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‘La verdad sobre el caso Wanninkhof’ dignifica la figura de Dolores Vázquez

La cultura del «true crime» no iba a tardar en absorber el caso Wanningkhof, uno de los casos de error judicial más mediáticos de la historia española reciente. El año pasado, Netflix estrenó un documental sobre el caso pero ha sido HBO Max la plataforma que se ha apuntado el tanto de contar con Dolores Vázquez, la persona que fue condenada erróneamente de haber asesinado a Rocío Wanninkhof, para sentarla en una entrevista que se ha hecho esperar más de 20 años.

A diferencia del documental de 1 hora y media de Netflix, ‘Dolores. La verdad sobre el caso Wanninkhof’ profundiza en el caso hasta el punto de alargarse hasta los 6 capítulos, con la producción ejecutiva de Toñi Moreno. Cada uno de ellos recibe el nombre de una mujer importante en la historia y no falta casi nadie por ser entrevistado: de la madre de Rocío, Alicia Hornos, hasta el abogado de Dolores Vázquez, Pedro Apalategui, pasando por la susodicha, aparecen en pantalla para contar su visión.

El caso comienza con la desaparición, el 9 de octubre de 1999, de la joven de 19 años en un pueblo de Málaga. El cuerpo sin vida de Rocío es hallado tres semanas después cerca de Marbella. Dolores Vázquez, amiga de la familia, y ex pareja de Alicia Hornos, madre de la joven asesinada, es detenida como principal sospechosa del crimen. La investigación se centra en ella hasta el punto de que una serie de «indicios», conjeturas y alguna que otra corazonada bastan para incriminarla. Dolores pasa 17 meses en prisión y, llegado el día de la sentencia, es condenada culpable sin pruebas congruentes sobre la mesa. El clima de odio hacia Dolores Vázquez, alimentado desde los medios de comunicación, y materializado en las calles, influye de manera clave en el veredicto.

Más adelante, en 2003, se descubre el cuerpo de otra joven asesinada, Sonia Carabantes, se relaciona su caso con el de Rocío por el hallazgo de unos restos de ADN que aparecen en ambas escenas del crimen y el británico Tony Alexander King, un vecino de Coín que carga con antecedentes penales en Reino Unido, es declarado culpable de ambas muertes. Es, básicamente, una de las pocas veces que un cigarrillo ha dado una buena noticia. Dolores es exculpada pero carga aún con la condena social y se retira de la vida pública.

El debate sobre la morbosidad de ‘Dolores. La verdad sobre el caso Wanninkhof’ debería estar fuera de la mesa. En el documental participan tantos personajes pertenecientes a la constelación del caso que, en algún momento, hasta esperas que la persona condenada termine realizando alguna declaración. Alicia Hornos mantiene que Dolores estuvo implicada en el asesinato de su hija, avivando aún los vientos de la sospecha. Sí, la narración es sensacionalista, pues incluye imágenes del entierro de Rocío, pero también se podría decir que pinta una panorámica completa del suceso, muy bien contado cronológicamente. No es cuestión de desmerecer el trabajo documental y visual de la pieza solo porque cuente una historia real. Y ‘Dolores. La verdad sobre el caso Wanninkhof’ sirve principalmente para dar voz a Dolores Vázquez y también a su brillante abogado, pero también para acercarse a todos los puntos de vista sin juicios.

Dolores no es la primera persona que recibe una condena injusta por asesinato. Tampoco es la primera persona relacionada con el colectivo LGBTQ+ cuya sexualidad influye en su inculpación, aunque hay que puntualizar que ella nunca se identifica con la etiqueta «lesbiana» porque «nunca me he sentido así». Sin embargo, desde el primer momento, la lesbofobia juega un papel fundamental en las acusaciones hacia Dolores y, en este sentido, la escritora y activista LGBTI Beatriz Gimeno realiza algunas de las intervenciones más importantes del documental cuando recuerda que la lesbofobia de la sociedad de entonces motiva desde la base las acusaciones de asesinato hacia Dolores, porque ella ni luce ni se comporta como la «típica» mujer heteronormativa. Y tanto la guardia civil como los medios y la sociedad se alimentan de ese relato absurdo. Habría sido grato que ‘Dolores. La verdad sobre el caso Wanninkhof’ profundizara en la lectura de identidad sexual del caso, porque probablemente diera para mucho más de lo que se muestra finalmente.

Es la única pega que se le puede poner a un documental riguroso y muy bien construido que hace su trabajo de contar una historia mediática con un lenguaje mediático. Pero ‘Dolores. La verdad sobre el caso Wanninkhof’ será mejor todavía cuando haya servido para algo. Dolores Vázquez, que a sus 69 años vive retirada en Betanzos, el pueblo de La Coruña en el que nació, aunque ella se crió en Reino Unido; pide el perdón por parte de la «guardia civil, el fiscal y los jueces» que nunca ha recibido, también del Ministerio de Interior que entró en el trapo de las acusaciones falsas, y recuerda que en 20 años no ha sido indemnizada por el error judicial que ha marcado su vida. Las reparaciones se hacen esperar, pero por lo menos Loli -como prefiere ser conocida- señala que su dignidad permanece intacta. Y dignificar su figura es precisamente lo que consigue el documental.

5 artistas imperdibles de MIRA 2021: del ambient de Ana Roxanne al metal de Duma

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El festival de artes digitales MIRA vuelve a Barcelona después de un año de parón por la razón que todos conocemos. MIRA se celebrará los días 12 y 13 de noviembre en el recinto de Fabra i Coats – Fàbrica de Creació con un cartel que vuelve a centrarse en la música electrónica, las sesiones de DJ, las proyecciones inmersivas y las exposiciones de arte digital.

El jueves 11 de noviembre se celebrará la noche inaugural de MIRA en la sala de exposiciones IDEAL y el mismo día 13 tendrá lugar el fin de fiesta en la sala Razzmatazz. En los días 12 y 13 pasarán por el festival algunos de los artistas asociados al arte digital más interesantes del momento, que comentamos bajo estas líneas.

James Ferraro

«El inventor del vaporwave» es un titular atractivo pero incierto. De todas formas, ‘Far Side Virtual’ es uno de los primeros ejemplos de este subgénero de internet que revisa la música pop de los 80 y la muzak desde una visión crítica con el capitalismo y el consumismo. Es uno de los discos más influyentes de la era de internet, pero Ferrero no se ha quedado estancado en su sonido, como demuestra su disco ‘Sushi’ o la serie ‘Mirai’ que presentará en el festival barcelonés, a través del show ‘Requiem for Recycled Earth’.

Ana Roxanne

Poco a poco, Ana Roxanne se está convirtiendo en une de les artistes de ambient más importantes de su generación. Su delicada música absorbe influencias del jazz, el folk hindustaní o las grabaciones de campo, y además transmite un importante mensaje sobre la fluidez de género. Roxanne es intersexual y su disco ‘Because of a Flower’ explora su identidad a través del símbolo de la flor.

Aquarian

Otro de esos «artistas afincados en Berlín», aunque él es de Canadá, Aquarian acompañará su directo con los visuales de la artista e investigadora china Sougwen Chung. La música de Aquarian, admirada por gente como Aphex Twin, visita las escenas de Detroit, Londres y Berlín y se mueve entre el electro, el jungle y el grime. Su disco ‘The Snake that Eats Itself’ es oscuro, intrigante y claustrofóbico. Te invita a bailar pero te termina engullendo.

Duma

Duma es el dúo de Martin Khanja y Sam Karugu, dos músicos surgidos de la escena de metal sumergida de Nairobi -en auge- que han publicado su debut en el sello Nyegue Nyegue Tapes. El álbum dio bastante que hablar el año pasado por su sonido violento y visceral, que se debate entre el trash metal y el hardcore punk, y también por su curiosa portada. Este año, Duma publican nuevo EP en Sub Pop.

upsammy

La música de Thessa Torsing se debate entre el mundo digital y el natural. Es una IDM recubierta de hiedra y flores. Después de darse a conocer con singles como ‘Zona’, en 2019 publicó su debut largo ‘Wild Chamber’ y en 2020 vio la luz su segundo trabajo, ‘Zoom’. Su portada muestra un trozo de hielo que se derrite en la mano de una persona, y en estos términos se puede describir la música de upsammy.

ABBA arrasan en Reino Unido, superando a Ed Sheeran; y lograrán su mejor marca en EE UU

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Se comentaba en la industria musical que ABBA habían batido un récord de pre-ventas en Reino Unido con el anuncio de su último disco ‘Voyage’: más de 111.000 en total (40.000 ya solo el primer día). Ese extremo ha sido confirmado cuando han salido las “midweeks” británicas este lunes.

