¿Cómo ha llegado ‘TKN’ de Rosalía a ser un pequeño hit en Europa?

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19 agosto, 2020

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Dora Postigo es, a sus 16 años, la persona más joven que jamás haya pasado por la portada de Vogue España, al ocupar una de las cubiertas más importantes del año, la de este mes de septiembre, dedicada a jóvenes valores. Es además, según la nota de prensa de la revista, tan sólo la segunda vez que una cantante española ocupa dicha portada (ya podéis imaginar quién fue la primera). Con dos singles que superan el millón de reproducciones en Spotify, ‘Saving Star’ y ‘Call Me Back’, ambos producidos por su mano derecha, el productor Pional, la que en principio fuera conocida como la prometedora hija de Bimba Bosé, es ya una una realidad de manera independiente, que además desde hoy sabemos que veremos en la gran pantalla.

Dado el buen funcionamiento de ‘Ojos de serpiente’, el vídeo de DORA que dirigió Paco León, Vogue España informa en exclusiva de que Postigo será la protagonista de su próxima película. Dice este mismo en la citada publicación: «Para mí tuvo algo de experimento. La posibilidad de descubrir con la cámara una juventud exultante. Porque Dora parece una persona muy hecha pero cuando la ves llegar con el uniforme del cole te das cuenta de que es una niña, y esa frescura está ahí. Ella tiene algo muy valioso, su autenticidad. En este mundo en el que todos quieren ser cosas y aparentar algo, ella no necesita ser nada porque ya lo es todo. Es poco habitual encontrarse con alguien tan joven y tan conectado con lo que es al mismo tiempo”.

Sobre esta película sobre la que aún poco se conoce, indica Dora: «Siento vértigo, pero eso no es malo. Es como cuando te subes a una atracción. Es una adrenalina que mola. Yo vivo para este tipo de experiencias. Lo que quiero es vivirlas. El resultado, lo que ocurra después, eso ya no me preocupa. Pero confío en Paco y me dejo llevar por él, sabe transmitir muy bien las cosas».

El reportaje, que habla de la relación de Dora con su padre, la pareja de este -nada menos que Bárbara Lennie-, su tío Gorka Postigo, o la influencia de su madre Bimba Bosé («no me doy ni cuenta pero hay mil detalles que me llevan una y otra vez a ella y eso me gusta mucho»), revela también que su nuevo single se llamará ‘Oxena’, narrando una ruptura real. El vídeo será en este caso de Gorka Postigo y Nono Vázquez.

Queda por descubrir por dónde irán los derroteros en esta nueva canción, pues de momento hemos escuchado a la cantante tan cómoda en sonidos cercanos al electro como los de ‘Stay’; en un corte clásico de tradición latina, el de la desgarrada ‘Ojos de serpiente’; y casi todo lo que queda en medio: el Spanglish de ‘Saving Star’, el medio tiempo con guitarrita a modo de dúo con el mismísimo Pional en ‘Call Me Back’, la semiacústica ‘Hoy’ o el ritmazo de ‘Home’, que recordaba a los Neptunes de principios de siglo.

Orville Peck / Show Pony

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19 agosto, 2020

La verdad es que lo de Orville Peck ha sido una sorpresa incluso para los que apostábamos por él como un nombre de futuro. Porque, la verdad, no esperábamos que firmara tan rápido por una multinacional. Y mucho menos que, gracias a eso, una figura del country pop como Shania Twain se animara a hacer un dueto con él, como sucede en ‘Legends Never Die’, tema estrella de ‘Show Pony’, secuela de su álbum debut ‘Pony‘. Pero, como ya destacábamos en su reseña, entendemos que cuesta resistirse a la parafernalia del misterioso –él insiste en mantener su anonimato, así que no insistiremos en el tema– cowboy enmascarado que canta sobre los marginados por la tradición country –no solo colectivos LGTB+, sino también minorías raciales y personas fuera de cánones estéticos convencionales–. Es atractivo y tentador, y ese encanto no aminora en este disco de seis canciones, más aún cuando un mayor presupuesto le permite ser más virguero con su cuidada estética: solo por ver el vídeo que se ha marcado con la intérprete de ‘Man! I Feel Like a Woman!’ –y con una aparición estelar de John Waters como locutor–, ya ha valido la pena el viaje.

Es cierto que a ‘Show Pony’ se le pueden achacar los mismos «pecados» que al primer disco de Orville Peck: por momentos, puede resultar excesivamente convencional si nos ceñimos a su sonido. Tanto que no se percibe ni un atisbo de perversión en estas seis canciones, ni en lo melódico ni en sus arreglos, que pudieran apartarlas de las emisoras de música country norteamericanas, pinchadas junto a las de los ya políticamente correctos Lady A(ntebellum) o (ya ex-Dixie) The Chicks. Sí se atisba algún pequeño gesto para escapar de lo predecible en lo musical, particularmente en los dos números semiacústicos del disco, ‘No Glory In the West‘ –perfecta en su crudeza desnuda– y ‘Kids’ –algo más escasa de punch–, o el tan solemne como enrabietado número final ‘Fancy’. Pero la impresión es que Orville, en general, apuesta de momento por asentar su figura antes de, quizá, ser más atrevido en el apartado musical. Y, del mismo modo que repite en debilidades, ‘Show Pony’ coincide en las fortalezas de ‘Pony’: no cabe separar la estética y las letras de las canciones, puesto que todo eso componen la idea de este singular proyecto.

La gran gracia de canciones inapelables como ‘Summertime‘, ‘Legends Never Die’, ‘Drive Me, Crazy’ –cuya intro casi parece esperar por la entrada de Lana Del Rey cantando ‘Norman Fucking Rockwell’ y que incluye una simpática mención a ‘November Rain’ de Guns ‘N’ Roses– o ‘No Glory In The West’ no está en que caiga en tópicos, sino que se apropie de ellos para remover las cosas desde dentro. Y los emplee para lanzar mensajes por la inclusión, la ecología y la búsqueda de la auténtica libertad, esa que otorga el derecho a ser diferente sin miedo. Un derecho que sigue pendiente de conquista en todo el mundo. Por eso la tristeza de la persecución, de la permanente huida –la road-movie de ‘Drive Me, Crazy’ nos traslada, maravillosamente, al universo de chaperos en la América profunda de la inolvidable ‘Sarah’, de lx polémicx JT Leroy–, empapa también ‘Show Pony’ de manera necesaria, a la vez que proclama el orgullo de la diferencia yendo de la mano de una reina como Shania. Un gesto quizá menos exitoso pero igual de importante para la comunidad LGTB+ que el de Lil Nas X triunfando con ‘Old Town Road’.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Legends Never Die’, ‘Summertime’, ‘No Glory In the West’, ‘Drive Me, Crazy’
Te gustará si te gusta: Lana Del Rey, Kacey Musgraves, Trixie Mattel.
Escucha: Legends Never Die

Adiós a Roger Quigley (At Swim Two Birds, The Montgolfier Brothers), un crooner alternativo sin suerte

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19 agosto, 2020

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Triste noticia para los fans del indie británico de finales de los 90 –y no, no hablamos ni mucho menos de Britpop–: el polifacético artista Roger Quigley, conocido por sus trabajos en solitario y sobre todo por los proyectos At Swim Two Birds –su alias en solitario tras publicar como Quigley– y The Montgolfier Brothers junto a otro héroe del indie británico, Mark Tranmer de Gnac; fallecía a los 51 años este martes 18 de agosto, en Manchester. Lo hacía de manera repentina, según reporta hoy el sello sevillano Green UFOs, que se encargó de distribuir sus discos en España.

En un precioso obituario (asumimos que firmado por su director Rafael López), dicen que recordarán «a Roger por su voz casi rota, por su eterno optimismo, por su elegante forma de disfrutar de la vida, por su enorme modestia, por su ácida crítica política y por su chaqueta de cuadros incluso en los días de calor». Destaca también el cariño que Quigley dispensaba a nuestro país, «que visitó en numerosas ocasiones para llevar a cabo diferentes giras y actuar en varios festivales y al que buen seguro le hubiese gustado volver una vez más». Y también, en su fragmento más bonito, destaca su visión del arte: «Para Roger, natural de Salford, un suburbio de Manchester, la música nunca fue un fin en sí mismo. Nunca buscó la fama, nunca le importó el dinero… Las canciones eran simplemente una forma de llegar a los demás y relacionarse con ellos, la excusa perfecta para compartir una pinta o una copa de jerez».

