Natalia Lafourcade, Toquinho, Juanjo Bona, Delaporte y Maika Makovski cierran el cartel de Pirineos Sur, que celebrará su XXXII edición del 10 al 27 de julio en el escenario flotante de Lanuza, situado en el Pirineo aragonés.
Un enclave único para el también llamado Festival Internacional de las Culturas, que ya contaba en su programación con la presencia de Michael Kiwanuka, Ben Harper, Zaz, Residente, Amaia, Viva Suecia, Julieta Venegas o Valeria Castro.
Pirineos Sur, por otro lado, continúa comprometido con la sostenibilidad, primando proteger el entorno del Valle de Tena, uno de los enclaves naturales más increíbles del Pirineo aragonés y en el que se encuentran los pueblos donde se desarrolla este evento, Lanuza y el vecino Sallent de Gállego.
Es desde luego un festival único. Su escenario flotante, bajo las faldas de la peña Foratata con sus 2.321 metros de altura, es quizá su estampa más reconocible.
La venta de entradas para Pirineo Sur ya está disponible en la web del festival.
Ashnikko, autora del hitazo ‘Slumber Party’, ha anunciado shows en España. La gira europea de Ashnikko pasará por La Riviera de Madrid el 1 de julio y por la sala Razzmatazz de Barcelona el 2 de julio de la mano de Primavera Tours. Las entradas estarán a la venta en Fever a partir del 11 de abril a las 10 horas.
La noticia de la gira de Ashnikko llega poco después del lanzamiento del nuevo single de la cantante estadounidense, ‘Itty Bitty’, un pepinazo electroclash y voguing que te gustará si te gustaba ‘Guess’ de Charli xcx y Billie Eilish (el mash-up entre ambos temas no se ha hecho esperar).
Como aquel hit número 1 de la era ‘brat’, ‘Itty Bitty’ gira en torno a una prenda de ropa sexy, en concreto a una «faldita muy, muy, muy corta». Una falda, en palabras de Ashnikko, bien «putita» (sus palabras son «itty bitty teeny tiny little slutty skirt»). La producción de Slinger arrasa a su paso.
Ashnikko se pone esta falda para superar una ruptura porque «no hay nada más efectivo para curar un corazón roto» que vestir la prenda que te hace sentir más sexy. «La faldita cortita es sagrada y debe ser tomada en serio», explica la artista. «Nuestros cuerpos son nuestro lienzo más personal. El ritual de prepararse para salir con amigas es uno de mis favoritos. Nos armamos con abalorios, talismanes y amuletos porque para nosotras la belleza y la expresión personal reflejan nuestra devoción hacia la vida misma».
Con ‘Itty Bitty’, Ashnikko inicia nueva era. Su último disco, ‘WEEDKILLER‘, se publicó en 2023.
La lista de singles española sigue encabezada por ‘La Plena‘, seguido por ‘Still Luvin’ de Delaossa, Quevedo y Bigla the Kid en el 2 y por ‘Capaz (Merengueton)’ en el 3.
La entrada más fuerte de la tabla la protagoniza la triada de superestrellas argentinas EMILIA, TINI y Nicki Nicole: juntas irrumpen en el top 10 con ‘Blackout’, que se coloca en el puesto 8. Es la típica mezcla de estilos del pop actual.
La principal subida de la semana se la lleva ‘Solicito’ de Miguel Bueno y Juan Duque, que sube 7 puestos, del 14 al 7.
Otro de los protagonistas de la semana es el portorriqueño Dei V («David»), que posiciona en lista varios cortes extraídos de su último álbum, ‘LOS FLAVORZ’. El mayor debut se lo lleva ‘TOA’ con De La Rose, que entra en el 31, seguido por ‘Amber’ con Omar Courtz en el 44, ‘Lolly’ con Clarent en el 60 y ‘Quiere’ en el 99. Dei V aparece por otro lado en el puesto 4 gracias a ‘Flipa’, su colaboración con JC Reyes’, y en el 11 gracias a ‘Veldá’, su colaboración con Bad Bunny.
Lola Indigo, que ha colocado su último disco dentro del top 5 de la lista de discos, aparece también repetidamente en la tabla de singles gracias a las entradas de ‘Sin Autotune’ en el número 20 y de ‘Q Somos?’ con Kidd Voodoo en el 77.
Hay que hablar en la lista de singles española de dos entradas anglosajonas: Ariana Grande coloca ‘Twilight Zone‘ en el 78 y Alex Warren lleva ‘Ordinary’ -actual número 1 de singles en Reino Unido- al 98.
El resto de entradas en la tabla con el reggaeton de ‘Dallax’ de Feid con Ty Dolla $ign en el 59, el reggaeton de ‘Que Hago’ de La Pantera en el 63 y el afrobeat de ‘Báilame Gyal’ de Yapi en el 82.
Tiny Desk, el programa de actuaciones acústicas de NPR Music, se ha convertido en un espacio indispensable para acercar al público al directo íntimo y cercano de los artistas. Es, básicamente, el MTV Unplugged de nuestra generación.
Bad Bunny ha sido el último invitado a las oficinas de Tiny Desk en Washington D.C. y ahí ha presentado un puñado de canciones del que está siendo el disco del año, ‘Debí Tirar Más Fotos‘, un homenaje a Puerto Rico desplegado como tal durante la presentación.
Acompañado por un grupo de siete músicos, protegiendo su mirada tras unas gafas de sol, y sentado en un incómodo pupitre, Bad Bunny canta ‘PIToRRO DE COCO’, ‘VOY A LLeVARTE PA PR’, ‘KLOuFRENS’, ‘LO QUE LE PASÓ A HAWAii’ y ‘LA MuDANZA’. De ‘LO QUE LE PASÓ A HAWAii’ cuenta que la escribió después de soñarla.
Entre los momentos divertidos del show, Bad Bunny se lía con el idioma después de veinte minutos de show: «¿Tenía que hablar español o inglés? Por un momento pensé que estaba en Puerto Rico de verdad». Antes habla de Puerto Rico, Estados Unidos y colonialismo y, después, introduce ‘LA MuDANZA’, que le parece «más que una canción». Añade: «Mi historia viene del mismo lugar del que venimos muchos de nosotros, por eso estamos aquí».
Bad Bunny prepara una residencia de 21 conciertos en Puerto Rico para 2025, de la que ha vendido 400.000 entradas en cuatro horas. Benito, sin embargo, ha descartado realizar gira en Europa.
Madonna y Elton John han «enterrado el hacha» después de más de veinte años enfrentados. Así lo ha comunicado Madonna en su cuenta de Instagram subiendo una imagen de ella junto a Elton John, ambos abrazados y contentos, en el backstage de Saturday Night Live, donde John ha actuado este pasado fin de semana junto a Brandi Carlisle para presentar su álbum conjunto.
Madonna ha contado que se plantó en el plató de Saturday Night Live este fin de semana en cuanto se enteró de que Elton actuaba en el programa para “confrontarle” por años de “desprecios” hacia ella en la prensa. En el backstage, antes salir a actuar, Elton vio a Madonna, le pidió «perdón» y le comunicó que ha escrito una canción para ella y que desea que ambos colaboren.
Madonna y Elton han resuelto este lunes una histórica disputa. Madonna, en su post, recuerda que creció admirando a Elton John y señala que nunca entendió por qué Elton la despreciaba públicamente: «A lo largo de las décadas me dolió ver que alguien a quien admiraba me despreciaba de manera pública como artista. No lo entendía».
Madonna y Elton fueron cordiales durante los 80 y 90, pero su relación se agrió en 2002 cuando Elton llamó ‘Die Another Day’ «la peor canción de James Bond de la historia» y se torció en 2004 cuando Elton acusó a Madonna de hacer playback en sus conciertos tras ganar un premio al Mejor directo. Después, en 2012, Elton declaró que el MDNA Tour era un «desastre» y que la carrera de Madonna estaba acabada y llamó a la cantante «stripper de feria», y su marido, David Furnish, menospreció el trabajo de Madonna en ‘Masterpiece’ -que ganó un Globo de Oro- y tildó su discurso de agradecimiento «vergonzoso en su narcisismo». Ese mismo año, Elton señaló a Madonna por «seguir modas que no le van», le sugirió que «dejara de hacer música dance» y se centrara en ser una «cantante de pop», entre otras cosas.