ABBA volverán al número 1 de Reino Unido con las mejores ventas semanales de todo 2021, pues el lunes las ventas de ‘Voyage’ en este país iban por 118.000, y el martes por 169.000. Esta cifra ha dejado ya atrás el récord previo de este año de Coldplay con ‘Music of the Spheres’ (101.000), a su vez batido inmediatamente después por ‘=‘ de Ed Sheeran (139.000). ABBA venderán en una semana más de lo que ese tótem llamado Sheeran ha conseguido en dos. Ya solo queda por ver lo que logrará el torbellino llamado Adele.

En Estados Unidos, ABBA no lograrán el número 1 debido al elevado streaming de la cantante de Georgia Summer Walker. Pese a que esta solo va a vender esta semana unas 14.000 copias, los puntos de streaming la elevarán hasta las 185.000. ‘Still Over It’ cuenta con colaboraciones con Cardi B, SZA, Pharrell Williams y Ciara.

‘Voyage’ no alcanzará esa cifra pues rondará las 75.000 unidades y los 80.000 puntos totales sumando el escaso streaming estadounidense. En todo caso, el top 2 que tiene ya asegurado el 9º disco de ABBA supondrá, por mucho, su mejor marca en Estados Unidos.

En Estados Unidos, ABBA fue más un grupo de singles y hasta ahora nunca habían conseguido ningún top 10 en el Billboard 200, tan sólo cuatro tops 20 en la lista de álbumes. Su mejor marca fue ‘ABBA – The Album’, que quedó en el número 14. A la espera de cómo se sostiene esta Navidad, ‘Voyage’ ya puede considerarse un enorme éxito.

Mitski acepta su papel de «perdedora» y «villana» en su ochentero nuevo single

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Mitski ha anunciado que su nuevo disco ‘Laurel Hell’ sale el 4 de febrero. El segundo single, ‘The Only Heartbreaker’, ya está disponible. El sucesor de ‘Be the Cowboy‘, uno de los mejores discos de 2018, vendrá acompañado de una gira que pasará por América del Norte, Reino Unido y Europa pero que, de momento, no cuenta con parada en España.

Cuenta Mitski que el título de ‘Laurel Hell’ procede del término con el que se conoce a unos densos matorrales que crecen en los Apalaches del sur en los Estados Unidos, y en los que mucha gente ha perdido la vida al quedarse atrapados en ellos. «El caso es que las flores de laurel son hermosas», explica. «Al crecer estallan en una explosión de belleza, y me gusta la idea de quedarte atrapado dentro de estas explosiones de flores y quizás morir en una de ellas».

Sobre el contenido del disco, Mitski ha dicho que «necesitaba escribir canciones de amor sobre relaciones reales, no sobre luchas de poder que ganar o perder» y señala que «yo cometo errores todo el tiempo, no me las quiero dar de modelo a seguir, pero tampoco soy una mala persona, y necesitaba crear un espacio de grises para mí misma, en el que poder estar».

Precisamente sobre meter la pata en una relación habla el segundo single de ‘Laurel Hell’. El tema empieza con la frase «si cometieras tan solo un error, sería todo un alivio, pero creo que en esta relación yo seré la única que te rompa el corazón» y esa es su premisa, que Mitski presenta en un envoltorio de pop-rock tipo años 80 prácticamente inédito en su discografía. La Canción Del Día es una las composiciones más abiertamente comerciales de Mitski y se crece especialmente en su espectacular puente instrumental.

Laurel Hell:

01 Valentine, Texas
02 Working for the Knife
03 Stay So
04 Everyone
05 Heat Lightning
06 The Only Heartbreaker
07 Love Me More
08 There’s Nothing Left for You
09 Should’ve Been Me
10 I Guess
11 That’s Our Lamp

Lo mejor del mes:

Beach House detallan su nuevo disco doble, y estrenan 4 temas

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Beach House han anunciado nuevo disco. ‘Once Twice Melody’, su octavo álbum, sale el 18 de febrero de 2022 y es doble. El dúo de Baltimore lo irá presentando a lo largo de los próximos 4 meses a través de series de 4 canciones, y la primera serie ya puede escucharse. Los siguientes capítulos de ‘Once Twice Melody’ verán la luz el 8 de diciembre, el 9 de enero y finalmente el 18 de febrero, como se ha indicado. Puedes comentar la noticia en el hilo de Beach House activo en nuestros foros.

El disco ha sido producido por Beach House por primera vez en su carrera, y ha sido grabado con una orquesta y los arreglos de David Campbell. Un adelanto de la primera pista ya se puede escuchar en las redes del grupo y nos atrevemos a decir que suena un poquito Jefferson Airplane pero en clave dream-pop, aunque habrá que escuchar la canción entera para emitir el veredicto definitivo. Os recordamos que Beach House presentarán su nuevo material el año que viene en Barcelona, en el festival Primavera Sound.

Después de publicar uno de los mejores discos de 2018, uno de los mejores discos de 2015 (o, mejor dicho, dos de los mejores discos de aquel año), el mejor disco de 2012 y uno de los discos clave del siglo XXI; y uno de los mejores discos de 2010, no hay duda de que el lanzamiento de un nuevo álbum de Beach House supone una de las noticias musicales más importantes del año.

CHAPTER 1
01 Once Twice Melody
02 Superstar
03 Pink Funeral
04 Through Me

CHAPTER 2
05 Runaway
06 ESP
07 New Romance
08 Over and Over

CHAPTER 3
09 Sunset
10 Only You Know
11 Another Go Around
12 Masquerade
13 Illusion of Forever

CHAPTER 4
14 Finale
15 The Bells
16 Hurts to Love
17 Many Nights
18 Modern Love Stories

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Alfred García / 1997

En medio de la gira de presentación de ‘1016‘, Alfred García decidió retirarse de los escenarios para cuidar su salud mental. Había perdido la ilusión por el que supuestamente era el oficio de sus sueños. Como ha cantado Billie Eilish este año: «things I once enjoyed / just keep me employed now». Los tiempos en que era un músico desconocido de jazz (o del underground) que disfrutaba tocar música sin las presiones de la industria quedaban atrás una vez salió de Operación Triunfo convertido en un icono de masas. Así que Alfred decidió tomarse un descanso, volver a casa y tratar de reencontrarse consigo mismo.

La historia suena manida, tanto como titular un disco con tu año de nacimiento, pero Alfred ha sabido sacar provecho de su «hiatus» y volver con un segundo trabajo que le coloca definitivamente en la dirección de la evolución y la madurez.

Alfred ha explicado que, si ‘1016‘ «cuenta la vida del artista» (su debut se titulaba con el número de casting con el que se presentó a la Academia), ‘1997’ «cuenta la vida de la persona, la que la gente no ve», pero ‘1997’ no es un disco conceptual aunque a veces parezca que tira por esa dirección. El góspel inicial ‘Jesus Gave Me Water’ regresa efectivamente al día de su nacimiento a través de la voz de Mercedes Cortés Alfaro, sampleada directamente de un disco de su hijo, Roberto Fonseca, el primero de jazz que cayó en manos de Alfred; y en el final de ‘For So Long’ suena una grabación de la voz de Alfred en la época en que era apenas un infante y cantaba el «cumpleaños feliz» a su madre.

Tampoco necesita ‘1997’ enmarcarse dentro de ninguna coartada sesuda. A Alfred, esta vez, le han salido bastantes buenas canciones que hablan por sí solas. Algunas huyen de la estructura típica de canción pop para fluir como el líquido que aparece en la portada del disco, como el épico pop-rock de ‘Just a Light’, que parece solo un viaje hacia el glorioso estribillo; o ‘Someday’, que se debate entre los vocoders y las texturas folk de Bon Iver y el optimismo melódico de Stevie Wonder. Es un buen ejemplo del sonido «híbrido» que presenta el largo, en palabras de su autor, pero desde luego no el único.

En ‘1997’ el concepto de híbrido también queda plasmado en las muchas colaboraciones que contiene el disco, 6 en una colección de 12 pistas. Parece darse una pequeña contradicción en el hecho de que un disco supuestamente tan personal abra su puerta a tantos invitados y, en ocasiones, Alfred se «hibrida» tanto con ellos que su firma se termina diluyendo: ‘Mi canción’ con La La Love You es un estupendo tema… de La La Love You y la canción titular, que cierra el largo, cede todo el protagonismo a los estiramientos vocales de Niño de Elche, mientras Alfred queda en un extraño segundo plano. La colaboración de Albert Pla funciona en la bonita balada tradicional ‘Si algún día’, de ecos mexicanos, pero suena forzada en ‘Contigo’ porque Denis Rosenthal acapara un lugar que Alfred podría haber usado de otra manera. ¿Quizá otorgando más espacio a los instrumentos?