Como buen mancuniano nacido a finales de los 60, es evidente que Roger Quigley se empapó de primera mano de la carrera de The Smiths. Se reflejaba ya en las primeras canciones que publicó como Quigley a mediados de los 90. La melancolía de Marr, Morrissey y compañía empapaba su EP debut de 1995, ‘A Kind of Loving’, si bien su enfoque enmarcaba esa melancolía en una tímida electrónica lo-fi, muy en boga por la época. Aquello atrajo al sello francés Acetone Records, que tras algún single suelto más publicaba en 1998 su álbum debut ‘1969 Till God Knows When…’ Ahora sabemos que «Dios», la providencia o lo que sea tenía en mente este terrible 2020. Aquellas canciones ya hablaban de un estilo más personal, atmosféricas en sus ecos y sus repeticiones obsesivas, conectándole con el ambient pop de coetáneos como Piano Magic… o Gnac.

Aquel era el proyecto de Mark Tranmer, también oriundo de Manchester, que casi a la vez que Roger publicaba su debut ‘Friend Sleeping’. La conexión entre ambos fue inmediata, y pronto se concretó un dúo bajo el nombre de The Montgolfier Brothers, los pioneros de la navegación aérea en globo aerostático. Los paisajes casi cinematográficos de Tranmer (que ha citado, además de a The Durutti Column, a Michael Nyman o Ennio Morricone como sus mayores influencias musicales) se convertían en el vehículo perfecto para la voz doliente pero cálida de Quigley. Así quedaba probado en los tres discos tan maravillosos como poco conocidos como ‘Seventeen Stars’ (1999) –que, junto a joyas como ‘Even If My Mind Can’t Tell You‘, contenía una de las canciones más emotivas que uno haya escuchado jamás: ‘Between Two Points‘–, ‘The World Is Flat’ (2003) –ambos en Poptones, el sello de Alan McGee después de su salida del mítico Creation Records– y, tres lustros después de su primer disco, un ‘All My Bad Thoughts’ que cerraba un triángulo inmaculado de pop precioso, poético, exquisito y evocador.

Al margen de su carrera con Tranmer, Quigley siguió cultivando su propio cancionero, pero ya bajo el alias de At Swim Two Birds –no podía sino escoger para rebautizarse el título de la obra maestra del novelista irlandés Brian O’Nolan–. Así lanzaba en 2003 un ‘Quigley’s Point’ que, sin apartarse del todo del proyecto con Mark, se abría a espacios más luminosos, con bases rítmicas incluso bailables (‘Darling’), pero sin perder la elegancia. ‘Returning To the Scene of Crime’ (2007), alternaba brillo y oscuridad, y ‘Before You Left’, publicado en 2009, era el último disco en solitario de Roger (que sepamos). Siempre con la atemporalidad por bandera, alineándose con el romanticismo de crooners contemporáneos como Jay Jay Johansson y Morrissey, ganándose con sus canciones un sitio en el corazón de muchos (no los suficientes) para siempre.

METZ plasman en el rocoso himno ‘Hail Taxi’ las tensiones de la edad adulta

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19 agosto, 2020

Con los cuatro álbumes publicados hasta la fecha por METZ, el grupo de Toronto ha dejado muy claro lo irrenunciable del rock más agresivo y furibundo en su propuesta, aunque sin despreciar lo melódico. No lo será menos en su nuevo disco, ‘Atlas Vending’, que publicará Sub Pop el próximo 9 de octubre. Co-producido por ellos con el miembro de Uniform –compañeros de escena y no menos rocosas– Ben Greenberg, el disco pretende capturar «la particularidad de nuestra condición actual, cubriendo temas que pasan por la paternidad, la ansiedad social, el aislamiento, la paranoia inducida por los medios de comunicación y el impulso por dejar todo atrás, que juntos forman una unidad musical y narrativa». Foto: Norman Wong.

Ya habían dejado claro con el poderoso (y extenso, de más de 7 minutos) adelanto ‘A Boat to Drown In‘ –coronado por un fantástico videoclip, además– por dónde irán los derroteros de ‘Atlas Vending’, pero ahora son diáfanos en ‘Hail Taxi’, nuevo single más concreto y, por entendernos, pop: entre las marañas de guitarras desbocadas y baterías aporreadas con firmeza, brillan esos ganchos que espetan «I’m sending messages to you», confirmando que no tienen el más mínimo reparo en crear auténticos himnos.

Un himno cuya accesibilidad se pone en contraste con el mensaje torticero de sus versos, que pretenden hacer reflexionar sobre cómo la edad adulta nos lleva a olvidar los ideales de juventud, cuando todo era mucho más simple. Con esa idea, el director A.F. Cortes traslada a imágenes la idea de que «podemos esconder nuestros sentimientos, pero no huir de ellos» que se extrae también de la canción en un vídeo misterioso, opresivo y oscuro (literalmente, a veces es prácticamente negro), en el que una mujer trata de deshacerse de los recuerdos pero no es tan sencillo como parece.

Tracklist de ‘Atlas Vending’:
1. Pulse
2. Blind Youth Industrial Park
3. The Mirror
4. No Ceiling
5. Hail Taxi
6. Draw Us In
7. Sugar Pill
8. Framed by the Comet’s Tail
9. Parasite
10. A Boat to Drown In

Lo mejor del mes:

Garbage celebran 25 años confirmando 7º disco… pese a lo que pronosticaron algunos

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18 agosto, 2020

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¿Cuántas veces se pudo escuchar aquello de que Garbage era una banda prefabricada? Lo repetían como loros, todos lo mismo como bobos. Se decía incluso entre algunos de sus seguidores y también en algunas de las buenas críticas que tuvieron, dejando poco curro para los «haters». Todo porque la banda no se compuso de cuatro colegas que se conocieron en el instituto, sino sumando tres productores de éxito, en especial Butch Vig, que había trabajado en obras capitales de Nirvana y Smashing Pumpkins, a una cantante que ellos habían escogido tontamente viendo la MTV.

Los años en que Shirley Manson cantaba en un grupo llamado Angelfish, en concreto una cosa que se llamaba ‘Suffocate Me’, existieron, y qué habría sido de nosotros si el guitarrista Steve Marker no hubiera encendido aquel día la televisión para poner el programa ‘120 Minutes‘ cuando salió esto:

Este verano se ha hablado mucho sobre el 25º aniversario de lo que se considera la eclosión del Brit Pop, la lucha por el número 1 en las listas británicas entre ‘Country House’ de Blur y ‘Roll With It’ de Oasis, que ganaron los primeros, pese a que los segundos arrasarían a la postre. Ha vuelto a circular aquella mítica portada del NME que en la gloria esté, mientras muchos aseguraban que Pulp, los Manic Street Preachers o Suede merecían más reconocimiento.

Garbage no pertenecieron al Brit Pop, pero por generación tuvieron su conexión: también su disco de debut, ‘Garbage’, ha cumplido 25 años justo esta misma semana. Como Fleetwood Mac, Garbage son un grupo americano y británico a la vez, dado el origen escocés de Shirley Manson, natural de Edimburgo. Su juego entre grunge por un lado y electrónico por otro impidió que se casaran con nadie y a la vez que nunca fueran un multiplatino tamaño Nirvana en Estados Unidos o tamaño Oasis en Reino Unido. Lo que sí lograron, a cambio, es hacerse su propio hueco entre seguidores de diferentes bandas, compartiendo público con gente tan insospechada como The Prodigy y R.E.M. (con quien compartieron a Samuel Bayer como director de videoclips), como Cranberries y Marilyn Manson (Shirley fue una de las estrellas más afectadas por la muerte de Dolores). Y la noticia que debería copar titulares es que hayan sobrevivido a casi la totalidad de los mencionados.

Garbage son contra todo pronóstico unos enormes supervivientes de su generación, y lo han logrado sin haber cambiado nunca, ni una sola vez, de formación, dejando la pregunta en el aire sobre si es mejor meter a cuatro colegas de instituto en una furgoneta de gira, o a cuatro adultos. Lo claro es que Garbage siguen siendo Shirley Manson, Duke Erikson, Steve Marker y Butch Vig, mientras las idas y venidas de algunas de sus bandas contemporáneas ha sido el gabinete de los hermanos Marx. Sin necesidad de irnos al caso extremo de Smashing Pumpkins, ¿alguien podría enumerar cuánta gente llegó a pasar por Oasis antes de su separación y tras la salida de «Bonehead»? ¿alguien se cree que Damon Albarn esté más a gusto trabajando en Blur que por su cuenta? ¿conoceremos proyecto alguno nuevo de Hole, sea cual sea la formación? ¿De verdad pueden Garbage terminar durando más tiempo juntos que los mismísimos R.E.M.?

