Ya os hablamos de Baby Queen hace unos meses con razón de su reciente single ‘Want You‘, que era un poco Taylor Swift, un poco Katy Perry y también un poco Kraftwerk. El proyecto de la sudafricana Bella Latham se especializa en un tipo de pop maximalista que mira directamente a los años 80 de las películas de John Hughes, lo cual también es obvio en las portadas de sus singles, donde ha interpretado a personajes arquetípicos de la época como la rockera, la gótica o, ahora, a la guapa animadora de la clase.
‘Dover Beach’ es el nuevo single de Baby Queen y está sacado de la escuela ‘1989‘ en producción y melodías. ¿Seguro que no están Max Martin y Jack Antonoff metidos en el ajo? ‘Dover Beach’, hoy la «Canción Del Día», es un temazo de pop ochentero ultra adolescente, como demuestra esa letra en la que Latham describe un enamoramiento que no se puede sacudir de encima. Dice «ensayar conversaciones» con su chico en su cabeza y por lo tanto «no sentirse sola a pesar de que solo estás en mi mente», y que cuando se mira en el espejo y sus inseguridades la invaden, él es su «única inspiración».
La canción narra el conflicto entre enamorarse de alguien y sentirse insegura con una misma, un sentimiento que se exacerba cuando no puedes dejar de pensar en esa persona y la «ves por todas partes». Cuenta Latham que compuso ‘Dover Beach’ en Dover Beach después de leer el poema ‘Dover Beach’ de Matthew Anorld y añade que, ni aún escapando del mundanal ruido, podía quitarse a esa persona de la cabeza. «La canción habla sobre ese conflicto interno entre sentir mis inseguridades y aceptar que no puedo dejar de soñar con esa persona, incluso cuando he ido a un lugar diferente».
La Bien Querida ha sido la invitada de este lunes en El Hormiguero como se había anunciado. Pablo Motos no ha dejado de presentarla como una de «las artistas nacionales más importantes»… de «la música indie», eso sí. No de la otra. Sin embargo, el programa ha sorprendido por su buen dato de audiencia pese a que la artista no sea la persona más conocida del país. La entrevista a La Bien Querida ha sido seguida por 2.993.000 espectadores y un 17,5% de la audiencia, lo cual está muy por encima de la audiencia lograda por Sergio Dalma la semana pasada (2,6 millones y un 15% de share aproximadamente), este último eso sí en competencia con un partido de la Champions en Movistar+ y Rociíto en Telecinco. Pero La BienQue también congregó a más audiencia que el actor Bryan Cranston (2,4 millones y 14% de share), este último vía Zoom. Señores de ‘El Hormiguero’, tomen nota: más indie, menos entrevistas en remoto.
Enfocando la entrevista hacia el gran número de canciones de La Bien Querida que han aparecido en bandas sonoras de series y películas, como ‘Élite’ y ‘Paquita Salas’, pero también muchas otras, La Bien Querida ha subrayado que «petarlo, nunca lo ha petado». Después, ha podido mostrar algunos de sus vinilos, deteniéndose en el espectacular diseño de ‘Brujería’, interpretando un fragmento de su hit primigenio ‘De momento abril’ a la guitarra, con Pablo Motos haciendo un pequeño ritmo con otra guitarra.
En cuanto a sus inicios, Ana Fernández-Villaverde ha recordado su primera maqueta, su amistad con Jota, y su admiración por Los Planetas y El Inquilino Comunista. En su línea, Pablo Motos ha achacado el éxito de La Bien Querida a «la suerte» hasta en 4 ocasiones, incluso añadiendo que «ha nacido con una flor en el culo»: ni se le ha pasado por la cabeza que se debiera a su talento como compositora. El que la ha llevado a asaltar la lista de ventas oficial española con todos sus lanzamientos, 6 de momento, pese a estar editada por una compañía independiente, y rozando el top 10 con el último de ellos.
La entrevista ha adquirido tintes surrealistas cuando Ana ha contado la muerte de su hámster Pedrito, con un Instagram propio, que en realidad es privado y seguían 29 personas, yendo aún más lejos en la línea incomprensible de la risa floja, cuando su vecina Nuria Roca se ha sentado en la mesa para narrar un pedal que ambas se han pillado recientemente juntas, de origen e interés público indeterminados. ¿Claro que cuándo algo no fue surrealista en este programa? En la parte positiva, la mención a Manuel Alejandro como autor de ‘Soy rebelde’ y el recuerdo a la inminente gira de La Bien Querida, que queda como sigue:
24 de abril: Barcelona
21 de mayo: Alicante
23 de mayo: Madrid
5 de junio: Granada
13 de junio: Palencia
25 de junio: Pontevedra
1 de julio: Ibiza
21 de julio: Barcelona
En uno de sus singles más conocidos de los años 90, Miguel Bosé cantaba a la «luna» sobre el pesar de haberse quedado «solo como la noche». La canción se llamaba ‘Muro’, la había escrito Carlos Varela sobre Cuba y el Malecón, de la misma manera que Aute, Silvio Rodríguez o Fito Páez eran los autores de otros temas del álbum que la contenía, ’11 maneras de ponerse un sombrero’; pero para mí aquella letra siempre versó más sobre la soledad que sobre la libertad. «Luna, algo está sucediendo. Estoy sintiendo que esta vez me están dejando solo», decía el estribillo. «Al menos solo, como la noche», matizaba después, como para consolarse.
Que Miguel Bosé vive más solo que la una en México, junto a sus hijos, es algo que los medios de comunicación llevan tiempo retratando. El País le dedicó un artículo. Ahora el programa de Jordi Évole en laSexta ha emitido un especial sobre el artista dividido en entregas -2, que esto no es Telecinco- para ahondar en su pasado en la primera, y hablar de su deriva negacionista en la segunda. Están corriendo ríos de tinta sobre lo adecuado o no de dar voz a las teorías de la conspiración frente a una audiencia millonaria -exactamente una media de 2,6 millones, sumamente elevada para esta cadena-, que no siempre tiene tiempo, formación o los recursos para informarse adecuadamente. Y justo cuando las vacunas AstraZeneca y Janssen están en el punto de mira por unos aislados casos de trombos que han logrado dejar en un absurdo segundo plano la cantidad de muertes diarias que sigue produciendo la covid-19 en todas partes. Dar voz a Bosé en medio de este berenjenal ha sido la crítica más común durante los últimos días, pero no el único momento en que ‘Lo de Évole’ ha incomodado.
Jordi Évole está justificando la realización de estos especiales, para los que se ha desplazado en avión a México junto a su equipo, explicando que el programa «no va a provocar que la gente se haga negacionista». Decía el viernes en Al Rojo Vivo, como recoge Vertele: «Hay un punto de paternalismo cuando decimos que algo no se le enseñe a los espectadores no vaya a ser que se les convenza de algo. Tenemos unas audiencias muy bien formadas (…) La manera que tenemos de hacer las cosas es esta: coger al protagonista de una corriente de opinión, en este caso el negacionismo, y ponerle frente a su espejo y sus contradicciones. Su discurso no lo silenciamos porque le escuchamos, pero después vamos a ver una contrarréplica para que la gente saque sus conclusiones».
La imagen de Miguel Bosé que nos ha devuelto ese espejo es bastante incómoda de ver para el espectador medio. El primer capítulo del programa mostraba a un Bosé que luchó por ser él mismo frente a su padre torero, que sufrió por desamor hasta el punto de caer en la drogadicción, que ha perdido la voz también por un mal de amores, que sufrió el estigma de «drogadicto y maricón» durante los 80 y los 90, que tuvo que lidiar con el rumor de su propia muerte por sida, en directo, en ‘Queremos saber’ de Mercedes Milá, y que abanderó aquella lucha en tiempos de desinformación, como estos en que vivimos, cuando un porcentaje escandaloso de la población no tiene aún la menor idea de qué significa ser indetectable.
El segundo capítulo muestra a un Bosé que rechaza radicalmente las vacunas, sobreactuado, a veces fuera de sí, riéndose, haciendo bromas y arrastrando sus manos por la mesa a destiempo, cabreándose cuando vuelve a salir el tema de la pandemia y, en última instancia, nada menos que arrebatando a un periodista su ordenador portátil para que no contacte con un científico que hable a la audiencia. Un toma y daca, el de ese ordenador de Apple, que nadie quería ver, principalmente porque la base de esta entrevista era la amistad entre el entrevistador y el entrevistado. Pues menos mal, podríamos plantear.
Hay un momento que ha pasado desapercibido pero es especialmente incómodo y se produce cuando Miguel Bosé se pone a elucubrar sobre si lo que está diciendo va a ser emitido por Évole o censurado por laSexta. Este responde que a él en su cadena nadie le censura y en ese momento es fácil imaginarse a toda la redacción del programa frontándose las manos con el bruto: un artista de primer nivel diciendo «seguro que esto lo censuráis» y la respuesta inmediata del presentador, desmintiéndolo. La emisión de estas palabras, que obviamente se produjo, valida inmediatamente el montaje del programa, pues elimina la sospecha de que el resto haya podido estar editado a conveniencia, cuando de hecho lo está y con un relato muy concreto: el primer episodio comenzaba con un Miguel Bosé que confesaba la enorme cantidad de drogas que se había metido entre pecho y espalda, y en el segundo vemos a un artista, en una palabra, ido. Bosé cayó bien en la primera mitad, pero en la segunda «le hemos perdido».
