Aún sin noticias concretas sobre ‘Akelarre’, el primer disco de Lola Indigo, que sigue sin fecha de lanzamiento aunque se sabe que sale “en primavera” y sin tracklist confirmado aunque presumiblemente tanto ‘Ya no quiero ná’ como ‘Mujer bruja’ con Mala Rodríguez y ‘Fuerte’ estarán en él, la cantante y bailarina granadina sigue lanzando singles y el último de ellos es ‘El Humo’, el tema principal de la nueva película de Carlos Therón ‘Lo dejo cuando quiera’, recién estrenada.
Reforzando su elemento sensual con la carismática frase “que la luna domina de la noche asesina”, ‘El Humo’ es otro tema bailable de Lola Indigo en la onda de ‘Mujer Bruja’ o de ‘Mala mujer’ de C. Tangana, y su videoclip alterna imágenes de Lola Indigo y su grupo de bailarines bailando en una discoteca con otras de la propia película. Otro buen tema de Mimi Doblas que la cantante probablemente no dejará de incluir en su disco, pues no está nada mal y además mantiene el tono de sus singles anteriores.
Os dejamos con la sinopsis de ‘Lo dejo cuando quiera’ disponible en SensaCine: “Pedro (David Verdaguer), Arturo (Ernesto Sevilla) y Eligio (Carlos Santos) son amigos desde la facultad. Son profesores universitarios, pero con la crisis se han quedado sin trabajo. Cansados y sin dinero, encuentran accidentalmente la solución a sus problemas gracias al proyecto de investigación en que Pedro lleva años trabajando: un complejo vitamínico que ofrece desfase a tope sin efectos secundarios. Los tres profesores se lanzarán al mundo de la noche y al de los negocios turbios, con el fin de comercializar la mercancía. Claro que, parece que no están tan preparados para ello como creían”.
A Frank Zappa no te lo acabas nunca. Músico freak, vanguardista, bestia escénica, abanderado de la libertad de expresión, compositor de música contemporánea, visionario y genio, Frank Zappa se fue demasiado pronto, en 1993. Un adicto al trabajo como él sin duda dejó muchos frentes abiertos y proyectos inacabados. Pero, de todo el material post-mortem que podría llegar a generar Zappa, confieso que jamás habría imaginado que lo veríamos regresar a los escenarios… en forma de holograma. Ese “retorno” se titula ‘The Bizarre World of Frank Zappa’ y se podrá ver en España el 13 de julio en el Doctor Music Festival 2019. Sin duda, la confirmación que más llamó la atención de todas las del festival.
Detrás de este proyecto está Ahmet Zappa, hijo menor de Frank, co-administrador del Zappa Family Trust y vicepresidente ejecutivo de Eyellusion, la empresa especializada en producción de espectáculos hologramáticos. De hecho, fueron los responsables del tour que “resucitó” a Ronnie James Dio hará un año y medio. La gira, que arrancará en Port Chester (Nueva York) el próximo 19 de abril, consiste en, según la hoja promocional, “Frank Zappa en la guitarra solista y las voces con algunos de sus antiguos compañeros. (…) Este espectáculo alucinante celebra la música, la a menudo imaginería surrealista y el humor sinónimo de Frank Zappa”. Y es con Ahmet Zappa con quien hablamos por teléfono acerca de esta gira.
Siguiendo la hoja promocional, el tour se justifica por la devoción por las innovaciones tecnológicas de Frank Zappa. De hecho, por todo aquello que le ayudara a desarrollar su principal pasión: la composición. Era un incondicional del synclavier. Y justificaba el uso de las máquinas en el mundo de la música con sus clásicas humoradas: “si eliminas el factor humano, eliminas lo que falla en la música”. “Las máquinas no se ponen hasta el culo, no se emborrachan y no son desahuciadas por el banco”. Aun así, ¿esta querencia por la tecnología justifica esta “gira hologramática”? Hay algo extraño en entrevistar al hijo sobre el tour de un padre fallecido. Se me agolpan las cuestiones, pero cierto es que apenas logro meter cucharada en la verborrea comercial de Ahmet. Por más preguntas que le hago, todo retorna a lo alucinante que es el show.
«Hay una gran diferencia entre los shows de Buddy Holly o Roy Orbison y lo que hacemos nosotros»
Mi primera pregunta es, ¿por qué se decidió hacer un tour de Frank Zappa en holograma? Hace poco llegaban noticias sobre la gira de Roy Orbison y Buddy Holly. Pero Frank Zappa como opción, de entrada, parece sorprendente. Al menos no es uno de esos artistas en que uno pensaría si alguien nos preguntara a quién creemos que el público querría recuperar en 3D, ¿no?
Oh, no lo creo. En la música la gente tiene sus propias preferencias, claro. Buddy Holly, Roy Orbison, esos shows, tienen muchas similitudes con cualquier otro. Pero si realmente quieres tener una experiencia clara de la música de alguien fallecido, realmente quieres verlos y compartirlo. Pero hay una gran diferencia entre los shows de Buddy Holly o Roy Orbison y lo que hacemos nosotros en Eyellusion… ¡La diferencia es tan dramática! Usamos un software diferente. No creo que haya manera de compararlo. Tenemos otro hardware, otro tipo de personal de técnico, es una configuración muy diferente. Lo que hacemos en el escenario es envolver a la banda en contenido. Es una experiencia visual. No es solo negocio. En mis conversaciones con mi padre, me inspiró a completar algo que él mismo empezó. Frank estaba realmente interesado en hologramas, arrancó una empresa de hologramas. Escribió sobre ello en su libro, ‘The Real Frank Zappa’ (Nde: editado en España por Malpaso).
En el mismo capítulo donde habla del proyecto en 3D que tenía en mente, también adelantó los servicios de streaming [Nde: Zappa proponía un servicio de música en televisión por cable increíblemente similar a lo que son Spotify, Apple Music o Deezer hoy en día].
¡Sí! Imagina ser un niño y tener esta persona brillante inspirando tu mente, empujándote a los límites de lo que es tecnológicamente posible. Alguien que ha trabajado siempre con las tecnologías más punteras. Y desde este punto de partida hasta hoy, aquí estamos, haciendo ensayos completos de un show que está totalmente inspirado por Frank, que me inspiró a mí como padre. He tratado de incorporar muchas de las imágenes y estética que le gustaba. He utilizado diferentes estilos de arte, de filmaciones, para crear una experiencia totalmente inmersiva. Para los fans de siempre, pero también queremos preparar un show que, si nunca has escuchado la música de Frank, te volverás fan de su música. Creo que si no supieras nada sobre Frank y vinieras al show, tendrías la mejor noche de tu vida.
«Mi padre me hablaba de esto de pequeño. Ese recuerdo siempre ha estado conmigo»
¿De dónde viene la idea?
Porque mi padre me hablaba de esto de pequeño. Ese recuerdo siempre ha estado conmigo. Como cineasta, como productor de contenido, como escritor, ese es mi trabajo habitual. Cuando me encontré con Jeff (Pezzutti, creador de Eyellusion) me dijo que sería interesante hacer un espectáculo con el holograma de Frank Zappa. Cuando mi madre vivía había gente que llamaba a la puerta con ideas como esta. Empezamos conversaciones, pero nadie podía ofrecernos nada o acercarse a la idea que yo tenía sobre cómo debería ser el show. Pero después de todas las conversaciones que tuve con Jeff, vimos que la cosa no es solo hacer aparecer a alguien en el escenario. ¡Eso me parece muy aburrido! Quiero hacer algo que… ¡te lleve a un mundo diferente! ¡Algo más grande! Y Jeff me dijo: “ok, entiendo lo que quieres decir”. Yo le traje ideas y él estaba inspirado, así que nos pusimos de acuerdo y empezamos a construir el show. Que es, visualmente, muy diferente a cualquier otro concierto. Creo que es una noche musical apasionante. Es divertido, es conmovedor, te “rockeará”, te volará la cabeza. Algo completamente surreal, varias de las partes son como un viaje de ácido. Es un delirio para tus ojos.
En el documental ‘Eat that question’ (que recopila entrevistas en televisión de Frank Zappa desde los sesenta hasta el año de su muerte) Frank recalca, en una de las entrevistas, que que en sus shows había mucha improvisación. Asimismo, en el libro ‘The Real Frank Zappa’, escribe, al respecto del público de los conciertos, que “los que van a ese concierto son los únicos que lo van a experimentar. La pieza existe sólo para ellos”. Este principio se incumplirá con esta gira entonces, ¿no? Porque aunque haya música en directo, la actuación de Frank siempre será igual, no?
No sé si acabo de entender la pregunta…
«Mi padre era un gran fan de Terry Gilliam, adoraba la película ‘Brazil’, adoraba sus animaciones con Monty Python, y queremos introducir algo así»
Es que, por lo que explicas, el show está más cerca de lo que sería un espectáculo de un parque de atracciones que lo que sería un concierto de rock al uso, ¿no?
No, no no. Vale, entiendo. No sé si has ido alguna vez a un espectáculo emocionante del Cirque du Soleil. Imagina el espectáculo sin ninguno de los acróbatas, sin ninguno de los artistas que que están físicamente allí. La idea es que conectas con el ambiente y la experiencia. Sus shows son muy inspiradores para mí. Y lo que intentamos hacer es algo similar de modo digital. Tenemos muchas pantallas en el escenario, que rodean a la banda. Si vas a través de ese viaje visual, con una banda en vivo, los verás cantando, los verás tocando esas canciones y verás diferentes versiones de Frank. La versión hiperrealista, otra inspirada en Terry Gilliam, en su obra visual. Mi padre era un gran fan de Gilliam, adoraba la película ‘Brazil’, adoraba sus animaciones con Monty Python, y queremos introducir algo así. En una sola canción hay 300 imágenes distintas. Todo este amalgama visual es algo así como un collage, muy loco, ¡y eso en una sola canción! Cada tema del show tiene su propio arte y sonido. No es estático, es una experiencia inmersiva. Son dos horas, sin pausa. Vídeo, imaginería, con la mejor banda del mundo machacando su música (Nde: se va entusiasmando progresivamente). ¡Es jodidamente asombroso!
¿Y cuánto tiempo habéis necesitado para los ensayos de los músicos? ¿Ha costado mucho trabajo coordinar los músicos con los visuales?
