertida, un verdadero pasatiempo para los amantes del pop en castellano, por otro lado, sin demasiados precedentes.
Rita Ora y John Legend han actuado este jueves en un desfile de Acción de Gracias en Nueva York, por el que también se han pasado Diana Ross, Bad Bunny, Leona Lewis o Bazzi. Subidos a unas carrozas, Ora y Legend han optado por hacer playback en lugar de cantar en vivo, con la mala suerte que Ora, que hoy publica su nuevo disco, ‘Phoenix’, ha sido incapaz de sincronizar su voz con el pregrabado, dando lugar a una actuación totalmente marcada por las dificultades técnicas que, como puede verse en el vídeo, se produce totalmente a destiempo (Ora parece, desde el principio, tener problemas para encontrarse en el playback). Sin embargo, eso no ha impedido a los tuiteros criticarla por su “vergonzosa” actuación, y también a Legend.
Tras las críticas, ambos artistas se han visto forzados a explicar en Twitter que, en estos casos, el playback es habitual, ya que actuar a la intemperie, en una ciudad con temperaturas tan frías como las de Nueva York, y encima de carrozas suele conllevar dificultades técnicas que obligan al pregrabado. “Todos hacemos playback en este desfile porque las caravanas no cuentan con la capacidad para soportar los requerimientos de sonido de una actuación en directo”, ha escrito John Legend en defensa de Ora. “Espero que la disfrutarais de todas formas, y sabed que si venís a mis conciertos, las voces son 100% en vivo”.
La propia Ora ha contestado: “Gracias por aclarar lo que estaba a punto de tuitear. Es molesto para nosotros pero bueno, mis conciertos son 100% en directo y siempre lo han sido. Cuando vienes a un concierto de ORA, ¡prepárate!”
Fun fact @johnlegend thank you for clarifying what I was about to also tweet. It’s annoying for us but anyway! All my shows are 100 percent live always have been! When you come to a ORA show get ready! Back to holidays! Have a good one guys! :) X https://t.co/pO5hnnQgvg
Hoy viernes se estrena una canción muy «de viernes», la versión que Carolina Durante han grabado junto a Amaia Romero del artista underground Marcelo Criminal. La edición de este tema no es del todo una sorpresa, pues el grupo madrileño ya la había presentado en Razzmatazz, Barcelona, acompañado de la propia Amaia; pero en cualquier caso es todo un desafío para haters.
En los últimos días el tema se había filtrado acompañado del rumor de que Marcelo Criminal, autor original de este ‘Perdona, ahora sí que sí’, no estaba nada contento con el uso de la canción por parte de Carolina Durante y Amaia. Pues bien, el propio Marcelo es el protagonista de un vídeo lleno de humor en el que se ve cómo Carolina Durante le roban el tema y cómo el grupo se aprovecha de él. El pequeño «cameo» de Amaia Romero es totalmente delirante.
Un vídeo lleno de guiños, como decíamos, a los haters de Carolina Durante, desde los rótulos de «canción del año» y «ya es número 1» hasta los WhatsApps de «me cago en vuestros muertos» y «plagiadores», pasando por mi favorito: «pijos de mierda». Una acusación constante en la vida de los autores de ‘Cayetano’. ¿No es maravilloso que el estribillo de todo esto sea «Pido perdón por no ser mejor que nadie»? Otro tanto para Carolina Durante que, como sabéis, han agotado entradas con un par de meses de antelación para su concierto pre-navideño en OchoyMedio. Y fans de Amaia, respirad tranquilos: ella sigue grabando con Refree.
A buen seguro todos, seáis grandes fans o no, sabéis bien que este mes de noviembre –concretamente hoy, 22 de noviembre– se cumplen 50 años de la edición de la publicación del llamado “Álbum Blanco” de The Beatles. Una –sino LA– obra cumbre de la música popular del siglo XX que, si ya en su versión original era apabullante y fascinante con sus diversos y ricos 30 cortes, estos días ha sido reeditada en una mastodóntica caja con nuevas mezclas, sesiones inéditas y blablabla… Ese fantástico disco –imprescindible en esencia, más allá de estas fatigosas y raramente necesarias ampliaciones– parece dejar siempre a la sombra a otra obra maestra del pop rock no ya británico sino universal. Hablo de ‘The Kinks Are The Village Green Preservation Society’ que, publicado precisamente en el mismo día del año 1968, parece haber sido aplastado por una suerte de maldición que le persiguió desde incluso antes de su publicación, en una de las historias más fascinantes del rock.
Estos días nos encontrábamos con la insólita noticia de que ‘TKATVGPS’ –en adelante lo denominaremos así– había por fin logrado ser disco de oro en Reino Unido, alcanzando la cifra de 100.000 copias… ¡50 años después de su publicación! Con esa cifra ridícula para un grupo legendario, como es el caso, lo que podría ser una buena noticia se convierte en un capítulo más en la secuencia de calamidades que rodeó aquel disco de The Kinks, entonces en su formación más mítica con Ray Davies, Dave Davies (su hermano pequeño), Pete Quaife (su amigo de infancia convertido a enemigo íntimo durante aquellos 1967 y 1968 en los que se gestó precisamente esta obra, que dejó el grupo al año siguiente y nunca llegó a reconciliarse del todo con Ray antes de su muerte, en 2010) y el batería Mick Avory, y que, aun siendo uno de lo que hoy llamamos flops más sonados de la historia del rock, es una obra estratosférica, sin duda a la altura de cualquiera de las obras más célebres de sus coetáneos de Liverpool.
The Beatles abrieron indudablemente brecha para la explosión mundial de The Kinks, y estos siempre fueron, al menos en apariencia, los “chicos malos” de la llamada british invasion que anegó Estados Unidos de pop inspirado en el rock and roll y el rhythm and blues. Su tercer single, ‘You Really Got Me’, fue un éxito global que, a diferencia de otros coetáneos, mostraba garras afiladas en su riff de guitarra que, sin duda, es un precedente del heavy metal. Pero las constantes peleas entre los hermanos Davies, dentro y fuera de los escenarios (los hermanos Gallagher deben mucho a los Kinks, en todos los sentidos) les daban ese halo de peligrosidad e imprevisibilidad que provocaron que, por ejemplo, les fuera denegada la entrada a EEUU para hacer giras. Lo cual no hizo sino amplificar su popularidad en todo el mundo, especialmente en Reino Unido, donde eran estrellas de primer nivel: por ejemplo, en 1966 ‘Sunny Afternoon’ desbancaba a ‘Paperback Writer’ del número 1 de la lista británica de singles, en lo que Ray considera “una de las mayores alegrías de su vida”.