La historia ha tenido sus baches, y Garbage han llegado a anunciar alguna «separación temporal», lo que se conoce en música como un «hiato», en concreto en 2007, reconociendo que «apenas se hablaban entre ellos». Shirley Manson llegó a plantear una carrera en solitario, pero aquello no cuajó. Esto nos contaba en Madrid en 2012, en una entrevista que por cierto estuvimos a punto de hacer dentro de un taxi, pero por suerte al final no: «Llegué casi a terminar un disco, pero al sello no le gustó. Lo rechazaron porque creían que no era lo suficientemente pop. Yo no soy una chica pop y nunca lo seré. No soy muy fluida en pop. Yo trabajaba simplemente para mí, para lo que creo, para mis valores. No me importa si no hago otro disco nunca más».

La noticia es que desde aquel ‘Not Your Kind of People’ que promocionaba aquel día, hablando con toda la paz y la calma del mundo, las cosas parecen haberse estabilizado y el grupo parece más unido y ubicado que nunca: trabaja a su ritmo y especialmente Shirley se ha alzado varias veces como una cabal líder de opinión a la que escuchar hablar sobre la deriva de la política o sobre feminismo. No es que la banda haya necesitado nunca la aprobación de la crítica más erudita, porque no se puede echar de menos lo que nunca se tuvo, pero su último álbum ‘Strange Little Birds’ (2016) recibió las mejores reseñas de toda su carrera este siglo y, no contentos con ello, ahora son capaces de anunciar que en 2021 estarán de vuelta.

En declaraciones a Rolling Stone, en la que ha hablado sobre el podcast The Jump, Shirley ha dicho que su disco está en fase de mezcla, que les quedan 3 canciones para terminar, y que desde entonces se van a concentrar en el diseño y en los detalles finales con vistas al año que viene. Será el momento de escuchar un 7º álbum de Garbage, que dicen influido en la forma -más que en el fondo- por Roxy Music y que, como mínimo, les mantendrá de actualidad casi 30 años después de su formación. Por algo en un momento dado, realizaron aquella gira americana con Blondie…

‘Midnight Sky’ de Miley Cyrus: ¿este frenesí entre Madonna y Fleetwood Mac es un sí o un no?

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18 agosto, 2020

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Parte de la redacción evalúa el single de regreso de Miley Cyrus.

«Stevie Nicks, Joan Jett y Debbie Harry son las influencias oficiales de Miley Cyrus en su gran single de regreso. No es tan evidente lo de Joan Jett, pero desde los primeros segundos se percibe muy claramente lo de Fleetwood Mac en este ‘Midnight Sky’ que cuando comienza parece que va a convertirse en el nuevo ‘Everywhere’ o en el nuevo ‘Little Lies’. Por si alguien quiere argüir que estas son canciones de Christine McVie en verdad, hay un guiño consciente a una canción de Stevie Nicks en solitario, ‘Edge of Seventeen‘, que ha llevado a Miley a incluso mostrarle la composición antes de editarla. En todo caso, este tema después evoluciona hacia el synth-pop ochentero, en un momento próximo incluso a la Europa de C.C. Catch, aunque sin explotar ni añadir demasiado. Si fuera una canción de Blondie, más que un bombazo tamaño ‘Atomic’, sería la relativamente reciente ‘Good Boys'». Sebas E. Alonso.

«Estoy completamente a favor de este frenesí synth-dance pop 80s/90s que asola a las grandes figuras del pop actual, de The Weeknd a Lady Gaga pasando por Dua Lipa y hasta por Sufjan Stevens. Miley Cyrus no es inmune y regresa con un ojo puesto en la Madonna más clásica (uno de sus estilismos recuerda una barbaridad al que lucía la Ciccone en ‘Open Your Heart’). Sedoso y con guiño al ‘In the Air Tonight’ de Phil Collins incluido, a ‘Midnight Sky’ se le notan mucho las ganas de convertirse en un pelotazo inmediato. Pero me ha costado un poco entrar en él. Se echa de menos la rotundidad de ‘Mother’s Daughter’, que sí te atrapaba de inmediato: quizás el marasmo de temas del estilo que hay ahora le puede jugar en contra, hacer que quede diluido. Pero también es verdad que las escuchas repetidas hacen que ‘Midnight Sky’ crezca. Que se quede en otro pequeño fracaso o se convierta en un hit de largo recorrido, el tiempo dirá». Mireia Pería.

«Todo apuntaba muy bien en este regreso de Miley. Uno había llegado a fantasear con la posibilidad de que, en un giro retrodance al estilo de ‘Future Nostalgia’, nos reencontráramos con la Cyrus de la excelente ‘Nothing Breaks Like a Heart‘ más que con la del tibio ‘SHE IS COMING‘. Y se echa en falta la mano de Mark Ronson por aquí, sí, pero el problema no es tanto ese como que hay mejores intenciones que resultados en ‘Midnight Sky’. Las influencias están en orden, el clip es sugerente y travieso como debe, la producción se aleja de estridencias… pero cuando llega el momento de asestar el golpe definitivo y convencer con un buen gancho, falla. El estribillo, sin ser un desastre, resulta ser algo descafeinado y se desinfla un tanto el conjunto». Raúl Guillén.

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‘A güiro’ lleva el merengue al top 10 en España; ‘WAP’ queda fuera del top 100

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18 agosto, 2020

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La lista española de singles continúa coronada por ‘Mamichula’, el tema colaborativo de dos artistas argentinos, Trueno y Nicki Nicole. La única novedad en todo el top 10 es la subida más fuerte: ’A güiro’ de Rafa Pabön pasa del puesto 40 al puesto 7. Es por supuesto una canción latina como la mayoría del top 100, aunque en este caso es bastante particular: su sonido es bastante más tradicional, incorporando vientos que han sido grabados en directo y un ritmo de merengue clásico.

Rafa Pabön es un rapero de Puerto Rico conocido por temas como ‘Jangueo’ con Alex Rose o el remix de ’Ta To Gucci’ en el que coincidió con Brytiago, Darell, Cosculluela y Chencho Corleone. ‘A güiro’, que no renuncia a su mención al reggaetón («mambo con reggaetón», presume la letra), se sirve de su mezcla de ritmos tradicionales y actualidad para ser uno de los virales del momento. Está llamado a reventarlo y ser una de las canciones de finales del verano: si es top 7 en España oficialmente, en Spotify ya sube al puesto 3.

Otra de las canciones que viven una subida destacada es ‘Trendy’ de RVFV y Lola Indigo, pues salta del puesto 38 al puesto 17, alcanzando un nuevo máximo en su tercera semana. Se engrosa la lista de hits de Mimi, pues ‘4 besos’ continúa aún en el top 33, certificada como single de platino. Menos aceptación ha tenido ‘Aprendiendo el sexo’ de Bad Gyal: en este caso la canción baja del puesto 29 al puesto 51 en su segunda semana.

El resto de entradas son ‘Mami’ de Ptazeta y Juacko en el número 47, ‘Lean’ de Super Yei y amigos en el número 61, ‘Ale-Aleluia’ de Atika Patum en el número 89 y ‘Se te nota’ de Chema Rivas en el puesto 90.

En la lista de grandes ausencias, hay que hablar de la NO-entrada de ‘WAP’ de Cardi B y Megan Thee Stallion. Es el hit internacional a nivel mundial, número 1 en Estados Unidos y en el global de Spotify, pero aquí no ha calado tanto de momento. Eso sí, ahora mismo sube al puesto número 129 en España: puede que llegue a la lista en el futuro si continúa esta línea estable, ascendente.

Taylor Swift y Amaia suben en la lista de discos española; entran BTS, Deep Purple, Jowell & Randy

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18 agosto, 2020

La edición física de ‘folklore’ provoca la resurrección del nuevo álbum de Taylor Swift en la lista oficial de discos más vendidos y escuchados en España. Así, en su tercera semana, el disco sube del puesto 19 al puesto 3, aunque no logra igualar su marca en la semana de salida, el número 2, ni mucho menos mover a Anuel AA, que continúa en el número 1 una semana más con ‘Emmanuel’, disco de oro.

