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‘Ya no siento nada’ puede ser la mejor canción de Alizzz en solitario

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Alizzz estrena hoy viernes su tercer single en solitario después de ‘Todo me sabe a poco’ y ‘El encuentro’ con Amaia. A espera de que anuncie algún tipo de proyecto mayor que ponga todos estos temas en contexto, y cuando quedan unas pocas semanas para que vea la luz ‘El Madrileño’ de C. Tangana, disco que ha producido, el cantante, compositor y productor de Barcelona vuelve a acertar con un tema estupendo que es hoy la «Canción Del Día» en nuestro site.

Más cercano a las texturas de post-punk ochentero de ‘Todo me sabe a poco’ que a las más sintéticas de ‘El encuentro’, pero de base rítmica casi tan animada como la del segundo, ‘Ya no siento nada’ es un tema desesperado, que puede recordar a Franz Ferdinand tanto como a Suicide, a Interpol tanto como a Joy Division, y que se sirve de guitarras y voces distorsionadas que apuntan a Sleigh Bells para crear un mundo triste, gris y distópico en el que Cristian huye de algo sin rumbo. «La huida es algo sobre lo que me gusta recrearme», cuenta el artista en nota de prensa. «Escapar significa no afrontar la realidad o dejarla en standby para más tarde. Todos sabemos que no es solución para nada, pero todos lo hacemos constantemente. Bloquear emociones y correr para delante. Hay algo de poesía en las burbujas o realidades alternativas que creamos, incluso en la hostia que nos espera cuando la ilusión se derrumba».

El vídeo de ‘Ya no siento nada’ ha sido producido por Little Spain y dirigido por Mariano Schoendorff, que explica su concepto de la siguiente manera: «La idea era situar a Alizzz en un lugar donde sentir algo fuese un privilegio inalcanzable, y castigado. “Ya No Siento Nada” narra la historia de un personaje alienado por el mundo que le rodea. Un personaje que vive drogado, dormido, y que sigue las pautas establecidas por la sociedad en la que vive – sin ser capaz ni tener el permiso para sentir nada. Hasta que un día una compañera de la fábrica en la que trabaja (Inés Coca) le despierta y le guía hacia una posible libertad – donde quizás sí esté permitido y se pueda sentir. Lo único es, que tal y como dice la canción, haga lo que haga, tome lo que tome, Alizzz ya no puede sentir nada, y convierte la búsqueda de ese último tiro en un ideal inalcanzable, con un final trágico».

Dua Lipa, en la «venganza de Tenacitas»

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Hoy viernes ve la luz la esperada reedición de ‘Future Nostalgia’ de Dua Lipa que incluye varios temas inéditos. Uno de ellos es ‘We’re Good’, elegido como single oficial de este lanzamiento. El tema, que fusiona pop, trap y reggae, es pegadizo, y aunque es obvio por qué no encajaba del todo en el álbum original, encierra sus posibilidades.

Dua lo sabe y, dispuesta a ser la reina de 2021 como ya lo fue de 2020, no ha sacado un videoclip cualquiera para ‘We’re Good’, sino uno que se cuela directamente en la lista de los mejores de su carrera. Quizá no era demasiado difícil porque hasta ‘New Rules’ los vídeos de Dua no empezaron a molar y ni siquiera el de ‘Don’t Start Now’ era bueno, pero el de ‘We’re Good’ es otra cosa.

Llevando más lejos si cabe el concepto de «nostalgia» de su segundo disco, y cuando digo lejos digo mucho más atrás de los años 80, en concreto a principios del siglo XX, Dua interpreta en el vídeo de ‘We’re Good’ a la cantante de un grupo de jazz que toca en el interior de un sofisticado restaurante de lujo. Sin embargo, la protagonista de la historia del vídeo no es ella, sino una simpática langosta que ve a sus compañeras de pecera ser convertidas en la cena de la velada, una a una. Un cambio de perspectiva que el vídeo explora a lo grande.

Adiós al pionero del jazz fusión Chick Corea, uno de los artistas más nominados a los Grammy de la historia

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Chick Corea, pionero del jazz fusión que ganó 23 premios Grammy, ha fallecido a los 79 años de edad en Tampa Bay, Florida a causa de un tipo raro de cáncer que padecía y que le fue diagnosticado recientemente. Su familia ha comunicado la noticia este jueves, si bien la muerte de Corea se produjo en realidad el pasado martes 9 de febrero.

Nacido en Massachussets, en el seno de una familia con orígenes en el sur de Italia, en los años 60 Armando Corea formó parte de la banda de Miles Davis, a través de la cual participó en el nacimiento del jazz fusión, y posteriormente publicó por su cuenta una serie de discos muy queridos entre los cuales se encuentran ‘Now He Sings, Now He Sobs’, ‘Return to Forever’, ‘The Leprechaun’, ‘Friends’, ‘Crystal Silence’ con Gary Burton o ‘Light as a Feather’, y otros con portadas bastante curiosas como las de ‘Tapstep’, ‘The Mad Hatter’ o ‘My Spanish Heart’. Aficionado al piano eléctrico, el músico tocó jazz, bebop, composiciones para niños o música de cámara, exploró la música latina y colaboró con Herbie Hancock, Bobby McFerrin, Stan Getz, Ray Davies y Paco de Lucía, entre muchos otros.

Además de haber influido a toda una generación de músicos de jazz, Chick Corea gozó de un enorme prestigio en las instituciones musicales, especialmente en los premios Grammy: Corea es, junto a Quincy Jones, Paul McCartney, John Williams, Henry Mancini, Stevie Wonder, Beyoncé, Kanye West o Jay-Z, uno de los artistas más nominados de la historia de los premios, con un total de 64 menciones, de las cuales ganó la cifra mencionada más arriba. En redes lamentan su partida artistas como Rosalía en los stories, o Bootsy Collins, Jacob Collier o Philip Bailey en Twitter.

El músico estadounidense dejó el siguiente mensaje antes de morir: «Quiero agradecer a todos aquellos a lo largo de mi viaje que han ayudado a que la música se mantenga encendida. Tengo la esperanza de que quienes tengan el deseo de tocar, escribir, actuar o hacer otra cosa, lo hagan. Si no es por ti, entonces por el resto de nosotros. No es solo que el mundo necesite más artistas, es también muy divertido. Y para mis increíbles amigos músicos, que han sido como una familia para mí desde que los conozco: ha sido una bendición y un honor aprender y tocar con todos vosotros. Mi misión siempre ha sido llevar la alegría de crear a cualquier lugar que pudiera. Haberlo hecho con tantos artistas a los que admiro ha sido la riqueza de mi vida».


Escucha lo nuevo de Django Django, Liz Phair, Sia, Hermanos Cubero con Christina Rosenvinge…

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Hoy viernes 12 de febrero llega al mercado la reedición de ‘Future Nostalgia’ de Dua Lipa, que incluye el single ‘We’re Good’, y también el disco de la película ‘Music’ de Sia. Otros lanzamientos de formato largo o corto destacados de la semana son los nuevos álbumes de Django Django, que acabamos de reseñar; slowthai, que puedes comentar en nuestros foros; Clap Your Hands Say Yeah!, Pale Waves, Robin Thicke o el EP de Rita Ora con Imanbek. También llega a las plataformas de streaming el audio del concierto que Amy Winehouse ofreció en el Shepherd’s Bush Empire de Londres en 2007, que ya había salido en DVD.