Sin embargo, esas tensiones harían que la distancia entre Ray –el indiscutible gran talento del grupo– y sus colegas creciera y que hacia finales de aquel 1966 se especulara con una separación de la banda y el más que probable inicio de una carrera en solitario de su líder. De hecho, siempre se especuló con que las canciones de ‘TKATVGPS’ tenían como destino un primer álbum de Ray Davies, pero las desastrosas decisiones de sus mánagers, embarcándoles en giras vergonzantes (como una que dieron en parques de atracciones de Suecia o por pubs únicamente poblados por mineros de la Inglaterra rural, por ejemplo), y la incesante presión de su discográfica, Pye Records (que desapareció pocos años después), que llevó al delirio de lanzar tres discos del grupo en el espacio de 4 meses, no hicieron propicio que aquello ocurriera.
En ese periodo de popularidad menguante, y pese a sus episodios depresivos, Ray decidió que aquellas canciones que llevaba preparando meses en su casa del extrarradio londinense, próximo al barrio humilde en el que él, Dave y Pete se criaron, debían ver la luz ya y debían hacerlo bajo el nombre de The Kinks. Así, abrió su habitual hermetismo en la composición e implicó a sus tres compañeros en la creación de armonías y arreglos, que preparaban en torno al piano de Davies en el salón de su casa estilo Tudor, evocando reuniones familiares similares en el hogar de los Davies. Esa nostalgia doméstica y local es, en realidad, lo que alimenta las canciones de este disco y, también, el concepto del álbum: la melancolía por los recuerdos del pasado más íntimo en una Inglaterra y un mundo inmersos en un convulso proceso de cambios sociales, luchas de clases y revoluciones.
Todo aquello que de alguna manera sí plasmaron álbumes como el citado ‘The Beatles’ o ‘Electric Ladyland’ de Jimi Hendrix, obras que miraban al futuro, no estaba en ‘TKATVGPS’ y, muy probablemente, fue una de las razones de su fracaso: fue ignorado por prensa y público de su país, aunque, curiosa e inesperadamente, Estados Unidos acogió muchísimo mejor su esmero retro cuando se publicó allí meses después. La nostalgia por el pasado no estaba en absoluto de moda, no era lo que demandaba el público, pero Ray, sin duda, plasmó eso a conciencia. No ya evocando al rhythm and blues que alumbró su generación y que ya había quedado opacado por la psicodelia y la tecnología (y eso que, fascinado por el Mellotron MKII, Ray ejecutó muchos de los arreglos del disco con ese antepasado del sintetizador, que funcionaba con cintas grabadas), sino yendo incluso más allá, al music hall, al vodevil, al vals y a la música de entreguerras. Aquello se percibió como un movimiento reaccionario que hizo que se le diera la espalda, que incluso algunos llegaran a tildar a Davies de fascista (en contra de la impresión que pudiera dejar esta obra, Davies se ha manifestado contrario al Brexit, por ejemplo). Sin duda fueron los que no se esforzaron en contemplar la ironía y el sentido del humor que impregnaba todo el álbum: los cada vez más frecuentes comentarios sobre que eran demasiado retro y pasados de moda, inspiraron al grupo a poner al disco ese título, “Los Kinks son la sociedad de conservación del parque municipal”, autoproclamándose adalides de lo cockney. Aun así, con esa reivindicación del parque municipal como eje en torno al cual se introducían todos sus personajes, Ray sí quería reivindicar la proximidad, la cercanía humana, como una reacción a un mundo cada vez más alienante y estresante. De hecho, es sorprendente (y triste) lo vigente que resulta hoy ‘TKATVGPS’ en cuanto a concepto.
Pero lo que hace grande este disco son sus 15 canciones originales, que también han sido ampliadas en una casi inabarcable caja de 11 (!) discos y 60 canciones, que incluyen un inédito (la preciosa ‘Time Song’) junto a demos y tomas en directo de la época, mezcladas con otras canciones de una etapa especialmente prolífica e inspirada de Ray Davies (aunque en la misma etapa también escribió canciones tan cutrecillas como ‘Wonderboy’ o ‘Plastic Man’) que ya habían sido editadas anteriormente (con ‘Rosemary Rose’, ‘Do You See His Name?’ o ‘Misty Water’ entre las más notables). Recomiendo, en cambio, revisar el núcleo original del disco, aunque esa idea es algo difusa en este caso: en un contraproducente derroche de improvisación, Ray pidió a Pye parar el lanzamiento de la edición de 12 canciones previsto para septiembre de 1968 –tarde: llegó a ponerse a la venta en algunos países de Europa, siendo hoy una cotizada rareza– y convertirlo en un disco doble de 20 canciones. ¿Parece una tontería pensar que se debió a que supo que The Beatles lanzarían un disco doble en aquellos meses? Quizá, y podríamos decir que en realidad tenía demasiadas buenas canciones que no quería dejar fuera, pero el hecho de que algunos de los temas incluidos en la versión final y sencilla de 15 canciones fueran terminados y grabados apenas el mes antes de publicarse lo ponen en duda. En todo caso, la versión final del disco que conocemos es maravillosamente perfecta de cabo a rabo, con 15 canciones prodigiosas en todos sus aspectos, con cierto aire campestre y despreocupado hilvanando de manera invisible su diversidad de estilos.
Con la solemne y tristona ‘Village Green’ –la primera canción que compuso Ray para este proyecto y a partir de la cual fructificó el concepto del disco– y la maravillosa obertura ‘We Are The Village Green Preservation Society’ –ese “himno nacional” en el que proclaman con evidente sarcasmo “Dios salve al Pato Donald, al vodevil y las variedades / (…) Dios salve las tiendas de barrio, la porcelana china y la virginidad”– como núcleo, The Kinks construyen un pequeño universo. Un universo en el que no falta la nostalgia más sincera (ejemplificada en la entrañable ‘Days’ y la alegre ‘Picture Book’ es un amargo recuerdo hacia las dos únicas fotos de familia de los Davies, sirviéndole para recordar a su hermana Rene, que murió bailando en una discoteca un día después de regalar a Ray su primera guitarra) pero tampoco la más ácida, como la de ‘Do You Remember Walter?’ (una de las canciones más sobresalientes de su carrera, en la que describe un reencuentro con su mejor amigo de la infancia en el que descubrieron que ya no tenían nada en común), con fantasmas de rockers caducos (‘Johnny Thunder’), prostitutas de confianza (en la exótica ‘Monica’) o brujas locales (en la perversa canción infantil con aires psicodélicos ‘Wicked Annabella’, estilo que también replica ‘Phenomenal Cat’) que deambulan por el parque municipal, semiocultos por el humo del “último tren de vapor”.
