Cualquiera que haya seguido la carrera de La Bien Querida sabe que ‘Paprika’ no es la primera vez que Ana se acerca a la música latina. Muy comentada fue la cumbia dub de ‘7 días juntos‘. Sin embargo, ‘Paprika’ tampoco se centra exclusivamente en los sonidos iberoamericanos, hasta el punto que su autora ha declarado «arrepentirse» de no haber llevado más lejos esa idea. En su lugar, el séptimo disco de La Bien Querida vuelve a sonar tan «libre de disciplinas» como de costumbre, pero con el añadido de ser uno de sus trabajos más accesibles y amenos, probablemente el mejor para que el público que la acaba de descubrir se acerque a su música por primera vez.
La previa afirmación suena a hipérbole porque La Bien Querida acumula ya varios discos excelentes a sus espaldas. Sin embargo, si hay que elegir uno entre los más electrónicos (‘Ceremonia‘), los más rebuscados por concepto (‘Premeditación, nocturnidad y alevosía‘, ‘Brujería‘) y el resto, no sería -bajo mi punto de vista- ‘Fuego‘ por mucho que este disco también sea variado y contenga ‘Dinamita’, el mayor éxito de su carrera. De hecho, ‘La Perra del Hortelano’, que también es una balada orquestal y abre el disco, comparte intenciones con ‘Dinamita’ y es, como composición, más inmediata.
Pero si una bachata llamada tal cual ‘La bachata‘ ocupa el puesto 1 de singles en España, donde han arrasado previamente éxitos similares como ‘Ateo‘ o ‘La fama‘, y a La Bien Querida le ha dado por hacer bachata en esta nueva era, empiezan a quedar claro los atractivos de ‘Paprika’ de cara al público generalista. Hasta dos bachatas incluye ‘Paprika’ y las dos son buenas adaptaciones de este ritmo dentro del universo sonoro de La Bien Querida: ‘Esto que tengo contigo’ es mona, pero ‘La cruz de Santiago‘ sobresale por su carácter pasional: «¿quien detendrá la turba iracunda, si no estoy contigo ahora?» se preguntan en el estribillo Ana y Santiago Motorizado, que colabora.
No se le puede echar en cara a La Bien Querida que busque sonar digerible para el mayor posible ahora que repite visita a El Hormiguero cuando no ha dejado de ser una artista indie que ha pasado de editar en Elefant a Sonido Muchacho, y ‘Paprika’ no es un trabajo que desborde una imaginación explosiva en el aspecto instrumental y de producción, más bien, su cometido parece ser el de sonar lo más inmediato, claro y convencional posible. En ese sentido destacan para bien los singles. Por contra, el disco-pop de ‘La voz de su amo’ no es demasiado excitante pese a inspirarse, por temática, en Depeche Mode, y la balada pop-rock de ‘Átame’ suena apagada en su intención pasional: la entrada de su solo de guitarra eléctrica, que busca imitar a Prince sin más, no sabe a premio, precisamente.
Pero que ‘Paprika’ no represente, a nivel sonoro, un paso extraordinariamente arriesgado en la carrera de La Bien Querida, no significa que esté exento de cualidades. En primer lugar porque sigue conteniendo canciones atrevidas como la trotona ‘Datbay’, que conecta con el lado latino del disco a través de sus tropicales guitarras. Y, en segundo, porque Ana sigue mimando las letras como nadie, por mucho que estas sigan hablando una y otra vez de lo mismo: el amor, el desamor, «las idas y venidas de una relación», según la nota de prensa. «Me has metido mano por donde has querido, y la tapa de mis sesos por los aires ha salido» es una frase precisamente de ‘Datbay’, y si el pop-rock de ‘Juan’ puede pasar desapercibido, aún su rima «no hay nada parecido / al viento de tus suspiros» resulta totalmente poética en su cotidianeidad.
Tampoco da ‘Paprika’ un enorme salto cualitativo a nivel de composiciones. Pero, aunque es temprano para adivinar si aquí hay un nuevo ‘Dinamita’ o un nuevo ‘De momento Abril’, dos canciones a las que le costaron sus años alcanzar la gloria, al menos sí se puede decir que las canciones dan la talla, y si la rumbita de ‘Mala hierba’, que incorpora a Tulsa a las voces, resulta tan graciosa como las suele hacer Soleá Morente, además con su dosis de mala baba dirigida a un tipo «embustero, cobarde, egoísta» y más calificativos; la bonita balada dream-pop de ‘Como si nada’ se confirma como «grower» por delante incluso de ‘No es lo mismo’, que incorpora a Jota de Los Planetas (otra vez) y suena inspirada en Beach House. Queda claro que ‘Paprika’ no es, por tanto, un disco latino, pero sí es una adición digna al universo «LBQ», una vez más.
