‘WAP’ no solo ha sido número 1 en Estados Unidos: desde este viernes también lo es en Reino Unido, en su cuarta semana y después de esperar pacientemente en el número 2. Es un dato importante, pues las raperas que habían sido número 1 en Reino Unido (Iggy Azalea, Nicki Minaj, Lil’ Kim y Missy Elliott) lo habían conseguido pero como «featuring» de una colaboración más «convencional», como informa la OCC. Es la primera vez que un single de rap hecho solo por mujeres, llega al top 1 de las listas británicas. Además, desplaza al fin al número 2 al que ha sido el éxito del verano en Reino Unido, ‘Head & Heart‘ de Joel Corry con MNEK. Os dejamos con 3 reseñas diferentes de la canción realizadas por nuestra redacción.
«‘WAP’ de Cardi B y Megan Thee Stallion me gusta si a) olvido que he visto su videoclip b) trato de no ponerme muy a fondo con la letra. Haré ver que es un tema en que Cardi y Megan cantan de manera triunfal sobre su deseo sexual y cómo sus respectivos totos dirigen el cotarro (aunque hay versos que me patinan). Ciñéndome a lo estrictamente musical, ‘WAP’ es un tema sencillo y de pasmosa efectividad; una línea de bajo, unas palmas y como gancho el sample de ‘Whores in This House’ de Frank Ski. Todo para que reinen los rotundos recitados de Cardi y Megan y un estribillo simple y pegadizo. Si a eso le sumamos una duración de poco más de tres minutos, conseguimos un hit pop bastante redondo». Mireia Pería.
«Mi único problema con ‘WAP’, que como single de rap puro y duro, por explícito y vulgar que sea, es estupendo (la base no es tan «hardcore» como podría ser, pero es pegadiza), es que sería mejor sin Cardi B, quien de hecho es la artista principal. Personalmente, disfruto más de aquellos raperos y raperas cuyo «flow» me hace sentirme en una montaña rusa, y la relajada dicción de Cardi B me causa cierto rechazo de cara a disfrutar de esta composición. Megan se la merienda sin pensárselo mucho, y creo que un duelo entre ella y Azealia por mucho que esta esté en horas bajas; o entre ella y Doja Cat, o entre ella y Tkay Madza, o incluso entre ella y Tinashe, que ojito con el flow de esta última, habría sido mucho más satisfactorio». Jordi Bardají.
«Cardi B y Megan Thee Stallion son número 1 no solo por el éxito de su colorido y polémico videoclip (la PETA espera que los animales sean de mentira), sino porque el tema ha arrasado en Spotify. No es de extrañar porque el sample es un puto martillo que se te clava en la cabeza ¿Cuántas veces suena? ¿20 cada 30 segundos? Tiene además el sentido de la ironía que escuchemos de fondo todo el rato que hay «putas en la casa». Cardi B y Megan Thee Stallion se apropian del insulto en una letra en la que repiten la palabra «pussy» una veintena de veces, se jactan de que «no limpian, ni cocinan», aunque sí se «cabalgan sobre pollas» «para conseguir anillos», e invitan a su fiesta a un montón de chicas más, desde Rosalía a la Kylie que no es Minogue. Un gobernador de derechas se ha preguntado si esto es el feminismo, Cardi B considera una victoria haber cabreado a los conservadores y, en todo caso, con un poquito de titulares y un poco de gracia, el tema hip-hop de base sobria -casi conservadora también, ojo- tiene ya un pequeño hueco reservado en la historia». Sebas E. Alonso.
Varry Brava han sido uno de los grupos más afectados por el coronavirus, pues tenían el lanzamiento de su nuevo disco ‘Hortera’ pensado para finales del mes de marzo, es decir, justo cuando se decretó el estado de alarma. Fueron pioneros… en aplazar todo. Ni que decir tiene que se pensaban poner morados este verano a presentarlo por todos los festivales del país -o todos los que acojan a artistas que llaman un álbum ‘Hortera’ con un emoticono de mierda en su portada- pero no ha podido ser. La banda sí ha podido actuar en algunos lugares puntuales, como algunos de sus compañeros de profesión. Foto: Jose David – La Industrial.
En esta canción continúan esos guiños a la cultura pop que tanto gusta a los murcianos: si la melodía de ‘Ritos exóticos’ podría haber pertenecido al Tino Casal más entregado a la pista de baile (más el de ‘Embrujada’ que el de la rococó ‘Eloise’), los teclados synth-poperos que se añaden en el estribillo están pensados para llenar estadios y la letra contiene una referencia muy evidente a Franco Battiato («yo quiero verte danzar»). La canción tiene un punto romántico que podría pertenecer a Dorian («me dices que acabará el cuento a las doce / y veremos salir el sol en mitad de la noche»), pero en verdad va sobre follar. Con «brujería» de por medio, como en el disco de La Bien Querida, pero ni menos ni más.
Eso nos inspira un estribillo que va directo a la yugular: «yo quiero hacerte el amor / con viejos ritos exóticos / hagamos que hablen de ti y de mí / mañana los periódicos». Después, Varry Brava han tenido a bien rimar «ritos eróticos» con «que aplaudan todos los católicos». El propio grupo nos habla sobre la creación de esta canción, que no en vano fue la «primera» que hicieron para ‘Hortera’: «‘Ritos Exóticos’ fue el primer tema que hicimos para ‘Hortera’. Fuimos al local y empezamos a tocar dando vueltas a los acordes que ahora forman las estrofas de la canción. Buscamos fuerza en las primeras melodías de voz con giros tipo ‘Burning Down The House’ de Talking Heads. A las semanas retomamos aquella idea en casa, abrimos un nuevo proyecto en Logic y comenzamos a maquetar: baterías muy ochenta, pads ambientales tipo Pet Shop Boys de los primeros 90, arreglos Synth-Chorus-Voices entre frases, toms de transición y poco más. La maqueta tomó un ambiente ElectroRock 80 que nos flipó, venías de escuchar la primera estrofa con aquellos arreglos y la melodía del estribillo salió sola. Fue inspirador trabajar con aquellos sonidos, creó un ambiente lleno de azules nocturnos que nos llevó directamente a los más enigmáticos y bohemios mundos estético-líricos de Battiato y Tino Casal. Todas las frases que lanzábamos encajaban en ese cuadro y en una de ellas fue inevitable no hacerle el guiño a ‘Voglio Vederti Danzare’”.
Sobre por qué no ha sido un single, responden: «No tenemos mucho concepto de single. Vamos sacando canciones cada una con su material audiovisual según creemos que pueden encajar en cada momento y según nos va apeteciendo. También es cierto que no pensábamos que «Ritos» fuese a gustar tanto como lo está haciendo. Son esas las sorpresas que te guardan las canciones, y es maravilloso».
‘Hortera’ ha sido producido por Andrés Terrón y Pablo Estrella, y es, según la nota de prensa escrita por el periodista Jam Albarracín, «una invitación irrechazable a molar, a salir a guapear, a colgar los prejuicios en el armario, a dejarse acariciar por la brisa, a bailar como si no hubiera un mañana (y quién sabe si lo habrá), a despeinarse con glamour, a permitir que se corra el rimmel con orgullo, a seducir a la luna, a hacerle un guiño a los rótulos de neón, a pintarse las uñas y sonreír, a enamorarse aunque sea del mismo amor, a acabar tirados en la playa, ya sea esta real o soñada». En breve, el grupo comunicará nuevas fechas de presentación del álbum.
SZA es una de las protagonistas del viernes al haber publicado un nuevo single por sorpresa. Se titula ‘Hit Different’ y es una «slow jam» producida nada menos que por The Neptunes, el dúo formado por Pharrell Williams y Chad Hugo que es conocido sobre todo por sus vanguardistas producciones de R&B y hip-hop editadas a principios de siglo, tales como ‘Hollaback Girl’ de Gwen Stefani, ‘I’m A Slave 4 U’ de Britney Spears o ‘Milkshake’ de Kelis.
‘Hit Different’ es una colaboración de SZA con el rapero Ty Dolla $ign y lleva la firma de SZA sobre todo en la letra, que vuelve a hacer gala de su verborrea típica como si la cantante hubiera extraído las palabras de su propio diario personal. El tema narra los altibajos de una relación abierta en la que SZA busca fingir que el hombre al que le dedica la letra no es el «principal». Curiosamente, el videoclip de ‘Hit Different’ dirigido por la propia Solana incluye una segunda canción que no ha sido publicada en las plataformas de streaming. Se trata de una balada en la que prima cierto sabor a R&B y soul clásicos, ¿una pista de lo que está por venir?
El segundo disco de SZA es uno de los grandes misterios del pop de los últimos tiempos. Ya lo fue el primero, que tardó años en ver la luz hasta el punto que su autora consideró abandonar la industria de la música poco después de aparecer en nada menos que la pista número 1 de ‘Anti’ de Rihanna. ‘Ctrl’ salió el fin en junio de 2017 fue un absoluto éxito de crítica y público. De hecho, el álbum lleva tres años sin apearse de la lista de ventas americana, haciendo gala de una longevidad que ya quisieran para sí muchos álbumes que sí han alcanzado el número 1 en dicha clasificación.
A pesar del éxito de ‘Ctrl‘, al que han seguido colaboraciones igualmente exitosas con Maroon 5, Kendrick Lamar o, en menor medida Justin Timberlake, la relación de SZA con su sello, Top Dawg Entertainment, el mismo que edita a Kendrick, sigue sin ser la mejor. En concreto ha llegado a ser «hostil» y la artista incluso ha dado a entender que el lanzamiento del álbum, que estaría terminado -ella pretende publicarlo este año- se encuentra parado por culpa del jefe de Top Dawg, Terrence “Punch” Henderson. En respuesta al mensaje de un fan que pedía a «Punch» nueva música de SZA para este contestarle después que nuevo material saldría «pronto», SZA no se cortaba un pelo al tuitear: «Esto es todo lo que me dice a mí también. Bienvenidos a mi puta vida». De hecho, ante el lanzamiento de ‘Hit Different’ SZA ha escrito que «simplemente quería compartir algo». ¿Menudo… entusiasmo?
¿La buena noticia de todo esto? ‘Hit Different’ no es exactamente ‘Drew Barrymore’, de modo que el single bueno de verdad de SZA debería estar por venir. En sus palabras cabe esperar un álbum que alternará sonidos «agresivos, de trap, inspirados en Joni Mitchell, acústicos» o «más mierda parecida a ‘The Weekend'». Entre los productores con los que Solana ha trabajado, Jack Antonoff. De ahí solo puede haber salido algo bueno, ¿no?
This is all he says to me as well . Welcome to my fucking life .
