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Rojuu, Samantha Hudson, Maria Arnal i Marcel Bagés, The Chemical Brothers… el Sónar 2022 completa cartel

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El Sónar Barcelona 2022 ha completado su cartel con 30 nuevos artistas, y prepara así un festival que mezcla la música, el arte y la tecnología con actuaciones de C. Tangana, Arca, The Chemical Brothers, The Blaze, Rojuu, Nathy Peluso, Samantha Hudson, Ms Nina, mori+rusowsky, Niño de Elche o Maria Arnal i Marcel Bagés, entre otros. El festival se ubicará en Fira Montjuïc y Fira Gran Via, como de costumbre, los días 16, 17 y 18 de junio.

Entre los artistas confirmados hoy, destacan Niño de Elche, que presenta ‘Concert de músika festera’ junto a Ylia y los 40 músicos de la Banda “La Valenciana”, Maria Arnal i Marcel Bagés, que reinterpretarán su último disco ‘Clamor’ junto a un coro de voces sampleadas por Inteligencia Artificial, y Samantha Hudson con su show ‘Liquidación Total’. Cabe destacar que, además de estos cantantes, el festival acogerá DJs de la talla de The Blessed Madonna, Anfisa Letyago, Charlotte de Witte, ANNA o GAZZI. Además, el Sónar+D se integra en el Sónar de Día ofreciendo talks, debates, actuaciones híbridas entre conferencia y espectáculo, y acciones relacionadas con la Inteligencia Artificial, la ecología acústica o el criptoarte.

Los artistas se dividen entre el Sónar de Día y Sónar de Noche, y los asistentes pueden atender tanto a los dos formatos como solo a uno, incluso un único día. Los abonos están ya a la venta en la página web del festival, y de hecho, hoy es el último día para adquirir los tickets en el precio actual, ya que esta noche se encarecerán.

‘In Spain We Call It Igualdad’: la campaña del Gobierno con guiño a Rigoberta Bandini para el 8M

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En el día de ayer toda España se volvió a llenar de protestas por los derechos de la mujer y la igualdad de género, en un 8M donde el movimiento anti-TERF tuvo mucho protagonismo. El Ministerio de Igualdad ha llevado a cabo una acción de comunicación centrada en el Día Internacional de la Mujer en varios medios como la televisión, las redes sociales y lonas publicitarias, bajo el eslogan “In Spain We Call It Igualdad”, claramente prestado por Rigoberta Bandini.

La campaña, que ha corrido a cargo de la agencia Ogilvy, no tiene como objetivo reivindicar el papel de la mujer o arrojar luz sobre lo que nos queda por hacer, sino celebrar lo que ya se ha conseguido en este país. “In Spain We Call It Igualdad” sirve para “identificar aquello que ya es feminista, y que sirva para avanzar”, explica Ángela Rodríguez, secretaria de Estado de Igualdad y contra la Violencia de Género.

El spot es la principal pieza de toda la campaña, y para trasladar el mensaje del eslogan el Instituto de la Mujer ha querido “representar estas situaciones cotidianas, que ya las tenemos interiorizadas y forman parte de nuestras vidas». «Un padre bailando con su hijo, mujeres deportistas que ocupan la conversación del país de una manera absolutamente normalizada, que un hombre disfrute del cuidado de su hija o hijo porque en nuestro país ya existen permisos iguales e intransferibles». Es decir, el spot «dibuja toda una serie de victorias del feminismo que han logrado no solo que las mujeres vivan mejor, sino que todas las personas vivan mejor».

Parece que el Gobierno y Pedro Sanchez no pueden ocultar su fanatismo por Rigoberta Bandini, y “In Spain we say…” se está convirtiendo en una coletilla muy común desde que Pedro Sanchez la utilizó frente a Ursula Von der Leyen y Charles Michel: “In Spain we say: estamos a las duras y a las maduras”. Por su parte, la ministra de Igualdad Irene Montero llegó a pronunciar la frase «¿por qué dan miedo nuestras tetas?» en un mitin.

En otras noticias relacionadas con Rigoberta Bandini, esta noche la catalana participó en el concierto homenaje a Rocío Jurado organizado por su hija Rocío Carrasco y que tenido lugar en el WiZink Center de Madrid. Acompañada de su banda, Rigoberta cantó ‘Ay mamá’ y también una versión de ‘Lo siento mi amor’ de la propia Rocío Jurado. En el concierto contó también con actuaciones de Pastora Soler, Soleá Morente, Ruth Lorenzo, Sole Giménez, Ana Guerra, Edurne, Bebe o Beatriz Luengo.

Marius Bear contradice a The Cure: «los hombres sí lloran» irá por Suiza a Eurovisión

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Hoy 8 de marzo es un día en que están muy presentes las ideas feministas que buscan hacer del mundo un lugar mejor. Muchas de estas ideas afectan directamente a los hombres, que por supuesto también son sujetos del feminismo, por si hace falta recalcarlo. El feminismo lucha contra la masculinidad que se define en la violencia y en la represión de los sentimientos, y el pop reciente se ha hecho eco de esta lucha, en canciones tan emotivas como ‘Crybaby‘ de Paloma Faith o ‘C’mon Baby, Cry‘ de Orville Peck que han puesto su grano de arena en la búsqueda de un cambio de paradigma.

A ellas se suma la canción que representará a Suiza en Eurovisión este año. La canta el músico de 28 años Marius Bear y su título contradice directamente el del éxito por todos conocidos de The Cure, ‘Boys Don’t Cry’. Su mensaje busca ser tan claro que Bear ha grabado la canción en inglés, algo que hay que agradecer pues su letra, en su sencillez, es preciosa. El estribillo «los corazones se rompen, y a veces los aviones se caen del cielo, y las montañas se desmoronan y los ríos se secan, y los hombres lloran», en su sucesión de simples verdades, es incluso poético.

‘Boys Do Cry’ es, sorpresa, una balada, por lo que Suiza no arriesga demasiado este año después de mandar a Gjon’s Tears en 2021, una decisión lógica pues ‘Tout l’Univers’ quedó tercera. Sin embargo, la canción de Marius Bear tiene cierto componente «universal» o atemporal: el intimismo de su melodía recuerda al de las baladas románticas de los años 50, y la canción sabe crecerse desde este sonido, pues termina incorporando sonidos jazzy e incluye coros y una sección de cuerdas totalmente retro que invita a recordar el debut de Sam Smith. En los foros parece no estar gustando tanto, a mí me ha conquistado.

Nilüfer Yanya / PAINLESS

Nilüfer Yanya es una de esas artistas singulares que solo suenan a ellas mismas. No importa cuántas influencias reconozcas en su música, sus canciones siempre llevarán una firma inequívocamente propia. Serán sus extrañas melodías vocales, sus viscerales texturas de guitarra eléctrica o su voz rasposa y muscular, pero escuchar a Nilüfer Yanya es darse cuenta de que se está ante una artista original que, en cualquier momento, puede ofrecer algo grande.

Su nuevo disco halla a la artista en el camino correcto. ‘PAINLESS’ es más corto que su debut ‘Miss Universe‘ (2019) pero también más enfocado y denso, y escucharlo es apreciar a una artista que está esculpiendo su sonido con una visión cristalina. La artista turco-británica lo ha grabado con algunos músicos y productores de confianza como Wilma Archer, Bullion, Andrew Sarlo (productor de Big Thief) y Jazzi Bobbi, y lo ha llamado ‘PAINLESS’ aunque irónicamente las letras hablen de manera más franca que antes sobre cosas como el desamor o la inseguridad, y el dolor que estas provocan.

«No me gusta cuando no siento dolor» es una de las frases que deja ‘midnight sun‘, la pista central de ‘PAINLESS’, y viene a resumir el concepto de un disco que versa sobre una relación que hiere a la autora, pero de la que ella aún no se ve capaz de escapar. Es una de las mejores canciones jamás escritas por Nilüfer: su cruda mezcla de guitarras eléctricas, baterías a medio camino entre el indie-rock y el trip-hop y su impredecible progresión de acordes y estructura, que se desahoga en un final de guitarras distorsionadas impecable, constituyen una de sus composiciones más inmediatas y adictivas.

De las cuales hay unas cuantas en ‘PAINLESS’. El disco abre con ‘the dealer’, que entre la decepción («pensaba que eras una persona en la que confiar») y el auto-engaño, presenta la base más uptempo de la secuencia, en clave breakbeat, y supone una introducción accesible al disco. El frenético primer single, ‘stabilise‘, devanea entre la paranoia propia de la artista que escribió ‘In My Head’ y afirmaciones tipo «no me voy a ninguna parte», y ‘try’ es directamente una balada de cantautora de rock universario de los 90 que Nilüfer lleva a su terreno.