El single que abre nuestra playlist de novedades es ‘Ya no siento nada’ de Alizzz, que sigue la línea de ‘Todo me sabe a poco’ y ‘El encuentro’ con Amaia, y al que siguen temas destacados de Roosevelt, Las Dianas, Danny L Harle o la incursión folclórica de Christina Rosenvinge en ‘La rama’, de mano de los Hermanos Cubero, que precisamente acaban de colaborar con la autora de ‘Pero no pasa nada‘. Aunque la sorpresa del día la puede dar el remix locatis de ‘Friday’ de Rebecca Black con 3OH3!, Big Freedia y Dorian Electra. El tema original ha cumplido 10 años de existencia esta semana.

Aparte de la nueva versión de ‘Love Story’ de Taylor Swift que también puede escucharse desde hoy, puedes degustar también en nuestra playlist de novedades las nuevas propuestas de Ferran Palau, Buscabulla, Eddy de Pretto, Mia Doi Todd con Laraaji, Escuelas Pías, Vega Almohalla, Karol G, Anuel AA y J Balvin, Kelly Rowland o las dos propuestas de Blas Cantó para representar a España en Eurovisión. Si pensabas que esta era la peor noticia musical de la semana, espera porque a P!nk se le ha ocurrido sacar canción con su hija.

Taylor Swift estrena ‘Love Story’ y detalla la versión regrabada de su álbum ‘Fearless’

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Taylor Swift ha anunciado la versión regrabada de su segundo álbum, ‘Fearless‘. El disco, titulado ‘Fearless (Taylor’s Version)’, se compondrá de 26 canciones en total, incluidas 6 inéditas. El primer avance, ‘Love Story (Taylor’s Version)’, ya puede escucharse y es fiel a la grabación original, y el disco sale el 9 de abril, según las mayúsculas destacadas por la artista en su reciente comunicado, al modo de un mensaje encubierto.

Un adelanto de la versión ya había sido avanzado en un anuncio. En ese momento, Taylor aseguraba que las regrabaciones «no estaban listas» pero que estaba «trabajando duro» para que llegaran «pronto» a sus seguidores. Debajo de estas líneas encontraréis el tracklist de ‘Fearless (Taylor’s Version)’ disponible en la web de la artista.

Taylor había confirmado su plan de regrabar todos y cada uno sus álbumes publicados en Big Machine, de su debut a ‘reputation‘, por lo que queda descartado que la cantante pudiera haber decidido regrabar las más lucrativas y olvidarse del resto, lo cual era improbable dado lo celosa que es de su trabajo; o incluso planear algún tipo de lanzamiento en serie y dividido por temáticas.

Por otro lado, Taylor sigue triunfando con ‘evermore‘ y ‘folklore‘, top 7 y top 20 en el Billboard, respectivamente. De confirmarse la llegada de las regrabaciones, Taylor volvería a solapar una etapa discográfica con otra como ya ha pasado con los dos discos mencionados. Sin duda, se percibe a la artista comprometida con ofrecer contenido nuevo continuamente debido a la ausencia de conciertos. ¿Quién sabe qué disco habría sacado Taylror después de ‘Lover’ de no haber habido confinamiento?

1. Fearless (Taylor’s Version)
2. Fifteen (Taylor’s Version)
3. Love Story (Taylor’s Version)
4. Hey Stephen (Taylor’s Version)
5. White Horse (Taylor’s Version)
6. You Belong With Me (Taylor’s Version)
7. Breathe (feat. Colbie Caillat) (Taylor’s Version)
8. Tell Me Why (Taylor’s Version)
9. You’re Not Sorry (Taylor’s Version)
10. The Way I Loved You (Taylor’s Version)
11. Forever & Always (Taylor’s Version)
12. The Best Day (Taylor’s Version)
13. Change (Taylor’s Version)
14. Jump Then Fall (Taylor’s Version)
15. Untouchable (Taylor’s Version)
16. Forever & Always (Piano Version) (Taylor’s Version)
17. Come In With The Rain (Taylor’s Version)
18. Superstar (Taylor’s Version)
19. The Other Side Of The Door (Taylor’s Version)
20. Today Was A Fairytale (Taylor’s Version)
21. Bonus Track 1 (From The Vault)
22. Bonus Track 2 (From The Vault)
23. Bonus Track 3 (From The Vault)
24. Bonus Track 4 (From The Vault)
25. Bonus Track 5 (From The Vault)
26. Bonus Track 6 (From The Vault)

Ariana Grande, Doja Cat y Megan Thee Stallion, noche de chicas

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Ariana Grande ha triunfado con ‘positions’ pese a la pérdida de cierto fuelle desde los dos discos inmediatamente anteriores, ‘sweetener‘ y ‘thank u, next‘. Conociendo a la cantante, lo mismo podría sacar un disco totalmente nuevo en 6 meses o, como mínimo, un tema completamente inédito para una era futura. Pero no.

Tras llegar al millón de discos con este lanzamiento, la cantante va a reforzar ‘positions’ empeñada en hacer de él un álbum tan exitoso como los anteriores. Es por eso que esta noche ha tuiteado lo que era un rumor entre sus foros. En los mismos se decía que Ari había programado la edición deluxe de ‘positions’ en torno al 14 de febrero, Día de los Enamorados, y ahora la cantante confirma que tal cosa sale este mes. Finalmente se había anunciado que el vídeo del remix de ’34+35′ salía hoy 12 de febrero, y efectivamente ya está disponible en Youtube; y el 19 de febrero saldrá la edición deluxe de ‘positions’.

El vídeo del remix de ’34+35′ no está nada inspirado en la estética de la ciencia ficción, como el original, sino que sitúa a las tres protagonistas en el interior de un hotel de lujo, en el que celebran una noche de chicas, champán en mano.

Como se puede apreciar en la imagen compartida, la nueva edición de ‘positions’ incluirá el conocido remix de ’34 +35′ con Doja Cat y Megan Thee Stallion, junto a otras 3 canciones de nombre breve que suponemos inéditas y una misteriosa pista 15. El nombre de este último corte es más largo, por lo que se desconoce si podría ser un remix de un tema ya conocido, un featuring o simplemente un tema de nombre más largo. A la espera de más información, recordad que podéis visitar y registraros en nuestro foro de Ariana Grande.

Django Django / Glowing in the Dark

Con la tontería, Django Django llegan a su cuarto disco convertido en un grupo aún muy querido, si bien no consolidado del todo comercialmente. La ausencia de conciertos, que tanto se está cebando con los artistas independientes, promete afectar al futuro de esta banda de Londres que se dio a conocer con un excelente primer disco que fue nominado al Mercury Prize para después explorar su sonido de pop alegre y psicodélico en los siguientes trabajos ‘Born Under Saturn‘ y ‘Marble Skies‘. De hecho, el tema final de ‘Glowing in the Dark’ alude a una despedida usando el pronombre de primera persona del plural, que esperemos no sea un aviso: «nos lo hemos pasado muy bien, pero ahora tenemos que irnos».

En una entrevista con Dave que publicaremos próximamente, el cantante de Django Django reconoce sin tapujos que ‘Glowing in the Dark’ es un trabajo continuista de sus discos previos, lo cual es cierto. En este caso es interesante comprobar de qué maneras Django Django miman su fórmula o la llevan tímidamente a nuevos lugares: el álbum se abre con ‘Spirals’, un tema de rock psicodélico de cinco minutos que es posible emparentar con ‘Let it Happen‘ de Tame Impala por lo épico y por el sonido de sus sintetizadores cósmicos; prosigue con la saltarina ‘Right the Wrongs’, una canción de surf-rock de dos minutos que Django Django pueden haber hecho mil veces, pero que les queda especialmente mona y memorable; y más adelante sorprende con ‘The World Will Turn’, un corte de folk-pop pastoral, muy Simon & Garfunkel aunque quede fácil decirlo, que busca ser clásico incluso en lo lírico: «aunque mi vida es mía, esta se para cuando te vas».

