escribe aquí...
Inicio Blog Página 535

Eurovisión 2021: guía para la primera semifinal

Por
Sebas E. Alonso
-
15

Esta semana se va a celebrar el Festival de Eurovisión pase lo que pase con la pandemia: cada país podrá presentar un vídeo de una actuación si su delegación no puede actuar en Rotterdam debido al coronavirus. Tras realizarse los primeros ensayos, varias delegaciones ya están en cuarentena debido a algún positivo entre sus miembros, como ha sido el caso de Polonia o Islandia, una de nuestras favoritas.

Los protocolos anti-covid19 están siendo agresivos en la realización de pruebas a todo aquel que se ha desplazado a Holanda para el certamen, pero en ningún caso peligra el festival, a diferencia de lo sucedido en 2020, pues desde el principio se han barajado 4 escenarios, el más extremo de los cuales implicaba que nadie de hecho viajaría a Rotterdam, extremo este ya superado. En concreto, si alguien no puede actuar, el festival emitiría la grabación de los segundos ensayos o una actuación grabada en vivo con anterioridad.

Este martes se celebra la primera semifinal, seguida de la segunda semifinal el jueves, después por cierto de que se emita el falso documental sobre Azúcar Moreno, ‘1990: la victoria decisiva’ (jueves, 20.25, en La 2 de RTVE). Se trata de una fantasía realizada por parte del equipo habitual en la realización de Eurovisión en RTVE. Lo han dirigido César Vallejo y Ángela Gallardo, con guion de Paco Tomás, mientras la realización ha corrido a cargo de Rodrigo G. Simón.

España, como siempre, actuará directamente el sábado como parte del privilegiado «Big Five». En este artículo ofrecemos una guía para seguir la primera semifinal de este martes 18 de mayo: 16 países de los que se clasificarán la mayoría, 10.

Os recordamos que hay un SURVIVOR de Eurovisión 2021 en nuestros foros y un foro aparte para el certamen en sí.

Lituania, una apuesta semi underground

La primera semifinal de Eurovisión comenzará por todo lo alto con una de sus propuestas más pintorescas: el grupo de pop The Roop con una canción llamada ‘Discoteque’, con aparente influencia de ritmos nórdicos tipo GusGus. La composición es una especie de Depeche Mode meets Scissor Sisters meets “no-tenemos-canción-en-absoluto”, mientras la puesta en escena, coreografiada, queda distorsionada por su altísimo líder, una mezcla entre el cantante de James, WhoMadeWho y un niño de 5 años. Ojo: va 9ª en las casas de apuestas.

Eslovenia: “Hello? It’s me”

Mucha menos suerte parece que correrá la balada ‘Amen’ de Ana Soklič, cuyas notas iniciales a piano no recuerdan absolutamente nada a ‘Hello’ de Adele. Después, el obligado subidón eurovisivo, con unos tonos fuego que ni Eleni Foureira.

Rusia celebra el 8-M

De nuevo clasificación segura para Rusia, esta vez con una propuesta muy atípica para ellos por parte de Manizha, que presenta un tema llamado ‘Russian Woman’. La Terremoto de Alcorcón, Las Supremas de Móstoles y Missy Elliott podrían ser las referencias mundanas de esta canción que en realidad fue escrita el 8-M (de 2020) y que ha desatado cierta polémica por su mensaje feminista, pues Rusia no es el país más conocido por su progresismo y además la artista es de ascendencia tayika. Manizha, defensora también de los derechos LGTB+, habla aquí de la historia de la mujer en Rusia a lo largo de los siglos.

Suecia, favorita… de una semifinal

Siempre entre los favoritos hallamos al país de ABBA, aunque esta vez con menos opciones de ganar que en otras ocasiones. Digamos que Suecia ha preferido conformarse esta vez con ser una de las favoritas de la primera semifinal, nada más. Tusse acude con un medio tiempo llamado ‘Voices’, con tintes de “power ballad” ochentera, tan correcta como random. El país de ‘Heroes’ no despliega este año su gran arsenal de ideas, precisamente.

La batidora multicolor de Australia

Australia concurre en Eurovisión sin poder viajar a Rotterdam debido a las restricciones para volar. Lo hace sin demasiadas opciones con el tema de empoderamiento de Montaigne, que osa meter en la misma batidora ritmos de Michael Jackson, Timbaland y Aqua pasadísimos de éxtasis, mientras su voz e imagen pululan entre la Dolores O’Riordan post-‘Zombie’ y la Katy Perry post-‘Prism’. ¿Puede ser eso bueno?

El baladón tipo Queen de Macedonia del Norte

Vasil protagoniza un vídeo lacrimógeno sobre la cancelación de Eurovisión el año pasado que ha emocionado al público tanto como su balada ‘Here I Stand’, tipo Queen, en las casas de apuestas: va 36ª en las mismas.

Irlanda, un agitado pop-rock con diva

Lesley Roy, que en su único disco de 2008 llegó a colaborar con Max Martin, ha protagonizado un comeback recientemente en su Irlanda natal. Acude con un pasable tema de pop-rock agitado llamado ‘Maps’ que debería clasificarse dada su escasa competencia en dicho estilo esta noche… y dado el poco cariño que recibe de Europa este histórico del festival.

Chipre busca ‘Fuego’ con ‘Diablo’

Al fin, una posible ganadora de la noche: si hacemos caso de las apuestas, Elena Tsagrinou sería 2ª en la primera semifinal, tan sólo por detrás de Malta. ‘El diablo’ es una deslavazada producción que incorpora palabras en castellano y voces infantiles tratadas, aspirando a ser el “sleeper” de 2021, como en su momento lo fue ‘Fuego’ sin ganar. Britney Spears, Alizée y Patsy Kensit parecen los referentes estéticos de una actuación que estará marcada por la coreografía.

Noruega, el ángel caído

En Eurovisión no hay tiempo de pensar ni para ser sutiles. La canción noruega de Tix, a medio camino entre la balada jevi de los años 80 y la boyband de los 90 tipo Backstreet Boys, nos habla de un “ángel caído”, y eso es exactamente lo que planta sobre el escenario ‘Fallen Angel’. Con todo el humo blanco, rayos y ángeles de pluma negra que piensan desplegar en las tablas, tienen el voto friqui casual asegurado.

Croacia concurre con un ‘Tick-Tock’

Croacia ha titulado su canción ‘Tick-Tock’, casi como la red social de moda, como si tal cosa pudiera ayudar en algo. Mucho más interesante que su título es el modo en que la canción se transforma en su estribillo para dejar atrás lo que parecía una línea melódica bastante pobre. Pese a lo barroco de la apuesta, lo que incluye un vídeo al que lo mismo le da ser inclusive que la contratación de un montón de ositos de peluche, ‘Tick-Tock’ ha podido ser número 1 en Croacia, que ya es más de lo que podemos decir nosotros de nuestra canción.

Bélgica trae de vuelta a Hooverphonic, ¡con Geike!

Los mismísimos Hooverphonic, autores de éxitos alrededor del año 2000 como ‘Mad About You’ o ‘Eden’, han estado entre los damnificados que no pudieron acudir a Eurovisión el año pasado pero vuelven a intentarlo otra vez. Y ellos vuelven mejorados. Perdida la cuenta de cuántas vocalistas pasaron por el grupo, la Geike Arnaert que conocimos al frente de Hooverphonic entre 1997 y 2008 ha vuelto a la banda. Desearíamos que ‘The Wrong Place’ fuera un tanto más contundente, pero es de lo poco parecido a una canción que podríamos volver a escuchar en 2030, de entre todo lo que escucharemos este martes. El tema trata de dejar atrás una noche de malas decisiones, con una extraña mención a una camiseta de Johnny Cash, en sintonía eso sí con sus guitarras americanas. Van 20º en las apuestas, pero esperemos que no acaben donde Kate Ryan.

Israel: pop colorido a lo Dua Lipa

Entre las pocas que han optado por coger algo de la moda Dua Lipa, la participante israelí Eden Alene, que acude con la colorida ‘Set Me Free’, tan actual que se confunde con uno de los anuncios que suelen aparecer en Youtube. Está por ver si la ofensiva bélica de Israel en Gaza tiene algún efecto en el televoto. En principio, hay que recordar que Israel ha sido la penúltima ganadora de Eurovisión.

Rumanía, entre Billie Eilish y Loreen

Varios países de la segunda mitad de esta semifinal aparecen muy próximos en las casas de apuestas: Bélgica, Israel, Rumanía, Azerbaiyán… y no hay espacio para todos. Roxen aspira a llevarse los votos de los seguidores de Billie Eilish con el medio tiempo ‘Amnesia’, mínimamente actual, y a la vez con capacidad para gustar a los nostálgicos de Loreen.

La ‘Mata Hari’ de Azerbaiyán

Ni un montón de gritos, un puente machacón y un título tan recordable como ‘Mata Hari’ han podido llevar a Azerbaiyán demasiado lejos en las apuestas con lo que parece una candidatura demasiado evidente, desesperada y sobrecargada para los tiempos que corren. Con todo, será difícil que Efendi sea eliminada: Azerbaiyán se ha clasificado siempre para la final, excepto en una ocasión en la que quedó 11ª en su semifinal: a un puesto de conseguirlo.

Ucrania, una buena rave en el apocalipsis

Ucrania vuelve a apostar por los guiños folclóricos que tan bien le han ido en ediciones como la de Ruslana o la de Jamela. Veremos si no vuelven a ganar con ‘Shum’ de ‘Go_A’, realmente una de las canciones más cautivadoras y llamativas de este festival. La grabación alterna flautas con beats como aportados por The Knife y un ritmo que se va acelerando frente a una multitud enloquecida en un videoclip que comienza pareciendo político para terminar pareciendo pandémico. Muy bien jugado.

Malta, la (sobrevalorada) favorita

Malta es la gran favorita de la noche, pues es hasta 3ª en las casas de apuestas con ‘Je me casse’, un número dance tipo batiburrillo y cortinilla televisiva que recuerda en exuberancia a Lizzo y un poquito a la Netta de ‘Toy’, pero sin el componente friqui. Puro Eurovision “old school”, puede sembrar todo un precedente de purpurina y brilli-brilli si se hace con la victoria. Cuando lo demodé se confunde con lo «revival».