En ‘PAINLESS’, Nilüfer sigue mostrando un logrado equilibrio entre accesibilidad y experimentación, y entre algunas de sus canciones más maduras. ‘L/R’ es una de ellas, pero además Nilüfer eleva su atmosférico sonido post-punk con un estribillo de melodía angular que no te podrás sacar de la cabeza. La balada ‘shameless’ retrata una relación humillante de la que Nilüfer no puede salir y suena «celestial» a propósito. Y ‘chase me’, que de nuevo está sumida en la paranoia («por los pasillos tu amor me persigue»), combina las físicas guitarras de Nilüfer con una base electrónica de lo más rudimentaria que hace cosquillas en los oídos.

La extraña belleza de las canciones de ‘PAINLESS’ queda bien capturada en la atmosférica ‘trouble’, inspirada en Cat Stevens, y aún es posible de encontrar este tipo de belleza en algunas de las composiciones más esquivas del largo, como la introspectiva ‘company’, a la que «acompañan» los demonios de Nilüfer, bien asentados en su cabeza; o la jazzy ‘belong with you’, inspirada en ‘All the Things She Said’ de t.A.T.u. aunque jamás lo dirías. Dice mucho de Nilüfer que incluso sus canciones menores tengan algo interesante que ofrecer, y ‘PAINLESS’ es buena señal de que ha venido para quedarse.

Rosalía, top 20 en la lista de singles española con ‘CHICKEN TERIYAKI’

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En la lista de singles española de esta semana, el remix de ‘Cayó la noche’ vuelve al número 1 y ‘MAMII’ de Becky G y Karol G cae al 2. No hay entradas en todo el top 15 inicial, pero en esta posición exacta protagoniza Bad Bunny la subida más fuerte de la semana con ‘LA ZONA’, la pista 8 de ‘YHLQMDLG‘, que sube desde el 68 tras viralizarse en TikTok en los últimos días.

CHICKEN TERIYAKI‘ de Rosalía es la entrada más fuerte de la semana, pero debuta en el número 20, lo cual empeora bastante el dato de ‘SAOKO’ (5), que en cualquier caso sigue a la baja y esta semana saluda desde el puesto 34. Y parece que ‘CHICKEN TERIYAKI’ no pasará de esa posición: pese a su videoclip diseñado también para petarlo en TikTok, el tema ya está fuera de todo el top 50 de Spotify España, al igual que ‘SAOKO’, y mientras ‘LA FAMA’ permanece en el 41, y en el 13 de la tabla de Promusicae.

La siguiente entrada en lista es ‘No y no’ de Morad, que ingresa en el número 22 tras el sonado paso del artista por ‘Salvados’; y en el 42 aparece el reggaetonero chileno Cris MJ con ‘Una noche en Medellín’.

Ya en la parte baja de la tabla encontramos ‘Camiseta de rokanrol’ de Estopa, que en su nueva versión con Fito y Fitipaldis, entra en el número 61. Por su parte, ‘Gracias por nada’ de Rauw Alejandro debuta en el 84, y finalmente Tini y Beéle se cuelan en el número 100 con ‘Fantasi’.


C. Tangana impide a Café Quijano entrar en el número 1 de la lista de álbumes española

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El Madrileño‘ vuelve esta semana al número 1 de la lista de álbumes española, posición en la que seguirá probablemente la semana que viene tras el conciertazo que su autor acaba de ofrecer en Madrid, rodeado de estrellas. El disco, que ya ha cumplido un año de vida, impide entrar en el número 1 a Café Quijano con ‘Manhattan’, que se ha de «conformar» con el 2, e Ilegales entran en el 3 con ‘La lucha por la vida’, que sí es top 1 en vinilos.

El top 10 de la lista da la bienvenida a otras entradas: Scorpions colocan ‘Rock Believer’ en el número 5, Sweet California llegan al número 8 con su álbum de regreso, ‘Land of the Free Vol. 1’, Rauw Alejandro aparece en el 9 con el segundo volumen de su mixtape ‘Trap Cake’, y Ayax y Prok logran posicionarse en el número 10 con ‘Juglar del siglo XXI’.

Más entradas en la parte alta de la tabla llegan de la mano de Pignoise, que colocan su nuevo álbum ‘Diversión’ en el número 13, y Avril Lavigne, que debuta en el 14 con su disco pop-punk, ‘Love Sux’, y mejora por cuatro posiciones el dato de ‘Head Above Water’. El top 4 de ‘Goodbye Lullabye’ sigue siendo la mejor posición histórica de Avril en nuestro país. Cierra el top 15 uno de los raperos de moda en Reino Unido: el disco de Central Cee entra exactamente en el número 15, tras debutar en el número 1 de UK.


Precisamente Central Cee ha dejado sin número 1 en las islas a Tears for Fears, que han vuelto con su primer disco en casi veinte años. En España, ‘The Tipping Point‘ entra en el número 23, aún así un éxito para una banda británica cuyos lanzamientos largos han solido esquivar las listas españolas incluso en su momento más alto de popularidad. Por otro lado, el artista de dancehall y reggae FYAHBWOY mete ‘EQUILIVRIUM’ en el 24.

En cuanto al resto de entradas, ‘Ilusionismo’ de Despistaos entra en el 35, ‘Blanco y negro’ de Ricardo Arjona en el 50 y ‘Malibu’ de Cali y el Dandee en el 80 y, en cuanto a las curiosidades que nos deja esta semana la lista de vinilos, entre entradas de Marina («Ancient Dreams» es número 31) o Kesha (‘High Road‘ es número 51), cabe destacar la entrada, directamente en el número 15, del primer disco de Nueve Desconocidos, el proyecto de darkwave de Ares Negrete que edita el sello Casa Maracas y que ha colaborado con El Último Vecino.


15 años del debut de Mika: ¿es ‘Life In Cartoon Motion’ un clásico?

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Dedicar un artículo a conmemorar el aniversario de un álbum supone que el disco haya sido trascendental en algún sentido, que haya marcado un momento o que necesite reivindicación, y es difícil decidir si el álbum debut de Mika ‘Life In Cartoon Motion’ merece ser celebrado en su 15º aniversario justamente por las polarizadas reseñas que obtuvo en su día.

Sin embargo, el LP presentó al mundo un cantante único que no se ha vuelto a repetir, un sonido inconfundible, una de las canciones más exitosas de todo 2007 y una energía de la que todos nos hemos contagiado alguna vez de fiesta mientras sonaba uno de sus temas. Además, el álbum debut del cantante inglés es también su disco más exitoso hasta la fecha, siendo el 9º más vendido de 2007 en el mundo entero.

Mika publicó ‘Life in Cartoon Motion’ el 5 de febrero de 2007 tras conseguir por fin un contrato discográfico con Casablanca Records y Universal Music, algo que le costó mucho trabajo, ya que en un principio ninguna de las discográficas a las que se presentó querían ficharlo. Mika era estudiante de música clásica pero le apasionaba escribir canciones pop, y esa mezcla que acabó plasmada en sus partituras no convencía a los directivos: incluso le pidieron que se acercara más al estilo de Robbie Williams.

Tampoco tenía el apoyo de los consumidores, como dijo en una entrevista del 2007: “la gente comercial me rechazó y los indies tampoco me aceptaron porque era demasiado melódico”. La desesperación porque las discográficas no entendieran su concepto musical y las presiones para ser alguien que no era le llevaron a escribir ‘Grace Kelly’, que paradójicamente fue la llave que le abrió las puertas de la gente que le había dado la espalda hasta entonces.

‘Grace Kelly’ es la canción insignia de Mika. El tema fue número 1 en Reino Unido sólo con descargas digitales, y se mantuvo en el puesto durante cinco semanas consecutivas. También llegó a lo más alto en muchos otros países como Italia, Francia o Bélgica, lo que ha propiciado que a posteriori Mika haya seguido muy presente en países europeos de habla no inglesa. ‘Grace Kelly’, que también ha sido una de las elegidas por la comunidad de TikTok para crear un trend, es un discurso de Mika hacia el director de una discográfica que lo rechazó y que le propuso aparentar ser alguien que no era: “Intenté ser como Grace Kelly pero sus looks eran demasiado tristes, así que lo intenté como Freddie, ¡me he vuelto loco con las identidades!” dice la canción.