Django Django no son conocidos por sus letras complejas o profundas, y ‘Glowing in the Dark’ no es un disco para escuchar libreto en mano. En absoluto. A menudo los textos buscan inspirar de manera vaga, como el de ‘Headrush’ («toma el control, no eches leña al fuego») o el de ‘Waking Up’ («nuestro hogar es la carretera que se abre ante nosotros») y en otros las metáforas cósmicas parecen escritas con una guía de este tipo de textos en mano («flotamos cada vez más arriba, damos vueltas cerca del sol»). En definitiva, no esperes hondura en un disco de Django Django: en este caso las letras sirven ni más ni menos que de vehículo para las voces de los intérpretes, incurren en clichés intercambiables los unos con los otros y son lo menos importante de todo. Algo que la propia banda reconoce. En declaraciones a este mismo medio: «Las letras son importantes, pero en nuestro caso son secundarias. Cuando escribimos, las letras es lo último de lo que nos preocupamos».

Entendido este dato, la música de ‘Glowing in the Dark’ es lo que realmente llama la atención por lo variado de la paleta sonora. Sí, Django Django siguen aficionados a los armonías tipo Beach Boys (¿es la portada un homenaje a la de ‘Surf’s Up’?), pero su interés en el pasado se refleja de otras maneras en el largo, por ejemplo, en ‘Got Me Worried’, que con su trotón ritmo que parece imitar el de un tren en marcha, recuerda involuntariamente, y para bastante bien, a ‘Walk Like an Egyptian’ de las Bangles, y el grupo tampoco ha dejado atrás la influencia de la música electrónica en su sonido, que tan importante ha sido en la vida de un Dave que lleva pinchando en clubs desde principios de los años 90. ‘Free from Gravity’, que el grupo no pretendía adelantar porque no percibía su potencial como sencillo, cuando es uno de lo más adictivos que ha escrito, es uno de esos temas de pop electrónico que tan bien se le da; el tema titular es bailable y pegadizo; y, más sorprendentemente, ‘The Ark’ viaja a los tiempos del acid y del jungle para sonar como una especie de Les Baxter psicotrópico.

Quizá la mayor sorpresa de ‘Glowing in the Dark’ la da en realidad la colaboración de Charlotte Gainsbourg en ‘Waking Up’. Django Django y Charlotte comparten sello, los primeros necesitaban una segunda intérprete para la canción porque la veían incompleta, le propusieron a la cantante colaborar y ella aceptó. ‘Waking Up’ absorbe completamente la personalidad de Charlotte (guitarras acústicas, sonido pop-rock) en una canción de Django Django (esa melodía de ecos western) y queda una canción de lo más mona. Menos suerte tienen los británicos cuando coquetean con la música disco más orgánica (‘Kick the Devil Out’) o cuando se repiten en el rock surfero que llevan haciendo toda la vida (‘Night of the Buffalo’), pero ‘Glowing in the Dark’ vuelve a ser otro buen disco de Django Django. Es momento de exigir más, pero tampoco se puede decir que el grupo esté estancado.

Sufjan Stevens cuenta con Luca Guadagnino para su nuevo vídeo

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‘Tell Me You Love Me’ no es uno de los temas de ‘The Ascension‘ de Sufjan Stevens que más nos habían gustado, pero el cantante estadounidense lo ha escogido para seguir promocionando su último disco, uno de los mejores de 2020; y ha contado para su vídeo con nada menos que la dirección de Luca Guadagnino, director de ‘Call Me By Your Name‘ -película para la que Sufjan compuso e interpretó dos canciones originales, una de las cuales obtuvo una nominación a los Oscar- y recientemente de la serie ‘We Are Who We Are‘, según mi compañero Fernando García un «prodigioso retrato generacional».

En nota de prensa, Guadagnino ha compartido las siguientes palabras sobre el vídeo de ‘Tell Me You Love Me’: «El doloroso sentimiento de amar y de querer ser amado, el misterio de los cuerpos que chocan entre sí, los aspectos más espeluznantes de la naturaleza, la sublime poesía musical y la voz de Sufjan… todo esto ha formado parte de este vídeo que estoy orgulloso de haber hecho con otros dos grandes artistas como son Alessio Bolzoni y Celia Hempton».

Acorde al sonido de este tema downtempo, de luminosos coros y destellos electrónicos, el vídeo alterna imágenes de personas realizando movimientos de danza interpretativa en el suelo, con otros de paisajes naturales y de pinturas hechas en acuarela.

«No te vayas al baño, quédate una más»: el hit disco de SG Lewis con Nile Rodgers

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S.G. Lewis es el proyecto electrónico del británico Sam Lewis que en los últimos tiempos has escuchado en compañía de gente como Clairo, Aluna o Rhye. Especialmente llamativa, aunque no haya sido su mayor hit, fue la colaboración con Robyn y Channel Tres en ‘Impact’. A una semana de tener entre manos su disco de debut, que seguro que interesa a seguidores de Disclosure o Totally Enormous Extinct Dinosaurs, es decir, bebe del electrohouse y el techno pero desde una perspectiva pop, recomendamos su nuevo single, llamado ‘One More’. Foto: Charlie Cummings.

En este caso se trata de una colaboración con Nile Rodgers. El miembro superviviente de Chic que tanto queremos por aquí deja su impronta de manera clarísima a la guitarra eléctrica, entregando su típica secuencia de acordes disco, la que escuchamos en clásicos de los años 70 como ‘Le Freak’. SG Lewis ofrece además una historia sencilla pero poco común e irresistible: la letra es una súplica para que alguien se quede a bailar una más en la pista, destacando el uso de las palabras «bathroom stall», que puede significar de «urinario» a «cabina de baño», según nos convenga. Sam trata de retenerte compitiendo con sexo y/o drogas: «Sé que no puedes quedarte para siempre / ya sé que tienes amigos en el baño / llevo queriendo hacer esto desde que te conozco / ¿no nos podemos quedar una más?».

Universal facilita a la prensa una declaración de Nile Rodgers, no sobre lo del baño, sino sobre la colaboración con Lewis: «SG y yo llevamos trabajando un par de años en mi segunda casa, Abbey Road. Me encanta lo natural y guay que es la canción. Los increíbles Julian Bunetta y John Ryan han compuesto la canción con nosotros ¡y la han bordado!”. Por su parte, SG Lewis aporta: «‘One More’ fue la primera canción que compuse para el disco en Los Ángeles, la que dio pie a hacer el resto del álbum. Trabajar con Nile Rodgers ha sido una experiencia que se quedará conmigo toda la vida porque poder contar en esta canción con la persona que ha influido no solo en este disco, sino en toda mi carrera, es flipante”.

El álbum se llama ‘times’ (sic) y, a falta de pistas de baile y conciertos, se presentará con un evento online: “Cuando comencé a hacer el disco me imaginaba los momentos que se crearían con mi público al tocarlo en directo. Esperaba que la música serviría de banda sonora para la celebración y para ayudar a crear recuerdos que durasen siempre. Nos encontramos en una situación muy diferente en 2021, la perspectiva del disco que albergaba en mi cabeza ha cambiado totalmente. Mientras muchos esperamos que llegue el día en que las cosas regresen a la normalidad, he visto la oportunidad de crear recuerdos juntos, sin importar cuáles sean las circunstancias actuales. Estoy entusiasmado de poder compartir esto con todos vosotros. Esta experiencia llevará a vuestras casas un espectáculo de un modo que sería completamente inviable en concierto alguno en el mundo real, y podréis sumergiros en el universo del tiempo. Espero que os pueda aportar una vía de escape y euforia. ¡Vayámonos de fiesta!».

