Un verano después de ‘Nasty‘, Tinashe se ha vuelto a anotar un éxito viral en las plataformas de streaming. Esta vez, un remix de ‘No Broke Boys’ por Disco Lines que se había viralizado masivamente en TikTok en el último mes ha empezado a irrumpir en listas oficiales.
Ha sido, claro, después de su lanzamiento oficial el pasado 6 de junio. ‘No Broke Boys’, en esta fresca y veraniega remezcla electro-house, ya es un éxito top 4 en Irlanda y, además, ocupa el puesto 20 en Australia, el 35 en Nueva Zelanda y el 37 en Reino Unido. En Spotify figura en el primer puesto entre los temas más virales tanto en Estados Unidos como a nivel global.
Que el éxito de ‘No Broke Boys’ iguale el logrado por ‘Nasty’ -que supera los 230 millones de reproducciones en la plataforma sueca y popularizó la expresión «match my freak»- está por ver. De momento, Tinashe revitaliza gracias a Disco Lines el material de su séptimo disco, ‘Quantum Baby‘ (2024), en el que se incluía la versión original de esta canción, que se promocionó con un videoclip.
En cuanto a Disco Lines, este es el alias del DJ y productor estadounidense Thadeus Labuszewsk. Nacido en 1999, es conocido por su éxito ‘Baby Girl’, que podéis escuchar bajo estas líneas.
Juicy BAE ha sido una de las artistas surgidas durante los últimos años de la escena urban, que tiene un discurso más potente. Su nuevo disco editado por Sonido Muchacho ha rozado el top 10 en España y ha aguantado casi 2 meses en el top 100. Con ‘El Secreto’ ha querido ir dejando atrás el Autotune -poco a poco-, demostrar que también sabe cantar, e ir abriéndose a nuevos estilos en lo que considera un álbum de pop en el amplio sentido de la palabra.
Lo de su discurso entendemos por dónde va cuando en el single ‘BITCH’ con Hoke escuchamos a Nicki Minaj -nada menos- decir una gran verdad: «si yo soy asertiva, soy una zorra; si un hombre es asertivo, es el jefe». Lo de los estilos se ve en este mismo tema y en otros del disco, como ‘CUpido’, cuando lo que predomina es el piano.
Lo de conformar un álbum de pop en el amplio sentido de la palabra ya se percibe a través de los numerosos vaivenes que contiene el disco a lo largo de su secuencia. A veces sabiendo demasiado a mixtape. Parece mentira que después de ‘BITCH’ aparezca algo como ‘FRIEN-EMIES’, con todo el sabor de «balada de segunda mitad» que tiene este tema que lamenta «de mí nunca nadie se enamoró».
Tenemos pistas más propias de hip-hop, tenemos algunas en un tono similar al R&B de Judeline y Drake (‘CONTACTO VISUAL’ con ABHIR), otras más Kali Uchis (‘TRANQUILO’, ’69’), otras más tipo Bad Gyal (‘CTRL’), otras más reggaeton (‘SOLtera nunca solA’) y finalmente otras más hip hop de la vieja escuela otra vez. El rap de los 2000 y su inspiración en el jazz viene a la cabeza en cosas como la conseguida ‘JET LAG FREEstyle’. ‘TRAP STAR’ con La Zowi contiene un guiño a la icónica música de James Bond como las grandes producciones de aquella época.
En la construcción de un disco de pop, Juicy BAE se ha olvidado de construir claros segundos, terceros, cuartos, quintos y sextos singles como los que solían tener los álbumes superventas multiplatino. Atendiendo a las cuerdas y la sensibilidad de ‘CUpido’, ‘El Secreto’ es más un ejercicio puntual de Cristina Vela, tratando de explorar hasta dónde puede llegar con el jazz, con los instrumentos orgánicos… pero sin atreverse tampoco a dejar vicios pasados del todo atrás. Una década después de ‘Tu coño es mi droga’, hay que pedir al trap que evite algo como ‘Obsesionado con mi culo’, donde lo más destacado son los beats y ambientaciones de Alba Arias.
Flying Lotus, autor del enorme ‘Cosmogramma‘ (2010) y, este mismo año, del EP ‘Spirit Box’, se encuentra entre los 19 nombres que se suman a la siguiente edición de MIRA Festival, que se celebra los días 7 y 8 de noviembre en la Fira Montjuïc de Barcelona.
Junto a FlyLo se añaden a la programación Blawan «con el tecno más físico que recuerdas», Byetone y sus «ritmos quirúrgicos» y Gábor Lázár con sus «estructuras hiperdinámicas», además del show conjunto de Amnesia Scanner + Freeka Tet, llamado «S.L.O.T.H.»; el hyperpop de No Plexus o el LATINEO de AMANTRA y M8NSE, que ofrecerán un b2b a la mesa de mezclas.
Steevio & Suzybee o los sets de Lanav, nara is neus y res_ completan una programación que ya contaba con la participación de Floating Points + Hamill Industries, Oneohtrix Point Never, Ali Sethi + Nicolas Jaar, Erika de Casier o Marie Davidson.
Todos estos artistas ya están organizados por días en el cartel del MIRA Festival, que se divide entre viernes y sábado.
Próximamente se anunciará la programación de artes digitales. Mientras, MIRA celebrará cada miércoles de julio su ciclo .mov, en IDEAL, el Centro de Artes Digitales de Barcelona.
Los abonos para las dos jornadas están disponibles a 95 euros + gastos y las entradas de día a 50 euros + gastos en mirafestival.com a través de DICE.
Con permiso de Estopa, en el «peak» de su carrera en cuanto a congregación de público, Madness son el gran reclamo de Río Babel. Les toca también el sábado 5 de julio, solo que inmediatamente antes, de 21.40 a 23.00 horas. La legendaria banda de ska y rocksteady, descrita alguna vez como «un grupo de chavales haciendo el idiota», y que no obstante marcó el camino de gente tan variada como No Doubt o Franz Ferdinand, se encuentra de gira repasando sus grandes éxitos tras haber publicado un álbum nuevo en 2023. JENESAISPOP es medio oficial de Río Babel, por lo que aquí repasamos 10 temas que no pueden ni suelen faltar en su repertorio.
Our House
La canción que menos presentación necesita de todas las que han hecho Madness es obviamente ‘Our House’, su mayor hit a pesar de no ser su tema más representativo: era la primera vez que colaboraban con el arreglista de David Bedford, a quien se atribuyen no solo los vientos, sino de manera significativa las cuerdas. Fue el primer single de su cuarto álbum, ‘The Rise & Fall’, a finales de 1982, cuando ya llevaban un lustro en activo. Considerado un himno de la clase obrera, por esa estrofa en que hablan de un padre que se viste de domingo, esa madre que necesita un descanso y esos niños que juegan abajo; o esa otra en que el padre se duerme, la madre plancha una camisa y manda a los niños al colegio, el tema ha llegado a inspirar su propio musical. Lo protagonizaba un chico de 16 años y en breve entenderás por qué.
One Step Beyond
La canción con que Madness suelen abrir sus conciertos es ‘One Step Beyond’, algo obvio si recuerdas o escuchas sus primeras notas. Se trata de una versión del jamaicano Prince Buster que Madness quisieron incluir en su álbum debut, y que es casi, casi instrumental. Madness siempre se han deshecho en elogios hacia él: «el hecho de que viniera de las calles y tuviera un increíble sentido del humor y una gran energía nos atrajo un montón y tuvo un impacto enorme en todo lo que hicimos». Como curiosidad, esa intro que asociamos a Chas Smash y no a Suggs, llegó a ser grabada en español. No sabes si la quieres escuchar: se llamó ‘Un paso adelante‘. Pero mucho antes de la serie.
My Girl
Madness tienen un gran apego por su álbum debut, que exactamente se llamó ‘One Step Beyond…’ (1979) y tuvo una portada que no podía ser más icónica. De él suelen recuperar varias canciones, como la titular o el single ‘The Prince’. Una de las más hipnóticas y atemporales es ‘My Girl’, que fue escrita por el teclista Mike Barson, lo cual se nota por la distintiva línea de piano que inunda de vez en cuando la grabación. Cuenta la leyenda que Barson se inspiró en un compañero de trabajo, en los tiempos en que trabajaba conduciendo una furgoneta que repartía plátanos. Aquel tipo no paraba de hablar de su novia: «mi chica ha hecho esto», «mi chica ha hecho lo otro», por lo que Barson decidió hacer un tema sobre su propia experiencia. La cual no es feliz: la pareja discute al teléfono durante una hora, porque ella se ha enfadado, y ni siquiera le deja hablar.
Baggy Trousers
El primer álbum de Madness alcanzó el top 2 en las islas británicas, permaneció más de un año en las listas y está certificado como platino. Eso allanó el camino para que el segundo disco del grupo, ‘Absolutely’, fuera un éxito similar. También alcanzó el número 2, gracias a la pegada de singles como ‘Baggy Trousers’, que abría el largo con un carácter continuista respecto a su debut. Aún a día de hoy una de las grabaciones más populares de Madness, la música es una fiesta total, mientras la letra inspirada en la escuela habla sobre chicos traviesos en colegios traviesos, sobre apañárselas para liarla sin romper las normas, sobre pasarlo bien… y sobre profesores en el pub. Suggs indicó que para él el tema era un contraste con ‘Another Brick in the Wall’ de Pink Floyd (que hablaba sobre abuso escolar), y que su inspiración fue Ian Dury.