Carla Bruni vuelve el próximo 9 de octubre con su primer disco de material inédito en 7 años. Fue en 2013 cuando escuchamos por última vez nuevas canciones originales de la cantante francesa, en este caso reunidas en un álbum llamado ‘Little French Songs‘ que era de lo más digno a pesar de su falta de pretensiones y de lo incómodo de temas como ‘Mon Raymond’ obviamente dedicados al señor Nicolas Sarkozy, marido de quien fuera primera dama de Francia durante el mandato del susodicho.
Después de ‘Little French Songs‘ sí escuchamos un interesante pero fallido álbum de versiones «afrancesadas» de clásicos del pop tales como ‘Enjoy the Silence’ de Depeche Mode, ‘The Winner Takes it All’ de ABBA, ‘Highway to Hell’ de AC/DC o ese maravilloso ‘Moon River’ de la película ‘Desayuno con diamantes’ interpretado por Audrey Hepburn. Sin embargo, Bruni presenta al fin nuevos temas propios y su nuevo disco es homónimo, con todo lo que ello debería implicar. ¿Su álbum más personal? Según la nota de prensa este trabajo es el «reflejo de la propia Carla Bruni, un abrazo incondicional de su verdadero yo», y a su vez promete ser una obra sin grandes novedades respecto a la discografía de la artista: «Siempre sensible, con emociones a flor de piel por momentos, la música del disco da testimonio de un temperamento único y evita la ostentación».
La nota continúa: «A través de él podemos sentir el deseo de una sencillez tranquila, libre de brillo y arrogancia. Probablemente se deba a que la producción de estas canciones se planeó mucho antes de que alguien pusiera un pie en el estudio de grabación. Guitarra, piano, un toque de pies y fragmentos de melodía son la base de todos los temas, grabados a puerta cerrada con Albin de la Simone, que produjo todo el disco. Para su primera colaboración con Carla Bruni, el multiinstrumentista, uno de los mejores de la escena francesa en los últimos 20 años, estaba decidido a darle a sus nuevas canciones el tratamiento más delicado. Al escuchar el nuevo manifiesto, «Carpe Diem», no puede evitar recuperar un fuerte sentido del momento presente. Y esto es lo que cautiva a las canciones de Bruni: la intimidad, la sencillez, en un espíritu de libertad, amistad y amor».
Dicho esto, ¿cómo suenan las nuevas canciones de Carla Bruni? El animadillo primer single, ‘Quelque chose’, es de lo más mono y pegadizo, y desde hoy puede escucharse el segundo, que presenta un título más francés imposible: ‘Un grand amour’. Estamos ante otra balada serena y preciosista de Carla Bruni que esta vez se apoya en un ritmo de vals y en una instrumentación que incluye el sonido de una mandolina, el de un piano y el de una caja de música. Ecos a la decoradísima ‘Arrivederci Roma‘ de Dean Martin, es decir, ecos muy italianos, asoman también en esta bonita composición donde Bruni se acompaña de un coro de voces celestiales que pueden llegar a poner los pelos de punta.
Renaldo & Clara, el proyecto de pop de la cantante y compositora de Lérida Clara Vinyals, vuelve este año con un nuevo trabajo discográfico llamado ‘L’amor fa calor’ («el amor da calor») con el que tiene toda la pinta de consolidarse definitivamente en el panorama nacional. Tras publicar sus dos primeros largos, el estupendo ‘Fruits del teu bosc‘ y el aún mejor ‘Les afores‘, a través del sello Bankrobber, Vinyals inicia con ‘L’amor fa calor’ su etapa en El Segell del Primavera, sello que en tiempos recientes ha editado los últimos trabajos de Christina Rosenvinge, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Enric Montefusco, Lorena Álvarez y un largo etcétera.
Que el sonido de Renaldo & Clara ha dado un paso adelante es evidente en los dos primeros sencillos publicados de su nuevo disco. Y es que, si antes las referencias que nos podían venir a la mente escuchando sus canciones son cosas como Julio Bustamante, Le Mans, Joan Miquel Oliver, El Petit de Cal Eril o Belle and Sebastian, y eran, por tanto, bastante amables, ahora estas son un pelín más contundentes: la mezcla de teclados y guitarras eléctricas del primer adelanto, el sensual medio tiempo de ‘La finestra’, parece inspirado en los sonidos que transmitían las radios de R&B americanas de los años 80 (¿no tiene un punto al ‘That’s What I Like‘ de Bruno Mars?); mientras el segundo adelanto, ‘L’amor fa calor’, lanzado hoy mismo, es más sorprendente todavía por diversas razones.
‘L’amor fa calor’ es una de esas producciones que aguardan una sorpresa cuando menos lo esperas. Arranca con un ritmo de batería medio funky, pero procede a ralentizarse y a enturbiarse en los versos para dar paso a una Clara que recita la letra aproximándose al susurro: «se aparten las nubes, sol cegador, llega directo y sin ninguna solución, te tapas la cara, del todo sospechoso, arriba hay un techo enorme y precioso». Con la nueva entrada del mencionado ritmo funky llega un estribillo melódico y armonizado creado para crear adicción desde el segundo cero: «todo lo que tocas se vuelve fuego, en medio de las llamas explota el corazón, coges aire y te agarras fuerte, ¡con qué ganas sale todo volando!». Esta vez, las referencias pueden ser Natalie Prass, Matthew E. White… pero también algo más gamberro vinculado al dance-rock de los 2000, y ninguna terminaría de acercarse a la creación tan personal con la que regresa a la actualidad musical Renaldo & Clara. Su nuevo disco, que ha sido grabado, mezclado y producido por Víctor Ayuso y masterizado por Heba Kadry, sigue sin fecha de edición.
El nombre de Shygirl puede sonarte gracias a sus colaboraciones con Arca y Georgia, por canciones tan locas y chillonas como ‘UCKERS‘ o por el EP que publicaba en 2018 ‘Cruel Practice’. Ahora el proyecto de la londinense Blane Muise da un paso adelante con la edición de un tema llamado ‘Freak’ que como es habitual ha producido Sega Bodega, productor británico también conocido por su trabajo con Brooke Candy.
Y si conociste a Brooke Candy protagonizando un videoclip de Grimes, lo cierto es que este ‘Freak’ puede gustarte. Se trata de una composición sobre la liberación sexual, que pretende «buscar un mundo sin vergüenza ni vacilación». Estamos ante producción ultra 2020 en la que caben los beats industriales, los trucos del dubstep, los subidones de la EDM, el ritmo propio del voguing (es fácil imaginar esto en un RuPaul o en un ‘Pose’), el fraseo del rap, la suciedad del techno, y el descaro de Miss Kittin o Azealia Banks. Todo ello sobre un fondo próximo en filosofía a PC Music.
Maurice Andersen se ha encargado de realizar un sencillo videoclip para esta grabación que se jacta de ser «rara» «en la pista y en la cama», y que es hoy nuestra «Canción del Día». El vídeo se presenta de la siguiente manera: «Realizado con la ayuda del diseñador 3D Sy Blake, el videoclip de “FREAK” muestra esta faceta de la artista londinense a través de un personaje que aparece jugando en un paisaje digital diseñado por Blake y el animador Maurice Andresen. Nacido a partir de varios elementos de la propia personalidad de Shygirl, este personaje refleja sus deseos de autonomía y libertad, como artista y como mujer».
En un perfil elaborado por The Face el año pasado sobre Shygirl, en el momento en que lanzaba el mencionado ‘BB’ (“bad boys”), la artista reconocía que su inspiración eran “los chicos, amigos, viajar en Londres, salir de fiesta en Glasgow y la idea de euforia más que la experiencia en sí”. Parece con este tema que este continúa siendo su cometido.
Siempre ha sido fascinante cómo una gran parte del público de nuestro país ha abrazado las canciones de Taburete, que con sus dos álbumes han triunfado en las listas y han actuado para miles de personas a lo largo de toda España. Independientemente de que el grupo de Willy Bárcenas te caiga bien o mal o entres en cólera tratando de asumir que su sello Voltereta Records es una discográfica independiente como cualquier otra, el fenómeno ha sido digno de análisis.
Al margen de filias, sus canciones tienden a sonar melódicamente un poco justas, como improvisadas a partir de retazos de otras. En ese ejercicio de eterno popurrí en el que nadie ha querido ahondar, quizá porque siempre hay otras cosas más interesantes que preguntar al guapo de Willy, resulta que se han superado con el primer single de su nuevo disco, que están estrenando estos días. La canción se llama ‘2018: Odisea en el espacio’ y el nombre del álbum es puro desparpajo: ‘La broma infinita’.
La primera impresión de ‘2018: Odisea en el espacio’ es positiva. Juro que en algún lugar de todo esto hay una melodía clásica, melódica y setentera. Incluso la voz y la toma vocal de Willy suena nítida, directa y clara como la de un cantautor de los que compusieron C.R.A.G. La letra, entre «bucles carmesí», hasta parece sonar contestataria en un primer momento («Si mi casa quieren derribar, rezo por estar allí»). Un arreglo de guitarra eléctrica por aquí y la calma que rebosa por allá hasta me han llevado a alguna grabación de Nacho Vegas (sorry). El solo de guitarra hacia el final no puede ser más Lindsey Buckingham, y ojo porque no es la primera vez que Fleetwood Mac parecen una referencia en su discografía.
Lo malo es que Taburete presentan esta canción de la siguiente manera: «2018 es el himno al resurgimiento de las cenizas, cuando todo parece que acaba pero solo está dando comienzo a algo nuevo. Un canto a las segundas oportunidades que te hacen inventar simulacros de aterrizaje para luego volver a volar más alto». Y quizá por eso esta «odisea» en un momento dado opta por pervertirse en su búsqueda desesperada del mechero -ahora iPhone- al viento, cual balada de La Oreja de Van Gogh, precisamente para asegurar su intento de «volar alto». Sobre todo en su estribillo.
La imaginería que rodea el lanzamiento de este single, esos detalles que deberían añadir, en realidad restan. Porque son mucho. El título ‘2018: Odisea en el espacio’ es una referencia de dudoso gusto -por evidente, manida e interpretación random- de Kubrick; la portada del sencillo parece estar en sintonía pero de manera muy rara: una persona es abducida por un ovni desde un anfiteatro romano tipo Mérida. ¿Acaso Taburete se aburren sobremanera en la función y desean trasladarse a otro planeta con ayuda extraterrestre? ¿O uno de sus fans en Starlite está siendo salvado del coronavirus? Peor aún es el vídeo estrenado ad hoc, con tremendo plot twist final. No os lo perdáis. Porque lo que parece una pelea de pareja más, con el protagonismo de Macarena Gómez y Esteban Balbi, realmente no lo es. Ajenos a aquello de que «quien mucho abarca, poco aprieta», Taburete suman y siguen…
Hoy se ha publicado un nuevo single que une a dos representantes nacionales del pop del siglo XXI, unidos por su amor a PC Music. Por un lado, PUTOCHINOMARICÓN y por otro, la revelación AWWZ. La canción recibe el nombre de ‘Vacaciones para siempre’ y es crítica con «los falsos amigos», la «fucking rutina» y la vida entre «cuatro paredes». La letra hedonista habla de «tomar el sol / Con la horchata en la mano» y dejar atrás las cosas que nos estresan: «Decirles hasta pronto / Mandarles al carajo».