Destino Eurovisión, el 20 de febrero: la fácil hazaña de mejorar ‘Universo’ con ‘Memoria’ y ‘Voy a quedarme’

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Blas Cantó ha estrenado ‘Memoria’ y ‘Voy a quedarme’, sus dos apuestas para representar a España en Eurovisión, de las cuales una será elegida por el público en una gala llamada ‘Destino Eurovisión’ que se celebrará el 20 febrero. Se sabía que Blas presentaba una canción animada y una balada, y que ninguna de las dos se iba a parecer a ‘Universo’. Puedes votar por tu favorita en la web de RTVE.

La canción animada, la que francamente más posibilidades tiene de ir a Países Bajos el próximo mes de mayo, es ‘Memoria’, que parece haber cogido los acordes de ‘Wake Me Up’ de Avicii (y mil canciones más) para llevarlos a otro lugar gracias a la producción de Oliver Som (no confundir con Oliver Sim; el cantante de The xx no está metido en el ajo). El tema, que habla de una persona a la que Blas no puede quitarse de la cabeza a pesar de que esta pasa de él, sorprende no para muy mal, como lo hacía ‘Universo’ por culpa de su composición frankensteiniana, horripilante; sino para más o menos bien, al recordar a los ritmos de «radio pop» ochenteros de gente como Jack Antonoff. En concreto, ‘Memoria’ nos lleva a su trabajo en Bleachers, pero también a algunas de sus producciones para Taylor Swift o Carly Rae Jepsen. Por lo menos se decide en ser una sola cosa, no tres a la vez, aunque no tiene pinta de calar muchísimo.

Lo mejor que puede decirse de ‘Voy a quedarme’, por otro lado, es que promete crecerse en directo, porque la grabación de estudio no termina de hacerla relucir. Las cuerdas no terminan de decidirse entre brillar o no, optando por un segundo plano; y los coros «pa pa pas» no suenan nada apetecibles cuando debería suceder lo contrario. Es el baladón meloso de rigor de Blas Cantó, y aunque por una milésima de segundo parece que el tema va a convertirse en una balada setentera atemporal, lo cierto es que nunca lo hace. Al final, ‘Voy a quedarme’ cae en el típico drama forzado de siempre, falsete incluido que, de ser este el tema eelgido, puede ser un desafío para Blas reproducir en el escenario. Los dos temas son mejores que ‘Universo’, ¿pero acaso puede considerarse eso un mérito?

¿Qué te han parecido las súper apuestas de España para Eurovisión?

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Celeste / Not Your Muse

Singles inapelables como ‘Stop This Flame’, ’Tonight Tonight’ y ‘Love Is Back’ han llevado a pensar en Celeste como un nuevo eslabón de la cadena que hermana pop contemporáneo con maneras del soul y el rhythm & blues clásicos, de la que (con mayor o menor rotundidad/éxito/calado) forman parte nombres como Amy Winehouse, Adele, Duffy, Emeli Sandé o Sam Smith. No es en absoluto descabellado hacerlo (aunque sí facilón), pero esta californiana crecida y educada en Reino Unido no se queda en eso, y es precisamente lo que hace ver en ella a una artista con una proyección de futuro mucho más allá de un hype pasajero.

Porque el pop de Celeste Epiphany Waite destaca sobre todo por nutrirse de la influencia de nombres canónicos del soul como Billie Holiday, Nina Simone, Otis Redding o Louis Armstrong (“Estaba escuchando canciones de amor que nadie escucha ya”, canta descriptivamente en ‘Tonight Tonight’). Y no solo por sus cuidados arreglos de hechuras clásicas pero perfectamente vibrantes y contemporáneos, en los que Jamie Hartman (Rag’n’Bone Man, Lewis Capaldi, Louis Tomlinson) da una auténtica lección en la materia, a la altura de un Mark Ronson.

Y es que, al contrario de lo que sucede con varias de las artistas contemporáneas mentadas en el primer párrafo (excluyendo a Winehouse pero no del todo a Adele), ese irrefrenable espíritu bailable que desprenden sus hits –más, rayando a una altura semejante, ‘Tell Me Something I Don’t Know’– no es lo mejor de la propuesta neo-soul de Celeste. En su caso, las baladas y medios tiempos no son meros fillers que equilibran con más o menos habilidad el disco, sino que tienen un peso específico evidente y se convierten en auténticos hitos en su secuencia.

La Celeste de ‘Strange’, la majestuosa balada que la dio a conocer de una manera más profunda, es parte fundamental de ‘Not Your Muse’, hasta el punto que es esa faceta la que abre el álbum, enlazando la bonita ‘Ideal Woman’ con la versión editada (esquilma un tercer verso) de su primer hit. Y, cuando reaparece, lo hace de manera imponente: los vaivenes de intensidad del corte que da nombre a este debut sobrecogen (muy especialmente en el subidón final), mientras que ‘Beloved’ arrulla como una balada romántica cuyo fondo musical parece emerger de un viejo disco de pizarra y la sencillez atemporal de ‘A Kiss’ (increíble demostración vocal, de lo tímido a lo volcánico) y ‘A Little Love’ (que bien podría convertirse en un futuro clásico navideño) desarman. Hasta se permite el lujo de cerrar su debut con el tragicómico (esos “hello”s a modo de autoeco aligeran el drama) número acústico ‘Some Goodbyes Come with Hellos’. Es esa tesitura, en la que la instrumentación se torna más orgánica y natural, la que hace que la voz de Waite, con sus imperfecciones, sus suspiros y sus desgarros, se convierta en algo único y reconocible.

Cierto es que, tras muchos vaivenes e indecisiones sobre el tracklist final, Celeste (y la multinacional que la cobija) parece haber apostado por lo seguro. Y al margen de unas letras algo genéricas –que, pese a estar escritas con honestidad, tienen margen para llegar más lejos–, apenas ‘The Promise’ resulta algo más aventurada que la media, integrando jazz y psicodelia (es de los pocos temas que admiten una comparación con su valedor, Michael Kiwanuka). En ese sentido, el debut de Waite se antoja como un claro punto de partida desde el que crecer y expandirse (de hecho, una pista inequívoca es el nutrido disco extra de su edición deluxe, que recupera números menos inmediatos pero muy interesantes de su profusa discografía, incluyendo su tema para el último estreno de Pixar, ‘Soul’). Pero es difícil imaginar mejor posición para evolucionar que con unas raíces firmes que, además, sean compensadas con un éxito inapelable, como es el caso. No nos engañemos: siempre es una gozada que un disco tan bonito, cuidado y emocionante alcance el número 1 de ventas en un mercado tan disputado como el británico. Es de esas veces en las que no da rubor decir que ha nacido una estrella.

Crítica: ‘Up’ es otro cachondo single de Cardi B

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Cardi B ha callado bocas este último año con ‘WAP‘, su single con Megan Thee Stallion, que ha arrasado y batido récords (sobre todo en Estados Unidos) justo cuando la rapera más lo necesitaba. Sí, ‘Money’ es un macrohit en las plataformas de streaming, pero ‘Press’ se ha quedado muy lejos de sus cifras, y en ningún caso estos singles han igualado la repercusión alcanzada por ‘Bodak Yellow’ ni mucho menos el éxito internacional de ‘I Like It’.