Curiosamente, esta no es la primera vez que Madonna y Elton «entierran el hacha». En 2012, como recuerda el cantante y productor Pshycotic Beats en un comment de Instagram, supuestamente Madonna y Elton hicieron las paces después de coincidir en un restaurant en Niza. Así lo narraba el Irish Independent: «Parece que Madonna apareció en La Petite Maison de Niza para picar algo antes de su concierto. Cuando Elton estaba a punto de marcharse, se acercó a Madonna y a ambos se les vio riendo y abrazados».
Mientras Bad Bunny sigue en el número 1 de la lista de discos española, Ariana Grande protagoniza la subida más importante de la semana, recorriéndose prácticamente toda la tabla. ‘Eternal Sunshine’, potenciado por la reciente versión deluxe, pasa del número 80 al segundo puesto de la lista.
Lola Indigo se convierte, por otro lado, en la entrada más alta de la semana, colocándose en el quinto puesto de la tabla gracias a ‘Nave Dragón’. La artista granadina habló con JENESAISPOP sobre el proyecto, su deriva al reggaetón y las playlists más importantes en España.
Continuamos con Los Planetas y su ‘Encuentro con Entidades’ en el número 18, GRECAS (no confundir con Las Grecas) y su ‘GRECONETA’ en el 24, Maka con ‘Aura’ en el 26, Yung Beef y GOA con ‘Traumatismo Kraneoencefálico II’ en el 34, Mumford & Sons con ‘Rushmere’ en el 44 y Arch Enemy con ‘Blood Dinasty’ en el 48.
En la segunda mitad de la tabla entran ‘No Es Para Menos’ de Rafael Berrio (#65), ‘Los Flavorz’ de Dei V (#76), ‘No Tengo Prisa’ de Marc Seguí (#79) y el recopilatorio ‘March Of Time’ de Helloween (#82). Los últimos puestos de la lista están llenos de entradas, empezando por la edición 5º aniversario de ‘Future Nostalgia’, entrando en el número 89.
De esta forma, las últimas entradas de la semana son protagonizadas por The Darkness (‘Dreams On Toast’, #91), Lucy Dacus (‘Forever Is A Feeling’, #92), J Abecia (‘Desvelos’, #93), Pink Floyd (50 aniversario de ‘The Dark Side Of The Moon’, #94) y, por último, Malmö 040 (‘Cuándo Éramos Felices Sin Saberlo’, #98).
Mario Vaquerizo podría dar nombre a una sala de ensayo del centro cultural Galileo Galilei, en Madrid, «en reconocimiento a su larga trayectoria». Esta es la propuesta que ha formulado el PP de la Junta Municipal del Distrito de Chamberí de la capital española.
La convocatoria de la sesión ordinaria del pleno de la junta de distrito, que tendrá lugar este jueves 10 de abril, así lo refleja. De ser aceptada mediante votación, una placa reconocerá la labor del líder de las Nancys Rubias como referente cultural de Madrid.
Lógicamente, no es la primera vez que Vaquerizo y el PP muestran su gran relación. Este ya declaró en el FITUR de 2023 que Feijóo era «el mejor» y que Isabel Díaz Ayuso era su amiga. Por no hablar del polémico spot publicitario de la Comunidad de Madrid que protagonizó el marido de Alaska y que inundó las redes de memes y críticas a partes iguales.
El diario El País recoge las declaraciones de Iñaki Prieto, portavoz del PSOE en el distrito de Chamberí, sobre esta propuesta del Partido Popular, «el mismo que no consideró apropiado que la escritora madrileña Almudena Grandes fuera nombrada Hija Predilecta de la ciudad, y que la próxima biblioteca que se inaugure en la capital llevara su nombre», ha declarado Prieto.
Clem Burke, batería vitalicio de Blondie, ha fallecido a los 70 años. Así lo han comunicado sus compañeros de banda, Debbie Harry y Chris Stein, en redes sociales: «Es con una profunda tristeza con la que informamos del fallecimiento de nuestro querido amigo y compañero siguiendo una batalla privada con el cáncer».
Reclutado en 1975 poco después de la fundación de Blondie, Burke es descrito por sus compañeros como el «latido» de la banda: «Su talento, energía y pasión por la música no tenían comparación, y sus contribuciones a nuestro sonido y éxito son inconmensurables. Más allá de su talento, Clem era una fuenta de inspiración tanto en el escenario como fuera de él».
Burke concedió una entrevista a JENESAISPOP en 2014 en la que habló abiertamente sobre sus inicios en Blondie y en la industria musical: «Cuando conocí a Debbie y Chris a mitad de los 70 y yo tenía diechiocho años, buscaba a alguien que tuviera el carisma y todo el empaque de David Bowie, Mick Jagger, Jim Morrison… y resultó que lo encontré, pero era una mujer. Para mí, fue obvio al instante».
Este fue el encargado de mantener unida a la banda después de que el bajista original, Fred Smith, pasase a formar parte de Television, fichando a su amigo Gary Valentine. El reputado batería se mantuvo en Blondie durante el resto de su carrera. En el periodo de pausa de la banda, entre 1982 y 1997, Burke tocó para los Ramones, The Romantics, Bob Dylan, Iggy Pop, Pete Townshend, Eurythmics, Joan Jett o Nancy Sinatra, entre otros.
En su entrevista con JENESAISPOP, este aseguró sentirse «decepcionado» con el parón de la banda, dado que disfrutaba cada minuto de formar parte de ella: «Siempre he disfrutado ser parte de Blondie. Fue un sueño hecho realidad. Me quedé muy decepcionado cuando paramos tantos años».
Clem Burke ha tocado la batería en todos los números 1 de Blondie, incluyendo ‘Call Me’, ‘The Tide Is High’ y ‘Rapture’. Así, fue introducido al Salón de la Fama del Rock en 2006 junto a todos sus compañeros de banda. Ahora, distintas personalidades y amigos de la industria están homenajeando al batería. Entre ellos, Tim Burgess de The Charlatans, Dave Davie de The Kinks o Nile Rodgers.
I feel saddened that Clem Burke was taken from us so soon. May he rest in peace. Spectacular drumming. We were friends. #clemburkehttps://t.co/PBJG0hpSjV
«La música puede escucharnos» es un título que va a DJ Koze que ni pintado. La música electrónica que ha facturado el alemán Stefan Kozalla durante su carrera ha conseguido que la artificialidad suene natural y que la naturaleza parezca artificial. Sus discos son viajes sonoros alucinantes -y alucinógenos- llenos de vida, pero que no se mueven por el pulso del baile, sino por el de hacer la música más original posible.
Las obras de DJ Koze son indispensables viajes para cualquiera que no se haya resignado a esa antigua consigna de que la música del pasado es mejor. No puede serlo cuando existen discos como ‘Knock Knock‘ (2018) capaces de producir un hit global como ‘Pick Up’. Muy interesante tiene que ser tu propuesta para que la malograda reina de los weirdos, Róisín Murphy, se fije en ti. Aunque luego arruine la promo de su propio disco haciendo comentarios muy desafortunados.
DJ Koze parece comentar la polémica en los primeros segundos del álbum en ‘The Universe in a Nutshell’: «Me gustaría comenzar con una cita de Rumi: «Más allá de las ideas del bien y del mal, hay un campo. Allí te esperaré». Ese campo es la utopía que habita la música de ‘Music Can Hear Us’, un lugar mejor, blindado de toda controversia ética o moral, en el que solo existe el placer del descubrimiento.
Y ‘Music Can Hear Us’ es todo un mundo por descubrir. ‘The Universe in a Nutshell’ abre las puertas de este universo -situado entre la tierra y el espacio- con tempos pausados y destellos de clavecín, extendiéndose tranquilamente hasta los ocho minutos de duración. Abierta la veda, el disco recorre un repertorio ecléctico y colorido que incluye indistintamente bangers tecno, melodías folk, aproximaciones a África y el Caribe, pop tradicional o hasta una nana cantada en japonés, todo ello pasado por el filtro alienígena y estrafalario de DJ Koze y su variado plantel de colaboradores.
Hay que recalcar que ‘Music Can Hear Us’ no es un disco de bangers al uso -no en el sentido occidental/alemán- sino que, sobre todo, busca un sonido globalizado profundizado en los aspectos más experimentales de su propuesta. Esos que le hacen enrarecer hasta lo indecible ‘Consequence’ de The Notwist en ‘What About Us’ o transformar el pop del songbook americano en ‘Unbelievable’ con la cantante alemana Ada. Solo a DJ Koze se le podría haber ocurrido poner a Soap&Skin a cantar ‘Vamos a la playa’ de Righeira; solo él puede hacer que el pop hip-pop alemán de ‘Wie schön du bist’ suene exactamente de esta manera, solo él puede llamar a Sofia Kourtesis para reinventar el bolero en ‘Tú dime cuándo’.