Hemos estado dos o tres semanas con la banda tocando y, desde esta semana, ensayando con todo el montaje. Hemos colocado todas las piezas justo ahora. Ahora se tomarán un respiro, hasta que empecemos el show.
El espectáculo está basado, por lo que leo, en una filmación de 1974 [según el texto promocional, “Frank Zappa transformó su local de ensayo en Los Ángeles en un estudio de sonido y efectuó una apasionada y genuina actuación vista solo por los operadores de cámara que, en la habitación, capturaron hasta el más mínimo y extravagante momento”] ¿Cuándo descubriste esta filmación?
Tuve conocimiento hace unos cinco o seis años. No las había visto. Joe Travers que es encargado de los archivos de Zappa, la conciencia de su legado, siempre me decía: “oh, tenemos esto”. Era algo que sabíamos (que estaba). Pensamos en sacar el concierto en DVD, porque es una pura y asombrosa noche de música la que se capturó. Pero pensamos “tenemos esta fantástica actuación. Podemos aislar la voz de Frank, sus guitarras. Empecemos desde aquí”. Desde un punto de vista visual, fue la referencia para realizar el holograma. Me gusta el look que tenía en esa época, queríamos dejarlo con ese pelo largo, en ese punto exacto en el tiempo. Y eso es lo que hicimos.
¿Ha supuesto mucha inversión esta gira?
Sí. Primero confiamos en toda la gente que había trabajado en ello en el pasado. Hubo mucho pensamiento crítico antes de que empezáramos a gastar ningún dinero. Se ha necesitado mucho conocimiento previo antes de que se hiciera realidad, mucho trabajo hasta llegar aquí y crear el show en su totalidad, desde el punto de vista creativo, como con las metamorfosis faciales. Tenía la necesidad de entender, de profundizar. Hemos usado mucho hardware, para ir viendo cómo es primero el escenario real para, luego empezar a crear el contenido según sus especificaciones. Desde el punto de vista del diseño, es un proceso que viene de muy atrás. Y aquí estamos. Eyellusion es la compañía que realmente está fundando esta experiencia. En muchos sentidos, creo que es una oportunidad increíble para mí, como creativo. Tengo la oportunidad de crear algo especial. Estoy tan agradecido a Eyellusion, de haber encontrado a Jeff, de haber hecho algo juntos que es extraordinario.
«Frank falleció, pero es algo igualmente asombroso, en mi opinión, por la naturaleza de los visuales y la experiencia»
¿Es este el futuro de los conciertos de rock? ¿Ver a los ídolos como hologramas? Por un lado entiendo que es una opción a medida que nuestros artistas favoritos envejecen. Pero esto choca también con el fetichismo del público, con ese deseo de ver al artista en carne y hueso, ¿no?
Mira… (pausa) Si la gente pudiera vivir para siempre, sería genial. Si tus ídolos nunca murieran sería fabuloso. Pero de vuelta en la realidad, creo que hay una gran diferencia entre “alguien tocando” y “la música de ese alguien”. Una fantástica noche de música puede ser ver a bandas tributo versionando las obras maestras de otros. Pero, si tú quieres escuchar a Frank en su amplitud, la única manera de escuchar a Frank tocando la guitarra, de escuchar a Frank cantar de nuevo, en el escenario, con una banda en vivo… No hay otra manera. Ciertamente no es lo mismo, porque Frank falleció, pero es algo igualmente asombroso, en mi opinión, por la naturaleza de los visuales y la experiencia. Es una carta de amor a mi padre y espero que a los fans les guste.
El punto de tu pregunta es que mucha gente de las que somos fans están envejeciendo. Y se van a morir. Lo que significa para la industria es que estos tours gigantescos se acaban. La industria depende de ellos, de vender entradas, de llenar recintos, etc, etc. Pero si quieres una experiencia más barata pero grandiosa, compañías como la nuestra, con personal creativo, creo que es el camino correcto. El show de Zappa es la prueba del valor de este tipo de experiencias. Creo que cuando la gente vea el show les abrirá la mente, verán que es posible. Somos una experiencia en gira, como el Cirque du Soleil, como he dicho antes. Si ves el espectáculo ‘Love’ no son los Beatles, pero obtienes esa experiencia. Quieres ir a ver ese espectáculo por lo que vas a experimentar, no sabes realmente cómo va a ser. Podemos traer ese tipo de entusiasmo, de diferente manera… llámalo de manera inmersivo-visual.
¿Hay material para más tours? Leí que también estabais preparando un espectáculo sobre ‘Joe’s Garage’ [Nde: ópera rock de Zappa que apareción dividida en dos discos en 1979], protagonizada por otro holograma de Frank Zappa…
¡Sí! Hemos trabajado en una línea. Sabemos lo que significa’ Joe’s Garage’ para los fans. Y la parte guay es que tenemos todos los audios. Básicamente Frank “reflejó” el álbum. Y lo guay es que con los recursos que tenemos es completamente posible para Frank protagonizar su propio musical.
[Nde: uno de los puntos oscuros de este proyecto, pero, tiene que ver con la gestión del legado de Zappa. Gail Zappa, la matriarca y gestora de la herencia de Frank, falleció en 2015. Y repartió dicha herencia en un 30% para Ahmet, otro 30 % para Diva (los hijos menores) y un 20 % para cada uno de los hijos mayores, Dweezil y Moon. Esto ha generado un montón de conflictos en el momento en que, de facto los primogénitos no controlan nada del patrimonio. El mayor encontronazo lo tuvieron Ahmet y Dweezil –un aclamado guitarrista que actuaba con la gira ‘Zappa plays Zappa’- sobre el uso del nombre y la venta de merchandising a nombre de Frank. Así que no puedo evitar preguntar sobre el tema].
«Me siento un poco triste por no tener a mi hermano tocando la guitarra en el show con Frank»
¿Tus hermanos están de acuerdo con este tour?
Creo que, definitivamente, como cualquier familia, tenemos altibajos. Es duro cuando pierdes a tus padres. Y creo que fans están sacando las cosas de sus casillas y hay mucha información errónea. En tanto que ellos están envueltos en esto (el legado de Zappa), celebrar la creación del espectáculo… depende de ellos. Siempre que se rompe el sentido de comunidad en cualquier relación puede ser muy duro. Pero estoy feliz de las motivaciones detrás de esto y, en este show, son ventajas para toda la familia. Me siento un poco triste por no tener a mi hermano tocando la guitarra en el show con Frank.
¿Existe esa posibilidad?
Sí que hemos hablado. Habíamos tocado juntos la música de mi padre, en un show que hicimos juntos en tributo. Por otro lado, nadie ha visto nunca algo así. Sería una nueva experiencia. Y si él quiere, claro que hay oportunidad, estamos abiertos. Lo mismo con mi hermana. No lo sé. Es algo muy personal para ellos. No puedo hablar por ellos, supongo que se están protegiendo a ellos mismos. Ojalá pudiéramos ver el show juntos, me puedo imaginar que tendrían una reacción similar a la que yo tuve la primera vez, quiero creer que tendrían la misma reacción emocional, la de “¡Oh Dios mío! . Porque es extraordinario.
Una de esas canciones que cuando salen te dan un poco igual y después se crecen en la secuencia del disco correspondiente es ‘Wish You Were Gay’ de Billie Eilish, que el mes pasado quedaba un poco sepultada por la calidad de ‘WHEN I WAS OLDER’ y ‘bury a friend’ y por cierta polémica sobre su posible homofobia también.
Pero sus pequeños trucos de producción han terminado de elevarla como una favorita del público y es con razón. De entrada un título así suena tan antiguo como escuchar ahora mismo preguntar a Amy Winehouse «are you gay?» en la letra de ‘Stronger than Me’ (2003). Sin embargo, el texto está lleno de comicidad y el añadido de carcajadas o murmullos de desconsuelo sitúan aquí a Billie Eilish claramente riéndose de sí misma. ¿Que ella canta «nunca me dirás «nunca te dejaré marchar»», su hermano y productor Finneas O’Connell añade unos entrañables «oooooooh». ¿Que hace un juego de palabras con el dicho «tres son multitud» siendo ella la que sobra? Finneas añade unas delirantes carcajadas más pasadas de moda todavía.
Esta tontería da un dinamismo muy original a la producción y le quita hierro al asunto, por si no quedaba claro durante la cuenta atrás de la segunda estrofa que la letra era de corte humorístico: «9 times you never made it there / I 8 alone at 7, you were 6 minutes away». Lo cual, por cierto, es una historia real: Ella cuando tenía 14 años y su objeto de deseo quedaron a cenar («ate/eight») a las 19.00 y el tipo se presentó a las 21.30 aunque vivía a 6 minutos. No, no le interesaba Billie para nada.
Él resultó gay al final, y Eilish está teniendo que salir del paso, algo molesta, de las acusaciones de usar la palabra «gay» como algo malo o de resultar «queer-baiting«. Siempre es interesante leer todas las teorías, pero (shame on me!), también se le puede dar la vuelta a la canción y se me ocurren un par de destinatarios para este título. Esta canción hace la circunstancia menos trágica y un poco más divertida.
Low Festival 2019 anuncia esta mañana una tanda de confirmaciones para compartir cartel con New Order, Foals, Bastille, Vetusta Morla, MØ, Fangoria, La Casa Azul, Cut Copy o Ladytron, entre muchos otros. Encabezan la lista los neoyorquinos Fischerspooner. Abanderado del electroclash y el electropop desde hace casi 20 años, Casey Spooner y su banda presentarán su último trabajo, ‘SIR‘, un disco producido por Boots y Michael Stipe (sí, el de R.E.M.) que le ha dado nuevos material para sus explosivos directos.
En el plano nacional, los grandes destacados (pese a que aún no han editado su álbum debut) son Carolina Durante, objeto de un hype pocas veces vivido en el indie español. Sólo con sus singles previos y varias de las canciones de su inminente primer disco, ya son capaces de montar buenas jaranas en vivo. Mucho más recorrido tienen Second: meses atrás publicaban ‘Anillos y Raíces‘, su octavo álbum de estudio como uno de los nombres más fiables del sector alternativo nacional.