A solas, Alfred no va tan cojo en el disco como pueden sugerir tantas colaboraciones o a veces también sus letras. La Americana ‘Otra Liza’ con KURT se plantea que «la vida es más precisa entre tus piernas y mis pies» en una canción que rima «pies» con «calle Tallers» y luego «calle Tallers» otra vez con «pies». Pero los textos de ‘1997’ no dan tantas ganas de salir corriendo esta vez. Las canciones espirituales tienen sentido aunque no lo parezca en un principio, pues Alfred ha recibido una educación católica, y las personales enternecen como ‘Si algún día’ cuando Alfred y Albert le piden a su «niña» que les de «su amor más sentido». La filosofía de bar de ‘Los espabilados’ sí incita a coger un avión a Neptuno, pero la lírica de Alfred ya no carga tanto con la losa de la pretenciosidad como antes.

Un ejemplo es ‘Praia dos Moinhos’, otra de esas canciones de pop-rock geográficas que tanto le gusta hacer al pop español (le falta una mención a la noche de Madrid) pero que permanece en la realidad, no en los laberintos semánticos de Izal; y la metáfora de ‘Toro de cristal‘ como persona que finge una imagen de dureza pero en realidad se rompe al primer contacto es francamente bonita aunque los ecos tropicales de la producción no sean tan atractivos. Y, al margen de las letras, las canciones de ‘1997’ ganan enteros gracias a la autoridad con las que las canta Alfred. Él es una de las voces más distintivas del pop español actual pero, en ‘1997’, con tanta gente de por medio, irónicamente no se nota tanto, aunque a veces no sea para mal.

Fallece Dean Stockwell, actor de ‘A través del tiempo’, ‘Paris, Texas’ o ‘Terciopelo azul’

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Dean Stockwell es uno de esos personajes que puedes conocer tengas 15, 35 u 85 años. Su carrera abarca múltiples décadas. 70 años para más señas. Ha aparecido en incontables películas, series y obras de teatro como protagonista o actor secundario desde que era un niño hasta que se retiró en 2015, a la edad de 79 años. Ha vivido varios «comebacks». Hoy trasciende la noticia de que el actor estadounidense ha fallecido por causas naturales a la edad de 85 años.

Nacido en una familia de artistas, pues su padre era el actor y barítono Harry Stockwell, quien dobló al Príncipe azul en la película de Disney ‘Blancanieves y los siete enanitos’), Dean se inició en el mundo de la actuación a una edad muy temprana con el apoyo de la Metro-Goldwyn-Mayer. A los 7 años ya actuaba en Broadway y a los 11 ganó un Globo de Oro por su papel en la película de 1947 ‘La barrera invisible’, a su vez premiada con el Oscar a Mejor película.

En los 50, Stockwell apareció en la pequeña (‘Colombo’) o gran pantalla (‘Impulso criminal’) y en los 60 se entregó a la vida hippie en toda su dimensión, antes de regresar al cine en 1968 con ‘Pasaporte a la locura’. A partir de los 70 y 80 empezaría a aparecer en algunas de las cintas más interesantes de su carrera, como ‘La última película’ de Dennis Hopper, ‘Paris, Texas’ de Wim Wenders o ‘Dune’ de David Lynch, con quien volvería a trabajar más adelante en ‘Terciopelo azul’, donde protagonizó una de sus escenas más memorables versionando ‘In Dreams’ de Roy Orbison.

Otro de los papeles más recordados de Dean Stockwell le llegaría al actor en la serie de ciencia ficción ‘A través del tiempo’, que se extendió hasta las cinco temporadas, de 1989 a 1992. Precisamente la década de los años 80 se puede considerar la más gloriosa de su carrera: también en esa época su papel en ‘Married to the Mob’ le valió una nominación a los Oscar, y su trabajo en ‘Tucker’ también fue muy bien valorada. En 2015, tras sufrir un infarto, se retiró dee la actuación.

Agnes es la reina de la disco en su primer álbum en 9 años

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Conoces a Agnes. La cantante sueca triunfó allá por 2009 con su éxito dance-pop ‘Release Me‘, también lo hizo con el tema ‘On and On’, y además venía de ganar Idol, el Operación Triunfo sueco, en 2005. Agnes es otra de esas grandes voces del pop que han conocido éxitos y fracasos por igual, sin que la industria de la música haya sabido muy bien qué hacer con su talento. De hecho, su paso por una discográfica independiente, tras abanadonar la multinacional a través de la cual editó sus dos primeros trabajos discográficos, le dio sus mayores éxitos. Pero su último disco, ‘Veritas’, databa de 2012.

Hasta ahora. Estos días, Agnes ha lanzado su primer disco en 9 años, y ha renovado su imagen. ‘Magic Still Exists’ la postula como diva disco semi underground (aunque ella está asociada a Universal), lo cual es evidente desde que se observa la estética de su portada de peinado geométrico y hombreras, parecida a la de Grace Jones.

En lo musical, los vocoders de ‘XXX’ recuerdan a la etapa ‘Body Talk‘ de Robyn, la producción de ‘Selfmade’ le tira una caña al ‘Overpowered‘ de Róisín Murphy y el ritmo electro de ’24 Hours’ es puro Giorgio Moroder. Los temas de disco clásico, como ‘Here Comes the Night’ o ‘Love and Appreciation’, parecen hechos para una reencarnación del Studio 54 y traen a la mente, lo has adivinado, a la última Jessie Ware.

El mayor éxito de ‘Magic Still Exists’ hasta la fecha es ‘Fingers Crossed’, un tema 100% ABBA -época ‘Voulez-Vous‘- que nos vamos a seleccionar como Canción Del Día porque ya hemos hablado suficientemente de ABBA esta última semana. Nos decantamos por la que es probablemente la mejor canción del álbum en general.

‘Here Comes the Night’ es una de esas producciones de disco clásico épicas y tremebundas que parecen entregar su vida entera a la bola de luces y al altar de Gloria Gaynor. La letra nos reta a atrevernos amar: «¿hay alguien allí afuera, debajo de las brillantes estrellas? Si quieres enamorarte para siempre, encuentra el amor tras la oscuridad». El mensaje queda más que claro.


‘La anomalía’, el superventas más anómalo de la temporada

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Ganar el premio Goncourt no te hace millonario –a los vencedores les dan un cheque de 10 euricos (en el Planeta te dan un millón)-, pero te asegura ventas millonarias, sobre todo en Francia. Aparte de la simbólica dotación económica, el Goncourt tiene otras dos peculiaridades: no lo organiza ninguna editorial, ni se concede a obras inéditas, solo a las publicadas ese año. Una tercera característica –esto ya lo añado yo- es que las obras premiadas suelen estar muy, muy bien: ‘El orden del día’, ‘Nos vemos allá arriba’, ‘El mapa y el territorio’, ‘Canción dulce’…

En año pasado lo ganó Hervé Le Tellier, un autor minoritario, muy desconocido en España (solo tiene una novela publicada, ‘No hablemos más de amor’), que se ha convertido en uno de los fenómenos literarios de la temporada. ‘La anomalía’ (Seix Barral) ha arrasado en Francia (más de un millón de ejemplares) y se ha traducido a medio mundo. Y, cómo no, los derechos ya se han vendido para hacer una serie de televisión.

Mejor no contar nada del argumento. Aunque la editorial lo resume en la contracubierta –la premisa es demasiado atractiva como para no hacerlo-, es mucho mejor no saber cuál es esa “anomalía” que da título al libro. Para que el lector se haga una idea sobre la novela, es suficiente con tirar al vuelo algunas referencias o conexiones que se pueden rastrear en ella: el tema del doble, las teorías sobre la realidad virtual de Nick Bostrom (muy de actualidad con el anunciado proyecto Meta de Zuckerberg), series como ‘Perdidos’ o ‘Black Mirror’, la filosofía de Platón…

En ‘La anomalía’ hay mucha mezcla de géneros, personajes y estrategias (meta)narrativas. La novela es muy juguetona e ingeniosa, como corresponde a un miembro del grupo de vanguardia Oulipo como Le Tellier (quien además es matemático). La estructura narrativa, muy coral, recuerda un poco a la comentada ‘Perdidos’. Cada pasajero del avión que aparece en la historia tiene su propio relato, y cada relato –aquí difiere con la serie de J. J. Abrams- su propio género literario: thrillerher, ciencia ficción, drama familiar, novela romántica, sátira política (aparecen Trump y Macron), metaliteratura…

La mezcla desconcierta al principio, pero funciona de maravilla. El autor consigue algo muy difícil: fabular sobre un hecho inverosímil, “imposible”, narrándolo con enorme verosimilitud; hablar sobre temas complejos, exponiéndolos de manera sencilla (el libro se lee con la claridad de un bestseller); lanzar preguntas de gran peso filosófico –sobre la identidad, la intimidad, la transhumanidad– como quien lanza un avión de papel. El libro está lleno de cuestiones existenciales y metafísicas, pero hay una que va dirigida directamente al lector: ¿qué harías tú en esa situación? ¿Cómo te comportarías si te ocurriera esa “anomalía”?