Podcast: ¿quiere España realmente ganar Eurovisión?

Tipo Test: Joe Crepúsculo habla de Pink Floyd, C. Tangana, Karol G, Genesis…

Por
Sebas E. Alonso
-
27

Este viernes comienza el ciclo Tomavistas Extra, que presenta actuaciones de gente como Maria Arnal i Marcel Bagés, La Bien Querida, León Benavente y un largo etcétera que puedes consultar en su página web. El día 30 de mayo será el turno de Joe Crepúsculo, con Colectivo da Silva como teloneros, en lo que será ocasión de escuchar en vivo ‘Supercrepus II‘, uno de los álbumes de 2020 que sí han podido presentarse en vivo en un par de ocasiones, pero al que la pandemia parece haber impedido brillar con la plenitud que merecía. Esta será ocasión de oír en directo himnos como ‘Serenata’, ‘Cuarentena sin ti’ o ‘Lo peor’ (suponemos que formarán parte de su repertorio, ojalá también ‘Hoy no sale el sol’ o ‘No sé si es amor’), junto a sus «grandes éxitos». Hablamos con Crepus sobre su música favorita; puedes repasar nuestra entrevista en torno a ‘Supercrepus 2’, aquí. Foto: Silvia Roca.

¿Qué disco marcó tu adolescencia?
El ‘The Dark Side of the Moon’ de Pink Floyd. No sé si marcó mi adolescencia pero recuerdo escucharlo con mucha ilusión.

¿Tienes canción favorita de todos los tiempos o alguna que nunca jamás te haya dejado de acompañar?
‘La Isla Bonita’ de Madonna y ‘Misery and Gin’ de Merle Haggard.
¿Qué disco es el que más has escuchado últimamente?
El de C Tangana.


¿Hay algún disco o canción que crees que vayas a asociar a la pandemia aparte de la propia, ‘Cuarentena sin ti’?
‘Follow’ de Karol G con Anuel AA.
¿Alguna canción que odies con toda tu alma?
No, ¿para qué? Mejor ver lo positivo de todas las cosas que se hacen, siempre hay un ángulo por donde pasa la luz.

¿Alguna actuación vocal en particular? ¿O prefieres seleccionar un riff de teclado favorito de todos los tiempos, dado tu estilo musical?
Así, sin pensarlo mucho, diré la guitarra del principio de ‘So Far Away’ de Dire Straits. Me lleva a cuando era pequeño y el olor del jabón en las duchas de los campings.
Hace poco nos hablabas de la influencia de Genesis y Supertramp. ¿Alguna vez te avergonzó que te gustaran delante de ciertos sectores?
Nunca me avergonzó, pero muchas veces creyeron que lo decía de coña.
¿Podrían ser tu concepto de guilty pleasure o no existe tal cosa?
No me gusta ese concepto, me gusta lo que me gusta y lo disfruto sin más.

¿Algún remix favorito de todos los tiempos?
Me encanta ‘Zoolook’ de Jean Michel Jarre, que es una especie de remix de ‘Zoolookoologie’ o al menos siempre lo pensé así. Si no, cualquiera de Larry Levan.
¿Y videoclips?
‘Lost Cause’ de Beck.

¿Algún concierto que recuerdes con especial cariño?
Los Mirlos en Bogotá y Tomeu Penya en Mallorca.
¿Sigues comprando discos en formato físico? En caso afirmativo, ¿cuál fue tu última compra?
Sí sigo comprando, el último que compré es el ‘Parc’ de Ferran Palau, que me encanta.

¿Alguna plataforma favorita para escuchar música? ¿Eres de los que ya se ponen un disco entero en youtube?
Para estar en plan contemplativo la plataforma del tocadiscos y en digital la que suelo usar y donde hago mis playlist públicas y de trabajo es Spotify.

¿Qué canción de ‘Supercrepus 2’ crees que ha pasado desapercibida debido a la pandemia y a lo poco que has podido tocar en directo? ¿Quizá ‘Baila hasta morir’, ‘Hoy no sale el sol’…? ¿Algún plan para relanzar alguna?
Pues no sé, a mí me gusta ‘Comiendo shawarmas’, pero no sé cómo medir si ha pasado desapercibida.

Chica Sobresalto / Sinapsis

Por
Sebas E. Alonso
-
5

Un buen día Chica Sobresalto se matriculó en Psicología en la UNED. Y cuenta que lo hizo más que porque le interesara «la ciencia», buscando respuestas a preguntas sobre procesos mentales y emocionales que ella misma ha experimentado a lo largo de su vida. Eso explica el nombre de este disco, ‘Sinapsis’, una aproximación intercelular entre neuronas; y también el título de las canciones del mismo, cosas como ‘Somatropina’, ‘Melatonina’, ‘Dopamina’, ‘Endorfina’, ‘Adrenalina’, ‘Serotonina’ u ‘Oxitocina’. Menos mal que existe la Wikipedia: no las tengo todas conmigo de que cupieran en el diccionario Iter Sopena.

Musicalmente, la línea artística es algo más sencilla de explicar: a Maialen Gurbindo le cambió la vida ‘1999’, el disco de Love of Lesbian de 2009, dice para ser exactos que aquellos vídeos dirigidos por Lyona le «volaron la cabeza», por lo que ha recurrido a un equipo artístico similar. Lyona está detrás de los vídeos de ‘Fusión del núcleo’, ‘Selección natural‘ o ‘Adrenalina‘, mientras en la producción musical encontramos a Santos y Fluren. Además de con Love of Lesbian, ambos han trabajado con Sidonie y Quique González, y de manera significativa el último de Luz Casal, a quien nos puede recordar el tipo de pop-rock que Chica Sobresalto presenta en la pista 1, ‘Somatropina’.

Los estudios de Psicobiología sobre hormonas y neurotransmisores sirven a Chica Sobresalto para tratar de encontrarse a sí misma en unas canciones que hablan sobre autoestima (la mencionada ‘Somatropina’), desafiar «las leyes de la física» (‘Melatonina’) o firmar «tratados de paz con una parte de tu sien» (‘Serotonina’). En ocasiones y al margen de sus apuntes universitarios, pues parece influencia más bien de algunos de los músicos que admira o con que ha trabajado, el mensaje se pierde entre «catarsis de psicodelia», «explosiones de excentricismo narcisista» y «estupefacientes psicotropicales», como sucede en la colaboración con Zahara, ‘Adrenalina’. Cuando tratas de hablar en voz alta de algunas de estas canciones, esto a veces parece -más que un álbum- un examen de la carrera para el que no has estudiado lo suficiente. Algo que no le pasó precisamente a Juan Luis Guerra en ‘Bilirrubina’.

No parece casualidad que ‘Sinapsis’ sea mucho mejor cuando se comunica con el público a través de palabras mundanas, por todos asumibles. Después de un medio tiempo electrónico llamado ‘Endorfina’, sexual y evidente junto a Nixon (el grupo, no Francisco), emerge la mejor canción de su repertorio. ‘Selección natural’ es una composición a piano dividida en fases que critica que en el mundo Operación Triunfo -y en otros sitios- «todo gire demasiado deprisa». Como metáfora, se permite el lujo de añadir una coda preciosa de 2 minutos cuando ya la habías dado por terminada. Tras afirmar que ella no piensa «jugar a selección natural / sálvese quien quiera que yo no», Gurbino ofrece una reflexión interesante: «Necesito volver a respirar bajo el agua / Ser un animal que se adapta al medio / Pero me he convertido en el medio al que nadie se adapta».

‘Fusión del núcleo‘ es la otra gran cumbre del álbum, además realzada por el pie que le ofrece en sus últimos segundos ‘Oxitocina’, extrañamente orientada hacia la guitarra cruda de PJ Harvey (como ‘Dopamina’, que también es algo áspera). ‘Fusión del núcleo’ contiene el estribillo más destacable del álbum, uno que podrían haber entonado Amaral, sin traicionar las campos semánticos del álbum, «moléculas» y otras muchas cosas, tales como «cuerpos celestes». A veces esas figuras literarias son rocambolescas o excesivas, produciendo un aviso de «exceso de carga». Sin embargo, no es lo que sucede con la composición ni con la producción, con pequeños arreglos de cuerda o teclados muy bien traídos, señal de un buen gusto musical que apreciamos especialmente en ‘Serotonina’, de un acabado un tanto Beth Orton.

Tímida entrada de ‘Higher Power’ de Coldplay en la lista de singles española

Por
Jordi Bardají
-
7

La lista de singles española sigue liderada por ‘Pareja del año’ de Sebastián Yatra y Myke Towers, seguida por ‘Fiel’ de Los Legendarios, Wisin y Jhay Cortez y ‘Am’ de Nio Garcia y Flow La Movie. Completan el top 5 ‘Flamenco y bachata’ de Davilés de Novelda y ‘Tiroteo‘ de Marc Seguí y Pol Granch, una de las mejores canciones del momento (sobre todo sin Rauw Alejandro). Dentro del top 10 asoma también la subida más fuerte de la semana, la de ‘La historia El Taiger’ de El Taiger y DJ Conds, que sube del 18 al 6.

‘Tiempo’ de Ozuna es la entrada más fuerte de la semana, pues aparece en el puesto 29 y, en contraposición, ‘Higher Power‘ de Coldplay es la canción que más bajo entra en lista, en el número 72. ‘Higher Power’ por supuesto ha entrado en una buena posición en la lista de singles de Reino Unido, en el 12, pero no tan buena como se esperaba y los resultados han sido decepcionantes en el resto del mundo.

La canción, producida y co-escrita por la fábrica de hits Max Martin, que viene de arrasar con ‘Blinding Lights’ y ‘Save Your Tears’ de The Weeknd, ha sido número 20 en Irlanda, 28 en Suecia, número 36 en Alemania, número 52 en Italia, número 44 en Australia y número 98 en Francia; pero lo peor es que, a excepción de Irlanda y Suecia, pero incluyendo Reino Unido, el primer single del nuevo disco de Coldplay ha caído ya de los top 50 de Spotify de todos estos países (también de España), por lo que se puede decir que está pasando totalmente desapercibida.