Otro grupo novel que cada vez capta más atención es Cupido. La alianza pop del rapero Pimp Flaco y el grupo Solo Astra ha fructificado en el notable ‘Préstame un sentimiento‘, que no deja de ganar adeptos gracias a su falta de complejos y sus buenas canciones. Mastodonte, proyecto liderado por Asier Etxeandia (ahora triunfando con ‘Dolor y gloria‘ de Almdóvar) y Enrico Barbaro que combina diversos estilos musicales y ofrece una llamativa puesta en escena para presentar su debut homónimo.
Con estos cinco nuevos nombres, los confirmados para Low Festival superan ya los 40, si bien la organización no da el cartel por cerrado. Low Festival 2019 dispone de abonos de 3 días, a la venta desde 65€ hasta este jueves, cuando se incrementará su precio. También están disponibles los abonos VIP (120€) y VIP Pool (170€).
Anitta lanzaba el pasado viernes ‘Kisses’, un álbum audiovisual (cada uno de sus temas tiene su vídeo oficial) en el que la acompañan artistas internacionales como Becky G (con la que comparte el explosivo ‘Banana‘), Snoop Dogg, Caetano Veloso o Swae Lee. Y, dado que España es uno de los mercados potenciales más jugosos para la artista brasileña (donde ya se la conoce bien por ‘Downtown‘ y ‘Vai Malandra‘, como mínimo), ha hecho un viaje relámpago promocional a nuestro país.
A pocas horas de aterrizar en Madrid, se dirigió a Fama A Bailar, el talent-show de danza que emite de domingo a jueves #0. Allí, tras dejar fascinada a Paula Vázquez (siempre entregadísima y feliz por todo, ¡qué entusiasmo!), hizo una interpretación en directo de ‘Poquito’, el tema que comparte con el citado Swae Lee, mitad del dúo hip hop Rae Sremmurd. Hasta ahí todo en orden.
Lo que resultó más confuso fue su insólita aparición en la tertulia futbolística ‘El Chiringuito de Jugones’ de MEGA, el canal del grupo Atresmedia. Más allá de que su aparición a la 1:00h AM dudosamente tendría algún eco (por suerte –o no– las redes sociales permiten que hoy nos enteremos de que sucedió), todo resultó realmente extraño: la forzada entrevista de Josep Pedrerol a Anitta, que malinterpretaba las preguntas dado su justito nivel de español y daba muestras de gran cansancio (lo mejor fue cuando dejó entrever que no sabía qué coño pintaba ella allí); la actuación posterior interpretando de nuevo ‘Poquito’ con los polemistas-tertulianos sin saber qué hacer a su espalda (algunos grababan con su móvil; otros como el polémico Tomás Roncero, hacía un amago de bailar, o algo parecido); y, por último, las reacciones de los espectadores del programa, que se dividían entre los que se preguntaban quién narices era Anitta, otros dudaban de su voz en vivo y algunos, cómo no, hacían comentarios sexistas. Esto es furgol, señoros. Os dejamos con el embarazoso vídeo y algunas reacciones.
No es por joder pero lo de "Voz en directo" no se lo traga un niño de 5 años, ¿Se puede tener menos ganas "cantando e interpretando" una canción?… PLAYBACK como una casa. #ChiringuitoAnitta
La Plata construyeron el arsenal de éxitos de su debut ‘Desorden‘, básicamente 28 minutos de «hit after hit», en torno al sonido de finales de los 70 y principios de los 80. Gente tan dispar como ESG, Big Boys, Joy Division, David Bowie, Ramones o Gang of Four estaban entre quienes podían venir a la mente al escucharlos. En su nuevo EP sorpresa de 4 canciones, los sintetizadores de Patricia Ferragud, que ya estaban ahí, tienen más protagonismo, inclinando la balanza hacia la new-wave y menos hacia el punk, como se aprecia incluso en la uptempo ‘Una vida fácil’. La voz de Diego Escriche está un poco más sumergida, evitando el carácter coreable que tenía el anterior disco, pues en ocasiones solo comprendemos lo que dice porque hay una foto del encarte del vinilo en la web de su sello Sonido Muchacho.
Por si no quedaba claro su paso a un lado, abren con una intro de más de un minuto y cierran con una versión de Décima Víctima. Esquivos y ajenos a las modas y a la esclavitud de las redes sociales, La Plata han perdido inmediatez sin tampoco entregar un disco abiertamente experimental. Sin la producción de Carlos Hernández (Triángulo de Amor Bizarro, Los Planetas), suenan como un grupo más en la estela de Joy Division: por momentos estas grabaciones suenan anteriores a ‘Desorden’.
Por suerte, los textos de búsqueda de uno mismo de la banda siguen sonando inquietos. ‘Enemigo’ habla sobre ser «el enemigo de nuestra propia realidad», de la «debilidad» de ser esclavo del «pensamiento irracional», y el grito coral «siempre» es otro momento mágico como lo había sido la mencionada y ligeramente experimental «intro», que es una pena que no tenga continuidad en el resto del minutaje. El grupo también ha logrado que ‘Detrás de la mirada’ parezca un tema escrito por ellos, pues de hecho, pese a la diferencia de estilo, incluye las palabras «enemigo» y «debilidad» y musicalmente contiene el mismo misterio y el mismo nivel de claroscuros que el frustrado camino hacia la salida de ‘Túnel’ o el deseo de «destruir el orden» y «las normas» de ‘Una vida fácil’. El tour GPS lleva a La Plata a Miranda de Ebro este sábado 13 de abril, a Tarragona (19 de abril) y A Coruña (27 de abril).
Calificación: 6/10 Lo mejor: ‘Enemigo’, ‘Túnel’ Te gustará si te gustan: Joy Division, Décima Víctima, el lado más esquivo de los grupos pop Escúchalo:Spotify
Nueva edición de nuestra sección 10 fotos que no debiste perderte, dedicada a mostrar fotos y vídeos de nuestros artistas favoritos en las redes sociales que, si no lo hiciste ya, te gustará ver. Hoy nos encontramos con Shakira, Dua Lipa, Becky G o Justin Timberlake dejando ver que son terrenales, a C. Tangana mimetizado con el estilo cubano, a Sharon Van Etten y su banda padeciendo los tours lejos de casa… y a Fernando Alfaro haciendo un bromazo con la autora de ‘Remind Me Tomorrow’.
Dua Lipa combate el jetlag con tequila… sale mal
La británica Dua Lipa, como buena millenial, es una de las artistas pop con mayor incontinencia en sus redes sociales. Así, la hemos visto alternar en el estudio con Nile Rodgers preparando su nuevo trabajo (en la parte más interesante), de vacaciones con su churri el chef Isaac Grace o jugar bolos en vestido de noche (en la más prosaica). También le sirven para mostrar que son humanos y, como tales, se equivocan y son capaces de darnos una lección con ello. Por ejemplo, si alguna vez has pensado combatir el jetlag con tequila… no caigas. Ella ya ha demostrado que no es buena idea.
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Aitana, como una chiquilla junto a Shawn Mendes
Otra muestra de que los cantantes pop pueden ser totalmente normales es la que nos dejaba Aitana días atrás. Mira que ella está acostumbrada a codearse con estrellas tipo Alejandro Sanz, Melendi o Sebastián Yatra, y posa junto a ellos con naturalidad. Pero con ninguno la hemos visto poner esta carita de pava que se le quedó al hacerse una foto con Shawn Mendes en el paso de la gira de este por Barcelona. Fangirling al máximo. Por cierto, hay que ver lo chiquitica que se la ve al lado del canadiense. ¡Qué mocetón!
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Ser Becky G no te libra de tener un novio hortera
Becky G es otra que nos ha dado una muestra de normalidad. Ser una estrella del pop en ciernes, aparentemente rodeada de permanente glamour y tal, no te libra necesariamente de tener un novio hortera. Tan hortera que, para celebrar su aniversario como pareja, le lleve el equivalente a la tuna en EEUU: un mariachi. Tal cual lo perpetró su chico, Sebastian Lletget. Que igual algo va a tener que ver que sea futbolista.
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Shakira y Piqué, lavando… ¿su imagen?
Y ya que hablamos de parejas artista/futbolista, el torero-coplera de nuestros días… Igual habías pensado que Shakira y Piqué, sendas estrellas en sus respectivas profesiones, mean colonia. Pero no, son como tú y como yo (a pesar de que nuestro patrimonio no supere el de ningún equipo de fútbol profesional y aunque no estemos juzgados por defraudar, supuestamente, millones a Hacienda; un detallito). Y así lo muestran en esta tierna y mundana imagen: vestidos con chándal y deportivas a juego, se dan arrumacos en el túnel de lavado mientras sacan brillo a su utilitario de lujo, como cualquier pareja cis-hetero de barrio popular.
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Fernando Alfaro y su humor visual
Y hablando de túneles de lavado nos acordamos de aquella canción de Fernando Alfaro para su proyecto Chucho, llamada así (aunque en su caso lavaban almas, no coches). El ilustre rockero español no es de los más pesados prolíficos de Instagram, pero cuando actualiza su perfil no da puntada sin hilo. En este caso, con un chiste visual que implica a un gato y a Sharon Van Etten. Adivinad…
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Sharon Van Etten y los avatares de un tour
A los artistas les duele la boca de decirlo: una gira no es ninguna bicoca y a veces las pasan putas. Por ejemplo, la misma Sharon Van Etten que Fernando Alfaro sacaba a colación mostró la cruda realidad: actuar, cargar todo el equipo en la furgoneta, terminar a las 00:00h… y esperar hasta las 3:00h AM para coger un ferry que les lleve a Glasgow. Heather Woods Broderick, la artista que forma parte de su banda, expresa muy bien lo que se siente, para risión de una perversa Sharon.
Aunque, si tienes suerte, y eres una megaestrella, las giras pueden ser más agradables. Por ejemplo, en el caso de Justin Timberlake, puede acompañarle su mujer, la actriz Jessica Biel, que en bambalinas puede permitirse incluso sobarle el culo a su deseado marido. La parte mala de ese estatus es que seguro que tienes cerca a un fotógrafo preparado para pillarte in fraganti, como es el caso.
Seguro que alguna vez te ha pasado: alguien te manda una foto y te dice “mira, esta persona es igualito/a que tú”. Puede que hasta te hayas encontrado por la calle con él/ella. Lo que es más raro es que tu doble resulte ser… ¡un gatico! Es el caso de Pimp Flaco, que promocionaba la actuación de Cupido en ‘Fama A Bailar’ con esta ternurita.