La magnitud de ‘Grace Kelly’ podía haber aplastado al artista y condenarlo a ser recordado solo por este éxito, pero los siguientes singles del álbum fueron ‘Love Today’, ‘Big Girls (You Are Beautiful)’, ‘Happy Ending’, ‘Relax, Take It Easy’ y ‘Lollipop’, todas canciones hechas con materia de hit que consiguieron instalarse en nuestras cabezas. Pero, ¿cómo les ha sentado el paso del tiempo a estos singles tan 2007? Repasando el álbum, es indiscutible que Mika demuestra tener talento para la música y sensibilidad por el pop, ya que las melodías son contagiosamente divertidas (o divertidamente contagiosas). Pero ‘Lollipop’ es el mejor ejemplo de una canción que ha perdido interés, una canción que se ha quedado estancada y que exagera al máximo la esencia «happy» que diferencia a Mika del resto. ‘Lollipop’ es el tema que la gente suele usar para justificar que no les gusta el estilo “bobo” de Mika, de juguete, y en el fondo puede que con algo de razón. De hecho, ¿puede trasladarse esta crítica al conjunto del álbum?

Aunque el sonido de Mika sea su firma personal y no se asemeje a la música de los artistas con los que competía en las listas de la época (quitando a Scissor Sisters), ‘Life In Cartoon Motion’ se ha quedado atrapado en su propia era. Quizás las canciones que mejor paradas han salido y que mejor podrían rendir entre la música de hoy en día son ‘Love Today’ y ‘Any Other World’, pero con otras, su fórmula parece haberse agotado. ‘My Interpretation’ parece un single de Take That de los 90, ‘Big Girls (You Are Beautiful)’ es otra divertida canción que solo le queda como un guante al Mika de 2007, y ‘Relax, Take It Easy’, aunque es la más avanzada de todas, no pasa de 2009. De hecho, recuerda a ‘Rain’ de ese mismo año.

Tal y como ‘Lollipop’ ha afectado de manera negativa al recuerdo del álbum, el propio álbum ha estado a punto de eclipsar a Mika, y le ha atrapado en ese país de las maravillas al que transporta el CD. Solo hay que observar la portada del segundo trabajo discográfico del cantante ‘The Boy Who Knew Too Much’ y darse cuenta de que tanto la portada como el contenido es casi una extensión del álbum anterior. Esto es algo común en el pop: querer reproducir el éxito de algo que ha funcionado muy bien, como los debuts de Britney Spears o Kesha, pero por suerte y con el paso del tiempo, Mika ha sabido mantener su carrera a flote en algunos mercados como el francés o el italiano. Por algo presentará Eurovisión desde Turín.

Dicho esto, que ‘Life In a Cartoon Motion’ no haya llegado a nuestros días en su mayor esplendor no quiere decir que no sea un clásico. Y eso es algo que la industria le debe a Mika, porque no se puede concebir la música pop de los 2000 sin tener en cuenta este CD. Seguramente, dentro de 30 años seguiremos recordando estas canciones, compuestas por él mismo y que le consiguieron una nominación a un Grammy y a un MTV European Music Awards. Mika dijo en una entrevista en 2007: “El pop ha perdido su mejor cara y la calidad artística se ha dejado en el olvido. Intento reivindicar el pop”. Para aquellos que les cueste ver el álbum con los mismos ojos que antes, intenten trasladarse a finales de los 2000 para sentir lo original, nuevo, fresco y divertido que es este disco, las geniales melodías y letras que hacen evadirse casi de cualquier problema.

Leticia Sabater, la «Madonna de España», versiona ‘Perra’ de Rigoberta Bandini

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«No quiero llevar un bozal», «nadie me puede prohibir ladrar», «solo pido ir sin correa a pasear»… ‘Perra’ de Rigoberta Bandini promete ser uno de los himnos que se escucharán en las calles durante la jornada del 8 de marzo de hoy, Día Internacional de la Mujer.

Pero la canción es noticia hoy por otro motivo: Leticia Sabater la ha versionado. Y, además, la ha presentado en directo. La autora de ‘La Salchipapa’ ha participado en la versión de ‘Mask Singer: adivina quién canta’ que organiza cada jueves la discoteca CuenaClub de Madrid, como informa Formula TV, y su elección musical ha sido el éxito de Rigoberta Bandini. Leticia ha actuado disfrazada como manda el concurso original. El vídeo que comparte CuencaClub alterna imágenes de la performance de Leticia con otras de su paso por el estudio para grabar la versión.

Antes de la actuación de Leticia, la sala Tirso ha emitido un vídeo de presentación, en el que la autora de ‘Mi vida es mía‘ ha aludido a su naturaleza polifacética, y ha asegurado que «se podría decir que soy la Madonna de España, porque nunca dejo de reinventarme». Razón no le falta: cuando no participa en ‘Supervivientes’ sale en un tráiler de Netflix y cuando no, saca el villancico más esperado del año. Y ahora se ha disfrazado de «perra».

Samantha Hudson estrena el maloliente videoclip de ‘Demasiado coño’ y visita ‘La Resistencia’

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Samantha Hudson es un huracán incansable, y esta vez ha estrenado el videoclip de ‘Demasiado Coño’, canción incluida en su segundo álbum ‘Liquidación Total’. El tema producido por PUTOCHINOMARICÓN invita a dar “un paseo por el vertedero del internet nacional acompasado por una letra cargada de acidez”, dice el comunicado de prensa. Además, la artista visitó ayer el Teatro Arlequín para entrevistarse con David Broncano en ‘La Resistencia’.

“¿Sabes lo que pasa aquí o no? Es demasiado coño para ti mi amor” dice la canción que carga contra “la gente rancia del panorama social actual”. En el vídeo, Samantha Hudson se adentra en una mansión maloliente y abandonada, rodeada de basura, gente desagradable y bailes convulsivos. Pero la cúspide del video llega cuando Samantha se sube encima de una larga mesa de comedor, y empieza a mear a todos los invitados por encima. “Méales a esos rancios” o “EL CAYETANO!” dicen algunos comentarios del directo de Instagram que simula la cantante.

Por otro lado, Samantha Hudson visitó ayer ‘La Resistencia’ por primera vez, y dejó un espectacular titular sobre el ecologismo y Greta Thumberg al responder a Broncano, que le preguntaba si a ella le gustaba la naturaleza: “el ecologismo me da rabia y también que no puedas darle una patada en la cara Greta Thunberg y quedarte a gusto». El presentador intentó defender a la activista diciendo que le gusta el planeta, pero ella siguió en su postura respondiendo “Pero le daría una patada en la cara, déjame tranquila».

Lady Gaga finalmente sí se va de gira con 15 fechas este verano

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Que Lady Gaga se vaya de tour es una buena noticia tanto por tratarse de ella como por celebrar que vuelven definitivamente los conciertos masivos en estadios. Y es que parecía que finalmente ‘Chromatica’ se iba a quedar sin representación en los escenarios, pero tras haber sido pospuesto y paralizado hasta próximo aviso, este verano aterriza ‘The Chromatica Ball’ en 14 ciudades europeas y americanas.

La gira prevista para 2020 contaba con shows con París, Londres, Boston, Toronto y Chicago, a los que se les suman una fecha más en Londres, y una nueva en Düsseldorf, Estocolmo, Arnhem, Washington DC, Dallas, Atlanta, San Francisco y Los Ángeles. También existía una parada en Nueva Jersey que se ha cancelado definitivamente. España, por su parte, se queda fuera del tour esta vez.

Las entradas para los conciertos pospuestos en 2020 seguirán siendo válidas para las nuevas fechas, y los nuevos tickets pueden adquirirse mediante la página web de la cantante. La venta ya está abierta para los shows en París, Londres (una fecha), Toronto, Nueva York, Chicago y Boston.
17/07 Düsseldorf, Alemania – Merkur Spiel-Arena
21/07 Estocolmo, Suecia – Friends Arena
24/07 París, France – Stade de France
26/07 Arnhem, Países Bajos – GelreDome
29/07 London, Inglaterra – Tottenham Hotspur Stadium
30/07 London, Inglaterra – Tottenham Hotspur Stadium
06/08 Toronto, Ontario – Rogers Centre
08/08 Washington, D.C. – Nationals Park
11/08 Nueva York, NY – Metlife Stadium
15/08 Chicago, IL – Wrigley Field
19/08 Boston, MA – Fenway Park
23/08 Dallas, TX – Globe Life Field
26/08 Atlanta, GA – Truist Park
08/09 San Francisco, CA – Oracle Park
10/09 Los Angeles, CA – Dodger Stadium

Violeta Tello Grau: «¿Quizás una mujer libre es aquella que también habita su propia niña?»