Pese a sus paupérrimas ventas, ‘TKATVGPS’ está, sin lugar a dudas, entre las mejores obras de pop rock que dio el siglo XX, si bien su valor está en la poderosa influencia que ha ejercido sobre varias generaciones de artistas británicos. Las obras completas de Madness, XTC, Ian Dury, Blur y The Libertines –pasando por grupos más minoritarios como The Boo Radleys o The Auteurs– tienen una deuda evidente con The Kinks en general y con este álbum maldito en particular, que ha contribuido como pocos a crear una identidad palpable para el pop de Reino Unido. De hecho, si hay algo que pueda llamarse brit pop, eso es ‘TKATVGPS’. Hoy, mientras Davies publica el segundo de los volúmenes de su serie ‘Americana’, se dice que la eternamente postergada reunión de los hermanos Davies está más cerca que nunca e incluso se dice que se prepara un musical basado en ese álbum, vemos a Ray recoger ese disco de oro que certifica la sombra que persigue esta obra con sólo media de su amplia sonrisa, sentenciando con la mordacidad que siempre le ha caracterizado: “esto parece el premio que se da a alguien que se retira”.
[Nota del autor: gran parte de la documentación de este texto proviene de la fantástica y recomendable biografía del disco escrita en 2003 por Andy Miller, publicada en España por Libros Crudos dentro de su colección «33 1/3». La fotografía exterior forma parte de la sesión promocional del disco, obra de Barry Wentzell para Melody Maker.]
Alaska y Mario han visitado esta semana el programa #yu de Dani Mateo para hablar de varios temas, entre ellos la educación sexual. Ha salido a debate el VIH y las declaraciones de la pareja al respecto, así como las del presentador Mateo y su colaboradora Lorena Castell (Lorena C), han generado críticas en sites como Hazte Queer por contener multitud de inexactitudes. Durante la entrevista, Mateo asegura que “ya no existe el estigma” en torno al VIH, a lo que Castell replica: “ya no hay ese estigma pero dentro de las cepas, tú por mucho que estés medicado de una, de repente te puedes contagiar de otra y es todo muchísimo peor. La gente se piensa, “ya lo tengo, ahora tomo los anticuerpos, estoy medicado y puedo volver a hacer locuras”, pero no solamente es una cepa, dentro de esa enfermedad hay muchísimas cepas y te pueden volver a contagiar, tienes que tomar otra medicación”.
Entre las declaraciones sobre el tema, Mario Vaquerizo sentencia que “antes, cuando no tenías información, podías tener una excusa, pero teniendo toda la información que tenemos, no te lo perdono porque no me interesa, eres gilipollas”. Alaska concuerda y responde que contraer el VIH hoy en día “no tiene justificación”. Sobre el tema, Alaska asegura que no encuentra que “entre sus amigos homosexuales se preocupen demasiado por prevenir algún tipo de enfermedad”, fomentando la idea de que el VIH solo se transmite entre homosexuales.
Desde la cuenta Retos VIH han elaborado un vídeo en el que corrigen frase por frase las declaraciones de Lorena Castell, Mario Vaquerizo y Alaska, apuntando que “el VIH le puede pasar a cualquiera y no implica hacer locuras o ser promiscuo”, que “estando medicado, que te transmitan otra cepa del VIH es una posibilidad muy remota”, que “en esa mesa todos siguen sin información” y planteando, tras algunas sentencias, “¿seguros de que no hay estigma?”.
Tommy Cash es conocido por singles como ‘Winaloto’ o ‘Pussy Money Weed’ pero sobre todo por sus locos videoclips, que por su contenido entre surrealista, absurdo y grotesco (no siempre en este orden) suelen ser más noticia incluso que las propias canciones. Imperdibles eran, por ejemplo, los vídeos para ‘Surf’ o la propia ‘Pussy Money Weed’.
El rapero estonio ha vuelto hoy con un nuevo single, ‘X RAY’, que ha sorprendido por varias razones. En primer lugar, sus colaboradores: vuelve a la producción A.G. Cook, que ya produjo ‘Pussy Money Weed’, pero esta vez de la mano de su compañero en PC Music, Danny L. Harle. Además, entre las personas acreditadas en la composición del tema se encuentra Caroline Polachek, ex integrante Chairlift. Como todo fan de PC Music sabrá, Caroline cantó un single de Danny L. Harle, y a su vez Tommy Cash apareció en el disco de Charli XCX producido por PC Music, en el que además aparecía Caroline y cuyo título, por cierto, sugirió el estonio. Todo queda entre amigos.
Pero lo más sorprendente de ‘X RAY’ es su sonido. Estamos ante un maquinote bastante claro, en el que conviven ritmos tribales a lo Safri Duo, un subidón 100% Pont Aeri y los habituales ritmos trap de “Kanye East”. De hecho, impacta más el sonido del tema que su videoclip, en el que Tommy Cash lidera un culto, pero en el que también vemos imágenes tan random como un sendero de bosque hecho con verduras. No es de sus vídeos más memorables, pero eso también es decir mucho de Tommy Cash, porque si algo tienen sus vídeos es que al menos no dejan indiferente.
Hace dos años nadie pudo discutir que Anderson .Paak firmó uno de los trabajos más interesantes y disfrutables de aquella temporada con ‘Malibu’, un largo en el que rendía un tributo retro al funk y al soul desde un prisma hip hop. En aquel largo el estadounidense demostró con creces que es uno de esos artistas versátiles que se atreven con casi todo, pero lo de ahora, sin duda, es un paso atrás. ‘Oxnard’ toma su título de la ciudad californiana en la que nació y le sirve de excusa básicamente para hablar obsesivamente y de forma muy poco elegante sobre la fama, como un rapero-nuevo rico cualquiera, así como sobre las mujeres y sus amantes pasajeras de una forma cuanto menos discutible. Pero vayamos por partes.
El arranque de ‘The Chase’ promete a pesar de esa flauta de pan como una intro que mama del cine blaxploitation de los setenta. No obstante, con ‘Headlow’ uno ya se da cuenta de que este álbum carece de muchas de las cosas que ‘Malibu’ contenía. Sin ir más lejos, la clase. La canción en cuestión narra la historia de cómo recoge a una prostituta en su coche y mientras ésta le hace una felación sufren un accidente de tráfico. Por si hubiera alguna duda de lo que habla no se escatima en efectos sonoros de arcadas en sus segundos finales. Vulgar y gratuito, nada más que decir al respecto.
No sabemos si por voluntad propia o aconsejado por Dr. Dre, quien le catapultara a la fama en su ‘Compton’ y aquí ejerce de productor ejecutivo y productor de cuatro de los temas, el largo está plagado de featurings desiguales de compañeros como Kendrick Lamar (que no acaba de brillar como es costumbre en él en ‘Tints’), Pusha T (él sí que destaca en la trapera ‘Brother’s Keeper’) o Q-Tip de A Tribe Called Quest (en ‘Cheers’, donde hay incluso una mención al recientemente desaparecido Mac Miller). Las mejores colaboraciones del lote corresponden a las de Snoop Dogg en ese homenaje al G-Funk que responde a ‘Anywhere’ y a J. Cole, quien pone el punto romanticón a ‘Trippy’.