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Betacam, ¡a bailar!
Claro que, si Paula Vázquez y su equipo no tienen a bien invitarte al concurso de danza de Movistar+, siempre puedes organizarte tú tu propio concurso de danza. Es lo que hizo en plena Gran Vía madrileña (y cuando decimos plena es en la isleta central de la Plaza de Callao; o sea, literal) nuestro querido y admirado Javier Carrasco, Betacam, que un poco porque sí se marcó esta coreo con camisa de brilli brilli para estupefacción de viandantes y conductores.
Puchito está de gira por Latinoamérica estos días, y se ve que le va fetén al look calorro a lo Bardem en ‘Jamón, jamón’ que ha adoptado últimamente. Particularmente bien integrado se le veía en La Habana: primero, en el bodegón “Cuchillo sobre tabla de madera y botella de ron vacía con peineta y nabo en mano”; y luego, asistiendo a una comida con nada menos que el maestro Elíades Ochoa, que se marcó un tema en la sobremesa.
Estaba cantado, aunque quizá no tanto sus cifras de récord: ‘WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?‘ de Billie Eilish ha irrumpido como número 1 directo en el Billboard 200, la lista de álbumes más vendidos de Estados Unidos. Y lo ha hecho superando la cifra de 300.000 unidades que, como sabemos, es una estimación que pondera ventas físicas y streaming: en este caso, 170.000 discos, según Billboard, y 194 millones de escuchas, convirtiéndose en el 3er álbum de una mujer más escuchado en su primera semana, tras ‘thank u, next’ e ‘Invasion of Privacy’. Es el 7º álbum en la historia de este chart que alcanza las 300.000 unidades.
Al contrario de lo que sucediera en Reino Unido, no alcanza esa cima como la mujer más joven en lograrlo en toda su historia, puesto que cuando Demi Lovato llegó al número 1 en 2009 con ‘Here We Go Again’ aún no había cumplido los 17 años. Lo que sí calca Eilish respecto a las listas británicas es que, de nuevo, se le escapa el número 1 en singles. Si en las Islas era Lewis Capaldi el que impedía que ‘bad guy‘ alcanzara lo más alto, en USA ha sido Lil Nas X y su controvertida ‘Old Town Road‘ la que lo ha conseguido.
Volviendo a las ventas de álbumes de Billie y con la paradoja de que ella misma no ha comprado en su vida un disco en soporte físico, su debut despachó esta primera semana 15.000 unidades de vinilo, convirtiéndose en el segundo disco de la historia en vender tal cantidad en ese soporte firmado por una mujer: sólo le superó ’25’ de Adele. Y es que, aunque parezca lo contrario, los discos físicos aún pueden interesar a los aficionados a la música más jóvenes… si sabes ofrecerles unas ediciones físicas lo bastante atractivas, como es el caso.
Solange es noticia este lunes por la cancelación de su anunciado concierto en el festival Coachella de California debido a “retrasos de producción”. Esto ha suscitado cierta inquietud entre los asistentes de Primavera Sound, donde también está confirmada la autora de ‘When I Get Home‘, pues el festival se está acostumbrando a que algunos de sus cabezas de cartel cancelen sus fechas en el festival a último momento, como ha sido el caso en los últimos tiempos de Frank Ocean, Migos y hace tan solo unos días Cardi B, a la que sustituye Miley Cyrus. Además, este tipo de cancelaciones se suelen suceder en efecto dominó y como dice el dicho, cuando el río suena, agua lleva.
Sin embargo, Gabi Ruiz -director de Primavera Sound- ha querido despejar toda duda sobre el futuro de Solange en Primavera Sound y ha asegurado que la artista actuará en el festival pese a su cancelación en Coachella. Las palabras de Ruiz han sido: “Hemos hablado esta tarde con el management de Solange y nos ha dicho que no tenemos ningún motivo para estar preocupados. Solange estará en el PS. Lo de Coachella es un problema puntual con la producción específica de ese show”.
Tras la cancelación de Coachella, la fecha más inmediata a este festival en la gira de Solange es el 30 de mayo en el Heartland Festival de Dinamarca, lo cual queda más cerca del Primavera que del famoso macroevento californiano. Coachella de hecho se celebra ya este mes, entre las semanas del 12 al 14 y del 19 al 21 de abril, mientras Solange actúa en Primavera Sound el 1 de junio.
Hemos hablado esta tarde con el management de Solange y nos ha dicho que no tenemos ningún motivo para estar preocupados. Solange estará en el PS. Lo de Coachella es un problema puntual con la producción específica de ese show.
La Casa Azul es el nuevo número 1 de JENESAISPOP con su último single ‘El final del amor eterno’. No todos los singles de ‘La gran esfera’ lo han logrado, por lo que podemos concluir que este tema reconcilia el proyecto de Guille Milkyway con parte de su público. Entre las entradas de la semana, destaca la buena posición de ‘bad guy’ de Billie Eilish, mientras en la parte baja de la tabla aparecen temas de Sky Ferreira, Cranberries, Ciara y Georgia. Es tiempo de despedirnos de ‘Moderation’ de Florence y ‘Harmony Hall’ de Vampire Weekend, ya con 10 semanas y en la parte baja de la tabla, si bien ya se puede votar por otro tema de estos últimos. Ya podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.
Aunque aún no hay confirmación oficial ni por parte de la propia Madonna ni por parte de Eurovisión, la cuenta verificada en Instagram de Live Nation Israel confirma que Madonna efectivamente actuará en la final de Eurovisión el 18 de mayo, tras 2 meses de rumores. BBC publica que el equipo de prensa de Madonna ha confirmado al medio británico la actuación, si bien la Unión Europea de Radiofusión desmiente a JENESAISPOP que esta aparición esté 100% confirmada: “La Unión Europea de Radiofusión puede confirmar que todavía no se ha tomado ninguna decisión definitiva ni se ha firmado ningún acuerdo en cuanto a las posibles actuaciones que tendrán lugar durante los descansos de Eurovisión”.
Según las informaciones publicadas por Live Nation Israel y por el medio israelí Haaretz, Madonna cantará “probablemente dos canciones” en Eurovisión, una nueva y una vieja. Haaretz informa que Madonna acudirá al festival tras pactar un acuerdo por 1 millón de dólares “facilitados por el multimillonario israelí Sylvan Adams”, confirmando los primeros rumores que varios medios israelíes daban por ciertos hace unos días; y que la cantante viajará a Israel con un equipo de 160 personas.
Por otro lado, el medio israelí insiste en que Madonna ha aceptado actuar en Eurovisión tras una negociación dura con el festival pues la canción nueva que presentará será política, lo cual nos devuelve a la noticia sobre el rodaje de un nuevo videoclip “político” que tuvo lugar el pasado mes de marzo en Los Ángeles, para una canción supuestamente llamada ‘We Need to Wake Up’.
El próximo mes de septiembre, en concreto los días 20 y 21 (fin de semana) llega al recinto del IFEMA de Madrid la primera edición del festival Weekend City Madrid, cuya programación se dividirá por estilos musicales. En concreto, como explica el festival en su página web, su cartel contará con “un área urbana con dos escenarios donde habrá trap, rap, indie, rock, fusión y mestizaje; y un área electrónica donde estarán los mejores djs nacionales e internacionales del panorama actual”.
El gran cabeza de cartel de Weekend City Madrid será New Order, que unos meses antes estarán actuando en el valenciano Low Festival y acaban de ser noticia por el 30ª aniversario de ‘Technique’, uno de sus álbumes más emblemáticos, que recordábamos en un artículo especial.
También está confirmada en la programación del nuevo festival madrileño Mala Rodríguez, que tras triunfar con ‘Mujer Bruja’ con Lola Indigo y sobre todo con ‘Usted’ junto a Juan Magán, que se aproxima a las 100 millones de reproducciones en Spotify, acaba de lanzar una nueva versión de ‘Agnus Dei’, la sintonía de ‘Vis a vis’. De momento no hay noticias sobre su posible nuevo álbum aunque conocimos ‘Gitanas‘ en julio de 2018.
Más confirmaciones en Weekend City Madrid: DELLAFUENTE, que acaba de sumar más hits a su repertorio con ‘Me pelea’, ‘París’ con C. Tangana y ‘Ya no te veo’ con Novedades Carminha, será otro de los artistas que actuarán en la parte urban del festival, así como los exitosos Ayax y Prok, Antílopez, Nach, Macaco, Fyahwboy, Miguel Campello, Sidecars y Los Zigarros. En la parte electrónica están confirmados Jamie Jones, Eats Everything, Henry Saiz live band, Horacio Cruz y La Fleur.
Como os hemos contado, PJ Harvey ha compuesto la banda sonora para la adaptación teatral de ‘Eva al desnudo’, la premiadísima película de 1950 sobre una actriz en el ocaso de su carrera y una joven intérprete que hará todo lo posible por llegar a la cima del éxito, y que podrá verse en Londres hasta el 11 de mayo tras su estreno el pasado mes de febrero. La obra está protagonizada en este caso por Gillian Anderson y Lily James.
La banda sonora en cuestión representa el primer trabajo largo de Harvey desde su disco de 2016, ‘The Hope Six Demolition Project‘, y llega a las plataformas digitales el 12 de abril. Hoy, la cantautora británica ganadora de dos premios Mercury comparte un par de adelantos de este proyecto, un tema interpretado por la propia Lily James llamado ‘The Moth’ y otro instrumental llamado ‘Descending’.
En palabras a Pitchfork, Harvey ha explicado: “siempre me han gustado las historias, así que componer música para apoyar y realzar una de ellas es un reto que me gusta asumir. También me encanta la libertad que da trabajar instrumentalmente, sin los límites de la canción pop. Para ‘Eva al desnudo’ he decidido trabajar con mi colaborador habitual James Johnston, ya que su alma y sensibilidad me inspiran. También he trabajado con Kenrick Rowe, quien posee una versatilidad en su forma de tocar la batería con la que sabía que podía experimentar hasta encontrar lo correcto”.
Justo cuando Solange acaba de cancelar su actuación en la próxima edición de Coachella debido a “retrasos de producción” que esperamos se solucionen de cara a la celebración del Primavera Sound, donde la autora de ‘When I Get Home‘ actúa el sábado 1 de junio, su hermana Beyoncé Knowles anuncia la llegada a Netflix de un documental de nombre parecido, ‘Homecoming’, que precisamente mostrará los entresijos y preparativos de su celebradísima actuación del año pasado en el festival californiano, que se producía de manera muy esperada pues Beyoncé había cancelado en Coachella el año anterior debido a su embarazo, sustituyéndola Lady Gaga.