El resto de entradas en lista son ‘El tren’, el nuevo reggaetón melódico con guitarra acústica de Micro TDH y Myke Towers, que aparece en el 58; ‘Como antes’, el enésimo single de Rels B, que lo hace en el 65; y el reggaetón más duro de ‘Poblado’ de Crissin, Totoy El Frío, Natan y Shander, que entra en el 68.




Miguel Ríos, Arde Bogotá, Weezer… entran en la lista de álbumes; Baiuca en la de vinilos

Por
Jordi Bardají
-
0

‘El Madrileño‘ vuelve al número 1 de la lista de álbumes española después de caer al 4 tras las entradas de los discos de Robe de Extremoduro y Zahara. El primero pasa del 1 al 2 y la segunda del 2 al 14. Camilo permanece en el 3 y Derby Motoreta’s Burrito Kachimba suben del 51 directos al 5 gracias a su nuevo disco ‘Hilo negro‘, que ha sido el vinilo más vendido de la semana. El disco ya había sido top 9 en la lista de álbumes en su semana de entrada, pero el grupo mejora ahora el dato anterior.

La entrada más fuerte de la semana es ‘Un largo tiempo’ de Miguel Ríos, que entra en el número 7, seguido por Van Morrison y su ‘Latest Record Project Volume 1’ en el 11. ‘La noche’ de la banda murciana de desafortunado nombre Arde Bogotá entra en el 22 y, a continuación, Xoel López coloca en la tabla de álbumes los dos discos que acaba de reeditar en vinilo: ‘Atlántico‘ entra en el 37 y ‘Paramales‘ en el 45, y son top 6 y top 7 en la lista de vinilos, respectivamente.

Aparecen también en la lista general de álbumes una serie de álbumes en directo que acaban de ser editados en vinilo, por si no quedaba claro lo mucho que moviliza a la audiencia este formato a día de hoy: ‘En directo, Anataisuna Pamplona, 5 de mayo 1984’ de Ramoncín entra en el 46, ‘At the BBC’ de Amy Winehouse (que ya fue editado en cuádruple CD un año después de su muerte) en el 57 y ‘Education, Entertainment, Recreation’ de New Order en el 88.

En cuanto al resto de álbumes de material inédito que entran en lista, ‘X: Incondicional Trilogía Parte III’ de Maki debuta en el número 59 y ‘Van Weezer’ de Weezer en el 78 (el grupo sacó otro disco de canciones nuevas el pasado mes de enero). ‘Embruxo‘, el estupendo segundo disco de Baiuca, solo entra en la lista de vinilos, en el número 44. En cualquier caso, es la mejor posición comercial de la carrera de Baiuca hasta la fecha, pues ‘Solpor‘ nunca llegó a aparecer en la clasificación.

J. Cole arrasa en los primeros días de lanzamiento de ‘The Off-Season’

Por
Jordi Bardají
-
2

El rapero J. Cole, conocido por éxitos como ‘MIDDLE CHILD’, ‘No Role Modelz’ o ‘Wet Dreamz’ o por discos como su aclamado tercer disco ‘2014 Forest Hills Drive’, que recibió una nominación a Mejor álbum de rap en los premios Grammy, ha lanzado esta semana su nuevo álbum, ‘The Off-Season’. Es su primer trabajo desde 2018, año en que lanzó el exitoso ‘KOD’, y su contenido está despertando una gran curiosidad en sus primeros días en la calle y no solo en Estados Unidos.

10 de las 12 pistas contenidas en ‘The Off-Season’, todas tituladas en minúscula, con espacio entre cada letra y un punto entre cada palabra, continúan a día de hoy entre las más escuchadas en todo el globo en Spotify. ‘m y . l i f e’ con 21 Savage y Morray es top 9 en la lista solo por detrás de ‘Leave the Door Open’ de Silk Sonic y tanto ‘p r i d e . i s . t h e . d e v i l’ con Lil Baby como ‘a m a r i’ les sigue de cerca en los números 11 y 13, respectivamente. Ninguno de estos temas había sido previamente lanzado como single oficial del disco, pero están produciendo números como si lo hubieran sido, especialmente el mencionado ‘m y . l i f e’, que se aproxima a los 15 millones de reproducciones en la plataforma después de cinco días.

‘i n t e r l u d e’, el segundo single oficial de ‘The Off-Season’, no es en absoluto un «interludio» y está siendo el gran hit de este disco: es muy probable que hoy sea nombrado single número 1 en el Billboard Hot 100 pues sus streamings son estratosféricos para llevar apenas 10 días en la calle. Es top 18 en Spofify, mientras el primer single oficial ‘t h e . c l i m b . b a c k’ saluda desde el número 49. El resto de temas de ‘The Off-Season’ con más escuchas con ‘l e t . g o . m y . h a n d’ (29), ‘a p p l y i n g . p r e s s u r e’ (31), ‘9 5 . s o u t h’ (32), ‘1 0 0 . m i l’ (34) y ‘ p u n c h i n g . t h e . c l o c k’ (45).

Una de las razones del éxito actual de ‘The Off-Season’, que habrá que ver cómo aguanta con el paso de los meses, aunque huelga decir que J. Cole es uno de los raperos más exitosos actualmente en Estados Unidos, es su agradable sonido a medio camino entre el hip-hop actual y el más apegado a los samples de soul clásico, además del ágil flow del rapero. A veces te parece estar escuchando a Kanye West, otras a Kendrick Lamar y otras a Drake y que el álbum contenga producciones de Tommy Parker (Ariana Grande), Bo1da (Rihanna) o Timbaland (Justin Timberlake) deja claro hasta qué punto ‘The Off-Season’ está hecho para ser un producto de masas.

Nacido en Alemania aunque se crió en Carolina del Norte, Jermaine Lamarr Cole publicó sus primeras mixtapes a finales de los 2000 antes de ser fichado por Roc Nation, el sello de Jay-Z. Desde entonces, J. Cole ha conseguido que todos sus álbumes debuten en el número 1 del Billboard, ha igualado un récord de hits de los Beatles y se ha convertido en uno de los raperos más influyentes del momento.

Revelación o timo: COBRAH, la Hannah Montana de la escena fetish sueca, hace pepinazos

Por
Jordi Bardají
-
9

COBRAH es una artista de pop sueca que acaba de lanzar un segundo EP, homónimo, después de darse a conocer con un primer trabajo llamado ‘Icon’ que incluye sus éxitos ‘WET’ y ‘U KNOW ME’, ambos con varios millones de reproducciones en Spotify. La música de COBRAH tiene un pie puesto en el electroclash y el otro en la PC Music y se inspira tanto en la cultura de los «ballroom» como en la de la escena BDSM sueca, a la que ha pertenecido durante un tiempo y donde de hecho se ha dado a conocer dando sus primeros conciertos.

Llamada la «reina lesbiana de la escena fetish sueca», COBRAH empezó estudiando musicales y llegó a tocar la flauta, como Lizzo, pero después de moverse en la escena metalera sueca, la artista se interesó por la electrónica y compuso ‘IDGAF’, un agresivo primer single con versos rapeados que suena a la primera SOPHIE, una de sus mayores influencias. Después, COBRAH se mudó de Gotemburgo a Berlín para seguir buscando su sonido y llegó a «mezclar tecno con melodías árabes y letras que hablaban tanto de las vidas de los hombres gays de Saudí Arabia como de la cinta sexual de Paris Hilton». La experiencia no fue fructífera y COBRAH regresó a Suecia, donde conoció a una fotógrafa fetish que la metió en el mundillo.

COBRAH, que por el día era profesora de primaria y por la noche se embutía en mallas de latex para convertirse en el personaje pop que es hoy (ella se compara con Hannah Montana), hace música para las noches queer sucias y sudorosas que hoy no pueden tener lugar pero lo harán en el futuro. Sus letras apelan a la liberación sexual sin complejos y singles como ‘WET’ o ‘DEBUT’ son absolutos rompepistas de electropop futurista que algún día encontrarán su lugar en todo buen club queer que se precie.

Sin embargo, el segundo EP de la artista ha abierto su camino a nuevos sonidos, como el drum ‘n bass distópico de ‘DIP N DRIP’, que parece de la última Grimes, o ‘GOOD PUSS’, hoy la «Canción Del Día».

Otro rompepistas serio, ‘GOOD PUSS’ se mete de lleno en los ritmos del house clásico para entregar ese pepinazo de voguing que Azealia Banks hoy en día se niega a sacar, y para hacer un homenaje a los mejores «coñitos» con los que COBRAH puede toparse. Está a medio camino entre Shygirl, Brooke Candy y el ‘When I Rule the Wolrd’ de LIZ pero pasadas por la vía chiflada de Die Antwoord o el mencionado electroclash clásico. La actuación vocal es gélida como manda la ocasión, la letra incluye frases como «sedienta hago squirt», «llevo pintalabios y una falda apretada» o «soy una chica grande y sucia» y el tema se crece con un final de trompetas apoteósico que está llamado a arrasar en las discotecas.







Lo mejor del mes:

Revelación o Timo:

Bilbao BBK Live y Azkena Rock se posponen a 2022

Por
Jordi Bardají
-
2

Bilbao BBK Live y Azkena Rock han anunciado que posponen sus respectivas ediciones de 2021 al año que viene por los motivos que todos conocemos. En un comunicado, Bilbao BBK Live informa que, antes del 8 de julio, fecha en la que se debería haber celebrado el festival este año, anunciará los nombres que formarán parte de Bilbao BBK Live 2022 y detallará el proceso de devolución de las entradas. En la misma línea, Azkena Rock comunicará el cartel de 2022 el día 17 de junio, día en que arrancaba el festival, y esa misma fecha informará sobre la devolución de entradas.