El relato que subyace es que Miguel Bosé se ha quedado en un cuelgue, y no solo es la teoría de Lucía Etxebarría en su Instagram, sino que la mismísima Ana Pastor, una de las mayores inspiraciones para todos los periodistas del país, comenzaba anoche su programa en directo ‘El Objetivo’ con una afirmación similar. Plantada a última hora por Rocío Monasterio de VOX (gracias, Rocío, ya habíamos tenido bastante para la jornada de supuesto descanso dominical), la presentadora arrancó su entrevista a Mónica García, candidata por Más Madrid a la Comunidad de Madrid en esas elecciones autonómicas que parecen el apocalipsis, pese a que de hecho en sólo 2 años, hay otras iguales, preguntándole por Miguel Bosé. García arguyó algo sobre la «incongruencia» de no escuchar a los científicos pero decir que «esto no es con ellos»; y Pastor añadía inmediatamente después, citando a «alguien en Twitter» así en general: «él mismo ha hablado del consumo de drogas, y seguramente este sea uno de los efectos».
Ahí es donde precisamente ‘Lo de Évole’ ha terminado de decepcionar como entrevista en profundidad, como mínimo porque esperábamos más de este excelente programa. En primer lugar, porque da la sensación de que para protagonizar una entrevista de estas características el artista tenga que estar muriéndose o en un punto de liarla muy fuerte. En segundo, porque la entrevista ha tenido una serie considerable de tabúes sobre la vida personal del artista (orientación sexual, expareja, custodia de sus hijos). En tercero, porque se ha pasado de puntillas también sobre los méritos artísticos de Bosé (ni se ha mencionado el enorme éxito de ‘Libre ya de amores’, un tema suyo de 2014 que ha arrasado, y no es tan fácil lograrlo casi a los 60 años). Y sobre todo porque si realmente Bosé tiene un comportamiento errático -que lo tiene- debido al consumo pasado de drogas, en estos tiempos de concienciación sobre salud mental, el asunto es lo suficientemente serio como para haber sido abordado, aunque fuera tímidamente, y ya que el artista ha reconocido bordear la depresión en distintos puntos de su carrera. Como parecía plantear el programa, nadie en su sano juicio puede negar que las muertes en las residencias de ancianos han caído desde que están inmunizados… pero la pregunta del millón es si Miguel Bosé está en su momento más sano, lo suficiente para hablar en público, o si no le hemos puesto un espejo demasiado grande delante para retratarle frente a una audiencia monstruosa y ávida de cancelaciones, cuando no procedía.
Hubo un momento en el programa de anoche en que Miguel Bosé trató de ser divertido. Fue cuando le pusieron ‘El negacionista’, una canción de este año de Los Planetas en la que la banda de Jota se burla del carácter negacionista de Miguel Bosé. Este, que se reconoce como tal, tarareó el tema con una media sonrisa. Los artistas tienen grabado a fuego que tienen que sortear las críticas, afrontarlas y ante todo reírse de sí mismos de vez en cuando. «No llegarás a ningún lado en el mundo del pop si no te ríes de ti mismo» es un mandamiento fundamental para aquel que quiera resistir años en esto, como él lo ha logrado. Pero algo había en sus ojos que decía que la sonrisa era impostada. Pocas veces una entrevista dejaba, en definitiva, tal sensación de tristeza.
Jorja Smith anuncia hoy que el próximo 14 de mayo saldrá un proyecto suyo de 8 canciones llamado ‘Be Right Back’. La nota de prensa remitida a los medios informa expresamente de que esto no es un álbum o mini álbum. «Se llama ‘Be Right Back’ porque es algo que quiero que mis fans tengan ahora mismo, esto no es un álbum y estas canciones no habrían formado uno. Si necesitaba hacer estas canciones, es que alguien necesitaba oírlas».
Este proyecto es en cualquier caso el primero desde su disco ‘Lost & Found’ de 2019, incluirá el sencillo anteriormente publicado bajo el nombre de ‘Addicted’ y uno que se lanza hoy bajo el nombre de ‘Gone’, con un piano y cierta bruma que recuerda a los Massive Attack de los 90. Lo presenta la propia artista así: «Hay algo en ser capaz de escribir una cosa que signifique tantas cosas diferentes para otras personas. Me encanta que esta canción, bueno, realmente cualquiera de mis canciones, pueda ser interpretada de diferentes maneras, dependiendo de las experiencias de la gente que la oiga. Esta soy yo preguntando por qué perdemos a las personas».
El tracklist del proyecto queda como sigue:
01 Addicted
02 Gone
03 Bussdown [ft. Shaybo]
04 Time
05 Home
06 Burn
07 Digging
08 Weekend
Raisa Álava es una artista plástica de, lo has adivinado, Álava que en el mundo de la música se está haciendo un nombre como ilustradora de las portadas de Marta Movidas, una de las revelaciones actuales en el underground nacional. Y más allá de este mundo, uno de los últimos trabajos de Raisa ha sido seleccionado para formar parte de una nueva colección de relatos de Philip K. Dick que la editorial Folio Society acaba de publicar, una colección ideada por los herederos del influyente autor. Especializada en disciplinas como el dibujo, la pintura, la cerámica o la escultura, la obra de Raisa presenta un universo surrealista y colorido lleno de personajes, escenarios y perspectivas imposibles. Le pasamos a Raisa nuestro «tipo test» para conocer sus gustos musicales, tan variados como su obra.
¿Tienes canción favorita de todos los tiempos o alguna que nunca jamás te haya dejado de acompañar?
‘Fire in Cairo’ de The Cure la he escuchado casi a diario durante los últimos años, no me cansa. También ‘Bihotzak sutan’ de Zarama.
¿Una canción que te haya obsesionado últimamente?
‘The Crowded Cell’ de PJ Harvey. Es la banda sonora de la serie ‘The Virtues’ y tiene una fuerza brutal. La intro me pone la piel de gallina y ella es una intérprete increíble, todo parece que toma otra dimensión, te hace imaginarte escenas.
¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
Creo que cualquier banda sonora de cualquier película de Disney. Es un topicazo pero es así. También cualquiera de Ana Belén y Victor Manuel o Silvio Rodriguez que asocio directamente con mis padres.
¿Qué canción odias con toda tu alma?
Odiar es una cosa muy fuerte y no diría que la odio, pero ‘Legalización’ de Ska-P me pone enferma.
¿Sigues comprando discos? En caso afirmativo, ¿cuál fue el último y en qué formato?
La verdad es que no tengo reproductor ni de vinilo ni de CD en casa y me da una pena terrible, lo último que compré fue un vinilo de mis amigas Serpiente.
¿Cuál es tu plataforma favorita para escuchar música ahora mismo? Por ejemplo, al margen de Spotify/Apple Music, ¿escuchas discos enteros en Youtube?
Uso bastante Youtube para escuchar la música que no encuentro en Spotify, también para dejarme sorprender por las cosas que me recomienda. Muchas veces el algoritmo acierta y me ha enseñado cosas muy guays.
¿Qué disco es el que más has escuchado últimamente?
‘Miss Anthropocene’ de Grimes, desde que lo sacó en bucle.
¿Qué disco marcó tu adolescencia?
‘Let Go’ de Avril Lavigne, me encanta y a día de hoy sigo escuchándolo muchísimo.
¿Escuchas música mientras trabajas? En caso afirmativo, ¿cuál?
Suelo escuchar mucha música clásica, y cuando no lo hago me suelo hacer playlists con canciones que me ayudan a concentrarme, con artistas como LCD Soundsystem, Aphex Twin, Björk, The Knife, Portishead, Massive Attack, The Brian Jonestown Massacre…
Has trabajado en proyectos musicales, como el de Marta Movidas. ¿Tu obra bebe de alguna inspiración musical?
Desde luego, paso mucho tiempo escuchando música y sobretodo mientras dibujo y ando por la calle, cosa que de manera inconsciente te hace visualizar escenas que rápidamente voy a abocetar para que no se me olviden.
Al margen de la música, ¿te inspiran otro tipo de artistas o de estéticas? Por tu obra parecen asomar referencias del cómic, del pop art, psicodélicas, medievales…
A parte de todos los que has dicho, también disfruto mucho con otro tipo de disciplinas como la pintura o la escultura. Una de las cosas que más me ayudan a soltarme cuando estoy atascada es mirar cualquier deporte y fijarme en cómo son las pistas, donde se pone el público, los rituales de los deportistas antes, durante y después del juego o las herramientas que usan.
¿Qué opinas del supuesto revival del vinilo o peor aún, del cassette? ¿Es puro postureo o te interesa especialmente?
Estéticamente me parece una cosa muy bonita, a nivel usuario no puedo opinar porque no consumo.
¿Alguna actuación vocal que te guste en particular?
Me encantan Ana Arsuaga aka Verde Prato y, cómo no, Marta Movidas. También me gusta mucho Valdivia.
¿Tienes videoclip favorito o uno que te guste mucho?
Tengo muchísimos, uno de los que más es ‘Siempre Eterno’ de Mujeres. Y todos los de Javier Molina Ugarte.
¿Algún concierto que recuerdes con especial cariño?