Rosalía adelanta el vídeo de ‘LA FAMA’, nuevo single con The Weeknd

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Rosalía ha anunciado que su nuevo single, ‘LA FAMA’, sale este jueves 11 de noviembre con la colaboración de The Weeknd. Se trata de la bachata que Rosalía avanzó hace unos meses en TikTok. El canadiense devuelve el favor a la catalana tras aparecer ella en un remix de ‘Blinding Lights’ que nadie pidió pero que no estaba tan mal, y que pronto cumplirá un año.

Un avance del videoclip de ‘LA FAMA’ ya puede verse en las redes de Rosalía. Presenta una estética glamurosa tipo años 30 pero en realidad se centra en una de las partes vocales de Abel Tesfaye, que canta en español «es mala amante la fama y no va a quererte de verdad». El artista, que ya había cantado en español con Maluma, presenta así su enésima colaboración de 2021, pues la semana pasada publicó un single con Post Malone.

Estos días, Rosalía ha anunciado la llegada de su nuevo disco, ‘MOTOMAMI’. El sucesor de ‘El mal querer‘ se llama como la empresa de business management que la artista y su madre han fundado recientemente, sale en 2022 y el tráiler del álbum que se ha dado a conocer avanza un sonido oscuro y urbano… aunque la bachata que Rosalía avanza ahora presenta un sonido aparentemente más amable y accesible.

Este fin de semana, Rosalía ha compartido una playlist de Spotify que reúne sus bachatas favoritas. Llamada ‘Bachateameeeee’, la lista de reproducción incluye un total de 45 canciones de artistas como Aventura, Romeo Santos o Joan Soriano y dura más de 3 horas. Y como las playlists de influencias que publicaba C. Tangana antes de lanzar un nuevo adelanto de ‘El Madrileño’, la de Rosalía también ha servido de antesala para este inminente lanzamiento.

Con ‘LA FAMA’, Rosalía parece ir a por todas con el primer single de ‘MOTOMAMI’. No repetiría la estrategia de lanzar un single rupturista como ‘Malamente‘ sino que dejaría atados dos cabos para asegurarse el éxito internacional de la canción en América Latina (sumándose a la moda de la bachata) y en Estados Unidos (colaborando con Abel Tesfaye).

Adele avanza ‘Hold On’, su balada góspel con coro cantado por sus amigos

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La semana que viene, Adele publica su esperado nuevo disco. ’30’ sale el 19 de noviembre y los pre-pedidos de vinilos son estratosféricos, aunque Billboard ha desmentido que la británica sea la única responsable de la crisis de suministros que sufre el sector, por supuestamente «acaparar» el mercado (no lo está haciendo).

’30’ es una apuesta segura en muchos sentidos: será uno de los discos más vendidos de 2021 a pesar de salir en los últimos meses del año y su single principal, ‘Easy on Me’, que sigue en el número 1 de canciones más escuchadas en el mundo, también será uno de los mayores éxitos del año. El 14 de noviembre, es decir, el próximo domingo, se estrena en NBC el concierto especial ‘One Night Only’ en el que Adele estrenará canciones de ’30’ y será entrevistada por Oprah Winfrey.

Antes, la británica avanza un segundo tema de ’30’ a través de un anuncio. ‘Hold On’ es la pista 10 del disco y un fragmento de la misma puede escucharse en un nuevo anuncio de Amazon que habla de salud mental durante la pandemia. ‘Hold On’ es una balada al piano al que después se incorporan un organillo góspel y unas baterías muy propias de Inflo, si bien se desconoce el productor de la canción, que incluye los coros de unos amigos de Adele.

‘Hold On’ es una de las canciones que la periodista de VOGUE pudo escuchar cuanto entrevistó a la artista hace unos meses. Entonces, Adele le contaba que sus amigos cantan en la canción -en lugar de un coro profesional- porque ellos le habían animado con esta expresión presumiblemente durante los momentos más duros de su divorcio. El adelanto descubre una bonita balada de blue-eyed-soul que incluso recuerda, por sonido, al sonido de ‘Rockferry‘ de su contemporánea Duffy.

The Parrots / Dos

Paquita Salas ha hecho que el público tenga muy presente en sus vidas a Álex de Lucas, tanto que The Parrots, la banda a través de la cual el artista madrileño se dio a conocer, no saca disco desde hace cinco años. ‘Dos’ es su nuevo trabajo, titulado así no solo porque es el segundo sino también porque el antes trío es ahora un dúo completado por Diego García. El «tercer» Parrot esta vez es Tom Furse de los Horrors, que se ha encargado de la producción de este entretenido disco.

La nota de prensa sobre ‘Dos’ avanzaba ya una línea estilística influida no solo por el garage-rock de siempre sino por otras bandas que The Parrots han escuchado a lo largo de su vida, como «LCD Soundsystem, Gang of Four y mucho mutant disco» y también «Beastie Boys, ESG, Devo o Los Zombies». Todas estas influencias están bien canalizadas en ‘Dos’: especialmente llamativo es el torturado single con C. Tangana, ‘Maldito‘, otra canción «no sé qué es la responsabilidad emocional» de Pucho, que tira por el post-punk; y también el «groove» de ‘It’s Too Late to Go to Bed’, en el que ya se palpa la influencia de James Murphy y del dance-rock de décadas atrás.

El mayor logro de ‘Dos’ es que consigue esquivar la bala de que la producción, centrada en la creación de atmósferas pues The Parrots querían trabajar con Tom Furse por su talento para construir ambientaciones, sea lo mejor que el disco tiene que ofrecer -y es una de sus grandes bazas- con una serie de canciones que añaden potencia al repertorio del dúo. El single ‘You Work All Day and Then You Die’ se debate entre el consumo de drogas y la crítica del capitalismo y es épico, un poco Primal Scream; ‘How Not to Be Seen’ es un absoluto delirio de garage-rock y ‘Romance’ una oda a la amistad que cantar a pleno pulmón en los conciertos.

Grabado a medio caminon entre Londres antes de la pandemia, y Madrid después de la misma, lo cual da sentido al hecho de que el disco incluya pistas cantadas tanto en inglés como en español, ‘Dos’ también deja sorpresas por el camino. Tom Furse se luce que da gusto en el muro de sonido space-rock de ‘Nadie dijo que fuera fácil’, que incluye un monólogo de Álex de Lucas sobre no malgastar la vida; la balada ‘Lo dejaría todo’ es tan tierna que incorpora un arreglo de saxo hacia el final y la energía de ‘Just Hold On’ remite a los momentos más poperos de ‘Halcyon Digest’ de Deerhunter.

El punto flaco de The Parrots, eso sí, son las letras de rockero trasnochado que presentan algunas de sus nuevas canciones, como «me preguntan en la puerta que he perdido, ha sido mi amor y tu cariño» o «quiero ponerme ciego y olvidarme de quien soy, aún me queda mucho pa’ arreglarme el corazón». Escucharlas es escuchar a un grupo que idealiza la amistad, esquiva los problemas e hinca el todo todo lo que puede por supuesto como vía de escape. La barrera del idioma -el inglés- favorece sus composiciones, que cuanto más adornos tengan para distraer de los textos, mejor. Y en ‘Dos’ lo hay de sobra.

Travis Scott devolverá el importe de las entradas tras la tragedia en Astroworld

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El pasado viernes ocho personas perdían la vida y otras cientos resultaban heridas durante la celebración del festival Astroworld, organizado por Travis Scott.

Fuentes declaran para la revista Variety que el artista se encuentra “demasiado angustiado para actuar” por lo que ha cancelado su actuación en el festival Day N Vegas en Las Vegas programada para el próximo 13 de noviembre. Además, aseguran que el importe de todas las entradas del festival Astroworld será devuelto por completo.