Embarrasement
El segundo tema del segundo disco de Madness, y también su segundo single, abría ya ligeramente al grupo a una vena más pop, menos estrictamente ska o jamaicana. Y eso que estaba bien embadurnada de saxo. Escrita, de hecho, por el saxofonista Lee Thompson, tiene una temática truculenta, literal y explícita. La letra habla sobre su hermana, que se quedó embarazada de un chico negro estando soltera, un escándalo a finales de los años 70. El texto incluye diálogos de personajes, incluidos tíos y tías a quienes nadie preguntó su opinión, aunque el grupo aseguró después que la historia tuvo final feliz: una vez nació el bebé, todo el mundo lo recibió bien.
House of Fun
Tras tan sólo 3 álbumes de estudio, Madness decidieron publicar un recopilatorio llamado ‘Complete Madness’ en 1982. La idea fue un éxito absoluto y el disco permanece como su mayor superventas, por encima del millón de copias en las islas. El tema inédito ‘House of Fun’ fue su único número 1 y vale por la carrera entera de Franz Ferdinand. Con elementos glam, un estribillo a varias voces que es oro y una historia hilarante sobre un chico de 16 años intentando comprar condones de muy mala manera (los pide con eufemismos tipo «caja de globos»), ha permanecido en el imaginario colectivo desde entonces.
Wings of a Dove
El quinto disco de Madness, el que sacaron tras el éxito de ‘Our House’, se presentó con singles como ‘Michael Caine’. Como no fue suficiente, la edición americana de ‘Keep Moving’ (1994) incluyó un single suelto que habían sacado en 1983 y que respondía al nombre de ‘Wings of a Dove’. El tema se entregaba a la festividad ochentera más colorida, en este caso sucumbiendo un tanto al calypso. A todas luces es una de sus canciones más alegres, con llamadas al «hallelujah», al placer, al amor y a la «risa con amor». Lo que ahora llamaríamos «una canción muy festivalera».
It Must Be Love
Otra de las versiones de Madness que les suele encantar recuperar es ‘It Must Be Love’. Escrita y publicada a principios de los 70 por el cantante de soul Labi Siffre, ha sido resucitada varias veces a lo largo de la historia para anuncios y películas. Madness supieron llevarla en los 80 al top 4 de las listas británicas, dándole su estilo personal (lo que incluye una pizca de humor), cuando la original había quedado en el número 14.
Night Boat to Cairo
Nos acercamos al final de nuestro repaso por el setlist y la discografía de Madness y lo hacemos con las dos canciones con que suelen cerrar su set… lo que supone un regreso a sus inicios. En concreto a su debut. ‘Night Boat to Cairo’, el último single de aquel primer álbum, ha cerrado multitud de conciertos de Madness… quizá en honor de su falso final, perfecto para que el grupo se recree en los elementos que siempre lo han identificado: la sección de vientos, los ritmos ska, el beat cada vez más acelerado… Escucharla atentamente es casi como haber estado en un concierto de Madness.
Madness
Los primeros «Madness» operaron bajo el nombre de North London Invaders antes de sufrir varios cambios de formación, y después como Morris and the Minors. Pero antes de su primer disco ya cambiaron el nombre de la formación por Madness. ¿De dónde venía la idea? De la canción así llamada de Prince Buster. No, ‘One Step Beyond’ no fue la única canción del jamaicano que llegaron a grabar. La versión de ‘Madness’ también formó parte de su debut y desde entonces no suele faltar en sus directos por la fiesta «rocksteady» que suele representar. Si estás por Río Babel, la reconocerás por la veintena de veces que pronuncia la palabra «madness». Porque nada como repetir el nombre de uno mismo para reafirmarse y dejar huella. Por cierto, que Estopa también tienen una canción llamada ‘Estopa’…
Taylor Swift ha realizado una aparición musical por sorpresa durante la cumbre anual de Tight End University, un encuentro de tres días fundado en 2021 por su pareja, Travis Kelce, junto a George Kittle y Greg Olsen, en el que jugadores de NFL se reúnen para entrenar, hacer contactos o compartir técnicas. «Tight End» se refiere a una posición del fútbol estadounidense. En realidad, el evento ha tenido lugar en el Vanderbilt University, en Nashville, Tennesse.
El evento musical que culmina la celebración de Tight End University, Tight End & Friends, se ha celebrado no en el mencionado centro universitario, sino en el Brooklyn Bowl, una sala de conciertos de Nashville, y ahí ha aparecido Taylor Swift para cantar su éxito de 2014 ‘Shake it Off’, acompañada de su guitarra acústica. Según las crónicas, el público recibió exaltado la aparición de Swift, ya que no estaba anunciada. El cartel de Tight End & Friends prometía «actuaciones musicales sorpresa», pero pocos imaginaban que Swift sería una de ellas.
A nadie se le escapa que Taylor Swift comenzó su carrera en Nashville (ella es originaria de Pensilvania). Ahora, meses después del final del mastodóntico Eras Tour, Swift ha vuelto a tocar en la ciudad que la vio nacer como artista.
Swift ha sido noticia recientemente por recuperar sus másters y por revelar que ha pausado la grabación de ‘Reputation (Taylor’s Version)’.
Cut Copy vuelven a tomar el sol tras el cambio de registro de su último disco, ‘Freeze, Melt‘, publicado hace 5 años, en plena pandemia. ‘Moments’, el disco que publican el 9 de septiembre, sabrá a verano, o al final del mismo, y lo muestran sus dos sencillos de adelanto.
También lo demuestra el tercer tema, ‘A Decade Long Sunset’, aunque este no formará parte de los nueve cortes que componen ‘Moments’. Los ritmos tropicales, filtrados a través de una electrónica elegante y depurada, marcan el pulso de ‘Solid’, primer sencillo del álbum, y de ‘When This Is Over’, lanzado esta semana.
‘When This is Over’ -la Canción Del Día de hoy- es inmediata en toda su sofisticación sonora. El cantante Dan Whitford canta acompañado de sintetizadores, maracas y guitarras acústicas que suenan españolas o incluso flamencas, y pronto se une a estos instrumentos un coro infantil. El coro proviene de Candlebark School -situado en el pueblo australiano de Ramsey- y los ha grabado James Cecil de Architecture in Helsinki.
‘When this is Over’ habla de una relación «que ha comenzado a desmoronarse», en palabras de Whitford, pero también «en un sentido más amplio, habla sobre el intento de encontrar empatía cuando las partes parecen ir en direcciones opuestas». A lo largo de la canción, explica Whitford, el estado de ánimo «evoluciona desde el conflicto hacia una especie de tregua». ‘When this is Over’ celebra que, a pesar de las diferencias, «somos más parecidos» de lo que creemos.
Mientras su tercer disco, ‘Love in Real Life’, sigue anunciado en redes, Lizzo ha anunciado el lanzamiento de un mixtape que saldrá antes, este mismo viernes, bajo el título de ‘My Face Hurts From Smiling’. Contiene dos grandes colaboraciones: Doja Cat figura en el tema ‘Still Can’t Fuh’, y SZA en ‘IRL’. En el mailing enviado a sus fans, Lizzo cuenta que ha creado ‘My Face Hurts From Smiling’ en una semana, y que ha escrito 12 de sus 13 pistas «en tres días».
El anuncio de ‘My Face Hurts From Smiling’ implica la suspensión del lanzamiento de ‘Love in Real Life’, álbum del que se conocen dos sencillos, ‘Love in Real Life‘ y ‘Still Bad‘, y un corte estrenado en Saturday Night Live pero aún inédito, ‘Don’t Make Me Love You’. Ninguno de los singles publicados ha generado ningún impacto en listas. La última novedad de Lizzo ha sido el estreno de la maqueta de ‘Still Bad’, que a ella misma le parece «mejor» que la versión oficial.
Las recientes controversias en torno a Lizzo, particularmente las denuncias de abuso en 2023, podrían haber afectado la recepción de su material reciente. El concepto de ‘My Face Hurts From Smiling’ parece responder al «hate» recibido por la artista, aunque, en una de las pestañas de ordenador visibles en la portada, Lizzo expresa un sentimiento contrario: «Todo el mundo cree que estoy bien, pero yo no creo que lo esté». ¿Reflexionará sobre todo ello en este nuevo trabajo?
Gorillaz es el cabeza de cartel de Pulse of Gaia, nuevo evento madrileño concebido como una mezcla de festival de música y conciencia ambiental. El estreno de Pulse of Gaia tendrá lugar el 20 de septiembre en la Universidad Autónoma de Madrid y Gorillaz fue la primera confirmación.
Hoy, el nuevo evento ha confirmado otro peso pesado: Thundercat. El artista estadounidense llevará su sensibilidad funk y virtuosismo con el bajo al festival madrileño. Además, cabe recordar que una de las mejores canciones del último disco de Gorillaz, ‘Cracker Island’, es justamente una colaboración de ambos artistas. Maceo Plex, DJ americano, también se suma al cartel.