Pero los puntos focales de ‘Music Can Hear Us’ se hacen evidentes dentro de la densa maraña de sonido que propone el álbum. ‘Pure Love’ es una nueva adhesión de Damon Albarn a la música africana, en concreto al amapiano, y aunque su voz no es la más apetecible, la música es una revelación. El pop alemán suena como nuevo en ‘Der Fall’ con Sophia Kennedy, que se basa en el sonido de una guitarra eléctrica, y ‘Die Gondel’ propone una fascinante mezcla de ritmos brasileños y disparos.
Aunque hay que decir que, sí, la mejor pista de ‘Music Can Hear Us’ -y la más exitosa por números- es un banger. ‘Buschtaxi’ apunta directamente al club con un arma de ritmos house y tecno, pero no olvida ofrecer a su vez un fantasía sonora sin rival. La elegante producción se construye en torno a una melodía de flauta de sonido vagamente andino y, durante el transcurso de sus ocho minutos, incorpora sonidos de pájaros y ricas percusiones, llevándonos de nuevo a ese mundo imaginario donde naturaleza y tecnología se unen en perfecta armonía.
La música de ‘Music Can Hear Us’ bombea creatividad desde el primer segundo al último pasando por el afrobeat de tus sueños (‘Aruna’) o renovando la electrónica de los 90 en el drum n ‘bass de ‘Brushcutter’ o en el experimento futurista de ‘The Talented Mr. Tripley’. Los diseños de DJ Koze se enturbian y encuentran continuamente nuevas maneras de retorcerse y enriquecerse sin parar. ‘Music Can Hear Us’ no es el «breakthrough» accesible que era ‘Knock Knock’ porque su apuesta es menos discotequera y más global, la de un productor que solo absorberá influencias de todos los lugares del mundo para ofrecer a cambio algo absolutamente diferente, nuevo y revelador.
Jennifer Lopez ha anunciado que su gira JENNIFER LOPEZ: UP ALL NIGHT LIVE IN 2025 aterrizará en España este verano. La artista pasará por Pontevedra el 8 de julio en el Parque Tafisa, por Cádiz el 10 de julio en Estadio Nuevo Mirandilla, por Málaga el 11 de julio en el Estadio de Atletismo Ciudad de Málaga, por Barcelona el 15 de julio en el Sant Jordi Club y por Bilbao el 16 de julio en el BEC. La información sobre la venta de entradas se publicará próximamente.
La gira ‘Up All Night’ se promociona con el reclamo de ser un repaso a los «éxitos más icónicos» de Jennifer Lopez. Parece que será mínimo su recorrido por el repertorio del último disco de Lopez, ‘This is Me…Now‘, publicado hace un año.
Con ‘Up All Night’, Jennifer Lopez volverá a España después de cinco años, los que han transcurrido desde que su gira It’s My Party pasara por Fuengirola. La última gira local de Lopez, ‘THIS IS ME…LIVE’, programada en Estados Unidos, fue cancelada.
Ed Sheeran ha vuelto al pop, ¿pero ha vuelto el pop a Ed Sheeran? ‘Azizam‘, su nuevo single, no ha dado al británico el mejor debut de su carrera, de momento. ‘Azizam’, el que se supone el comeback comercial de Sheeran, ha entrado en el 27 de la tabla global de Spotify y después se ha desplomado 53 puestos hasta bajar al 80. En Reino Unido, el mercado principal de Ed Sheeran, ‘Azizam’ ha entrado directo al 7, pero después ha caído al 24, bajando 17 puestos. La caída se considera normal en fin de semana, pero el debut de ‘Azizam’ probablemente no se ajuste a las expectativas.
La era imperial de Ed Sheeran parece acabada, al menos, desde 2023 o antes: el éxito comercial de Sheeran ha sido de tal magnitud que un tema con streamings estratosféricos como ‘Eyes Closed‘ -400 millones en Spotify- se considera un fracaso en el contexto de su carrera. De su último éxito realmente global, ‘Bad Habits’, hace cuatro años.
Es un escenario extraño para Ed Sheeran, pues una serie de artistas de su mismo estilo están logrando grandes resultados comerciales. ‘Ordinary’ de Alex Warren -que es estadounidense, en concreto de California- es el actual single número 1 en las islas y ‘Beautiful Things’ de Benson Boone continúa fuerte en el cuarto puesto. ‘Ordinary’, además, ha irrumpido en el top 5 global de Spotify.
‘Ordinary’ sigue el estilo de pop-rock teñido de blues, country y góspel de otros hitmakers actuales como Teddy Swims, Noah Kahan o el mencionado Benson Boone. Ninguno de estos artistas ha inventado la rueda, pero poseen buenas voces y si triunfan desde luego es porque existe un público que demanda su tipo de sonido.
The Guardian examina el fenómeno de la decreciente popularidad de Sheeran comparando su caso con el de estos artistas recién llegados argumentando que el mercado premia cada vez más las marcas auténticas y personales como las de Charli xcx o Chappell Roan. Ya lo dijo Charli xcx en una entrevista con Apple Music cuando explicaba que el éxito de ‘brat‘ se debía a que «el mercado premia el nicho más que nunca». Y Ed Sheeran lleva demasiado tiempo con nosotros para que sepamos que el éxito masivo de sus mayores éxitos -esos que superan los mil millones de streamings y que no son ‘Eyes Closed’- está medido del primer segundo al último, al pasar por decenas de manos diferentes.
O puede ser que, simplemente, la saturación del mercado no permita la digestión de tanta nueva música a la vez, durante un fin de semana. Tampoco el nuevo single de otra tótem del pop, Miley Cyrus, ‘End of the World‘, está prendiendo las listas de momento. Y sería de necios acusar a Ed Sheeran de hacer pop de masas cuando Bruno Mars hace exactamente lo mismo -y lo hace maravillosamente- y ni Charli ni Chappell trabajan solas, aunque su marca sea sumamente personal.
Es demasiado pronto para adivinar el desempeño comercial de ‘Azizam’ a largo plazo, pero no para afirmar que se esperaba una entrada en listas más efusiva. Seguro que Warner activará toda su maquinaria para intentar convertirla en un éxito mandando a Sheeran a hablar en diferentes podcasts o a comer alitas de pollo picantes. Y, como mínimo, gracias a su homenaje al folclore iraní, la canción ofrece algo más o menos distintivo. Bueno o malo, que el público decida.
Azealia Banks, la reina de las unpopular opinions, ha vuelto a la carga declarando que «Kraftwerk son basura». Aunque sus declaraciones tienen matices. Ella defiende su derecho a que no le guste Kraftwerk, pero además reivindica que Donna Summer, y no el grupo alemán, es la verdadera pionera de la música tecno. «Kraftwerk me parecen basura. Los alemanes siempre pretenden que Donna Summer no fue la verdadera primera artista tecno de la historia».
¿Tiene razón Azealia o está intentando reescribir la historia como Lizzo hablando de Madonna, Janet Jackson y Britney Spears?
Kraftwerk y Donna Summer emergieron en la música a finales de los 60, los primeros con el alias de Organisation y la segunda con su nombre real, Donna Gaines. Casualmente, el primer single de Donna Gaines fue una versión de ‘Aquarius’ del musical ‘Hair’ cantada en alemán.
Las carreras tanto de Kraftwerk como de Summer despegaron a mediados de los 70, pero con un año de diferencia, la de Kraftwerk en 1974 con ‘Autobahn’ y la de Donna Summer en 1975 con ‘Love to Love You Baby’. Aquí, Summer ya trabajaba codo con codo con el italiano Giorgio Moroder.
La canción que rompió comercialmente a Donna Summer a escala global fue la pionera ‘I Feel Love’, que salió en mayo de 1977 pero se grabó en 1976. Cuando se lanzó ‘I Feel Love’, Kraftwerk ya habían asentado su sonido electrónico en ‘Trans-Europe Express’, que salió en marzo de 1977 pero se grabó en 1976. La historia cuenta que ‘I Feel Love’ estaba inspirada en el sonido de Kraftwerk y no al revés. Sin embargo, ‘I Feel Love’ marcó un antes y un después en la evolución del pop electrónico y de la música de club gracias a su sonido bailable y a su enorme impacto comercial: no hay que olvidar que ‘I Feel Love’ fue el intento de Moroder de producir la música disco del futuro.