Con ‘WAP’, que de haber salido en España, llevaría por título algo como «Tengo el chocho mojado», Cardi ha terminado de llevar su discurso por el camino de lo abiertamente grosero y soez y, como inspirándose en el repertorio de cupcaKke, ha hecho una canción que las radios americanas pueden censurar en un 95% más o menos. No sorprende, por tanto, que el single siguiente continúe su fórmula. Lanzado medio año después de ‘WAP’ de manera astuta por parte de Belcalis Almanzar pues el tema no ha necesitado apoyarse en absoluto en el lanzamiento de un disco para triunfar, ‘Up’ es la típica canción que si arrasa porque así lo ha decidido la audiencia, tú te unirás al enemigo sin rechistar porque no es mala, pero que si fracasa estrepitosamente tampoco se acabará el mundo.

Al principio, la base de rap con piano (o lo que suena vagamente como un piano) de ‘Up’ recuerda a la de ‘Money’ y, por defecto, a la de ‘HUMBLE.‘ de Kendrick Lamar, tema copiado recientemente también por Iggy Azalea en ‘Sally Walker’; pero luego el bobo estribillo «if it’s up, then it’s up, then it’s up, then it’s stuck» se pega lo suficiente como para que cualquier parecido con singles pasados deje de importar. Cabe mencionar que el tema ha sido acusado de plagio por el dúo Mir Pesos y Mir Fontane a pesar de que la expresión «if it’s up, then it’s up» es de uso común en el sur de Estados Unidos. En cualquier caso, los cencerros de la base de ‘Up’ son totalmente ochenteros y evocan la suciedad del underground neoyorquino (Cardi es oriunda del Bronx), por lo que estamos ante una producción de hip-hop bastante clásica en realidad, en la que Cardi vuelca su personalidad como solo ella sabe.

Y lo que Cardi sabe hacer, mejor que cualquier otra cosa, en mi opinión, es dar con frasecillas memorables que se quedan a la primera, que te dejan con cara de circunstancia por lo absurdo o por lo ordinario. La rima «bitches say they fuckin’ with me, chances are they probably not» con «if I had a dick, you’d probably lick it like a lollipop» es demasiado sonora como para tener en cuenta que Cardi repite el mismo adverbio dos veces en un mismo verso; y de alguna manera la artista consigue que una frase como «el aliento de esa pava huele a sexo de caballo» funcione en el contexto de una canción. Visto lo visto, el segundo disco de Cardi B tiene pinta de que va a ser muy divertido.

¿Puede Mafalda hacernos olvidar su título de princesa con su voz?

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Las cosas se han puesto más interesantes para Mafalda desde que se ha pasado al castellano. La joven de 26 años nacida en Londres pero de origen español y búlgaro publicaba en 2019 un EP de debut con títulos como ‘Hate Me Right’ y ‘Madness’ que, con algún ritmo de tropical house y una base de minimalismo electrónico, sonaba cercano a gente como London Grammar y Reyko. Hay quien puede establecer alguna conexión con el «bedroom pop», aunque hay que matizar que su «bedroom» puede ser más grande que la tuya, pues ella, en verdad, es princesa. Y no hagas pucheros: ¿por qué Estefanía de Mónaco pudo ser top 1 en España en julio de 1986 y ella no? Foto: Querida.

A lo largo de los últimos 2 años hemos visto a Mafalda aparecer, por eso, en páginas como Vanity Fair, con el irresistible gancho de (más o menos) «princesa de origen búlgaro actúa en tugurio de Madrid». ¿Cómo no picar? Su nombre completo es Mafalda Sajonia-Coburgo-Gotha y Nadal, es nieta del rey Simeón de Bulgaria e hija de Kyril de Bulgaria y Rosario Nadal, de la cual procede su origen medio español.

Su producción musical parece estar refinándose con el paso de los años, en la producción ejecutiva de sus lanzamientos encontramos mencionado a Alizzz, mano derecha de C. Tangana y compañero de Amaia en ‘El encuentro’, y cada vez las composiciones suenan un poquito menos a Eurovisión y un poco más afiladas. Corría el mes de noviembre cuando publicaba su primer single en castellano, ‘Decir adiós’, y a pesar de que los números aún son tímidos, su música fluye de manera más natural, y los ganchos están ahí. De «no es nada fácil» a «no sé decir adiós» pasando por «pensé que sería tuya».

Su última composición ha sido ‘Así lo hago yo’, un medio tiempo escrito en Los Ángeles con Carola Rosas y Dani Sobrino, producido por el americano Oscar Free y el andaluz Tunvao, de nuevo con la producción ejecutiva de Alizzz, y masterizado por John Greenham (Billie Eilish, Cautious Clay). Quizá la composición se pierda entre tantísimo renombre, pues no puede ser más modesta y post-adolescente en ese no esperar una llamada y en su manera de olvidar y dejar atrás a una persona, pero su voz tiene cierta textura aterciopelada, confortable y cercana como un susurro, en un timbre próximo a Leslie Feist, Jessie Ware o Sandra Delaporte. Si ese va a ser su registro en vivo, puede que entonces nos olvidemos de mencionar lo del palacio.

Revelación o Timo:

‘Small Axe’: ¿puede ser el capítulo de una serie la mejor película del año?

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‘Small Axe’ (Movistar+), título que hace referencia a la canción de Bob Marley, es una miniserie de cinco episodios, cinco historias independientes unidas por un tema común: la vida de la comunidad afrocaribeña en el Londres de los 70 y 80, y su lucha contra el racismo de la sociedad británica. Sin embargo, uno de sus capítulos, ‘Lovers Rock’, ha recibido nominaciones en los premios de las asociaciones de críticos de Nueva York, Chicago o Los Angeles dentro de las categorías cinematográficas: película, director, fotografía, banda sonora…

¿Es el momento de romper con esas barreras taxonómicas? ¿Hay que empezar a considerar que un capítulo de una serie, como pudo ser en su día el piloto de ‘Twin Peaks’, el ‘Ozymandias’ de ‘Breaking Bad’ o algunos de los primeros de ‘Black Mirror’, pueda ser valorado como la mejor película, dirección, interpretación… del año?

La industria y el consumo audiovisual han cambiado. ¿Por qué no los premios? Si una película estrenada directamente en una plataforma de streaming ha dejado de ser considerada un mero telefilme, ¿por qué un capítulo de una serie, que en muchos casos se estrena en festivales de cine (‘Small Axe’ estuvo seleccionada para Cannes) e incluso en salas comerciales, no puede competir como una película en los premios cinematográficos de la temporada? De hecho, viendo por dónde van los tiros este año en los Oscar, qué títulos van a estar entre los siete u ocho nominados, ‘Lovers Rock’ podría perfectamente estar entre ellos.

¿Y por qué ‘Lovers Rock’ y no los demás episodios de ‘Small Axe’? Porque es una excepción en la serie, un verso libre en medio de los férreos códigos del cine político en los que se mueven el resto de los capítulos. El primero, ‘El Mangrove’, es una eficaz cinta de denuncia que recrea el caso de nueve activistas afrocaribeños juzgados por manifestarse “violentamente” en Notting Hill en 1970. Un drama judicial atractivo y revelador pero no demasiado sutil, perjudicado además por su semejanza con la superior ‘El juicio de los 7 de Chicago’.