‘Homecoming’ llega exclusivamente a Netflix el 17 de abril y como ‘Five Foot Two‘ de la propia Gaga, que documentaba los momentos previos a su espectacular presentación en la Super Bowl de 2017, aunque con un marcado componente dramático guiado por la fibromialgia de la cantante, ‘Homecoming’ mostrará, en palabras de la plataforma de streaming, el “emocionante camino” emprendido por Beyoncé y su equipo desde que su actuación en Coachella es tan solo un “concepto creativo” hasta que este se transforma en un “movimiento cultural”.
Así, como puede verse en el tráiler de ‘Homecoming’ publicado este lunes, en el documental veremos a Beyoncé entrenando para su esperado regreso a Coachella o los mismos ensayos de su actución, en un vistazo no tan habitual a su método de trabajo y a su proceso creativo, no tan habitual pues Beyoncé suele ser reservada en cuanto al desarrollo de sus creaciones, ya sea el de sus discos visuales publicados por sorpresa de los que nadie suele saber absolutamente nada, o el de sus espectaculares shows.
La verdad es que algo no pintaba demasiado bien para esta nueva era de MARINA (comenzando ya por su renuncia a su nombre artístico, quedándose con el de pila, cual triunfita) desde el principio. ‘Handmade Heaven’, el teórico primer adelanto de ‘LOVE + FEAR’, era una canción mona pero insulsa, sin pegada. Y lo cierto es que todo ‘LOVE’ –la primera parte de este disco doble, lanzada por sorpresa la pasada semana– deja un poco esa misma sensación, más allá de leves matices.
En el mejor de los casos, sí podríamos decir que se trata de un miniálbum que luce de cierta coherencia… de no ser porque nos cuela en su tracklist, un poco porque sí, ’Baby’, su featuring en el single de Clean Bandit, Luis Fonsi incluido. Sigue teniendo mucha gracia por ese punto demodé u hortera, pero desde luego es una decisión totalmente fallida en cuanto a la dinámica del disco. No tiene nada que ver, ni en intención lírica (por más que sea una canción de amor) ni en la tónica musical que en general sostiene ‘LOVE’.
Y es que es un álbum que, ‘Baby’ al margen, mantiene un tono melódico bastante sombrío. Y eso que sus textos persiguen hablar de las cosas bonitas de la vida, de quitar peso a los dramas admirando la naturaleza en detrimento del consumismo. Apenas la amable pero sosilla ‘Orange Trees’ evoca al calor del sol y el olor del mar que, cantando a la isla griega de la que es originaria, evoca en su letra; y ‘Enjoy Your Life’ refleja en su melodía esa llamada, totalmente obvia, a “disfrutar tu vida”. Como en ‘Handmade Heaven’, hay un punto de tristeza en muchas de sus canciones. Lo cual no quiere decir que sean malas. Más bien al contrario, como ya ocurría en una ‘Superstar’ que apelaba a un ritmo eurobeat y un coro tontorrón como gancho, lo más atractivo de ‘LOVE’ llega cuando canta con dramatismo bailable sobre amarnos tal y como somos en ‘True’, y de hacerlo a pesar de la inevitabilidad de un final fatal: ‘End of the Earth’, el medio tiempo con toques de electropop clásico que cierra el disco con solemnidad, es posiblemente la canción más solida y bonita de ‘LOVE’.
Pero es difícil rescatar muchas cosas positivas de un trabajo que, en su intento de elaborar un discurso trascendente que llegue a la gente, fracasa por el enfoque de libro de autoayuda en sus letras. Sus mensajes positivistas se diluyen con una poesía tremendamente naif, impropia de una Diamandis que está ya en su cuarto trabajo de estudio. Un disco que, en muchos sentidos, parece un debut.
‘To Be Human’, la que ella considera precisamente la piedra angular de este disco, es el mejor ejemplo de esto: tras una relación muy random de imágenes, sucesos y factores como pagodas, geishas, el cadáver de Lenin bajo la Plaza Roja, unas revueltas en “América” (vaya usted a saber cuáles de todas) o la bomba de Hiroshima, canta “toda la gente del mundo está unida por su amor y por su dolor / todas las cosas que he visto y hecho / no sé qué significan”. Que viene a ser la sensación que tenemos nosotros al asistir a lo que parece un paso en falso en la carrera de Marina Diamandis. Aún no ha salido ‘FEAR’ y ya nos encontramos implorando el regreso de los Diamonds, la ambición de ‘FROOT’ y aquel personaje, Electra Heart.
Calificación: 5,8/10 Lo mejor: ‘End of the Earth’, ‘True’, ‘Superstar’… y ‘Baby’, pese a no pintar nada aquí. Te gustará si: te complace un mix sin fuste de Robyn y Lana del Rey. Escúchalo:Spotify
Jennifer Lopez sigue publicando singles sin ton ni son cuando ya hace dos años desde que anunció su disco en español producido por Marc Anthony, ‘Por primera vez’, del que se llegaron a presentar singles como ‘Ni tú ni yo’ con Gente de Zona o ‘Amor amor amor’ con Wisin. Parece que el proyecto está aparcado, porque desde entonces Lopez se ha dedicado a lanzar singles, con más o menos éxito, con algunas de las mayores estrellas del momento, como ‘Dinero‘ con Cardi B (un intento de ‘I Like It’) o ‘Te gusté‘ con Bad Bunny (un intento de ‘Te boté’), o en solitario, como ‘El anillo’, que ha sido un sorprendente éxito en streaming y aún a día de hoy tiene a medio mundo preguntándose “pa cuándo” esto o “pa cuándo” lo otro.
Este viernes 5 de abril llegaba a las plataformas digitales un nuevo single de Lopez llamado ‘Medicine’ que devuelve a la artista a los terrenos de su éxito de 2005 ‘Get Right’, en este caso con la colaboración del rapero French Montana. La canción tiene ritmos funk y un saxo rallante como el de ‘Thrift Shop’ de Macklemore & Ryan Lewis, canción en la que parece inspirarse claramente, aunque Lopez potencia en ella su elemento Motown llevándonos a los tiempos de ‘Brave’, su álbum de 2007. Un ejercicio retro por parte de Lopez este ‘Medicine’ que, a su vez, parece sobre todo un homenaje a sí misma, no tanto un “intento de” como lo han sido sus singles previos.
Y como Lopez suele currarse sus videoclips, la también actriz -y ahora también Youtuber, atención a su vídeo de presentación- ha hecho uno para ‘Medicine’ que merece la pena ver, pues es todo un desfile de escenas y “looks” a cada cual más opulento. Vemos a Lopez en plan pitonisa acariciando una enorme bola de cristal, desfilando por una pasarela en forma de cruz o bailando en una sala de espejos con una máscara multi-facial de diamantes. Un buen vídeo que anticipa el inicio de la próxima gira de Lopez, ‘It’s My Party’, de momento con fechas confirmadas en Estados Unidos, Canadá e Israel.
No deja de ser curioso que, sucediendo a la bachata ‘Inmortal’ de Aventura, el nuevo número 1 en la lista de Tendencias de Youtube España sea otra bachata. O, como poco, un tema basado en una guitarra típica de este género original de la República Dominicana. Se trata de ‘La romana’, una de las canciones contenidas en ‘X 100PRE‘, el álbum debut de Bad Bunny que publicó la pasada Navidad y que, sin ninguna promoción, se ha convertido en una de las más escuchadas de este notable trabajo de pop latino y urbano.
Consciente de su tirón, el Conejo Malo ha presentado un clip oficial para el tema, filmado en una barriada humilde de su país, Puerto Rico, y trasladando literalmente la letra de la canción a imágenes: fumando «hookah» de una «romana» (que parece ser es como se refieren en Latinamérica a las pipas de agua árabes, las shishas o narguiles) demasiado solicitada. Hasta que, igual de abruptamente que irrumpe el MC dominicano El Alfa en la canción, se trasladan a un paisaje desértico donde el fuego brota de los distintos vehículos de los que presumen. Eso incluye un coche de lujo, un Lamborghini, que es quemado inopinadamente por el protagonista de la canción. Y no, no parecen sólo efectos especiales inofensivos, no.
Aunque no lo necesitaba para seguir gozando de éxito, sí se intuye que ‘X 100PRE’ ha dotado a Bad Bunny de cierto prestigio crítico por la coherencia, variedad y gancho de su conjunto. No en vano en las últimas semanas ha sido confirmado en carteles de festivales tan diversos como Río Babel 2019, evento celebrado en Madrid dedicado a la cultura latina, y, más llamativamente, al Sónar 2019, el longevo y prestigioso festival de músicas avanzadas de Barcelona.
Si es cierta la historia que Ariana Grande contó sobre la inspiración de su reciente hit ‘7 Rings‘, uno de aquellos siete anillos fue para Tayla Parx (otro de ellos, para Victoria Monét, con la que días atrás lanzaba ‘Monopoly’). Su nombre puede no ser demasiado conocido aún, pero el currículum como compositora de esta texana, de nombre real Taylor Parks, es bastante impresionante para tener 25 años: sólo en el último lustro, ha escrito canciones con o para Mariah Carey, Alicia Keys, Jennifer Lopez, Majid Jordan, The Internet, Fifth Harmony (lo cual incluye a Normani en solitario), Big Boi… además, y ya de manera muy notoria, es co-autora de ‘thank u, next‘ (tanto del single como de otros temas del álbum) de su amiga Ariana –cuya colaboración y amistad se inició en tiempos de ‘My Everything’–, además de ‘Accelerate‘ de Christina Aguilera (y otros cortes de ‘Liberation‘) y varios de los temas más celebrados de ‘Dirty Computer‘ de Janelle Monáe.