En el mismo comunicado, que no es tan extenso ni bonito como el del año pasado, Bilbao BBK Live indica: «Antes de nada, queremos agradecer a todos la paciencia y resiliencia en estos complicados momentos en los que nos sentimos más arropados que nunca. Como ya os imaginaréis, Bilbao BBK Live no se podrá celebrar en la fecha y forma programada. Tendremos que esperar un poco más y aplazar el deseado reencuentro a 2022».

Y continúa: «Os agradecemos la paciencia y compartimos con todos vosotros el sentimiento de frustración por no poder celebrar el festival un año más. Solo podemos pensar en lo increíble que será el reencuentro tras tan larga ausencia y os garantizamos que la espera merecerá la pena. Volveremos con más ganas que nunca de disfrutar y celebrar la música en directo».

Por su parte, Azkena Rock lamenta: «Creímos sinceramente que podríamos volver a vernos en Mendizabala; sin embargo, aunque la situación es mejor que hace un año y van llegando las vacunas, las medidas sanitarias aún no nos permiten celebrar el Azkena Rock Festival. El maldito coronavirus nos impide por ahora volver a abrazarnos en el reencuentro con la cuadrilla azkenera».

El año pasado, Bilbao BBK Live confirmaba en su cartel la presencia de Bad Bunny, Pet Shop Boys y The Killers como cabezas de cartel, y la de otros artistas como Bicep, Bomba Estéreo, Caribou, FKA twigs, Fontaines DC, Supergrass, El Columpio Asesino o León Benavente. En cuanto a los artistas que habían sido confirmados en la edición 2021 de Azkena Rock se encuentran Iggy Pop, Patti Smith, Brian Wilson, Suzi Quatro, Black Mountain, Fu Manchu, L7 o Lysistrata, Reverend Horton Heat, Robyn Hitchcock o Social Distortion.

Ariana Grande y Dalton Gomez se han casado

Por
Jordi Bardají
-
21

Ariana Grande se ha casado este fin de semana con su prometido, el agente inmobiliario Dalton Gomez, en la que ha sido una ceremonia «pequeña e íntima» a la que han acudido cerca de 20 personas, según ha comunicado un representante de la artista a los medios. Este ha indicado que «la sala estaba feliz y llena de amor» y que «la pareja y las familias de ambos no podían ser más felices».

TMZ informa que Ariana y Dalton se han casado en la mansión de ella en Montecito, en el sur de California, donde también residen celebridades del tamaño de Oprah Winfrey o los duques de Sussex (el príncipe Harry y Meghan Markle). Ariana y Dalton se conocieron a principios de 2020 y se comprometieron a finales de año, justo antes de Navidad, y desde el primer momento la cantante ha mantenido su relación en el ámbito de lo privado: sus apariciones públicas han sido contadas y se han limitado principalmente a las redes sociales.

La noticia llega en un estupendo momento profesional para Ariana Grande, actual número 1 de singles en Estados Unidos gracias al remix de ‘Save Your Tears’ de The Weeknd (hoy martes se conocerá el número 1 de esta semana). Además, ‘positions‘ será seguramente uno de los discos más exitosos de 2021. El nuevo single de este trabajo será el corte final, ‘pov’, dedicado a la relación de Grande con su ahora marido. No existe videoclip para la canción por ahora pero sí se ha lanzado un lyric video protagonizado por dos bailarines.

Calamaro y Alejandro Sanz se cargan lo mejor de ‘Flaca’, en el «Papito» que anuncia Andrés

Por
Sebas E. Alonso
-
31

Aparte de pasarse por ‘El Madrileño’, el disco de C. Tangana, en un ‘Hong Kong’ que ha resultado uno de los temas de mayor animadversión, Andrés Calamaro tiene un nuevo álbum que presentar, o casi. Se trata de ‘Dios los cría’, el típico recopilatorio en el que van a aparecer algunas de las canciones más populares de su vida, pero con otros artistas a modo de dúo. Lo que viene siendo «hacerse un Papito». El disco sale tan pronto como el día 27 de mayo en digital, y el día 28 estará disponible en CD y vinilo.

La lista de artistas invitados es muy variada, pues cuenta con gigantes como Julio Iglesias y Alejandro Sanz, pero además están nuestra querida Mon Laferte, Milton Nascimento, Lila Downs, León Gieco, Juanes, Vicentico, Sebastián Yatra, Raphael, Julieta Venegas y Carlos Vives, entre otros que podéis encontrar listados bajo estas líneas.

Estos días se ha estrenado el single ‘Flaca’, que ahora es un dúo entre Calamaro y Alejandro Sanz. Ni que decir tiene que este es el gran clásico de Andrés Calamaro y fue un enorme éxito en su momento, sumando hoy casi 200 millones de streamings en Spotify, a la altura de clásicos internacionales de los 90 del mundo anglosajón. La nueva producción está basada en el piano, tiene un aroma mucho más latino y menos pop-rock debido a la percusión escogida, es medio digna e interesante… hasta que te das cuenta de que lo mejor de la canción ha sido aniquilado.

‘Flaca’, un clásico indiscutible, terminaba con más de 2 minutos de parte instrumental (apenas aparecían unos coros), con una serie de vientos repitiendo hasta la saciedad la misma melodía, añadiendo alguna nota más y generando un bucle muy adictivo que no deseabas que acabara nunca. La idea era muy sencilla pero atrapaba. El final de esta otra versión en cambio acelera ese final, como con prisas, recortando en 1 minuto la duración total, y matando así gran parte de su encanto. Y es que la grabación termina de perder de esta manera su factor canalla, pues la grabación junto a Sanz ya sumaba ahora en el camino de lo edulcorado.

Este será el tracklist del álbum, en cualquier caso, toda una curiosidad que seguramente sea un éxito, como siempre este tipo de lanzamientos:

BOHEMIO, con Julio Iglesias
TUYO SIEMPRE, con Vicentico
ESTADIO AZTECA, con Lila Downs
PARA NO OLVIDAR, con Manolo García y Vicente Amigo
MI BANDERA, con León Gieco
FLACA, con Alejandro Sanz
TANTAS VECES, con Mon Laferte
ALGÚN DÍA ENCONTRARÉ, con Carlos Vives
JUGAR CON FUEGO, con Raphael
EN UN HOTEL DE MIL ESTRELLAS, Con Milton Nascimento
ENGÁNCHATE CONMIGO, con Juanes y Niño Josele
PASEMOS A OTRO TEMA, con Julieta Venegas
GAVIOTAS, Con Saúl Hernández
HORIZONTES, con Fernando Cabrera
PALOMA, Con Sebastián Yatra, Leiva e Iván Ferreiro

‘Ventura’ de Maria Arnal i Marcel Bagés remite a Luis Buñuel

Por
Joric
-
4

En el prólogo de ‘Un perro andaluz’ (1929), Luis Buñuel aparece abriendo el ojo de una mujer y cortándolo con una navaja de afeitar. Es una de las imágenes más icónicas del movimiento surrealista y de la historia del cine. Una poderosísima metáfora que desafía al espectador a transformar su mirada, a cambiar su forma de ver el mundo, a modificar su manera de interpretar la realidad.

El comienzo de ‘Ventura’, uno de los singles extraídos de ‘Clamor‘, parece perseguir un efecto similar. La imagen de apertura del videoclip, con Maria Arnal mirando a la cámara a través de un foróptero, nos está invitando a mirar con otros ojos, a “graduarnos” la vista para ver “todo lo que no ves… ¡y es!”.

A partir de esa imagen se suceden varias estampas que, desde un punto de vista iconográfico (diseño de decorados y vestuario), pertenecen a ‘Sonoma’, el espectáculo de danza creado por Marcos Morau, director de la compañía La Veronal y del propio clip. Un montaje que, dicho sea de paso, está influenciado por el universo de Buñuel.

‘Ventura’ es una mezcla de danza contemporánea y folclore, articulado a través de un montaje abrupto, y de un juego muy libre -muy surrealista- de formatos, texturas fotográficas y efectos de montaje.

Pantocrator / El chungo colectivo

Por
Sebas E. Alonso
-
0

‘No te puto pilles‘ es una de las mejores canciones que jamás se han escuchado sobre micromachismos y las posturas mitad arrogantes mitad papanatas más lamentables asumidas por un tío en una relación heterosexual. Entonado con toda la ironía del mundo, el estribillo «podemos follar, pero no te puto pilles» se transformó en el gran grito de guerra de Pantocrator, llevando al grupo barcelonés a las listas de lo mejor de 2020. La composición estaba incluida en ‘La masacre de Putis’, el segundo EP del proyecto liderado por Marta Delmont (bajo y voz) y Marina Correa (teclados). El recién editado ‘El chungo colectivo’ es el tercero, mereciendo también una mención el primero ‘Villacapullos’ (2019), pues es donde estaba otro de sus hits, ‘El ministerio de las básicas’, con mención a Tinder; e igualmente su tema suelto ‘Putas de internet’ (2020).

Apegados al powerpop y al sonido garajero, la gracia de Pantocrator continúa siendo directamente proporcional a lo ácidos que se atrevan a ser sus textos. Costumbristas, mordaces y afilados, se dedican a retratar la sociedad del siglo XXI con algún lugar para la autoparodia, y en ese sentido ‘El chungo colectivo’ es el más completo de sus lanzamientos hasta la fecha. Comenzamos con ‘El gobierno de China‘, otra de sus grandes canciones, en la que la política, el control y la censura sirven como metáfora para hablar de un amor posesivo: «prohibiré las canciones que escuchabas con tu ex / cada vez te alejes, geolocalizaré dónde vas y con quién». En la misma línea, también es genial ‘Policía moral’, sobre la policía del Twitter y la cultura de la cancelación: Marta Delmont poniéndose en la piel de alguien que hizo «un curso de juez» en dicha social y ahora se ve en disposición de juzgar a los demás. El desenlace de la canción, con una persona «cancelada» en prisión y la proclama «todo el mundo sabe que solo los traperos pueden decir “puta”. Haber estudiao «, es tronchante.