¿Es Donna Summer la primera artista de música tecno? Sí y no. ‘I Feel Love’ fue supuestamente la primera canción de la historia que combinó una base de cuatro por cuatro con loops de sintetizador y hi-hats típicos de la música tecno de club que emergería años después. Sin embargo, Kraftwerk ya hacían música exclusivamente electrónica, y podría decirse que tecno, antes que ella.
Banks, eso sí, comparte elogios para dos artistas alemanes: dice que Klaus Nomi le parece mejor que Kraftwerk aunque también que da «más miedo», y dice ser fan de Roman Flügel. Os recordamos que Azealia Banks actúa en Kalorama Madrid el próximo mes de junio.
En las últimas horas, varias personas nos habéis preguntado a través de las redes o los comentarios, qué ha sucedido con los foros de JENESAISPOP. Los foros se encuentran en mantenimiento, y continuarán así durante algunos días más. Hace unas semanas advertimos en un hilo de que una empresa externa migraría desde la plataforma Vanilla -ya extinta- a otra nueva (Flarum).
El proceso, que implicaba miles de hilos y más de 2 millones de mensajes, está siendo mucho más costoso de lo esperado, y la subida en beta de la nueva plataforma el pasado martes fue un fracaso rotundo.
Han sido varias las trabas técnicas con que hemos topado por el camino, como el nuevo login sin redes y el funcionamiento del botón «olvidar contraseña» (resueltos en la primera parte del proceso), el mantenimiento de URL’s (resuelto en la segunda etapa), la migración de privados (probablemente lo descartemos) y la implementación de nuevos plugins: hay uno muy simpático que implica el pago de «aranceles» por comentar o entrar, aplicable a algunos usuarios (es broma, aunque existir, es verdad que existe).
Muchos os estaréis preguntando por qué realizar una inversión económica y personal de este calado en un foro en 2025, cuando si algo sobra en esta vida son opiniones de mierda desplegadas en internet, comenzando por las mías. Pero en mi cabeza, sigue teniendo sentido ofrecer una comunidad segura, especialmente para la gente LGTBIQ+ y para las mujeres, en unos tiempos caracterizados por los bulos, el odio en las redes sociales, el auge de la extrema derecha y el desmesurado poder económico y político de oligarcas multimillonarios, dueños de unas redes que manipulan a su antojo, con el único objetivo de influir en la intención de voto. En pocas palabras, una pequeñísima alternativa, pero segura y divertida, a otras redes. Un lugar donde encontrar opiniones sin toparte con bulos en dos de cada tres mensajes.
La deriva de los foros en los 15 años en que han existido varía dependiendo de a quién preguntes. En lo personal, puedo decir que entre 2010 y 2015 aproximadamente, lo que ocurrió ahí dentro era muy superior a cualquier cosa que hayáis podido leer en este site, tanto en las noticias como en la parte de los comentarios. Lo mejor de JENESAISPOP era el foro de JENESAISOP. Las entregas de premios, los chats sobre Operación Triunfo, el hilo de qué comprar en Mercadona, aquellos survivors en que contábamos los votos con una ilusión que ni el 23-J… Hubo un tiempo en aquella época, en que el mayor placer para mí era abrirme un vino un viernes por la tarde y meterme ahí a opinar de música, muchas veces troleando de más (lo siento de veras), con un papel indeterminado e incómodo entre «moderador» y «hater», pero siempre leyendo reacciones que me hacían llorar de la risa.
Se podría decir que ese foro murió de éxito porque ahí había tanta gente que ningún creador de JENESAISPOP, ni ningún empleado posterior, fue capaz de gestionarlo. Se nos fue por completo de las manos. Literalmente, el foro empezó a pertenecer a otras. A veces por dejadez de funciones, a veces por exceso, claramente no supimos lidiar con esa avalancha de ninguna manera, perjudicando incluso nuestra salud mental. Por poner un ejemplo que me traumó, todavía recuerdo con frustración y cierta rabia, que era imposible mantener una conversación sobre Cranberries en el hilo de Cranberries, ahora un grupo de éxito en TikTok y respetado hasta en Pitchfork, sin que aparecieran unas personas a ridiculizarte. De bromi, pero a ridiculizarte. Y donde digo este grupo, digo hoy Rigoberta, Amaia, Zahara o Katy Perry. Siempre mujeres, claro. Bueno, y Ed Sheeran.
Ethel Cain comentaba hace poco que estamos en una epidemia de ironía. «Me encanta reírme pero se está perdiendo honestidad. Todo tiene que ser una broma todo el rato». Y eso han sido muchos de nuestros hilos durante años: un sarcasmo todo el rato. Recuerdo que alguien me dijo una vez -y me sirvió de mucho- que el foro del site tenía su propia idiosincrasia y jamás sería Popjustice, ATRL o UKMix. Pero a su vez, siempre me he preguntado por qué no surgía una escisión del mismo, al modo de La Mesa Camilla, montada por estas personas a las que les parece tan ridículo que nos gusten Las Bistecs. ¿Qué pasó con aquello de unas Peluqueras? Para mí, nuestro foro tenía que ser el sitio en el que tomarse 100% en serio la música pop. Es un fracaso personal no haberlo conseguido en absoluto. También es cierto éxito que la comunidad adquiriera vida propia: en un momento unas personas que no éramos nosotros se identificaron tanto con la marca JENESAISPOP que se presentaron en un festival, creo que de Murcia, con una camiseta o una bandera de JENESAISPOP, y era por los foros, no precisamente por nuestro trabajo.
Sé que muchos usuarios desertaron por un ambiente muchas veces tóxico y enrarecido: gente de la industria o borracha en los festivales me ha preguntado muchas veces por qué hemos aguantado según qué cosas. «Banead a esos plastas», te dicen y tú no sabes dónde mirar. También soy consciente de que mucha gente ha hecho amigos gracias a nuestra comunidad: este mismo sábado me he encontrado a unos pocos en los bares.
En los últimos tiempos, se ha mejorado algo con la organización del Contest y con la excelente moderación voluntaria de tres personas: sobre todo la usuaria elektrolu (su facultad para mediar es historia de este site), maniacmaison (que duró poco, no me extraña) y finalmente Teresa (ojalá contar contigo en el futuro). Nunca les estaré suficientemente agradecido. Solo ellos salvaron el foro tras una estampida de usuarios que seguro que fue en 2017: el año en que se estrenó ‘Madre‘.
Poco a poco, el login de Vanilla vinculado a Twitter y a Facebook empezó a ocasionar problemas, en relación a una nueva normativa, y finalmente, dejó de funcionar. Cada vez era más difícil entrar, editar mensajes o modificar links, hasta el punto de ofrecer a nuestros usuarios un servicio dejado, penoso, con aspecto decadente. Las conversaciones «esto es el fin del foro» fueron recurrentes durante años. Y con razón. Era curioso cómo el universo de los foros no tenía nada que ver con los comentarios del site «madre», y cómo, por oleadas, molaba más el ambiente de uno u otro. En los últimos años, he sido claramente #TeamDisqus: es mucho más barato de mantener y más fácil. Varias veces hemos baneado a varios usuarios transfóbicos y difundidores de bulos, siempre que se nos ha pedido. Lo de los foros era siempre muchísimo más complejo y cada baneo producía una oleada de incomodidad.
Si se me permite una excusa, aunque ahora nadie quiera recordar la «pandemia», JENESAISPOP estuvo a punto de cerrar, en general, en 2020, con motivo de una caída en los ingresos del 75%. Mi socio, Raúl Guillén, father of two, abandonó el site para no volver, y poco se habla de la enorme pérdida que ha sido su marcha para esto del periodismo musical y para los foros, también. Solo la edición de libros y Anuarios en papel nos salvó (muchos foreros se compraron estos libros, para mi asombro), y finalmente es evidente que los podcasts nos han hecho llegar a una nueva audiencia: hay gente que se pone nuestro podcast en Spotify y no tiene ni idea de todo esto de lo que estoy hablando aquí, no sabe nada ni de la madre, ni de la hija. En los últimos años, simplemente no ha habido tiempo, dinero y a la vez energía para mantener el site, encargarse del papel, grabar dos podcasts, y luego además arreglar unos foros que cada vez tenían menos, y menos que ver con esta casa. Otro dato: el año pasado me gasté un dineral -que no tenía- en contener ataques de bots, tanto a la web, como a los foros.