Pero Tayla –que también ha hecho sus pinitos como actriz, siendo su papel más relevante el de Little Inez Stubbs en el remake de 2007 de ‘Hairspray‘– también lucha por ser una intérprete relevante en solitario. Después de una mixtape autoeditada en 2017, ‘Tayla Made‘, que pasó bastante desapercibida, y un single ya multinacional junto a Khalid (‘Runaway’), por fin ha llegado su gran momento con ‘We Need to Talk’. Publicado bajo el auspicio de Warner este pasado viernes, se trata de un álbum de pop con gran carga de R&B-soul-hip hop, en el que, pese a sus dotes compositivas, colabora una pléyade de autores y productores no excesivamente conocidos. Y unos cuantos raperos de cierto nivel, cómo no: Joey Bada$$, Cautious Clay y Dckwrth participan en el mismo pasaje del disco.
‘We Need To Talk’ también llega envuelto por un concepto visual en el que Tayla se presenta llena de colorido, haciendo inciso en su carácter pop, con vídeos de una gran potencia visual, de una estética muy cuidada que recuerda a la de Tierra Whack… aunque menos jodida, más inocente (o eso aparenta). Desde luego, singles como ‘Slow Dancing’, ‘Me vs. You’ o ‘I Want You’ muestran un potencial comercial importante que, aunque desde luego podrían ser hits en boca de su amiga Ariana, al menos la podrían hacer merecedora de un estatus próximo al de una Ella Mai o una Kehlani.
El sociólogo y periodista Frédéric Martel en estos momentos está equipado con catorce abogados de los mejores bufetes del mundo. Y se entiende tal sobreprotección jurídica porque, lejos de analizar con su pluma mordaz la cultura de masas como hizo en 2010 en su ‘Cultura mainstream: Cómo nacen los fenómenos de masas’, ahora toca un tema muchísimo más espinoso: la homosexualidad en el Vaticano. ‘Sodoma: Poder y escándalo en el Vaticano’, publicado por la editorial Roca, en estos momentos es el libro de teología y filosofía de la religión más vendido en nuestro país a través de Amazon. Pero del mismo modo que ‘Leaving Neverland‘ desde hace semanas es motivo de debate en medio globo, y con razón, lo cierto es que se echa en falta que la última obra de Martel no esté siendo más discutida tanto en los medios como entre los ciudadanos de a pie. Quizá muchos, pese a la curiosidad, se han echado atrás al comprobar que tiene la friolera de 640 páginas. El formato documental, sin duda, siempre tiene más adeptos.
La premisa de Martel es muy clara. Durante cuatro años ha tenido la oportunidad de charlar con 1.500 personas del entorno papal de treinta países, entre los que destacan 41 cardenales, 52 obispos y monseñores, 45 nuncios apostólicos y cerca de 200 sacerdotes y seminaristas. Aunque se hable de algunos de los repugnantes abusos a menores que la Iglesia ha perpetrado impunemente durante décadas (se cuenta, por ejemplo, la historia del fundador de los Legionarios de Cristo, Marcial Maciel, quien fuera un auténtico depredador protegido por la Santa Sede, y sobre todo, por Juan Pablo II), el libro de Martel va por otros derroteros: la hipócrita doble moral de la Iglesia respecto a la homosexualidad y cómo muchos de sus principales líderes viven una doble vida que poco, por no decir nada, tiene que ver con lo que predican. Hablando en plata: de puertas para fuera no rehúsan a emplear un discurso radicalmente homófobo cuando, en la intimidad, viven su sexualidad de un modo no tan secreto como algunos piensan. Como bien apunta el autor, los más homófobos suelen ser los que más tienen que ocultar. Y esto no solamente es aplicable a la Iglesia.
Algunos podrán acusar a Martel de recrearse en sacar del armario a demasiadas personas a lo largo de estas páginas, pero lo fascinante del asunto es cómo sus interlocutores, lejos de dar la callada por respuesta, no tienen impedimento alguno en señalar y hablar sin tapujos de esta conducta que sigue la misma premisa del «don’t ask, don’t tell» estadounidense. Los secretos en la Santa Sede tienen las patas muy cortas, y más cuando el lector advierte que sus propios protagonistas son los primeros en querer destapar esta reprimida realidad que nada tiene que ver con un lobby gay. Al contrario: los chantajes y las amenazas al respecto de la orientación sexual están a la orden del día en ese microcosmos que es el Vaticano.
Martel deja en muy mal lugar a Juan Pablo II (no hay que olvidar que él y sus principales palmeros, como el secretario de Estado en la Santa Sede, Angelo Sodano, o su secretario personal, Stanislaw Dziwisz, se opusieron al uso del preservativo en los tiempos en que el VIH acababa con la vida de millones de personas); se compadece de algún modo de Benedicto XVI (quien fuera conocedor de esta situación: uno de los múltiples motivos que, según él, le llevaron a renunciar a su pontificado en 2013) y deja la puerta abierta a un posible cambio en manos del Papa Francisco. El tiempo dirá…
Por el libro también se pasean los chaperos de la romana estación de Termini; los dos Vatileaks que pusieron en jaque los cimientos del catolicismo; unas capas magnas dignas de las mayores divas del pop; un Rouco Varela que no pudo frenar la legalización del matrimonio homosexual en España en 2005 y, en definitiva, un sinfín de tramas, historias y anécdotas fascinantes capaces de enganchar a cualquiera. No tengan miedo a su extensión porque estas páginas valen mucho la pena.
Sin embargo, la sorpresa es mayúscula cuando topamos con una de las canciones de estribillo más decidido de todo el álbum y cuyo encanto es irresistible desde que Miqui nos empieza a contar la historia: «Ella llevaba el pelo recogido en un moño, y un vestido blanco / Él estaba absorto con un cigarro en la mano / No se miraban, apenas hablaban / Solo sus manos se tocaban / Es cierto que por un instante tuve envidia». Mientras la guitarra nos deja golpes secos y adictivos con reminiscencias del funk de los 70, nos vamos aproximando a una parte tan improbable como irresistible al final: el deseo de que sea para siempre lunes.
En un mundo lleno de referencias al «Blue Monday» y al lunes más triste del año (tercer lunes de enero), la canción funciona como choque. Puig indica que «si pudieras venir» y «si estuvieras aquí», le haría tanta ilusión, que hasta no le importaría que «siempre fuese lunes». Y peor, «lunes por la mañana». Tal es su anhelo. Pero hay otra lectura. Esa suerte de sample a lo Moby acentúa el carácter dulce y nostálgico de la grabación, llevándonos inevitablemente a aquel «lunes por la mañana» en que, quizá tras una salida por Camden o La Latina, quizá simplemente con una pareja de larga duración, amanecimos tan bien acompañados que el lunes se nos hizo un poquito menos cuesta arriba. Miqui ha querido guardar esta pequeña joya para sus fans para el cierre de su álbum, desembocando de hecho en otra de las locuciones de este disco con forma de mixtape. Y ahí encontramos incluso otro guiño para fans, pues una voz nos dice: «Brian Jones fue el mejor Rolling Stone». Y juraría que es Carlotta Cossials de Hinds, acreditada en el disco pero no en ninguna canción concreta, la que nos habla…
Hace algunas semanas se publicó ‘Inferno‘, el nuevo disco del músico australiano Robert Forster. Como parte de su tour promocional visitó España recientemente, y nos reunimos con él una fresca mañana. La entrevista tuvo lugar en la cafetería de su hotel, a la que bajó directamente de su habitación con el aire algo aturdido de los genios despistados. Mientras pedía un desayuno que consistió exclusivamente en un café con leche y agua con gas, me comentó que “con leche” y “con gas” es casi el único castellano que conoce. Foto: Bleddyn Butcher.
Me encanta ‘Inferno’, y en él me parece percibir una energía, un estado de ánimo diferente a ‘Songs to Play’. ¿Estás de acuerdo?
Creo que el disco tiene un sonido claramente distinto, y esa es para mí la diferencia principal. Porque de alguna manera las canciones son una sucesión interminable, siguen llegando. Despacio, pero llegan, es casi como si tuvieses muy poco control sobre ello. Llegan, una o dos por año. Pero lo que sí puedo controlar es quién toca en un disco y dónde lo grabo. Así que decidí que quería grabarlo fuera de Brisbane, porque había grabado el anterior allí, lo había compuesto allí, vivo allí… y quería algo distinto. Así que fui a Berlín. Quería algo nuevo, y sabía que Victor [Van Vuhg, el productor] le daría ese cierto sonido que yo andaba buscando. Un sonido más grande, más rico.
Me refería también al ambiente que transpira del diario que escribiste y que acompaña el disco… tengo que decirte que qué gran idea. Todo disco debería incluir algo así.
¡Es verdad! Pensé incluirlo ya después. Lo que me gusta de él es que es real, no es algo que tuviese planeado durante la grabación. Fue ya cuando estaba de regreso en Brisbane, mirando mi diario personal, que pensé “sería interesante que el disco incluyese esto”. También me gusta que los días importantes no aparecen, es más el ambiente de aquellos días, los días en los que no estoy haciendo nada. Cuando voy al Museo Picasso, o estoy sentado en un café, y no “este día en el estudio hicimos esto, o aquello”. Eso me gusta.
También me encantó esa sensación casual de suspense respecto a aspectos clave de la grabación que según se lee en el diario estaban en el aire hasta justo antes de empezar la grabación. El pianista, si se acoplaría bien a las canciones… había un riesgo real, ¿no?
Había mucho riesgo, especialmente los cuatro primeros días, en los que grabamos las bases, porque las cuatro personas que tocábamos no nos conocíamos. Había dos australianos -Scott Bromley y yo- y luego Michael Mulhaus, el pianista, con el que habíamos estado un par de días. Pero el batería, Earl Harvin, llegó el primer día de la grabación, venía de pasar seis semanas con el grupo The The en Londres, así que no había oído nada.
¿En serio? ¿Ni unas demos?
¡Ninguna demo! El día anterior habíamos dejado todo preparado, así que llegó y le puse a tocar la primera canción que hicimos, que fue ‘I’ll Look After You’, con todos allí, Scott, Victor… y escuchó la canción y dijo “vale, de acuerdo”, y nos pusimos a tocarla y grabarla. Así que sí que hubo toda esa tensión. Era un buen tipo de tensión, pero nunca había hecho un disco así.
«Una de las razones por las que quería grabar con Victor Van Vuhg es porque quería cantar mejor»
Eso es lo que a mí me parecía que informaba de alguna manera tu forma de cantar, se percibe más excitación en algunos temas, y yo diría que son las mejores interpretaciones vocales de tu carrera.