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Violeta Tello Grau es una poeta, cantante y compositora de Barcelona que acaba de editar su EP ‘CINTA Vol. 2’, en el que se incluye ‘Niña Río’, una de las mejores canciones del mes que has podido descubrir en la playlist Sesión de control. El título del EP no alude a las cintas de casete, sino a la palabra «amor» en el idioma indonesio. Tello Grau toca el gamelán -de hecho es miembro de la orquesta Gamelan Forja de Trons vinculada al Museu de la Música en Barcelona- y su relación con la cultura indonesia empapa su obra.

Pero no solo eso. Obviamente la poesía ejerce un peso muy importante en el trabajo de Violeta Tello Grau, y su debut de 2019 ‘Música bruja’ se describe como «un ciclo de poemas cantados que narra once momentos en la vida de una niña desde que nace hasta que muere». El llamado «disco disfrutativo» de Tello Grau surge de un trabajo de investigación sobre mujeres compositoras como Alma Mahler, Galina Ustvolskaya o Björk, y unos años después, ‘Niña Río’ nos lleva a otra de las influencias de Tello Grau, Kate Bush.

‘Niña Río’ evoca la propulsión y la épica de ‘Running Up that Hill (A Deal with God)’, así como su componente pop, pero también es un trabajo de producción experimental, de tipo collage, marcado por la presencia de unas cuerdas que emergen casi de la nada como cuchillos, dispuestos a clavarse en el cerebro. Son samples de música clásica que Tello Grau ha decidido integrar en una producción de synth-pop ochentera, y que suman un enorme drama y tensión a la grabación. Hablamos con Violeta sobre ‘Niña Río’, hoy la Canción Del Día, ahondando también en su letra.

¿Cómo ha sido el proceso de composición de esta canción?
La letra y la melodía de ‘Niña Río’ las compuse yo sola a voz y piano. Cuando empezamos a trabajar la canción con Víctor, quisimos samplear micro fragmentos de música clásica e integrarlos en la electrónica (Stravinksy, Holst y Varese). Jugamos a combinarlos con las percusiones, las texturas vocales y los sintetizadores.

‘Niña Río’ me da ecos a Kate Bush ¿Es una de tus influencias? ¿A qué artistas tienes como referentes o qué músicas te inspiran?
Kate Bush es una de mis compositoras favoritas, en efecto. Antes de componer ‘Niña Río’ había estado en bucle con ‘Running up that Hill (A Deal with God)’, así que es normal que se encuentren ecos. Otras de mis referentes son Björk, Kylie Minogue o Holly Herndon, aunque me siento inspirada por mucho tipo de músicas distintas, también por compositoras de música clásica como Galina Ustvolskaya o Hildegarda von Bingen.

La poesía es otro componente fundamental de tu música. ¿Por qué es tan importante para ti?
Escribo poemas desde pequeña, desde que era una niña. Creo que las palabras tienen gran impacto en mi; abren caminos mentales y de imaginación a su paso… Cuando empecé a saber escribir recuerdo jugar a apuntar en un papel las palabras que decían los adultos pero que me gustaba cómo sonaban y no sabía qué significaban; luego se las preguntaba a mi madre o a mi padre e iba recolectándolas.

¿’Niña Río’ habla de una mujer que es libre? ¿Qué has querido expresar en la letra?
Para mí esta canción empieza con un cuento: «Había una vez una niña poderosa que habitaba una cueva en medio de la montaña. Un día emprendió un largo viaje a través del río que circundaba el lugar». La canción nos habla de su descenso por las aguas, de la acción de desplegar nuestros poderes, de la magia de la infancia y de la aventura de la alegría. ¿Quizás una mujer libre es aquella que también habita su propia niña?

Tocas el gamelán, el EP se titula «amor» en indonesio, ¿en lo musical o conceptual hay algo de música indonesia en este EP o va por otro lado?
‘Nacimiento en la cueva’ de ‘Música Bruja’ y otras canciones de mi primer álbum como ‘Y sin embargo’ contienen melodías y patrones musicales de gamelán, pues estuvieron compuestas siguiendo el lenguaje sonoro del kotekán indonesio. Estos patrones y sonoridades son una influencia muy fuerte para mí, y pueden aparecer en mis canciones pop combinados con otros elementos. También he compuesto ‘La Danza de la Guerrera’, una pieza para gamelán y voces que estrenaremos con la orquesta Gamelan Barasvara de Barcelona la temporada que viene. En ‘CINTA’ no hay presencia tan directa o evidente de sonoridades gamelánicas, pero la influencia indonesia se filtra en el título y en las lyrics de ‘Aku Cinta Kamu’.

Disco de la Semana: Stromae / Multitude

9 años después, ha vuelto Stromae. En concreto haciendo historia con una aparición televisiva en la que parecía que iba a ser entrevistado, cuando de repente procedía a interpretar un tema nuevo, el single estrella de este tercer disco, que habla sobre tendencias suicidas. No siempre han sido buenos tiempos para el artista que ha sufrido malaria, agotamiento y depresión, ni todos malos, pues ahora es padre y ha sido precisamente la obligación de llevar a su hijo al colegio a diario lo que le ha hecho adquirir una nueva disciplina tras llegar incluso a anunciar su retirada: componer en horario laboral en lugar de por las noches, como solía.

El tema cuyo estribillo repite una y otra vez «a veces he tenido pensamientos suicidas y no estoy orgulloso de ellos» se llama ‘L’enfer’ y da buena cuenta de lo importantes que son los textos para comprender la obra de Stromae, que tanto se ha definido por sus reivindicaciones contra el genocidio, a favor de la ambigüedad, de la mezcla tanto musical como cultural, y en contra de la intolerancia. Sus letras son muy sencillas, pero su punto fuerte es el enfoque. En contra de lo que parece sugerir ‘L’enfer’, que él mismo afirma que no está seguro de qué va, el artista se resiste a hacer un álbum sobre su vida personal, abordando temas sociales o de la vida moderna, poniéndose en la piel de diferentes personajes.

Si en el pasado se ha puesto en la piel de los nativos americanos que viven de un modo tradicional para reflexionar sobre el medio ambiente y sobre lo que hemos hecho en el mundo con la naturaleza; la explotación laboral y la arrogancia de las clases altas son los temas principales de otro de los singles principales, ‘Santé‘ («Por una vez, me gustaría levantar mi copa por aquellos que no la tienen»). ‘Fils de joie‘ es una historia inspirada en un comentario escuchado a Jimmy Paradis sobre los derechos de las trabajadoras sexuales, denunciando las condiciones en que trabajan las prostitutas. Para ello y, como ha sido habitual para el peliculero intérprete de ‘Formidable’, donde fingía estar ebrio, aquí habla como si fuera él mismo el cliente del burdel.

En ‘Riez’, Stromae se burla de una persona que sueña con ser rica y popular, mientras ‘Pas vraiment’ denuncia la falsedad del amor entre famosos. ‘Déclaration’ habla de feminismo y misoginia, con sentencias como «siempre está mejor visto ser un cabrón que una puta». En una línea muy parecida, ‘Mon amour’ es una enumeración de conquistas que tan sólo puede estar reflejando el patetismo del narrador, que desconoce hasta en qué armario se encuentran sus calzoncillos.

Lejos del adoctrinamiento, Stromae sabe hacer de ‘Multitude’ un disco divertido, por momentos una comedia teatral. ‘C’est que du bonheur’ es un cúmulo de mierda, vómitos y pañales para parodiar esa realidad de ser padre de la que no se habla tanto, y de ahí que el estribillo vaya entonado en falsete como por un infante («Ya verás, todo es felicidad / Hay vómito, caca y luego todo lo demás»). Al final de la vida, aguarda también cambiar pañales al hijo… Y hay ternura y autoparodia: ‘La solassitude’ es una canción preciosa sobre una relación de amor de larga duración en la que la pasión ha sido substituida por el aburrimiento. Contiene frases demoledoras, como «si nos quedamos en casa todo el fin de semana, ¿aún me encontrarás atractivo?» y su estribillo es una verdad universal de este tamaño: «El celibato me hace sufrir de soledad / La vida de pareja me hace sufrir de hastío».