El tercero, ‘Rojo, blanco y azul’, narra los complicados inicios en la policía de Leroy Logan, uno de los primeros agentes negros que hubo en Londres. Es una mezcla muy equilibrada entre drama familiar y procedimental policial, que se beneficia de la estupenda interpretación de John Boyega. El cuarto, ‘Alex Wheatle’, es quizás el más flojo de los cinco. Lo que cuenta es interesante: el proceso de toma de conciencia política e identitaria del desarraigado escritor y dj londinense Alex Wheatle, condenado a prisión por los disturbios de Brixton de 1981. Pero está contado de forma bastante convencional y protagonizado por un personaje demasiado desdibujado.

El quinto, en cambio, tiene una enorme fuerza dramática. Bajo su aparente ligereza -un pequeño relato sobre un niño disléxico condenado por el sistema educativo a recibir una educación “especial”- ‘Educación’ presenta una valiosa y emotiva historia, con tintes autobiográficos (el director, Steve McQueen, tuvo problemas de aprendizaje en su infancia), de lucha comunitaria, denuncia social y amor maternal.

Pero, ¿y el segundo? ¿Por qué es tan especial ‘Lovers Rock’? Principalmente, por su extraordinaria libertad creativa. La historia es mínima: el inicio de un romance durante una multitudinaria fiesta privada. Pero su alcance dramático, político y sensorial es enorme. Bastan dos largas secuencias, dos bailes catárticos -uno más femenino, al ritmo de ‘Silly Games’ de Janet Key, y otro más masculino, con el ‘Kunta Kinte Dub’ de The Revolutionaries-, los dos filmados a través de una puesta en escena que parece fundir al espectador con los danzantes, para que el discurso del director –tanto la denuncia de la discriminación racial o del machismo de la comunidad afrocaribeña, como la celebración de su identidad y su cultura- llegue al público sin necesidad de subrayarlo ni verbalizarlo. La música y el baile como creadores de atmósferas y generadores de significado. 8,5.

Amaia canta a la «efímera» alegría junto a los Hermanos Cubero

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Hace unos días recordábamos el álbum desolador, sobre la muerte, ‘Quique dibuja la tristeza’ de Los Hermanos Cubero, pues fue una de las recomendaciones imprescindibles de Alexanderplatz. El grupo tiene un nuevo disco en camino llamado ‘Errantes telúricos’ que sale el 19 de febrero y en él han colaborado con varios artistas, como Grupo de Expertos Solynieve, Hendrik Röver, Carmen París, Rodrigo Cuevas, Josele Santiago, Christina Rosenvinge y Amaia.

Radio 3 ha venido presentando algunos de estos temas, amén de los que se han subido a las plataformas de streaming, como ‘La rama’ junto a Christina Rosenvinge, que ha salido hoy, grito final incluido. Y esta mañana ha sido el turno de ‘Efímera’, la colaboración de Amaia, que a nadie sorprenderá si recordamos que ella ya apareció cantando en algunos conciertos de los Hermanos Cubero. La colaboración puede escucharse en este podcast a partir del minuto 55. Ha contado Roberto Ruiz Cubero en Radio 3: “Estuvimos con ella, ensayamos el tema y todo muy guay: las 3 voces en estribillo encajan perfectamente y hay una especie de química musical que mola mucho”.

Amaia vuelve con esta canción que habla de «suspiros» y «alivios», de lo «efímero» de la alegría y de la «permanencia del dolor», a un registro más clásico tras haber triunfado moderadamente con Alizzz en ‘El encuentro’, un tema que supera ya los 7 millones de reproducciones en Spotify, por lo que debe de estar certificado como disco de oro pese a no estar ya en el top 100 oficial en España.

Elliot Mazer, el hombre que ayudó a sonar «vivo» ‘Harvest’ de Neil Young

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En las últimas horas se ha conocido el fallecimiento de Elliot Mazer, el productor a cargo de algunos de los mayores clásicos del folk-rock de la historia. Trabajó con Janis Joplin, Linda Ronstadt, ocasionalmente con Bob Dylan y, de manera significativa, con Neil Young. Mazer fue el productor de algunos de los grandes álbumes clásicos de Neil Young, como el recopilatorio triple ‘Decade’ en 1977 o ‘Harvest’ en 1971.

Esto último significa que Elliot Mazer fue el productor de algunas de las canciones más conocidas de toda la discografía de Neil Young, como es el caso de esa grabación que derrite carámbanos, ‘Heart of Gold’, y ‘Old Man’. Era además un álbum muy rico en sonoridades, que incorporaba a la Orquesta Sinfónica de Londres en dos de las pistas, ‘A Man Needs a Maid’ y ‘There’s a World’. Pero Elliot Mazer, que hasta hace pocos años ha concedido multitud de entrevistas sobre técnicas analógicas y digitales de producción, daba especial importancia a las tomas en directo en el estudio de grabación. En ‘Harvest’ hay un tema directamente extraído de un concierto de unos meses antes, ‘The Needle and the Damage Done’, con aplausos y todo, y tras él, las guitarras rugen en ‘Words (Between the Lines of Age)’ como si hubieran sido también grabadas en vivo.

Esto comentaba en una entrevista con TapeOp hace unos años: «hay una señal en el estudio de Neil Young que dice: «sé enorme o vete». Creo que Tim Mulligan la puso ahí hace tiempo, y Tim ha estado con Neil durante muchos, muchos años, haciendo un trabajo maravilloso. Conseguir una gran toma de una canción que mole es lo más importante. Y mi objetivo es grabar todo lo que sea posible en directo en el estudio. La manera más fácil de lograrlo es hacer que la sesión original sea lo más completa posible. Neil Young graba todo en directo en el estudio. Si el ingeniero distorsiona su voz y la toma es buena de otro modo, la canción puede salir con la voz distorsionada. A la gente le gustan las «grabaciones en serie» y hay discos maravillosos hechos así también. Para mí, la regla número 1 es que no hay reglas».

Elliot Mazer había formado parte en los años 60 de un grupo llamado Area Code 615 que consistía en 9 músicos de Nashville y el productor. Algunos de esos músicos tocaron en ‘Blonde on Blonde’ de Bob Dylan. Llegaron a sacar 2 discos y Mazer contaba que Bob Dylan le había preguntado en Woodstock por qué solo tenían una versión suya y dos de los Beatles (‘Hey Jude’ y ‘Lady Madonna’), tras oír su adaptación de ‘Just Like a Woman’. A George Harrison le gustaba la banda y fue también esta la que provocó que Neil Young se interesara por el proyecto. «La banda de ‘Harvest’ consistió en músicos con los que yo había trabajado previamente. Conocí a Neil la noche antes de empezar. Había escuchado hablar de Area Code 615 y quería ver cómo encajarían con él en el estudio. Ese disco se hizo en vivo en el estudio. Añadimos algunas voces. El resto se hizo en directo».

Un ataque al corazón se ha llevado a Elliot Mazer, que padecía demencia, a los 79 años, pero no hace tanto que ha tenido unas palabras de apoyo para Neil Young en tono jocoso. Bromeaba en 2013 sobre la alternativa sonora al streaming de alta fidelidad de Neil Young, el perfeccionista pero extinto PONO, tan crítico con Apple: «Steve Jobs tiene un equipo estéreo fantástico en su casa, mientras su negocio vende archivos que suenan fatal para iPods. Estoy seguro de que a Steve le encantaría PONO y se suscribiría».

La actuación que devuelve a Jessie Ware a las listas de éxito

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Jessie Ware ha publicado esta semana un nuevo single de su cuarto álbum, un ‘What’s Your Pleasure‘ que fue el 2º mejor disco de 2020 para nuestra redacción y el mejor de todo el año pasado para nuestros lectores. Además, ha asegurado que habrá edición deluxe de dicho disco. La elección como sencillo es la balada que cierra el álbum, ‘Remember Where You Are’.