En estos días, el cantante a través de sus redes sociales expresaba estar “absolutamente devastado por lo que sucedió esa noche”. Trasladaba sus oraciones a las familias y a todos los afectados por lo que ha pasado en el festival Astroworld. Además, se ponía a disposición del departamento de policía de Houston en su investigación sobre los hechos.

Tras la tragedia al menos dos personas han demandado por lesiones a la promotora del festival, Live Nation, al propio artista e incluso a Drake, el invitado sorpresa que subió al escenario durante la actuación de Travis Scott. Las demandas están relacionadas con el aplastamiento durante el concierto, así lo publica NME.

El diario My San Antonio informa que un demandante afirma que tanto Scott y Drake “incitaron a la multitud”. Su abogado explica que “hay indicios de que los artistas y los organizadores no solo estaban al tanto de la agitada multitud, sino también de las lesiones y las posibles muertes que podrían ocurrir. Aún así, decidieron poner sus beneficios económicos por encima de los asistentes y permitieron que continuara el espectáculo mortal.”

The Kid LAROI y Justin Bieber arrasan con ‘Stay’, ¿pero lo merece?

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Parte de la redacción evalúa ‘Stay’, el macrohit de The Kid LAROI y Justin Bieber.

«The Kid LAROI está aprovechando al máximo su debut: si en ‘FUCK LOVE’ ya se apuntó un par de hits con ‘Without You’ y el featuring con Juice WRLD ‘GO’ y luego revivió ‘Without You’ junto a Miley Cyrus en ‘FUCK LOVE: SAVAGE’ con varias canciones extra, este año ha editado ‘FUCK LOVE 3+: OVER YOU’, recordando a lo de ‘Vota Juan’, ‘Vamos Juan’, ‘Venga Juan’: igual en 2022 saca ‘FUCK LOVE: AHORA SÍ QUE SÍ’. Chistes malos sobre las exprimidoras de la industria aparte, hay que decir que al menos se acerca más a un disco nuevo sin serlo que a un sacacuartos, por la cantidad de canciones incluidas, entre ellas este megahit que supera ya el billón de escuchas. En ‘Stay’ encontramos de nuevo el típico patrón de ritmos trap, guitarritas, etc, pero con un componente electrónico mucho más marcado, y una presencia de sintes ochenteros parecidos a lo que viene haciendo últimamente The Weeknd, que eleva el tema por encima de la media de su cantante. Aunque a Justin Bieber este rollo le sienta como un guante, ‘Stay’ funcionaría igual de bien sin Bieber -sin TikTok ya no sé-, porque LAROI está siendo un buen aprendiz (ya existe un aprendiz de Justin Bieber, qué viejo me siento así de repente) y porque la animada melodía, sin ser nada revolucionario, construye un tema fresquito que ha sido un éxito en verano pero que es eficaz también para las noches de otoño e invierno gracias a su toque nostálgico». Pablo Tocino

«Antes de la llegada de ‘Easy on Me’ de Adele, ‘Stay’ había sido el éxito número 1 en todo el mundo durante bastantes meses, y actualmente se mantiene en el 2 con más de 1 billón de escuchas ya registradas en Spotify. La segunda colaboración The Kid LAROI y Justin Bieber (la primera fue ‘Unstable’ y está incluida en ‘Justice’) ha dado un éxito colateral también a sus productores, Omer Fedi y Blake Slatkin, y los más conocidos Cashmere Cat y Charlie Puth. Un total de 9 personas aparecen acreditadas en ‘Stay’ y se nota porque la personalidad de The Kid LAROI queda completamente diluida en lo que no deja de ser otro single post-‘Blinding Lights’ tan solvente como anónimo. No voy a ser yo quien diga que una canción con semejante salvajada de escuchas es «mala», pero desde luego no me parece brillante y su enorme éxito -al menos el que reflejan los números- entra en el terreno del misterio». Jordi Bardají

Parcels evocan el espíritu de ‘Get Lucky’ en el gran single de su disco

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‘Day/Night’ de Parcels será el Disco de la Semana. El grupo australiano afincado en Berlín se ha crecido con un segundo disco ambicioso, de hecho doble, en el que el pop vintage de su formidable debut integra ahora influencias de las bandas sonoras, el rock progresivo y otros sonidos como el country, el folk o por supuesto la música disco. La influencia de los Daft Punk de ‘Random Access Memories‘, es decir, los más analógicos y «orgánicos», sigue siendo visible, pero el grupo ahora mima y se regocija más que nunca en los instrumentales y los desarrollos y, sin buscar necesariamente el hit inmediato, lo obtiene varias veces.

Es el caso de ‘Somethinggreater’, el tercer adelanto oficial de ‘Day/Night’ tras el lanzamiento de ‘Free’ y ‘Comingback’. Como el resto de temas estrenados previamente al lanzamiento de ‘Day/Night’, ‘Somethinggreater’ pertenece a la primera mitad del disco, la diurna, y se enmarca en la faceta más pop y bailable de Parcels. Es la Canción Del Día.

‘Somethinggreater’ ha recibido, desde su estreno, por ejemplo en nuestro site o en Youtube, comparaciones con ‘Get Lucky’ de Daft Punk por su melodía y su sonido, que mezcla un ritmo de disco clásico con guitarras eléctricas. En su caso, el parecido da lugar a una gran canción por cuenta propia, en la que Parcels se recrean no solo en las armonías del estribillo, sino también en la repetición de la frase «holding on for something greater» y con la que elevan la canción hasta un clímax apoteósico. La versión original, no la del single, es incluso más emocionante.

En una entrevista con Parcels que publicaremos esta semana, el tecladista Louie Swain y el guitarrista Jules Crommelin nos cuentan que ‘Somethinggreater’ era la canción favorita de sus amigos cuando les mostraban a estos el nuevo material en el que habían estado trabajando. Otras canciones no les sonaban a los Parcels de siempre, pero esta sí. «Recuerdo enseñarle canciones del disco a algunos amigos y recibir muchos comentarios sobre lo mucho que hemos cambiado y lo poco que sonamos ya a Parcels», cuenta Louie. «Pero cuando llegaban a ‘Somethinggreater’ respiraban aliviados».

El título de ‘Somethinggreater’ esconde la historia de una relación que no ha podido materializarse en un momento del presente porque sus dos implicados no están preparados para estar juntos. «Ahora te dejo por el bien de los dos, y todo lo que puedo hacer es saber que nos podemos encontrar otra vez en algún momento», canta el vocalista Noah Hill, que «esperará» el tiempo que haga falta para que llegue a su vida «algo más grande, algo distinto».

‘Cardo’, la nueva producción de Los Javis, llega a ATRESplayer

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Cardo‘, la nueva serie de ficción producida por Javier Ambrossi y Javier Calvo aka Los Javis, creada por Ana Rujas y Claudia Costafreda, se ha estrenado este domingo en la plataforma de streaming ATRESPlayer. ‘Cardo’ es la primera producción firmada por Los Javis tras el enorme éxito internacional obtenido por ‘Veneno’ el año pasado, por lo que su estreno es muy esperado.

El argumento oficial de ‘Cardo’ explica que «la serie narra la historia de María, una chica madrileña al borde de 30 años sin mucho que ofrecer al mundo, enganchada a las drogas y a desenvolverse a través de relaciones tóxicas y sexuales, odia su cuerpo a la vez que lo utiliza para conseguir retos efímeros. Ante tal sensación de vacío, intenta tomar el rumbo de su vida y se propone ayudar a Puri, una mujer de 65 años cuya floristería de barrio está a punto de ser cerrada. Tras un humillante encuentro con su última pareja, un accidente cambiará su vida y la obligará a afrontar algunas verdades incómodas».

‘Cardo’ está protagonizada por la misma Ana Rujas, constará de seis capítulos que se irán estrenando cada domingo y su tráiler oficial llegó a Youtube hace unas semanas. En él pueden verse algunas de las escenas protagonizadas por Jedet o Diego Ibáñez de Carolina Durante, que interpreta a uno de los personajes principales de la ficción, Gabriel. El elenco incluye también a Yolanda Ramos (Fausta), Alberto San Juan (Santiago), Clara Sans (Bego), Ana Telenti (Eva) o Juani Ruiz (Puri), entre otros.