De lo más entretenido en sus 9 minutos de duración, de lo más enriquecedores ciertamente, ‘El chungo colectivo’ se completa con una canción llamada ‘El opio del pueblo’, que reflexiona sobre la absoluta sobreinformación de arte y política que vivimos en nuestro tiempo (también va sobre el postureo), dejando un estribillo que va a ser muy coreado en sus conciertos: «me sangran las orejas de tanto reggaetón». Y finalmente, ‘Réquiem (la muerte del sonido Carmel)’ supone su canción más experimental. Un riff un tanto Pixies se alterna con lo que parece un clavecín para reflexionar sobre la muerte «del sonido Carmel», literalmente algo que Xiri Romaní, uno de los dos músicos de Pantocrator (el otro es Robert Busquet) «se inventó para salir en las revistas». Con invento y todo, se ha visto bastante menos substancia en muchísimos discos que duran 5 veces más.

Flores en el estiércol IV: Núria Graham se gradúa; Paul Weller ejerce su maestría…

Por
Raúl Guillén
-
1

Con cierto retraso según lo previsto, vuelve esta playlist, “Flores en el estiércol”, que pretende ofrecer otra visión de la actualidad pop, una que presta atención a algunos espacios que queda ensombrecidos por las luces de las listas de éxitos y los lanzamientos de campanillas.

Como siempre, parte de la lista está dedicada a algunos de los álbumes y EPs publicados en las últimas semanas que pueden haber pasado desapercibidos: es el caso de debuts largos como los del inclasificable Myd ­­–el exClub Cheval muestra en ‘Born a Loser’ por qué es capaz de hacer bailar al mismísimo Mac DeMarco-, la simpar Glüme -en los cánones de su sello Italians Do It Better-, los gallegos Tulip –‘Estrelas no chan’ se antoja como nuevo favorito para fans del indie de guitarras de escuela británica-, la electrónica elegante y melancólica de Fred Again.. –los seguidores del sonido Jamie xx disfrutarán de lo lindo un ‘Actual Life’ repleto de invitados vocales- o la próxima al mainstream Ashe, en cuyo ‘Ashlyn’ equilibra contemporaneidad con ecos Beatle-escos como los de ‘I’m Fine’.

Conviviendo con estos noveles, veteranos de abolengo como Paul Weller –el legendario gentleman del pop se saca de la manga ‘Fat Pop’ apenas un año después del notable ‘On Sunset’-, Dinosaur Jr. –‘Sweep It Into Space’ es otra muestra de maestría noise-rock de J Mascis, Lou Barlow y Murf-, Flying Lotus –tras ‘Flamagra’, Steven Ellison vuelve con la BSO de un anime de Netflix, ‘Yasuke’, en la que no podía faltar su socio Thundercat, entre otros-, Beachy Head –sí, es un debut, pero detrás de este nombre hay ilustres como Rachel Goswell y Christian Savill de Slowdive o el exFlaming Lips Matt Duckworth-, Zoé –‘Popular’ es una de las refulgentes gemas que la banda mexicana incluye en ‘Sonidos de Karmática Resonancia’- o Iron & Wine –Sam Beam liberaba hace unos días el quinto volumen de sus recopilatorios de inéditos y rarezas, con joyas como ‘Calm on the Valley’-.

Además, la rockera británica Beth James Houghton, Du Blonde, ha publicado su tercer largo, un ‘Homecoming’ en el que lo mismo se dejan caer Shirley Manson (Garbage) que Andy Bell (Ride, Oasis) o una Ezra Furman muy de actualidad por el anuncio de su transición de género. En el ámbito español, destacamos con mucho cariño los nuevos discos de Rata Negra –el trío escindido de Juanita y Los Feos conjuga en ‘Una vida vulgar’ su habitual punk con melodías tan catchy como las de ‘Desconfía de ese chico’-, Karen Koltrane –el combo conquense de rock con ecos kraut y electrónicos reaparece con el EP ‘Movimiento’, en el que destaca ‘El poder ignífugo’- o Junco y Mimbre –tras un debut que cuenta apenas con meses, el EP ‘Or a la llera’ es otro tratado de candor jangle pop con querencia mediterránea-. Aunque si alguien ha dado un salto de gigante esa es Núria Graham, que con el doble single ‘At Last/Ready to Fool You’ mira a la cara a grandes como Angel Olsen o Sharon Van Etten. Sin rubor.

Y si destaco algunos de los discos más especiales de este último mes y medio, no podía menos que hacer lo propio con varios de los que se adivinan más sugerentes y que están cerca de ver la luz. Canciones de Wild Honey, Clara Luciani (en la imagen) –la exLa Femme comparte playlist con sus excompañeros de banda gracias a su sugerente comeback ‘La reste’-, Wavves, Darkside –el esperado regreso de NicolaS Jaar con David Harrington suena rotundamente orgánico, Villagers, Joan Colomo, Moodoïd –el combo francés de pop psicodélico con aspiraciones masivas encuentra una partenaire perfecta en Melody’s Echo Chamber-, Las Ligas Menores, Bachelor –ergo, el dúo femenino compuesto por Jay Som y Palehound (otra joven autora de Boston, Ellen Kempner), Sons of Raphael –los bizarros hermanos británicos Loral y Rohnel Raphael están al fin a punto de lanzar su primer disco- y Madi Diaz –tras tres lustros de carrera, esta cantautora rock de Connecticut parece a punto de dar el gran salto con su primer disco para Anti-Records- anticipan un próximo trimestre de lo más apetecible.

Y para concluir, pero no por ello menos importante, ponemos el foco en propuestas aún no tan conocidas pero igualmente sugerentes: Flores, Erika de Casier –fichaje del sello 4AD-, Marc Seguí –aunque en su caso es ya una celebridad para la gen-Z, y con toda razón-, Lewis OfMan –el galo Lewis Delhomme ya aparecía con ‘Las bañistas’ en la anterior selección, pero la flamante ‘Orphéon’ no podía quedarse fuera por eso-, el geniecillo de la guitarra from, The Lathums –prepárense a amarlos, huérfanos de The Housemartins-, el emocionante Mustafa, los sugerentes Drug Store Romeos o la prometedora Sofia son valores de cantera a seguir muy, muy de cerca.

El mejor disco de Metronomy cumple 10 años: reedición y concurso de sudaderas

Por
Sebas E. Alonso
-
8

Esta primavera se están cumpliendo 10 años de la edición del mejor álbum de Metronomy, también el más popular, pues se hacía a largo plazo con la certificación de disco de oro en su país natal, Reino Unido, por la venta de más de 100.000 unidades solo dentro de las islas británicas. Además, fue platino en Francia. Hablamos naturalmente de ‘The English Riviera’, un álbum que en realidad no llegaba al top 20 en las listas de Reino Unido como sí conseguirían después los también destacables ‘Love Letters’ (2014), ‘Summer 08’ (2016) y ‘Metronomy Forever’ (2019), pero que a la larga sobreviviría como su proyecto más reconocido gracias a la viralidad de canciones como ‘The Bay’ y sobre todo ‘The Look’, que se acerca ya a los 150 millones de reproducciones sólo en Spotify.

Y eso que Joseph Mount nos contaba hace un par de años que le daba un poco de rabia la visibilidad de ‘The Look’ en esta plataforma de streaming en perjuicio de otros temas de la banda: «Hay un par de canciones de ‘English Riviera’ que me gustaría que salieran más, un par de canciones bailables viejas que tenemos… Bueno, todo está ahí. Si alguien oye ‘The Look’, puede ir al catálogo antiguo».

Hoy en día Joseph Mount recuerda la creación de su gran hit de esta manera: «En mi primer apartamento en París tenía una vista casi perfecta de Montmartre y la basílica de Sacré-Cœur. A la sombra de Sacré-Cœur y con la colina de Montmartre como telón de fondo, me senté un día sin hacer nada y escribí la que se convertiría en una de las canciones más populares de Metronomy. Estaba jugando con uno de los teclados de Marion y después de un rato, se me ocurrió la parte que se te queda grabada en la cabeza: el der-de-der-der. Cuatro meses después, terminamos de grabar ‘The Look’ en Londres. Nos gustó bastante, pero eso fue todo. Más tarde, recuerdo claramente al periodista Dave Simpson preguntándome sobre la canción después de que la tocáramos por primera vez en el Leeds Cockpit en enero de 2011. Ese fue probablemente el momento en que me di cuenta de que la canción tenía algo. A día de hoy todavía no sé exactamente qué es ese algo, pero cuando tocamos ‘The Look’ en directo y escucho a miles de personas corear la parte de der-de-der-der, a menudo me provoca lágrimas en mis ojos. Realmente es increíble lo que esa canción y todo este álbum han hecho por Metronomy”.

Dejando las estadísticas aparte, ‘The English Riviera’ es una celebración de los sintetizadores analógicos que siempre han atraído a su hombre orquesta Joseph Mount, natural de Devon pero siempre fiel a las sonoridades francesas, pues como él mismo acaba de relatar, llegó a vivir en París largas temporadas y conocido es su trabajo junto al ilustre director de videoclips Michel Gondry. Enemiga de la «loudness war», la producción de este álbum inspirado en la costa donde Joseph creció, es meticulosa pero no chillona: eres tú quien ha de regular su volumen para disfrutar de su detalle a tu gusto.

‘The Look’ comienza con los teclados más identificativos de la carrera de Metronomy, ‘The Bay’ es otro temazo a la altura, mientras ‘She Wants’ se regodea en las guitarras, ritmos y bajos funk solo que para ofrecer algo suspendido en el tiempo y al final próximo a Stereolab, no estrictamente «revival». Entre los efectos playeros de ‘Trouble’ y joyas perdidas como la juguetona ‘Some Written’, también hay que hablar entre las composiciones más queridas del álbum de la singular ‘Corinne’ -de teclados in crescendo- y de ‘Everything Goes My Way’, donde les hizo un gran favor, a las voces, Roxanne Clifford de Veronica Falls. Por todo ello, este ha sido uno de los discos que ha cambiado el curso del siglo XXI para quien esto firma.