El propio Chenta la define como «un La La Land compuesto por AG Cook», quien también aparece hoy en nuestra playlist de novedades «Ready for the Weekend», por cierto, con una de esas canciones que hacen volar cabezas-. ‘Vacaciones para siempre’ pretende ser «una oda al verano, al disfrute y a escapar del estrés». El vídeo ha sido creado por LKM Lab inspirado en el mundo de los recreativos, como podéis comprobar bajo estas líneas.
El tema forma parte de un vinilo de edición limitada a 1.000 unidades que saldrá al mercado en octubre comisionado por Jägermeister y su plataforma musical Jägermusic, con la que lleva años apoyando a nuevos talentos en el underground. El nombre del proyecto es «Home feat Jägermusic» y se trata de un disco íntegramente compuesto y grabado de manera telemática durante el confinamiento por los artistas del roster. Así, mostrará cómo muchos artistas han tomado esta oportunidad para «experimentar y explorar sus límites».
En el álbum, la Cara A está compuesta por temas más electrónicos y urbanos; mientras que la Cara B es más guitarrera, manteniendo el espíritu punk que siempre ha tenido este roster, por el que pasó gente como Juventud Juché o The Parrots. El álbum estará disponible en digital el 2 de octubre, mientras que la edición física que saldrá a la venta el 20 del mes ha sido cuidada con una portada de la artista zaragozana Mercedes Bellido, y contando con el diseño gráfico de Aitor Baigorri. Desde hoy hasta el 2 de octubre se irán compartiendo nuevos singles de este álbum a razón de uno por semana, y desde nuestra web tendremos el placer de estrenar uno de ellos la semana que viene. Así ha quedado el tracklist:
1. Adriana Proenza X Oddliquor – Lo Hice Por Amor
2. AWWZ X Putochinomaricon – Vacaciones Para Siempre
3. Miqui Brighside X Monterrosa – Calor
4. Playback Maracas X Quentin Gas – San Juan
5. Bum Motion Club X Hickeys – Rough Times
6. Alavedra X Pantocrator – El Chapador
7. My Expansive Awareness X Uniforms – On My Way
8. Bronquio X Vera Fauna – Caleta
PUTOCHINOMARICÓN no ha estado en los últimos tiempos tan apartado de la novedad musical como pueda parecer, o tan centrado en desarrollar sus proyectos paralelos. Aunque en Instagram le vemos retirado en Taiwán, porque no se encontraba «bien» y quería volver al lugar donde nació, durante este año le hemos escuchado cantar ‘De dónde vienes’ junto a Delaporte, y también ha remezclado con éxito un tema de Natalia Lacunza (‘a otro lado’) y otro de Dorian Electra (‘Sorry Bro’). Por su parte, AWWZ ha sacado este año el single ‘Dime qué quieres saber’ junto a Lauren Nine.
Amaia Montero ha acudido a Twitter para comentar uno de los temas de actualidad, la Vuelta al Cole, sobre la que están corriendo ríos de tinta, dada la incertidumbre que se está produciendo a tan solo unos días de que se produzca. Las críticas están siendo palpables tanto para la Ministra de Educación como para cada Comunidad Autónoma, pues estas competencias están derivadas.
En esta tesitura, Amaia Montero ha decidido comentar el asunto en Twitter, pidiendo al Presidente del Gobierno que recapacite. Al tiempo que comparte un vídeo del mediático juez Emilio Calatayud, proclama: «Se puede decir + alto pero no + claro. Es un alivio escuchar a personas como el juez Emilio Calatayud diciendo verdades como puños. Si tan seguro está @sanchezcastejon que firme lo q está garantizando. El que va con la verdad por delante no tiene nada que temer». En el vídeo el juez da su visión sobre la Vuelta al Cole, también es muy crítico con el botellón, exige multas más contundentes para quien no está cumpliendo con la obligatoriedad de llevar mascarilla y concluye: “Estamos demostrando que la competencia en Sanidad y Educación en las Comunidades Autónomas ha sido una equivocación”.
En sus declaraciones en este vídeo, es muy crítico con las instituciones: «Creo que se han precipitado, como antes llegaron tarde, ahora se han precipitado. Yo creo que han tenido seis meses para preparar la vuelta y me preocupa mucho este regreso. Es fundamental bajar las ratios de las clases, lo de los geles y las mascarillas lo tenemos asumido, y hay que ver lo que ocurre con las presenciales si fracasan. La enseñanza online iba a serlo todo y ahora resulta que ha sido un fracaso. Pues que reconozca que ha sido un fracaso y que hay que hacerlas presenciales. Pero creo que han tenido tiempo para buscar un término medio.
Continúa: «Estoy preocupado, la verdad. La enseñanza es obligatoria, pero ante el derecho a la salud de tu hijo, ¿me garantizan el cien por cien de seguridad? Si no me la garantizan me dejan la duda. Entonces ya veríamos si yo por no llevar al colegio a mi hijo estaría faltando a su educación, porque hay muchas formas de cubrirla». Cuando le cuestionan sobre la obligatoriedad de la enseñanza en España, responde: «Entendería que hubiera padres que decidieran no llevar a sus hijos al colegio con esta situación. ¿Está todo esto garantizado al cien por cien? Pedro Sánchez dijo el otro día que sí pero, y si se muere mi hijo o me muero yo, ¿qué pasa?».
Amaia Montero no publica disco desde que en 2018 sacara su último álbum ‘Nacidos para creer’, cuyo tema titular reivindicativo, de empoderamiento femenino y a un ukelele pegado, ya es el tema más popular de toda su discografía en solitario en Spotify, superando los 18 millones de reproducciones.
SE PUEDE DECIR + ALTO MÁS NO + CLARO. Es un alivio escuchar a personas como el juez Emilio Calatayud diciendo verdades como puños . Si tan seguro está @sanchezcastejon firme lo q está garantizando.El q va con la verdad por delante no tiene nada q temer. https://t.co/ohV76HJXgT
No tenemos disco de Drake entre manos. Se anunció para este verano, pero no ha llegado ni el día 28 de agosto, como se rumoreaba en los mentideros, ni hoy tampoco. El último chascarrillo apunta a que saldrá en torno al 34º cumpleaños del cantante, que es el 24 de octubre… ¿pero quién puede asegurar nada? ¿Debemos creernos que el nombre del álbum será ‘Certified Lover Boy’ o es este también provisional?
Del álbum nuevo de Drake hemos conocido el single ‘Laugh Now Cry Later’ y hay que tener muy mala baba para considerar un fracaso un tema por quedar en el puesto 2 del Billboard Hot 100 (por detrás de ‘WAP’ de Cardi B y Megan Thee Stallion, ahora muy obvio), precisamente con las dificultades que tuvo el canadiense para llegar a coronar tal lista. Sin embargo, sí es cierto que en lo artístico ha arriesgado poco: el riesgo que podamos entender simplemente por volver a un sonido clásico, más atemporal y menos TikTok. Sin grandes voces a favor ni tampoco en contra en nuestra redacción, ‘Laugh Now Cry Later’ no consigue «reír la última» ni ser tan triunfal como proclaman sus trompetas sintetizadas: es un 7 de canción, en la que Lil Durk está OK en su parte, en la que el estribillo no es malo, pero en la que no termina de pasar mucho. Acaba en «fade out» tras repetirse más que el ajo. No parece un «lead single» del intérprete de ‘Hotline Bling’ y ‘One Dance’. Entendemos que su amiga Rihanna no vuelve por estar en unas parecidas a esto.
Este mismo verano Drake ha cantado dos temas para el nuevo disco de DJ Khaled y lo cierto es que este nos ha sorprendido un pelín más. No son la panacea pero al menos nos estamos echando unas risas. Si la vacacional ’Greece’ era un tema en el que de manera inaudita no reconocíamos el registro vocal de Drake, pues en verdad parece su paisano The Weeknd; ahora se apunta otro tanto con el vídeo de la otra canción, la que había funcionado mejor, ’Popstar’.
La gracia es que no es Drake sino Justin Bieber quien protagoniza el vídeo de ‘Popstar’ haciendo un playback. Drake llega a aparecer bastante en el vídeo, pues en sus primeros instantes le vemos cogiendo el teléfono, en el que DJ Khaled le suplica que grabe el vídeo como sea pese al cierre de fronteras… pero eso es todo. Drake aparece quejándose de que Khaled es un brasas que no para de pedirle «una cosa y otra, y otra, y otra» cada «5 segundos», cuando «no puede salir del país ni hacer su propio disco»; y ya en la segunda parte del vídeo de 8 minutos es Justin Bieber quien “roba el micro”.
Es Bieber quien se levanta de la cama tras una fiesta, de resaca y botella en mano, para esta canción que habla sobre fama y excesos, como dice el propio título. El vídeo pierde interés en esa segunda parte y en la «Serranada» final, pero ya solo por la primera y el concepto, tiene su viralidad asegurada. Se espera que ‘Khaled Khaled’ se publique este año, pero de momento tampoco conocemos fecha de edición.
Un par de días después de haber publicado un tema colaborativo de 7 minutazos, algo muy poco común en el reggaetón, Ozuna ha sacado su disco sorpresa, un álbum llamado ‘ENOC’ que había sido puesto a disposición del público a modo de pre-pedido, pero del que se desconocía la fecha exacta de edición.
No hay que ser un lince para darse cuenta de que este disco de 20 pistas y 1 hora de duración está llamado a conseguir lo que ‘Papi Juancho’ de Maluma no ha conseguido: destronar a ‘Emmanuel’ de Anuel AA del número 1 en España, posición a la que está bien amarrado desde hace meses. No en vano, dos discos antiguos de Ozuna permanecen en el top 100 de lo más escuchado en España: ‘Odisea’, editado en 2017, está en el puesto 71 y ‘Aura’, editado en 2018, está en el número 75. ¿Encontraremos ‘ENOC’ en la lista española oficial en 2023? Se admiten apuestas.
Esta madrugada Ozuna ha publicado por sorpresa su nuevo disco, ‘ENOC’, con el que se estaba especulando durante los últimos días. Entre una marea de colaboraciones, destaca la que Sia ha grabado en castellano. En el tema Furler se tira «pa’l agua que hace calor» y además la escuchamos hablar de lo que «se pierde en la arena y el mar» y «se ve tan tropical», después de que Ozuna nos cuente exactamente lo mismo. Como si esto fuera una canción del verano tipo ‘Un rayo de sol’, Sia nos dice que: «El sol está qué quema» pero «quiere más». La autora de ‘Chandelier’ también entona unas frases en inglés en esta misma canción.