Todas las cansinas menciones a la fama, como esa ‘Mansa Musa’ que toma como referencia al emperador africano del siglo XIV que los libros de historia consideran uno de los más ricos de la humanidad, acaban sonando de lo más reiterativas y faltas de imaginación. Y, por momentos, como en este último tema mencionado, parece que la personalidad de Anderson se ha visto comida por la de Dr. Dre., quien desde la sombra mueve buena parte de los hilos de este disco que, por tener, tiene hasta una pieza como ‘6 Summers’ en la que pretende atacar a Trump sin mojarse del todo por si la mitad de Estados Unidos se pone en su contra en estos tiempos actuales de polaridad social.
‘Oxnard’ se queda bastante lejos de ser memorable en muchísimos momentos, dando la impresión de que, pese a las buenas intenciones iniciales, la inspiración ha brillado por su ausencia y ha preferido tirar por terrenos comunes que no le hacen ningún favor. Siendo conscientes de lo que sí es capaz de hacer habrá que tomar este disco como una pequeña tara de su discografía. Ojalá para lo próximo vuelva a retomar el buen gusto que caracterizaba a ‘Malibu’.
Calificación: 6,4/10 Lo mejor: ‘The Chase’, ‘Anywhere’, ‘Trippy’ Te gustará si requerías: algo más vulgar que ‘Malibu’
Cariño son una de las sensaciones de la temporada gracias al mini álbum que acaban de publicar en Elefant, ‘Movidas’, en el que han incluido pequeños grandes hits del underground como ‘Bisexual’, ‘Canción de pop de amor’ o ‘Mierda seca’; y también a la viralización de su versión de ‘Llorando en la limo’ de C. Tangana. Han agotado las entradas para sus conciertos en el Café La Palma (Madrid) de la semana que viene… ¡durante dos días seguidos! y ya están confirmadas en el FIB.
El trío de Madrid ha aceptado nuestra petición para hablar sobre bares y clubs de la ciudad recomendables y son por tanto las nuevas invitadas de la sección «Meister of the Week» auspiciado por Jägermusic. Así podemos descubrir finalmente que el «Casa Cati» de su adaptación de C. Tangana es solo la casa de una amiga, o cómo se imaginan ellas un bar así llamado, además de acercarnos a rincones perdidos de la ciudad. Paola Rivero (guitarra), Alicia Ros (bajo y voces) y María Talaverano (teclados y voces) responden en conjunto excepto cuando se indica.
«A todos nos han echado alguna vez de la cabina del Tempo II. Además, todo modernito de Madrid tiene una foto en su baño»
Cuando os hemos preguntado por vuestros bares favoritos, habéis sugerido en primer lugar el Tempo II, curiosamente. Contadnos de qué va este sitio para quien no sea de la ciudad y por qué lo habéis escogido.
Es un sitio mágico y maravilloso donde nos reunimos cada fin de semana que estamos en Madrid a beber barato y escuchar música que suele ser bastante regular. Aunque normalmente alguien se cuela en la cabina de DJ cuando Pepe, uno de los camareros o quizá propietario, no mira y cambia la lista -que por cierto suele ser aleatoria de Youtube- y la música mola hasta que le echan. A todos nos han echado alguna vez de la cabina. Además, todo modernito de Madrid tiene una foto en su baño: las baldosas de la pared son inconfundibles. Entre semana es un bar normal que no sabemos ni qué vende, pero los fines de semana es el mejor sitio para iniciar noches de fin glorioso.
¿Qué vincula La Marquesita a la historia de Cariño y qué podéis contar sobre él? ¿Alguna anécdota que contar al respecto?
Bueno, bueno, bueno… La Marquesita es un bar para madrugadores que se encuentra en la sede de la secta del pop: en Alburquerque. Allí se reunen poperos curiosos a descubrir música y emprender aventuras. Esto ocurre un fin de semana de julio, el del Contempopránea. Porque sí, hay gente que va de after cuando el Contempopránea cierra sus laderas para comer sandía que la camarera, Lourdes, ofrece a cada rato cortada en trocitos. Tiene una terraza amplia con un DJ fijo para la fecha: Contractura, quien nos hace gozar y rezar pop a ritmo de baile.
María: «Yo allí descubrí las virtudes de Alicia, que meses más tarde la llevaron a ser parte de Cariño».
Alicia: «Sí, allí empezó una ligera simpatía. Que luego se convirtió en Cariño».
También habéis hablado de La Palma, ¿os referís más al café en sí, a los conciertos…? Si es esto último, ¿qué conciertos de este lugar recordáis mejor y peor?
Alicia: «A los conciertos, bueno y a los post-conciertos. Una noche tocaba allí con El Buen Hijo y llegaron estas para enseñarme una canción que habían grabado en casa. Bueno y para ofrecerme que participase en el proyecto. Era un temazo en potencia así que tuve que decir que sí. También nuestro amigo Juanan trabaja allí a veces y vamos a visitarle».
Paola: «No sabemos si fue por el sitio donde surgió el Cariño como trío musical al reclutar a Alicia o por los Valle Eléctrico que hemos pasado (genial) ahí, pero en un par de días será donde presentemos nuestro disco ‘Movidas’, que sacamos hace nada. Es gracioso pensar que hace un poco más de cinco meses, viendo un concierto ahí, fantaseaba con tocar con Cariño y con el escenario lleno de pikachus. Veamos qué se puede hacer».
«Siempre me he muerto de ganas de tener el carnet de El Sótano en la cartera». Paola.
¿Qué recordáis de El Sótano? ¿Erais socias? Cada vez que veía el carnet en la cartera, yo no sabía muy bien qué hacer con él… No recuerdo ahora mismo si lo he tirado o no.
María: «El Sótano es el lugar donde nació todo. Conocimos lo que ahora es una familia. Sitio de reunión al que acudir cuando no tenías con quien salir porque siempre había un amigo entre sus paredes. Es un lugar sagrado que esperamos que vuelva o que, si no lo hace, será leyenda tanto en Madrid como en nuestros corazones. Y sí, era socia casi desde el día 1. Saraut Gaskon!».
Alicia: «Juanan también trabajaba allí. En el ropero. Estaba muy ilusionado y justo cerró».
Paola: «Nunca he ido y no soy socia, porque justo su apogeo coincidió con un año que yo no estuve aquí en Madrid, sino de retiro espiritual en algún sitio del universo. Además, siempre he pensado que Gaskón me odia porque íbamos a tocar con Santa Teresa ahí -justo cuando abrieron- y lo tuvimos que cancelar. Aun así, no miento al decir que siempre me he muerto de ganas de tener ese carnet en la cartera. Quizá se me podría hacer un carnet honorífico o algo del palo, rollo postmortem…»
María: «O que reabran y te lo hagan oficial, mejor».