Uno que hubo aquí en Bilbao hace unos añitos con Vulk, Cala Vento y Serpiente. Fue muy emotivo.
¿Alguna canción que, en algún momento, te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el “guilty-pleasure”?
Muchas veces cuando voy por la calle me pongo a escuchar Oskorri y pienso en que si se desconectara el cable del móvil y empezase a sonar me daría un infarto de la vergüenza.
¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
Es una pregunta muy complicada que no sé cómo responder porque no soy música . No tengo reparos a la hora de escuchar cosas nuevas y me encanta descubrir artistas. Respondiendo a la pregunta, creo que la perfecta es una que no me haga pensar en otra cosa mas que en lo que estoy escuchando, que me absorba totalmente.
Un remix que te haya vuelto loca.
‘Not Okay’, de SOPHIE.
Floating Points es conocido por sus impresionantes producciones electrónicas, como las de su reciente álbum ‘Crush‘, pero también por su pasión por el jazz. ‘Elaenia‘, su debut oficial, estaba profundamente influido por este género sin dejar de lado la electrónica cósmica, y Pharoah Sanders quedó maravillado con el disco cuando lo escuchó hace cinco años, lo cual no debe ser nada fácil de conseguir pues, a sus 80 años, Sanders no solo lo ha escuchado todo ya, sino que actualmente lo que más aprecia es el sonido del silencio. En nota de prensa, el sello Luaka Bop recoge estas palabras del músico: «A veces la gente cree que estoy durmiendo, pero en realidad estoy escuchando música en mi cabeza. Siempre lo estoy escuchando todo, escucho los sonidos que hay a mi alrededor, y los que suenan dentro mi cabeza… y a veces sueño».
Estas palabras pertenecen a un (aparente) intercambio telefónico entre Sam Shepherd y Sanders acontecida durante la grabación de ‘Promises’, su disco conjunto. Como decía, Sanders es tan fan de ‘Elaenia’ que, en cuanto lo escuchó, decidió que quería trabajar con el músico británico, sin importar las décadas de años que les separan -por qué iba a hacerlo- ni el hecho que el saxofonista estadounidense, conocido por su trabajo con John Coltrane y por su influyente discografía de cosmic jazz, lleva dos décadas sin publicar un álbum propio como tal. Todo esto deja de importar con la escucha de ‘Promises’, un trabajo de free jazz, ambient y música (neo)clásica que solo puede ser descrito como trascendental. En estos tiempos de aplicaciones para combatir la ansiedad y programas de meditación de Netflix, en los que hasta nuestra paz vital es absorbida por la tecnología, ‘Promises’ suena auténtico. Esto sí apetece compartirlo con tus amigos.
‘Promises’ se compone de una pieza musical de 46 minutos dividida en 9 movimientos. Todos ellos están unidos por el sonido de un arpeggio de siete notas tocado simultáneamente con clavecín, piano y sintetizador y que se repite cada 9 segundos (sí, durante 46 minutos). La melodía creada por este arpeggio es luminosa, divina, esclarecedora, todo un remanso de paz; pero pasa a un segundo plano cuando entran en acción los demás instrumentos, hasta el punto de que prácticamente te olvidas que está ahí, das por sentada su presencia. Sin embargo, la repetición de este arpeggio es clave para la experiencia de ‘Promises’, pues casi sin que te des cuenta te ha hipnotizado por completo, de modo que quedas completamente absorbido por la música, de la que no quieres salir hasta que el disco termine.
La música de ‘Promises’ sigue una línea parecida: mientras el mencionado arpeggio va apareciendo una y otra vez a lo largo del álbum, Sam Shepherd improvisa melodías de piano o sintetizador (el músico está acreditado en hasta 12 instrumentos), Pharoah Sanders ralentiza el tiempo soplando su humeante saxofón y la Orquesta Sinfónica de Londres va decidiendo cuándo aparecer, cuándo no, o cuándo sentar cátedra, momento que le llega en ‘Movement 6’, en el que se levanta con una melodía sinfónica emotiva y escalofriante. De hecho, cada movimiento de ‘Promises’ es identificable por su propia particularidad a pesar de no haber silencios entre pista y pista, por lo que es fácil adivinar en qué punto de la pieza se está sin comprobar los títulos en la pantalla del móvil: ‘Movement 1’ es por supuesto la introducción a todo esto, en ‘Movement 2’ irrumpe un motivo orquestal más tenso e intrigante, y ‘Movement 9’, el último, es el más clásico y pastoral de todos.
Si es difícil hacer una «pieza» de casi una hora que en ningún momento aburra, Shepherd y Sanders hacen que parezca fácil, a lo que ayuda que la Orquesta Sinfónica de Londres nunca sobrepase su poder: mantiene la compostura en todo momento. En ‘Promises’, el balance de repetición e improvisación funciona a merced de un trabajo lleno de espacio en el que Shepherd y Sanders dialogan de manera espontánea, sin pisarse el uno al otro. A veces los teclados despegan como en una producción de James Blake para luego caer al vacío, como los de ‘Movement 3’; otras pasan de volar por el cosmos para después recordar a las rudimentarias producciones proto-electrónicas la BBC Electronic Workshop; como los de ‘Movement 7’, y en ‘Movement 4’, Sanders se atreve a derribar la ilusión creada por el disco acercándose al micro para tararear una boba melodía. En este momento te das cuenta de que ‘Promises’ lo tiene casi todo: emoción, serenidad, drama, dinamismo… y hasta una pequeñísima dosis de humor.
Chvrches vuelven hoy con un nuevo single que supone su regreso tres años después de su tercer álbum, ‘Love Is Dead’, que no pudo repetir el disco de oro que consiguieron los dos primeros en Reino Unido.
La banda ha regresado con un medio tiempo de pop sintético llamado ‘He Said She Said’. La canción es crítica con las convenciones sociales que pronuncia un hombre (sólo se usa el «he said», nunca el «she said»), tales como: “puedes estar triste pero no te deprimas”, “emborráchate pero no la líes”, “aliméntate pero guarda la línea”, “ponte guapa pero no te obsesiones”. La opresión lleva a la desesperación en el estribillo «creo que me estoy volviendo loca». El tema está en la línea feminista de lo desarrollado por Lauren Mayberry como letrista y también como columnista ocasional.
En estos 3 años, han cambiado cosas para Chvrches, como mínimo en cuanto a la percepción del público. De manera totalmente improbable su canción de EDM-con-guitarrita junto a Marshmello, ‘Here With Me’, se ha convertido en el mayor éxito histórico de la banda, acercándose ya a los 500 millones de reproducciones en Spotify. Y aun así, sonaba tan poco a Chvrches que habría sorprendido muchísimo que hubieran optado por seguir esa línea artística. Por suerte, no ha sido el caso en esta canción con mensaje, continuista más bien con lo hallado en todos sus discos.
Tras tres discos como estrellas adolescentes y con el éxito de ‘Potential Breakup Song’ a sus espaldas, Aly & AJ decidieron en 2009 abandonar ese nombre artístico para pasar a llamarse 78Violet, aunque finalmente, tras varios anuncios, nunca llegaron a publicar ningún disco bajo ese nombre. Diez años después de su tercer álbum ‘Insomniatic’ (2007), Aly & AJ volvieron a ser Aly & AJ y lanzaron un EP titulado ‘Ten Years’. Desde entonces no han parado de sacar música: dos años después otro EP, ‘Sactuary’, y al siguiente una ristra de buenos singles entre los que se encuentran una regrabación de su máximo hit (esta vez incluyendo la palabra “fuck”) o la genial ‘Joan of Arc on the Dance Floor’.
En 2021, tras 14 años sin álbum largo, ya llega por fin su cuarto disco con un nombre que seguro que le gusta a Fiona Apple: ‘a touch of the beat gets you up on your feet gets you out and then into the sun’. ‘Symptom of Your Touch’ es el cuarto adelanto y sirve como confirmación de que podemos esperar cosas muy gratas de él.
Esta vez se trata de otra “break up song” en la que las hermanas ofrecen un sonido en algún lugar entre el synthpop de Carly Rae Jepsen y las composiciones oníricas y azucaradas de Hatchie. La letra, que trata sobre la dificultad de superar una ruptura, contrasta con una melodía alegre y veraniega que te abraza y no te deja escapar. Con versos directos y sinceros como “Si me pides un cierre / ya sabes lo que pasará si voy/ es un síntoma de tu tacto/ ¿si se siente tan bien por qué duele tanto?”, el tema no ofrece ningún tipo de respuesta a ese dolor. “¿Por qué no soy capaz/ de hacer lo correcto por una vez?” se lamentan las hermanas en el puente de la canción que precede al último estribillo. Pero aun así, Aly & AJ consiguen que ‘Symptom of Your Touch’ resulte una especie de zona de confort para quien la escucha, capaz de atraparte en una nube de melancolía dulce cual algodón de azúcar.
Demi Lovato está soltando lastre en la era ‘Dancing with the Devil… The Art of Starting Over’. Nada de esconder las experiencias traumáticas en lo más recóndito de la mente para que luego salgan en forma de ataques de ansiedad donde menos te lo esperas. La cantante de Albuquerque habla sobre su sobredosis de drogas y violación en una serie documental (‘Demi Lovato: Dancing with the Devil’), en la letra de la canción ‘Dancing with the Devil’, y en el videoclip, donde recrea ella misma el suceso.