La propia Sia Furler presentaba esta canción en redes como «un bombazo». Teniendo en cuenta los 3 nombres implicados, y el lugar que tanto Ozuna como Doja Cat ocupan en la industria, en el caso de esta última gracias a ‘Say So’, la canción podría suponer un pelotazo en las listas de éxitos… si es que la apretada agenda de Ozuna lo consiente. Hace poco más de un día que el totem de la música latina ha lanzado un tema de 7 minutazos llamado ‘Enemigos Ocultos’ junto a Wisin y Myke Towers featuring Arcangel, Cosculluela y Juanka, que ahora mismo por supuesto es lo más visto en Youtube España, y el disco que acaba de publicar se extiende hasta la veintena de canciones. En todo caso, entre las colaboraciones de Daddy Yankee, J Balvin y Nicky Jam del álbum de Ozuna, ‘Del mar’ recibirá unos puntos extra pues ha sido añadido a «Today’s Top Hits’, la playlist más multitudinaria de Spotify, que siguen 27 millones de personas.
Por otro lado, Sia también es noticia porque el día 11 de septiembre publica otra de sus colaboraciones con David Guetta. Han sido varias las canciones lanzadas por ambos a la caza de la mitad de lo que lograra ‘Titanium’, y tras ‘She Wolf’, ‘Flames’, ‘Helium’ y ‘Bang My Head’, el nuevo intento se llama ‘Let’s Love’. El francés lo ha presentado en redes con unas imágenes que no recuerdan casi nada a ‘After Hours’, la última era de The Weeknd ni tampoco a ‘Drive‘.
De momento, nada más se sabe sobre ‘Music’, la banda sonora y la película que Sia preparaba de cara a este mismo mes de septiembre. El single ‘Together’, perteneciente a este proyecto, salía el 20 de mayo, y desde entonces, no hemos vuelto a saber nada de él. Con la tontería, hace ya 4 años -casi 5- desde la edición de ‘This Is Acting‘, el álbum que contenía ‘Cheap Thrills’ y ‘Alive’, aunque la cantante ha lanzado numerosas canciones sueltas y un disco navideño desde entonces.
‘Relación’ ya era antes de hoy uno de los mayores éxitos del cantante de reggaetón panameño Sech, autor de un ‘Otro trago’, muy conocido en España pues ha llegado a alcanzar el número 1 de singles de nuestro país, y que después de ser editado originalmente con la colaboración de Darell, volvía a ver la luz en forma de un igualmente exitoso remix con las participaciones de Anuel AA y Ozuna.
Ahora, se ha publicado un remix del tema ‘Relación’ con la colaboración de Rosalía, Daddy Yankee, J Balvin y Farruko. Si la canción hablaba sobre el maltrato de manera explícita y algo polémica («gracias al maltrato se puso bella»), la autora de ‘El mal querer‘ llega para poner en primera persona lo que antes estaba en tercera persona. Desde que entra en la canción, el «ella» se transforma en «yo», y además añade una estrofa de empoderamiento e independencia: «¿Tú te has creído que te iba a llorar? / Tú la llevas clara que te iba a esperar (No) / Tú te pensaste que tú me tenías / Pero nunca me tuviste, soy la Rosalía».
Igualmente Daddy Yankee, J Balvin y Farruko añaden sus partes en la línea, sin que se pierda la melodía de la original. Daddy Yankee, por ejemplo, viene para contar que a ella «le dicen La Apple» porque «tiene su iPhone, iPa’ perrear / IPa’ beber, iPa’ fumar, iPa’ joder» y que siempre está de «party en party». El vídeo cuenta con todos los componentes -incluidas las uñas de Rosalía- y un componente galáctico como invitado adicional.
La lista de colaboraciones internas entre todos los cantantes de reggaetón que te pueden venir a la mente después de esto es tan extensa que parece necesario un croquis para enumerarlos todos, pero cabe mencionar, por ejemplo, que Rosalía y J Balvin comparten el macrohit ‘Con altura’, que Farruko y Sech ya habían colaborado en un remix de ‘Si se da’; y por supuesto que Daddy Yankee, J Balvin y Anuel AA comparten a su vez el macrohit ‘China’. Por su parte, Farruko ha arrasado con ‘Calma’ con Pedro Capó y también con ‘Fantasías’ junto a Rauw Alejandro. Todos ellos son habituales una y otra vez de la lista de singles española.
Volviendo a ‘Relación’, lo cierto es que puede ser un sueño para Rosalía compartir canción con Daddy Yankee, uno de los grandes pioneros del reggaetón. Fue una influencia en la mencionada ‘Con altura’, ya que con él la cantante catalana buscó componer un tema de reggaetón clásico y playero. Le salió la jugada tan bien que el vídeo de ‘Con altura’ fue el segundo más visto de 2019 a nivel global.
La historia de ‘Relación’ puede incluso tener algo de «relación» con el concepto de ‘El mal querer’, pues si la canción de Sech, como decíamos, narra la historia de una mujer que supera una relación sentimental marcada por los maltratos para por fin encontrar la paz, ‘El mal querer’ era un álbum conceptual a través del cual se supera una relación tóxica. Muy especialmente, ‘Pienso en tu mira’ se ponía en la piel de un maltratador.
Este viernes llega cargado de novedades, ninguna de las cuales será el nuevo disco de Lana Del Rey salvo sorpresa de última hora. ‘Chemtrails Over the Country Club’ estaba fechado para el día 5 de septiembre (sí, un sábado), pero nada se ha vuelto a saber más que su autora acaba de rodar un videoclip para el tema titular. Los discos que sí llegan a la calle este día son ‘Detroit 2’ de Big Sean, ‘Gold Record’ de Bill Callahan, ‘Faith’ de Hurts, ‘Fall to Pieces’ de Tricky, ‘Sun Racket’ de Throwing Muses, ‘Zeros’ de Declan McKenna, y ‘L’ère du Verseau‘ de Yelle. También hay nuevos discos de Sophie Hunger, PRIZM y Roy Borland, se reedita ‘Goats Head Soup’ de los Rolling Stones y ha llegado por sorpresa al mercado sin previo aviso ‘ENOC’ de Ozuna.
Luego es extensa la lista de canciones sueltas que han visto la luz en los últimos días, entre las que destaca la compartida por Cariño y Natalia Lacunza, la ultra-popera ‘Modo Avión’. Hay muchas novedades interesantes en el pop nacional como es el caso de Indigo Drone y Vermú de El Tragaluz (el sello de Vicente Navarro y Karmento), el indie pop de Cora Yako, lo nuevo de Renaldo & Clara, Uniforms, Sidecars y AWWZ con PUTOCHINOMARICÓN. En un plano más mainstream hay una colaboración de Laura Pausini con Bebe, además de nuevos temas de Vanesa Martín y Rozalén.
Bastante sorprendente es ‘Walking Flames’, la delicadísima nueva colaboración de Actress y Sampha, mientras en el ámbito del rock duro, Bring Me the Horizon y YUNGBLUD han colado ‘Obey’ entre lo más visto en Youtube España. Además han lanzado nuevos sencillos FINNEAS (un ‘What They’ll Say About Us’ tan dramático como acostumbra), la infravalorada Foxes, un A.G. Cook que no se cansa de compartir música cuando acaba de sacar un álbum de 7 discos y casi 3 horas de duración; Paloma Faith, que por fin ha avanzado su próximo disco; SHYGIRL, Kevin Morby o Adrienne Lenker, que volverá a editar un álbum en solitario tras el éxito de crítica de los últimos trabajos de Big Thief.
Completamos la playlist con el inesperado regreso de Arab Strap, Paul Epworth con Vince Staples, Evian Christ, SZA, Eels, Kevin Morby, The Yearning, Nina Hagen, Gus Dapperton, Ytram, Thomas Headon, Wankelmut, Winona Oak, Hedda Mae, Anna Straker, Bow Anderson, Matilda Mann, Lisasinson, Poppy Ajudha, BELARO, JyellowL, Sigala y James Arthur. Este último samplea a MGMT. No olvides indicarnos cuáles han sido tus novedades favoritas en la sección de comentarios.
6 años han tardado Yelle en superar el fiasco que supuso su colaboración con Dr. Luke. ¿O el trauma ha sido solo nuestro? Estaba claro que el productor de Katy Perry no tenía mucho que aportar a un proyecto genuino, que se había curtido a sí mismo, más francés que un croissant, y ‘Complètement Fou‘ no fue ni un éxito internacional ni tampoco precisamente su mejor disco sino todo lo contrario. La gracia de Yelle era su espontaneidad, sus percusiones viscerales y, más que los grandes escenarios, las salas de tamaño medio a rebosar de gente sudorosa. «Yelle regresa al país» es el título del reportaje sobre este álbum que ha hecho Le Monde, siendo esta una buena noticia para todos.
En este lapso el grupo de Julie Budet y Jean-François Perrier (GrandMarnier), con la colaboración también en co-autorías de Tanguy Destable, ha publicado varios singles, como ‘Interpassion’ o ‘Romeo’, pero es el formato largo en el que se termina de entender lo en forma que está la banda. Ya no les salen canciones tan directas como la adaptación de ‘A cause des garçons’ o ‘Ce jeu’. Ahora se les da mejor amasarlas con tranquilidad, para que al final les crezcan, como sucede en este álbum por ejemplo con ‘Peine de mort’, un tema que decide levantarse hacia el final tras pasar un par de minutos haciendo cosquillas. Cosas de la madurez, supongo, algo poco deseable para un proyecto hedonista como el suyo. Por suerte, Yelle siguen siendo los mismos de siempre en todos los sentidos, por mucho que las producciones sean algo más sofisticadas y menos obvias.
‘L’Ère du Verseau’, «La Edad de Acuario», vino presentado por un single que hacía tan poca pupa como ‘Je t’aime encore’, un tema que comenzaba con un piano lánguido que ni ‘Pyramid Song’. Parecía que en cualquier momento podía explotar como un piano-house de The Rapture… pero no. Es, a la larga, una buena canción de Yelle, ambigua en su cometido, pues suena como dedicada a alguien con quien has pasado mucho tiempo sin darse la persona cuenta de lo que tiene delante, y a la vez pretende ser una misiva a Francia, donde el grupo no termina de ser precisamente un superventas tamaño Indochine, pese a la considerable repercusión internacional que han tenido. A diferencia de estos, Yelle tienen muchos más fans en México, Los Ángeles, Chicago y en la pequeña Estocolmo que en Lyon o Burdeos (o Bruselas).
Y lo mejor es que el grupo mantiene bastante intactas sus herramientas de conquista. La mejor canción del álbum es ‘J’veux un chien’, una producción sofisticada, en la línea del synth-pop más sugerente (de Röyksopp a Jarre) que va armándose hasta gozar de su clímax. Budet nos está cantando que quiere «un animal, un perro, un animal que le haga bien», solo para «ser su perra también», como en aquel grandioso meme del año pasado, que tanto se ha imitado. Más obvio es el sencillo ‘Karaté’, de percusión loca marca de la casa y efluvios de acid, electro y deep house. El tema, un «grower», recuerda a los tiempos desafiantes de ‘Je veux te voir’, en la que ridiculizaban a un rapero por tenerla pequeña: aquí retan a alguien que cree que lleva un kimono de pelea, pero está en pijama.