Si bien la edición vinilo del disco no encierra grandes sorpresas (no vienen las letras, por ejemplo), sí evidencia el modo en que Jessie Ware ha decidido jugar sus cartas. Todos los singles rompepistas (en sentido figurado) aparecen en la cara A, esto es, ‘Spotlight’, ‘What’s Your Pleasure’, ‘Save a Kiss’ y el grower ‘Adore You’; mientras que el lado B ofrece literalmente otra «cara». Se pueden bailar también el funky ‘Read My Lips’ y el disco de ‘Mirage (Don’t Stop), y son impresionantes las cuerdas de ‘Step Into My Life’; pero definitivamente se trata de canciones más sutiles y es ‘Remember Where You Are’ la que más gana con las escuchas. Es hoy nuestra «Canción del Día».

‘Remember Where You Are’ es una balada setentera, pero no una de esas a lo Carole King que tanto gustan a Adele. Encaja muy bien en este álbum porque sus arreglos adoran también el sonido de la música disco más orgánico: Chic no solo eran la identificativa sección de guitarras de Nile Rodgers y el ritmo sino también una sucesión de arreglos orquestales que aquí vemos ejecutados con sabiduría y calma. Pese a que la ciudad arde en llamas en la letra, ella no se inmuta.

Concretamente, Independent revelaba que esta composición era la respuesta de la artista a ‘Le Fleur’ de la maravillosa Minnie Riperton, a la que se parece un pelín melódicamente. «Imaginaba que sería una de esas canciones que podrían sonar al final de ‘El cuento de la criada‘. Es sobre observar el mundo ardiendo. Y ahora estamos viviendo esa pesadilla distópica en directo». Mucha gente le ha dicho a Jessie que esta ha sido su «canción-confinamiento», narraba para Clash Music, mientras en Billboard añadía que imaginaba una escena para esta canción tipo ‘La La Land’.

«Calma» y «sabiduría» son las mismas cualidades que podemos elogiar de la actuación televisiva que Jessie Ware acaba de ofrecer en el show de Graham Norton en la televisión británica, embarazada. Una interpretación vocal exquisita y una sutil coreografía han sido suficientes para que el disco de Jessie Ware, que había sido un fracaso estrepitoso, vuelva a las listas de éxito británicas. Era top 11 en las midweeks del lunes y el martes asciende al número 6. Será flor de un día porque Radio One sigue sin apoyarla, pero menos da una piedra.
Gracias a melodramaisreal y Xanti en el foro de Jessie Ware por el aviso.

Lo mejor del mes:

«Un año así prácticamente te aboca a la separación»

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Avanza 2021, y el futuro de la industria musical continúa siendo incierto debido a la pandemia. Tras la cancelación (o el aplazamiento) de Glastonbury y de Coachella, no sería difícil que todos los festivales internacionales siguieran, desgraciadamente, una suerte similar. Siguen celebrándose conciertos de formato reducido, y hace poco hemos visto agotar entradas a Maria Arnal y Maika Makovski en cuestión de horas, pero son eventos extremadamente aislados. Son muchos los artistas que depende hacer decenas de directos (no uno suelto) para sobrevivir, solo unos privilegiados pueden hacerlo en base a lo que generan por derechos de autor, y son muchos los de mediano tamaño que es fácil imaginar a punto de tirar la toalla. Es duro de asumir, pero cuando todo esto acabe, muchos no habrán podido esperar 1 o 2 años sin ingresos, sobre todo los artistas que estuvieran en una circunstancia más precaria o en crecimiento.

Hace poco Presumido, dúo favorito de los fieles al synth-pop, ha anunciado su separación y aunque esta obedece a razones «100% creativas», uno se pregunta cuáles de los grupos en esto por amor al arte pueden ser los siguientes. Manu de Rusos Blancos es muy honesto al respecto, reconociendo que 2020 «ha sido un año terrible, perdido a todos los niveles». Indica: «Tal y como dices, para grupos con la edad que nosotros tenemos y en la situación en la que nos encontramos, un año así (y lo que queda), casi te aboca a la separación. No solo porque pierdes toda la inercia de tocar, o incluso por la apatía generalizada que podemos estar sufriendo todos, sino también porque cabe esperar que cuando se vuelva a una cierta normalidad, los carteles van a estar copados por grupos más destacados que necesitarán girar después del parón». Finalmente, se consuela: «no hemos sacado un disco justo antes o durante la pandemia, tiene que haber sido muy desalentador para los que les haya pasado».

Entre estos, Varry Brava, uno de los grupos más afectados, pues el lanzamiento de su nuevo disco ‘Hortera’ coincidía de lleno con el confinamiento duro. Tuvieron que retrasarlo, pero no han podido presentarlo en vivo como pensaban. Vicen Illescas lo recuerda y habla de las terribles consecuencias económicas para su personal de gira, lo cual también les ha afectado en las decisiones artísticas: «2020 ha sido intentar asimilar la realidad: que no podemos hacer conciertos como solíamos, reducir el staff al 75% y contar con la gente mínima, ya que se han visto afectados los cachés habituales. Hemos hecho cambios en el escenario, y solo estamos 3. Teníamos que tirar como fuera. Ha habido momentos de incertidumbre, que genera un poquito de ansiedad, de estrés. Vas viendo que la gente se va acostumbrando y chapeau por todos los que se han animado a vernos y han confiado en que la cultura es segura, porque está más que demostrado. Hemos salvado los muebles, pese a la reducción considerable en facturación y el número de conciertos. Si un año normal hacemos entre 50 y 60 conciertos de media, pues el número ahora ha sido 25 o 30 conciertos. Visto lo visto no nos podemos quejar, pero se nota».

De la bajada de cachés también habla Manu de Rusos Blancos, anunciando que afectará al futuro: «Habrá un bajón generalizado de cachés, que a grupos como nosotros directamente les puede suponer tener que elegir entre tocar perdiendo dinero o no tocar. En definitiva, volver a los tiempos más precarios de cuando empezábamos, solo que con 15 años más, más cansados y con más responsabilidades en el día a día. Así, sí conocemos varios grupos que van a desaparecer con esto. Imagino que para formatos individuales será más fácil sobrevivir».

Rusos Blancos: «Conocemos varios grupos que van a desaparecer con esto».

Con otra posición en el mercado y pese a que pensaban dedicar 2020 a grabar, Dorian también se han visto afectados. Incluso en años dedicados a grabar, para ellos es normal hacer unos 20 conciertos. Que en 2020 se han reducido a 6. Cuenta Marc Gili: «El motivo principal es que nosotros solo salimos a tocar si las condiciones permiten que todo nuestro staff pueda trabajar. Estamos todos en el mismo barco, somos como una familia. Por desgracia en 2020 el reajuste en los aforos se llevó por delante la mayoría de los presupuestos, reduciéndolos muchísimo, y las posibilidades de hacer un buen espectáculo fueron escasas. Por lo tanto, caída drástica de ingresos, en efecto».

Miss Caffeina: «Los acústicos fueron muy especiales por las circunstancias, pero económicamente fue muy poco rentable. No exagero si te digo que casi fue lo comido por lo servido»

Miss Caffeina cancelaron sus planes de realizar la segunda parte de la gira de presentación de ‘Oh Long Johnson‘ y se embarcaron en una gira de 24 conciertos de aforo reducido, sentados y con mascarilla, un poco por amor al arte, pues no ingresaron dinero. Su cantante Alberto Jiménez explica sobre su adaptación al formato acústico del verano pasado: «Los conciertos fueron muy especiales por las circunstancias y por el rollo de seguir haciendo música en medio del apocalipsis, pero económicamente fue muy poco rentable, una cosa bastante absurda. Ridícula. Nos alegramos de haberla hecho por lo que significó y lo que disfrutamos pero tuvimos que reducir el equipo técnico al mínimo y tener que viajar como lo hacíamos al principio de nuestra carrera. No exagero si te digo que casi fue lo comido por lo servido».