Le Petit es otro de los sitios que habéis recomendado y curiosamente está muy mal valorado en Yelp, como algún otro de los que nos habéis dicho… ¿por qué creéis que es, es parte del encanto?
Alicia: «Cuando no hacía este frío después de ensayar nos tomábamos algo en las terrazas de Argumosa. Le Petit es el más auténtico. Sí es verdad que la señora que lo lleva no es la más maja, ni el baño el más limpio, ni el aperitivo el mejor. Pero es el pasotismo lo que le confiere ese encanto. En Le Petit solo puedes beber. No hay nada para comer. Solo cebada. Cuando entras siempre hay un señor que te da la chapa. Tan pesado como encantador. Te habla del Mercamadrid, de Barcelona, de una vez que fue a Holanda… curiosidades varias. No se sabe si es amigo, dueño o cliente habitual. Antes había una máquina de tabaco con una cucaracha dentro del botón de Camel, pero la cambiaron hace poco. Por eso igual han subido un poco los precios».
Paola: «Creo que es el peor bar en el que he estado. Una vez, como no me atendían en la terraza, decidí entrar a pedir amablemente en la barra; lo que conseguí fue un par de malas contestaciones y que me sentara en mi mesa. La cerveza que quería pedir nunca llegó. Pero le robé las aceitunas».
María: «Toda terraza en Argumosa, si no es pura, no es hermosa. Poesía pá Le Petit de la manga».
«Malasaña no necesita ni tantos tipos de helado, ni tanta quinoa»
¿Qué opináis de la situación de Malasaña y el Tribal? La gente critica que los sitios no son muy personales y los negocios no son de gente local, por la gentrificación. ¿Os movéis mucho por ahí o vais variando? ¿Qué barrio consideráis que está «de moda»?
Alicia: «Yo vivía allí hace unos años. La idea de barrio no estaba muy presente y diría que ahora menos. Vi cerrar algunos sitios para que llegasen nuevos, muy parecidos entre sí, muy bonitos, unas sillas preciosas… pero al final vas a cualquier barrio “modernillo” de Europa y es todo lo mismo. Un aburrimiento. Malasaña no necesita ni tantos tipos de helado, ni tanta quinoa».
Paola: «A quien le guste, le gusta. Particularmente, no tengo ningún tipo de acritud hacia los nuevos negocios que se gestan en el barrio. No obstante, tú como consumidor tienes la libre elección de entrar y consumir o no. Nos movemos según donde estén nuestros colegas, y puede ser en cualquier sitio de Madrid, realmente. Sí que es cierto que antes frecuentábamos más el barrio “indie” que ahora, quizá porque tenemos más responsabilidades con esto de Cariño o porque ya nos da todo el asco. No sé si está de moda o no, pero yo me voy a vivir con El Adri a Usera. Me parece lo más estar cerca de todos esos supermercados con bebidas asiáticas y ramen».
María: «La gentrificación es un coñazo pero supongo que, aun sin quererlo, todos formamos parte de ella y ya no sólo en Malasaña, sino en Lavapiés. Ahora siento que el barrio me pertenece cuando en realidad soy una pieza más de esta gentrificación, que yo soy de Pozoblanco. Y sí que voy mucho por allí porque mis amigos viven allí, aunque tengo medio pie en Malasaña y medio en Lavapiés, en mi calle vivimos varios colegas y me parece mucho más cómodo, aunque Casa Cati está en Malasaña».
Tenéis un hit llamado ‘Bisexual’. Teniendo en cuenta que ser bisexual a veces no es que esté muy comprendido socialmente o directamente ni se valora la opción, ¿cuál de todos los sitios mencionados creéis que es más adecuado para ser bisexual?
María: «Se puede bisexual en cualquier lado. Hay sitios donde habrá gente a la que no le guste, como seguramente en el Valle de los Caídos, pero va más implícito en las personas que en los lugares. De todos modos no nos dejamos mucho ver por ahí, somos más de baretos cutres donde todo el mundo es respetado y besado».
Paola: «Los bisexuales solo ofenden a los gilipollas, así que el sitio más adecuado para ser bisexual coincide con el menos adecuado, a ver si así de este modo se normaliza esta gilipollez».
Una de las frases de vuestro disco es «odias el pop, eres un cutre que te hagas», ¿cuál sería el mejor sitio para disfrutar el pop según vuestras premisas estéticas?
María: «Para mí era El Sótano, con esto hago una petición especial y pública para que vuelva de una vez, joder. Aunque sé que ahora van a abrir uno que pinta muy bien por calle Pez… El Fotomatón mola mucho también, es pop puro».
Alicia: «Era El Sótano, sí».
Paola: «Desconozco El Sótano, pero bucólicamente -y apoyando la decisión de mis colegas de grupo- acudiré a él también».
«Lo de manta y peli… entre semana, si eso». María.
Mucha gente cuando llega a los 30, los 35, los 40, o incluso a los 25, dice que está mayor para salir… pero mucha de esa gente cuando tenía 20 años, tampoco es que saliera todos los días, sino 1 o 2 días a la semana. ¿Cuál es vuestro caso, salís mucho o salís poco?
María: «Cada fin de semana digo que no salgo y al final me voy la última. Yo pensaba que a los veintipocos no querría volver a salir pero al menos de momento, parece que las ganas van en aumento. Espero que un día de repente un Jesucristo se me presente y me diga que ya está. A veces me da envidia la gente que es feliz quedándose en casa siempre. Lo de manta y peli… entre semana, si eso. Salgo mucho pero muy concentrado, en 1 o 2 días».
Alicia: «Yo no tengo ningún conflicto con salir. Me gusta, lo hago. Una vez a la semana, dos a veces. No me parece excesivo. Pero últimamente me pregunto: «¿Hasta cuándo durará esto? ¿Dentro de 10 años estaré en las mismas?»».
Paola: «Justo la pregunta de Alicia me palpitaba en la cabeza hace poco. Veía que perdía cada vez más el tiempo entre borrachera y resaca, todos los días. Es por ello que el dinero que gastaba antes en salir ahora lo gasto en videojuegos y libros y he dejado de beber. Bastante tengo con estar todos los findes “de fiesta” por ahí con Cariño, ¿no?».
«Casa Cati sería el mejor jodido bar de Madrid. Simplemente»
Ardo en deseos de que abráis en Madrid una tasca que se llame Casa Cati, como la frase de vuestra versión de ‘Llorando en la limo’. ¿Cómo os la imagináis?