Dirigido por Michael D. Ratner, quien también ha realizado el documental, el videoclip ‘Dancing with the Devil’ narra lo ocurrido esa fatídica noche. En la primera escena, Demi Lovato aparece intubada en el hospital. A través de varios flashback, y en sintonía con la letra, vemos cómo se va desarrollando la noche: copas, más copas, llamada al camello, sobredosis y elocuente elipsis sobre la violación.
Luego el vídeo recrea su traslado al hospital, su convalecencia y su recuperación. Lo más interesante de la puesta en escena, tan eficaz como rutinaria, es la conexión que establece el director entre pasado y presente a través de la inclusión de varias imágenes en la cama de la clínica que funcionan como recuerdos, como flashes de memoria sobre esa noche: las luces de la ambulancia, el suelo por donde la trasladan en camilla o esa bola de discoteca que establece una relación fiesta-hospital un poco moralizante y aleccionadora.
‘SEIS‘ es nuestro «Disco de la Semana» y tenemos el privilegio de charlar con Mon Laferte a través de Zoom mientras ella se bebe un zumo de naranja. Para ella son las 8.30 de la mañana, para mí las 17.30 de un viernes por la tarde, pero nuestro humor es excelente en ambos casos pese a las circunstancias.
Laferte es una rara avis de la industria musical, pues está fichada por un gran sello y cuenta con unos streamings millonarios, pero en realidad sus composiciones y producciones siguen amparadas en la tradición, ajenas a las modas, suspendidas en el tiempo. Sus colaboradores en este disco son Alejandro Fernández y Gloria Trevi, no Bad Bunny y Karol G. La artista es además una gran apasionada de su trabajo, de su discurso político y es un placer hablar con ella pese a las inconveniencias de un Zoom siempre dispuesto a congelar la imagen y el sonido en el momento más inoportuno.
¿Qué tal estás? ¿Sigues viviendo en medio del campo? Supongo que ha sido un acierto estar en un sitio pequeño durante la pandemia.
Eso me decían todos mis amigos (risas), que qué envidia que yo tenía espacio y los árboles… Ahora estoy en Los Ángeles de promo y extraño el campo…
Uno de los puntos de inspiración del disco es Chavela Vargas, ¿hay algún disco concreto o alguna canción menos conocida suya que te haya llamado la atención?
Yo no conocí a Chavela de chica. La conocí al llegar a México. Escuché su voz y me enamoré de su interpretación. Hay una canción en particular que me mata. La descubrí el año pasado, ‘Maria Tepozteca‘. Es muy bonita porque la mayor parte de su carrera cantó canciones de otras personas, sobre todo de José Alfredo. Pero cuando tuvo el boom en España, se puso a escribir sus canciones y se descubrió su valor en las líricas. Esta canción se la escribió a una mujer de la que se enamoró. Me la pasé escuchando esa canción y siento una cosa… Me gusta tener mis momentos épicos o cinematográficos. Me inspira: me pone en un sitio emocional que me lleva a escribir mis propias canciones. Me parecía mágico porque yo vivía entonces donde escribió esa canción Chavela.
He visto en internet que Tepoztlán es un sitio bastante pequeño. ¿Es como campo?
Es un pueblo muy particular que se rige por usos y costumbres, tiene sus propias leyes, no hay cadenas, ni supermercados. Solo tienditas. En muchos pueblos de México hay una ley que dice que se van a regir por sus costumbres. Es muy bonito porque tienes que ser parte de la comunidad, si te vas a vivir a Tepoztlán tienes que ser parte de la comunidad. Ahora hubo un incendio horrible, hace un par de días, aunque yo estaba acá, sé que la gente daba el agua de sus albercas, de las piscinas. Todo el mundo sale a combatir el incendio, no se esperan a que venga la ayuda de fuera.
¿Qué canción de este disco te hace pensar más en este lugar?
La primera que hice, cuando me puse a escuchar a Chavela y se nota demasiado (risas), ‘Se me va a quemar el corazón’, versión guitarra.
He entendido el porqué de la portada del disco y el vídeo en el que haces un paralelismo entre el toro y la mujer, ¿pero cómo has dado con esta imaginería? ¿Cuál es tu primer acercamiento al mundo taurino?
Yo soy cero taurina, no tengo idea. En Chile no se practica. En México sí y no sé nada de este mundo, pero sí me parece sumamente cruel y obviamente no me gusta. Por eso hago esta comparación en el videoclip, pero no estoy familiarizada. Es algo muy ajeno para mí.
Mi canción favorita del álbum es ‘Aunque te mueras por volver’, que tanto recuerda a Raphael, a Manuel Alejandro, que soy superfán…
¡Yo también!
¿Por qué no la has escogido como single?
Todo dice que es el sencillo. Es la canción como grande. Pero también soy muy visceral. En ese momento hace unos meses no me sentía en una actitud de cantar ‘Aunque te mueras por volver’. Todo el año pasado fue estar en mí, en casa, con la guitarra, pequeñito. Con una actitud meditativa y contemplativa. Y esa canción es como «demasiado protagonista».
No quiero ser políticamente correcta, ni quiero dar ejemplo a nadie, ni voy con la bandera de «esto sí, esto no»… Me da mucha flojera eso
Este disco en cierta medida es una huida del amor tóxico, incluso hablas de «desaprender el amor» en un momento, en contradicción con las canciones melódicas que tanto nos gustan. No sé si tienes esta contradicción. ¿Hay canciones tuyas de discos pasados que te parezcan tóxicas con el paso del tiempo, que hablen de un amor enfermizo?
¡Y del presente! (risas). Esta canción dice «qué mal que tú seguro has de pensar seguido en mí / Te duele recordar quién soy, quién fui». Es una actuación. Pienso mucho en el en vivo con este tipo de canción, pienso en la teatralidad de Raphael. O de Juan Gabriel. Los humanos somos toda una contradicción. No quiero ser políticamente correcta, ni quiero dar ejemplo a nadie, ni voy con la bandera de «esto sí, esto no»… Me da mucha flojera eso (risas) Simplemente soy una artista. En mis canciones voy reflejando mis experiencias, y las exagero. Me encanta exagerarlas. Eso me da el drama, el teatro para mantenerlo en vivo. Porque lo que yo hago es subirme a un escenario y hacer un show. Exagero, le quito, le pongo. A veces salen canciones más profundas como la de «quiero del amor desaprender», pero eso no significa necesariamente que ya esté deconstruida, que ya haya aprendido y ya solo vaya a hacer canciones de «soy muy poderosa y ya no necesito a nadie». Qué flojera sería, ¿no? (risas)
A veces me salen canciones más profundas como la de «quiero del amor desaprender», pero eso no significa que ya solo vaya a hacer canciones de «soy muy poderosa y ya no necesito a nadie». Qué flojera sería, ¿no?
Hay una parte del álbum que es más feliz, como ‘No lo vi venir’ o ‘Amado mío’. ¿Hay evolución hacia un amor más sano en el disco? ¿En algún momento te planteaste hacer un disco en orden cronológico o conceptual?
No, para este no. En el álbum anterior esa era mucho más la idea, la evolución de una relación de pareja. Ahora no. Tengo muchas canciones en discos pasados que van de amores bonitos, de pareja, pero también he hecho canciones para mis sobrinos, para mi abuela, para mis amigas… para otras personas, no necesariamente amor de pareja. Pero me hace falta ese fuego, ese poquito de tierra. No me gusta cuando todo viene en la caja perfecta… la vida necesita un poco de sangre también (risas).
‘Canción feliz’ es una bossa. ¿En verdad a qué etapa pertenece? ¿A la feliz o todo lo contrario? Porque es precisamente como agridulce…
Tiene espíritu pandémico. En la pandemia sentí mucha melancolía, me sentía muy melancólica cuando la escribí. Como dices tú, es agridulce. Sentía mucha incertidumbre, tenía esa sensación de apocalipsis todo el tiempo… Ahí surgió esta canción.
No me gusta cuando todo viene en la caja perfecta… la vida necesita un poco de sangre también
Hay canciones muy políticas en este disco, de corte feminista, y luego ‘La democracia’. ‘La democracia’ me la imagino como la banda sonora de tu paseo en topless por los Latin Grammy (NdE: con el emblema escrito en su pecho «en Chile torturan, violan y matan». ¿Guardan relación lo que expresa la canción y lo que expresaste en aquella alfombra roja?
Supongo que sí, desde muy joven tuve inquietudes con el tema social. Supongo que con los años ha ido tomando más protagonismo, porque todo explotó después de lo de la alfombra roja. Son temas que me importan, que siempre me han importado porque me han tocado. No es que yo sea una buena persona que quiere luchar por los derechos de todo, sino que vengo de una familia de clase trabajadora. Tuvimos una infancia muy dura, mi hermana y yo vimos a mi padre trabajar muy duro y aun así saber que no teníamos las mismas oportunidades de estudio, de salud. En Chile la gente se muere esperando una atención médica. Me tocan a mí estos temas, muy directamente, y por eso los pongo en la mesa.
¿Tuviste reacciones de las instituciones de Chile por esto?
Por declaraciones que hice en algunas entrevistas hubo una persecución política, creo yo. Un hostigamiento de parte de la policía.
¿Cómo lo has vivido? ¿Te has arrepentido?