El personaje de Richie Bravo ha brillado con (decadente) luz propia en este festival. Es el protagonista de ‘Rimini’, una vieja gloria de la canción melódica -del género schlager- venido muy a menos, que sobrevive en esta Benidorm del Adriático en pleno invierno dando bolos en hoteluchos, acostándose con fans por dinero (las escenas de sexo explícito con mujeres mayores desafían la representación de la normatividad corporal) y alquilando su casa-museo mientras él malvive como un okupa en un hotel cerrado por temporada baja. Este retrato de un perdedor (espléndido Michael Thomas) le sirve a Ulrich Seidl para hacer la que hasta el momento es su película más entrañable e incluso “disfrutable” (para lo que es Seidl, claro). Las andanzas de un borracho, racista y mal padre, pero también un hombre hundido, arruinado y cantante generoso con su público, que se arrastra con la cabeza alta por unos ambientes deteriorados y muy kitsch de los que el director austriaco saca un enorme partido estético y dramático. 8’2
Ha sido uno de los grandes hits del festival. El Jovellanos (un poco tristón este año por la falta de iluminación de la fachada) se llenó hasta el último rincón para ver la última Palma de Oro de Cannes (segunda para el director 
‘Las cosas que decimos, las cosas que hacemos’ (2020) supuso un punto y aparte en la carrera como director de Emmanuel Mouret. No solo por las trece nominaciones a los premios César o el unánime aplauso de la crítica francesa, sino también porque evidenciaba la consecución de un estilo propio que venía gestándose durante dos décadas. ‘Crónica de un amor efímero’ es la confirmación de que lo logrado por Mouret en el filme anterior no es algo efímero. Es un Rohmer del siglo XXI, un 
Eutanasia y relaciones paternofiliales. Esta combinación podría haber sido una bomba melodramática. Sin embargo, en manos de la debutante en la ficción Floor van der Meulen (ha realizado varios documentales), se convierte en una estupenda tragicomedia sobre la decisión de morir (de un padre de familia de 74 años y buena salud) y la aceptación de los deseos de los demás, por mucho que duelan (la hija, quien hará todo lo posible por evitarlo). La directora holandesa pone sobre la mesa temas de gran calado emocional utilizando un tono ligero, como de comedia de treintañeras inmaduras. Este contraste funciona de maravilla, aportando un gran equilibrio entre lo cómico y lo trágico, entre el lado más funcional de la vida y el más trascendental. Decir que el título de la película hace referencia a la célebre canción de 
Los 
Una de las grandes sorpresas del festival, que se pudo ver también en el de San Sebastián. ‘Unrest’ es una extraordinaria reflexión sobre la concepción capitalista del tiempo y el trabajo a través de la recreación del viaje de Kropotkin a un pueblo relojero de Suiza en 1877. El lugar donde, según sus memorias, decidió ser anarquista. Cyril Schäublin, procedente de una familia de obreras relojeras, plasma la energía intelectual y emocional del movimiento anarcosindicalista como respuesta a los crecientes abusos de los patronos de las fábricas de relojes. El director se aleja de los tópicos del anarquismo en el cine (aquí no hay barbudos lanzando bombas ni proclamas autoindulgentes) para ofrecer un fascinante ensayo histórico, formalmente muy estimulante (la mayoría son planos estáticos con los personajes situados en los márgenes del encuadre), acerca de las transformaciones sociales de finales del siglo XIX asociadas al impacto de la tecnología. 8’5
Una de las películas que más revuelo ha causado en el festival. ‘Grand Jeté’, título que hace referencia al paso de danza consistente en dar un salto y abrirse de piernas en el aire, narra la relación -sexual y sentimental- entre una profesora de ballet enferma y su hijo adolescente con quien se reencuentra después de muchos años separados. A través de una puesta en escena muy física, con un formato 3:2 y la cámara pegada al cuerpo doliente de la protagonista, la directora alemana Isabelle Stever narra esta historia incestuosa de una forma más sensitiva que discursiva, más atenta a la comunicación carnal, sensual, entre los protagonistas –no solo a través del sexo sino también del baile (hay varias escenas en clubes berlineses)- que en la carga de provocación que esa relación “prohibida” pueda suscitar. Aunque es una película irregular, a la que le falta algo de profundidad dramática, resulta muy interesante por la forma tan personal de abordar un tema tabú. 6’9.
Las actrices Manuela Martelli y Aline Küppenheim, conocidas por sus trabajos con Sebastián Lelio (‘Navidad’, ‘Una mujer fantástica’), han unido fuerzas junto a la directora Dominga Sotomayor (‘De jueves a domingo’) -aquí en labores de producción- para realizar este notable relato de intriga ambientado durante la dictadura chilena. El debut en la dirección de Martelli (estrenado en pocas salas pero disponible en Filmin en febrero) es una sugerente mezcla de drama familiar y thriller político. Un misterio con aires hitchcockianos protagonizado por una mujer de la alta burguesía chilena (fabulosa Küppenheim) en pleno proceso de toma de conciencia política. A destacar la banda sonora de la compositora brasileña Maria Portugal, perfecta para aportar inquietud y tensión a la trama. 7’8
La gran baza de ‘To Leslie’ es la interpretación de sus dos protagonistas: el cómico Marc Maron, conocido internacionalmente por la serie ‘Glow’ (aunque es una estrella de la comedia en EEUU), y la gran Andrea Riseborough, últimamente convertida en un icono del cine de terror más estimulante gracias a títulos como ‘Mandy’ (2018) o ‘
Comenzamos con Ulrich Seidl y terminamos con él. Además de la ganadora ‘Rimini’, se ha proyectado, fuera de concurso, ‘Sparta’, la otra parte de este díptico. Más allá de la polémica sobre su rodaje (el semanario Der Spiegel acusó a Seidl de explotación infantil, aunque las autoridades rumanas lo han desestimado), este retrato de un pedófilo que monta una escuela de artes marciales en un pueblo de Rumanía pone de manifiesto una cosa: la pareja formada por el director austriaco y su guionista (y esposa) Veronika Franz son mucho menos misántropos, crueles y escabrosos de lo que se suele decir. Su mirada a este personaje está llena de humanidad. Refleja el terrible drama de alguien que ha nacido con esa pulsión y su lucha por no ceder a ella y convertirse en un pederasta. ‘Sparta’ es una película desoladora que plantea preguntas muy incómodas. No busca la provocación facilona sino el debate moral. En un panorama cultural dominado por las posiciones acomodaticias, tanto en lo temático como en lo formal, que alguien se atreva a plantear estas cuestiones, a desafiar al público con esta sensibilidad e inteligencia, es digno de aplauso. 8’5