Frente a una zona media en la que escuchamos una adaptación llena de cacharrería de Tony Hymas sobre la vida de gira (‘Mon beau chagrin’), una juguetona ‘Vue d’en face’, la medio oriental y mística ‘Menu du jour’ y la machacona ‘Noir’, canciones como propias de la Róisín Murphy menos accesible, también un referente en estilismos; llaman la atención más bien el comienzo y el final del álbum. ‘Emancipense’ es un techno de coros afropop que recuerda el poder de la pista de baile («tienes la oportunidad de ser tú mismo cuando bailas»), y las dos últimas canciones están entre lo mejor que han firmado Yelle. La mencionada ‘Peine de mort’ «abole la pena de muerte, pero no los colores» en un tema que se postula a sí mismo como «caliente» desde una posición un tanto «stalker»: “haces deporte, lees, haces muchísimas cosas / ves a muchos amigos pero nunca llegas tarde a casa”, dice antes de un minuto y medio final electrizante. Y la final ‘Un million’ es un descubrimiento, una de las canciones más poéticas de Yelle, martilleante como un hit de Art of Noise, un cruce perfecto entre una producción de The Knife y una trance de Rihanna (versionado por The xx). «He encontrado mi alma… bajo una manta», concluye el álbum, y no podemos estar seguros de tal lugar, pero sí del hallazgo.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘J’veux un chien’, ‘Karaté’, ‘Un million’, ‘Peine de mort’ Te gustará si te gustan: Hot Chip, Róisín Murphy, Röyksopp Youtube:vídeo de ‘Karaté’
Paloma Faith vuelve con su primer single en solitario en varios años
(este mes de febrero, antes de que la pandemia provocara el cierre de discotecas, aparecía en la bailable ‘Mistakes’ de Jonas Blue). Y parece que lo firma simplemente como Paloma, tal y como deja ver la portada de este ‘Better than This’ que ya puede escucharse. Se trata de un baladón con orquesta que Paloma dedica a «todos aquellos motivados por la ira, a quienes prosperan en su propio poder, a quienes carecen de empatía y a quienes deciden separarse de manera arrogante de los demás».
‘Better than This’ es el primer adelanto oficial de ‘Infinite Things’, el próximo álbum de Paloma Faith, que saldrá este año si nada lo impide. De hecho, el disco ha sufrido cambios debido a la pandemia, como ha explicado la artista en una entrevista con The Guardian. Iba a ser un trabajo compuesto por canciones «optimistas» y «llenas de celebración», pero la cantante ha descartado algunas de las más «animadas» por miedo a que el público percibiese en ellas una actitud «paternalista». Durante la cuarentena, Faith escribió nuevas canciones, entre ellas las cuatro que planea lanzar como single, y el disco que ha quedado es «más solitario» y «fiel a los tiempos».
Compuesta por hasta siete personas como revelan los créditos de composición de Spotify, ‘Better than This’ no es exactamente la balada histórica que fue ‘Only Love Can Hurt Like This’ ni tampoco acongoja como ‘Crybaby’ a pesar de su ritmo bailable. Su mensaje de esperanza por un mundo mejor donde no existen ni el miedo ni la maldad («vi una montaña y pensé que no podía escalarla, los pájaros me decían que no puedo volar, pero entonces te vi y entendí que podemos ser mejores»), tan naíf como suena, no es el más original de todos, y el ritmo programado de la canción tampoco termina de hacerla brillar. Quizá su videoclip, que aún ha de salir e incluye referencias al «cambio climático, a la brutalidad policial, a la división de clase y a las injusticias de la guerra», termina de potenciar su componente emotivo y pensado para posiblemente petarlo estas Navidades. El vídeo es obra de David Wilson, director de los videoclips de ‘Titanium’ de Sia y David Guetta, ‘Do I Wanna Know?’ de Arctic Monkeys o ‘We Exist’ de Arcade Fire.
‘Infinite Things’ será el primer disco de Paloma Faith desde que en 2017 editara ‘The Architect‘, el que ella presentaba como su disco político debido a sus mensajes sobre derechos sociales o el patriarcado. Un trabajo digno que incluía temas ya esenciales en su repertorio como el mencionado ‘Crybaby’ o el baladón ‘I’ll Be Gentle’ con John Legend, además de colaboraciones de gente como Owen Jones o Samuel L. Jackson. ‘The Architect’ era reeditado más adelante con la inclusión de varios temas nuevos, entre ellos el single ‘Make Your Own Kind of Music’, una versión del éxito de 1969 de Mama Cass Elliot. Después, Faith aparecía como artista invitada en ‘Brighter Days’ del DJ y productor de EDM Sigala, en concreto en un tema llamado ‘Lullaby’ que alcanzaba el top 6 en Reino Unido y se aproxima a los 200 millones de reproducciones en Spotify.
El Ayuntamiento de Murcia, gobernado por el Partido Popular desde hace 25 años, ha pedido disculpas tras haber lanzado una campaña en la que se vincula la pulsera de los festivales con la pulsera de ingreso hospitalario. La ciudad, que ha recibido durante los últimos años decenas de miles de visitantes de otras comunidades en sus festivales multitudinarios SOS 4.8 y WARM UP, asocia claramente en esta imagen la música en directo con la expansión del coronavirus, cuando no hay evidencia de que la asistencia a los pocos conciertos que ha podido haber este verano, haya sido fuente de rebrotes significativos, pues las medidas de seguridad no han podido ser más estrictas en la mayoría de los casos.
Una nueva manera de estigmatizar la cultura, o de asociarla al botellón, un par de días después de que en Madrid haya generado indignación la cancelación de Tomavistas Extra, un evento que estaba organizado en mesas de 2 y 4 personas, y con su dirección hablando de «agravio comparativo» respecto a otros sectores. No se especificaban cuáles, pero ayer mismo se hubo de cancelar una convocatoria a los profesores para realizarles una PCR dadas las aglomeraciones que se habían formado. Hay quien, desde la organización de espectáculos en la ciudad este verano, ofrecía desde las redes sociales ayuda a la Comunidad de Madrid para organizar una cola apropiadamente.
Como informan los compañeros de Mondosonoro, desde el Twitter del Ayuntamiento de Murcia han «lamentado la confusión de la campaña» en la que también aparecen una playa y unas gafas de buceo, y proclamándose pioneros en defender la cultura a nivel nacional. Este es su texto: «Desde el primer momento de la pandemia, el Ayuntamiento de Murcia ha reconocido la importancia del sector cultural, siendo la primera institución de España en declarar la Cultura como actividad esencial, el pasado 12 de abril».
Continúan: «Por ello, en pleno confinamiento, hemos lanzado ‘Reactivos Culturales’, un programa de apoyo a la producción cultural que ha permitido contratar a más de 500 artistas de Murcia. Este año, el Ayuntamiento ha promovido la mayor programación cultural de los últimos veranos, con más de 100 actividades en las que han trabajado más de 300 artistas, con sus equipos de producción. A estas actividades han asistido de forma responsable más de 24.000 personas».
Y terminan: «Desde el Ayuntamiento de Murcia estamos convencidos de que en momentos de crisis y de cambio de época, las sociedades que salen más fortalecidas son las más avanzadas cultural e intelectualmente. La cultura es esencial». Horas después y tras el revuelo generado, el Ayuntamiento ha decidido retirar la campaña “Tú eliges”, como expresa en un comunicado publicado en Twitter a las 15.00.
Lamentamos la confusión que ha originado el lanzamiento de esta campaña.
Las tres imágenes que la componen buscan animar a realizar distintas actividades, siempre con responsabilidad: bucear, tumbarse en la playa o asistir a un concierto. pic.twitter.com/UsyVP1WAoI
Es obvio que el confinamiento y la imposibilidad de hacer conciertos al modo de la vieja normalidad han provocado que los artistas tengan que usar las neuronas para comunicarse con su público. Pero aunque no hubiera coronavirus, también era cuestión de tiempo que las plataformas de streaming integraran de alguna manera el vídeo en directo como forma de comunicar a los artistas con sus seguidores. ¿De verdad Instagram, que no es una plataforma musical, iba a quedarse tal exclusiva a través de sus «directos» sin que el resto hiciera nada? ¿Acaso Youtube, muy conocida por ser la que peor paga a los autores, iba a ser la única en ofrecer este servicio de vez en cuando?
Hace tan solo una semana, Music Business Worldwide se preguntaba qué esperaba Spotify para mover ficha en el mundo del «live streaming», especialmente dado su liderazgo y el éxito de sus podcasts, y esta semana Amazon Music ha dado su respuesta en alianza con Twitch. Ambas compañías se han unido para ofrecer un servicio que combina streaming en directo y música bajo demanda a través de su APP. El servicio está disponible para los 55 millones de usuarios de Amazon Music -en crecimiento dada su vinculación con el popular Amazon Prime- para iOS y Android.
Ryan Redington, director de Amazon Music, ha declarado: “Estamos poniendo a disposición de los artistas una nueva herramienta que les permitirá interactuar de forma inmediata con sus fans y lo cierto es que esta nueva función no podría haber llegado en un momento más crucial para la industria musical. Más de mil artistas han vinculado ya sus cuentas de Amazon Music a Twitch, pese a que lo acabamos de lanzar. Gracias a la colaboración con Twitch, estamos haciendo posible que artistas de todos los géneros musicales y en cualquier etapa de sus carreras puedan exprimir al máximo el poder social que tienen las transmisiones en streaming en directo para fomentar la interacción de los fans con sus álbumes”.
Por su parte Tracy Chan, vicepresidente y responsable musical de Twitch, ha dicho: “El objetivo de Twitch siempre ha sido poner en contacto a creadores de increíble talento con fans de cualquier rincón del mundo en tiempo real. Este es el motivo por el que nos entusiasma anunciar este nuevo paso en nuestra constante colaboración con Amazon Music; una colaboración que abre las puertas a un mundo totalmente nuevo de interacción y experiencias musicales en vivo, al combinar las emisiones en directo de Twitch y el catálogo de canciones de estudio de Amazon. Ahora más que nunca, en un momento en el que las salas de conciertos tradicionales están cerradas y las giras se han cancelado, los músicos buscan nuevas vías para continuar creando, relacionarse con sus fans y hacer comunidad. Twitch se ha convertido en el lugar perfecto para crear, entre todos, experiencias compartidas en directo y, a partir de ahora, los 55 millones de usuarios de Amazon Music podrán acceder a Twitch a través de esa misma aplicación”. Ambos ya habían colaborado en iniciativas tan populares como el #AmazonEnCasaFest.