Ahora que las cosas vuelven a ir bien y las considero estabilizadas, ahora que estaba siendo un gran año para el site (al menos hasta la llegada de la guerra comercial), puede ser demasiado tarde para intentarlo. Soy muy consciente de que todo este esfuerzo de relanzar foros puede ser en balde: de una manera o de otra, alguien me lo hace ver todos los días. En estos últimos años, primero de pandemia, luego de otros proyectos que eran imprescindibles para la supervivencia de JENESAISPOP, soy el menos indicado para explicar qué son los foros de la web, por lo que soy la persona que menos sabe de todas si «serán» en el futuro, o simplemente la fiesta terminó. Personalmente me siento en la obligación de hacer un último intento de revivirlos porque me siento en deuda con gente tan guay de leer como La Becaria, Johnny Utah, Xtian23 y un largo etcétera. Si no funciona, lo entenderé: gracias de veras a todos los que habéis formado parte de esto durante 15 años.
Puedes saber sus nombres, pero nada más. Julen, Paskal y Sara son Merina Gris, un visionario grupo del País Vasco que antepone la música ante todo, ocultando su identidad detrás de unas máscaras que recuerdan directamente a aquellas que Maison Margiela diseñó para Kanye West. Si les miras de frente, es como mirarte a un espejo.
Detrás de esta llamativa fachada, un repertorio que ellos mismos describen como «pop violento», pero que no merece ningún tipo de etiqueta. Sobre todo, es música basada en la autenticidad. Después de los geniales adelantos de ‘Nadie Cuando Lloro’, ‘Origami’, Hiru Damatxo’, ‘Lotu Zure Txakurrak’ y ‘lilili’, presentada en primicia en JENESAISPOP, han lanzado ‘ZULOA’, su segundo álbum.
Al llegar a las oficinas de Sonido Muchacho, el trío me recibe con las máscaras quitadas y me explican la idea detrás del título de ‘ZULOA’ (‘El agujero’), que no necesariamente implica algo desolador (a veces, pues sí). Cuentan que un agujero puede ser de seis tipos: el vacío, el hoyo, la grieta, el tragaluz, el butrón y el refugio. «Puede ser un sitio donde te escondes o por donde te caes, pero también un sitio por donde entra la luz, o la puta nada», cuenta Julen.
Hablamos con Merina Gris sobre desgaste mental, cantar en euskera, conformismo y la alegría de un recibimiento mejor de lo esperado.
¿Por qué no esperabais una acogida tan buena?
Julen: Habíamos perdido perspectiva, pero además siento que la peña está superestimulada. Como que hay demasiadas cosas. Ya todos los videoclips están hechos, todos los reels, todas las optimizaciones para que llegue tu música a la gente, todos los grupos de hyperpop ya han salido, todo se ha sampleado…
Sara: Y a la vez está siendo más difícil vender entradas. La escena se está polarizando un montón.
Paskal: Sí, el barro, una sala de 300 personas, cuesta más llenarla.
J: Ya no hay tanta gente en un bolo un jueves. Hay más gente en no sé qué bolo que va a ser histórico, y todo el mundo quiere estar ahí, pero no es compatible con ir después a conciertos de normal. Económicamente, a nivel de tiempo y a nivel de todo.
¿Cómo habéis recibido el fichaje de Sonido Muchacho?
J: Es una grata sorpresa. No solo porque nos mola mucho el roster que tienen y el ambiente en el que se mueven sino que también era una apuesta para profesionalizarnos y hacer las cosas un poco más en serio. Sobre todo en lo que respecta a mover la música, porque llegamos siempre sin energía a este momento. Si no tengo medios para conseguir entrevistas y eso, es que el disco se va a la basura.
¿Qué es lo que más desgasta?
J: Uf, pues muy buena pregunta, porque si lo supiera me iría mejor.
P: Se ha juntado la preparación del directo con que Sara ha estado fuera justo en la época de preparar los ensayos. Entonces, hemos tenido que concentrar mucho.
J: Creo que no es que calculemos mal el tiempo, sino que no se tiene en cuenta la implicación psicológica que tiene hacer lo que estamos haciendo. Nosotros hacemos música así, que es dando el 200%, dándole mil vueltas a todo, poniendo ahí la verdad que más nos jode, que incluso al principio hasta te duele escucharla. Eso tiene un desgaste emocional y psicológico que es una especie de losa o hándicap a la hora de ejecutar todos los puntos estratégicos que tiene un lanzamiento, como estar aquí para esta entrevista, rodar esto, sacarte estas fotos, preparar este concierto… Es un proceso intenso y muy bonito, pero también desgasta mucho.
La verdad es que eso se nota.
J: Creo que cuanto más te vacías, más guay es lo que haces.
S: Para mí Merina Gris es como un máster, porque la visión que tienen estos dos es muy adelantada para mí a lo que se hace. Creo que siempre vais un paso más adelante de lo que se podría hacer. Eso es una búsqueda que no tiene respuestas. Entonces, estáis muchísimo tiempo en esa búsqueda de algo que todavía no existe, ¿sabes? Para mí eso es lo que más os desgasta y a la vez lo más importante porque trae cosas nuevas.
¿No concebís otra forma más sana mentalmente de trabajar?
J: Entre discos ha sido sostenible. Incluso componiendo el disco, que lo hemos hecho de forma superlibre, sin prisa y no representa cómo estamos ahora.
P: Incluso nosotros pensábamos que íbamos de puta madre.
J: Ha sido el directo, porque tiene su complejidad. Tocamos todo. A mí me flipa cuando va todo enlatado, pero no es nuestra movida. También hemos modificado algunos temitas, porque ya que estamos… Es un poco enfermizo, pero mi objetivo es hacerlo 100% sostenible y creo que estamos en camino. Eso implica tiempo y dinero.
«El objetivo es hacer conciertos 100% sostenibles y creo que estamos en camino»
Lo que más me ha llamado la atención de vosotros es el contraste entre las máscaras que lleváis y lo vulnerables que son las letras. ¿Es buscado o natural?
J: Sale así 100 %. Yo siempre me he considerado vulnerable y tener los medios para mostrarlo es un alivio y sigue siendo difícil. Creo que si no es difícil, tampoco tiene mérito. Creo que tienes que buscar algo que te incomode un poco a ti también. Si para ti es fácil decirlo y te deja indiferente, creo que no es tan valioso.
Me parece muy interesante que no haya nadie detrás de esos sentimientos. O sea, las máscaras las usáis porque anteponéis la música a vuestra identidad, ¿no?
J: Euskal Herria es muy pequeña, veníamos de otros grupos y empezó como: Ahora os jodéis. Queríamos que le diesen importancia al qué y no al quién. Era una especie de performance que se ha ido alargando con el tiempo.
Pero luego me encuentro con unas letras tan personales…
S: Justamente, creo que por eso conecta con la gente. Como no hay nadie al otro lado, solo hay un espejo. Al oyente, las letras se le hacen más suyas que de normal.
La última parte de ‘Mejor’ me parece uno de los momentos más desgarradores del disco. Te dejaste la voz.
J: Sí, literal, me dolía el pecho.
Además, en todas las canciones tocáis temas muy vulnerables y personales, pero esta es la única que suena tan dramática. Al no entender euskera, claramente hay otra barrera extra.
J: ‘Mejor’ es un funeral. Yo tenía que enterrar ciertos sentimientos y ciertos sucesos de mi vida. Todo empezó con ‘lilili’. Esa es como algo que se escribe con la herida muy reciente y ‘Mejor’ es como con un reposo ya más reflexivo, pero amargo. Hay una frase que se repite un huevo en la canción, pero nadie me la menciona y para mí es devastadora, que es: «Quiero que seas feliz, pero que nada me sepa a ti». Yo ahí encontré el equilibrio de cómo me sentía con una ruptura. Tú quieres que la persona con la que has roto sea feliz, pero no quieres ser olvidado tampoco. He tenido mogollón de complejos con esa canción, con si era muy Disney. Como oyente me flipa eso, pero como autor igual no estoy tan cómodo. Estoy muy orgulloso, porque está pegando la que más con diferencia.
¿Por qué decidisteis cantarla en castellano?