Sí, me he arrepentido muchas veces de muchas cosas, pero al final digo «está bien». Prefiero pedir perdón que pedir permiso. Siempre pasa que la gente, al final de su vida, los abuelitos… qué pena decir esto, pero dicen: «me arrepiento de no haber hecho esto». La gente se arrepiente de lo que no hizo. Intento pensar todo el tiempo como una abuelita, es mi filosofía de vida.
Me tiene un poco cansada el sistema de cómo funciona la música: la playlist, el sencillo, los conciertos
Tu acercamiento al corrido, a la música mexicana… es bastante puro. Se agradece que no siga las modas, los featurings… pero últimamente has dicho que estás toqueteando ordenadores. ¿Podemos esperar algo más electrónico de tu próximo trabajo pero aún inspirado en la música tradicional? ¿O prefieres lo tradicional en plan más puro?
Me gustan las mezclas pero también… algunas mezclas terminan sonando como música de elevador (risas) Que digo está bien, pero no es lo que yo quiero hacer. Estoy muy pegada al ordenador, estoy haciendo algo. Un proyecto diferente, que es como para mí una nueva etapa. Me tiene un poco cansada el sistema de cómo funciona la música. Lo que dices: la playlist, el sencillo, los conciertos… Me da la sensación de que ya se hizo y me agota. Tengo una idea como de mezclar todos mis mundos artísticos en un solo mundo. Pinto, hago videoarte… Quiero poner todo eso junto.
Esta noche se ha emitido la segunda parte de la entrevista de Jordi Évole a Miguel Bosé. En la primera, el cantante habló de su relación con sus padres, de la muerte de su madre, sobre la que negó muriera de covid; de la pérdida intermitente de su voz, de su adicción a las drogas, de la ausencia en su vida de vida social y también de su -autoproclamado- negacionismo.
En la segunda parte de la entrevista, que ha arrancado con Bosé escuchando ‘El negacionista‘ de Los Planetas, canción que encuentra «graciosísima» porque lo que expresa «es verdad», el cantante ha insistido efectivamente en su negacionismo y negado -valga la redundancia- que la información en la que cree pertenezca al ámbito de las conspiraciones. Ha afirmado saber más de ciencia que Évole porque «se ha informado más profundamente» echando mano a «millones de documentos (a los que puede acceder) cualquier ciudadano para darse cuenta de la gran estafa», y ha advertido que «van a caer todos uno detrás de otro: políticos, médicos, farmacéuticos y los cómplices, el brazo armado que son los medios».
A continuación, Bosé ha indicado que «muchos de ellos no van a poder salir a la calle a caminar tranquilos, va a haber un segundo juicio de Nuremberg que se van a cagar». Pero a pesar de esta reflexión, cuando Évole ha pretendido dar paso a un científico que está a punto de conectarse a la conversación, Bosé se ha negado a hablar con él porque él «no es científico, solo un ciudadano» (el científico era Quique Bassat, epidemiólogo del Instituto de Salud Global de Barcelona). Ni siquiera cuando Évole ha puesto sobre la mesa aquella vez en que España creyó que Bosé había muerto de sida debido a una «campaña de bulos», el cantante ha considerado replantearse su posición, mostrándose en todo momento firme en su convicción de que el virus no existe, llegando a apuntar «iba a ser una pandemia y no tiene ni la casta de epidemia».
En otro punto de la entrevista, Bosé ha explicado que nunca se pone gel hidroalcohólico y que sigue besando y abrazando a familiares que vienen de lejos sin problema, y ha hablado sobre la manifestación anti-mascarillas que promocionó en sus redes sociales el pasado mes de agosto, pero a la que él mismo finalmente no acudió a pesar de expresar, en palabras textuales, «nos vemos allí». El cantante, entre risas, ha asegurado que aquel mensaje fue una «boutade» y «una forma de hablar».
Ante todo, Bosé ha manifestado en la entrevista con Évole una desilusión total con la situación política a nivel global. Llega a declarar que él «no quiere vacunas sino venganza» y pide «más medios y más fondos para que los científicos puedan investigar» para poder confirmar la existencia del virus. «También estoy a favor de la cura de todas las enfermedades que existan, pero las vacunas no son la solución», ha apuntado. Bosé ha denunciado que lo «peor que le ha pasado a la medicina es su politización» y ha asegurado haber votado en blanco en las últimas elecciones porque ya no cree en ningún partido. Según Bosé, «en el panorama político mundial no hay personas que estén a la altura de llevar una democracia, ni de pensar en el ciudadano, ni de pensar en un proyecto como país».
El mundo no ha mejorado muchísimo, pero Bebe Rexha ha decidido que ya era momento de anunciar la llegada de su segundo disco. ‘Better Mistakes’, que no se titula en respuesta al primero, sale el 7 de mayo e incluye aquel dueto con Doja Cat que ha pasado bastante desapercibido por las listas de éxitos, y también el ultra noventero single ‘Sacrifice’, que suena a Kiesza y con el que directamente no ha pasado nada.
El siguiente as en la manga de Bebe Rexha no tiene nada que ver con ninguno de los otros singles. ‘Sabotage’ es un baladón dramático y épico que suena más bien en la línea de lo que suelen hacer Sia, P!nk, Kelly Clarkson o Leona Lewis, o en la línea de los baladones de Eminem en los que han aparecido vocalistas invitadas como Rihanna (Bebe es co-autora de ‘The Monster’), solo que sin rap. El tema ha contado con la producción de Greg Kurstin, persona especializada en este tipo de composiciones, pues de hecho es productor de ‘Hello’ de Adele. ‘Sabotage’ es menos clásica, pero desde luego está hecha para el lucimiento vocal de Bebe, todo un prodigio pese a lo que nos pueda decir la falta de repercusión de sus últimos singles.
En la crítica de ‘Expectactions’ comentábamos que Bebe no había conseguido dejar de parecer una cantante de sesión, de esas que graban las maquetas primero para que los artistas de primer nivel las escuchen. En ‘Sabotage’ canta sobre su incapacidad para ser feliz por su tendencia a cometer errores, pero sigue habiendo algo que falla. Como estilista vocal, como persona capaz de hacer virguerías con la voz que el 99% de personas no podemos, Bebe es extraordinaria, pero sigue sonando distante en esta grabación, como si no se creyera del todo lo que canta. Pero no es culpa de ella sino de la canción, que no puede ser más genérica. ¿Cómo creerse una emoción que es, en primera instancia, artificial?
1. Break My Heart Myself (feat. Travis Barker)
2. Sabotage
3. Trust Fall
4. Better Mistakes
5. Sacrifice
6. My Dear Love (feat. Ty Dolla $ign & Trevor Daniel)
7. Die For A Man (feat. Lil Uzi Vert)
8. Baby I’m Jealous (feat. Doja Cat)
9. On The Go (feat. Pink Sweat$ & LUNAY)
10. Death Row
11. Empty
12. Amore (feat. Rick Ross)
13. Mama
El debut de la joven Ana Arsuaga es de los que se molestan en contar una historia. En un momento en el que la música pop está mirando de manera inequívoca hacia la tradición, con proyectos como Maria Arnal i Marcel Bagés conquistando las listas y agotando localidades con antelación, Verde Prato presenta una pequeña colección de 7 composiciones mayoritariamente en euskera: todas excepto la última se nos presentan en dicho idioma.
La música es austera, grabada y producida en la compañía de Jon Aguirrezabalaga (We Are Standard), con momentos tan extremos como ‘Haurraren kanta’ -directamente a capella- o ‘Amaren kanta’, en la que en principio solamente acompaña una percusión seca, a la que se van sumando otros elementos: un segundo grupo de percusiones formado por las propias manos, quizá un bajo… Verde Prato busca transmitirnos los secretos de la canción popular que ha pasado de generación a generación y su bonita voz es un fabuloso vehículo para ello. Su coro en los últimos instantes de este mini álbum es especialmente hermoso.
‘Kondaira eder hura’ (“Aquella bella historia”) narra la vida de un muchacho que abandona el campo para irse a la ciudad. Como ya habréis adivinado a estas alturas todos los vascoparlantes, cada pista nos ofrece la visión de un personaje, la de él mismo o la de quienes le rodean: de ahí que los títulos de todas las canciones terminen en «kanta», revelando la primera palabra quién nos está hablando.
‘Amaren kanta’ es la visión de la madre (“Adónde va mirando mi niño? ¿Qué lo dañará en ese lugar?). La aventurera ‘Mutilaren kanta’, locas virguerías vocales incluidas, es la propia visión del protagonista («¿En qué lugares anda aquella muchacha? (…) ¿La podré agarrar de la cintura? (…) ¿Me dolerá ese beso?»). ‘Aitaren kanta’ es el apoyo del padre, quien nos revela que también huyó en su día, sobre un piano un tanto trip hop (“te entiendo, hijo, yo también anduve así un día / tu madre se pregunta si el camino de los hombres es huir, no lo sé, pero di si te vas huyendo”).
También hay tiempo para una marcha fúnebre de «los amigos», que en realidad está entonada por una amante despechada (“no diremos que éramos íntimos / despídete cuanto antes y márchate”, dice ‘Lagunen kanta’); mientras el relato de los hermanos está protagonizado por la violencia (‘Anaien kanta’), en concreto por una pelea en un bar aunque no lo parezca en su mitad silbada (sí en las estrofas).