María: «Creo que sería algo como un lugar de politoxicómanos y depravados sexuales culturetas pero me gustaría que fuera un sitio cool, de debate, donde sólo se sirviera vermú del Lidl de dos pavos y la música estuviera siempre elegida por un algoritmo de inteligencia artificial que vetara lo malo».
Alicia: «Sería un museo de emociones. Con una colección de llantos, de risas incluso de insultos. Entrada gratuita para quienes lleven vermú».
Paola: «Sería el mejor jodido bar de Madrid. Simplemente».
¿Qué local creéis para vuestro gusto que falta en Madrid y dónde lo situaríais?
María: «A día de hoy un sitio donde pusieran sólo música buena, actual o no, pero pop de calité pasando de los hits que tenemos ya tralladísimos en la cabeza. Lo pondría en Lavapiés, que me quede bien para ir andando desde casa. Aunque creo que sería peligroso».
Paola: «En Madrid sobran locales, lo que pasa es que hay un par de paluegos que no quieren que se actualice e intentan revivir escenas donde el indie de Lori Meyers era lo más. No-va-a-pasar, dejad de pinchar mierda, que al final prefiero pillarme las birras en el chino e irme a Casa Cati a pinchar con el iPad».
Comparado con otras ciudades, Madrid es una ciudad de la que casi no se sale del centro por la noche, ¿os gusta, preferiríais que fuera de otra manera o vosotras sí salís por sitios que no son el centro?
Todas salimos por el centro, sí. Tanto porque vivimos cerca porque todo lo que nos gusta está ahí, al final hay mucha oferta de nuestro rollo pero concentrada en un par de barrios. Eso sí, siempre donde estén los colegas y a buena jarana.
También tenéis la frase «Las terrazas están llenas, Madrid huele a orinal». ¿Os referís al centro? ¿Realmente es mejor que haya una zona de marcha y que la gente viva en otro sitio?
María: «Nos referimos a Madrid en general. En todos los barrios es chungo encontrar terrazas vacías, hasta donde viven mis padres que es en Alameda de Osuna, aunque es cierto que el centro huele peor. También depende de la hora. Mucho tráfico, contaminación y potas de borracho en ciertos sitios».
Alicia: «Madrid huele mal. Sobre todo en verano. Ni el camión que echa ambientador de pino puede tapar el olor. Sería lo más justo. Yo he llegado a tirar cubos de agua por el balcón. El ruido es un problema. Pero bueno, también me los han tirado a mí».
Paola: «No, tío. Está guay tener el bar debajo de casa, y esto pasa en todas las ciudades. Lo que creo es que en cierto modo la liamos mazo por la calle cuando llevamos un par de birras de más -y yo la primera, eh-. Vivo en Salitre, con balcón exterior. Créeme que todos los findes me dan conciertos con las nuevas canciones de OT la gente que pasa borracha por la calle. Alguna vez he pensado salir y unirme a cantar, ya que total, ya me han desvelado».
Ni Mumford & Sons ni Little Mix ni mucho menos Mariah Carey: el flamante ganador entre las novedades discográficas de la semana en Reino Unido es Michael Bublé. Así se ha ido revelando a lo largo de la semana en las midweeks británicas, donde ya se da por seguro que su nuevo álbum ‘Love’, presentado por el single ‘When I Fall In Love’ (el corazón de la portada es tal cual), será número 1 en las islas tras la venta de más de 50.000 unidades en una semana.
Estamos, por tanto, ante un nuevo éxito seguro para el cantante en la temporada navideña, en la que el artista ha vendido en todo el mundo cantidades industriales de sus discos. De hecho su álbum ‘Christmas’ es uno de los discos más vendidos de esta década, en torno a los 11 millones de unidades vendidas, 4 de las cuales se despacharon en Estados Unidos y 2 en Reino Unido.
No será Navidad, en cambio, cuando el artista visite nuestro país. Michael Bublé, tras haberse retirado un tiempo de los escenarios debido a la enfermedad de su hijo, actuará el 27 de septiembre en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 28 de septiembre en el Wizink Center de Madrid. Las entradas para los shows del otoño de 2019 se ponen a la venta mañana a través de Ticketmaster.
La M.O.D.A. y Viva Suecia, dos de los grupos con más festivales a sus espaldas de nuestro país, son noticia hoy por algo que difícilmente podían barruntar ellos mismos. Pablo Laso, el entrenador de baloncesto del Real Madrid, los ha utilizado en un vídeo para motivar al equipo de cara a su participación en la Euroliga. Aunque el vídeo de la charla motivacional se ha subido a la web oficial del Real Madrid, la prensa deportiva lo señala como un «hecho insólito», como es el caso de As, que considera que «el entrenador del Real Madrid se ha ganado un sitio en la historia del conjunto blanco por méritos propios», pues «pocos pensarían en una última charla antes de una gran final así».
En el vídeo que se pone a los jugadores, se recita un texto extraído de ‘Himno nacional’, una de las canciones más populares de La M.O.D.A., y a continuación suena un tema de Viva Suecia, en concreto su tema colaborativo con ElyElla, ‘Todo lo que importa’, más electrónico de lo que acostumbra el grupo murciano. La letra de la canción y el texto de La M.O.D.A. aparecen incluso subtitulados al inglés en el vídeo del Real Madrid para que nadie se los pierda.
Mientras Viva Suecia han comentado en redes el hecho, indicando que «esto sí que no lo [esperaban]», y que «bonito gesto, gracias», La M.O.D.A. aún han de hacer lo propio. ElyElla han comentado también: «flipando muy fuerte con esto».
Zahara desvelaba para JENESAISPOP que prepara una trilogía de discos iniciada con ‘Santa’ y sucedida con ‘Astronauta‘, el álbum que publicaba el pasado viernes, y que está nominado al Premio Ruido a Mejor Álbum del Año. Y eso que ha llegado por los pelos, pues el plazo de presentación/edición terminaba el domingo 18 de noviembre. La prensa especializada tenía lógicamente acceso al disco con anterioridad y en algunos casos también a la fascinante copia física del álbum, lo que ha jugado claramente a su favor en los últimos días de votación.
La cantante asentada en Madrid ya había mimado la caja de ‘Santa’, similar a la nueva, pero ahora da un paso más allá. Si el disco hace un paralelismo entre la soledad de un astronauta y la soledad que sintió al enfrentarse a la aventura de ser madre (aunque el álbum no habla tanto sobre la maternidad), la caja incluye varias cosas relacionadas: un mapa de un sistema alternativo con diversos estadios como planetas, de la melancolía a la soledad; un libreto con las letras y 5 relatos de corte espacial (de las cuales el más significativo es ‘Michael Collins’); un pase para usar en la web de Zahara; una carta que solo se puede abrir «en caso de emergencia»; y mi cosa favorita, una foto del Café Verbena en el que se inspira la bonita canción ‘Adjunto foto del Café Verbena’ y que obviamente da todo el sentido a su título. Otras veces el significado de cada frase u objeto no está tan claro en su relación al álbum, pero ahí queda para que cada fan se ralle con ello durante los próximos meses (o años).