La de Taylor es la subida más relevante en número de copias, pero también hay que destacar la de Amaia, que vuelve a escalar con ‘Pero no pasa nada’, desde el puesto 68 al puesto 25, quizá porque el disco ha vuelto a estar de actualidad tras el estreno de un vídeo para ‘Nuevo verano’ y dos nuevos temas, ‘Cosas interesantes para decir’ y ‘La victoria’.

Por lo demás, no hay grandes novedades en una lista típica de principios de agosto: la entrada más fuerte es ‘Map of the Soul: 7 The Journey’ de BTS, que quedan fuera del top 10 por los pelos (número 11) con este álbum que incluye versiones en japonés de temas de sus últimos trabajos. Este disco de la banda de Corea del Sur está orientado al mercado japonés, y obviamente ha arrasado en este país, siendo número 1 y despachando 750.000 unidades en pocas semanas (allí salió el mes pasado), pero además ha sido considerablemente bien recibido por sus fans de Estados Unidos (puesto 14) y Reino Unido (puesto 35). Solo con su éxito en Japón, seguramente termine entre los discos más vendidos del año en todo el mundo. En nuestro país seguramente tendrá más longevidad ‘Map of the Soul 7’, de este mismo 2020, que continúa en el top 100, exactamente en el puesto 42 en su 25ª semana.

En el número 16 hallamos a ‘Whoosh!’, el 21º disco de Deep Purple, que ha sido top 4 en Reino Unido y número 161 en Estados Unidos. El disco ha sido presentado por sencillos como ‘Throw My Bones’, ‘Man Alive’ y ‘Nothing At All’. El anterior álbum de Deep Purple, ‘Infinite’, lograba ser número 10 en nuestro país en 2017, pero entonces no contaba el streaming, por lo que no se puede hablar de cambio alguno significativo.

La tercera y última entrada es la de Jowell & Randy con ‘Viva el perreo’, directa al puesto 52, animada por el alto streaming que ha tenido todo el disco, no solo los sencillos ‘Anaranjado’ con J Balvin (que encontramos en la parte baja del top 100 de singles) y ‘Perriando’. Por supuesto, si estás en el planeta Tierra, conocerás a Jowell & Randy por haber aparecido en una de las canciones más virales de este año, ‘Safaera’ de Bad Bunny.

Rumer / Nashville Tears

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18 agosto, 2020

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Rumer es conocida sobre todo en Reino Unido por el multiplatino que por allí lograra su bonito debut, ‘Seasons of My Soul’. Sin embargo, la música americana siempre estuvo en su corazón, y por si la influencia de Burt Bacharach no era lo suficientemente evidente en aquel disco, ha terminado versionándolo en lanzamientos enteros y casándose con su director musical entre 1996 y 2010 Rob Shirakbari. Instalada en Arkansas durante unos años, se ha acercado ahora a la música country, como es visible en el título de su nuevo álbum.

Sarah Joyce -este es el verdadero nombre de Rumer- quería con ‘Nashville Tears’ rendir homenaje a algunos artistas y temas perdidos de música country, pese a no ser una experta en el tema. Cuenta en las entrevistas que su primer acercamiento a este género fue una cinta recopilatoria de Patsy Cline cuando tenía 10 años que llegó a ser una obsesión para ella. También cita a gente como Dolly Parton, Glen Campbell, Townes Van Zandt y Alison Krauss. Fue hace muy poco tiempo que topó con la música de Hugh Prestwood, un artista de El Paso (Texas) que ha escrito para gente como Trisha Yearwood y la citada Alison Krauss. El productor con el que ha trabajado en este disco, Fred Mollin, le mandó el tema ‘Oklahoma Stray’ y pronto Rumer decidió que el disco de versiones de country que preparaba se convertiría únicamente en un álbum de versiones de Hugh Prestwood, para dar a este el reconocimiento que merece.

‘Nashville Tears’ es un disco grabado el año pasado, programado para abril, retrasado a verano y que habría tenido más sentido ya en Navidad. El tono amable de estas melodías que nos hablan sobre en qué tipo de pino recostarnos (‘Bristlecone Pine’) y sobre «el destino de las luciérnagas» (así se llama el tema inicial) no cuenta con la garra suficiente como para devolver el interés por Rumer si le habías perdido la pista hace dos o tres discos o nunca te habías planteado viajar a «Oklahoma». Versiones como ‘Deep Summer in the Deep South’ muestran que las botas de cowboy no son lo que mejor le sienta a su tono, que tan comparado fue en su momento al de Karen Carpenter. Cuando la escuchamos decir «adiós» en el estribillo de ‘The Snow White Rows Of Arlington’ se está despidiendo de su familia para irse a la guerra en lo que se considera un himno patriótico. «Su patriotismo es muy americano, así que si no la hubiera incluido, no sería un fiel reflejo del sur», ha justificado al hablar de este corte, un poco desubicado ahora mismo.

Sin embargo, es cierto que a lo largo de estas 15 canciones que se extienden hasta la hora de duración, de vez en cuando aparece una maravilla que justifica por sí sola la existencia del proyecto, como es el caso de bonitas baladas como ‘Heart Full of Rain’ y ‘The Song Remembers When’, del reconfortante cambio melódico en el estribillo de ‘Learning How to Love’ o del guiño pop de ‘Hard Time for Lovers’. ‘Ghost In This House’, una de las canciones más populares de Hugh Prestwood, es una preciosidad en su retrato clásico del dolor, el de alguien totalmente impedido por las circunstancias: «no recojo el correo, ni respondo el teléfono (…) solo soy un fantasma en esta casa / una sombra entre cuatro paredes».

El propio Hugh Prestwood se ha involucrado en el proyecto, y además de recuperar canciones que ni siquiera él mismo recordaba o estaban grabadas, como ‘June It’s Gonna Happen’, ha tenido el aciertazo de pedir a Rumer que incluya una composición que no estaba en la selección original de la cantante. Es una pequeña joya llamada ‘That’s That’ que versa sobre asimilar que un hombre no va a volver, con una melodía que precisamente transmite perfectamente la idea de aceptación, animando a la misma. Es un feliz encuentro entre la vieja Rumer, pues puede agradar a los seguidores de su debut, y la nueva, enamorada de América (aunque preparada ya para volver a UK, asegura a su vez).

Calificación: 6,8/10
Lo mejor: ‘That’s That’, ‘Ghost In This House’, ‘Learning How to Love’, ‘Heart Full of Rain’, ‘The Song Remembers When’
Te gustará si te gusta: Alison Krauss, Dolly Parton y obviamente Hugh Prestwood y el cancionero americano
Escucha: That’s That

Karol G y Myke Towers se suman a Ozuna para dar más sabor a su ‘Caramelo’

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18 agosto, 2020

La batalla por alzarse con el título de la canción del verano 2020 en los países hispanohablantes está en todo lo alto. Y, por orgullosos que estemos de ella, no está en el ajo ninguna de nuestras propuestas en la playlist Lo + Sabrosón 2020. La cosa no va precisamente por ahí.

Mientras se desinflaba ‘Se iluminaba’, un tema del italiano Fred De Palma junto a la malagueña Ana Mena que se publicaba, paradójicamente, la pasada Navidad, ‘Mamichula‘ del argentino Trueno y amigos ha dado la sorpresa al desbancar a una ‘Caramelo‘ que parecía inalcanzable. Sin embargo, el rapero bonaerense no cuenta con el arsenal multinacional de Ozuna, y este podría haber asestado hoy el golpe definitivo con un remix de su gran apuesta estival.

Hace unas horas se ha estrenado una nueva versión de este hit reggaetonero co-producido por Tainy –al que, además de en el también celebrado ‘Agua‘ con J Balvin, encontrábamos en el relativamente decepcionante single conjunto de Dua Lipa, Bad Bunny y Balvin, ‘Un día (One Day)‘–, y muy mal tendría que darse para que tenga un nuevo impulso que la devuelva al número 1. No tanto por la presencia de Myke Towers, que también, como por el protagonismo que en ella tiene Karol G, una de las grandes triunfadoras de este año con ‘Tusa‘, que hace unas semanas presentaba la también magnética ‘Ay, DiOs Mío!‘.