La banda sonora de ‘Cardo’, de tintes folclóricos, ha sido compuesta por Álex de Lucas, integrante de The Parrots y actor en ‘Paquita Salas’, pero la canción que suena en el tramo medio del tráiler no es de él. Se trata de ‘Ataque de pánico en la sierra’ de VVV [Trippin’ You], trío de post-punk y coldwave de Madrid que este año ha publicado el álbum ‘Turboviolencia’ y que, en 2020, editó su primera referencia larga, ‘Escama’, la que contiene la mencionada grabación.

Muere a los 53 años Andy Barker de 808 State

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Andy Barker, mitad del dúo de acid house 808 State, ha fallecido a los 53 años después de un «breve periodo de enfermedad». Su familia pide que se le recuerde «por la alegría que transmitió al mundo a través de su personalidad y de su música». Graham Massey, ya el único integrante de 808 State, ha comunicado la noticia a través de sus redes sociales.

Cuando en los 80 se empezó a originar el acid house, 808 State fue una de sus bandas pioneras. Sin embargo, Barker no fue uno de sus integrantes originales. La primera formación de 808 State estaba compuesta por Graham Massey, Martin Price y Gerald Simpson, y Barker se incorporó a la banda después de que Gerald la abandonara para perseguir sus propios proyectos en solitario. Entonces, Barker formaba parte de los Spinmasters junto a Darren Partington, que también se unió a 808 State, convirtiendo al trío en un cuarteto.

Tras el lanzamiento de su álbum debut ‘Newbuild’ en 1988, el que produjo el hit ‘Pacific State’, y la incorporación de los Spinmasters a la formación de 808 State, el grupo publicó el EP ‘Quadrastate’ y el álbum ‘Ninety’. Después llegó ‘Ex:el’, que coqueteaba con la new wave e incluía colaboraciones vocales de Björk en un par de pistas, así como de Bernard Sumner.

A lo largo de los 90 y principios de los 2000, 808 State continuaron publicando álbumes como ‘Gorgeous’ o remezclando a gente como David Bowie. Especialmente querida fue en las noches de The Haçienda su remix de ‘Blue Monday’ de New Order, sobre la que el grupo llegó a declarar que «no nos comimos demasiado la cabeza con ella, pero quizá esa era su gracia».

Al contrario que Martin Price y después también Darren Partington, que en 2015 entró en prisión por vender heroína y crack, Andy Barker jamás abandonó 808 State y, en 2019, el dúo formado por él y Massey lanzaron dos EPs y el álbum ‘Transmission Suite’.

El éxito de LaTour que se abrió paso ante la llegada de SoundScan y la crisis del SIDA

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En las últimas semanas se ha estado celebrando el 30 aniversario de muchos discos icónicos de 1991, pistoletazo de salida para el primer gran viraje estilístico de la entonces nueva década: el ascenso de “lo alternativo”. Ocurrió hace 30 años, con la edición de ‘Nevermind’ de Nirvana, ‘Blood Sugar Sex Magik’ de Red Hot Chilli Peppers, ‘10’ de Pearl Jam o el álbum negro de Metallica.

En su nuevo y muy recomendable blog sobre música, Damon Krukowski (Galaxie 500, Damon and Naomi) mencionaba hace días un dato fascinante que explica la explosión de lo underground más allá de un supuesto cambio de los gustos: los gustos no cambiaron de repente, simplemente en los EE.UU. se empezaron a contabilizar las ventas desde primavera del ’91 mediante un nuevo sistema llamado SoundScan. Con este nuevo método, el código de barras que para entonces ya incorporaban todos los discos se escaneaba en caja para el cobro pero también pasaba a una base de datos. Parece mentira, pero previamente a ese sistema objetivo las ventas se calculaban en realidad mediante unas estimaciones bastante difusas basadas en pedidos iniciales a las distribuidoras y otros mecanismos de interesada «creatividad contable»… que por supuesto beneficiaba a lo más mainstream de los catálogos de las multinacionales. SoundScan sacó a la luz la realidad: se vendían muchos más discos de rock alternativo, metal o country de lo que a la industria le interesaba que se supiera. Lo que cambió fue que la realidad se empezó a plasmar en las listas.

Aparte de los grupos de guitarras (hace gracia pensar que quizá los Pixies podrían haber gozado de mucha más popularidad de haberse implantado este sistema años antes) el viraje benefició a más géneros: Garth Brooks inició su ascenso imparable en ese preciso instante, y el rap más político de gente como NWA de repente aparecía en 1991 en los Top 10 (hasta entonces ocupado por artistas del género más digestivos, como Vanilla Ice o MC Hammer). También bastantes grupos alternativos británicos tuvieron la oportunidad de asomar la cabeza en los charts americanos (y por extensión mundiales): bandas como EMF consiguieron éxito de listas en USA con pelotazos como ‘I Believe’ y tras la llegada de SoundScan aparecían en las listas de álbumes más vendidos de junio mucho más arriba de lo esperado. Durante el verano, Siouxie and the Banshees lograban un inédito Top 10 en la lista Hot Dance/Disco con su sublime ‘Kiss Them For Me’, que el NME había descrito como un tema difícil de vender porque muchos oyentes podrían “horrorizarse por su ritmo baggy y su descarada bailabilidad”. Sin embargo para octubre de 1991, surfeando la ola del SoundScan… llegó a entrar en el Top 25 del Billboard.

El fenómeno afectó positivamente incluso a otro nicho del underground, la música de baile. Antes del verano de 1991 uno de los temas más improbables pero brillantemente adictivos de house de aquel año llegaba al nº1 de las listas Dance en los EE.UU.: ‘People Are Still Having Sex’ de LaTour. Cada vez que la canción aparecía en la MTV aquel año (en Europa se emitió mucho el vídeo) me resultaba absolutamente fascinante, con esos irónicos versos iniciales: “¿Te has fijado en que la gente sigue practicando el sexo? / Todas las condenas no han tenido absolutamente ningún efecto / Padres y orientadores les desprecian constantemente / Pero la gente sigue practicando el sexo y nada parece detenerles”.

Toda la canción mantiene ese tono de sarcasmo, que en la impecable base de Chicago House encuentra la combinación perfecta: LaTour proyecta una mirada divertida ante el establishment que intenta coartar libertades y que utiliza la preocupación ante los peligros del SIDA para sus intereses ocultos. La frase “this AIDS thing isn’t working” fue sustituida por otra distinta por la presión de los censores, porque desvelaba esa gran verdad de los 80 y 90: el sueño acariciado en secreto (a veces no tanto) por las fuerzas retrógradas de los EE.UU. de que el SIDA en realidad conseguiría que los jóvenes dejasen de “fornicar”.

Sobre el ritmo hipnótico que gira alrededor de dos simples acordes LaTour sigue con su letanía declamada en tono neutro: “Es un hecho que la gente sigue practicando el sexo / Es completamente obvio, es lo que se espera / Nos rodean las pruebas / De que todo el mundo, en todas las poblaciones, lo ha practicado en algún u otro momento / En este preciso instante la gente sigue practicando el sexo / En un apartamento del centro o en una calle de los barrios pobres / La gente sigue practicando el sexo y nada parece detenerles”.

Tras el proyecto estaba LaTour (William Latour), músico que provenía de la escena punk de Chicago pero que en 1991 se pasó al house, y debutó con este tema, con producción de Terry Baldwyn. Sin embargo, tras este éxito no volvería ni a rozar las listas con sus sucesivos proyectos de baile y a final de la década se recicló en DJ radiofónico. A lo largo de 1991 y 1992 la idiosincrática patinadora Tonya Harding (encarnada por Margo Robbie en la película ‘I, Tonya‘ de 2017) utilizó la canción como parte de su número (incluyendo la final de de la Olimpiada de Invierno de 1992) para escándalo de algunos. La película recreaba ese momento, trayendo fugazmente a la actualidad de nuevo este “one hit wonder” tan irresistible de hace exactamente 30 años.

‘People Are Still Having Sex’ suena en la entrega nº 393 de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.

ABBA / The Visitors

ABBA nunca se separaron. Cuando grabaron ‘The Visitors’, ellos mismos seguramente no sabían estar enfrentándose al que sería su último disco para siempre en 40 años. No hay comunicado de separación, ni siquiera, como se dice ahora, de «hiatus». Las parejas integrantes están divorciadas ya en ambos casos, pero eso no había supuesto un impedimento al menos para Björn y Agnetha, que ya habían tratado su separación en ‘The Winner Takes It All’ del álbum anterior.

‘Super Trouper’ (1980) había huido de la música disco, influido de manera dramática por la «Disco Demolition Night» y el movimiento «disco sucks», por lo que se movía algo disperso en diferentes direcciones. En cambio, ‘The Visitors’ estaba mucho más centrado, siendo uno de sus álbumes más completos e interesantes, sumando nuevos entramados y temáticas.