Este viaje nos lleva a la canción del disco en castellano, ‘Neskaren kanta‘, que parece representar la llegada a la ciudad y a la sensualidad. Verde Prato representa entonces la voz de otra «muchacha», se incorpora un beat hasta reggaetón quizá como símbolo de su sino, y la letra apela con sutileza al sexo sin perder el tono poético que rezuma ‘Kondaira eder hura’.
«¡Qué hermoso era tu pecho,
una blanca luna!
No lo cubras, la camisa
solo lo importuna».
Con unas influencias que van desde Siouxsie a Mikel Laboa, pasando por cosas tan insospechadas como unos tangos rusos, el camino de Verde Prato parece menos incierto y más osado que el del protagonista de ‘Kondaira eder hura’.
No solo Novedades Carminha están recuperando los ritmos de la verbena de pueblo para que los goce una nueva generación. Manuel González González, que también es gallego, de Santiago de Compostela, para ser exactos, se ha especializado en este sonido a través de sus diversos proyectos, primero con el cumbiatune de Esteban & Manuel (ya extinto) y ahora con ORTIGA (el artista forma parte también del dúo de trap Boyanka Kostova junto a Cibrán García).
La salsa, el merengue, la cumbia o la bachata son algunos de los ingredientes favoritos de ORTIGA, que mezcla todos estos estilos con electrónica y elevadas dosis de autotune para dar con un sonido totalmente suis generis. Su primer disco, ‘Chicho y sus chichas’ (otro alias de Manuel es Chicho del Funk), publicado hace un par de temporadas, no tiene desperdicio, como demuestra el single ‘O Solar’, que ha pasado por el JNSP Song Contest. El usuario diekirc lo presentaba comentando que «no hace falta salir de España para vivir la experiencia de Paula Vázquez»
Después de colaborar con Grande Amore en el EP ‘Los Rastreadores’ y con Rodrigo Cuevas en el single ‘La magia de tu melena‘ (ambos participaron hace unos meses en La Residencia de Radio 3 para hacer música juntos), ORTIGA ha avanzado los detalles de su próximo trabajo discográfico, que llevará por título ‘Sabes el camino que elegí’ y verá la luz este año a través de Ernie Producciones. El primer adelanto oficial de ‘Sabes el camino que elegí’ es hoy la «Canción Del Día».
Solo puede ser pegadiza una canción llamada ‘Nanana’, y así es. Ese es exactamente el gancho de este pegadizo electromerengue cantado en gallego que habla «de la vida, el amor, las decisiones y las consecuencias que estas acarrean». Una canción llena de alegría y júbilo, pero también de añoranza por la persona amada, con la que ORTIGA baila para olvidarse de sus problemas, hasta desahogarse en un final de guitarras eléctricas y voces ultradistorsionadas que irrumpen de manera casi inesperada, pero que no pueden elevar más la grabación, llevándola al éxtasis.
El eufórico anhelo de ‘Nanana’ es tal que, en la canción, ORTIGA canta que cuando su chica muera, quiere que le entierren con los «brazos afuera para poder seguir tocando la guitarra». Su videoclip, un animado paseíto por Santiago. ORTIGA, desde luego, lleva la fiesta consigo.
Angel Olsen ha salido del armario. En Instagram, la autora de ‘All Mirrors‘, el 2º mejor disco de 2019 para nuestra redacción, ha colgado una imagen de su novia (que se identifica como persona no binaria) junto al mensaje: «mi churri, ¡soy gay!» Por otro lado, en el stories ha colgado una imagen de ella sonriendo junto a un mensaje parecido: «¡¡¡soy gay!!!» (en inglés, «gay» es sinónimo de homosexual y se refiere tanto a hombres como a mujeres). La noticia, que ha sido recogida por medios como Rolling Stone, no sorprenderá a nadie que siguiera a Angel y a su pareja en las redes desde hace tiempo, donde abundan fotos de ellas juntas, si bien la cantautora estadounidense no había dado a conocer públicamente su orientación sexual hasta ahora.
En lo que refiere a su carrera musical, Olsen ha anunciado recientemente el lanzamiento de ‘Song of the Lark and Other Far Memories’, un boxset que incluye ‘All Mirrors’, la colección de versiones primigenias de aquel disco ‘Whole New Mess’, y un nuevo álbum de bonus tracks llamado ‘Far Memories’ con caras b, remezclas, canciones descartadas y una versión de ‘More than This’ de Roxy Music. Sale el 7 de mayo. El primer adelanto de esta caja ha sido ‘It’s Every Season (Whole New Mess)’, otra versión alternativa de ‘Whole New Mess’, que podéis escuchar más abajo. Por otro lado, Olsen ha participado recientemente en el álbum de Miley Cyrus, ‘Plastic Hearts‘, donde está acreditada como guitarrista en ‘Bad Karma’.
Sobre ‘All Mirrors’, nuestra compañera Mireia escribía lo siguiente: ‘All Mirrors’ es brillante, apasionado e irónico. Pleno de referencias y, a la vez, terriblemente personal. Porque Angel Olsen juega con nuestras percepciones y prejuicios. Usa su voz, su aspecto aparentemente desamparado y el formato de torch song, para crear una obra de absoluta reafirmación. No es un lamento por el amor perdido; es un grito de júbilo por la individualidad recuperada. Puedes comentar la noticia en el foro de Angel Olsen.
Este miércoles 14 de abril se han cumplido 40 años del lanzamiento de ‘Faith’ de The Cure, grupo que a su vez celebraba cuatro décadas de historia hace unos pocos años. Algo olvidado en el contexto de las plataformas de streaming, quizá porque no contó con ningún single destacado como los anteriores, pues funcionaba más como un todo a pesar de -o quizá gracias a- su breve duración de 36 minutos (si lo pones en vinilo, casi te parece estar escuchando un EP, de lo rápido que se acaba), ‘Faith’ es uno de los discos mejor considerados de la carrera de The Cure y uno de los favoritos de la cultura gótica.
Visto en el contexto en que salió, entre los lanzamientos de ‘Seventeen Seconds’ y ‘Pornography’, con los que conformaba una trilogía de post-punk depresivo, ‘Faith’ es el disco en el que The Cure se transforman realmente en The Cure. En la primavera de 1981, aún quedan cinco (!!) discos para que los británicos editen ‘Disintegration‘, su obra maestra, pero los sentimientos de depresión y angustia que marcan ese disco ya están muy presentes en ‘Faith’, un trabajo en el que Robert Smith pinta un panorama desolador de almas vacías, voces distantes, nostalgia por tiempos que no eran demasiado mejores, muertes ajenas y provocadas, apatía absoluta y una rabia que le «consume» por dentro.
En la época en que The Cure graban ‘Faith’, los integrantes del grupo están sumergidos en una espiral de drogas, peleas y cambios de formación, y en mayo de 1980, Ian Curtis de Joy Division se suicida. Su muerte inspira una de las canciones más icónicas de ‘Faith’, llamada sin más misterio ‘The Funeral Song’, la cual Smith intenta grabar para ‘Seventeen Seconds’ sin conseguir que suene todo lo «fúnebre» que desea. La desesperanza que asuela a Robert Smith queda plasmada en ‘Faith’ en su gélida ambientación y en su instrumentación esquelética y gris, así como en la elección de singles: ‘Primary’ presenta el disco, el grupo decide no promocionarlo con más sencillos y ‘Charlotte Sometimes’, el tema más pop de esta era, queda fuera de la secuencia para ser añadido más adelante a una recopilación de singles.
A pesar de que, en este momento, The Cure ya han escrito hits como ‘Boys Don’t Cry’ o ‘A Forest’, ‘Faith’ no es, como todo el mundo no se ha cansado de escribir, un disco de singles. Es más bien una «mood piece» en la que las mejores composiciones de hecho son las baladas: la desolada ‘All Cats Are Grey’ evoca una depresión paralizante, hipnótica, mediante una melodía de sintetizador estremecedora, y arranca con una de las frases más icónicas de esta era: «I never thought that I would find myself». Con todo, un clarísimo precedente de ‘Disintegration’. ‘The Funeral Party’ marcha con el ímpetu de un muerto más que el de un funeral, y ‘Faith’, con sus menciones a una violación o la muerte, contiene unas de las melodías de bajo más memorables de su repertorio.
Por otro lado, ‘Primary’ es un buen single porque es el tema más «comercial» de ‘Faith’ sin dejar de representar muy bien su sonido: este es un disco de post-punk con las defensas bajas, pero que no ha perdido el estilo. La producción es ante todo refinada y elegante, y 40 años después, su crudo sonido ha aguantado dignamente el paso del tiempo. No han envejecido mal las voces tratadas de ‘Other Voices’ para hacerlas sonar distantes y en la urgencia de ‘Primary’ y de la inicial ‘The Holy Hour’ ya confluyen muchas ideas que inspirarán el revival post-punk del siglo XXI por parte de grupos como Preoccupations o Molchat Doma, sin que ninguna de ellas suene especialmente pasada de moda.