La reedición de ‘The English Riviera’ que acaba de llegar al mercado incluye además del álbum original, una serie de grabaciones inéditas, entre las que encontramos algunos instrumentales, a destacar el alocado ‘French Organ’ (de nuevo su querencia por este país) y la final a piano ‘Jazz Odyssey’. Por su parte, algunas de las canciones «clásicas» podrían haber aparecido perfectamente en el álbum, como ‘Picking Up for You’ y muy especialmente ‘The Ballad of the 17 Year Old’ que recuerda las maravillas que Metronomy son capaces de hacer con sinte, guitarra y una percusión lo-fi.

En celebración de esta reedición, JENESAISPOP regala 3 sudaderas de Metronomy entre quienes de manera más breve, original y divertida respondan a esta pregunta: «¿cuál es tu canción favorita de THE ENGLISH RIVIERA y por qué?». Las respuestas han de remitirse a jenesaispop@gmail.com siempre junto a nombre, apellidos y dirección para agilizar el proceso de selección. Las sudaderas son talla S y talla M, por lo que debes indicarnos tu preferencia, también. El plazo de participación termina este miércoles 19 de mayo a las 23.59 horas.

Os recordamos que Metronomy nos visitarán el año que viene tras haber tenido que aplazar su última gira:
04/03/2022 – Madrid (La Riviera)
05/03/2022 – Valencia (Sala Moon)
06/03/2022 – Barcelona (Razzmatazz)





Canción del Día: Parannoul deslumbra con su shoegaze emo en ‘Beautiful World’

Por
Fernando García
-
7

Parannoul es el proyecto de un artista del que nadie sabe su identidad. Lanzó su segundo disco ‘To See the Next Part of the Dream’ en febrero aunque no fue hasta abril que estuvo disponible en plataformas como Spotify o TIDAL, seguramente promovido por el pequeño éxito que tuvo entre cierto sector de melómanos. Fue descubierto en Bandcamp e impulsado por la comunidad de usuarios de Rate Your Music. Pese a esto, el misterioso artista surcoreano parece no tener ningún tipo de confianza en la calidad de su música, que él mismo considera sobrevalorada, aunque no hay que hacerle demasiado caso ya que es de las cosas más especiales que se han podido escuchar en mucho tiempo.

‘Beautiful World’, la canción que abre el disco, parece haber sido guardada desde los 90 del shoegaze en un cajón, siendo solo ahora sacada a la luz. Lo primero que se escucha es una voz femenina preguntando “¿Qué estás escuchando?” a lo que una masculina responde “Lily Chou Chou” haciendo referencia a la cantautora ficticia de la icónica -y muy emo- película de culto de Shunji Iwai ‘All About Lily Chou Chou’. A partir de ahí, un sonido de batería y guitarras eléctricas crean una atmósfera onírica y melancólica, igual que el filme al que apela, capaz de transportarnos a lugares imaginarios fascinantes mientras que la voz de Parannoul queda sumergida en la envolvente y ruidosa producción.

Sin entender las letras en coreano, el sentimiento de desilusión que la canción transmite es palpable desde el principio, y se confirma al leerlas traducidas, ya que su crudeza remueve. Parece una ironía que la canción se llame ‘Beautiful World’, pues en realidad se refiere a que a pesar de que él es consciente de que el mundo puede ser bonito, es incapaz de verlo porque está sumido en una depresión. “Atrapado en mi propio engaño, incapaz de ver la realidad adecuadamente / camino con aspecto patético, me tapo los ojos y los oídos de nuevo” o “siento tanto asco hacia mí mismo alejándome del mundo / me da miedo el futuro, cometo los mismos errores una y otra vez” son algunas de las descarnadas sentencias que se escuchan a lo largo de su duración. Este sentimiento (y sonido) emo está reforzado además por la propia naturaleza del proyecto: Parannoul grabó todo desde la soledad de su habitación y todos los “instrumentos” que suenan son virtuales. ‘Beautiful World’, gracias a su brillante combinación de elementos shoegaze y emo, hace que su desesperación suene absolutamente irresistible.

Lo mejor del mes:

Eric Clapton cuenta su mala experiencia con la vacuna AstraZeneca

Por
Sebas E. Alonso
-
32

Eric Clapton ha contado en una carta al arquitecto italiano Robin Monotti su mala experiencia al recibir la vacuna AstraZeneca. En la actualidad, en España 2 millones de personas que han recibido la primera dosis de esta vacuna, aguardan la decisión del gobierno sobre si recibirán la segunda dosis o no.

La carta de Eric Clapton compartida en Telegram y verificada por Rolling Stone dice lo siguiente: “me pusieron la primera dosis de AZ y enseguida tuve reacciones importantes que duraron 10 días. Me recuperé al final y me dijeron que esperarían 12 semanas hasta que me pusieran la segunda. Al cabo de unas 6 semanas, me ofrecieron la segunda dosis de AZ, pero con un poco más de conocimiento de los peligros. Ni que decir tiene que las reacciones fueron desastrosas, los pies y las manos o bien los sentía congelados o entumecidos o ardiendo, y supongo que no sirve de nada decir que durante dos semanas, temí no volver a ser capaz de tocar nunca más. Sufro una neuropatía periférica y nunca debería haberme acercado a la aguja, pero la propaganda decía que era segura para todos”.

Según los datos que existen, los trombos están siendo un efecto secundario de algunas vacunas, pero muy poco frecuentes. Su incidencia es de 1 o 1,3 casos por cada 100.000 habitantes al año, como informa este reportaje de El Diario. En España, sólo 2 de cada 1000 personas han tenido algún tipo de reacción a la AstraZeneca, como informa La Vanguardia.

Menos atención mediática está recibiendo la posibilidad de sufrir un trombo durante la infección por covid-19, que en realidad es mucho mayor, oscilando entre el 10% y el 15% y llegando al 26% entre los pacientes ingresados en UCI.

‘Bohemian Rhapsody’ triunfa en Telecinco

Por
Sebas E. Alonso
-
22

‘Bohemian Rhapsody‘, el biopic que repasa la vida de Freddie Mercury y valió a Rami Malek el Oscar a mejor actor hace un par de temporadas, triunfó anoche en Telecinco. La emisión de la película fue líder de audiencia superando los 3,1 millones de espectadores y el 22,5% de share. Telecinco había ideado una campaña monstruosa para este estreno, utilizando música de Queen en sus cortinillas y montando una suerte de performance en su programa del corazón estrella, Sálvame.

En nuestra crítica de ‘Bohemian Rhapsody’ dábamos 4 razones para verla y 3 para pasar de ella. Sin embargo, la cinta terminó siendo un taquillazo absolutamente histórico. Con sólo 50 millones de dólares de presupuesto, llegaba a recaudar 900 millones de dólares a nivel global, siendo una de las cintas más taquilleras de todo el año 2018. Lo mismo sucedía en España, donde terminaba entre las 5 películas que más recaudaban aquel año, en torno a los 20 millones de euros recaudados.

El éxito de ‘Bohemian Rhapsody’ ha afianzado el éxito de Queen, que ya eran uno de los grupos más longevos de la historia en las listas de éxito, sobre todo en Reino Unido. Actualmente Queen están entre los 40 artistas más escuchados a nivel global en Spotify, pese a haber pasado casi 3 décadas de la muerte de Freddie Mercury, muy por encima de otros grandes grupos históricos como los Beatles y U2.

Esta misma semana, un ‘Greatest Hits’ de Queen ocupa el puesto 13 de la lista general de álbumes en Reino Unido, tras 945 semanas de permanencia. En el Billboard 200, tal disco ocupa el puesto 28 en su 437ª semana en la tabla.

Olivia Rodrigo, técnicamente impecable en Saturday Night Live… ¿pero hay más?

Por
Jordi Bardají
-
38

Olivia Rodrigo ha sido la invitada musical este sábado en Saturday Night Live. La cantante californiana ha sucedido a Miley Cyrus, que actuó el sábado pasado, y precedido a Lil Nas X, que lo hará el que viene, en el que será el fin de temporada. Olivia ha cantado en riguroso directo (como ha sido habitual en este programa durante toda su historia) su éxito ‘drivers license’ y también su nuevo single, ‘good 4 u‘. Su álbum de debut ‘SOUR’ sale el próximo viernes 22 de mayo.

Sentada en el piano, Olivia ha comenzado la actuación de ‘drivers license’ para después levantarse y postrarse frente al micrófono, ante el cual la joven cantante ha vuelto a hacer gala de su potencia vocal, como ya hiciera hace unos días en los BRITs. Técnicamente impecable, si bien no está muy claro cuánto logra transmitir la cantante a día de hoy, aunque me atrevo a decir que no mucho, Olivia tampoco ha tropezado en la interpretación de ‘good 4 u’, mucho más animada pues es una canción de pop-punk en el estilo de Paramore o Avril Lavigne, aunque el espíritu macarra de la composición tampoco se haya trasladado en lo vocal: se nota que Olivia viene de Disney y no del underground.

En los primeros días de estreno, ‘good 4 u’ se ha posicionado como la 5ª canción más escuchada en Spotify a nivel global, pues está registrando 4 millones de escuchas diarias. A la vez, ‘deja vu’ y ‘drivers license’ saludan desde los puestos 13 y 22, respectivamente, y aunque sus escuchas van al alza a tiempo de redacción de la noticia, el huracán J Cole se ha puesto de por medio. En España, tanto el vídeo de ‘good 4 u’ como el directo de Saturday Night Live se encuentran entre los más vistos en este momento. Abajo os dejamos con las dos actuaciones y también con un directo de ‘deja vu’.


Kacey Musgraves: qué se sabe de su próximo disco

Por
Jordi Bardají
-
7

Kacey Musgraves ganó el Grammy a Álbum del año en 2019 gracias a su tercer disco ‘Golden Hour‘, que fue un éxito absoluto de crítica, por lo que su siguiente trabajo es muy esperado, sobre todo porque, si ‘Golden Hour’ versaba sobre el feliz matrimonio de Kacey con el cantante de country Ruston Kelly, el siguiente álbum saldrá después de su desafortunado divorcio.