‘The Visitors’ -la canción- es una producción de pop progresivo con cierta vinculación Kraftwerk y cósmica y a la vez una intención claustrofóbica. Teóricamente habla de la disidencia en la URSS, si bien su texto podría ser el de cualquier novela distópica -o no tanto- inspirada en un estado totalitario. «Oigo el timbre de la puerta y de repente me asalta el pánico (…) No me puedo mover, estoy petrificada entre todas las cosas que amo tanto: los libros, los cuadros, los muebles. ¡Ayudadme!», suplica el cinético texto, además de apelar a «encuentros secretos» en un mundo que «se desmorona» y a una vía de «escape que no existe».

Estos ABBA entre ‘1984’ y ‘El cuento de la Criada’ funcionan tan bien como los de ‘Chiquitita’ y ‘Fernando’, que recordemos que era una canción sobre dos guerrilleros mexicanos hablando de los viejos tiempos. ‘Soldier’ es una canción también excelente, contra el militarismo («los soldados cantan unas canciones que nosotros no»), y abierta a las interpretaciones («en las garras de este frío diciembre / tú y yo tenemos una razón para recordar»), cuya cumbre es un solo de guitarra épico. Y ‘I Let the Music Speak’, lejos de la luminosidad de un ‘Thank Your for the Music’, se adentra en arenas movedizas y coros tan histriónicos como los de Queen (en este caso para bien).

Es visible que ‘The Visitors’ es el disco más rico de ABBA al margen de su single principal, que fue ‘One of Us’. Es este un tema polémico por la pequeña crueldad que supone hacer cantar a Agnetha que se arrepiente de haber dejado una relación y que se siente sola «llorando tumbada en su cama, deseando estar en otro lugar en verdad», después de haberse divorciado de un miembro del grupo. Melódicamente no tiene mácula y es otra de las obras maestras de ABBA, animada por un ritmo funky que en el fondo sobrevive.

Sí hay mancha, en cambio, en el desarrollo de ‘The Visitors’. Son estupendas ‘Head Over Heels’, más centrada en la sororidad y en la liberación de la mujer de Occidente, con unos efectos chispeantes y cierto ritmo de «tango» hasta el punto de que ‘Tango’ fue su nombre provisional; y ‘When All Is Said and Done’, que parece haber inspirado toda la carrera de The Killers, una composición madura de aceptación como canción de adiós, de lo más avanzada a su tiempo. Más complicada es la posición de Bjorn en ‘Two for the Price of One’, un intento de trío sexual un tanto cuñado en el que se le nota demasiado su admiración por Fleetwood Mac, y que no pinta nada por aquí. El poliamor es bienvenido para quien así lo desee, pero desubica que venga justo antes de una baladita para Linda, su hija de 7 años.

Por suerte, las aguas vuelven a su cauce con una de las grabaciones más fascinantes de la carrera de ABBA, que sirve como cierre para la edición de vinilo original, siendo un epitafio perfecto para su discografía hasta la llegada de ‘Voyage’. La onírica ‘Like An Angel Passing Through My Room’, que lo mismo podría haber inspirado a la primera Björk que a toda la generación dream pop, es dominada en solitario por Anni-Frid Lyngstad, con un protagonismo excepcional en ‘The Visitors’, quizá debido a su registro más oscuro.

De Bono a Jarvis Cocker, de John Grant a Wilco, de Erasure a Sinéad O’Connor, de Carla Bruni a Portishead, de Camera Obscura a dani, serán incontables los artistas que reconocerán en ABBA como un grupo que cambió su vida, gracias a ‘The Visitors’ sabemos que por motivos mucho más diferentes de lo que parece.

Izal / Hogar

En un bando tenemos a Izal posando con una sonrisa de oreja a oreja sosteniendo un arsenal de discos de oro y de platino, por sus álbumes y singles de gran éxito, como si estuviéramos en 1995. En el otro, a bandas como Carolina Durante y Alavedra satirizándolos en sus canciones. Uno podría titular con uno de esos «Izal, o los amas o los odias» que glamourizan en cierta medida a los grandes. Decir que Izal generan una polarización que ni las dos Españas del Twitter y la SextaNoche. Pero lo peor es que tengo la ligera sensación de que Izal lo único que generan ya entre cierto tipo de público -el de esta web, por ejemplo- es indiferencia.

La historia de toda esta dicotomía para algunos será la del indiemainstream («suena demasiado comercial»), la del elitismo («demasiado llenaestadios») o una cuestión simplemente estética: Izal no han tocado el minimalismo en ciertos puntos de su carrera ni con un palo, y casi siempre han optado por una lírica de lo más obtusa, cuando no abiertamente rocambolesca. Sumando los precedentes de Mecano y La Oreja de Van Gogh, da la impresión de que para que te vaya bien en este país, tienes que escribir cosas muy, muy raras. Pero al grupo hay que reconocerle su ambición. Podrían estar haciendo ‘Copacabanas‘ hasta aburrir y llenarse los bolsillos encabezando gracias a ello una y otra vez todos los festivales del país excepto el Sónar y el Primavera Sound. En cambio, en ‘Hogar’ han explorado nuevos territorios, lo cual a veces les ha salido bien, y a veces les ha salido menos bien.

Entre lo bueno de veras, está el primer adelanto del álbum, el sorprendente ‘Meiuqer’. Un tema de trasfondo Bon Iver que se han llevado a su terreno y que resulta una bonita alegoría sobre la pandemia -el videoclip es un bar que vuelve a abrir- que en realidad fue escrita antes de la pandemia. La canción habla de «un año de duda y silencio / de resaca, látigo y sal» y es el retrato de una profunda soledad, excelentemente producida, aquí sí, con mucha sobriedad. «Solo yo duermo conmigo / Solo yo me veo despertar / Y solamente el suelo que piso / Me escucha al andar» es una visión bastante literal pero a su vez poética de lo que fue el día a día de demasiada gente durante el año 2020. No le darán ningún disco de oro, pero a mí es la primera canción de Izal que me llega de verdad.

En el otro lado de la moneda, otro de los temas más populares de este álbum, ‘Fotografías’, la típica producción estridente marca de la casa, con cuerdas, trompetas y una narración de frases escupidas sin orden ni concierto, donde de repente todo se para por un segundo para que Mikel nos cuente, entre viajes en coche a La Concha, años de sequía creativa, y amor fraternal, que cierto día lloró. «Pero solo un poco». Será un torbellino de presentación en directo, supongo, pero no se caracteriza por su elegancia y tampoco es que sea tan experimental después de todo: básicamente es una canción de León Benavente.

Precedido y culminado por dos grabaciones breves de sonido ambient -pajarillos y cosas así-, ‘Hogar’ va alternando ajeno a las críticas y a las presiones del mercado, aciertos y desaciertos. La producción a cargo del grupo y Brett Shaw, quien ha trabajado con Foals y Florence + the Machine, es ciertamente brillante en algunos puntos. Las canciones tienen sus virguerías, como el guiño brostep de ‘Inercia’ o el drop de la rockera ‘Dobles’. Los sonidos son cosquilleantes en muchos puntos, como en ‘El hombre del futuro’, tipo alt-J; o ‘Telepatía’, que parece un tema de Depeche Mode.

Las historias, por su parte, en ocasiones continúan siendo demasiado enroscadas como para sumergirse en ellas, cuando no presentan ideas pretenciosas. ‘Jóvenes perfect@s’ es una reflexión sobre las nuevas generaciones, la cultura de la cancelación y la necesidad de perdonar errores y defectos. Las intenciones son buenas, por supuesto; el resultado, en cambio, bordea el imperativo paternalista. «Derribemos el estándar de dudosa calidad / Permitamos ciertos fallos, rebajemos gravedad», propone, sin que el grupo haya aplicado esto último a algunos puntos de su disco. Siguiendo con este mismo tema, el copyright de la palabra «pluscuamperfecto» debería pertenecer a Las Ketchup. El juego de tiempos de ‘El hombre del futuro’ deja muchas ganas de escuchar ‘Retorciendo palabras’ de Fangoria.

‘Hogar’ es en realidad mejor cuando menos estridente y más confesional parece, como cuando ‘Inercia’ torna en declaración de amor en un estupendo estribillo («Fui poniéndome enfermo, cansándome de mí / Tan pálido y viejo, y al final / la solución
Fue sencillamente vernos») y terminando con un punteo un tanto R&B. O como cuando ‘He vuelto’, un tanto shoegaze, no dista tanto de algo que podrían haber musicado Klaus&Kinski. En muchas canciones, Mikel Izal se siente como una persona que «sangra, ríe, llora», como asegura ‘La mala educación’, muy beneficiada por su crescendo. En otras, como él mismo concluye en ‘Fotografías’, simplemente «salta a esta piscina sin saber si estaba llena».