La carrera de The Cure es tan atípica que discos como ‘Faith’ y ‘The Top’ no parecen de la misma banda. Pero The Cure siempre han seguido sus instintos, y en las entrevistas, Robert Smith ha explicado que su evolución hacia sonidos más pop, el hecho que el grupo sacara un disco como ‘The Head on the Door’ después del truculento ‘Pornography’, no seguía necesariamente un objetivo comercial, sino un deseo de la banda de llevarle la contraria a sus fans. «‘Faith’ era el sonido de una desolación extrema porque así es como nos sentíamos en aquel momento, pero no continuamos haciendo aquello porque era lo que pensábamos que nuestros fans querían». Con tremenda discografía capaz de sobrevivir décadas, ¿sigue habiendo alguien que quiera un disco de The Cure en 2021?
Niña Pastori es una de las artistas españolas más exitosas de los últimos 30 años, por lo que no es ninguna sorpresa que las nuevas generaciones la reivindiquen por doquier. Sin ir más lejos, María Rosa García García ha sido una de las inspiraciones de ‘Tú me dejaste de querer‘ de C. Tangana, La Húngara y Niño de Elche, uno de los mayores éxitos del año pasado en España, y unos años antes, en 2018, era Rosalía quien aparecía con ella en el escenario para cantar juntas ‘Cuando te beso’.
El último icono de la música antes conocida como «urbana» pero que la gente sigue llamado «urbana» en sumarse a la admiración por Niña Pastori es DELLAFUENTE, hasta el punto de que esta admiración ha terminado cristalizando en una colaboración. La cantante gaditana celebra estos días el 25 aniversario de su debut, ‘Entre dos puertos’, por lo tanto celebra también casi 30 años de carrera en la industria de la música, y su idea para festejar este evento ha sido traerse una de sus canciones más icónicas a 2021.
‘Ese gitano’ es una de las pistas incluidas en ‘Entre dos puertos’, y «ese gitano bandolero» es un estribillo icónico del neoflamenco. Lanzada en 1995, es extraño no verla entre las 10 canciones más escuchadas de Niña Pastori en Spotify, pero quizá eso hable bien de su repertorio y no mal. En cualquier caso, Niña Pastori ha llamado a DELLAFUENTE para modernizar la canción y eso es lo que ha hecho el autor de ‘Descanso en poder’. Eso sí, a su manera y sin llevar la actualización demasiado lejos.
Porque aparte de cantar al unísono con María Rosa, Pablo de la Fuente envuelve la grabación original de ‘Ese gitano’ en unos sintetizadores cálidos y percusiones que son totalmente post-‘El mal querer‘. Es básicamente un remix y no el más radical o revolucionario que se pueda escuchar, pero quizá su fidelidad a la versión original es lo que esté gustando a la gente, como puede comprobarse por su éxito en Youtube, donde es número 18.
Entre las canciones que ha recomendado nuestro compañero Raúl Guillén en su playlist «Flores en el estiércol», estaba esta ‘Last True Love’ que servía para presentar el disco de Still Dreams que saca esta semana el sello Elefant. El largo, de 8 canciones solamente, se llama ‘Make Believe’ y se edita en vinilo de color rosa.
El grupo no viene de ningún lugar de nuestro país, sino de Japón, algo que algunos detectaréis en acento, voces o alguna sonoridad, si bien los componentes de Still Dreams (Ryuta y Maaya) son realmente unos enamorados de Europa. Todas sus mayores influencias provienen de Francia, Reino Unido o Irlanda con la excepción de Arcade Fire. Por lo demás citan a New Order, M83, Cocteau Twins y My Bloody Valentine. Estas dos últimas cosas las vais a notar muy poco escuchando ‘Make Believe’ (si acaso en ‘Live with Excuse’) pero lo de New Order se nota muchísimo atendiendo a este ‘Last True Love’.
Hay quien puede hablar de mímesis o fusilamiento de la banda de Bernard Sumner y antiguamente Peter Hook. Y eso será tan cierto como que esta canción es tan irresistible como los hits de los 80 del grupo de Manchester que vio The Haçienda crecer. Con un punto de inocencia a lo Sarah Records o incluso a Saint Etienne (quizá sea por sugestión de esa voz femenina), ‘Last True Love’ avanza hacia un glorioso final instrumental que nos conecta con los momentos más bailables de Club 8. ¿Sería aquel nuestro «último gran amor» inocente?
En contra de lo que pueda parecer por el nombre de la canción, el tema suena optimista y anima a mirar el futuro en varios puntos, indicando que es el momento de “seguir adelante”. El estribillo indica que “somos los últimos amantes verdaderos en este mundo cruel, por paranoico que pueda sonar / Permanecemos intocables”, virando hacia la euforia tanto como el vídeo bailarín.
Boza es un cantante de Panamá que en los últimos tiempos lo ha petado con ‘Hecha pa’ mí‘, un tema que ha sido top 5 en España y que acumula cerca de 300 millones de reproducciones en Spotify. El proyecto de Humberto Ceballos Boza no ha entrado aún en la clase de un Bad Bunny, un J Balvin o una Karol G, pues el resto de sus cifras están más cerca de una Paloma Mami, pero con 12 millones de oyentes en la mencionada plataforma sueca, tampoco se puede decir que sea un desconocido.
El artista, de 25 años, publicó su primer disco el año pasado, y a finales de aquel año se pegó un tiro en el pie (metafóricamente) cuando realizó unas declaraciones homófobas en Twitter. Hablaba de dedicar sus canciones «solo» a las «señoritas» y aludía a la homosexualidad en términos de un «tercer sexo» que no existe. Sí, en los tiempos de Bad Bunny, una persona que pregona su feminidad allá por donde va, las estrellas del reggaetón siguen decidiendo meterse en Twitter para expresar este tipo de sandeces, en pleno 2021.
En aquel momento, hace unos meses, algunos fans de Boza daban su carrera por acabada, pero él no se rinde y este año publicará su segundo disco, del que ya avanzado tres adelantos. Si Boza puede haber sido conocido, en algún momento, por su fusión de reggaetón, dancehall y canela, un estilo panameño conocido por la vulgaridad de sus letras, en ‘Por ti’, ‘No sé qué’ y ‘Ella’ apuesta por un reggaetón-pop y dancehall bastante refinados para el estándar de Boza. No era muy difícil superarlo, pero peores son las producciones de Anuel AA y el tío está en la cima.
El último de estos singles publicados, ‘Ella’, es una de las novedades de la semana que puedes escuchar en la playlist «Ready for the Weekend». Un corte de reggaetón-pop en el que sobrevuela la sensibilidad melódica de Drake, y que probablemente pasaría desapercibido si no fuera porque su estribillo puede contener el gancho «me gustas tú» más pegadizo desde el de Manu Chao. Confirmado: esto sí es un «guilty pleasure» y no escuchar a Soraya Arnelas. Una pena… todo lo demás.
Por otro lado, el vídeo de ‘Ella’ te hará querer haber escuchado solo la canción. Bien de sexualización barata y una pelea de energúmenos en este clip del que hay poco que destacar para bien: a lo sumo los estilismos, si son de tu gusto. Yo habría preferido un vídeo animado, como la portada del single, tan 6ix9ine, o mejor incluso, un lyric video. O nada.
‘White Dress’ de Lana del Rey se mantiene en el número 1 de lo más votado de JNSP, con lo cual ya son 36 las semanas que Lana ha estado en dicho puesto a lo largo de la historia, extendiendo su propio récord. Tras ella, “MONTERO” de Lil Nas X marca un nuevo máximo, subiendo al puesto 2.
La entrada más fuerte es ‘Momentismo absoluto’ de Fangoria directa al número 3, seguida del dúo entre Demi Lovato y Ariana Grande. También ‘Dance’ de Foxes logra llegar al top 10 y Twenty One Pilots queda a las puertas del mismo. Más modestas pero muy relevantes al tratarse de artistas minoritarios son las entradas de Cassandra Jenkins y The Lodger.
‘Justice’ de Justin Bieber ha vendido más de 600.000 unidades en 3 semanas según las estimaciones de Mediatraffic. No es gran cosa para una estrella de su categoría, pero nadie está moviendo muchísimas más copias en 2021 salvo los artistas asiáticos y en Estados Unidos el extraño fenómeno Morgan Wallen, como reminiscente de la era Trump. Justin Bieber perdió una cantidad enorme de público de ‘Purpose’ (2015) a ‘Changes’ y ahora claramente hay cambio de tornas.
La idea de sacarse de la manga un nuevo álbum corriendo, viendo que el anterior no había gustado, ha resultado, dejando al margen, en anécdota, el EP llamado ‘Freedom’ de corte góspel y espiritual que ha editado por Semana Santa. Con ‘Justice’ Justin Bieber ha sido número 1 en Estados Unidos, Canadá, Australia, Irlanda, Dinamarca, Holanda… y otros territorios, y ha quedado en el puesto 2 en Reino Unido. Pero mejor que eso es la longevidad del álbum. Tres semanas después continúa en el número 2 en Reino Unido, de hecho esta semana ha vuelto a ascender al número 1 en Estados Unidos, y se nota a la legua que, esta vez sí, le queda cuerda para rato.