El adjetivo «desafortunado» es clave para entender el próximo álbum de Kacey: en una reciente entrevista con Rolling Stone, Kacey es retratada componiendo una canción llamada ‘Star-Crossed’, un término astrológico que en inglés se refiere a tener mala suerte por culpa de la no alienación de los astros. Y en un tuit reciente, la cantautora de Texas ha dejado entrever que su siguiente álbum se llamará así o casi.

En esa misma entrevista, queda confirmada la labor en producción de Daniel Tashian y Ian Fitchuk, quienes también trabajaron en ‘Golden Hour’, y se habla de diversas influencias. En lo musical, además de presumiblemente country, se explorará el «sonido de Bill Withers, los sintetizadores que siempre nos han encantado, exploramos el territorio de Eagles o de America y también tenemos un rollo bailable». En cuanto a la temática, a Kacey le interesa el concepto de tragedia griega y cuenta que ha buscado estructurar el disco en tres actos para hablar sobre su divorcio y también sobre el «estado de América y del mundo en general». Un viaje psicodélico ha inspirado también su nuevo trabajo.

A día de hoy se desconoce el tracklist oficial del nuevo disco de Kacey Musgraves, pero en los últimos tiempos no han faltado pistas de por donde pueden ir los tiros. Kacey ha adelantado un tema llamado ‘Cherry Blossom’ en sus stories y ha hablado sobre su admiración por la versión de ‘Gracias a la vida’ de Mercedes Sosa (la composición original es de Violeta Parra) y en los foros se comenta que esta será la canción que cierre el álbum, lo cual no extraña porque Kacey ha afirmado estar estudiando español. Si hay que fiarse de los insiders de Twitter, esta información sería cierta y el disco se compondría de 15 temas, pero seguro que no falta mucho para que salgamos de dudas.

En los últimos meses, Kacey ha sido noticia por colaborar con Troye Sivan en un extraño remix de ‘Easy’ que ha pasado totalmente desapercibido. Kacey, que ha confirmado que no sacará nuevo material este mes de mayo, es una de las artistas de country-pop más transversales y aclamadas de la actualidad. En los días de lanzamiento de ‘Golden Hour’ repasamos las mejores canciones de sus anteriores dos discos, los más tradicionales en lo musical, desde luego no en lo lírico.

Ursula Bogner, la pionera de la música electrónica que era un «fake»… o no

Por
Jordi Bardají
-
5

Estos días se ha estrenado (aunque no en España) ‘Sisters with Transistors‘, el aclamado documental que narra la historia de un grupo de mujeres pioneras de la música electrónica. El documental se centra en Clara Rockmore, Bebe Barron, Suzanne Ciani, Laurie Spiegel, Daphne Oram, Pauline Oliveros, Delia Derbyshire y Eliane Radigue, figuras que, en una ventana de tiempo que va de los años 20 a los años 70, también estuvieron pulsando teclas y conectando cables (o, en el caso de Rockmore, tocando el teremín) en busca de una música nueva, pero que siguen sin ser tan conocidas para el gran público a pesar de que su trabajo es profundamente interesante e innovador.

Quien al parecer no sale en el documental, lógicamente, es Ursula Bogner, una pionera de la música electrónica que parece ser un personaje inventado por el productor y teórico alemán Jan Jelinek aunque esta sospecha nunca ha sido confirmada. Es fácil creer que esta persona existió porque la música que puebla sus dos trabajos editados, creada con equipos vintage, posee un componente rudimentario, muy propio de la música producida por los artistas que formaban parte de la BBC Radiophonic Workshop, en el que trabajaron algunas de las compositores mencionadas; y también por las fotos promocionales utilizadas, en las que aparece una señora durante los años 50 o 60, y por una biografía detallada que narra su supuesta historia y que parece real, aunque en partes.

La biografía de Ursula Bogner explica que esta nació en Dortmund, Alemania en 1946 pero que a los 19 años se mudó a Berlín a estudiar farmacéutica. A lo largo de su vida, Bogner se casó y tuvo hijos y, al mismo tiempo la alemana, que eran fan de la música concreta y solía asistir a talleres organizados por la Studio für elektronische Musik de Colonia, desarrolló una serie de intereses artísticos entre los cuales se incluía la pintura o la música electrónica. Durante 20 años, Bogner produjo un grueso de interesantes y juguetonas composiciones que jamás publicó y que permaneció en un cajón durante tres décadas hasta que el compositor Jan Jelinek lo descubrió gracias a que, casualmente, conoció al hijo de Bogner durante un viaje en avión. Jelinek editó los discos ‘Recordings 1968-1988’ (2008) y ‘Sonne = Blackbox’ (2011) a través de su sello Faitiche, cuyo nombre parece proceder de un híbrido en inglés y alemán de la palabra «factish», que viene a decir que la historia de Ursula Bogner estaría basada «en hechos»… pero no del todo.

Según lo que se conoce de la supuesta vida de Bogner, probablemente familia y allegados de la artista sí conocían su obra grabada, pero no así el público y, en la nota de prensa oficial, Jelinek atribuye este secretismo a que la farmacéutica y productora, que según su biografía murió en 1994 a la edad de 46 años, desarrolló otros intereses a lo largo de su vida que no tenían necesariamente nada que ver con la música. Aparte de crear linograbados como el que ilustra la portada de su primer recopilatorio, Bogner almacenaba «montañas de libros de literatura new age» en su casa, era seguidora de «todo lo esotérico» y estaba especialmente fascinada por el trabajo del inventor Wilhelm Reich, el teórico de la energía de orgón (una supuesta energía esotérica presente en la atmósfera) cuya historia narró Kate Bush en el videoclip de ‘Cloudbusting‘. Reich construyó un aparato de madera y metal con el que «acumular» esta energía y usarla con fines terapéuticos e, inspirada en su idea, Bogner construyó otro que guardó en el patio de su casa.

Que en 13 años no se haya confirmado si la historia de Bogner es real o no puede significar dos cosas, o bien que de hecho la historia es real, que no ha habido manera de desmentirla porque no hay nada que desmentir; o bien que el compromiso de Jelinek con su personaje es total y absoluto. Hay pistas que indican que la música ha sido creada por Jelinek y que Bogner es un pseudónimo, por ejemplo, su óptima calidad de sonido, que no hubiera sido posible con los equipos de los años 70, o que algunas de sus composiciones guardan matices muy parecidos a la obra de Jelinek. En la edición física de ‘Sonne = Blackbox’ se incluyó un libro con ensayos en los que Jelinek y otros artistas exploraban ideas de identidad o género y es posible que Ursula Bogner fuera la excusa que se inventó el productor para investigar hasta qué punto una historia como la de este personaje nos puede llevar a consumir cierta música. La música está muy bien, por cierto, pero sabiendo que puede ser un timo, es más o menos disfrutable dependiendo de a quién preguntes.

La caída libre de ‘Halston’… ¿y la caída libre de Ryan Murphy?

Por
Pablo Tocino
-
15

En una escena de ‘Halston’, Ewan McGregor y Bill Pullman discuten sobre los vaqueros, a los que el personaje de McGregor ve como fugaces, como “una moda pasajera”. El diseñador Roy Halston no fue en absoluto una “moda pasajera”, y su influencia se notaría décadas y décadas después (ese Tom Ford que salvó Gucci no lo habría hecho sin su influencia), pero es cierto que hay algo de estrella maldita-y-fugaz en su figura: la viva imagen del sueño americano fue poco a poco ascendiendo hasta que, de repente, lo era TODO… pero eso duró solo unos años, tras los que vino una caída en picado salpicada por drogas, malas compañías, megalomanía y, curiosamente, una rentabilización de sus ideas y de su visión artística. ¿Por qué “curiosamente”? Porque no está pasando desapercibido entre la crítica el paralelismo entre esa etapa final del diseñador y la última etapa (esperemos que no la final) de Ryan Murphy, que está detrás de la serie.

El creador de ‘Glee’, ‘American Horror Story‘, ‘Nip/Tuck’, ‘Popular’, ‘Pose‘… en definitiva, el Rey Midas de la tele actual, decidió seguir los pasos de Shonda Rhimes (otra que tal baila) y firmar con Netflix, marcando récord además: sus 300 millones de dólares se convirtieron en el mayor contrato firmado con un productor de series. En el tiempo que durase el contrato, Ryan tenía que entregar más y más productos, eso sí, con absoluta libertad creativa. Lo paradójico es que en esta era, cuando más libertad creativa (suponemos que) ha tenido, todas sus series y películas han acabado acercándose más a ese manufacturado “estilo Netflix” que a la brillantez de la que es capaz Murphy. Incluso su faceta mamarracha parece estar a medio gas, haciendo que ‘The Politician‘ o ‘Ratched’ sean versiones lights de sí mismo… por no hablar de ‘The Prom‘, ‘Hollywood‘ o ‘The Boys in the Band’. En ‘Halston’ parece que ha pensado eso de “el que mucho abarca poco aprieta” y ha delegado: no figura como creador (como ya ocurriera en ‘American Crime Story’), siendo éste Sharr White, y la dirección se la encarga a Daniel Minahan, reservándose Murphy el guión y la supervisión como productor ejecutivo. Pero esto no termina de jugar a favor de ‘Halston’, que disminuye aún más los pocos detalles donde se apreciaba el sello Murphy, para darnos un biopic eficaz y muy vistoso, pero con poca personalidad. Si Minahan se limita a entregar el producto que se le ha pedido, y Murphy aparece y desaparece, ¿que nos queda?