Pulse of Gaia es un festival que se reconoce innovador y que, organizado por Zamna Group, referente global en turismo musical, anuncia una fusión de arte, sonido y naturaleza con el propósito de «celebrar la vida y proteger el planeta a través de una experiencia inmersiva y transformadora». La ONG Re:wild es ente colaborador y parece que Pulse of Gaia, la red online de trabajo energético colaborativo en favor de la Tierra, se encuentra detrás del proyecto. El festival se celebrará en un entorno natural, en el kilómetro 15 de la M-607 entre Fuencarral y El Pardo.
«Pulse of Gaia canalizará el pulso de la Tierra a través de escenarios que acogerán actuaciones de distintos géneros», explica la nota de prensa. «Así, el festival traerá a los artistas más vanguardistas que definen el sonido de una generación, todo ello en un viaje inmersivo de música y emoción, con la energía profunda e implacable del underground».
Gorillaz celebrará en Pulse of Gaia sus 25 años de carrera y, además, dará en este evento el único concierto de 2025 fuera de Reino Unido. Damon Albarn actuará junto a su banda al completo y acompañado de los visuales de Jamie Hewlett.
Las entradas para el concierto de Gorillaz en Pulse of Gaia ya están a la venta en diferentes tandas, ahora mismo a 95 euros, tras agotarse las primeras dos tandas, a 65 y 75 euros, respectivamente. Curiosamente, Gorillaz han anunciado que actuarán en «Zamna Festival», no en «Pulse of Gaia», aunque indican la misma fecha.
Cuando vas por un cuarto álbum y cada uno de los anteriores ha tenido la exposición mediática que han tenido todos los discos de las hermanas HAIM, es conveniente que cada lanzamiento constituya una suerte de relato. El más recurrente de ‘I quit’ -de título espectacular- es el que nos habla de la ruptura entre Danielle, una de las hermanas, con el que había sido colaborador y co-productor del proyecto desde el principio, Ariel Rechtshaid.
Si no todas, varias de estas canciones hablan de dicha separación, por ejemplo de manera bastante explícita la balada country ‘The farm’. En ella, hasta encontramos a Danielle refugiándose en casa de su hermana Alana durante una temporada. ‘Everybody’s trying to figure me out’, uno de los dos temas con créditos de Bon Iver, habla sobre el descubrimiento de lo que es un ataque de pánico.
Sin embargo, la lozanía con que se habla de «relaciones» en el single ‘Relationships’, de tono desenfadado, casi cómico, de un tema que podría llamarse «Fucking relationships», impide que este sea el tipo de álbum post-ruptura que estás imaginando. ‘Gone’ abre celebrando la «libertad» con un sample de ‘Freedom 90’ de George Michael, y su letra es un desafío: «puedes engañar a alguna gente durante un tiempo, y yo fui una de ellos, pero no podrás engañar a todo el mundo todo el tiempo, porque se te vuelve en contra».
En realidad, el relato más atractivo de este disco, hablando de libertad, es que HAIM hayan encontrado un sonido tan identificativo que casi cualquier género puede constituir el «estilo HAIM». Ha caracterizado al grupo esa mezcla de pop, rock y R&B que han consumido ellas mismas desde adolescentes, y este suena como uno de sus discos más americanos, tanto en el homenaje a Prince de ‘Relationships’, como en el realizado a Dylan en la coral ‘Blood on the street’.
Pero cualquier cosa puede pasar en la secuencia de ‘I quit’ y eso incluye no solo más y más americana como la de ‘Love you right’. Es que aquí encontramos un spoken word bailable como es ‘Million years’, un tema casi disco entonado por Alana como es ‘Spinning’, un noise pop como es ‘Lucky stars’, un acercamiento a Primal Scream en ‘Down to be wrong‘ y una gracieta llena de Hammonds y Wurlitzers a cargo de Rostam -coproductor junto a la propia Danielle-, como es ‘Try to feel my pain’. Se compara mucho a HAIM con Fleetwood Mac, y es muy acertado y descarado, pero a mí a quien me empiezan a recordar es a esos R.E.M. que a partir de 1996, de discos como ‘New Adventures In Hi-Fi’ y ‘Up’, ya podían hacer lo que quisieran, electrónico o rock, que todo iba a seguir sonando a R.E.M.
En esa apertura de miras, no siempre mantienen el nivel. No es lo mismo el inicio del álbum, con la mencionada ‘Gone’, la muy sexual ‘All over me’ y la saltarina ‘Take me back’… que ese final en que samplean a U2 con un resultado muy kitsch (‘Now it’s time’). Como curiosidad, Tobias Jesso Jr aparece indistintamente en uno de los mejores temas (‘Relationships’) y uno de los peores (el muy Coldplay ‘Cry’). Nada, no obstante, que tu propia edición del álbum, QUITando un par de temas, no pueda solucionar.
Mac DeMarco ha anunciado un nuevo disco. ‘Guitar’ está escrito, grabado, producido y mezclado por el propio artista y estará disponible a partir del próximo 22 de agosto. Después de ‘One Wayne G’, compuesto por 199 pistas, DeMarco presenta su nuevo proyecto con un regreso a su característico estilo en ‘Home’, el primer adelanto.
El artista canadiense ha querido ocuparse él mismo de todo lo relacionado con su nuevo disco, desde las labores de grabación y los vídeos hasta su portada. El mastering de las canciones, por otro lado, llega de la mano de David Ives. ‘Guitar’ será el primer disco de DeMarco con guitarra y voz desde ‘Here Comes the Cowboy’, en 2019. ‘Five Easy Hot Dogs’, lanzado en 2023, se trataba de un álbum instrumental.
«Creo que ‘Guitar’ es la representación más real del momento vital en el que estoy que pueda poner en papel», cuenta DeMarco en un comunicado de prensa. «Feliz de compartir esta música y con ganas de tocar estas canciones en todos los lugares que pueda», concluye.
Tracklist:
1. Shining
2. Sweeter
3. Phantom
4. Nightmare
5. Terror
6. Rock and Roll
7. Home
8. Nothing at All
9. Punishment
10. Knockin
11. Holy
12. Rooster
Alrededor de una docena de mujeres y chicas adolescentes han sido hospitalizadas en Francia después de ser pinchadas con jeringuillas durante un festival. En total, 145 personas denunciaron haber recibido pinchazos durante el evento.
Los hechos se produjeron el pasado sábado en el festival Fiesta de la Música. Desde un principio, las autoridades informaron sobre una «asistencia sin precedentes». No hay números concretos, pero se estima que alrededor de un millón de personas atendiesen el festival a lo largo del día.
La mayoría de las víctimas se trataban de chicas de entre 14 y 20 años. De estas, 17 fueron trasladadas al hospital más cercano para una prueba de toxicología. Por el momento, las autoridades no han confirmado que las jeringuillas tuviesen drogas incapacitantes.
Según informa The Guardian, las investigaciones empezaron después de que tres personas denunciasen incidentes similares en París, en casos separados. 12 sospechosos han sido arrestados por ahora y se especula que cuatro de ellos habrían pinchado a 50 personas cada uno.
Además de estos ataques, alrededor de otras 370 personas fueron detenidas durante el curso del festival, con 14 asistentes seriamente heridos por diferentes altercados con arma blanca.
Lana del Rey ha comenzado oficialmente su primera gira de estadios con un gran concierto en el Principality Stadium de Cardiff. Teloneada por London Grammar, la artista estadounidense no pudo contener la emoción al salir al escenario delante de 70.000 personas: «Son buenas lágrimas».
Con un escenario de ensueño, en el que destaca una gran casa campestre y una bucólica valla blanca, Lana comienza el show con la canción ‘Stars Fell On Alabama’. No se trata del clásico de jazz de 1934, sino de un adelanto del próximo disco de la cantante. En este momento, se retira brevemente del escenario para buscar el apoyo de su marido, Jeremy Dufrene, con el que comparte un beso.
‘The Right Person Will Stay’, titulado previamente como ‘Lasso’, todavía no tiene fecha de salida oficial. En un principio, se esperaba que para esta gira, que llevará a Lana por Glasgow, Liverpool, Dublín y Londres, ya pudiésemos disfrutar de todo el proyecto. No ha sido así, pero al menos sabemos que algunas canciones nuevas sí estan incluidas en el setlist: ‘Quiet In The South’ y ‘57.5’, estrenada en el festival Stagecoach.
También ha sido evidente la nostalgia que desprenden algunos de sus primeros temas, para muchos clásicos modernos. Es evidente que la mayor bomba en este sentido es el tema que la envió a la fama, ‘Video Games’. El concierto llega a su fin con ‘Salvatore’, pedida por el público, y con su versión de ‘Take Me Home, Country Roads’.
Lana Del Rey kicked off her UK stadium tour in Cardiff last night, delivering a stunning show that was exactly on her own terms and proved she’s more than a natural fit for such massive venues pic.twitter.com/9py3F97SGv
Lana Del Rey getting emotional and crying after singing Stars Fell On Alabama and then getting comforted by her Husband was the sweetest part of this concert pic.twitter.com/4or60tDbpa
Samantha Hudson ha sacado esta primavera un disco llamado ‘Música para muñecas’ en el que ha incluido sus colaboraciones con Zahara, La Zowi, Villano Antillano y MYUKO, junto a otros temas en solitario.
Y ahora es noticia por haberse animado a versionar ‘Gritando amor’, el gran clásico de McNamara incluido en el imprescindible ‘Rock Station’. Y ha hecho dicha versión junto al gran artífice junto a Fabio de aquel álbum, Luis Miguélez. Lo han estrenado en plena semana del Orgullo, pues va a ser el Himno Oficial del MADO 2025, a punto de empezar.