La principal responsable de todo esto, lo que se puede considerar el ‘Sorry’ de esta época, aunque no demos crédito, responde al nombre de ‘Peaches’. Temas como ‘Holy’ o ‘Lonely’ no habían funcionado demasiado mal en meses pasados, ni tampoco ‘Hold On’ poco antes del lanzamiento de ‘Justice’, pero es esta canción la que a buen seguro rebasará los 1.000 millones de reproducciones en Spotify. Ha sido top 1 global de esta plataforma durante 3 semanas y aún sigue en el número 2, tan solo detrás de Lil Nas X y «Montero». No podemos decir que ‘Justice’ sea precisamente un retorno interesante y «trendsetter» a los tiempos de ‘Purpose’, de hecho ‘Peaches’ es todo un oasis en el mismo; pero ande yo caliente, ríase la gente.
Flops
En el polo opuesto, el caso de Nick Jonas: él sí ha hecho ‘Spaceman’, un disco interesante, apañado, bien unificado, nada desesperado, al margen de las modas y los featurings… y con él se está comiendo los mocos. Como ahogado por el exitazo del regreso de Jonas Brothers hace un par de años, que convirtieron ‘Sucker’ en uno de sus mayores clásicos, si no el mayor, el nuevo álbum de Nick Jonas no ha podido pasar más desapercibido.
Y es que si alguna vez te burlaste de los fracasos de tu diva más odiada, atiende a estas cifras: ‘Spaceman’ entró al puesto 69 en Reino Unido, al número 74 en nuestro país y después… nada más se ha sabido. En Estados Unidos, el álbum llegaba al puesto 12, que no está TAN mal, pero del 12 pasaba al 115 y de aquí al puesto 179 en el Billboard 200. En total, 3 semanas de permanencia como si fuera un artista indie o de 70 años.
Nick Jonas, de 28 años, parece que no tendrá una carrera tan fácil como apuntaba en años pasados su tema ‘Close’, ni siquiera tras haber presentado la excelente ‘This Is Heaven’ en la tele.
Más allá de la polémica por las similitudes con el vídeo de ‘Cellophane’ de FKA twigs (que explicamos hace unos días), el nuevo videoclip de Lil Nas X tiene varias referencias visuales dignas de destacar. La directora ucraniana Tanu Muino (en realidad tiene apellido gallego, Muiño, porque su padre es cubano), autora de clips como ‘Small Talk’ (Katy Perry), ‘Up’ (Cardi B) o el ‘Juro que’ de Rosalía, ha realizado una fantasía manierista, colorista y ultra kitsch, donde las referencias bíblicas serpentean por un universo de inspiración grecolatina, y los pelucones versallescos se mezclan con la simbología satánica.
‘Montero’ comienza en el Jardín del Edén. Lil Nas X aparece bajo el Árbol del Conocimiento, cual Adán y Eva despreocupados. La llegada de la serpiente pondrá su mundo patas arriba. Le tentará carnalmente, y de esa manera descubrirá su “pecaminosa” sexualidad. Tras un plano del árbol donde aparece grabada una cita de ‘El Banquete’ de Platón referente a la androginia, pasamos al juicio público. Lil Nas X es encadenado en una gran sala, y juzgado por una masa ciega y un tribunal que lleva pelucas a lo Maria Antonieta.
Después de ser lapidado, asciende al cielo como un mártir cristiano hasta que aparece una barra de baile. Se agarra a ella y desciende al infierno a través de una arquitectura inspirada en el interior del Panteón de Agripa. El cantante traspasa las puertas del averno, que parece sacado de la iconografía del género de fantasía heroica, para, como una bruja medieval, bailar sensualmente con el mismísimo Satán. Un príncipe de la tinieblas cuya apariencia recuerda al de la película ‘Legend’ y que acabará destronado por Lil Nas X como un ángel caído visto por Pierre et Gilles.
En 2018, Phoebe Waller-Bridge estaba más solicitada que Dua Lipa y Rosalía juntas. Entre las series ‘Fleabag’ y ‘Killing Eve’, su papel en ‘Han Solo: Una historia de Star Wars’, y su guión para ‘Sin tiempo para morir’, la última de James Bond, la actriz londinense no podía con la vida. Así que decidió llamar a una amiga para que la sustituyera como guionista de la segunda temporada de ‘Killing Eve’. Eligió a la actriz y escritora de novelas infantiles Emerald Fennell, con quien había hecho buenas migas en 2011 durante el rodaje de ‘Albert Nobbs’.
Fennell, que hasta ese momento apenas había escrito algún capítulo de ‘Drifters’, supo aprovechar la oportunidad: ‘Killing Eve’ fue un éxito y ella fue nominada en los premios Emmy por el guión de la serie. Además, su carrera como actriz -hasta ese momento bastante discreta- tomó un gran impulso cuando fue elegida para interpretar a Camila Parker en ‘The Crown’. Un año después, en 2019, siguió la racha. Margot Robbie, a través de su compañía LuckyChap, decidió producir un guión suyo y le ofreció dirigirlo.
El resultado es ‘Una joven prometedora’, un debut notable que le ha valido a Fennell estar nominada en todos los premios importantes del año: Globos de Oro, Bafta, Oscar… En estos últimos compite en cinco categorías: Mejor película, dirección, actriz principal, guión original y montaje. Donde más posibilidades tiene es en la categoría de guión (acaba de ganar el Bafta) y en la de actriz, donde Carey Mulligan parte como favorita (aunque extrañamente, siendo inglesa, se haya quedado fuera de las nominaciones de los Bafta).
‘Una joven prometedora’ es una película (gozosamente) desconcertante. Nunca sabes por dónde va a salir ni el tono que va a emplear. Por un lado, es una ingeniosa reformulación en clave feminista del subgénero “rape and revenge”. Una adaptación a los tiempos del MeToo de esa vertiente riot grrrl del cine de explotación que empezaría con el clásico de culto ‘Ángel de venganza’ (1981), continuaría con ‘Kill Bill’ (2003), y acabaría (por ahora) con las recientes ‘Revenge’ (2017), ‘M.F.A.’ (2017) o ‘Amulet’ (2020).
Por otro lado, es una estilosa comedia negra que parodia y retuerce, con el puño violeta bien apretado, las comedias románticas indies (la escena de la farmacia con ‘Stars are Blind’ de Paris Hilton sonando de fondo) y las de despedidas de soltero (la secuencia final). Y, por último, la película es un vigoroso y punzante drama sobre la violencia de género. ¿Funciona esta combinación tan heterogénea y arriesgada? Mucho más de lo esperado.
Aunque a veces parece que va a perder pie, con tantos vaivenes narrativos y sacudidas dramáticas (algún resbalón pega, eso sí), la directora logra enderezar el rumbo de la película todo el tiempo. Lo consigue gracias a un guión muy equilibrado, a pesar de sus giros y cambios de tono; a una puesta en escena muy eficaz, que logra reflejar de forma muy expresiva la personalidad y el momento vital en el que se encuentra la protagonista; a la estupenda interpretación de Mulligan, que nunca se pasa de graciosa ni de melodramática; y a un discurso sobre el machismo y la venganza tan inteligente e hiperbólico como necesario.
Lo próximo de Emerald Fennell será el guión de ‘Zatanna’, la puesta de largo de la superheroína de DC Comics que prepara J.J. Abrams como productor y, ¿la propia Fennell como directora? Esperemos que sí.
Noel Hogan, conocido por ser el guitarrista de los Cranberries y co-autor de muchas de sus canciones, firma una de las novedades del viernes con ‘Crybaby’. Es una colaboración con la cantante, compositora, actriz e integrante de los Commitments Bronagh Gallagher gestada, escrita y grabada a distancia durante el confinamiento. Una preciosa canción de amor que hoy es la «Canción Del Día».
Cuentan ambos que ‘Crybaby’ está inspirada en la admiración que los dos sienten por la música de los años 60. En concreto, mencionan los nombres de Jerry Wexler (productor de Ray Charles, Aretha Franklin o los Allman Brothers, y la persona que acuñó el término «rhythm & blues»), Arif Mardin (productor de Bee Gees, Hall & Oates o Dionne Warwick) y Dusty Springfield.
Pero, quizá debido a que Noel y Bronagh no dejan de ser irlandeses, y precisamente porque a los dos les gusta la música pop de los 60, ‘Crybaby’ suena abiertamente brit-pop, como una balada en el estilo de los años 90, hasta el punto de que se nota que Noel Hogan es amigo de Bernard Butler de Suede desde aquella gira conjunta de 1993. En ‘Crybaby’, la melodía es emotiva, edificante y atemporal mientras las guitarras conviven con los violines y Bronagh ofrece una actuación vocal entregadísima.
El clásico mensaje de ‘Crybaby’ es que el amor es lo más importante, y este queda reflejado de manera especialmente conmovedora en un estribillo hecho para elevar el espíritu, en el que violines y la voz de Bronagh vuelan juntos de la mano. Otra de las inspiraciones de este medio tiempo de brit-pop contemporáneo ha sido el espacio: la frase «deja que la música te haga salir adelante, deja que los rubíes te lluevan encima» está inspirada en unas imágenes del espacio profundo compartidas por la NASA.
Las buenas noticias de Noel Hogan no se acaban aquí, ya que el músico dice poseer «todo un disco duro» de música nueva que ha grabado con otros artistas colaboradores, si bien explica que ‘Crybaby’ sabía que tenía que cantarla Bronagh y nadie más. ‘Crybaby’ es el primer single que lanza Noel desde que en 2019 viera la luz el último disco de los Cranberries, publicado un año después de la muerte de Dolores O’Riordan.
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