‘La solassitude’ ha sido arreglada con un erhu, una especie de violín chino para el que han localizado a un experto en este instrumento porque Stromae se ha negado a utilizar su imitación en GarageBand porque no era lo exactamente lo mismo. Así, ‘Multitude’ vuelve a ser un viaje por todo el mundo, en el que no ha querido hacer «un tema de reggaetón, otro de hip-hop y otro de salsa», sino que ha decidido mezclar todo con todo, siguiendo la máxima de recorrer al mismo tiempo diferentes culturas. Inspirándose en nombres como Alfredo Coca, el argentino DJ Alex, gente de la escena afropop como Burna Boy y también por Billie Eilish, que le dejó completamente hipnotizado a través de un concierto online; y ayudado por su hermano Luc, que le ha ayudado a documentarse; Stromae realiza un excitante viaje por el mundo en el que caben un charango boliviano, un ney turco (una especie de flauta) y grooves deliberadamente fuera de ritmo.

Aquellos buscando música de baile a lo ‘Papaoutai’ saldrán decepcionados, pero todo aquel que hable francés o tenga unos minutos para meter todo esto en un traductor de Google, comprenderá por qué el belga es un absoluto superventas en Francia, por qué vende literalmente millones de copias en nuestro país vecino. El disco se cierra con las dos caras de una moneda: el tema pesimista (‘Mauvaise journée’) y el tema optimista (‘Bonne journée’) porque ambas cosas son complementarias. En su «Un buen día» particular, hasta la «caca» le sale tan bien que no tiene que limpiarse. Hay algo relevante casi en cada estrofa de este disco, a menudo haciéndote preguntarte quién es realmente el «hijo de puta» que entona un tema o el personaje «invicto» que aparece en la gloriosa apertura. Tras este gran tercer álbum, sí es fácil concluir que el «invicto» no es otro que Paul Van Haver.

Como Tanxugueiras pero en bretón: así es la canción que representará a Francia en Eurovisión

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Tanxugueiras era una de las propuestas favoritas de Benidorm Fest por su componente tradicional, entregado al folclore gallego, pero finalmente será Chanel quien represente a España en Eurovisión con ‘SloMo’. Sin embargo, el festival contará este año al menos con una actuación muy parecida a la propuesta de Tanxugueiras, tanto que si te despistas parece la misma.

Hablamos de la apuesta de Francia, que tras quedar segunda en 2021 con ‘Voilà‘ de Barbara Pravi -su mejor posición en tres décadas- llevará a Turín una canción de corte celta, cantada en un idioma estatal minoritario, el bretón, por tres vocalistas femeninas que, para rizar más el rizo, en su actuación van vestidas de negro con detalles dorados bordados en sus prendas, como recuerda un usuario de nuestros foros.

‘Fulenn’ es la canción que ha ganado el certamen ‘Eurovision France: C’est vous qui décidez’ que se ha emitido estos días en la televisión pública francesa, y es obra del productor electro Alvan y el trío de cantantes bretonas Ahez compuesto por Marine, Sterenn D. y Sterenn L., cuyas letras mezclan historias contemporáneas con mitos regionales.

‘Fulenn’ se basa en una leyenda bretona sobre una joven que baila de noche delante de una hoguera, huyendo de las normas sociales, y la canción es muy explícita en su conjunción de ambos mundos, al casar melodías y letras tradicionales (esos gritos) con una producción que pasa de la tradición a la pista de baile de una discoteca de tecno.

La puesta en escena de ‘Fulenn’ presentada en el programa francés también es parecida a la de Tanxugueiras, pues incluso cuenta con una bailarina que representa al personaje de la letra, mientras Ahez bajan de una plataforma al escenario y Alvan va a lo suyo, pasando de la mesa de mezclas a bailar. La canción no es gran cosa, pero quizá habría perjudicado a ‘Terra’ de haber ganado esta canción el Benidorm Fest. O no, pues nunca lo sabremos.

Superorganism vuelven producidos por Stuart Price y detallan su disco

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Superorganism, la «superbanda» que nos cautivó hace unos años con canciones de pop-batidora como ‘Something for Your M.I.N.D.’ o ‘Everybody Wants to Be Famous‘, y con un fascinante directo que aún no hemos olvidado, vuelve con un nuevo disco que verá la luz el 15 de julio bajo el título de ‘World Wide Pop’. Foto: Jack Bridgland

Las 13 canciones que componen el álbum «logran un equilibrio entre el artificio y la seriedad, entre las tonterías de la ciencia ficción y la intensidad existencial», según la nota de prensa oficial, y conforman un «escaparate para la comprensión recién profundizada de Superorganism de los intereses e impulsos de los demás, el tipo de convergencia creativa que esperarías cuando los amigos en línea comienzan a pasar tiempo juntos en la vida real», ya que su debut se completó «antes de que toda la banda hubiera estado en la misma habitación al mismo tiempo».

El álbum incluye varias colaboraciones, entre ellas dos de Stephen Malkmus de Pavement, y también aparecen en dos pistas la banda revelación japonesa CHAI. Las autoras de singles tan pintones como ‘ACTION’ aparecen en el primer single de ‘World Wide Pop’, que recibe el nombre de ‘Teenager’ y cuenta también con la participación de la solista francesa Pi Ja Ma.

‘Teenager’ es otra de las canciones de pop coloridas de Superorganism, y su letra «celebra aferrarse a la pasión y la emoción crudas de esos años de formación». También es un «rechazo al cinismo». Pero lo más interesante es que cuenta con un colaborador que todavía no hemos mencionado: Stuart Price, productor de Madonna o The Killers, produce ‘Teenager’ porque Superorganism querían lograr con su ayuda el «tamaño de IMAX al que siempre han aspirado sus grabaciones de dormitorio».

Os dejamos con la secuencia de ‘World Wide Pop’ y con el videoclip de ‘Teenager’, protagonizado por el actor y cómico Brian Jordan Alvarez, conocido por sus papeles en ‘Will y Grace’ y en ‘Jane the Virgin’ y por su webserie autoproducida ‘The Gay and Wondrous Life of Caleb Gallo’.

01 Black Hole Baby
02 World Wide Pop
03 On & On
04 Teenager (feat. CHAI & Pi Ja Ma)
05 It’s Raining (feat. Stephen Malkmus & Dylan Cartlidge
06 Flying
07 Solar System (feat. CHAI & Boa Constrictors
08 Into The Sun (feat. Gen Hoshino, Stephen Malkmus & Pi Ja Ma)
09 Put Down Your Phone
10 crushed.zip
11 Oh Come On
12 Don’t Let The Colony Collapse
13 Everything Falls Apart

Dua Lipa, acusada de plagiar la canción que inspiró ‘Don Diablo’ de Miguel Bosé

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Las noticias sobre demandas por supuestos plagios a canciones famosas son ya pan de cada día. Hoy mismo ha trascendido una nueva denuncia que acusa a Sam Smith y Normani de copiar una canción de 2017 en su éxito ‘Dancing with a Stranger’. Pero nada nos preparaba para esto: los compositores de ‘Don Diablo’ de Miguel Bosé han acusado a Dua Lipa de plagiar esta canción en uno de sus últimos éxitos.

La canción de Dua Lipa que supuestamente copia ‘Don Diablo’ es ‘Levitating’, que estos días ha recibido otra demanda por plagio, en este caso por parte de una banda de reggae de Florida. Esta vez, los compositores L. Russell Brown y Sandy Linzer sostienen que ‘Levitating’ se parece sospechosamente a sus canciones ‘Wiggle and Giggle All Night’ (1979) y a su adaptación al español ‘Don Diablo’ (1980). La primera fue grabada por Cory Daye, y la segunda por Bosé, quien figura como co-autor. Parchís grabaron después una versión.

Los demandantes aseguran que «las obras infractoras tienen elementos de composición sustancialmente similares a los de las canciones de Brown y Linzer» y, en concreto, defienden que la melodía más identificativa de ‘Levitating’ es calcada a la melodía de apertura tanto de «Wiggle» como de ‘Don Diablo’. Además, como prueba para su caso, apuntan que Dua Lipa ha reconocido inspirarse en «épocas previas» para su disco de 2020 ‘Future Nostalgia‘, el mejor disco de aquel año para JENESAISPOP.

El documento defiende que existen vídeos en internet que comparan ambas canciones, pero lo más divertido es que ‘Levitating’ cuenta con un remix oficial producido por un DJ que se llama Don Diablo, uno de los más populares del momento.

Las estrofas de ‘Levitating’, ‘Don Diablo’ y «Wiggle» se parecen, pero habría que investigar hasta qué punto las melodías de las composiciones de L. Russell Brown y Sandy Linzer son tan originales cuando su progresión de acordes no lo parece especialmente. ¿Terminará el pleito con una co-autoría de Miguel Bosé añadida a uno de los mayores éxitos internacionales de los últimos años?