En el plano actoral, teniendo de protagonista absoluto a una estrella como Ewan McGregor, ‘Halston’ apuesta por nombres menos conocidos para el gran público: Liza Minelli es interpretada por Krysta Rodríguez (conocida por su trabajo en Broadway y por sus papeles en ‘Smash’ o ‘Quantico’), Rebecca Dayan da vida a Elsa Peretti (que precisamente murió el pasado marzo y, como ha declarado la actriz, merece una miniserie para ella sola), el veterano David Pittu se encarga de Joe Eula, y Gianfranco Rodríguez de Víctor Hugo, amante de Halston. Junto a ellos, las colaboraciones de Bill Pullman, Rory Culkin (como el director Joel Schumacher) y Vera Farmiga. ‘Halston’ prefiere poner en segundo plano el potencial pop de tener como personajes a Minelli o Peretti (aparecen también Óscar de la Renta, Anne Klein o Steve Rubell, y se menciona frecuentemente a Andy Warhol o Calvin Klein) para apostarlo todo por Halston, lo cual sería una idea estupenda si el personaje funcionase como debería. Un ejemplo es la trama del tercer episodio, con los olores como hilo conductor, cuyo colofón es probablemente el punto más alto de la serie… pero que podría haber sido aún más potente de estar mejor presentada la figura de Halston (tanto por el desarrollo del personaje como por un Ewan McGregor que en numerosas ocasiones se lleva el exceso de Halston a un terreno casi paródico).

No ayuda a que empaticemos con el personaje que se abuse de la verbalización en cada elipsis (lo de “aquí está Stevie, que acaba de salir de la cárcel y va a reabrir hoy Studio 54” tiene especial delito) y que no se dejen reposar ciertos momentos dramáticos. O que se desaproveche la tremenda banda sonora de los 60, 70 y 80 que hay aquí: Bowie, Donna Summer, The Velvet Underground, Dusty Springfield, Giorgio Moroder, Joe Cocker, Tears For Fears, Cocteau Twins, Visage, Dan Hartman, Andrea True Connection, y hasta la eurovisiva ‘Si’ de Gigliola Cinquetti. Ahí es na’… pero todo esto acaba desfilando sin destacar demasiado, a excepción del final a ritmo de Cocteau Twins, y del simpático uso de ‘The Jean Genie’.

¿Es mala ‘Halston? No. ¿Es aburrida? Desde luego que no, con semejante material de partida es casi imposible hacer una serie que no interese. Pero, precisamente por eso, era una oportunidad tremenda para demostrar que el talento de Ryan Murphy no había ido a ninguna parte. Otra vez será, y ojalá en su próximo proyecto, también biopic: nada más y nada menos que del asesino en serie Jeffrey Dahmer. Con lo mal que pintaba el Andrew Cunanan de Darren Criss y lo bien que salió, la historia de Dahmer contada por Murphy tiene, a priori, todos los ingredientes para superarlo… pero, visto lo visto, también es para echarse a temblar, y no por el canibalismo.

Charli XCX y Bladee te dan «drama, drama, drama» en otro remix que mejora el tema original

Por
Jordi Bardají
-
1

¿Es temprano para hablar del siguiente disco de Charli XCX? No para la propia Charli. Recientemente, la cantante ha dicho en Twitter que, en su siguiente trabajo discográfico, irá a saco a por los temazos de pop y que contendrá influencias de «Janet Jackson, Cameo, Sister Sledge, Serge Gainsbourg, Steve Vai, Black Eyed Peas, Charlie Puth, Cyndi Lauper, Rick James, Taylor Dayne, Boy Meets Girl, Belida Carlisle y más». ¿Dónde está la PC Music? Puede que la aparque en este disco, lo que no significa que la abandone por completo en otros proyectos.

La británica acaba de aparecer en un remix de ‘Xxoplex’ de A.G. Cook llamado ‘Xcxoplex’ (el productor publica disco de remixes el 28 de mayo) y, antes, se había subido a un remix de Bladee, el rapero sueco conocido por su tema de 2018 ‘Be Nice 2 Me’. A Benjamin Reichwald también le interesa la PC Music o, en rasgos generales, el estilo conocido por todos como híperpop, como es obvio al escuchar su música o al observar la estética de sus trabajos, y el año pasado lanzó una mixtape enteramente producida por el productor alemán Mechatok que presentaba producciones en ese estilo. La mixtape acaba de ser reeditada con varias colaboraciones, entre ellas la de Charli XCX, que se ha sumado a ‘Drama’ para mejorarla… como no podía ser de otra manera.

En ‘Drama’, Charli y Bladee se piden darse «drama» mutuamente «todo el verano». Quieren «ser como el agua» y «fluir», pero Charli no se conforma solo con eso y entrega un verso empoderador en el que deja claro que ella nunca será de una sola persona. Está en las «Bahamas», llorando vestida «de Prada», espera a su chico rodeada de «pétalos rosas en las sábanas»… pero su poder de seducción es tal que, para Bladee, ella es «como su Madonna», como una figura religiosa. La música de ‘Drama’ suena igual de cara que todas las prendas que lleva Charli porque apuesta por un híbrido de trap y PC Music por la vía del autotune extremo, pero el mejor momento de la canción sucede a la mitad, cuando la producción relaja la tensión creada previamente añadiendo un efecto de cristal roto. El «drama» llega a su punto culminante.

Lo mejor del mes:

Julia Michaels / Not in Chronological Order

Por
Sebas E. Alonso
-
6

‘Sorry’ de Justin Bieber, ‘Bad Liar’ y ‘Lose You to Love Me’ de Selena Gomez, ‘Dive’ de Ed Sheeran, ‘Pretty Please’ de Dua Lipa, la omnipresente ‘Issues’ de su propio catálogo, decenas y decenas de temas en las discografías de Clean Bandit, Maroon 5, Britney Spears… Me muero de ganas de averiguar cuántos ceros tiene la cuenta de la co-autora de todo esto Julia Michaels. No ahora, sino dentro de unos años, cuando la llama de tantísimos influencers se haya apagado y estas canciones continúen sonando en radios y playlists, siendo versionadas o sampleadas, viralizándose de una manera o de otra en los TikToks del futuro.

La artista continúa con su propia carrera en solitario, ya avalada por media decena de EP’s como ‘Nervous System’ (2017), el que traía ‘Issues’, o aquel ‘Inner Monologue‘ que dividió en 2 partes. ‘Not in Chronological Order’ se está considerando su álbum de debut pese a su escasa media hora de duración: 10 temas concebidos como singles de 3 minutos, casi todos recordándonos lo camaleónica que puede ser Julia Michaels como autora: ‘Pessimist’ podría ser un hit para Katy Perry, ‘Little Did I Know’ para Ellie Goulding, ‘Undertone’ para Rudimental, ‘Orange Magic’ para Sky Ferreira, ‘Wrapped Around’ para Dua Lipa, ‘Love Is Weird’ para un sexy-thriller tipo ’50 Sombras de Grey’… y así sucesivamente. La primera pista ‘All Your Exes’ trata de descolocar con la incorporación de guitarras eléctricas y un deseo turbulento de que todas las ex de su pareja se hayan muerto; después, nada en ‘Not in Chronological Order’ genera tal extrañeza.

La mayor baza del álbum continúa siendo el single ‘Lie Like This’, un tímido piano-house costumbrista en el que Julia Michaels comparte lecho con su pareja JP Saxe (también algún crédito, además del hit de él ‘If the World Was Ending’), de los pocos cortes que no corres a imaginar en manos de otra persona. Hablan estas canciones de relaciones antiguas que a veces escondemos en el tercer cajón de un armario (‘Love Is Weird’), de los tiempos en que pensábamos que el amor era una tragedia «shakesperiana» (‘Little Did I Know’), de imaginar otra vida o averiguar nimiedades sobre tu ser querido. En estos dos últimos casos, ‘History’ y ‘That Kind of Woman’ evidencian ese fanatismo suyo por Alanis Morissette del que nos habló hace un par de años: ojalá les diera por escribir juntas.

Más concentradas en las melodías que en una producción a la que The Monsters & Strangerz parecen haber dedicado unos 5 minutos por pista, estas composiciones resultan más un “Mira qué bien hago todas estas cosas” que un “mira qué extraordinariamente bien hago una sola cosa al mismo tiempo”. Más un conjunto suelto de canciones que un álbum -sorprendería averiguar que Julia Michaels fuera una gran coleccionista de CD’s o de vinilos- ya nos advertía su título que todo esto está dispuesto “no en orden cronológico”. Se hubiera agradecido que siguiera algún tipo de orden en absoluto.

Lucy Dacus reflexiona sobre el pasado en la nostálgica ‘Hot & Heavy’

Por
Fernando García
-
1

Con la salida de ‘Hot & Heavy’ Lucy Dacus anunciaba su esperado tercer disco ‘Home Video’, tres años después de ‘Historian’, acompañado de un gran videoclip dirigido por ella misma y grabado en el cine al que solía ir de adolescente. En él la cantante se sienta en una de las butacas mientras se proyectan los videos caseros familiares que su padre grababa cuando era pequeña.

El sonido de este segundo single difiere bastante del mostrado en la tenebrosa y asfixiante ‘Thumbs’ -el primer adelanto, que pudimos escuchar en directo en el Primavera Sound casi dos años antes de su lanzamiento-, donde la producción era minimalista y oscura. En cambio, ‘Hot & Heavy’, que abrirá el álbum, se apoya en una melodía de guitarras mucho más animada y que contrasta con una letra puramente nostálgica, lejos de la agresividad de ‘Thumbs’. Pero si hay algo que ambos singles sí comparten es su voluntad por mirar al pasado.

Dacus siempre ha sido una gran letrista, con un estilo que sabe tanto ser directo y descarnado como delicado, y lo mostrado en ‘Home Video’ hasta ahora se encuentra entre lo mejor de todo su catálogo. Aquí, analiza de forma evocadora -narrando en segunda persona- una antigua versión de sí misma que ha dejado atrás y a la que inevitablemente nunca podrá volver.

“Ahora eres la llama más grande y brillante / eres el fuego que no se puede domar/ estás mejor que nunca, pero te conocí cuando / es agridulce verte de nuevo” es lo último que canta antes de dejar paso a un excelente outro instrumental al estilo The War On Drugs, que se prolonga durante un minuto entero. La canción deja una sensación de anhelo por tiempos pretéritos, pero también se puede percibir en ella una intención de aceptación, de seguir hacia adelante.

1...534535536...2.996Página 535 de 2.996

Contacto: info@jenesaispop.com

Síguenos

© Copyright - jenesaispop.com