La versión es bastante fiel a la original, quizá dada la presencia de Miguélez, que tocó la guitarra en el disco referido; quizá dada la necesidad de no asustar con experimentos arriesgados al público casual que quiera asomarse por el MADO. La producción de LaDiega no encierra, por tanto, grandes sorpresas. Tampoco es concisa: en los tiempos de TikTok y Reels de Instagram, el tema resulta incluso unos segundos más largo que el original, con unos añadidos de EDM que no suman tanto.
Con todo, una oportunidad de que el público descubra o redescubra el que debió de ser uno de los grandes clásicos del pop español y que tan solo cuenta con 500.000 tristes -tristísimas- escuchas, en Spotify.
Samantha Hudson está inmersa en una gira, que incluye paradas en Razzmatazz, Barcelona (8 de noviembre) y la Sala But de Madrid (20 de noviembre), esta última como parte del 25º aniversario de Ochoymedio. Más, en su Instagram.
Mucho hemos hablado del dominio de Aitana en la lista de singles española, metiendo todos los temas de ‘Cuarto azul‘ en el top 100 (de los que aún quedan 7). Pero detengámonos esta semana en el colombiano Beéle, muy aficionado al dancehall y al afrobeat, porque atención:
-mantiene el número 1
-participa de la entrada más fuerte
-protagoniza la subida más fuerte
-participa de hasta 12 temas del top 100
En primer lugar, la tropical ‘no tiene sentido’ conserva el número 1 una semana más. Hasta hace nada parecía que ‘La plena‘, de la que también forma parte, iba a ser la canción del verano, pero ahora resulta que tiene un fuerte competidor en sí mismo.
Por otro lado, ‘Yo y tú’, que vuelve a reunir a Ovy On the Drums y a Beéle, pero esta vez, junto a Quevedo, es la entrada más fuerte, llegando al puesto 6. Por si fuera poco, el tema ‘Si te pillara’ de Beéle en solitario, es la subida más fuerte, pasando del puesto 61 al puesto 24.
Hasta 12 temas de Beéle aparecen en el top 100, muchos de ellos extraídos de su reciente disco ‘BORONDO’, que ya sube al top 3 en España, pero otros no, por ejemplo ‘Vagabundo’ con Sebastián Yatra y Manuel Turizo, que lleva 110 semanas en lista (2 años) y ya es 9 veces platino.
También hay entradas esta semana que no son de Beéle: ‘Lokenecesitas’ de Saiko y Omar Courtz en el top 10, ‘Mojaíta’ de Lola Indigo en el número 18, ‘La culpa’ de Alleh y Yorghaki en el puesto 53, ‘Brasileño’ de Camin y Kirrimode en el 79, ‘Mágico’ de Rvfv y David Marley en el 86, ‘Bailando por ahí’ de Juan Magan y Crossfire en el 88, y ‘Korazong’ de Kapo en el 96.
Martin ha empezado a presentar un disco que no verá la luz hasta 2026 con una versión de ‘Nadadora’ de Family. Un movimiento que recuerda al de artistas que han salido de Operación Triunfo y han querido desmarcarse del mainstream, principalmente Amaia, pero también Natalia Lacunza… o su pareja Juanjo Bona. Con este comparte la cercanía con la banda El Buen Hijo, aunque no exactamente su dirección artística: Martin exprimirá más bien la vía abierta con ‘El destello’, el tema colaborativo entre ambos que precisamente co-escribieron y produjeron Hidrogenesse.
Urrutia, que solo esta primavera acaba de cumplir 20 años, me atiende en las inmediaciones de las oficinas de Prisa en Madrid, acompañado de una responsable de prensa de Universal. Durante nuestra charla en una cafetería de Gran Vía, no se llega a quitar los cascos, simplemente los deja reposar en el cuello. Cuando le pregunto a qué está tan enganchado, resulta ser un futuro tema propio: la maqueta del single que piensa sacar después del verano, de momento cantada por Carlos Ballesteros de Hidrogenesse. Martin ha empezado ya a imaginarla en su voz.
¿Cómo descubriste a Family? ¿Cuál es la primera vez que los escuchaste?
Les descubrí por recomendación de unos amigos, de El Buen Hijo. Hace un año canté en el BBK Live Bereziak, e hice un bolo de versiones porque no tenía repertorio propio. En una lluvia de ideas sobre qué podía cantar parecido a lo que yo podía hacer, y que acompañara el ambiente del BBK, que es en mi casa, porque yo soy de allí, salió el grupo de Family. Los escuché, escuché todo el disco y recuerdo que ‘Nadadora’ me marcó.
O sea, que para el BBK, buscaste hacer algo un poco más underground.
Sí, algo diferente, inesperado. Que pegase con el público de allí, y también con lo que quiero contar con mi música. Quise elegir canciones no tan conocidas y darles otra voz.
¿Qué más tocaste?
‘Nada debería fallar’ de La Buena Vida. ‘Nuevo Verano’ de Amaia… Todo el rollo indie un poco veraniego, con el que me identifico bastante para mi música. Creo que fue una buena selección, la verdad.
¿No tenías un padre, una madre, un tío, el típico primo indie que conociera a Family y La Buena Vida?
Mi tío Alberto, hermano de mi aita, sí que escucha más indie de toda la vida, más underground, pop sobre todo, y sí, sí lo tenía ubicado.
Es que había una cosa que se llamaba Donosti Sound. Con cosas más raras tipo Le Mans.
El Donosti Sound y Le Mans, claro.
¿El disco de Family te gustó entero? ¿Qué te sugirió? Porque en su momento se decía que era muy naíf, pero muy bonito. Está grabado con muy pocos medios.
Pues eso: como una sencillez, pero a la vez algo tan bonito y tan fresco… Que solo tengan un único álbum también es algo especial, ¿no? Como que todo está encapsulado en esas canciones, no sé si eran 12, 13, 14… Lo vi perfecto para versionar. Recuerdo que Hidrogenesse lo primero que decían era: «Uy, versionar esto es tocar algo muy delicado». Pero yo sí que lo veía claro, porque funcionó en directo, a la gente le gustó mucho la versión, y confiaba en que podía darle un toque nuevo.
¿Qué toque nuevo?
Pues mi voz, por ejemplo, la de Javier Aramburu es mucho más grave. ‘Nadadora’ yo la canto una octava por encima, con la voz más aguda. Eso ya es un cambio. Y, bueno, pues también supongo que soy más joven y también es como un toque fresco.
Tú sabes que hay un mito con ese grupo porque solo sacaron un disco, y no va a salir nada más. ¿Te imaginas tú hacer un mito así, en plan «solo sacó un disco»?
Pues podría ser, podría ser… no sé lo que me deparará el futuro.
¿Tienes la sensación de que tus fans han conocido a Family a través de ti?
Sí, sí, mucho. La tuve el año pasado ya cuando la canté en directo. Porque tampoco es de las más conocidas de Family. Es verdad que la gente que me sigue la ha visto como muy nueva. Por eso también quería subirla a plataformas, porque no es tan conocida ni tan mainstream. Y a la gente le encanta, la verdad.
¿Tú sabes que Genís tuvo una polémica con una versión de Family con su otro grupo, Astrud, cuando grabaron ‘El bello verano’? ¿Te la han contado?
¿Puede ser algo de ‘Hidroboy’?
No. Cuando hicieron ‘El bello verano’ para un homenaje a Family, le metieron una melodía de la ‘Pantera Rosa’ y presentaron una versión en directo para el CD de Rockdelux. Y se lio.
Esto no me lo han contado. Me contaron otra historia, que hicieron un homenaje a Javier Aramburu, con un tema que se llama ‘Hidroboy’, en el que hablan de un chico que está siempre en bañador en la piscina, y creo recordar que hablan de Javier Aramburu como en homenaje por ‘Nadadora’, pero no me acuerdo bien de la historia.
[NdE: Hidrogenesse puntualizan que cuando escribieron ‘Hidroboy’ no conocían a Aramburu, pero que la entienden como una reacción a ‘Nadadora’: «es una especie de versión festiva y gay de ‘Nadadora’. Se la enseñamos a Martin para que se riese»]
Además de ‘Nadadora’ tienes un tema llamado ‘Rompeolas’. Vas mucho al agua.
Sí, voy mucho a la naturaleza. ‘El destello’ también tiene algo muy natural. Al final, siendo yo de Euskadi, de Bilbao, he tenido el mar muy presente y me ha inspirado mucho siempre. La libertad del mar, que es algo simple, pero bueno. También es un tema muy concreto: una nadadora de piscina. Y quería darle otro sentido y cantarlo en el bosque, como corriendo por las rocas, llevarlo a un entorno más natural. En una piscina llena de gente habría tenido otro tono.
¿Qué tal trabajar con Hidrogenesse? No me digas que «muy guay». Profundízame un poco. ¿Cuál es la dinámica? Me la imagino muy distinta a Operación Triunfo, que estaba más centrada en tu voz.