J: No lo sé, tío. Por muchas cosas, porque muchas barras me salieron así. Es como que traducidas ya no tenían… A veces escribo en castellano y a veces en euskera. Mezclamos mucho porque también lo mezclamos a la hora de hablar.
¿Hay algún tipo de criterio?
J: Siempre habrá un criterio pero, consciente, no. No va dirigida a ninguna persona, pero alude a otra parte, ¿no? Es en segunda persona todo. Yo muchas veces ese tipo de conversaciones las mantuve en castellano con esa persona. Entonces me parecía mucho más directo y mucho más fiel a la verdad.
¿Os importa no llegar a tanta gente solo por cantar en vasco?
J: Si es solo por eso, no. No renunciaría a eso por llegar a más gente. Además, tengo dudas de si llegaría a más gente. Yo creo que no, personalmente. Si no, por esa misma regla de tres, en inglés llegaría a más gente todavía.
Claro, cuando escuchas una canción de pequeño en inglés no entiendes nada, pero lo puedes disfrutar. ¿Creéis que la gente puede tener un prejuicio con el euskera?
J: Lo pensábamos, pero la realidad nos está dando en la cara constantemente. Vaya por delante que para mí la experiencia completa es saber lo que dice una canción a nivel letra. O sea, para mí es imprescindible. Pero bueno, luego escucho Kendrick Lamar y yo sé inglés, pero en una primera escucha a pelo no entiendo ni la mitad. Ni de las referencias, ni de lo que está diciendo.
P: Yo no tengo ni puta idea de inglés y hay muchos temas que me pegan, porque igual pillo dos palabras y ya más o menos me hago la peli de qué va el tema. Mi manera de sentir la música viene más por la melodía y la propia música que por lo que se dice.
J: La gente consume música de formas muy diferentes. Si no, a nadie le gustaría Aphex Twin, por ejemplo.
S: Además, creo que ahora se premia mucho más lo auténtico. Si tú eres de Euskal Herria y has nacido con el euskera, vas a transmitir mucho mejor si cantas en euskera. Con eso sí que creo que hay prejuicios todavía, pero nuestra generación está mucho más abierta con el euskera, o sea, yo flipo muchas veces. Hay gente que va a los bolos, se aprende un par de frases, canta… En Serbia nos pasó, que había alguien que, no sé si estaba cantando, pero bueno, emulaba algo. Hay mogollón de ejemplos de lenguas minoritarias que están funcionando súper bien porque están haciendo algo que para ellos es natural.
J: Yo no entiendo que en Madrid metamos 200 personas en El Sol, porque luego dices: Ah, todos estos son los vascos que vienen a Madrid. Una polla. Casi toda la gente era de Madrid y yo no lo entendía.
«Ahora se premia mucho más lo auténtico; mogollón de lenguas minoritarias están funcionando súper bien»
Una de las últimas frases del disco es «No estar mal, es estar bien», traducido por Sonido Muchacho. Es una de esas frases que son generacionales.
J: Es que además es una tontería superevidente, pero yo nunca lo había pensado. Y mira que he pensado, ¿eh? (risas) Que puede ser leída desde el conformismo. El conformismo no es algo malo. Parece que en este mundo de perseguir tus sueños es algo malo, y depende de por donde se mire, pero no estar mal es estar bien porque es a lo único que puedes aspirar. A no estar mal. Al final, como vivimos hoy en día, y con todas las expectativas que tenemos con respecto a absolutamente todo, se crea una frustración generalizada que es una mierda.
Lo que menos me esperaba de un disco como este eran las referencias a The Killers (‘Mr. Brightside’) y Blink-182 (‘I Miss You’) en la producción.
J: Blink es mi adolescencia entera. Para mí son himnos. No escucho esos grupos hoy en día, pero son parte de mi ADN.
Llama la atención porque no tiene nada que ver.
Y además de The Killers no te creas que soy superfan. Conozco diez, lo que pasa que ‘Mr. Brightside’ es una canción que a nivel cultura pop tiene mucho peso . Me gustaba partir de cosas super obvias y super funko pop en ese aspecto, para ir como deformándolas para meterlas en un tema de Merina Gris.
Esos samples están…?
J: No (risas). Son ilegales.
P: Esto «off the record», por si acaso.
J: A ver, están muy «pitcheados». O sea, eso tiene que escucharlo Brandon Flowers para que se raye y nos denuncie. Y luego está el de ‘Origami’, que es ‘anthems’ de Charli xcx y está «pitcheada» medio tono. Ese es el más heavy. Me jodería si nos tumban ese tema, pero bueno, es lo que hay.
PinkPantheress continúa su carrera después de haber influido a media industria de la música con su sonido UK garage y drum n’ bass. El próximo trabajo de PinkPantheress es un mixtape -el segundo de su carrera- que se publica el 9 de mayo bajo el título de ‘Fancy that!’.
La primera muestra de ese mixtape es ‘Tonight’ y es una de las producciones de PinkPantheress que de manera más firme miran al club. Como peculiaridad, ‘Tonight’ samplea ‘Do You Know What I’m Seeing?’, una canción de Panic! at the Disco de 2008.
En ‘Tonight’, PinkPantheress vuelve a dejar su típica ristra de ganchos sobre un acelerado groove de house acuático de sonido dosmilero. Esta vez, la letra de ‘Tonight’ es especialmente explícita en su invitación sexual («¿quieres sexo conmigo?», repite el estribillo) y sitúa al oyente en el ambiente nocturno de la canción.
‘Tonight’ es a la vez familiar y reveladora. Usa los trucos conocidos de la música de PinkPantheress (voces suaves, producción nostálgica, esa firma vocal compuesta por un efusivo «yeah» sostenido con un eco) y los introduce en la pista de baile.
PiknPantheress, por otro lado, ha bromeado en TikTok con que ya nadie podrá acusarla de hacer canciones cortas porque ‘Tonight’ llega a los tres minutos de duración. Con ‘Tonight’ tampoco nadie podrá achacarle haberse encajonado en un sonido.
Dos fotógrafos han muerto durante el transcurso del Festival AXE Ceremonia de Ciudad de México después de que una estructura metálica cayera dentro del Parque Bicentenario y aplastara a ambos profesionales, hiriéndoles de muerte, durante la tarde del sábado 5 de abril. Los fotógrafos, Miguel Hernández (26) y Berenice Giles (28), eran trasladados al Hospital General Dr. Rubén Leñero, pero fallecían durante el traslado, informa Expresso.
Hernández y Giles trabajaban para el medio musical independiente mexicano Mr. Indie, que este fin de semana cubría la duodécima edición del Festival AXE Ceremonia. Artistas presentes en el cartel como Charli xcx o Ralphie Choo han enviado condolencias a la familia de los jóvenes fallecidos a través de redes sociales.
En un comunicado publicado en Instagram, Mr. Indie explica que Miguel y Berenice murieron «mientras realizaban su labor periodística».
El accidente sucedió sobre las 17.00 horas, según reconstruye El País, mientras actuaba Meme del Real, ex-miembro de Café Tacvba, después de que una fuerte ráfaga de viento provocara la caída de un objeto decorativo que estaba sostenido por un elevador, cayendo sobre varias personas. El reportaje señala que la estructura decorativa desplomada fue instalada en el último minuto: «De acuerdo con un comunicado de la alcaldía Miguel Hidalgo, gobernada por el panista Mauricio Tabe, la estructura decorativa que provocó el suceso no estaba ahí originalmente y fue colocada por los organizadores del festival de último minuto, sin contemplar los riesgos».
La historia de El País narra que el Festival AXE Ceremonia continuó durante toda la jornada del sábado, horas después del accidente, mientras en redes crecía la tensión y preocupación entre los asistentes y sus familias. La jornada del domingo, encabezada por Tyler, the Creator y Massive Attack, era cancelada una vez se comunicó la tragedia oficialmente, y en su lugar se celebró una velada por los fotógrafos fallecidos.
En nuestro Anuario 2024, junto a tops de discos y canciones y a distintas columnas que analizaban el año desde lo musical, volvíamos a incluir una sección que miraba hacia el futuro, señalando posibles artistas a descubrir este 2025, tras haber hecho lo propio en el anterior con gente como Metrika, Janire o Nerve Agent. En esta ocasión, nuestras Apuestas incluyen artistas como Memocracia, Elkka, Baloncesto o la persona que veis sobre estas líneas y que elegimos para capitanearles a todos ellos: BAJOCERO X.