Y la cosa va tan en serio como para presentar un videoclip oficial ad-hoc para el remix, con el improvisado trío devaneándose entre un cielo de chucherías y un infierno de chocolate oscuro. El caso es que su/nuestra boca «no pierda el sabor a caramelo».

‘My Game’ es la joya de la corona en la reinvención de Zella Day, amiga de Lana Del Rey

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18 agosto, 2020

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El nombre de Zella Day ha saltado a la palestra recientemente por verse ligado al de Lana Del Rey, a las que no solo hemos visto juntas en las redes sociales de ambas en distintas ocasiones sino también sobre los escenarios. ¿Pero quién es esta joven? ¿Es tan desconocida como parece? Lo cierto es que, aunque en Europa es menos conocida, en su país tuvo una repercusión notable su segundo álbum ‘KICKER’ –su debut, ‘Powered By Love’, había sido autoeditado por ella con ayuda de su familia en 2009, cuando apenas contaba con 14 años de edad–. Ese disco, impulsado por los singles ‘East of Eden‘ y ‘Hypnotic‘, tuvo gran acogida comercial para tratarse de un lanzamiento independiente, no solo siendo top 7 en la lista de Billboard para álbumes alternativos, sino incluso alcanzando un meritorio puesto 65 en el Billboard 200. No sorprendía, por tanto, que fuera elegida para la BSO de una de las películas de la saga ‘Divergente’.

Sin embargo, al margen de algún single suelto como ‘Man On The Moon / Hunnie Pie’ –que ya anticipaban cierto viraje de las convenciones del pop contemporáneo a algo más atemporal–, Day había dejado pocas noticias musicales en el último lustro. Hasta hace unos meses, cuando reaparecía con una extemporánea versión del clásico ‘You Sexy Thing‘, que se hacía viral gracias a un vídeo en el que se sacudía la docilidad con una actitud tan sensual como macarra. Era el anticipo de un nuevo tramo de carrera que se ha ido concretando con el paso de los meses de este raro 2020, y varios singles que tienen como objeto completar su nuevo proyecto: el EP ‘Where Does The Devil Hide’, cuya producción corre a cargo principalmente de nada menos que Dan Auerbach, conocido tanto por sus trabajos en solitario como por ser la mitad de The Black Keys.

El giro sonoro hacia presupuestos más clásicos, con la psicodelia, el rock y el folk como nutrientes, se hacía evidente en ‘People Are Strangers‘, el primero de los temas nuevos publicado este año. Y, si bien en ese tema no puede evitar la comparación con la música taciturna de su amiga Lizzy Grant, los más recientes ‘Purple Haze‘ y ‘Only A Dream‘ se desmarcan un tanto de esa idea, con arreglos más coloristas que se miran tanto en el sonido Canterbury como en la libertad estilística de la música lounge. De hecho, hasta con el disco se atreve Zella en este trabajo, como muestra la deslumbrante ‘My Game’, que hoy destacamos como Canción del Día.

Lanzada a finales de mayo, su sonido funky con arreglos exuberantes resulta irresistible para la pista de baile. Pero ojo, no nos confundamos: no estamos ante un revival disco como el que están aventando Dua Lipa o Kylie Minogue en sus últimos trabajos, sino que, con Auerbach por medio, más bien se mira en clásicos como Minnie Ripperton, ABBA y hasta las españolas Baccara (que aparecen en esta playlist de referencias publicada por la artista en Spotify). Incluso, si precisáramos referentes más cercanos, cabría pensar en los últimos Arctic Monkeys y hasta en Sophie Ellis Bextor, por esa voz tan rasgada y desencorsetada de la que ahora presume y que recuerda también a Belinda Carlisle.

Pero, más allá de referentes ajenos, ‘My Game’ presume sobre todo de ser un gran single en sí mismo. Una canción tan exquisita en lo formal como divertida y seductora en su acabado final. Lo cual incluye su cuidado y colorido videoclip inspirado en las películas de espías de los años 60 (de ‘La Pantera Rosa’ a ‘Goldfinger’, ha explicado), trufado de estética retro como todo el arte visual de esta etapa de Zella Day, que promete dejar huella en el pop, mucho más allá que por su círculo de amistades o sus colaboradores ilustres.

Lo mejor del mes:

Father John Misty lanza sus primeros temas originales en dos años

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18 agosto, 2020

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Habituados como estábamos a la omnipresencia de Father John Misty en nuestras vidas, publicando tres álbumes entre el notable y el sobresaliente como ‘I Love You, Honeybear‘ (2015), ‘Pure Comedy‘ (2017) y ‘God’s Favorite Costumer‘ (2018) consecutivamente, se ha hecho rara su casi total ausencia en los últimos dos años. Josh Tillman había mantenido un perfil bajo –también en redes sociales, donde tras varias polémicas optó por eliminar sus perfiles personales– desde que publicara ese último álbum de estudio y se mofara de Coldplay… hasta ahora.

En realidad, el que fuera durante un tiempo batería de Fleet Foxes reaparecía hace unas semanas, primero con un directo de su última gira grabado en Hamburgo y después con un EP titulado ‘Anthem +3‘, con versiones de Leonard Cohen, Link Wray, y Cat Stevens. Los beneficios de ambos, subidos primero a Bandcamp, irán destinados a asociaciones dedicadas a paliar los daños personales y económicos en el sector musical de Los Ángeles. De hecho, no es la única iniciativa de ese estilo que Tillman ha tomado: recientemente lanzaba una camiseta exclusiva en su web para contribuir al sustento financiero de su grupo y equipo de directo.

En ese EP encontrábamos en la producción a su amigo Jonathan Wilson y de Bobby Krlic, más conocido por su alias musical de The Haxan Cloak y su electrónica oscura, que al margen de sus propios trabajos le había llevado a colaborar con Björk o serpentwithfeet. Pero eso no significa exactamente que se perciba un cambio sonoro en Father John Misty, como ya supimos por su aportación a ‘God’s Favorite Costumer’. Más bien al contrario, como demuestran las dos canciones originales que acaba de estrenar este último y que cuentan también con la participación técnica de Dave Cerminara, un productor que encontramos en los créditos de discos más bien pop como los de Khalid, Imagine Dragons, Foster The People y hasta ‘Future Nostalgia’.

Hablamos de ‘To S.’ y ‘To R.’, la aportación de Tillman al club del single del sello Sub Pop que ya podemos disfrutar. Ambas –la primera, más atmosférica; la segunda, más concreta y animada– están enmarcadas, salvo por algún detalle muy sutil, en el piano rock de corte clásico al que nos ha acostumbrado el artista en este proyecto. Ni siquiera faltan los ampulosos arreglos orquestales que le caracterizan. Sin quedar claro si es solo una colaboración puntual con el sello de Seattle o planea pasar página con Bella Union, que había publicado los trabajos de Father John Misty hasta la fecha, todo apunta a que podría ser la antesala a un nuevo disco del proyecto. Así lo esperamos.
<a href="http://fatherjohnmisty.bandcamp.com/album/to-s-to-r">To S. / To R. by FATHER JOHN MISTY</a>

Cardi B y Megan Thee Stallion logran con ‘WAP’ un histórico número 1 de Billboard

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18 agosto, 2020

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Puede que ‘WAP‘ no haya arrasado precisamente entre los lectores de JENESAISPOP, como muestra su tímida entrada en nuestro top semanal, pero ahí fuera las cosas son bastante distintas: no solo ha alcanzado el número 1 global en Spotify, la plataforma de streaming más escuchada del mundo, sino que acaba de coronarse como nuevo número 1 (sucediendo a la sorpresa de Harry Styles y su ‘Watermelon Sugar’) del Hot 100 de Billboard. Se convierte así en la cuarta canción con la que Cardi B alcanza ese puesto –tras ‘Bodak Yellow’, ‘I Like It’ y ‘Girls Like You’, junto a Maroon 5– y la segunda para Megan, que lo lograba este mismo año con su remix de ‘Savage’ junto a Beyoncé.