¡Sí que voy a decir que es «muy guay»! Es un honor para mí que estén ahora produciendo el disco y que estén tan involucrados desde que grabé ‘El destello’ con ellos. Hay una conexión ahí. Me decían que mi voz les parecía muy particular, que querían trabajarla más. Claro, su sonido es súper especial, súper diferenciador. Ellos es verdad que son mucho de producción, de los sintetizadores analógicos que tienen en su casa, con los que hacen ellos el sonido desde cero con las ruletitas… y se nota en las demos que me pasan, en el sonido, que es especial. Es una experiencia.
¿Qué crees que le ven a tu voz?
Pues creo que para ser un chico, tengo un registro alto: esa facilidad igual para llegar a notas más agudas, un timbre característico. En Operación Triunfo me lo decía también a veces el jurado. Creo que es un buen combo: su sonido particular, con mi voz que se diferencia del resto.
¿Y cómo estáis trabajando? ¿Te pasan demos ellos y luego tú cambias cosas?
Es interesante. El proceso del disco está siendo composición por su parte para algunas canciones que van creando y voy probando, buscamos el tono, vemos la letra y tal, como ‘El destello’, que fue muy por Whatsapp, ir comentando cómo va saliendo todo, qué nos parece cada cosa… Y luego también van a trabajar demos que yo he creado anteriormente, sin ellos, y van a meter la mano ahí para rehacerlas un poco.
¿Vas a hacer todo el disco con ellos?
En principio, sí. Es la idea principal.
¿En qué estado está el álbum?
Iniciándose. Acaba de salir ‘Nadadora’, que es el primer single del álbum.
Es bastante raro que sea una versión. Puede parecer que van a ser todo versiones.
Puede ser la única versión del disco. Pero sí, sí que lo pensé. Igual después de tanto tiempo sin sacar música, sacar una versión… pero lo vi bien también porque estaba en un punto de organizar mi cabeza con el repertorio que tenía hasta ahora hecho. Estaba bastante revuelto y he visto sacar ‘Nadadora’ como un momento de aire y de decir: «a ver está esta canción que la canté el año pasado, a la gente le gustó mucho, es una versión muy especial, pues quiero hacerla oficial. Y que Hidrogenesse haga la producción y que El Buen Hijo grabe el directo y hacer un videoclip bonito. Y eso ya me dará pie a tener más tiempo para pensar cuáles van a ser los siguientes singles». Lo vi así, como un poco de espacio.
«Crear un disco es complicado. Hay momentos de tensión de decir: «Vale, todo lo que he hecho no vale para nada, ¿qué está pasando?»»
¿Qué significa que estabas «revuelto»?
Pues eso, que crear un disco es complicado. A veces vas al estudio y sales con muchas demos que crees que van a ser las definitivas en un disco y ves que no, que no encajan con lo que tú quieres contar, que no te acaban de cuadrar, que no sabes verdaderamente si esa demo que has hecho vale para estar en un disco, para una gira. Hay momentos de tensión de decir: «Vale, todo lo que he hecho no vale para nada, ¿qué está pasando?». Que luego no es tan drástico nunca, siempre se puede rescatar algo. Pero tuve un momento de explosión un poco mental y vi el momento de decir: «venga, vamos a recuperar ‘Nadadora’ y vamos a hacerla bien como regalito», porque la gente es verdad que la pedía mucho en plataformas para poder escucharla.
¿Qué es lo que tú «quieres contar»?
Estoy trabajando mucho desde algo como sencillo, que son mis vivencias, algo muy nostálgico también de cuando era más niño. Todo el tema de los pensamientos y de los recuerdos de mi familia, de mi pueblo, como que me inspira mucho para componer. Hidrogenesse también lo saben. Yo les voy contando cosas de mi día a día por Whatsapp. Ellos como que lo van recopilando y de ahí van pensando ideas, me proponen. Entre ellos y yo, es ir creando el repertorio.
¿Los recuerdos de tu infancia son alegres, tristes?
Muy alegres. Sí, todo es bastante luminoso, la verdad. No hay nada como dramático.
O sea, que va a ser un disco tirando a alegre.
Sí. Y no empezó siendo así el proyecto musical. Eso es también algo que me fallaba, que todas las demos que iban saliendo eran muy introspectivas y yo soy una persona, creo, que alegre y viva. Y eso fue un consejo que me dio Hidrogenesse cuando escucharon todas mis primeras demos. Les faltaba verme en algo más bailado, más alegre, más cantado. En ‘Nadadora’ creo que se ve un poco.
Dicen que es muy difícil escribir cosas alegres. Como que siempre es la ruptura, la muerte de una abuela…
Eso es lo fácil, ¿no? Algo que te ha marcado y decides sacarlo todo. Pero luego hay que escuchar canciones que hablen de algo colorido, alegre, aunque sea un tema sencillo. Y bueno, Hidrogenesse trabaja mucho en eso, en temas concretos, sencillos. Dicen que en todo puede haber una canción, que en cualquier cosa puede haber una canción. Y eso fue un clic para mí.
«Hidrogenesse dicen que en todo puede haber una canción. Y eso fue un clic para mí»
Ellos son muy del costumbrismo. Lo mismo hacen un tema sobre un poema de Góngora que sobre un reloj.
Eso es a lo que me animaban a pensar, no solo en algo tan yo, yo íntimo, introspectivo, mi vida, mi tal. Me acuerdo que me decían «Si estás viendo una hormiga trepar por la pared, pues escríbele una canción».
¿A ti eso te encaja? ¿Por tu personalidad?
Me encaja y no lo estaba viendo. Fue como abrir una puerta y trabajar con ellos me da como un relajo también, de que va a salir bien.
¿Cómo llegaste a ellos?
Cuando salió ‘El destello’ con Juanjo, desde Universal nos recomendaron hacer una canción más electrónica, menos predecible. Igual la gente podía esperarse algo más balada o más como romanticón y tal. Luis Fernández [directivo de Universal, bajista de Los Punsetes] nos recomendó trabajar con él. Luis es verdad que las ideas que tiene suelen ser acertadas.
Has mencionado varias veces ‘El destello’. Me gusta muchísimo esa canción. Y cuando entrevisté a Juanjo le pregunté por qué no estaba en su disco, donde hay silbidos, pájaros, campo, y me encajaba totalmente. ¿En tu disco tampoco está?
En mi disco tampoco va a estar. La verdad es que se quedó como en un proyecto muy de los dos, un poco apartado de los proyectos individuales. Pero sí que tiene que ver bastante con lo que ha hecho él y con lo que estoy empezando a hacer yo también. En la gira suya sí que está y encaja perfectamente y a veces salgo yo como invitado a cantarla en sus conciertos. En mi gira quiero que esté también, porque creo que va a encajar. En un proyecto cerrado de disco, no, pero luego en directo la gozamos, la verdad, y el público se viene arriba con ella.
Pero no sé si para vosotros es como una canción más. No sé si os habéis dado cuenta de lo buena que es.
No, no, para mí no es una canción más. Para mí es una canción increíble. Sobre todo de cantar en directo. O sea, por eso Hidrogenesse están tan presentes en mi proyecto individual. Es un honor. No puedo estar más agradecido.
No te quiero hacer muchas preguntas sobre Juanjo, pero sí te quiero preguntar sobre su disco, porque me ha gustado mucho también y me parece que ha encontrado un camino con esto de la jota. ¿Qué te parece a ti? ¿Crees que ha abierto un camino entre lo tradicional y la faceta más cantautor tipo Pablo López?
Es increíble. Es una buena fusión, la verdad. Yo creo que ha dado en el clavo, porque ha recuperado lo que es tan importante para él, que es la jota y el folclore aragonés, que tan bien canta y tan bien defiende, y ha hecho una mezcla con el pop. Y también su lucimiento vocal, cantando melodías pop. Ha hecho unas canciones con unos productores también que han sabido sacarle el brillo, Marcel y David. Encima el diseño y toda la parte más gráfica también ha sido muy acertada. He vivido muy a su lado todo el proceso, he ido viendo las demos, los videoclips, las canciones terminadas, portadas…
El documental del pueblo…
Cada vídeo. Me ha sido una inspiración enorme, la verdad, para hacer mi proyecto y decir: «joder, con qué sencillez lo está haciendo. Está yendo a lo que es él, puro, lo que más le llena que es la jota desde pequeño y le está dando una forma súper mainstream a la vez para mucha gente, con sutileza». He aprendido mucho de ese proceso.
«He aprendido mucho del disco de Juanjo (…) Yo no acababa de ver mi camino»
¿A ti te agobia encontrar un concepto, una idea tan concreta como la suya?
Tuve ese conflicto. Mientras rodaba ‘Mariliendre’, Juanjo estaba justo en plena creación. Y yo empezaba ya a ir al estudio, a hacer demos. Pero es verdad que no acababa de ver mi camino, mi brillo y mi idea de hacer música, porque al final lleva tiempo, no se descubre en la primera sesión de estudio con la gente con la que vas. Y sí que tuve el momento de frustración de decir: «¿Qué cuento yo de especial?». Y a raíz de trabajar con Hidrogenesse, lo estoy viendo con claridad y con poca tensión. Es decir, cualquier canción que cante yo va a ser especial y va a tener sentido en mi futuro disco o en lo que yo esté contando. Estoy como muy confiado ahora.
¿Y el tema números no os agobia? Porque el disco de Juanjo a mí me flipa, estará entre nuestra lista del año, segurísimo, pero de repente uno no tiene los números que ahora te exige la industria, y el sello te echa. Le ha pasado a Lucas. Esto es una presión también.