Estoy de acuerdo. Creo que estaba listo para ello. Y sabía que Victor tenía micrófonos muy buenos, y que es realmente bueno grabando a cantantes. Sabes, ha grabado con Beth Orton. Ha grabado con PJ Harvey. Ha grabado con Chrissie Hynde, con Nick Cave. Esa era otra de las razones por las que quería grabar con él, porque quería cantar mejor. Y sabía que si había había alguien que podía grabarme bien, ese era Victor.
En ‘Inferno’ también tiene mucha importancia el piano. Y además hay una conexión berlinesa con ese instrumento que se remite a tu disco ‘Danger in the Past’ de 1990 y aquellos pianos de Mick Harvey.
Lo sé. Fue más bien una coincidencia, porque pensé “quiero poner más piano en mi música”, ya que me parece que siempre suena bien con mis canciones. Lo hacía pensando en un álbum de los Go-Betweens que se llama ‘Liberty Belle and the Diamond Express’, en el que hay mucho piano. Es algo que siempre me ha gustado y siempre ando intentando meter más. Lo intenté en ‘Songs to Play’, Scott y Luke lo tocaban, pero… no funcionó. Así que esta vez quería un pianista especial, uno de verdad, y me acordé de Michael. En otro estudio había un piano Bösendorfer de finales del siglo XIX, así que tuvimos que llamar a unos transportistas de pianos para que lo trajesen, es un enorme piano del año 1890. Así que mientras Earl tocaba la batería, yo la guitarra y Scott el bajo, teníamos a Michael tocando el piano a la vez, todos en directo. No quería hacer “overdubs” de piano.
Una de las mejores canciones con piano es ‘One Bird in the Sky’… el piano la convierte en algo realmente maravilloso.
Lo sé, lo sé. Es una canción que creció y creció. Cuando la compuse era una canción bastante pequeña, modesta. Después, cuando la ensayé en Brisbane con Scott y Karin en plan acústico, creció. Y después cuando la tocamos con Michael, pasó lo mismo. Y ya en el estudio con Earl, creció aún más, cada vez se volvía más grande. No es algo que suela hacer, la verdad.
No harías una canción de más de cinco minutos porque sí, lo harías…
…por una buena razón, eso es. Y funcionó, y eso me hace muy feliz.
Eres un experto en cerrar discos con canciones especialmente memorables, y otra vez lo has logrado, además con una canción que yo creo que está entre las diez mejores composiciones de tu carrera.
¡Gracias!
En nuestra entrevista de hace tres años me mencionaste canciones que no habías incluido finalmente en ‘Songs to Play’. ¿Están en ‘Inferno’?
Sí, son ‘Life has Turned a Page’ y ‘I’m Gonna Tell it’.
Pensé que igual era ‘Crazy Jane on the Day of Judgement’, porque vi que en 2015, dentro de un festival de poesía en Dublín, habías interpretado canciones inspiradas en poemas de Yeats, que por cierto es algo muy Robert Forster.
Lo fue, lo fue. La gente de ese festival irlandés contactó conmigo para la celebración del 150 aniversario del nacimiento de WB Yeats, y trajeron artistas de todo el mundo. Cuando contactaron conmigo me mandaron algunos poemas, y entonces vi ese titulado ‘Crazy Jane on the Day of Judgement’, y yo tenía una canción sin letra… ¡y resultó que encajaban perfectamente! Así que la toqué en el festival, junto a ‘A Poet Walks’ y creo que otra más, y sonó realmente bien, así que pensé “tengo que meter esta en el próximo álbum”. Ya sabes, las canciones llegan desde los lugares más insospechados.
Un caso claro de serendipia.
¡Fue una serendipia total! Eso es lo que ocurrió. Me maravilló que la melodía funcionase tan bien.
Con los Go-Betweens siempre se habló de la mezcla de poesía y pop, pero ¿quizá en este disco eres especialmente lírico, literario, en tus letras?
Bueno, yo creo que mis letras están volviéndose de alguna forma más directas. Un poco más simples, lo cual me gusta bastante. Ya sabes, con menos artificio.
«‘Remain’ habla de cuando mi compañía me había echado, tenía cuarenta y tantos y parecía que no le importaba a nadie, el foco estaba en otros artistas, el teléfono no sonaba»
En las canciones ‘No Fame’ y ‘Remain’ parece haber un mensaje acerca de tu relación con la fama. Por un lado el mensaje de que “no necesitas fama” y por el otro esa reflexión sobre los años en los que un artista se siente olvidado. ¿eres tú ese cineasta del que habla la canción?
Lo soy, lo soy. ‘Remain’ va sobre algo sobre lo que sabía que quería escribir, una parte de mi pasado, la temporada -especialmente en los noventa- en la que estuve apartado de todo. Mi compañía me había echado, y estaba viviendo en un pequeño pueblo de Baviera con mi mujer. Y de vez en cuando pensaba “siempre fui un buen compositor”. Tenía cuarenta y tantos, y parecía que no le importaba a nadie, el foco estaba en otros artistas, el teléfono no sonaba. Nadie llamaba para decir “ven a Irlanda, o a Londres, para hacer tal cosa”. Pero fue una época en la que grabé muy buenas canciones, siempre me lo pareció. Así que empecé a escribir una canción sobre esto, y el momento clave, el gran giro, llegó cuando pasé de “hice mis mejores trabajos” a “pero mis películas no las proyectaron”. Y eso fue lo que permitió que la canción funcionase, el transformarme de músico a cineasta, porque si hubiese sido sobre mis canciones, habría sido demasiado literal, y no me habría quedado contento.
En los dos últimos años has publicado tus memorias (‘Grant and I’), aclamadísimas por la crítica, y se estrenó en cines una película documental sobre los Go-Betweens (‘Right Here’). Las primeras exponen tu visión de los acontecimientos y la película da voz a más protagonistas, que en algunos episodios (como la ruptura del grupo) son ligeramente discrepantes. ¿Se complementan bien, crees tú?
Creo que son dos cosas diferentes. La película es muy buena hasta el año 1989 más o menos. Se ocupa del equivalente a… (coge el libro y señala el punto) esta parte, la mitad, o quizá dos tercios del libro. En parte fue una cuestión del presupuesto de la película, por eso hay más material de los ochenta. Y creo que eso es bueno, pero me habría gustado que hubiese durado veinte minutos más y hubiese hablado sobre lo que pasó en los 90 y en los 2000. El libro cuenta toda la historia. Pero me gustó la película, y me gusta que el director es un cineasta, así que todo tiene calidad de cine.
¿Has visto los extras del DVD?
No.
«Los guitarristas que me gustan, aunque son mejores que yo, son gente como John Lennon, que creo que es un excelente guitarrista rítmico, Lou Reed, John Fogerty… tocan mejor que yo, pero es el tipo de estilo que yo toco. Guitarra de cantautor»
Es que hay 45 minutos de descartes de las entrevistas, y quería preguntarte por algo que dice el periodista Clinton Walker… (Robert hace una mueca al oír el nombre), dice que tu técnica a la guitarra no ha evolucionado nada en cuarenta años… en fin, yo no creo que tu forma de tocar sea algo esencial al valorar tu obra, pero es que además no me parece cierto.
Eem… Clinton, que por increíble que parezca es amigo mío (sonríe), es alguien a quien le gusta ser controvertido. Le gusta ser la persona que cree que cuenta las verdades, cuando algunas veces no es realmente la verdad. Mi forma de tocar es bastante básica en cierto modo, ya sabes, es rítmica. Pero es que los guitarristas que me gustan, aunque son mejores que yo, son gente como John Lennon, que creo que es un excelente guitarrista rítmico, Lou Reed, John Fogerty… tocan mejor que yo, pero es el tipo de estilo que yo toco. Guitarra de cantautor. He mejorado con el tiempo. Pero bueno, Clinton es así.
La caja retrospectiva de los Go-Betweens Volumen 1 era una absoluta maravilla a nivel de documentación gráfica y sonora, pero ya han pasado 4 años y de momento no sale el Volumen 2. ¿Está acabado?
Prácticamente. Hemos avanzado mucho y diría que hay posibilidades de que salga este año. La semana pasada, que estuve en Londres, estuve trabajando con Mark Cooper, el diseñador gráfico del proyecto. Nos queda hacer parte de la masterización, pero está casi todo listo. Espero que pueda salir este año.
¿Incluye las ‘Botany Sessions’? [míticas demos del disco de los Go-Betweens que no llegaron a grabar porque se separaron]
Sí, estarán en el Volumen 2.
¿Y habrá un tercer volumen dedicado a la época en la que os reformásteis? ¿E incluirá una remasterización de ‘Oceans Apart’? [cuando se publicó hubo polémica por cómo se masterizó este disco]
Habrá un tercer volumen, esa va a ser la sorpresa. Y sí, se va a remasterizar. Espero que se pueda hacer en Abbey Road.
¿En serio?
Sí, así podré visitar esos estudios (sonríe).
¿Puedo preguntarte por los Goon Sax? [el grupo de su hijo Louis]
Claro.
«The Goon Sax están cambiando mucho. Sólo tienen 20 años, y como suenan ahora probablemente no tendrá mucho que ver con cómo suenen cuando tengan 25»
Imagino que te gustan, lo has comentado en otras entrevistas, pero quería preguntarte cómo ves el hecho de que sean un formato de trío con dos cantantes muy distintos físicamente, que componen y cantan cada uno sus canciones… y encima una baterista. Sobre el papel sería lo último que tu hijo debería haber hecho al formar una banda, y sin embargo, extrañamente, funciona a las mil maravillas.
Tienes toda la razón. Fue algo que ocurrió espontáneamente. Louis y James -el otro cantante y compositor del grupo- estaban en otro grupo cuando tenían 14, 15 años, pero esa banda se separó. Entonces empezaron a hacer música juntos, todo muy orgánicamente, y entonces su amiga Riley les dijo que había aprendido a tocar la batería… y se juntaron los tres y sonaban genial. Y en aquel momento Louis podría haber dicho “oh, esto se parece al grupo de mi padre, no voy a hacer las cosas así. Voy a buscar a cuatro tíos a los que no conozco y formar una banda que suene a mierda…”. Y creo que hizo absolutamente lo correcto. Aceptó lo que se le presentaba, de forma muy natural. Y creo que estas cosas hay que hacerlas así en la vida, cuando se presenta una ocasión y piensas “esto me parece natural, funciona, y sería estúpido o de locos rechazarlo por algo que seguramente no va a funcionar”. En cualquier caso tengo que decir que están cambiando mucho. Sólo tienen 20 años, y como suenan ahora probablemente no tendrá mucho que ver con cómo suenen cuando tengan 25. Están cambiando muy rápidamente.