Pero no solo eso, sino que además lo ha logrado con unas cigfras históricas: según la entidad de medida de ventas Nielsen, con sus impresionantes 93 millones de streamings, ‘WAP’ es ya la canción con mayor cifra de escuchas en su primera semana de salida. Es solo uno de los varios récords, tanto históricos como de 2020, que bate la canción y recopila la propia Billboard. Entre ellos cabe destacar que es el primer número 1 de dos raperas en toda la historia en la más importante lista de singles de Estados Unidos, además del cuarto número 1 que logran este año dos o más mujeres. En toda la historia previa, solo había ocurrido en cinco ocasiones. No es casual que, por ejemplo, esté neutralizando el ascenso de un dueto masculino de tanto peso dentro del mismo género musical como es ‘Laugh Now, Cry Later’ de Drake y Lil Durk.

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Me and cardi just got off the phone screaming FIRST FEMALE RAP COLLABORATION IN HISTORY TO DEBUT AT NUMBER 1 God is so great THANK YALL !!! @iamcardib thank you for all your words of encouragement, thank you for all the laughs, & thank you for having me on the record #WAP

Una publicación compartida de Hot Girl Meg (@theestallion) el 17 Ago, 2020 a las 9:46 PDT

Por supuesto, esto es motivo de celebración para los fans de Cardi B y Megan Thee Stallion. Y para ellas, claro: ambas lo han celebrado en sus redes sociales. Especialmente la primera que se ha marcado uno de esos vídeos tan suyos, bailoteando y fardando a medida que leía los distintos récords obtenidos por su single.

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Number fuckin one !!!!!NUMBER 1 !!!My 4th number 1 on @billboard hot 100….I’m just so thankful I want to hug the LORD !! Thank you soo much @theestallion .I don’t even know how to thank you ,I wish I can give you a big ass hug !!! Thank you to my fans Megan fans,Thank you the world for listening .Im just soooo thankful I can’t even type it .Imma get like a bad bitch and tell ya later.Love ya WAAAAAAAPP

Una publicación compartida de Cardi B (@iamcardib) el 17 Ago, 2020 a las 9:43 PDT

Melanie C anuncia conciertos en Madrid y Barcelona para presentar su nuevo álbum

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18 agosto, 2020

Después de que charláramos con ella largo y tendido, Melanie C daba los detalles de su nuevo álbum en solitario, titulado tan poco imaginativamente como ‘Melanie C’, que verá la luz el príximo 2 de octubre. Y lo hacía a la vez que presentaba otro de sus singles, el elegante y bailable ‘In and Out of Love’. A esa noticia, hoy se añade otra bien jugosa para los fans españoles de Spice Girls en general y de la Spice deportista en particular

Melanie C ha anunciado hoy los detalles de una gira por el Reino Unido y Europa para la primavera de 2021, que hará parada en España. Concretamente en la sala La Riviera de Madrid, el 29 de abril, y en la sala Apolo de Barcelona, el 1 de mayo del próximo año. También ha confirmado cuatro conciertos en directo por streaming que coincidirán con el lanzamiento de su tan esperado álbum homónimo el 2 de octubre (con un set de banda completa y muchas sorpresas por revelar). El precio de las entradas es de 28 euros más gastos, y la pre-venta comienza el 26 de agosto a las 10AM y la salida a venta general el 28 de agosto, todo a través de LiveNation y Ticketmaster (Madrid y Barcelona). Las entradas para las transmisiones en vivo también están disponibles a través de su sitio web oficial.

‘Melanie C’, del que ya había presentado temas como ‘Blame It On Me‘, es el octavo disco de estudio de Melanie Chissolm al margen del mítico girl group. De manera muy interesante, incluye colaboraciones en la composición y producción de mujeres del ámbito alternativo/independiente británico como Little Boots, Shura o Rae Morris.

Lady Gaga y Ariana Grande interpretarán ‘Rain on Me’ en los MTV VMA’s

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17 agosto, 2020

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Hace unas semanas nos preguntábamos qué había pasado con la promoción de ‘Chromatica‘ de Lady Gaga, un álbum estupendo de pop bailable que parecía haber quedado en el olvido de muchos tras la posposición de su gira mundial, trasladada a 2021– por una pandemia cuya eclosión ya provocó una demora en la publicación del disco. Eso, de manera evidente, parecía haber influido para que canciones tan pintonas como por ejemplo ‘Alice‘, ‘Replay‘ o ‘Free Woman’ no hubieran sido ya objeto de vídeos oficiales –’Sour Candy’ sí lo fue… más o menos–. Pero parece que esa solo aparente indolencia podría comenzar a revertir dentro de muy poco.

Hace unas horas anunciaba que realizará la primera presentación en directo de esta era: será en la edición 2020 de los premios MTV VMA, que se fallarán en una gala que se celebrará en Nueva York el próximo día 30 de agosto. Es la primera ocasión en siete años que Germanotta actúa en los VMAs, siendo además la artista que opta a mayor número de estatuillas gracias en buena medida al clip de ‘Rain On Me‘, su single con Ariana Grande. A falta de conocer cuál será el siguiente single de ‘Chromatica’ (tiene muchas papeletas ‘Sine from Above’, del que Gaga ha anticipado vídeo oficial), se ha confirmado que Ariana Grande y Lady Gaga presentarán ‘Rain on Me’ en la ceremonia, como informa Billboard. Será la primera presentación en directo de la canción, por razones evidentes.

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En todo caso, cabe reseñar la manera en la que Gaga anunciaba la actuación: un vídeo en su Instagram en el que su imagen de tranquilidad, tomándose un chiquito de vinate en la puerta de su casa –en bata y zapatillas de estar por casa, literalmente– contrasta una máscara que la hace parecer algún tipo de Pokémon. Todo bien hasta que a la evolución de Articuno a ArtPop se le hincha la vena contra el «paparazzo» que la graba. Al menos no ha perdido sentido del humor. Otros artistas que han confirmado actuación en los MTV VMAs 2020 son los también nominados The Weeknd, BTS, Doja Cat, CNCO, Roddy Ricch, Maluma y J Balvin.

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I’ve been at home dreaming of #Chromatica, and it’s finally time to take off for the first live performance Tune in to the #VMAs on 8/30!

Una publicación compartida de Lady Gaga (@ladygaga) el 13 Ago, 2020 a las 11:58 PDT

Kylie Minogue, Lana Del Rey, Rihanna, Madonna, Katy Perry… en 10 fotos que no debiste perderte

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JNSP

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17 agosto, 2020

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Vuelve nuestra sección 10 fotos que no debiste perderte, dedicada a mostrar fotos y vídeos de nuestros artistas favoritos en las redes sociales que te gustará ver (o recordar, si ya las has visto). Hoy, descubrimos a Kylie Minogue como unidad de medida, Madonna «levitating» por su 62 cumpleaños, Lana Del Rey cazando ranas, Rihanna grafitera… y mucho más.

Los recuerdos de Saint Etienne

Aunque disponían de cuenta oficial de Instagram desde hace un par de años, el trío británico Saint Etienne era tirando a poco activo en dicha red social. Sin embargo, hace pocas semanas comenzaban a publicar de manera diaria alguna imagen de archivo de Sarah, Pete y Bob, que están rescatando de «cajas y cajas de fotografías, muchas de ellas nunca vistas, ni siquiera por nosotros». Prometen también vídeos e incluso invitan a remitir fotos del o con el grupo de las colecciones personales de sus fans para su publicación. Promete buen material.

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Post gig group hug on the Saint Etienne tour bus May 1998 #polaroid #goodhumor #bobpetesarah #likeamotorway #servicestaion #seveneleven #saintetienne

Una publicación compartida de Saint Etienne (@saintetienneofficial) el 10 Ago, 2020 a las 11:47 PDT

La distancia social de Tulsa

Ay, las giras, los conciertos… Son difíciles, cada vez más complicados… Pero haberlos, haylos. Siempre, eso sí, con las medidas higiénico-sanitarias pertinentes para la seguridad de todos, tal y como muestra Miren Iza en esta estupenda instantánea previa a un bolo suyo en Gijón, donde ocupa una de las «butacas» dispuestas para el públici, convenientemente distanciadas.