El disco 1 incluye una intro instrumental que no aparece en Spotify. Se trata de ‘Astronauta 2049’, que Zahara ha querido meter como pista 1 en el CD para que el álbum no empezara tan de sopetón como con ‘David Duchovny’, si bien en el caso de Spotify no le parecía procedente arrancar con una intro. Pero la noticia musical es claramente la inclusión de un CD 2 con rarezas que tampoco están en Spotify, como ha de ser, pues son rarezas para fans.
Entre una versión primigenia de ‘El deshielo’ y una grabación de 2005 de su hit ‘Con las ganas’ como demasiado emocionada (Zahara sale medio llorando, cosa que terminaba haciendo cada dos por tres interpretando esta canción); destacan grabaciones de este mismo año como ‘Cardboard Spaceship’, un dúo con James Wyatt a lo Moldy Peaches o ‘Gato de Troya’ junto a The New Raemon. Pero también el final extasiado de ‘Frágiles’ (2013) o una ‘Imposibles’ de 2007 que parece una de las canciones folkies de The Sundays. La edición limitada y firmada de ‘Astronauta’ está disponible en Amazon por 19,99 euros.
Nicki Minaj ha sido noticia este año por publicar ‘Queen‘, su nuevo álbum, pero también por muchas otras cosas, como enfadarse con Travis Scott, al que ha acusado de robarle el número uno en Estados Unidos; colaborar con Tekashi 6ix9ine para decepción de sus fans, insultar a una periodista en Twitter, pelearse (casi mano a mano) con Cardi B y ser demandada por Tracy Chapman por el uso no autorizado de una de sus canciones. La rapera tiene tantos frentes abiertos que un día aceptará actuar en un festival y descubrirá que es de “mentira”. De hecho, es más o menos lo que le acaba de pasar.
Minaj actuaba este domingo en Shanghai, concretamente en un festival llamado Djakarta Warehouse Project (DWP) que suele celebrarse anualmente en Bali, Indonesia. Parecía que, este año, el evento se desdoblaba en China y de hecho por internet había circulado el cartel con la supuesta programación oficial, que incluía a artistas como Minaj o Luis Fonsi. Sin embargo, poco antes de la celebración del evento, aparecía en la web de DWP China un comunicado según el cual el evento chino no alberga vínculo legal alguno con la “marca DWP” y el cartel que había circulado por internet “no era autorizado”. El problema es que Minaj ya había llegado a China (desde Estados Unidos) cuando se revelaba esta información. Y no era la única: Luis Fonsi de hecho sí ofreció su concierto. En otras palabras, el festival sí tuvo lugar, pero parece que no de forma muy legal.
Llegado el día de la anunciada actuación de Minaj en China, la rapera decidía negarse a actuar al descubrir que el evento parecía un fraude, dejando a sus fans -que también cayeron en la trampa- con ganas de verla. De hecho, según Shangaiist, estos fans han llegado a pagar hasta 400 euros por ver a su ídolo que no se sabe si recuperarán. Minaj actuaba por 3 millones de dólares. Al menos, Minaj dejó un mensaje a sus seguidores antes de volver a casa: “a mis verdaderos fans, os amo, volveré a Shanghai para veros, con un socio mejor”. Fonsi no ha hecho declaraciones sobre la naturaleza sospechosa del evento por ahora.
Izal han triunfado este año con ‘Autoterapia‘, que lleva desde su lanzamiento en la lista de ventas española, concretamente 36 semanas durante las que se ha mantenido en posiciones muy dignas (actualmente es número 50) y será sin duda uno de los discos más vendidos de 2018 en España, como lo fueron sus álbumes anteriores en sus respectivos años. El grupo está a punto de presentar ‘Autoterapia’ en una nueva gira llamada “Gira Autoterapia” para la que ya hay fechas, que podéis consultar en la web del grupo.
Con motivo de esta inminente gira, Izal han compartido el videoclip para el tercer single de ‘Autoterapia’, ‘La increíble historia del hombre que podía volar pero no sabía cómo’. Es un corto animado protagonizado por los miembros de Izal, que luchan contra un ente malvado en una aventura espacial llena de obstáculos pero con final aparentemente feliz (NdE: no sale “Bowie flotando” en ningún punto del vídeo).
“Producido e ideado” por AfterliVe Films, la nota de prensa indica que el vídeo, animado por Hiru Animation con la dirección de Manuel Rubio, “ha sido formado por más de 3.600 fotografías simulando animación con la técnica de stop motion, a partir de muñecos de silicona y escenarios artesanales, que ha recreado durante 5 meses de trabajo constante”. La “aventura especial” recreada en el vídeo sentará las bases para la “historia” y “estética” de la próxima gira de Izal.
Carolina Durante sorprendían el pasado mes de octubre invitando a su concierto de Barcelona a Amaia Romero, ganadora de Operación Triunfo 2017. El grupo madrileño y la cantante navarra cantaron juntos ‘Perdona (ahora sí que sí)’ de Marcelo Criminal, poniendo en el mapa de muchos al cantautor murciano de forma bastante inesperada. Aunque la colaboración de Carolina Durante y Romero no era del todo sorprendente para quien recordara que Romero ya había versionado al grupo en su stories de Instagram, en concreto su canción ‘El himno titular’. La versión provocaba rumores en la prensa del corazón sobre una posible relación entre el cantante de Carolina Durante, Diego, y Amaia, que el primero se veía obligado a desmentir.
Lejos de quedarse en simpática anécdota, la versión de ‘Perdona (ahora sí que sí)’ de Carolina Durante y Amaia puede seguir trayendo cola por las razones inesperadas. En las últimas horas ha surgido en Twitter una cuenta llamada “Carolina Durante Roba” en la que una persona anónima parece acusar al grupo madrileño de haber robado a Marcelo Criminal su canción, y de haberle prometido una colaboración que no se ha producido, optando el grupo por Amaia. Marcelo Criminal ha negado ser el responsable de dicha cuenta.
Toda esta “trama” viene acompañada de la “filtración” de un audio en el que puede escucharse a Carolina Durante y Amaia “ensayando” la canción. “¿Sabéis que esta canción es de Marcelo Criminal? Que es un chaval de Murcia, además de más cosas”, escribe la cuenta de Twitter. No está claro si el ensayo es anterior o posterior al concierto de Barcelona ni quién es esta persona anónima que llama “ratas” a Carolina Durante exactamente, pero todo esto huele raro… como si la historia no terminara aquí.