Marina Herlop sí da «fuerzas» a la canción más accesible de b1n0

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b1n0, el dúo formado por Emili Bosch y Malcus Codolà, ha publicado este viernes su nuevo EP. Un disco de 5 canciones en el que han colaborado con El Petit de Cal Eril, Ferran Palau, Meritxell Neddermann, Tarta Relena y Marina Herlop. El grupo, que debutaba con un trabajo homónimo en 2019 a través de Foehn Records -por allí cantaba Núria Graham, entre otros- trabaja una electrónica intimista que invita al recogimiento.

‘AHH!’, hoy nuestra «Canción del Día», es una de las canciones más accesibles de b1n0, pues Marina Herlop logra hacer de ese “Forces, no tinc forces” un pesado y contagioso estribillo, mientras la música lucha por avanzar a trompicones, entre retazos de R&B y cortes experimentales. Si ella “no tiene fuerzas”, lo mismo parece querer expresar la producción, que podría haber sido realizada por los mejores Dirty Projectors.

Nos cuenta el propio grupo: “La verdad es que teníamos este tema de hace mucho tiempo. No le encontrábamos ni un nombre para la canción ni una voz. Pero nos encantaban las ideas que habíamos plasmado en las primeras demos. Queríamos un tema bonito con una estética lo/fi pop que en algunos momentos se rompiera por la mitad y apareciera otro mundo. Un mundo más electrónico, más distorsionado, más grande y más loco. Llegamos a pensar también en sacarlo sin ninguna collab, como hemos hecho con ‘acab’ por ejemplo, porqué el tema ya nos funcionaba. Pero pensamos de repente en Marina Herlop. Le enviamos la canción y al día siguiente nos envió un montón de ideas y nos enamoró. Creo que tenemos material para hacer un EP o incluso un LP juntos de todas las cosas guays que nos mandó Marina. El tema cambió después de sus melodías y letras. Hizo que tuviera aún más fuerza nuestra idea inicial”.

El disco se publicará en formato físico el día 19 de noviembre, con las 5 canciones principales en la cara A, y sus versiones instrumentales en la cara B. El grupo acúa el 18 de diciembre en Jazz Cava, Vic; y el 22 de diciembre en Barcelona.

500.000 vinilos de Adele en camino; las fábricas, más saturadas que nunca

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Adele continúa en el número 1 global con su nueva balada ‘Easy on Me’. Desde el número 1 de Estados Unidos, Reino Unido y otros países -en España baja tan sólo del puesto 12 al puesto 16, es decir, se mantiene estable-, garantiza un nuevo exitazo para el álbum ’30’, que sale el próximo 19 de noviembre.

Después de que ’21’ vendiera 30 millones de copias y ’25’ otros 20, es difícil calcular cuán lejos puede llegar ’30’, pues la venta de CD’s ha seguido cayendo en picado. Sin embargo, no tanto la de vinilos, por lo que Sony, que por primera vez distribuirá un álbum de Adele (ya no la encontramos vinculada a la indie XL), ha encargado la fabricación de 500.000 unidades en este formato.

Esta semana Vulture publicaba un artículo en el que, entre interrogaciones, planteaba que Adele haya acaparado la fabricación de vinilos en todo el mundo, pues sólo quedan 3 fábricas de vinilos a nivel mundial y conocidos están siendo los retrasos en el sector durante los últimos meses.

James Blake tenía que retrasar todo su último disco porque los vinilos no habían llegado a tiempo, Laura Jane Grace de Against Me! ha dicho que si no termina su trabajo en los próximos 3 meses no podrá sacar su álbum hasta 2023, esta mañana IDLES cuentan en redes que retrasan su vinilo por problemas de distribución, y Ed Sheeran ha contado en una entrevista que ha sido una locura imprimir sus vinilos a la vez que los de «Adele, ABBA, Elton, Coldplay y Taylor».

Billboard ha publicado un artículo de respuesta a la insinuación de Vulture puntualizando que Adele no ha saturado el mercado, pues el problema llevaba ya meses ahí, y el pasado verano ya realizaron una pieza hablando de la magnitud de este atasco. Las fábricas tienen capacidad para hacer 160 millones de vinilos al año, cuando la demanda actual dobla eso. Billboard asegura que los 500.000 discos encargados por Adele solo representan un 0,3% de lo que tienen que fabricar estas compañías este año, por lo que no sería el fondo del problema, aunque seguramente no lo ha aliviado precisamente en medio de una crisis global de suministros.

Almodóvar: fans, así en plural

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Con motivo del estreno de ‘Madres paralelas‘, dedicamos el nuevo episodio de nuestro podcast REVELACIÓN O TIMO al cine de Pedro Almodóvar: cómo lo descubrimos, cuáles han terminado siendo nuestras películas favoritas de su filmografía, cómo fue un escaparate de la vida adulta en Madrid cuando no vivíamos en la ciudad o qué representó para nosotros su muestra de la comunidad LGTB+ con naturalidad y sin culpa, así como el desenlace tirando a esperanzado de todas sus películas.

Recordamos el Especial Frases de Pedro Almodóvar que Claudio escribió en 2009, hablamos de cómo hemos acudido a ver todos sus films como quién va al Rocío, y comentamos algunos de los episodios más criticados de su cine. ¿Ha dejado de conectar con la calle? ¿Sabe dirigir actores masculinos? ¿Es demasiado explícita u obvia ‘Madres paralelas’ en sus referencias al PP de Mariano Rajoy? Sebas defiende esta última cinta de las críticas, mientras Claudio en este caso habla más bien en contra. Hay SPOILERS de ‘Madres paralelas’ entre los minutos 26 y 33 de este podcast.

No pasamos por alto el fenómeno de las chicas Almodóvar -ahora en ‘Masterchef’- quizá algo extinto, el talento de Penélope Cruz, cuál puede ser la peor película de Pedro -y ahí seguro que no vamos a coincidir con muchos de los lectores- o la función de la música en su cine. Al margen del premiado Alberto Iglesias, recordamos algunas de las canciones pop que han sonado en su filmografía o en su momento recomendó en su muro de Facebook. Un episodio, pues, con el que tratamos de explicar cuánto y por qué amamos su cine, a través de la fotografía, la narración y la estructuración de historias, y sobre todo de sus guiones, de los que compartimos algunas líneas favoritas.

U2 vuelven a la baladita cursi en ‘Your Song Saved My Life’

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Esta Navidad se estrena en cines ‘Sing 2’, la secuela de la exitosa película de 2016, en la que ponen voces algunos músicos como Halsey, Pharrell Williams y Bono, entre otros. Es por eso que U2 aparecen en la banda sonora de la cinta, y recordemos que la primera parte contó con un dúo entre Ariana Grande y Stevie Wonder, por ejemplo.

No hay nuevo álbum de U2 desde hace 4 años, cuando editaron el irregular ‘Songs of Experience’, por lo que había grandes expectativas para este lanzamiento que han tratado de propulsar en TikTok. U2 no consiguieron ni un solo top 40 en las listas británicas ni estadounidenses la pasada década, aunque sí colaron en el top 100 en ambos casos ‘Ordinary Love’, que logró una nominación a los Oscar.

‘Your Song Saved My Life’ como balada no se come demasiado la cabeza, hablando del poder de la música, pero sin alcanzar el desasosiego que parece buscar cuando comienza, entre pianos y ciertos efectos electrónicos, durante la “mañana de un lunes” nada menos que a las 4.15 horas. Bono y los suyos nos están hablando aquí de ser un “extraño en tu propia vida”, con cierto aire dylaniano -circa ’Make You Feel My Love’-, pero amparándose más en cuerdas, falsetes y melodías forzadas que en una idea inspirada.

U2, que supieron hacer grandes bandas sonoras como ‘Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me’ para ‘Batman’, y ‘The Ground Beneath Her Feet’, se han apuntado un pequeño hit en la era streaming con aquel descarte llamado ’Sweetest Thing’, sin que nadie lo viera venir. Era una canción sencilla pero muy cuqui para la que además hicieron un vídeo bastante divertido. Se echa de menos a aquellos U2, no ya a los más sublimes -uno no puede escribir ‘One’ y ‘With or Without You’ todos los días- sino a los que conseguían mucho con muy poco.