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Ya estamos. A la 13: 30 en el espigón de Fomento en Xixon. No os despistéis con la hora

Una publicación compartida de Tulsa (@tulsamireniza) el 14 Ago, 2020 a las 2:18 PDT

La promo de la gira británica de HAIM va… de culo

Y si los conciertos son complicados en tiempos de pandemia, no lo es menos la promoción de trabajos discográficos. Que se lo digan a Lady Gaga con su ‘Chromatica’, por ejemplo, o a HAIM que han publicado el muy notable ‘WIMPIII‘. Confinadas en su casa de Los Ángeles, el trío de hermanas recurre a todo tipo de tretas para que la gente se entere de que han publicado ese estupendo disco o que prevén presentarlo en una gira británica la próxima primavera. Y aunque sus divertidas coreografías son la gran estrella de sus propuestas –hacen tutoriales vía Zoom con cierta frecuencia–, no dudan en enseñar (con autocensura, eso sí) el culo para que nos enteremos. Luego piden perdón a papá y santas pascuas.

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HEY THERE UK, TICKETS ARE OFFICIALLY ON SALE U READY? tag your two (next) summer girls to take with you

Una publicación compartida de HAIM (@haimtheband) el 7 Ago, 2020 a las 2:09 PDT

Extraño encuentro: Arca y Yung Beef

Es bien sabido que la estrella internacional de la electrónica más audaz, Arca, reside en Barcelona desde hace unos años. Pero incluso así no deja de resultar chocante ver a Alejandra Ghersi, a la que hemos visto pinchando con Björk o Frank Ocean hace no tanto, rodearse igualmente de artistas del underground español como el rapero granadino Yung Beef. Y no solo eso: el hecho de que la foto esté tomada en un estudio de grabación y que el productor Ed Is Dead se sume a la misma, hace pensar que no es ni mucho menos descabellado pensar en una próxima colaboración, al estilo de la que ha perpetrado con Rosalía.

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ajá madrid @ricosuaveyatusabe

Una publicación compartida de (@arca1000000) el 13 Ago, 2020 a las 6:29 PDT

No todo es «sonrisa» en la vida de Katy Perry

Katy Perry está a puntito de publicar su nuevo álbum, ‘Smile’… pero también de dar a luz a su primera hija, fruto de su relación con el actor Orlando Bloom. Así que, aunque actúe en un globo aerostático virtual y haga vídeos llenos de payasadas (literalmente, no es un eufemismo ni una ofensa gratuita), en realidad está hecha polvo. Ella misma lo ha mostrado en esta foto en medio de una compra de achiperres propios de la maternidad, en la que transforma el sempiterno «popstar» que se le aplica en «poopedstar» («estrella hecha caca»).

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poopedstar

Una publicación compartida de KATY PERRY (@katyperry) el 6 Ago, 2020 a las 7:55 PDT

Rihanna, demasiado ocupada haciendo grafiti para sacar música

Otras estrellas, en cambio, no publican música ni a tiros pese a ser lanzamientos esperadísimos. Como notábamos hace unas horas, es el caso de Adele, que no sabe cuándo sale su disco, y el de Rihanna, que no lo ha perdido aunque bromee con la idea. La de Barbados asegura que no ha dejado la música… aunque lo parezca por su actividad en redes sociales, que va más allá de la promoción de sus productor cosméticos y de moda de su marca Fenty. Como muestra esta imagen, también le da al grafiti si se tercia. Y con mensaje político, además.

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art. #81days

Una publicación compartida de badgalriri (@badgalriri) el 14 Ago, 2020 a las 8:15 PDT

Lana Del Rey cazando ranas en Tulsa

Al contrario que las citadas en el párrafo anterior, la prolificidad no es precisamente un problema para Lana Del Rey: tras lanzar su audio-libro de poemas, ya está ultimando su nuevo álbum ‘Chemtrails Over the Country Club’, del que ya ha mostrado un fragmento del tema ‘Tulsa Jesus Freak’. Y en Tulsa, precisamente, es donde la retrataba días atrás su amiga y también artista Zella Day, tratando de capturar pequeñas ranas para intentar besarlos. No está claro si buscando cumplir el mito de la aparición de un príncipe azul… o probar las propiedades lisérgicas que, dicen, tiene la piel de algunos batracios.

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Lana catching frogs in Tulsa.

Una publicación compartida de Zella Day (@zelladay) el 5 Ago, 2020 a las 6:48 PDT

Caroline Polachek habla con los gansos

Lana no es la única artista fascinada con el mundo animal. Caroline Polachek subía días atrás una serie de vídeos de «interpretación vocal extrema» para su amigo A.G. Cook (muy probablemente con su masto´dontica obra ‘7G’ como destino): en ellos pasea por el parque imitando con su voz el sonido de algunas de las aves que por allí pululaban, quedándose estas verdaderamente picuetas. Incluso, por momentos, se diría que están manteniendo una conversación coherente.

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Extreme Vocal Set for @agcook404 7X7 Livestream now archived on youtube

Una publicación compartida de Caroline Polachek (@carolineplz) el 11 Ago, 2020 a las 10:17 PDT

Madonna celebra su 62 cumpleaños… «levitating»

Este pasado fin de semana Madonna ha estado celebrando su 62 cumpleaños. Lo ha hecho viendo cómo se publicaba su esperada colaboración con Dua Lipa en el remix que The Blessed Madonna ha realizado para ‘Levitating’, también con Missy Elliott metida en el ajo. Nos lo ha recordado cantándolo y bailándolo desde su habitación en el hotel de Jamaica donde ha ido con su novio y su troupe a pegarse un festorro. Y, quizá como un guiño a la canción, también se ha debido quedar «levitando»… después de ingerir las chucherías que rulaban en bandejas durante su onomástica.

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Welcome to Jamaica………. #birthday #leo @ahla_malik

Una publicación compartida de Madonna (@madonna) el 16 Ago, 2020 a las 7:48 PDT

A «1 Kylie» de distancia

No sabemos si se trata de un montaje o es real, pero de ser esto último, nos rendimos ante el responsable de la idea de traducir los sempiternos 1,5 metros de distancia social a «Kylies Minogues» como unidad de medida que alguien ha plasmado en esta imagen.

1 Kylie Minogue pic.twitter.com/ru7ACo31Ce

— Rae Johnston (@raejohnston) August 10, 2020

Tímida entrada de ‘WAP’, ya número 1 mundial, en el top 40 de JNSP

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17 agosto, 2020

Kylie Minogue continúa siendo lo más votado de JNSP por segunda semana consecutiva con ‘Say Something’, aunque ahora seguida por dos canciones de Taylor Swift, una de ellas con Bon Iver. Este último protagoniza una de las pocas entradas de la semana con su tema con colaboración casi inaudible de Bruce Springsteen. También entran Amaia, SG Lewis con Robyn y Chanel Tres, y Cardi B con Megan Thee Stallion, aunque hay que destacar que ‘WAP’ de Cardi B y Megan Thee Stallion llega al top 40 por los pelos, mientras es ya número 1 a nivel mundial en Spotify: ni lo nuevo de Drake ha podido con esta canción. Es el turno de despedirnos de ‘La fuerza’ de La Bien Querida, ya con 10 semanas de permanencia y en la mitad baja de la tabla. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top	Ant.	Peak	Sem.	Canción	Artista
1	1	1	3	Say Something	Kylie Minogue	Vota
2	7	2	3	cardigan	Taylor Swift	Vota
3	10	3	2	exile	Taylor Swift, Bon Iver	Vota
4	5	1	6	What’s Your Pleasure?	Jessie Ware	Vota
5	2	1	28	Physical	Dua Lipa	Vota
6	9	2	14	Save A Kiss	Jessie Ware	Vota
7	3	1	12	Rain On Me	Lady Gaga, Ariana Grande	Vota
8	11	5	21	In Your Eyes	The Weeknd	Vota
9	12	9	13	Watermelon Sugar	Harry Styles	Vota
10	8	2	37	Blinding Lights	The Weeknd	Vota
11	15	11	2	My Future	Billie Eilish	Vota
12	19	12	2	Something More	Róisín Murphy	Vota
13	4	1	21	Break My Heart	Dua Lipa	Vota
14	6	1	41	Don’t Start Now	Dua Lipa	Vota
15	18	6	11	TKN	Rosalía, Travis Scott	Vota
16	14	1	52	The Greatest	Lana del Rey	Vota
17	27	13	6	America	Sufjan Stevens	Vota
18	–	18	1	Nuevo verano	Amaia	Vota
19	22	20	6	Don’t Wanna	HAIM	Vota
20	13	1	24	Stupid Love	Lady Gaga	Vota
21	20	3	8	Blame It On Me	Melanie C	Vota
22	17	3	5	Love Me Land	Zara Larsson	Vota
23	30	19	3	Un día (One Day)	J Balvin, Dua Lipa, Bad Bunny, Tainy	Vota
24	24	16	4	Un gatito	La Bien Querida	Vota
25	36	20	10	La fuerza	La Bien Querida	Vota
26	21	1	8	¡Hoy no!	Mónica Naranjo	Vota
27	25	14	7	Mequetrefe	Arca	Vota
28	–	28	1	Impact	SG Lewis, Robyn, Channel Tres	Vota
29	16	8	4	Easy	Troye Sivan	Vota
30	26	15	8	Do It	Chloe x Halle	Vota
31	–	31	1	AUATC	Bon Iver	Vota
32	31	28	6	Bad Friend	Rina Sawayama	Vota
33	32	32	2	Who’s Laughing Now	Ava Max	Vota
34	33	26	6	Chicos transparentes	Algora	Vota
35	34	22	7	My Own Soul’s Warning	The Killers	Vota
36	35	19	5	Natalie Don’t	RAYE	Vota
37	–	37	1	WAP	Cardi B, Megan Thee Stallion	Vota
38	23	10	7	Corazón astral	Javiera Mena	Vota
39	39	39	2	I Know the End	Phoebe Bridgers	Vota
40	40	37	3	Start	Ellie Goulding	Vota