Tras este nombre artístico encontramos a Daniel López Suarez, un madrileño que lleva años trabajando para hacerse un hueco en la música y que, al no tener recursos para acceder a una escuela de música, decidió aprender producción musical de manera autodidacta.
Algunos le descubrimos allá por la pandemia con su cover de ‘Nunca estoy’ (y otras tan sorprendentes como las de ‘mi carro‘ y ‘me colé en una fiesta’). Otros llegaron a él con sus incursiones en el género urbano a través de temas propios como ‘Cerca’ o el reggaeton abiertamente marica de ‘BOMBEROS‘, y la mayoría le conoció con ‘Dispárame‘, inexplicablemente rechazado por el Benidorm Fest.
En el último año ha ido definiendo su estilo hacia una mezcla de música sacra con el techno y el reggaeton, donde el perreo se une con el canto gregoriano y el góspel con la electrónica, y todo esto ha cristalizado en ‘DESQUICIADO’, su primer disco largo, que se puso a la venta hace unos días.
Temazos que ya conocíamos como ‘CATAЯATA‘ o ‘no me acuerdo de nada’ se unen en este álbum a otros como ‘3 noches sin estrellas’, ‘Encuentra tu dios’ (fans de Albany, ojo), la rara avis en su catálogo ‘Puertas al campo’ o ‘Devy Shetty’, que es nuestra Canción del Día.
Como el resto del disco, ‘Devy Shetty’ está enteramente compuesta y producida por el propio BAJOCERO X, y refleja muy bien el concepto de ‘DESQUICIADO’, que habla sobre “la irracionalidad de las emociones”, uniendo la adicción, la fe, el sexo y el dolor a través de estructuras cambiantes y contrastes entre géneros. Así, lo sexual puede ser algo tenebroso (“vendí mi cuerpo en el Bagdad”) o anhelado (“entre tu boca y la mía, un misil”), las referencias pueden ir del cirujano que da título al tema hasta “envolverse como Anitta”, y por sus menos de tres minutos pasan beats de reggaeton oscuro, un coro infantil, drill, trance y hasta un piano house.
Un poco como su interpretación vocal: en la misma canción, BAJOCERO X es capaz de mostrarse chulo, inocente, gracioso, agresivo, épico, sensual o vulnerable. Como él mismo dice en la canción, “soy veinte personas a la vez”. Y la cosa es que esta montaña rusa, lejos de ser un pastiche, funciona de maravilla. En el artículo del Anuario, comentaba que veía en BAJOCERO X la capacidad para barras de Bad Gyal, el matiz experimental de Rosalía y el gusto por lo excesivo de Mónica Naranjo. Evidentemente salvando las distancias, pero sí que hay algo de ellas aquí, tres divas del pop cuyo target, curiosamente, no suele encumbrar por igual a un chico como diva (este es un melón que daría para otro artículo). No sabemos si será él quien rompa esa maldición, pero desde luego canciones como ‘Devy Shetty’ y el caos contagioso de ‘DESQUICIADO’ ofrecen motivos de sobra.
Sasami Ashworth es una artista neoyorquina de familia Zainichi de la que os hablamos hace unos años, poco antes de que saliese su debut homónimo, contándoos que tocaba diversos instrumentos (teclados, bajo, guitarra y hasta la trompa), que venía de la banda Cherry Glazerr, y que ahora estaba probando suerte en solitario con temas que Raúl Guillén calificaba como cercanos a Mitski. La cosa es que su estilo fue variando: shoegaze, country pop y nu-metal se han mezclado en sus dos discos de estudio y en sus giras (el segundo, ‘Squeeze’, llegó a presentarlo en las giras junto a una banda de metal). Estos últimos años hemos sabido de ella más por ser parte de la banda en directo de Yeule que por su propia música, pero ‘Blood On The Silver Screen’ viene a cambiar eso.
Sasami ha querido aplicar sus amplios conocimientos musicales al pop puro y duro, sin tener que agarrarse a ninguna coartada ‘experimental’, según podíamos leer hace poco en Stereogum: “siempre he sido la outsider rarita, no sentía que la música pop me hablase a mí; al ser una mujer de color, siempre sentía la presión de tener que hacer algo misterioso o innovador, y quise tener la valentía de emprender algo tan épico como hacer un disco de pop sobre el amor”.
Así, Sasami describe este disco con palabras como “caos”, “romanticismo” o “autodestrucción”, y asegura que ha querido aproximarse a la “artesanía” de escribir pop con mucho respeto. La producción es también cosa suya, junto a dos nombres conocidos por los amantes del pop como Rostam (ex Vampire Weekend y actual productor de éxito para Charli, Carly, Frank Ocean o Clairo) y Jennifer Decilveo (que ha trabajado para MARINA, Miley o FLETCHER).
Precisamente a FLETCHER, o a gente como Sigrid, MUNA, Tegan and Sara y Dora Jar, nos llevan un poco los temas contenidos en este disco, habiendo incluso cierto aroma a Alanis. Y es que el rock sigue presente, y el guitarreo cercano al metal nunca se termina de ir, ya sea en apariciones más sutiles como la de ‘I’ll Be Gone’ (más MUNA imposible) o más evidentes como en la colaboración con Clairo ‘In Love with a Memory’. Pero el pop es lo que domina, y la primera frase que escuchamos en este álbum es bastante simbólica al respecto: “I’m such a Cancer / I wish I had the answer (baby)”, canta en la pegadiza ‘Slugger’.
Sasami ha querido además redondear el concepto atribuyendo un género cinematográfico a cada canción, algo que ha ido desgranando en Consequence of Sound. Y ojo, porque no hablamos de “western” o “comedia”, hablamos de “thriller psicológico con giros sci-fi dirigido por Jonathan Glazer” (‘The Seed’), “romcom pero en fragmentos cortos para TikTok” (‘For The Weekend’) o mi favorito, “peli de acción de Marvel protagonizada por Zac Efron, Chris Hemsworth y Lady Gaga” (‘Love Makes You Do Crazy Things’). Ambición.
La cosa es que, ya que menciona ella a Gaga, se echa de menos aquí ese salto sin miedo a hacer el ridículo; por ejemplo, a una letra como la de ‘Honeycrash’ (de las mejores del disco) le falta un poco más de garra y de entrega en la interpretación, especialmente cuando cantas algo como “don’t count me out / even when the heavens sour / even in your darkest hour / even when the heart is cracked”. Composiciones tan buenas como esa o como ‘Nothing But a Sad Face On’ (“if Hell is the only place to get lucky / then I will follow you down”) agradecerían ese dramatismo.
‘The Seed’, la elegida para cerrar, es quizás la que mejor combina su faceta más experimental con sus ganas de hacer pop; no en vano, la artista la describe como “Nirvana haciendo un tema de baile a partir de un poema de Leonard Cohen”. Ambición de nuevo, y vale, quizás tenga que bajarle unos puntitos, pero esta ambición también puede traernos un disco de pop redondo en el futuro. ‘Blood On The Silver Screen’ no lo es aún, pero no está nada mal, y tiene momentazos como los ya mencionados, o como los puentes de ‘Possessed’ y ‘Figure It Out’, que apuntan a que Sasami no se ha equivocado acercándose más al pop.
Morrissey ha denunciado a un «troll» que, según su equipo, lleva «difamando durante décadas» al artista, online, y a diario. En la denuncia registrada en un tribunal el 31 de marzo, y que ha salido a la luz estos días, se ha conocido que el autor de ‘You Are the Quarry’ ha contratado al despacho de abogados Levy & McRae para denunciar a una persona residente en Reino Unido por difamarle «a través de varios perfiles en las redes sociales».
La denuncia asegura que esta persona ha publicado «una cantidad enorme de material sobre nuestro cliente, casi a diario y a veces, varias veces al día, llegando incluso a dejar notas escritas en la casa de Morrissey».
Al parecer, hay videocámaras que lo han registrado. Se ha identificado a esa persona y se cree que está compinchada con otras personas a ambos lados del Atlántico, como informa NME.
La buena noticia de esto es que Morrissey se desvincula de la ultraderecha, asegurando que nunca ha votado ni sido de ningún partido. El «ni machismi ni feminismi» luce un poco mejor de lo que creíamos, en su caso, ya que en ocasiones se ha manifestado a favor del Brexit, llegó a portar simbología del partido For Britain durante una actuación televisiva, ha declarado que Hitler era «de izquierdas» y que los chinos son una «subespecie». Luego es verdad que ha enviado comunicados «despreciando el racismo y el fascismo».