Sam Smith y Normani, acusados de plagio por ‘Dancing with a Stranger’

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Unos días después que la banda de reggae de Florida Artikal Sound System haya saltado a la actualidad musical tras acusar a Dua Lipa de plagio por ‘Levitating’, su éxito de 2020-2021 que continúa hasta bien entrado 2022, una demanda similar emerge hoy por parte de tres compositores que acusan de plagio a Sam Smith y Normani por su éxito de 2018 ‘Dancing with a Stranger’.

Jordan Vincent, Christopher Miranda y Rosco Banloai sostienen que ‘Dancing with a Stranger’ es un plagio directo de su single de 2017, ‘Dancing with Strangers’, interpretado por el primero, y aluden a la similitud de sus títulos y de sus respectivos ganchos melódicos. En concreto, la demanda señala que «el estribillo de ambas canciones contiene la letra «bailando con un extraño» y que, en la canción, esta frase aparece en una melodía y en una composición musical casi idénticas».

La cosa se complica: según los demandantes, Sam Smith, Normani y sus equipos tuvieron acceso a la canción a través del sello Thrive Records. El sello «se mostró extremadamente interesado por la canción» para usarla para otro artista, pero el «acuerdo no se materializó». Sin embargo, aseguran que el parecido entre ‘Dancing with a Stranger’ y su canción es demasiado evidente para que se trate solo de una coincidencia.

Para más inri, los demandantes defienden también que el videoclip de ‘Dancing with a Stranger’ está sospechosamente inspirado en el de ‘Dancing with Strangers’, pues ambos consisten en planos de «una mujer que baila danza interpretativa en un estudio minimalista» (Normani) junto a otros que muestran a un «intérprete masculino cantando la canción» (Sam Smith, que entonces no había salido del armario como persona no binaria). Incluso sostienen que el dossier original del vídeo de ‘Dancing with a Stranger’ aludía al concepto visual de «maniquíes que cobran vida» usado en el videoclip de 2017 pero no en el del éxito de Smith y Normani, y recuerdan que, en una entrevista de 2019, Normani y el director Vaughan Arnell mencionaron su deseo de usar «estatuas de porcelana que cobran vida» en el videoclip.

Los compositores acusan a Sam Smith, Normani y a su equipo de haberse embolsado millones gracias a su idea, y añaden que ya les ofrecieron varias oportunidades para defenderse de manera privada, por lo que consideran la demanda el último recurso que les queda para defender su integridad artística. Según Vincent y compañía, de hecho el equipo de Smith y Normani les aseguró que realizaría un análisis musicológico de ambas canciones que siguen esperando.

Charli XCX actúa en Saturday Night Live y reconoce sentirse deprimida en una entrevista

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Charli XCX ha sido la última invitada musical en Saturday Night Live. Su disco ‘CRASH’ sale el 18 de marzo, y la británica ha aprovechado su paso por el programa estadounidense para presentar en directo sus dos singles más recientes, ‘Baby’ y ‘Beg for You’, este último, eso sí, sin Rina Sawayama.

Entregada a la faceta de «pop star» comercialota que está encarnando en esta era, Charli XCX ha cantado ‘Baby’ acompañada de dos bailarines, y la canción ha estado coreografiada de principio a fin, a la manera de las estrellas del pop de los 2000. Por su parte, ‘Beg for You’ lo ha apostado todo a su puesta en escena, protagonizada por una sensual cortina translúcida.

La autora de ‘SUCKER‘ también es portada estos días de la nueva edición de Rolling Stone UK, y en la entrevista interior ha hablado con franqueza sobre su salud mental, tras anunciar en Twitter que se retiraba de la plataforma al no sentirse capaz de lidiar con las críticas negativas que estaban recibiendo sus últimas decisiones artísticas. La decisión de Charli viene después que algunos fans hayan cuestionado la elección de singles de ‘CRASH’ y su sonido comercial, así como la confirmación de Charli en un festival de NFTs, del que después ella se ha retirado.

En Rolling Stone, Charli cuenta que lleva un inicio de 2022 malo, durante el cual se ha sentido bastante deprimida, y cree que su salud mental se ha deteriorado. Señala que «nunca me ha importado si te gusta mi música o la odias, pero cuando te encuentras en un momento en el que ya estás bastante deprimida, leer según qué discursos duele». La británica señala que no por ser una persona famosa necesariamente va a poder «aguantar toda la mierda que te tira la gente», y recuerda que es un «puto ser humano».

A pesar de sus palabras, Charli se muestra positiva en la entrevista, sobre todo de cara a la gira que está preparando, con la que está «muy emocionada», y tiene buenas palabras para sus fans: «respeto a mis fans y estoy muy agradecida de tenerlos en mi vida, y no creo que fueran buenos fans de Charli XCX si no fueran un poco directos a la hora de opinar».

Como dato curioso, Charli revela que el título de ‘CRASH’ iba a ser originalmente ‘Sorry If I Hurt You’ porque la frase tiene sentido «tanto en el pasado como en el presente y el futuro». Será, por cierto, un disco «explosivo» que evoca el «drama monumental de los años 80». Entre las pistas inéditas mencionadas en el artículo, ‘Lightning’ recuerda a los rompepistas para llorar bailando de Robyn y ‘Twice’, co-producida por Oneohtrix Point Never, evoca el sonido de ‘Twin Peaks’.

Florence + the Machine sorprende con la experimental ‘Heaven is Here’

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Florence + the Machine ha publicado esta tarde, como había prometido, ‘Heaven is Here’, el segundo avance de su próximo álbum de estudio. El primero, ‘KING’, ha sido Canción Del Día recientemente en el site, y acaba de entrar en el top 40 de JENESAISPOP gracias a las votaciones de los lectores, directo al número 3.

‘Heaven is Here’ puede ser una de las composiciones más experimentales jamás publicadas por Florence Welch. Estamos ante menos de 2 minutos de canción marcados por el sonido de palmas y percusiones, en la que incluso piano y guitarra acústica son utilizados a modo de percusión.

La canción presenta un sonido tabernero y visceral, y la letra hace referencia a convertir océanos en desierto, o al arte. «Cada canción que escribí se convirtió en una cuerda atada a mi cuello, con la que escapar hacia el cielo», canta la británica.

Explica Florence que ‘Heaven is Here’ es «la primera canción que escribí en confinamiento, después de un largo tiempo en que no pude acudir al estudio». Señala que «quería hacer algo monstruoso, y este clamor a la alegría, la furia y la pena es lo primero que me salió».

«Con los estudios de danza cerrados», apunta Welch, «empecé a soñar con un día hacer una coreografía para la canción, y (‘Heaven is Here’) es una de las primeras piezas de música que he hecho con la danza contemporánea en mente».

El videoclip está efectivamente basado en este tipo de baile, y en la caja de información de Youtube, Florence manda «fuerzas» a dos de sus bailarinas, Marine y Nastia, ucranianas, que «actualmente se están cobijando» de la guerra.

Omah Lay y Justin Bieber se unen en el cautivador afrobeat de ‘Attention’

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Omah Lay es un músico de 24 años de Ikwerre, en el sur de Nigeria, que en los últimos tiempos ha dado que hablar con su hit viral ‘Bad Influence’, producido por él mismo, y que ya acumula un buen puñado de singles publicados entre temas propios y colaboraciones, además de un corta duración llamado ‘Get Layd’, editado hace ya dos años. Omah Lay actuará en España en mayo: el día 11 estará en la sala Razzmatazz 2 de Barcelona y el 12 en la sala Cats de Madrid.

Stanley Omah Didia forma parte de la nueva ola de artistas nigerianos que están contribuyendo a poner el afrobeat en el mapa de la cultura popular occidental, junto a compañeros como Mr. Eazi, WizKid, Tems o CKay, y su EP ‘Get Layd’ contiene producciones tan opulentas en ese estilo como ‘Damn’ o ‘You’, además de la mencionada.

Algunos de los artistas mencionados han colaborado con artistas tan relevantes como J Balvin (en el caso de Mr. Eazi), Drake (Tems aparece en su último disco) o Justin Bieber. El canadiense ya se subió a un remix de ‘Essence’ de WizKid hace unos meses para recordarnos que era una de las mejores canciones del verano 2021, y ahora participa en un single nuevo de Omah Lay llamado ‘Attention’ que promete dar más alegrías a ambos.