Candidatos	Canción	Artista
–	Video Game	Sufjan Stevens	Vota
–	Rooted	Ciara, Ester Dean	Vota
–	Sabotage	Catherine Anne Davies, Bernard Butler	Vota
–	Midnight Sky	Miley Cyrus	Vota
–	Laugh Now Cry Later	Drake	Vota
–	Hammond Song	Whitney	Vota
–	Thrill	Future Islands	Vota
–	Model Village	IDLES	Vota
–	All of the Feelings	Kiesza	Vota
–	Pecados capitales	Chlöe’s Clue	Vota
–	Don’t Call Again	Tkay Maidza, Kari Faux	Vota
–	want u back	joan	Vota
–	Experience	Victoria Monét, SG Lewis, Khalid	Vota
–	Wonderful	Burna Boy	Vota
–	Heat Waves	Glass Animals	Vota
–	Time to Walk Away	Washed Out	Vota
–	Sum Bout You	FKA twigs, 645AR	Vota

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Whitney / Candid

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17 agosto, 2020

De entre todos los grupos sobre la faz, Whitney es uno de los que pocos deseables en un disco de versiones, proyecto que suele ser tildado como holgazán por crítica y público. La banda de Max Kakacek y Julien Ehrlich (ambos ex Smith Westerns) ha explorado en sus dos álbumes hasta la fecha ‘Light Upon the Lake‘ y ‘Forever Turned Around‘ el folk de los 60, el soft-rock y el sonido Brill Buiding, así que tenía todo el sentido que dieran su propia interpretación de algunas de las canciones que les han influido o que han sido importantes para ellos. Ese parece el cometido de ‘Candid’, si bien la selección de las composiciones esconde algunas sorpresas.

El objetivo es claro cuando las canciones proceden de los años 70, como es el caso de los dos sencillos principales. Sus armonías vocales y la instrumentación clásica de Whitney son perfectas para la recuperación de un clásico perdido como es ‘Hammond Song’ del trío de hermanas The Roches, sobre la autorrealización de uno mismo frente a la dependencia del amor; y también para un clásico de John Denver, como es ‘Take Me Home, Country Roads’. Una melodía celestial que puedes canturrear después de una única escucha, dispuesta a acompañarte durante toda una vida. Waxahatchee está estupenda aportando las armonías vocales de una grabación que deja como curiosidad los primeros créditos de Kevin Morby como ingeniero de sonido, pues estaba confinado con ella al ser su pareja.

Los resultados también son maravillosos cuando Whitney tratan de hacer justicia a más canciones de aquellos tiempos como la que en 1972 nos hablaba de las virtudes de «reír» y «amar» y de los perjuicios de «llorar» y «mentir» (‘Crying Laughing Loving Lying’ de Labi Siffre). O cuando hacen parecer una canción de Damien Jurado de 2016 un tema que lleva escrito 50 años, algo que han conseguido cambiando los acordes del estribillo y añadiendo una «slide guitar» y un solo de trompeta a ‘A.M. AM’. Y más lejos van aún cuando la selección recurre a canciones que no pegaban tanto con este envoltorio.

La gran inesperada de ‘Candid’ es ‘Bank Head’. Ese bombo de la canción inicial de este álbum, que parece que contra todo pronóstico va a dar lugar a una remezcla techno (!!), procede de una producción de Kelela, en concreto una de las mejores de ‘Cut 4 Me’. El experimento, según un «track by track» que han compartido con prensa y fans, representa el sonido al que quieren conducirse en el futuro. Y también proviene del R&B ‘Rain’, un éxito muy moderado del grupo femenino de los 90 SWV que aquí han decidido mezclar con un tema de Jaco Pastorius, ‘Portrait of Tracy‘.

Otro trabajo de deconstrucción ha sido el realizado sobre el tema de ‘Strange Overtones’, una canción colaborativa de David Byrne y Brian Eno relativamente bailable que Whitney también han llevado a su territorio, en este caso con un protagonismo inusual del piano de Malcolm Brown en su parte final. Se trata de una composición que habla de la creación musical y que por tanto es una de las que mejor capta la esencia de ‘Candid’. Esta letra habla de «armonizar tonos raros», de «añadir un estribillo» a canciones que «lo necesitan» y de cambiar un tono si es preciso. Y no es que estas composiciones originales requirieran de mejora alguna. Es solo que es una gozada escuchar a Whitney recrearse en algunas de sus canciones favoritas, y aportándoles parte de su bellísima personalidad.

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘Hammond Song’, ‘Take Me Home, Country Roads’, ‘A.M., A.M.’, ‘Strange Overtones’
Te gustará si te gusta: Carole King, The Roches, Carpenters
Escucha: la versión de ‘Take Me Home, Country Roads’

Glasvegas confían en que hayamos reservado espacio para ellos siete años después

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17 agosto, 2020

Hace 12 años, Glasvegas debutaban con un celebrado álbum homónimo que aunaba ecos del pop de los 50, el muro de sonido de Phil Spector y el muro de ruido de sus compatriotas The Jesus and Mary Chain. Impulsados por un notable hype de la prensa británica, aquel disco del combo escocés se convertía en un sonado éxito de ventas sobre todo en Reino Unido, pero su repercusión llegaba mucho más allá: la mismísima Lady Gaga declaraba su amor por el grupo e incluso se mostraba accesible para una colaboración con ellos. Sin embargo, sus dos siguientes álbumes ‘Euphoric ///Heartbreak\\\‘ y ‘Later… When The TV Turns To Static‘ no lograron ni de lejos el mismo impacto comercial y parecían caer en el olvido para todos… excepto para ellos mismos.

Hace un par de días publicaban ‘Keep Me a Space’, su primer single nuevo en siete años, anticipo de ‘Godspeed’, un cuarto álbum cuya publicación se prevé (ahora de manera independiente, tras su paso por Sony y BMG) para abril de 2021. Una canción que, a tenor de lo escuchado, evoca su sonido original y parece esperar que, parafraseando el título de la misma, hayamos reservado un espacio para ellos. Aunque, en realidad, James Allan aclara en una entrevista con NME que es una canción inspirada por un primo al que estaba muy unido y al que no vuelto a ver desde que eran niños. No se refiere precisamente a su primo Rab (guitarrista) que junto con el bajista Paul Donoghue completa la formación de Glasvegas.

Allan también explica que el grupo no se ha ido nunca, y que si ‘Godspeed’ ha tardado en gestarse todos estos años es porque lo ha producido y mezclado él mismo, implicando el aprendizaje de técnicas de grabación, que ha desarrollado con un estudio portátil que le ha acompañado allí donde ha ido. En la misma charla con el rotativo británico, cuenta que las canciones de ‘Godspeed’ están unidas por la imagen de una persona que sale de su casa de noche y se lanza a conducir por calles y espacios vacíos que horas antes estaban repletos de vida. «Hay una especie de fe envuelto en ello, cierta desesperación, desesperación por experimentar ciertos sentimientos en tu vida. Hay confusión y búsqueda, y cualquier búsqueda implica fe», dice. Os dejamos con el audio de ‘Keep Me a Space’.

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