Entre los primeros eventos que se han programado, Brandon Flowers y Ronnie Vannucci Jr. de The Killers se conectarán a Amazon Music el 4 de septiembre a la 1pm ET para responder a las preguntas de sus fans sobre su último álbum, el estupendo ‘Imploding the Mirage‘. A su vez, Nicole Atkins presentará un programa de variedades los miércoles a las 7pm ET que incluye actuaciones y entrevistas con amigos y artistas como Elle King, Cut Worms y los deliciosos Whitney; y hoy jueves a las 3.30pm ET se retransmitirá en Amazon Music UK una ceremonia de heavy metal, los Heavy Music Awards 2020 desde el HMA’s de Londres. Más información, aquí.
Los granadinos Colectivo Da Silva publicaron a finales del año pasado un primer álbum llamado ‘Vacaciones’ en el que se incluían temas como la colaboración con Chico Blanco ‘Alas para volar’, ‘Poliamor’ con Papaya Club y el que ha terminado resultando su pequeño hit, un ‘Marina D’Or’ que ya ha superado el medio millón de streamings en Spotify, y cuyo vídeo tuvimos el placer de estrenar en esta casa. Su sonido veraniego les emparenta con la chillwave, Cupido, las melodías de Mac DeMarco o las de la Costa Fleming. Lo mismo un día salen en Pitchfork que en un disco de tributo a Las Grecas.
En los últimos tiempos el grupo ha sacado un par de singles sueltos, como ha sido el caso de ‘Hoy se sale’ y después de ‘Bolitas’, cuyo vídeo estrenamos también en JENESAISPOP tras haber sido una de las canciones de este verano en las playlists independientes, pues se estrenó a principios de julio. Así presentaban esta pista entonces: «‘Bolitas’ simboliza el sueño de ciertas personas del sur de España que quieren construir una vida mejor en Madrid. Sin saber muy bien qué nos atrae de esta ciudad, nos preguntamos si estamos buscando algo allí o si simplemente estamos huyendo de lo que tenemos en casa. Es un canto a una vida elevada en Madrid guiada a través de un amor idealizado que posiblemente jamás encontraremos».
Si la letra apela la muerte y a la búsqueda del amor en Madrid (con el amor y la muerte unidos, la referencia a Lorca es clara), el estribillo se aprovecha de la paradoja de sonar profusamente andaluz en su melodía, ese pegajoso «que me saque los colores con un ramito de flores / que me cante sus temitas cuando hagamos el amor» que en su última aparición va aun paso más allá: «Que se drogue y que llore / como las buenas personas / que me cante sus temitas / cuando hagamos el amor».
El vídeo, una «ensoñación de delaschuches y Colectivo Da Silva dirigida por Serjio Soso«, tiene más miga de lo que parece, como explica su nota de prensa: «La historia bebe del realismo mágico para hacer un retrato de nuestro protagonista de forma poética y metafórica, en un mundo diegético cargado de simbolismo y significado esotérico. El videoclip está cargado de referencias a Granada y Andalucía, desde el ‘Romancero Gitano’ de Lorca, la iconicidad de un referente como es Camarón, hasta las piezas audiovisuales de Val del Omar (…) Todo este recorrido está mediado por una catarsis, donde se conocerá mejor a sí mismo, como un espacio para la autocontemplación».
Continúa: «En su divagar por las calles de Madrid acabará encontrándose de forma aleatoria con un grupo de amigos que lo acogerán en su ensoñación. Lo pasará bien, reirá, se darán amor y entenderá que su búsqueda no era otra que la de sentirse parte de una comunidad altruista. Olvidándose de su obsesión por romantizar las relaciones que solía establecer».
Colectivo da Silva es uno de esos grupos que están intentando ganarse la vida este complicado verano y hoy mismo, 3 de septiembre, podréis verlos en las Noches Espaciales del festival enOrbita de Granada junto con Cariño y Las Dianas.
El ilustrador barcelonés Jordi Labanda, que tan popular fuera a principios de siglo, ha sido el encargado de realizar el cartel de la nueva película de Woody Allen, ‘Rifkin’s Festival’, que se estrenará en el Festival de San Sebastián entre los días 18 y 26 de septiembre. La noticia ha tenido guasa porque el cartel se ha dado a conocer horas antes de que se supiera que Labanda estaba implicado, y hay quien ha pensado que se trataba de una de las muchas copias que se han hecho del artista.
La cinta se rodó el pasado verano, cuenta en su reparto con gente como Elena Anaya, Louis Garrel y Sergi López y, aunque su argumento parezca propio de April Fools Day, parece que es este: la historia de un matrimonio americano que, de visita al Festival de San Sebastián, queda enamorado del festival y de la ciudad, y de lo que no es la ciudad: ambos tendrán una aventura como se aprecia en la misma imagen. Será, por tanto, la película «vasca» de Woody Allen, después de una larga lista de películas-postal, unas mejores que otras, de ‘Vicky Cristina Barcelona’ que valió un Oscar a Penélope Cruz, a ‘To Rome with Love’, pasando por la notable ‘Midnight In Paris’.
Elena Anaya, que fue escogida por Woody Allen porque este vio ‘La piel que habito’, respondía el año pasado sobre si se había planteado no trabajar con el director de Woody Allen por el veto que había a este en el clima del #MeToo, tras las nuevas acusaciones de abuso de su hija adoptiva Dylan Farrow. Declaraba: «Me ofrece un guión maravilloso, con un personaje extraordinario, único y muy entrañable. Creo en la vida, creo en la justicia. Me parece que como actriz tengo que ser responsable de los trabajos que elijo, lo llevo haciendo toda mi carrera y una vez más he elegido un proyecto por quien lo dirige, por los actores que van a acompañarme en el proyecto y sobre todo por el guión».
Sensacine recoge una serie de impresiones de Jordi Labanda, transmitidas por la productora: «pocas veces recibes un email de uno de tus ídolos pidiéndote que colabores con él y si ese ídolo es Woody Allen la explosión de sensaciones dentro de tu cabeza es difícil de explicar». Labanda dice que ha sido un «sueño hecho realidad» y, además, un proyecto «sencillo y divertido». Asimismo ha reconocido la influencia que ha tenido Woody Allen en «su propia intelectualidad». Jordi Labanda, cuyas ilustraciones aparecieron en medios como The New York Times, Vogue, El País, La Vanguardia, Rockdelux o Marie Claire, vuelve así a la primera plana tras haber cerrado en 2008 su tienda de Barcelona.
En su momento no hubo objeto que se resistiera a sus diseños, llegó a diseñar portadas para sellos como Subterfuge (‘It’s Beautiful, It’s Love’, este disco especial sobre Jess Franco), y también flyers para el inolvidable Mond Club, donde solía pinchar. Hoy han sido muchos los que en las redes han recordado sus estuches, porta CD’s y un largo etcétera. Claro que también hay quien ha visto a Ayuso y a Amancio Ortega en el nuevo cartel de la peli de Woody Allen, como esta usuaria que nos ha dejado este impagable mensaje.
Por qué jordi labanda con ayuso tomando algo mientras amancio ortega nos vigila pic.twitter.com/LaGjUy8BSM
Esta noche se han fallado -qué maravilla de palabra- los premios Ivor Novello, retrasados meses por la covid-19. Premian a los autores de Gran Bretaña y, una vez más, han demostrado ir a su bola. La institución que lo mismo reconoce a Geoff Barrow que a Hozier ha decidido que los grandes ganadores de la temporada 2019 son Dave y Little Simz (además de Steve Mac).
Alguien argüirá que ya vimos ganar a Dave en el Mercury Prize con el notable ‘Psychodrama’, pero lo bueno es que aquí él se ha llevado simplemente el galardón a mejor canción contemporánea por su tema ‘Black’. Una canción directa, sencilla que desde luego estuvo entre las mejores de 2019 y que es una pena que no haya trascendido fuera de las islas. Si bien ‘Psychodrama’ es un álbum denso y variado, influido por el grime, pero abierto en sus maneras narrativas y musicales; esta canción en particular, a piano y de fondo ligeramente trip-hop, es el vehículo perfecto para adentrarte en su mundo: “el negro es bonito, el negro es excelente, el negro es dolor, el negro es alegría, el negro es evidente”, comienza diciendo, antes de apelar a la brutalidad policial: «si muere un chico, cuanto más negro sea el asesino, más dulce será la noticia (pero) si (el asesino) es blanco, dale una oportunidad, estará enfermo y confundido / si es negro, estará armado: apunta y dispara”. Muy obviamente los Ivor Novello se han apuntado un tanto reconociendo esto como «Canción del Año». Incluso estando casi en 2021 -mentalmente todos lo estamos, desde luego-, continúa sonando actual, por desgracia.
Más arriesgada ha sido la apuesta por el «Disco del Año», pues este título ha ido a otro nombre que apenas ha salido de Reino Unido, pero lo merece, el de Little Simz. Si Dave ha derrotado como nominados temas de Kate Tempest y J Hus, ella se ha llevado por delante a dos totems: igualmente ‘The Book of Traps and Lessons’ de Kate Tempest y ‘Ghosteen’ de Nick Cave & the Bad Seeds. Como cuando han premiado en otras ocasiones a IDLES y a Laura Mvula (insisto, también lo han hecho con nombres mucho más conocidos, como por ejemplo Adele, y después de ’25’), en este caso se han decantado por el proyecto de Simbiatu Abisola Abiola Ajikawo «Simbi».
Favorita de Kendrick Lamar y Lauryn Hill, y en la estela del sonido de esta misma, Little Simz publicaba el año pasado un tercer álbum, este ‘Grey Area’, que huía de toda comparación para ofrecer una paleta tan policromática en 35 minutos de disco, como mostraban el funky de la bailable ‘Selfish’, la jamaicana y acústica ‘Wounds’, la predicadora ‘Boss’, la influencia oriental de ‘101 FM’, la tremebunda banda sonora que era ‘Venom’ con trepidante rap o la balada clásica ‘Flowers’ con Michael Kiwanuka. Precisamente se echa de menos a este -y de nuevo a FKA twigs, como en el Mercury- al menos entre los nominados… ¿pero para qué queremos ver los mismos nombres en todas partes todo el rato? En un mundo de prisas y discos que duran en tus altavoces 2 días, hoy los Ivor Novello nos han arrancado una sonrisa recordándonos que estos dos buenos discos existieron un buen día de 2019.
Cuando ni siquiera es oficial que se esté preparando un biopic sobre Madonna, ya se está especulando con quién interpretará a la cantante en la gran pantalla. Pese al chasco que pueda significar para sus seguidores que en realidad esté trabajando en otro proyecto, relacionado por decir algo con Danceteria, la propia artista no para de alimentar a las bestias haciendo «Stories» en los que aparecen cuadernos de notas principalmente de 1982 y 1983. La compañía de la guionista Diablo Cody (‘Juno’) en muchas de esas imágenes implica que el proyecto pueda tener cierto humor dentro de que sería un «biopic autorizado» con todo lo malo que esto suele conllevar.