Sí. Pero es verdad que los dos sentimos bastante confianza por parte de Universal, que ven que tenemos proyectos diferentes y especiales que trabajamos con mucho mimo. Creo que hay un voto de confianza que sí que sentimos. ¿Los números? Pues es verdad que no estamos haciendo un pop súper mainstream, que tenga muchas reproducciones, que sea un hit de verano. Pero nos da igual, la verdad. Yo creo que los dos confiamos en hacer música que nos guste a nosotros, que sea especial, y eso la gente también lo nota. Nuestros referentes musicales son todo artistas que hacen eso. No podríamos hacer otra cosa. Y estoy muy contento de que él haya encontrado ese camino tan bonito y de que yo ahora esté como haciendo el mío y, de vivirlo juntos.
«¿Los números? Pues es verdad que no estamos haciendo un pop súper mainstream, que tenga muchas reproducciones, que sea un hit de verano. Pero nos da igual, la verdad»
¿Tus referentes son los mismos que antes o han cambiado en el último par de años?
En el último par de años he descubierto muchos artistas más emergentes que ahora sí que están como petándolo bastante, y han sido inspiración. Siempre he tenido referentes como más internacionales, y ahora estoy oyendo muchos artistas más conceptuales, más underground, como Amore, Tristan!, Teo Planell… Todo este movimiento tiene una esencia y tienen tantas ganas de hacer algo suyo que está calando. Porque eso es lo que está moviendo ahora, tener un proyecto personal. Diferente, pero con gusto. Y eso al final llega.
¿Tú te ves haciendo algo con Tristán!, por ejemplo?
Admiro mucho sus proyectos, la verdad, pero estoy empezando con mi música y creo que es el momento de hacer como mi sonido, ver lo que quiero contar, cómo lo quiero contar… Pero me encantaría hacer alguna colaboración en el futuro con este tipo de artistas, porque creo que son con los que más encajo.
En la nota de prensa pone que ‘Nadadora’ es tu primer single en solitario. Deduzco que ‘Rompeolas’ está fuera del disco.
Sí.
Porque ya no te gusta.
Sí me gusta, pero creo que viene de un momento muy concreto y creo que tiene que quedarse ahí. Se hizo muy rápido y no tuve elección de casi nada. Sales del programa, no has hecho una canción en tu vida y tienes que sacar un single.
¿Cómo de satisfecho estás con ‘Mariliendre’?
Mucho, la verdad. Porque me ha permitido iniciarme en el mundo actoral y ha sido entrar por la puerta grande con Los Javis de productores, con Javi Ferreiro como director, con el elenco… Estamos muy unidos. Que fuera una serie musical en la que pudiera también cantar y bailar, fue un regalo, la verdad.
¿Ha tenido buena recepción?
Sí, muy buena. Yo creo que sí. Es verdad que A3Player tampoco tiene un despunte como masivo porque no tiene tanta gente la plataforma. Pero sí que creo que ha calado, la verdad.
Bueno, ‘Veneno’ dio un salto desde ahí.
No sé qué pasará con ‘Mariliendre’, pero yo personalmente estoy satisfecho.
¿Qué canción has gozado más hacer en la serie?
Gocé mucho, ‘Retorciendo palabras’ de Fangoria. Yo no los tenía tan ubicados. Conocía ‘Ni tú ni nadie’ y la mitiquísima…
¿’Dramas y comedias’, ‘No sé qué me das’…?
(…)
¿’A quién le importa’?
Fangoria no lo tenía muy…
Y de Hidrogenesse, ¿cuál es la primer canción que conociste?
‘Disfraz de tigre’… ‘Caballos y ponis’ me encanta. Pero también les conocí mucho a raíz de Stella Maris. De ‘La Mesías’. Me encantaban todas las canciones. Era algo como increíble de escuchar.
Medio cómico.
Claro, eso será lo guay. Y ver a seis niñas todo serias cantando. Yo es que con ‘La Mesías’ tuve mucho.
¿En qué performance de OT te ves más y menos a día de hoy?
Recuerdo todas mis actuaciones, en las que más me veo como artista son dos o tres, con diferentes facetas. Me veo en ‘Inmortal’ por ese pop como simple, pero que pega. Me veo en ‘Footloose’ mucho por el mundo baile y musical, que he hecho igual en ‘Mariliendre’. Y también en ‘Ya no te hago falta’ de Sen Senra, que es algo como más íntimo y más melódico.
Se decía mucho en su momento que tú no ibas a hacer tanto discos, que lo que querías era hacer un musical.
Ya, se dijo mucho eso, que yo iba a ser actor de musicales y tal, siempre me ha encantado el mundo musical y mezclar las tres facetas: cantar, bailar e interpretar, pero siempre me he visto haciendo un disco.
¿No te da miedo que quien mucho abarca poco aprieta?
Pues ahora que lo dices, es verdad que nunca lo he pensado. Me hacen mucho la pregunta de elegir. He tenido la suerte de que después de Operación Triunfo, que es un programa que eleva carreras musicales, tuve una oferta como actor. La he aprovechado, la he exprimido. Creo que pasé mi primer proyecto profesional como actor. Estoy muy satisfecho. Ojalá pueda haber más proyectos. A la vez también ahora estoy viendo cómo hacer un disco y me están dando la opción desde Universal. Entonces por ahora estoy pudiendo hacer las dos cosas. En los huecos que veo, lo que me venga. ¿Cómo evolucionará? No lo sé, pero por ahora las dos a tope.
Cardi B ha anunciado al fin el lanzamiento de su segundo disco. ¿Será la definitiva, después de varias tentativas durante los últimos 3 años? ‘Am I the Drama’ llegaría al mercado el 19 de septiembre. Se ha dado a conocer su portada y se sabe que contendrá 23 pistas, aunque su tracklist en plataformas de streaming como Spotify solo revela el título y el lugar de los 3 singles que ya han salido. Son los siguientes:
12.-Outside
22.-Up
23.-WAP ft Megan Thee Stallion
‘Outside’ es una canción de rap de 3 minutos, en la que se cree que Cardi B está metiéndose con su ex marido, Offset de Migos. Referencia indirectamente el tema ‘Princess Cuts’ de Offset con Chlöe Bailey, en el que esta le llama «rey», pero Cardi B dice que a quien quiere conocer es al jugador de basket LeBron James:
«Chlöe called you king, that’s cute, don’t get me wrong /
I like him too, so, baby, let me meet LeBron»
Precisamente al promocionar ‘Outside’, Cardi B hablaba en estos términos sobre los 7 años que han pasado desde ‘Invasion of Privacy‘, aquel debut que fue uno de los discos más importantes para el rap de su década: «7 años de amor, vivir y perder. 7 años a los que he dado gracia, pero ahora les doy infierno. He aprendido que el poder no lo regalan, hay que tomarlo. No estoy de vuelta, estoy más allá. Estoy perdiendo plumas pero ya no lloro. No soy tu villana, soy tu karma. Ha llegado el momento y es ahora».
Gala Nell es una de las artistas revelación nacionales de los últimos años. ‘Ojitos caramelo’, su mayor éxito, supera los 11 millones de reproducciones en Spotify. Su buen posicionamiento en playlists ha contribuido a su repercusión, pero sobre todo ha sido su melosa letra de amor lésbico la que ha conectado con toda una generación de oyentes.
‘Ojitos caramelos’, sin embargo, no es la mejor canción de Gala Nell (que nos perdonen sus fans). El indie-pop de ‘Filosofar’ mereció su impacto, y la cantautora barcelonesa acaba de publicar probablemente su mejor canción. Y está relacionada con ‘Ojitos caramelo’.
Cuenta Gala Nell que 2025 es el primer año en que no celebra el aniversario de ‘Ojitos caramelo’ junto a la persona que dedicó la canción. Por ello, ha lanzado ‘Costa Brava’ con la intención de honrar aquella relación. ‘Costa Brava’ vincula típicamente un destino geográfico a una emoción, la del enamoramiento, y narra los veranos de Gala Nell y su entonces pareja en Costa Brava, en concreto en Cadaqués, donde pasaron buenos momentos pero donde también Nell recibió el «disparo» de la ruptura.
A pesar de su temática agridulce, ‘Costa Brava’ elige un sonido de country alegre y festivo, aunque también nostálgico. Es una evidente «canción de carretera», donde encontramos a Gala Nell y su novia entonces escuchando «discos de Taylor«, probablemente en sus viajes de ida y vuelta.
En ‘Costa Brava’, el paisaje de Cadaqués y la música de Swift se convierten en un recuerdo lejano y bonito. No cabe tristeza en el sonido del banjo, en esta autoproducción de Gala Nell, ni mucho menos en el de esas trompetas que elevan el ánimo al final de la canción.
The Lemonheads anuncian hoy un nuevo álbum, llamado ‘Love Chant’, que será su primer trabajo en 19 años. No saldrá, eso sí, hasta dentro de 4 meses, el 24 de octubre. El disco incluye un tema que dieron a conocer hace unas semanas, ‘Deep End’.
El segundo single, ‘In the Margin’, acaba de darse a conocer, y es un breve tema de 2 minutos, de clara inspiración rockera y noventera. Evan Dando ha explicado que quería una canción de riff y que el tema habla sobre la venganza de una chica de 8º. El vídeo, en cambio, está protagonizado más bien por una flauta y una camiseta de Sepultura.