Os dejamos con el supuesto ensayo:
Sabéis que está canción es de @marcelocriminal ? Que es un chaval de Murcia además de más cosas
Como ya sabíamos, Aitana preparaba una nueva versión de su hit ‘Teléfono‘ junto a una de las artistas jóvenes norteamericanas con mayor proyección, la popular cómica youtuber Lele Pons, que recientemente petaba también en España con ‘Celoso’. Hace unas horas llegaba al fin ese ‘Teléfono (Remix)’, que es básicamente la misma canción con algunos arreglos distintos de sus productores Mauricio Rengifo y Andrés Torres (‘Despacito’) y unos nuevos versos de Pons. ¿Parece poca cosa? Quizá, pero eso no impide que su vídeo oficial sea ya el más visto en nuestro país en las últimas 24 horas, alcanzando ya el Top 1 de la lista de Tendencias de Youtube, de camino ya a los 3 millones de reproducciones. Parece evidente que, con su nueva forma, volverá a ser un éxito.
El vídeo, eso sí, tiene más miga que aquel soserío con el que se lanzó la primera versión del tema. Dirigido por Anwar Jibawi, otro cómico afianzado en Youtube con el que Lele colabora frecuentemente, el clip escenifica la decepción amorosa que la ex-concursante de Operación Triunfo desgrana en la letra de la canción, si bien esta vez cuenta con una aliada, Lele, que acude en su rescate. De hecho, se diría que la escena en la que Pons acude en un coche amarillo a buscar a su amiga es todo un homenaje a la celebérrima aparición de Beyoncé en el clip de ‘Telephone‘ (precisamente) de Lady Gaga.
Aitana, como reveló semanas atrás, publicará el próximo 30 de noviembre ‘Tráiler’, la primera parte de su debut discográfico que se completará el año que viene con otro volumen. En los últimos días se ha revelado la portada del disco e incluso se la ha visto presentando alguna de sus nuevas canciones (‘Vas a quedarte‘) en actos promocionales.
En nuestra playlist con las mejores canciones del mes hemos seleccionado ‘Baby’, lo nuevo de Clean Bandit. Parece que Marina Diamandis está un poco gafada y este no va a ser uno de los grandes éxitos de la banda británica como sí lo fueron ‘Rather Be’, ‘Rockabye’, ‘Solo’ o ‘Symphony’, pues de momento tan solo ronda el top 30 en Reino Unido, pero eso no le quita méritos artísticos a una melodía preciosa cuyo origen está presto al debate.
El “éxtasis” de Rosalía, C. Tangana convertido en San Sebastián por Eduardo Casanova, las fantasías de Travis Scott, Milla Jovovich acosada por Parcels, y los Stories de Miss Caffeina. Analizamos los referentes estéticos y narrativos de cinco de los videoclips más destacados de las últimas semanas.
Dani Mateo ha sido imputado por sonarse los mocos con la bandera española durante un gag de El Intermedio emitido el pasado 31 de octubre. Así, el humorista tendrá que acudir el próximo lunes 26 de noviembre a las 11.30 al Juzgado de Instrucción Nº 47 de Madrid para declarar tras admitirse la denuncia de la Alternativa Sindical de Policía por los presuntos delitos de odio y ultraje a símbolos nacionales o sus Comunidades. No será la primera vez que declare, pues ya tuvo que hacerlo por un gag sobre el Valle de los Caídos, siendo finalmente absuelto. 
Chris Martin de Coldplay tiene otras cosas que “celebrar” aparte de la 
Alondra Bentley no para de mostrar que es un espíritu inquieto. Su voz, preciosa y aguda, es idónea para lo que ha venido haciendo en los primeros años de carrera: canciones folkies e intimistas, discos de nanas… que la podrían haber convertido en algo así como la Marissa Nadler de nuestro país. Pero no. 
Bob Dylan ha sido noticia en los últimos tiempos por ganar el Nobel de Literatura -aunque también por supuestamente 
Aunque aún quedan algunos lanzamientos importantes de 2018, la lista de nuevo álbumes publicados mengua ya drásticamente en estos últimos viernes de 2018. Hoy destaca el muy demorado 
Sidonie publican hoy ‘Lo más maravilloso’, su nuevo recopilatorio, que celebra sus 20 años en activo. El disco incluye dos canciones nuevas, el 
Rita Ora y John Legend han actuado este jueves en un desfile de Acción de Gracias en Nueva York, por el que también se han pasado Diana Ross, Bad Bunny, Leona Lewis o Bazzi. Subidos a unas carrozas, Ora y Legend han optado por hacer playback en lugar de cantar en vivo, con la mala suerte que Ora, que hoy 
Hoy viernes se estrena una canción muy «de viernes», la versión que Carolina Durante han grabado junto a Amaia Romero del artista underground Marcelo Criminal. La edición de este tema no es del todo una sorpresa, pues el grupo madrileño 
A buen seguro todos, seáis grandes fans o no, sabéis bien que este mes de noviembre –concretamente hoy, 22 de noviembre– se cumplen 50 años de la edición de la publicación del llamado “Álbum Blanco” de The Beatles. Una –sino LA– obra cumbre de la música popular del siglo XX que, si ya en su versión original era apabullante y fascinante con sus diversos y ricos 30 cortes, estos días ha sido reeditada en una mastodóntica caja con nuevas mezclas, sesiones inéditas y blablabla… Ese fantástico disco –imprescindible en esencia, más allá de estas fatigosas y raramente necesarias ampliaciones– parece dejar siempre a la sombra a otra obra maestra del pop rock no ya británico sino universal. Hablo de ‘
Alaska y Mario han visitado esta semana el programa #yu de Dani Mateo para hablar de varios temas, entre ellos la educación sexual. Ha salido a debate el VIH y las declaraciones de la pareja al respecto, así como las del presentador Mateo y su colaboradora Lorena Castell (Lorena C), han generado críticas en
Tommy Cash es conocido por singles como ‘Winaloto’ o ‘Pussy Money Weed’ pero sobre todo por sus locos videoclips, que por su contenido entre surrealista, absurdo y grotesco (no siempre en este orden) suelen ser más noticia incluso que las propias canciones. Imperdibles eran, por ejemplo, los 
Hace dos años nadie pudo discutir que Anderson .Paak firmó uno de los trabajos más interesantes y disfrutables de aquella temporada con ‘
Cariño son una de las sensaciones de la temporada gracias al mini álbum que acaban de publicar en Elefant, ‘Movidas’, en el que han incluido pequeños grandes hits del underground como ‘Bisexual’, ‘Canción de pop de amor’ o ‘Mierda seca’; y también a la viralización de su versión de ‘Llorando en la limo’ de C. Tangana. Han agotado las entradas para sus conciertos en el Café La Palma (Madrid) de la semana que viene… ¡durante dos días seguidos! y ya están confirmadas en el FIB.
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