El último chascarrillo es tan bobo como sigue: Madonna y su mánager han comenzado a seguir en Instagram a la actriz Julia Garner, y de ello el mundo ha deducido que Julia Garner hará de Madonna en el hipotético biopic. Puede parecer una tontería, pero Madonna sigue a muy poca gente en Instagram, en general gente con la que ha trabajado, y esta fue su manera de revelar al mundo que colaboraría con alguien relacionado con la productora catalana Canada (Diana Kunst), con Anitta, de nuevo con Mirwais o más recientemente con Dua Lipa. Con esta nueva posibilidad especulan medios como NME, Vogue México y decenas de tabloides.
Pese a que hacer de Madonna puede ser un marrón sobre todo mientras Madonna te mira, Julia Garner suena como una opción estupenda y difícil de superar por varios motivos: existe cierto parecido físico entre ambas, sin necesidad de llevarlo a una aburrida mímesis. En algunas de sus últimas fotos subidas a Instagram, Garner parece Madonna en algún momento entre ‘True Blue’, ‘Who’s That Girl’ y ‘Dick Tracy’ (aunque parece que la cinta se centraría en sus inicios). Como Ciccone, parece muy fan de Marilyn. En segundo lugar, es una actriz de prestigio, muy reconocida en ciertos sectores, pero que no ha dado un enorme salto a la primera plana, un poco como sucedió con el biopic de Queen, ‘Bohemian Rhapsody’. Si quienes mejor conocían a Rami Malek antes de hacer de Freddie Mercury eran los seguidores de la serie ‘Mr Robot’, por la que había conseguido un Emmy; quienes mejor conocen a Julia Garner son los seguidores de otra serie, ‘Ozark’, cuyo éxito en Netflix también le ha valido un Emmy.
Fue como secundaria, pero es que además cuenta con un amplio bagaje de películas de prestigio como la imprescindible ‘Martha Marcy May Marlene‘, que en 2012 escogimos como «peli indie del año», y ya como protagonista ‘Electrick Children‘. También vista en ‘Grandma’, ‘Maniac’, ‘Waco’ y ‘The Americans’, Julia Garner ha protagonizado recientemente ‘The Assistant’, sobre el movimiento #MeToo, y con dardo a Harvey Weinstein… a quien Madonna también ha criticado tras haber distribuido una de sus dos películas como directora con su compañía.
Por otro lado, Garner resulta ser también una gran aficionada a la música pop. Su esposo es nada menos que Mark Foster, líder de uno de los grupos de pop más infravalorados que nos pueden venir a la cabeza, Foster the People. Y desde su cuenta de Instagram, no es la típica estrella que solo quiere oír hablar de Hollywood y celebridades: sigue a Radiohead y Thom Yorke, a The Strokes y a Rosalía, además de a Britney, Diana Ross y a la propia Madonna. Hace solo unas semanas se ha arrancado a imitar las voces de Britney Spears (minuto 3.11) y de Gwen Stefani (3.41) en el programa de Jimmy Fallon. No lo ha hecho nada mal… ¿acaso estará practicando?
Es mi primera entrevista a través de Zoom. Por obra y gracia del coronavirus, los cara a cara están desaconsejados y quién sabe si en extinción definitiva: lo que los sellos van a ahorrarse en viajes promocionales, las charlas entre prensa y artista lo perderán en riqueza y fluidez de comunicación, y en impresiones. Pero Zoom es mejor que el teléfono, desde luego, ese aparato detrás del que nunca sabes si el artista está prestando atención u ojeando una revista, y Kelly Lee Owens es una entrevistada muy agradecida al otro lado: sonríe, bromea, habla con humildad de su segundo álbum, el notable ‘Inner Song’, que es nuestro «Disco de la Semana», y lo cierto es que la experiencia es enriquecedora y agradable. La artista resuelve dudas sobre la temática y el concepto del álbum, nos recomienda a todos con mucha razón que vayamos a terapia para solucionar nuestros problemas y recuerda su pasado como «enfermera» e «indie girl» en Gales. Ni tan mal.
El disco trata sobre 3 años malos de tu vida, pero lo has grabado durante un mes, ¿fue duro revisitar esos 3 malos años?
Ha habido momentos difíciles al enfrentarme a las letras, pero cuando escribo la música, me concentro más en encontrar los arreglos adecuados. Hubo una semana específica que pasé en casa enfrentándome a las voces, a los micrófonos, a los libros de notas… porque tengo un libro de notas cada vez que empiezo un disco. Hay cuadernos y bolis por todas partes, y líricamente sí fue difícil. La canción ‘On’ es muy emocional en muchos sentidos y de repente me encontré llorando. La estaba haciendo cuando Keith Flint de The Prodigy murió (NdE: marzo de 2019). Por supuesto es sobre mi situación personal, pero mientras la estaba haciendo fue cuando él se suicidó, y yo sentía que tenía un reto respecto a la música. Mucha gente me ha dicho que la canción les ha hecho llorar o que les ha emocionado y creo que eso es algo muy sano. Anima a la gente en general.
Tengo la sensación de que del disco emana la sensación de «esperanza», ¿crees que puede haber esperanza cuando suceden cosas tan malas como que alguien se suicide?
Es importante mantenerla como una llama, como una luz. La esperanza es la luz de lo que podría pasar. Tienes que ser consciente de que las cosas cambian, de que nada es permanente, también para bien. Intento llevar la esperanza siempre conmigo de alguna forma. No me malinterpretes: hay momentos de tu vida en que no está ahí, pero entonces es justo cuando tiene que entrar en juego la gente en la que confías. Cuando no te vales por ti misma, tienes que rodearte de una o dos personas o las que necesites que te abriguen. También es importante recalcar que no siempre hay que ampararse en la esperanza. Cuando se trata de cambio climático, la esperanza es la acción.
El disco no es tan deprimente u oscuro, parece que trata de evitarlo.
Sí, exactamente. Trato de tener siempre la conciencia de que la oscuridad existe. La mayor pena que puedes experimentar es ignorar que existe. No podemos fingir que no existe, hay que enfrentarse a ello. Creo que siempre intento transmutar la pena y crear algo bonito a partir de ella. Así que en ‘On’ la primera parte de la canción es la tristeza y el reconocimiento de la oscuridad. Y después, está la parte de la transmutación, la sensación de salir adelante. También está la sensación de movimiento y es literal, porque incita a moverte. He estado haciendo terapia corporal post-traumática, y es algo muy emocional.
¿Cómo está siendo 2020 para ti? Porque el disco va sobre 3 años muy malos en lo personal, pero es que no sé si este puede ser un buen año para nadie… (risas)
Me siento más fuerte, y segura. Para ello hago un trabajo que todo el mundo debería hacer, y que he podido hacer porque soy una persona privilegiada. Por eso hay que apoyar a quienes se dedican a los menos afortunados, como Black Lives Matter, para la gente más marginal de la sociedad, gente que sufre traumas por experiencias infantiles, pero no pueden identificarlo, puedan tratarlo. Me gustaría que todo el mundo pudiera recibir terapia para comprender las cosas que te vuelven loco.
«Me gustaría que todo el mundo pudiera recibir terapia para comprender las cosas que te vuelven loco»
Me ha sorprendido leer que fuiste enfermera, es imposible no preguntarte cómo han vivido tus ex-compañeros la pandemia en Reino Unido…
Por aclararlo, yo era más bien una ayudante, una especie de auxiliar de enfermería, en un centro especializado en cáncer. Mantengo algunos amigos de entonces, y ha sido algo bastante tramposo. Se ha hablado mucho desde el gobierno diciendo que el personal sanitario son héroes, pero la palabra «héroes» es como mandar gente a la guerra: da miedo. Suena dramático, pero es verdad. No creo que estuviéramos preparados, nos podíamos haber preparado viendo las noticias que venían desde Italia y desde España. No está bien que no se haya protegido a la gente que se estaba jugando la vida. No creo que fuera aceptable. El problema es que la gente que se dedica a esto lo hace porque es su pasión, y se han aprovechado de eso. Se ha abusado de la palabra «héroes», porque cuando (el personal sanitario) piden mejoras, no se las dan. «Eres un héroe pero no tan héroe como para eso». Y esto va de acciones, no de palabras.
Volviendo al disco, es bastante variado. Tenemos el «techno banger» de ‘Melt!’, ‘Re-wild’, que es casi un trip-hop, una canción tan luminosa como ‘L.I.N.E.’… ¿Qué crees que le da unidad?
He trabajado en tiendas de discos muchos años y muchas de mis influencias son inconscientes. Intento que no sea algo muy consciente. A veces me dicen cosas como: «escucha esto para inspirarte», y yo respondo: «¡no, no, no!». (risas) Lo que une todo es la producción, cierto tipo de frecuencias específicas, no estar en una frecuencia muy alta… Son cosas bastante raras. Tengo mis propios sonidos particulares, y formas de producción. Soy muy particular en el uso de capas de percusiones, porque toqué la batería de joven, y la sección rítmica lo es todo para mí. James (Greenwood, el ingeniero) con quien trabajo, me dice: «¿pero qué haces? ¡quieres usar los «kicks» como «snares»! (risas) También muchas frecuencias de bajos. Y más que canciones individualmente para mí hay como un flujo de conciencia.
«Se ha abusado de la palabra «héroes», porque cuando el personal sanitario pide mejoras, no se las dan. «Eres un héroe pero no tan héroe como para eso»».
¿Ha sido difícil escoger los singles? ‘On’ y ‘Night’ eran muy pop, pensé que este podía ser tu disco de pop. Pero luego has ido sacando otras cosas, como la canción con John Cale.
Es interesante porque así la gente tiene que ir adivinando. Pero tampoco lo decido así. Lo más importante es la integridad y la honestidad. Pregunté a diferente gente, como Jon Hopkins, que creo que dijo ‘On’. Mi agente dijo ‘Melt!’. La gente me conoce por diferentes cosas así que quería mostrar varias caras. ‘L.I.N.E.’ es muy popi, no sé cómo la gente va a reaccionar pero es lo que es.
¿Cuál es tu primer recuerdo de John Cale, en tu infancia o adolescencia?
De la Velvet Underground, claro. Me mudé a Londres cuando tenía como 20 años, en los 90 oía pop y R&B y luego descubrí a Nirvana, también cosas de los 70’s como AC/DC. Cuando tenía como 19 años y estuve en Manchester, todo el mundo hablaba de la Velvet Underground y de John Cale. Fue en la tardía adolescencia. También me encanta Nick Drake, me obsesioné muchísimo con él, y resulta que John Cale trabajó con él. Yo le pedía que me contara cosas sobre él y creo que estaba aliviado de no tener que hablar de la Velvet sino de Nick Drake (risas).