Entre los músicos y co-autores invitados del álbum hay sorpresas como J Mascis, Juliana Hatfield o Adam Green.
01 58 Second Song
02 Deep End
03 In the Margin
04 Wild Thing
05 Be-In
06 Cell Phone Blues
07 Togetherness Is All I’m After
08 Marauders
09 Love Chant
10 The Key of Victory
11 Roky
Este lunes Álvaro Pombo, autor de libros como ‘Contra natura‘ o ‘El metro de platino iridiado’, ha cumplido 86 años. Hidrogenesse siempre se han declarado seguidores del autor. Dicen que es, nada menos, que su «escritor favorito».
Porque Genís Segarra y Carlos Ballesteros quieren celebrarle en vida, van a dedicar su nuevo disco al completo a musicar poemas de Pombo. No será una sorpresa para quienes recuerden que hace 13 años dedicaron un álbum entero a Alan Turing. El primer single del proyecto sobre Pombo se ha publicado coincidiendo con el cumpleaños de este, con una portada preciosa. Se llama ‘Imaginado es todo’ y es nuestra Canción del Día para este martes.
‘Imaginado es todo’ se inspira en ‘Variación 38º’, un poema del libro ‘Variaciones’, que Editorial Lumen sacó en 1977 y ganó el Premio El Bardo.
El texto habla de «gaviotas imaginadas», «más allás» y «más acás» para reflexionar sobre los límites entre realidad e imaginación, y sobre la muerte y el olvido. Si el primer estribillo es «imaginado es todo, hasta el olvido», y el segundo «imaginado es todo, hasta la muerte», el final se desdice. Tras jugar con el recurso de la imaginación de la imaginación («imaginé que imaginé tu amor, que no existía»), la letra concluye, por sorpresa, que «el olvido y la muerte fueron reales, sin embargo». Si a alguien le sirve de algo, Astrud ya titularon un álbum ‘Tú no existes’ en honor al autor.
Con Clara Vinyals (Renaldo & Clara) a la guitarra eléctrica y Rodrigo Hernández (Alizzz) a la batería, Hidrogenesse ofrecen una producción ensoñadora, a medio camino entre Kraftwerk y Desireless, que viene acompañada de una especie de cara B en las plataformas de streaming, ‘Instrumentos imaginarios’. Una adaptación instrumental del mismo single.
La propia nota de Austrohúngaro recuerda que «Álvaro Pombo es quizás el escritor vivo más importante en España. Ha ganado numerosos premios de prestigio, es miembro de la Real Academia Española y acaba de recibir el Premio Cervantes 2025, uno de los principales reconocimientos a los escritores españoles e hispanoamericanos».
Para Hidrogenesse, «musicar los poemas de Álvaro Pombo es una idea desafiante que tenemos desde hace mucho tiempo y que hemos intentado varias veces. Por fin ahora hemos encontrado la manera para abordar con música la variedad de formas, temas y estructuras de sus poemas. En este proyecto queremos poner el foco en los textos e irradiar la maravillosa poesía de Álvaro, mucho menos conocida que su obra como novelista, y llevarla al terreno de la canción popular, de la música pop. La ambición también es crear una obra musicalmente interesante y memorable, acompañar los poemas con música preciosa, e intentar en cada canción probar cosas que no hayamos hecho antes».
Esta semana Aitana mantiene el top 1 de Discos en España con ‘Cuarto azul‘ por tercera semana consecutiva. Por algo le hemos dedicado el último podcast.
No hay entradas en el top 20. Por eso preferimos destacar la subida de Lola Indigo. Coincidiendo con su esperada llegada al Metropolitano, y pese a que esta tuvo sus más y sus menos, ‘Nave Dragón‘ vuelve al top 10. En concreto sube del puesto 20 al puesto 9, pues además, estos días se ha añadido al álbum el tema ‘Mojaíta’, que debuta en el puesto 18 de Singles. Pero hay más discos de Lola Indigo en el top 100.
Esta semana en que congregó a más de 60.000 personas en Madrid, ‘El Dragón‘ vuelve al puesto 81 en su 77ª semana en listas. Y ‘GRX‘ vuelve al puesto 92 en su 56ª semana en listas. Ambos han sido certificados como discos de oro.
No hay grandes novedades en el top esta semana, tampoco por la parte baja, pero sí hay que destacar una serie de entradas: Violeta llega al número 29 con ‘Violeta‘, Van Morrison llega al número 35 con ‘Remembering Now’ y Xavibo lo hace en el puesto 60 con ‘No te enamores’.
En cuanto a remezclas, reediciones y compilaciones, The Cure cuelan en el puesto 34 ‘Mixes of a Lost World’, Duncan Dhu en el puesto 39 ’40 aniversario’, y Metallica en el puesto 43 la edición remasterizada del polémico ‘Load’ de 1996, en el que adoptaron un tono más grunge.
Karol G hizo magia con ‘Si antes te hubiera conocido‘, no porque se convirtiera en la canción del verano indiscutible de 2024 en el mundo hispanohablante, que también, sino porque era una de sus composiciones -de ella y su equipo creativo- más depuradas e inmediatas: pocas veces me ha gustado tanto una canción en una primera escucha, y pocas veces me la he aprendido tan rápido.
‘Si antes te hubiera conocido’ además transmitía una sensación de frescura que no termina de agotarse: la canción sigue rondando el top 10 de la lista de singles española justo un año después de su lanzamiento. El repertorio de ‘Tropicoqueta’, el nuevo disco de Karol G, no iguala su frescura, quizá porque solo se puede hacer magia una vez. En el caso de Karol, una vez al año al menos.
Las canciones de ‘Tropicoqueta’ cumplen su cometido de recorrer diferentes estilos de la música latina con los que la colombiana Carolina Giraldo ha crecido. Ella cuenta entre sus inspiraciones a gente tan dispar como Selena Quintanilla o Helenita Vargas. Sin embargo, la sensación de homenaje y recreación prevalece a lo largo de las 20 pistas de ‘Tropicoqueta’, sin que ninguna canción sobresalga especialmente, o destaque de forma tan inmediata como lo hacía aquel merengue de despecho.
La celebración de la música latina de ‘Tropicoqueta’ atraviesa varias décadas, desde las congas de los Beatles en ‘And I Love Her’ (1964), sampleada en el interludio ‘A su boca la amo’, que parece de Kali Uchis, hasta el sample del meme de niño Felipe popular en TikTok utilizado en la pista titular, que rinde tributo a la «hora loca» de las fiestas colombianas, de manera muy divertida y graciosa. «La Reina» que «presenta» el disco no es otra que Thalía, al ritmo de ‘Piel morena’ (1995).
La perspectiva, por supuesto, es femenina, «coqueta» y romántica, desde el retrato de una chica joven y libre, con «sueños y metas», en la melancólica ‘Ivonny Bonita’, que samplea ‘Be My Lover’ (1995) de La Bouche, hasta el amor devoto de ‘No puedo vivir sin él’, un vallenato colombiano que se mira en los clásicos, pasando por el desgarre emocional de ‘Ese hombre es malo’, una ranchera inspirada en Rocío Dúrcal. El reggaeton de ‘Latina Foreva’ es un bailongo homenaje a las chicas presumidas que convierte en hit -ya real- su recuperación del ‘Oye Mi Canto’ (2006) de Nina Sky.
Las canciones de ‘Tropicoqueta’, que incluyen instrumentos reales tocados en vivo, se suceden saltando de estilo en estilo, acorde al concepto del álbum, pero las melodías escritas por Karol G y su plantel de colaboradores habituales -Edgar Barrera a la cabeza- saben demasiado a recreación. La sensación, escuchando el tecno merengue de ‘Papasito’, la balada pop ‘Coleccionando heridas’ con Marco Antonio Solís o el vallenato de apoyo emocional de ‘Amiga mía’ con Greecey, es que todas imitan clásicos pero lo hacen sin chispa y sin sonar contemporáneas.
Entre las piezas más originales hay que destacar ‘Cuando me muera te olvido’, que adapta a la cumbia la melodía de ‘Careless Whisper’ (1984) de George Michael. Sin sample, la «interpolación» de esta famosísima melodía la hace parecer original, pero la canción -una de las mejores del álbum- funciona principalmente gracias a este préstamo compositivo. Por otro lado, es una sorpresa ver a Manu Chao colaborar en ‘Viajando por el mundo’, pero la canción no contiene ningún aliciente más allá de evocar los ritmos nómadas de ‘Me gustas tú’.
El disco va poco a poco sucumbiendo a la imitación y se instala en un viaje sin baches pero también sin grandes picos. ‘Un gatito me llamó’ es un dembow dominicano que Lírico en la casa habría hecho más divertido y adictivo. El funk brasileiro de ‘Bandida Entrenada’ suena a fórmula a estas alturas. Y las concesiones reggetoneras, especialmente el trío de ‘Tu perfume’, ‘FKN Movie’ y ‘Se puso linda’, huelen a relleno de discos anteriores. ‘Verano rosa’ de hecho es un rescate del disco anterior. El público lo está oyendo por la curiosidad de escuchar juntos a Karol G y Feid, que son pareja. La canción es una más.