Omah Lay practica un tipo de afrobeat relajadito y sensual, y eso es lo que nos ofrece ‘Attention’, un tema totalmente en la vena de Drake, el de ‘Passionfruit’, con el que Omah Lay reafirma su sonido a la vez que ofrece a Bieber un contexto sonoro ideal para su voz. Bieber canta la melodía de ‘Attention’ con suma calidez y cuidado, y nos convence de que este es un buen camino que perseguir en su carrera tras los fiascos artísticos de ‘Changes‘ y ‘Justice‘.

Omah Lay y Justin Bieber, que ya habían colaborado en un remix de ‘Peaches’, piden un «poquito de atención» a sus respectivas amantes en ‘Attention’, y tal es su angustia que buscan ahogar las penas en alcohol y marihuana. El ambiente de ‘Attention’ está lleno de ese mismo humo que exhalan ambos artistas, pero a la vez su sonido cálido reconforta, porque quizá no existe mejor escape que la música.

Revelación o Timo:

Felipe González no sabe nada de ‘La Casa de Papel’ ni de Fortnite, pero sabe todo de ‘Ay mamá’

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‘Lo de Évole’ se anotó anoche otro tanto entrevistando a Felipe González con motivo de su 80º cumpleaños, una entrevista rica en curiosidades de lo político -la invasión de Ucrania, su buena relación con el rey emérito- a lo personal -la revelación de que jamás se reúne con todos sus hijos a la vez y de que quizá no ha sido el mejor padre posible-.

La entrevista fue promocionada con su opinión sobre Isabel Díaz Ayuso: «No me atrevo a definirla, no, no… Sólo me imagino cómo sería su opinión, participación o decisión en uno de estos consejos de la OTAN hoy en la crisis de Ucrania. Y me cuesta encajar». Lo que no vimos venir fue que sería preguntado por cuestiones culturales de actualidad.

Felipe González pareció fingir saber por un momento qué era Fortnite, reconoció no haber visto ‘La casa de papel’, la serie española más internacional, pero despertó por completo cuando fue preguntado por ‘Ay mamá’, el tema de Rigoberta Bandini que un día aspiró a representar a España en Eurovisión, perdió, pero alcanzó esa semana el número 1 oficial de la lista de singles española.

El expresidente del gobierno resume lo que dijeron tanto Unidas Podemos como VOX sobre la canción, considerando que la opinión de Abascal fue «ofensiva para las mujeres»: “he visto una polémica que se podría haber evitado en la que Abascal respondía a Irene Montero, que decía que este es el temor del machismo a la sexualidad femenina de las tetas. No era lo que intentaba la autora, eso es seguro. «¿Te dan miedo las tetas de las mujeres?». Y el otro (Abascal) ha contestado ofensivamente para las mujeres, creo yo, “ah no, yo desde chiquitito me gustan””.

De 1 hora de duración, la entrevista sorprendió por lo parca que fue en comentarios sobre el actual ejecutivo socialista. Y vale que no se pueda revelar la conversación telefónica que han mantenido a raíz de la invasión de Ucrania, ¿pero quién iba a adivinar que González hablaría más de Rigoberta Bandini que de Pedro Sánchez durante una entrevista? La entrevista, al completo, está disponible en la web de laSexta.

Rosalía desvela el tracklist de ‘MOTOMAMI’ y se sincera con El País Semanal

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motomami

Rosalía continúa con la promo de ‘MOTOMAMI’, el disco que publica a finales de la semana que viene, presentado por 3 singles: ‘La Fama‘, ‘Saoko‘ y ‘Chicken Teriyaki‘. Tras anunciar que el día de salida -18 de marzo- realizará de madrugada -hora española- un concierto de presentación del disco en TikTok, al fin ha compartido el tracklist del álbum, lo cual incluye nombres que ya conocíamos como ‘Hentai’, ‘Bizcochito’ y ‘Bulerías‘, que será la canción más pura del álbum.

Precisamente la cantante ha hablado del disco, que pese a sus 16 pistas será bastante corto, durante una entrevista con Fernando Navarro de El País Semanal, a la que acude con su hermana y su pareja Rauw Alejandro. En ella vuelve a contar cómo estuvo aislada de su familia durante 2 años debido a la pandemia, pues se quedó en Estados Unidos trabajando en este disco. Precisamente el tema final, ‘Sakura’, habla de eso, pues «Rosalía reconoce que alguna vez sintió que “petaba”». «Sakura» es «la flor del cerezo», aquí representa «la primavera y la feminidad» y la letra es una reflexión sobre la posibilidad de romperse.

La cantante indica que “solo hay riesgo si hay algo que perder” y responde las críticas por la letra de ‘Hentai» llevándose las manos a la cabeza: «Ostras, ¡compartí solo 15 segundos de canción! ¡No hay contexto! Entiendo que la gente se lleve al pecho algo, pero sería mejor juzgarla cuando haya salido la canción y mejor aún todo el disco. Tiene mucho sentido cuando ves el big picture». También habla por alguna razón sobre el hipotético final de su carrera al hablar sobre la popularidad: «Este entorno es muy hostil. Es complejo mantenerse en su centro. En estos tres años he buscado mi centro. Si el éxito acaba rompiéndome con los años, no pasa nada. Así es la vida y así es el trayecto. La vida y la muerte están muy cerca la una de la otra. Se trata de vivir lo más fuerte posible (…) Vivir la vida con honestidad».

1.SAOKO
2.CANDY
3.LA FAMA
4.BULERÍAS
5.CHICKEN TERIYAKI
6.HENTAI
7.BIZCOCHITO
8.G3N15
9.MOTOMAMI
10.DIABLO
11.DELIRIO DE GRANDEZA
12.CUUUUUUUUUUTE
13.COMO UN ♡
14.ABCDEFG
15.LA COMBI VERSACE
16.SAKURA

C. Tangana sale a hombros de su cinematográfica gira «all stars»

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La pandemia ha dejado de ser mencionada en los telediarios -aunque no exactamente por las razones que nos gustaría-, y los estadios de mediano tamaño -en el mundo anglosajón conocidos como «arenas»- vuelven a llenarse con el público en pie y sin distancia de seguridad. C. Tangana, que no sé si ha conseguido que la gente le llame «El Madrileño» ni borrando casi por completo las palabras C. Tangana del cartel de su gira ‘Sin cantar ni afinar’, vendía las localidades para verle en el WiZink Center de su ciudad en cuestión de horas, teniendo anoche que explicar frente a su público que no quiso añadir una segunda fecha porque hay cosas que sólo tienen que pasar una vez cuando se acerca el final, apelando al de una era que ya ha cumplido un año en el top 10 de las listas de éxitos. ‘El Madrileño‘ fue el disco más vendido en España en 2021 y es aún top 2, certificado como doble platino, más un tercero seguramente por venir. Fotos: David Moya.

Tampoco creo que hubiera sido fácil la logística de reunir otra vez sobre el escenario a todo el personal que vimos anoche sobre las tablas. El equipo de El Madrileño consta de una treintena de músicos entre palmeros, coristas, vientos, cuerdas, guitarristas y percusiones. Para cualquiera preguntándose si los invitados en el álbum se pasaron, muchos de ellos sí, con la excepción principalmente de Andrés Calamaro, Jorge Drexler y Eliades Ochoa. Pero no se les pudo echar tanto de menos cuando en una misma noche habías visto aparecer a Nathy Peluso para interpretar ‘Ateo’, a Kiko Veneno para interpretar ‘Los tontos’ y un fragmento de ‘Volando Voy’, a Antonio Carmona para interpretar ‘Me maten’ y ‘No estamos locos’, y a La Húngara y Niño de Elche para interpretar apropiadamente ‘Tú me dejaste de querer’ y acompañar en casi todo el set, entre otros que incluyeron a Omar Montes y Rita Payés.

El resultado fue un fiestón a veces tipo tablao a veces tipo latino, situado en un país indeterminado entre España y América Latina, que es de lo que va el mismo álbum de ‘El Madrileño’, de un viaje por diversas tierras, como Cuba, Colombia y México. Pero Puchito no ha renunciado a su pasado como rapero underground y de ahí quizá la extraña decisión de comenzar con ‘Still Rapping’, justo cuando parecía por los arreglos orquestales que el show iba a comenzar con ‘Demasiadas mujeres‘.