Me sorprendió mucho en su momento leer en un libro que nunca fue famoso, que vivió en el completo anonimato, incluso en Reino Unido.
Sí, le pasa a mucha gente. Estaba en Island Records pero no llegó a ser lo que querían, es un clásico de culto. Me encanta todo sobre él, hasta los zapatos de ‘Bryter Lyter’, ‘Pink Moon’… ¡Todo!
«Alice Coltrane es algo que no entendía con 15 años y ahora me vuela la cabeza. Puedo ser snob sobre algo aun sabiendo que a los 20 años me va a gustar»
Hay un reportaje en el que te reconoces como una «melancólica chica indie de Gales». Me ha sorprendido mucho, porque yo te veo como una productora de música electrónica. ¿De verdad fuiste una chica indie de Gales?
¡Totalmente, era lo más indie! Con los vaqueros pitillo, los Maccabees, los Friendly Fires… La música es música, no me tiene que gustar solo una cosa, soy un ser humano con todo mi amor diferente para diferentes cosas. Lo bonito de la música es que la música que te gusta te encuentra. Alice Coltrane es algo que no entendía con 15 años y ahora me vuela la cabeza. Puedo ser snob sobre algo aun sabiendo que a los 20 años me va a gustar. Me mudé del campo a Manchester y descubrí cosas como The Knife, LCD Soundsystem… pero la melodía me viene de Gales y lo es todo. Así que para mí confluye de manera natural.
O sea que podríamos ver un disco tuyo tipo Nick Drake.
(risas) ¡No creo que coja una guitarra acústica!
Nunca digas nunca jamás.
¡Es verdad! Tengo amigos que son muy buenos guitarristas. Yo soy más de batería. Pero quizá explore el pop, vaya corriendo hacia la música pop. No sé, no tengo ni idea. No vine con ninguna idea al segundo disco, y eso es excitante. Con el tercer disco tengo una ligera idea de lo que quiero decir, pero no de cómo va a sonar.
Has hecho una versión irreconocible de Radiohead. ¿Tuvieron ellos que aprobarla?
¡Sí, que se lleven el dinero! ¡Coge el dinero, Thom, no me importa! (carcajadas). Tenemos la misma compañía de management, y lo cierto es que me encanta ‘In Rainbows’.
¿Verdad? Parece que solo se puede hablar de ‘OK Computer’ y ‘Kid A’, pero ese disco es estupendo.
Me gusta, me puto encanta ‘In Rainbows’. Hay gente que le gusta Radiohead y no reconoce la versión y hay gente que no le gusta Radiohead y le gusta. Mi manera de protegerme ante esto es que estoy orgullosa de cómo me ha quedado. Ayuda que guste, y espero que la gente encuentre en el álbum lo que busca.
Háblame del uso de tu voz, es como angelical, dulce… pero no sé cómo te sientes como cantante ahora mismo, porque además la colaboración con Jon Hopkins funcionó muy bien, pero el disco lo comienzas en plan instrumental.
Empecé así, mi voz es mi primer instrumento. Ha sido algo muy primario para mí. En el primer disco era más tímida, no estaba muy segura, puse muchos delays, reverbs, ecos, para que todo fuera más bien como un paisaje. Pero tuve un evento con Four Tet y Kieran me dijo que no escondiera la voz. La producción representa dónde estoy en términos de confianza. En ese sentido ‘Re-wild’ es mi canción favorita, porque hay profundidad y ciertos elementos especiales. Lo que nos pasa a las mujeres cuando cantamos es que te vas hacia abajo cuando te vas haciendo adulta. Y los hombres, al revés. Mira a Beyoncé, cada vez canta más hacia abajo. Que me encanta Beyoncé. El otro día hablé con su productor, y flipé.
¿Con cuál de todos?
Derek Dixie. Le pregunté por la línea de bajo de ‘Black Parade’, y me dijo cómo había grabado los instrumentos de viento, con qué pitch, y Beyoncé tiene una manera de cantar sobre ellos, y yo pensaba: «por supuesto que la tiene». Se lo conté a mis amigos y me dijeron: «pues vale» (risas).
«Antes de estar con alguien tienes que estar bien contigo mismo. Y luego ya «con alguien más»»
El caso es que, volviendo a tu voz, en el disco hay bastantes instrumentales.
Siempre los hay porque necesito un descanso de mí misma y de mi propia voz, pero tampoco podría hacer solo instrumentales. Me gusta mi voz 3 veces al año. Es muy particular, nadie tiene una voz como la mía en el sentido de que todo el mundo es único. Siempre estoy intentando encontrar su espacio, soy la típica persona que añade cosas y luego las quita. Tengo problemas para añadir. Jon Hopkins es lo opuesto a mí. Cada uno tiene diferentes procesos. En este disco, ‘Flow’ está muy abajo, es un lugar en el que sumergirse, un espacio en el que estar.
He leído que «obviamente» este es un disco post-ruptura, pero para mí no lo es…
No… sería simplista.
El momento más confuso al respecto es cuando dices que «sienta bien estar sola»… pero hay un plot twist y añades: «sola… contigo».
Es algo hermoso reconectar con una persona nueva, pero también «alone» es «all one»: antes de estar con alguien tienes que estar bien contigo mismo. Y luego ya «con alguien más». Esa canción es expansiva, se va haciendo más y más grande. Este disco no es sobre una cosa, podrían ser cosas desencadenadas por una ruptura, pero es mucho más complejo. Es un viaje de autodescubrimiento con el que tú conectas como tengas que conectar.
El vídeo de ‘On’ es bastante inquietante, sobre todo cuando una persona sangra. No sé por qué cuando sangras por la nariz se pasa mucho miedo, lo primero que piensa todo el mundo es que se va a morir.
Es el mismo director de ‘Throwing Lines’ (Kasper Haggström), se le da muy bien dejar las cosas abiertas. ¿Está el personaje enfermo? ¿Va a morir? ¿Mentalmente se encuentra bien? ¿No está capacitado para cuidar de su perro? Está todo conectado. Alguien llega y coge el perro, mira a la cámara en plan «qué he hecho» y no sabemos si vuelve o no vuelve. Quizá es sobre creer en uno mismo. Hay muchos sentidos.
Fun fact: Disclosure han conseguido recientemente el mayor éxito de su carrera gracias a su producción para Khalid, ‘Talk’, que ha sido top 10 en Estados Unidos y suma cerca de 700 millones de reproducciones en Spotify. Nada mal para una banda a la que creíamos medio acabada, ¿verdad? Pero nada más lejos de la realidad: su nuevo disco, ‘ENERGY’, es estupendo y ni siquiera los temas extra incluidos en su edición de lujo, como el mencionado single de ‘Free Spirit‘, lo hunden demasiado, al ofrecer siempre algo interesante.
La edición estándar de ‘ENERGY’ cuenta apenas con 11 pistas y dura 40 minutos. Puede hacerse demasiado corta, al incluir dos interludios y no ser el tema final, el caribeño ‘Reverie’ con Common, uno de los mejores. Pero también es un sin parar de aciertos desde el principio hasta el (casi) final: ‘Watch Your Step’ con Kelis, que nadie sabe por qué no había colaborado antes con los hermanos Guy y Howard Lawrence, pues los ritmos house-pop de este tema sientan de miedo a la que fuera una de las reinas del dance-pop de los 2010s, abre con toda la intención de ser uno de los pepinazos bailables de este 2020 sin discotecas, y el garage acelerado de ‘My High’, en el que el rapero estadounidense Aminé y el rapero británico slowthai te suplican que «no les jodas el pedo», es uno de los singles más divertidos y gamberros del año a pesar de que su paso por las listas británicas (y también en las de streaming) haya sido totalmente anecdótico.
La variedad es una de las virtudes de este ‘ENERGY’ con otros singles potenciales que tener en cuenta. ‘Lavender’ con Channel Tres, una de las promesas del pop del año vistas sus apariciones en ‘Impact’ de SG Lewis con Robyn, en remixes para Joji o King Princess… o en el inenarrable perfil de Instagram de Britney Spears, destaca por contener unas guitarras entrecortadas que remiten a trabajo de The Neptunes para Justin Timberlake, mientras las atmósferas futuristas y vocoderizadas de ‘Who Knew?’ con Mick Jenkings evocan los experimentos similares perpetrados por Cher a finales de los 90. Por su parte, la eufórica ‘Douha (Mali Mali)’ con Fatoumata Diawara se postula como probable canción del verano y ‘Birthday’ con Kehlani y Syd de The Internet demuestra que Disclosure son capaces de sacarse de la manga un hit de R&B contemporáneo que podrían haber interpretado TLC o Janet Jackson. Y en el tramo medio del álbum, el esquelético «groove» de ‘C’est nes pas’ con el camerunés Blick Bassy ofrece un necesario respiro para el que será el momento cumbre del largo, la espectacular batucada del tema titular.
Luego están los «bonus». A menudo este tipo de temas de regalo solo consiguen arruinar una secuencia que ya era buena o incluso inmejorable en su forma original, pero no es el caso de ‘ENERGY’. De acuerdo que la presencia en el disco de los temas de Khalid producidos por Disclosure, ‘Talk’ y ‘Know Your Worth’, parece un poco forzada, pero ambos son temas dignos que los hermanos tienen todo el derecho a reivindicar, y luego está ‘Tondo’, que para ser un bonus track, también representa un mini éxito para los hermanos en las plataformas de streaming (16 millones de reproducciones en Spotify). La música de África ha sido uno de los sonidos con los que Disclosure se han renovado después de un periodo en que parecían estancados, y este alegre corte que samplea al camerunés Eko Roosevelt es uno de sus mayores aciertos recientes. Tampoco son nada desdeñables las ufanas percusiones de ‘Expressing What Matters’ y el adictivo remix garage de ‘Birthday’ por MJ Cole puede ser incluso mejor que el corte original.
Dicen Disclosure que no se les han escapado las malas críticas recibidas por ‘Caracal‘, un segundo disco más sereno que se quedaba lejos de repetir el hito de su debut. Con esto en mente, se han tomado un merecido descanso y se han puesto las pilas para componer un tercer trabajo bueno de verdad, sin dejarse llevar por presiones y sin pensarse las cosas demasiado. Aunque el factor sorpresa de ‘Settle‘ ya no está presente en ‘ENERGY’, quizá debido a que Disclosure, maestros del revivalismo house-pop, nunca han tenido el sonido más original de todos, aunque sí uno de los más sofisticados, el nuevo álbum de los hermanos es uno de esos capaces de re-encandilar una carrera. A partir de aquí sí es posible esperar cosas muy grandes.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Watch Your Step’, ‘My High’, ‘Douha (Mali Mali)’, ‘Energy’, ‘Birthday’ Te gustará si: crees que ya va siendo hora de que haya más hits bailables en las listas de éxitos Youtube:vídeo de ‘Douha (Mali Mali)’