A Karol G hay que conceder el mérito de entregar una obra ambiciosa y diversa que pretende universalizar la música latina en un solo disco. Su función es la misma que la de Beyoncé en la música negra, rescatar nombres olvidados como el de Eddy Lover -que aparece en el riddim de ‘Dile luna’- para descubrírselo a los fans de Mariah Angeliq o Feid. Sin embargo, las canciones de ‘Tropicoqueta’ no reflejan su ambición y suenan derivativas y como si ya las hubieras escuchado antes. Como si antes las hubieras conocido.
Si algo necesita la gente joven es un espacio en el que poder ser creativa, comunicar inquietudes y compartir ideas. A lo largo de los años, entrevistando a artistas internacionales —en especial a los suecos—, hemos comprobado con envidia cómo, desde las instituciones locales, se fomentan espacios para músicos y jóvenes artistas de otras disciplinas, donde puedan ensayar o compartir su visión: lo que les gusta de este mundo y lo que cambiarían. La historia del pop lo atestigua: nada como un garaje para dar forma a una visión artística.
El GARAJE AQUARIUS, situado en Espacio Larra, en la calle Larra de Madrid, ha nacido este verano con ese propósito: ser un lugar donde desarrollar tus hobbies o adquirir otros nuevos, como hacer música, pintar, streamear, estudiar o trabajar, siempre manteniéndote bien hidratado. El garaje, disponible de lunes a jueves de 16:00 a 22:00 horas y de viernes a domingo de 11:00 a 22:00, se divide en varias salas creativas.
GARAJE AQUARIUS cuenta con cinco estudios diferentes para músicos, cada uno dedicado a una especialidad: desde los pianistas al estilo Amaia hasta quienes disfrutan lanzando barras como Bad Gyal o Rels B. Como cada artista tiene su propio estilo, los estudios se organizan por sabores.
El box llamado AQ Limón es el más completo, pues dispone de batería, ampli, micrófono e instrumentos. El AQ Naranja Clásico ofrece batería, ampli y micrófono (los instrumentos van a cargo del usuario). El AQ Limón Zero se centra en piano y voz. El AQ Naranja Zero está pensado para voz, ampli y guitarra. Por último, el AQ Melocotón Rojo está diseñado para música urbana, con voz, mesa de DJ, PC con interfaz de audio y asesoría para cantantes.
La duración de cada sesión es de una hora y se recomienda un máximo de cuatro personas por box.
Si no tienes muchos conocimientos musicales, pero lo tuyo fue el bachillerato artístico, el espacio también tiene propuestas para ti: hay tres zonas para graffiti y seis áreas con lienzos de distintos tamaños, donde podrás expresar tu creatividad. El lugar dispone de sprays, lápices, pintura acrílica, todo tipo de pinceles y carboncillos. Lo único que debes llevar es inspiración y ganas de dejarte llevar.
El pasado jueves 19 de junio tuvo lugar la primera actividad especial: una masterclass con Carlos Galán de Subterfuge, en la que habló del sello que desarrolló carreras tan importantes como las de Fangoria a finales de los 90 o los multiplatino La La Love You en la actualidad. Marta de la Fuente ofreció cuatro turnos de masterclass de pintura que se pudieron reservar para el 20 de junio, y esta semana habrá más clases y podcasters.
El miércoles 25 será uno de los platos fuertes, pues Dani Fernández ofrecerá una sesión de «coaching» a partir de las 19.00, en la que esperemos que nos dé consejos sobre cómo ha llegado a petarlo hasta convertirse en el mayor superventas nacional de Warner España en todo 2024. El 26 de junio estará por allí la gente de Keep It Cutre y el 30 de junio, Radio La Pera.
Algunos de los invitados son artistas como Jordana B o Vicente Calderón. El garaje cerrará sus puertas el 4 de julio.
Leire Martínez formará parte del jurado de Operación Triunfo 2025, informan medios como El Periódico. Martínez compartirá mesa con Abraham Mateo, Guille Milkway y Cris Regatero.
Martínez, que este año ha lanzado su primer single fuera de La Oreja de Van Gogh, ‘Mi nombre’, volverá a participar en un talent después de darse a conocer en Factor X hace 17 años. Esta vez, claro, pasa del papel de concursante a jurado.
Martínez, que el año pasado cerró su etapa en La Oreja de Van Gogh, presenta estos días novedad musical, ya que aparece en el nuevo álbum del rapero granadino SAIKO, ‘NATSUKASHII YORU’. Martínez figura en el corte 8, ‘Mariposas’.
En cuanto al resto de jueces, Abraham Mateo consolida su participación en Operación Triunfo tras su visita a la edición 2024 y su colaboración musical con Naiara. Guille Milkyway -líder de La Casa Azul- vuelve a OT tras haber ejercido de profesor de cultura musical en la edición de 2017. Y Cris Regatero, periodista de Los 40, repite una edición más, al contrario que Pablo Rouss y la enorme Buika.
Operación Triunfo 2025 se estrena en septiembre de 2025 en la plataforma de streaming Prime Video, donde se transmitió la edición de 2023. La captación de talentos arrancó el 5 de mayo en Barcelona y acaba el 12 de julio en Madrid. 5 de mayo: Barcelona
8 de mayo: Valencia
12 de mayo: Santiago de Compostela
14 de mayo: Bilbao
16 de mayo: Zaragoza
19 de mayo: Málaga
22 de mayo: Sevilla
28 de mayo: Las Palmas de Gran Canaria
12 de julio: Madrid
El pasado viernes se celebraba en Madrid la primera jornada de Kalorama, también había un festival gratuito en Matadero con artistas internacionales del nivel de Sofia Kourtesis, Dorian actuaban con Miranda! en el Parque Enrique Tierno Galván, Dellafuente en el Metropolitano, y por supuesto había todo tipo de convocatorias underground en salas como Wurlitzer. En El Sol, la opción era un programa doble de joseluis con Casero también muy tentador y ambos lograron congregar a un par de cientos de personas.
joseluis actuaba por primera vez en Madrid y la expectación era considerable para quienes entendemos en ‘Por ahora para siempre‘ uno de los mejores álbumes de 2025. Más de uno ha de pensar lo mismo que Bunbury y yo a juzgar por cómo se empiezan a tararear algunos estribillos, cómo se jalean las canciones favoritas al empezar y al terminar, y cuántos vinilos se vendieron al final. Un termómetro infalible el del éxito de un puesto de merchandising: joseluis firmó discos y se hizo fotos durante un cuarto de hora largo tras terminar su set.
Él mismo no se había vendido muy bien en las entrevistas previas, afirmando que como guitarrista, va «justo». Solo estaba intentando contener un hype. Las canciones de su primer disco que mejor sonaron en vivo fueron las que más se acercan al grunge de los 90. ‘Fortuna’, ‘Dónde estás’, ‘Accidente’… sonaron correctas en el formato trío -él mismo a la guitarra, un bajista/teclista y un batería- por el que de momento opta joseluis. Otras que tienen un carácter más acústico, que cuentan con pasajes distintos en la misma pista o que en el disco cuentan con cuerdas, como ‘Todo lo malo’ o ‘La gravedad‘, sí que agradecerían la presencia de un músico extra para adquirir más músculo.
También hay que tener en cuenta que esta era la primera vez que el artista interpretaba en vivo algunas canciones, como fue el caso de ‘Alguien con mi nombre’. Así que de momento lo que hay que destacar es que José Luis Beltrán lo tiene. Tiene voz para llenar una sala como El Sol, tiene la actitud para chulear al público (al final de ‘Accidente’ lanzó un besito), tiene a la vez la humildad para reconocer frente al respetable que está emocionado de recibir tantos aplausos y vítores, y tiene la ambigüedad. Lo digo porque muchas de las frases de sus canciones, en especial ‘Miedo de un país’ o ‘Todo lo malo’ parecían de repente hablar de la actualidad nacional. «Lo último que quiero es la verdad», cantaba él, y tú pensabas: «pues la verdad que sí».
Paranoias aparte, la hora de concierto de joseluis resultó muy amena, sin versiones ni concesiones, tan sólo recurriendo, como él mismo explicó, a las 12 canciones escritas de su puño y letra que tiene publicadas. Las últimas fueron ‘Fortuna’ y ‘Navajas de Albacete’, de la que hasta se vio una camiseta de fan, amateur. Un show de lo más presentable en fiestas populares y festivales este verano, que ciertos promotores ya están tardando en contratar. 8,5.
Ainhoa Laucirica
Casero actuó antes, aunque podía haberlo hecho después. Tanto daba. El proyecto de Gabriela Casero apostó, quizá dadas las circunstancias, por un formato de cuarteto pop-rock, acompañada de una guitarrista, una bajista y un batería. Sin los matices electrónicos de algunas de sus producciones más populares, como ‘Cuanto más’, las composiciones no decayeron, sino que resultaron igual de frescas.
Y eso que ella no parecía estar pasando su mejor momento en lo personal. «Estoy triste, este maquillaje no es casualidad», confesó sobre los motivos negros en forma de lágrima emo que había escogido. A su vez, también se reconoció «hipocondríaca», revelando que le dolía una pierna. Nada que se notara en la interpretación de su set, del que ella llegó a afirmar que «le daban igual los gallos» que le pudieran salir en ‘Islas desiertas‘, porque estaba muy tranquila. Algo que consiguió transmitir. Lo de Casero cada vez es menos «casero» y más profesional. 7,5.