Dice la denuncia: «la narrativa de los posts se refiere casi exclusivamente a política de extrema derecha y esas políticas son la antítesis de nuestro cliente y lo que siempre ha sostenido y representado». La carta define a Morrissey como un «pacifista y apolítico» que «nunca se ha unido a ningún partido ni ha votado». Curiosamente, entendimos a Johnny Marr recientemente, que si no había reunión de los Smiths, era por la deriva política de Morrissey.
Morrissey actuará en Madrid este año, pero las entradas duraron un suspiro. Sobre su nueva música, sus varios discos grabados, no hay novedad alguna.
Ha llegado el momento de que FKA twigs se desplace a América para presentar el espléndido ‘Eusexua’ en un festival de México y las noticias son incluso peor de lo esperado. La artista no solo va a cancelar en México por tercera vez consecutiva (lo hizo en 2020 por la pandemia y el año pasado porque no tenía su nuevo disco y shows preparados), sino que va a cancelar también sus apariciones en Coachella.
La artista comunica a través de las redes sociales: «Estoy devastada de compartir la noticia de que debido a los continuos problemas con los visados, no voy a poder ofrecer ninguno de los conciertos que me quedan en abril en Norteamérica, lo que incluye Ceremonia y Coachella». También tenía que acudir a tocar a San Francisco y Nueva York.
Continúa: «Me duele mucho decir esto porque estoy muy emocionada de poder presentaros una creación en la que he puesto mi alma y que creo que es mi mejor trabajo, y sé que esta noticia os impacta a muchos de vosotros que habéis hecho planes y gastado dinero con el fin de ver estos shows».
FKA twigs promete que a la 4ª irá la vencida: «Prometo que estoy trabajando en volver a agendar las fechas afectadas tan pronto como sea posible. Para los shows en que soy la artista principal, por favor acudid a los puntos de venta para la devolución. Pronto volveré con más fechas en cuanto las tenga».
Como ¿consuelo?, la artista indica que os deja con algunas de sus partes favoritas del show, ni siquiera en vídeo, sino a modo de fotografía. En España esperamos a FKA twigs en Primavera Sound, imaginamos que sin problema, pues lo que ha ocurrido en América es que al no poder organizarse para entrar al país como el resto de artistas, no le compensa económicamente ir solo a México y Canadá, país en el que también suspendió hace unos días.
Junto a ‘Los ensayos’, ‘Separación’ fue la serie más sorprendente y estimulante de 2022. Y, junto a la excelente ‘Slow Horses’, también estrenada en ese año, y la comedia deportiva ‘Ted Lasso’, se convirtió en uno de los buques insignia de Apple TV+, la punta de lanza en su intento por conseguir lo que lleva cinco años buscando (y aún no ha logrado): convertirse en la nueva HBO, el sitio de las “series de calidad”, la estrella Michelin dentro del buffet libre del streaming.
La segunda temporada de ‘Separación’ prometía muchísimo. Después de haber encabezado la mayoría de las listas con las mejores series del año, las expectativas estaban por las nubes. El ruido en las redes había sido considerable, con mucho fan lanzando teorías chifladas y buscando significados ocultos hasta en el borde de una taza de café. Un ruido que se ha amplificado en esta nueva temporada, impulsado por los propios creadores, quienes han publicado vídeos entre capítulo y capítulo (se ha estrenado uno a la semana) sobre las diferentes teorías.
Finalizado el décimo y último episodio (habrá tercera temporada), la sensación que me deja la serie se puede resumir en dos exclamaciones que me venían a la cabeza cada vez que veía un capítulo: 1) “¡Dios, cómo mola la estética!” y 2) “¡Por Dios, qué larguísima se me está haciendo!” (una tercera sería, “¡Dios, pero cómo baila Tramell Tillman!”).
Empecemos por la primera. Visualmente, la segunda temporada de ‘Separación’ sigue siendo enormemente atractiva. Mucho. Desde lo cuidados que están todos los detalles del diseño artístico, hasta esas pinceladas muy sutiles y deliciosamente anacrónicas de estética setentera –tanto en los objetos como en la puesta en escena- que aparecen a lo largo de la serie. Pasando, claro está, por esa dialéctica visual fuera/dentro de la oficina, que tan bien funciona a nivel dramático y expresivo, como brillante metáfora de la separación mental de los protagonistas. Y, sin olvidar, la renovada (y estupenda) secuencia de apertura.
Desde un punto de vista argumental, su creador, Dan Erickson, le ha dado un giro existencialista bastante interesante a la serie, alejándose de la sátira sociopolítica y profundizando en las implicaciones filosóficas y emocionales de la dicotomía “dentri” “fueri”. Sin embargo, por otra parte, se ha enredado en subtramas románticas y conspirativas, incorporando personajes y situaciones cada vez más extravagantes y rebuscados, como una versión cutre de Lynch, que, en lugar de generar interés, terminan provocando cansancio.
Una sensación de fatiga acrecentada por el que, sin duda, es el gran problema de esta segunda temporada: el ritmo. La serie avanza con una parsimonia que solo parece justificarse por la necesidad de (re)llenar minutos para estirar la historia hasta diez capítulos cuando, en realidad, daría para seis o siete. Menos mal que el señor Milchick se vuelve a marcar un bailecito…
Rigoberta Bandini se queda a 5 votos de ser número 1 en JENESAISPOP: ‘Busco un centro de gravedad permanente‘ es claramente la canción de ‘Jesucrista Superstar‘ que más os ha gustado y obtiene el 33% de los votos en la encuesta de las Stories de Instagram. ‘Abracadabra’ de Lady Gaga obtiene el 35% y por tanto sostiene el número 1. Ya podéis votar por el próximo top 40 y el próximo jueves decidir el número 1 en IG.
Otras entradas en el top 10 son Ariana Grande y La Bien Querida, seguidas de The Horrors y Mø y David Archuleta. Japanese Breakfast queda en el puesto 31.
Russell Brand ha sido acusado de violación y agresión sexual por la policia británica, según han adelantado medios como la BBC o The Guardian. De esta manera, Brand deberá comparecer ante un tribunal de Londres el próximo 2 de mayo.
Una investigación llevada a cabo en 2023 ya revelaba múltiples acusaciones graves contra el que fuera marido de Katy Perry, con cuatro mujeres asegurando haber sufrido agresiones sexuales por su parte entre 2006 y 2023. La policía ya ha interrogado al actor y cómico en varias ocasiones, con este calificando las denuncias de «muy hirientes».
Ahora, la Policía Metropolitana de Londres señala a otras cuatro mujeres presuntamente violadas y agredidas sexualmente por Brand entre 1999 y 2005. El propio humorista ha subido un vídeo defendiéndose de las acusaciones en el que declara que «la ley se ha convertido en un arma»: «Era un drogadicto, adicto al sexo y un imbécil, pero nunca he sido un violador», cuenta en el clip.
Russell Brand shares new video after being charged by police with rape and sexual assault:
“I was a fool before I lived in the light of the lord. I was a drug addict, a sex addict and an imbecile. But I was never a rapist.” pic.twitter.com/nGUJx8TH8s
Willy Bárcenas, vocalista de Taburete e hijo de Jose Luis Bárcenas, extesorero del PP, ha dado su opinión sobre las recientes políticas de Donald Trump. Este ha declarado que aunque inicialmente «quería que ganase Trump», la «decepción ha sido muy grande».
Además de la «lucha contra la dictadura de lo woke», que le parece «bien», Bárcenas cita «sus formas» y «actitud» como puntos que no le convencen del presidente estadounidense. En especial, señala «toda la política proteccionista» y «el tema de los aranceles» como principales desmotivantes.
La noticia llega un día antes de que la nueva política de aranceles de Trump entre en vigor, este sábado 5 de abril. Esta consiste en un aumento generalizado de los impuestos aplicados a bienes fabricados en el extranjero, con una tasa mínima de un 10%. El país con mayor gravamen es China, con un 34%, mientras que para toda la Unión Europea será de un 20%. Son los aranceles más elevados en más de un siglo.
«Está bien decir que yo quería una cosa y me ha defraudado, porque parece que ahora te casas con las ideas, pero la gente cambia», concluye Bárcenas. Hace un mes, Taburete anunció que iban a «dejar de dar conciertos» después de 10 años de trayectoria.
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