¿Cómo te sientes siendo una estrella del rock con sesenta y tantos?
No sé si soy una estrella del rock… todavía (sonríe).
«Casi me sorprende el haber cumplido ya sesenta. No me siento como cuando tenía veinte o treinta y tantos, pero más o menos me siento como cuando tenía cuarenta o cincuenta»
¿Una estrella del pop, quizá?
Me siento bien. Casi me sorprende el haber cumplido ya sesenta. No me siento como cuando tenía veinte o treinta y tantos, pero más o menos me siento como cuando tenía cuarenta o cincuenta. Estoy muy feliz con los tres últimos discos que he hecho. ‘The Evangelist’, ‘Songs to Play’ e ‘Inferno’, estoy muy feliz con ellos, creo que finalmente he conseguido aprender a hacer las cosas. En los 90 estaba buscando la manera de hacerlo, así que los discos eran bastante diferentes entre sí. Iba de un lado a otro, mientras que ahora me siento muy bien con lo que estoy haciendo. Y una de las cosas que me está ayudando es que ahora escribo. El haber hecho estas memorias, o el trabajar como periodista musical. Ahora estoy trabajando en una nueva historia, estoy escribiendo algo nuevo. Y tengo 61 años. Si tuviera sólo la música estaría bien, pero al estar también escribiendo me siento mejor. Estoy cómodo con ser una estrella del rock de sesenta, como dices, si estoy haciendo otras cosas también.
[En ese punto acaba la conversación, antes de que podamos preguntarle más detalles sobre ese nuevo libro, del que en otras entrevistas ha explicado que es una obra de ficción. Cuando nos despedimos sí nos comenta que después del verano vendrá a España a tocar, dos fechas en noviembre, pero no especifica dónde. Mientras salgo a la calle, en la que empieza a apretar el calor en pleno mes de marzo, resuena en mi cabeza esa oda al calentamiento global que da nombre al disco de Forster (‘Inferno’) y me vuelvo para ver su delgada y altísima figura desaparecer en la distancia]
La boy band coreana BTS alcanzaron el estatus de estrellas internacionales al convertirse el año pasado en el primer grupo coreano de la historia que alcanzó el número 1 de álbumes en Estados Unidos. Lo lograron con ‘Love Yourself 轉 ‘Tear’’, y repitieron meses después con el doble ‘Love Yourself 結 ‘Answer», que incluía el single ‘Idol‘, un featuring de Nicki Minaj con cuyo vídeo además batieron el récord de visitas en las primeras 24 horas, superando a Taylor Swift y su ‘Look What You Made Me Do’.
Aquel hito fue a su vez superado por Ariana Grande y el clip de ‘thank u, next’, como sabemos, pero nuevamente BTS podrían marcar cifras inéditas con el primer single de su anunciado próximo álbum, ‘Map of Soul: Persona’. Se trata de la canción ‘Boy With Luv’ y, si la expectación ya era de por sí enorme, se ha hecho descomunal cuando se ha desvelado que contiene un featuring de una de las estrellas femeninas del pop con mayor tirón del momento: Halsey.
Pese a que los dos álbumes publicados por la norteamericana no terminaban de despejar dudas sobre su potencial artístico, lo cierto es que Halsey ha ido incrementando su base de fans, conectando por su estética y su ética con las nuevas generaciones de aficionados al pop que agotan las entradas allá donde va (en Madrid fuimos testigos del delirio que despierta). Así, un poco sin que nadie lo esperara, el inesperado single ‘Without Me‘ se convirtió a principios de este año en un su primer número 1 en solitario en EEUU (ya alcanzó antes esa posición, pero cantando ‘Closer’ con The Chainsmokers). Por lo que la decisión del equipo de BTS de contar con ella parece de lo más atinada.
De hecho, este domingo este tándem está apuntando ya a cifras récord… ¡con tan sólo el primer teaser de ‘Boy With Lux’! Los primeros 45 segundos del clip, que se lanza oficialmente el próximo viernes 12 de abril, acumulan en apenas 5 horas más de 4 millones de visitas, mientras que la intérprete de ‘New Americana’ (que no BTS) ha sido trending topic mundial contabilizándose millones de tuits relacionados. Parece que al hito videográfico de ‘thank u, next’ podrían quedarle apenas unos días de vida.
Flavien Berger es un músico de la ciencia ficción. El francés ha declarado que este género le fascina porque “me gustan las historias, sobre todo la narrativa, y la literatura de ciencia ficción abre una ventana a nuestro mundo, a nuestro presente, usando herramientas muy específicas del género que lo convierten en un espacio para la creatividad”. Berger, que como miembro del colectivo multidisciplinar Collectif Sin~, crea máquinas que reaccionan al sonido, dando lugar a paisajes visuales ensoñadores, hará realidad su propia ciencia ficción el próximo 9 de abril en la Sala Apolo de Barcelona y el 10 de abril en Dabadaba de Donosti, donde presentará su último disco ‘Contre-Temps’.
Lanzado a finales de 2018, ‘Contre-Temps’ es un álbum de electrónica abierto a géneros, más apto imposible para fans tanto de Nicolas Jaar y Matthew Dear, a los que pueden recordar el single ‘Maddy La Nuit’, como de la etapa más “cheesy” de Daft Punk y M83. A estos dos últimos suenan la vocoderizada ‘Castelmaure’ o ‘Brutalisme’, dos de las canciones destacadas de un álbum que también da pie a la electrónica delicada de Four Tet en ‘Rétroglyphe’ tanto como al piano neoclásico de ‘Dyade’. Incluso una curiosidad llamada ‘Medieval Wormhole’ podrá llamar tu atención y el tema más largo del disco, el que lo titula, que dura la friolera de 14 minutos, es puro Stereolab, un grupo nunca lo suficientemente reivindicado.
La variedad de ‘Contre-Temps’ es tal que a nadie sorprenderá que Berger haya sido telonero -en cuatro fechas- de Christine and the Queens, aunque la sensibilidad retro pero contemporánea de este músico parisino que ha llegado a cantar en español en su tema ‘Arco Iris’ (sic) sin duda debería hacer las delicias de los fans de ‘Chris’ y en general del pop francés más sofisticado, hasta el punto que una colaboración entre ambos no sería descabellada. Pero incuso cuando crees que el disco ya no te va a sorprender, un tema como ‘999999999’, una canción titulada con 9 nueves que dura 9 minutos, consigue replicar la intriga de unos Moderat.
Sobre ‘Contre-Temps’, Berger ha dicho que si su antiguo álbum iba “sobre montañas rusas y era un viaje hacia el abismo, una metáfora de mi encuentro con la música y de mi atracción a ella, este álbum va más sobre repetir el tiempo y vivir recuerdos una y otra vez”. Sin duda, su propia ciencia ficción sonora está llena de momentos familiares , pero expresados a través desde un prisma personal, magnético y ligeramente surrealista, como el recuerdo de un sueño. A esta percepción contribuyen también sus interesantes videoclips, cuyo visionado recomendamos.
En 2010 el grupo dominicano-estadounidense Aventura publicaba ‘The Last’, disco con el que el cerraban una carrera drásticamente marcada por ‘Obsesión‘. Publicada en 2002, esta bachata se convirtió en un hit global cuando aún estaba por explotar de manera masiva el reggaeton. Aquel tema incluido en el tercer disco de Aventura, ‘We Broke The Rules’, superó todas las expectativas y, curiosamente, no fue número 1 en España (su pico fue el 4) pero sí en países europeos como Alemania, Francia, Bélgica, Austria, Suiza o Italia, donde permaneció en lo más alto de la lista de singles la friolera de 16 semanas.
Aún así, sigue siendo una canción recurrente en todo tipo de festejos de nuestro país y es celebrada por todo lo alto: recordamos, por ejemplo, cómo en la última gira de Manel el público lo daba todo cuando sonaba este tema, nada más terminar los conciertos del grupo catalán. La escisión de Aventura devino en la carrera en solitario de su cantante, el conocido Romeo Santos, que desde entonces se ha convertido en el rey de la bachata contemporánea, aproximándola al R&B y el hip hop y convirtiéndola en un género relevante en toda Norteamérica, colaborando con Britney Spears, Lil Wayne, Drake, Marc Anthony y hasta con Julio Iglesias.
Tras el éxito de ‘Golden’ (2017), el pasado viernes Anthony Santos (ese es su nombre real) publicaba sin previo aviso ‘Utopia‘, un nuevo álbum de estudio en el que ha reunido a nombres insignes de la bachata dominicana. Y entre ellos destaca, precisamente, el del grupo en el que se dio a conocer junto a sus primos, los propios Aventura. Todos juntos interpretan ‘Inmortal’, la canción que cierra el disco y que parece el gran gancho de este álbum.
De hecho, se ha lanzado un vídeo oficial que, con una trama sci-fi: Romeo es una especie de alienígena aterrizado en la Tierra, al que arrebatan de la mujer que le encuentra para estudiarlo. Sorprendentemente, se trata de una traslación a imágenes de una letra que dice «mami, yo te amo hasta lo infinito / sólido como un meteorito / lo que siento jamás podrán entender / dura, los expertos buscan la cura / porque te quiero con locura / desconfían que sea humano, mujer». En dos días acumula más de 17 millones de reproducciones y es número 1 en el top de Tendencias de Youtube en España. Casi 2 décadas después de ‘Obsesión’, Aventura han vuelto triunfales.
Aún sin noticias concretas sobre ‘Akelarre’, el primer disco de Lola Indigo, que sigue sin fecha de lanzamiento aunque se sabe que sale “en primavera” y sin tracklist confirmado aunque presumiblemente tanto ‘Ya no quiero ná’ como ‘Mujer bruja’ con Mala Rodríguez y ‘Fuerte’ estarán en él, la cantante y bailarina granadina sigue lanzando singles y el último de ellos es ‘El Humo’, el tema principal de la nueva película de Carlos Therón ‘Lo dejo cuando quiera’, recién estrenada.
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