El artista -¿alguien lo duda? ¿todavía? ¿en serio? ¿en qué planeta vivís?- se centra en el repertorio de ‘El Madrileño’ y su versión ampliada editada recientemente ‘La sobremesa’, incorporando algún guiño al pasado y alguna versión, pero renunciando a algunos de sus mayores hits que seguramente no le encajaban, como ‘Booty’, ‘Bien duro’ y ‘Mala mujer’. No habría adivinado, cuando escogimos esta última Mejor Canción de 2017, que vería un concierto de C. Tangana de 30 canciones sin que ninguna fuera ‘Mala mujer’ y que además me iría satisfecho. En lo que seguro que puso un granito de arena que el setlist sí incluyera una reconciliación con ‘Antes de morirme’, interpretada en plan minimalista junto a una vocalista que no era Rosalía, ahora mismo a otras cosas.

En su sección latina, el escenario se decora con varias mesas en las que se colocan músicos, coristas y botellas para chupitos y cócteles, sin que falte la sección «tiny desk» que tantas alegrías dio en Youtube. En las más raperas, las luces se apagan para dejar a Puchito solo sobre una pasarela de sombras, en la que canta algunas frases sobre pregrabados. Especialmente bien encajada suena -pese a presentarse enlatada- ‘Llorando en la limo’, después de que un barman haciendo de fucker pasadísimo, se quejase de que el show era muy «‘Circo del Sol’ y ‘Mayumaná'». Es el momento autoparódico del show, que El Madrileño dedica a quienes le vieron crecer después de darse a conocer como Crema, aunque hay que puntualizar que en este set, horteradas pocas, o más bien ninguna.

Sin grandes alharacas ni grúas voladoras, la dirección artística de ‘Sin cantar ni afinar’ parece haberse mirado en grandes giras internacionales de Kanye West (la parte rapera), Madonna (la tasca portuguesa) y Juan Luis Guerra (las alturas con vientos metales), resultando de lo más elegante en cuanto a composición e iluminación. Sobre todo esto último, acentuado por una pantalla panorámica coronando todo, en la que tuvieron a bien comenzar pidiendo que la gente no utilizara flash en sus fotos, y terminaron proyectando créditos con todos los participantes mientras Niño de Elche cantaba ya solo, como si acabáramos de ver una película.

Una de 2 horas, en concreto, en la que el público se dejó la garganta cantando cosas como ‘Nominao’, ‘Párteme la cara’, ‘Ingobernable’ o ‘Los tontos’, esta última aderezada con unos fragmentos de ‘Bizarre Love Triangle’ de New Order y ‘Alegría de vivir’. De la misma manera que unas líneas de ‘Lobo hombre en París’ (!) sonaron después de ‘Nunca estoy’, ‘Corazón partío’, ‘Noches de bohemia’ y una versión de ‘Suavemente’ se colaron en distintos puntos del repertorio, subrayando el carácter de fiesta sin prejuicios que se mira en la historia del pop español que siempre tuvo esta era. Todo tan españolete que el concierto termina con el equipo de C. Tangana aupándole a la primera fila de la pasarela como si hubiera cortado las dos orejas y el rabo.

Si bien hubo ciertos problemas de ecualización en las voces en determinados momentos -por otro lado un clásico en el WiZink Center de la capital-, fue divertido ver cómo C. Tangana agarraba del pelo a Nathy Peluso como en el vídeo de ‘Ateo’ mientras a ambos les daba un poco la risa, a Antonio Carmona completamente radiante y encantado de asistir a todo esto, o a Omar Montes hecho un nervio, incluso a un Auto-Tune pegado. El público respondió, acompañando en todo momento, aunque otro tema fue el de tratar de emular a los palmeros: si en Madrid se nos dio tan mal, no quiero ni pensar lo que sucederá con todo esto en Bilbao el mes que viene.

Fue, en todo caso, un show lleno de detalles muy vendible a una plataforma tipo Netflix o HBO, como ese momento en que la pantalla finge haberse averiado creando chispas antes de los bises -un par de veces falló, también, sin que estuviera planeado- o la dedicatoria de ‘Demasiadas mujeres’ al fallecido Sergio Larrinaga. C. Tangana estaba exultante, en la «noche más importante de su vida», y yo ya no me creo nada de aquello de que le importe más el punto de la lubina que ser el número 1 del ránking. Tras haber montado este pedazo de show de miras internacionales, está claro que es ser el rey lo único que le pasa por la cabeza. 9.

Magia Bruta / Un día nuevo

Tras firmar con el alias de Aries varios discos de pop psicodélico estupendos que exportó a países como Estados Unidos, Canadá o Japón, Isabel Fernández presenta nuevo proyecto junto a la multiinstrumentista María Romero. Magia Bruta toma su nombre precisamente del primer disco de Aries, publicado en 2012, y aunque las similitudes con discos como ‘Mermelada dorada‘ son evidentes, como quizá no podía ser de otra manera, ‘Un día nuevo’ explora un sonido mucho más místico que simplemente colorido y psicodélico.

Ese misticismo es muy evidente en las armonías vocales empleadas en las canciones, en melodías que en realidad son invocaciones, como sucede en la pista titular, y también en un material instrumental en constante mutación y expansión, lleno de capas y detalles, como el glissando resplandeciente de ‘Lo merezco’ o las arpas de ‘Biking (algo mejor)’. A su vez, las letras aluden al «polvo de estrellas» o a un «paisaje fluorescente», invocan a las «fuerzas elementales» o hablan de amores reflejados en el agua o sobre irse a pedalear al bosque.

‘Un día nuevo’ halla la magia de diversas maneras, por ejemplo, en la hermosa progresión de acordes de ‘Lees mi mente’ y en su base rítmica, que parece emular el movimiento de unas arenas movedizas, dando lugar a una de las mejores canciones jamás compuestas por Aries; en el feliz matrimonio de beats electrónicos y armonías bucólicas de ‘Un día nuevo’; o en el hipnótico fondo instrumental de ‘Atardeceres naranjas’, que trae a la mente una de las canciones más infravaloradas de Animal Collective, ‘What Would I Want Sky’?’.

De nuevo vuelve a ser inevitable al hablar de un disco de Isabel Fernández mencionar a Animal Collective, que han sido una influencia a lo largo de su carrera, y en ‘Un día nuevo’ se nota no solo en las armonías, que esta vez tienen un punto bastante Fleetwood Mac también (su colaborador Alan Douche ha masterizado el disco), sino también en los extraños tempos usados en las canciones y en los densos paisajes sonoros. Y que la música de Magia Bruta recuerda a la banda de Baltimore no significa que no esté inspirada, más bien al contrario: el nivel de elaboración de melodías y bases instrumentales en ‘Un día nuevo’ es muy elevado, y su equilibrio entre accesibilidad y experimentación está muy conseguido.

Magia Bruta sigue fiel por tanto al sonido de Aries añadiendo un punto de oscuridad y esoterismo, y las influencias poco pueden importar cuando Isabel es capaz de entregar canciones tan cautivadoras como ‘Lees mi mente’, ‘Un día nuevo’ o la embriagadora ‘Trance secreto’. Sus canciones sobre «la alienacion, el amor, la verdad y la belleza» hechizan quizá como pretenden.

Fallece el cantautor, escritor y poeta Pau Riba a los 73 años

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“Nos deja un iconoclasta”. Así le ha despedido a Pau Riba el presidente de la Generalitat, Pere Aragonès, en una entrevista a Catalunya Ràdio. El artista catalán ha fallecido este 6 de marzo a los 73 años en su casa de Tiana (Barcelona), tras haber hecho público que padecía un cáncer de páncreas el pasado diciembre de 2021.

Pau Ribas fue un referente de la música y la cultura alternativa desde sus comienzos en los años 60, en los tiempos de la Nova Cançó, un movimiento que reclamaba la normalización del uso del catalán en la música y denunciaba la represión franquista. Descendiente de una familia burguesa, cristiana y artística, Riba siempre rechazó ese estilo de vida lleno de ataduras para reivindicar la libertad individual, sexual, lo campestre, los derechos de la juventud y ser siempre la oveja negra.

Entre 1969 y 1970 publicó Dioptría I y II, dos discos que posteriormente se reeditaron como álbum doble y que los lectores de la revista Enderrock eligieron como el mejor disco de la discografía catalana del siglo XX. Claramente influenciado por la revolución hippie, el primer viaje en LSD de Pau Riba tuvo mucho que ver a la hora de conceptualizar este álbum. Posteriormente, el artista no ha dejado de trabajar hasta el final de sus días, en discos como ‘Jo, la donya i el gripau’ (1971) o ‘Disc Dur’ (1993), en libros, en películas, en guiones… De hecho, Riba estaba confirmado en el Vida Festival de este verano.