También ha sido un año difícil para Zahara, que ha tenido que tirar de ahorros, y ha visto a mucha gente dejar la música: «Tenía todos los festivales de verano y pensábamos cerrar la gira con una vuelta a los teatros. Todo eso se cayó. No di un solo concierto durante el confinamiento y mis ingresos se redujeron a lo que generaba mi discográfica: royalties de mi propio sello que van a mi empresa, es decir, en principio no dispongo de ese dinero para mis gastos personales; y derechos de autor y lo que tenía ahorrado. Gracias a eso he podido mantenerme con cierta tranquilidad. La industria musical nos ha obligado a vivir prácticamente de los directos y esta pandemia ha evidenciado las enormes carencias del sistema y lo abandonados que estamos. Tengo amigos que dependían exclusivamente de sus giras para pagar sus casas, sus vidas…. y muchos han tenido que dejar la música».

Zahara: «La industria musical nos ha obligado a vivir prácticamente de los directos y esta pandemia ha evidenciado las enormes carencias del sistema»

De alguna manera, se considera salvada, en gran medida, por haber montado su propio sello, con los riesgos que conlleva. «En ese sentido, el haber asumido el riesgo en su momento y montar mi sello, el haber invertido cada euro que he ganado en mi música y el tener el control absoluto de mi negocio me ha permitido poder vivir de él. Esto es muy bestia si lo piensas. He conseguido estar estos meses viviendo de lo que mis canciones generan. Eso sí. Solo he podido vivir, que ojo, tal y como están las cosas, no es poco, pero el ser la dueña de mi propia empresa significa, en mi caso, que todo lo que genero me lo gasto en producir mi siguiente trabajo». Al margen del «viaje emocional tan duro» que ha sido componer, producir y grabar en la pandemia, reconoce el perjuicio económico de no poder hacer conciertos. «Tuve una caída brutal de ingresos. No sé cómo explicártelo. Estamos hablando de un año entero lleno de conciertos y proyectos que se esfumó. Puede que más del 80% de lo que iba a generar este año».

Un porcentaje en el que también coinciden de manera clavada Delaporte, que acaban de tener que retrasar la fecha de la gran presentación de su disco ‘Las montañas’ en Madrid un año, de febrero de 2021 a febrero de 2022. Nos indica Sergio: «2020 económicamente ha sido una ruina, como imagino que para muchísimos grupos considerando que nuestra principal fuente de ingresos son los directos y los patrocinios. De directos no ha habido casi nada y las marcas han tenido los presupuestos cerrados y los siguen teniendo. Los ingresos han caído un 75% e incluso un 80%. Se han quedado en lo poco que puede llegar de reproducción por streaming y los derechos de autor, que cuando llegan sí que dan un poquito de respiro. O a lo mejor aire, como mucho… pero vamos, que muy mal».

Delaporte: «Los ingresos han caído un 75% e incluso un 80% (…) Esto ha afectado muy negativamente a nuestro desarrollo»

Sobre todo porque nadie sabe qué va a pasar con 2021, como indica Paola Rivero de Cariño. «Afrontamos el año de manera un poco rara. 2020 termina de manera un poco extraña y 2021 es incertidumbre sobre qué va a pasar. Lo mejor es hacer planes semana a semana, muy a corto plazo, y hacer el disco: son las cosas con que podemos contar. El resto es volátil, se puede caer bastante. Tenemos la esperanza puesta en la vacuna y en que se la ponga todo el mundo para poder ir a los festivales a bailar, a cantar, morrear, todo eso». También sugiere «casarse», visto lo que ha sido pasar el confinamiento.

Sandra de Delaporte reconoce su decepción por el curso de los acontecimientos en 2020 pero invita a «reciclarse y reinventarse». «Llegó enero y teníamos la esperanza de que la vacuna iba a salvar el año y que iba a ser mejor que 2020. Todos teníamos en la cabeza: «con un año de castigo ya está, vamos a por el siguiente». Y para nada va a ser así. No sé si igual de malo. Nos ha desesperanzado. Para seguir adelante haces proyectos, de los pocos ingresos de autores o de cositas, de ahorros de la gira 2019… Lo intentas usar para reciclarte, sacar cosas nuevas, damos una vuelta a canciones del disco, estamos en un proyecto de apoyo a mujeres en la industria, tienes la cabeza ocupada en cosas que ilusionan… Pero somos pesimistas a medio plazo. Esperamos que a finales de año mejore. Si no, habrá que tomar otro tipo de medidas. La industria está en situación muy precaria. Siento que mi mensaje sea pesimista, pero esto ha afectado muy negativamente a nuestro desarrollo. Pero bueno, hay que reciclarse y reinventarse. Siempre con fuerza e ilusión».

Carolina Durante: «Con nosotros no va hacer acústicos porque es absurdo»

Diego, cantante de Carolina Durante, tampoco tiene muchas ganas de pensar en el largo plazo, aunque técnicamente tocan en el Wizink Center de Madrid en diciembre de 2021. Quién sabe, quizá sea posible: «Prefiero no esperar demasiado en lo que a conciertos se refiere. Si esperamos que los conciertos sean normales para septiembre, y luego no podemos dar conciertos normales, se da la decepción. Espero que saquemos el disco y que tenga éxito». Diego habla de cierta adaptación, pero no considera los acústicos como una posibilidad para su banda por su estilo: «Nos vamos a adaptar porque vamos a cobrar menos pasta, básicamente, pero con nosotros no va demasiado hacer acústicos porque es absurdo. Iremos en furgo más pequeña, cobraremos menos pasta, etcétera».

Marc de Dorian se muestra optimista sobre el futuro inminente. Cree que no se van a dar los conciertos tal y como los conocíamos este verano pero habrá otras cosas: «2021 será un año puente. Por un lado todo el mundo en la industria da por hecho que no se celebrarán eventos masivos ni grandes giras. Sin embargo, todo apunta a que se organizarán conciertos que multiplicarán por dos o incluso por tres los aforos permitidos el año pasado. En estos momentos tenemos muchas ofertas sobre la mesa que van en esa línea, y estamos escogiendo qué ruta haremos. Lo que peor veo es el clubbing. No sé cuándo podremos volver a bailar y a pinchar libremente en una pista de baile».

Dorian: «Este año se organizarán conciertos que multiplicarán por dos o incluso por tres los aforos permitidos el año pasado»

Alberto de Miss Caffeina espera poder tocar efectivamente este verano con algo más de aforo, si bien reconoce que el próximo álbum de la banda ya no se plantea de la misma manera: «Nosotros hemos decidido trabajar de la forma inversa esta vez. Antes sacábamos un disco y de él se iban desprendiendo singles, pero esta vez lo vamos a hacer al contrario. Iremos lanzando singles que luego conformarán un disco a final de año o a principios del siguiente. Es una manera de trabajar que nunca nos ha llamado la atención en el pasado, pero creemos que es el momento ideal, y al ser ya el 5º disco nos apetece hacerlo de una manera diferente».

Manu de Rusos Blancos habla de un retraso de un año, si no dos, en sus planes: «Nosotros teníamos pensado grabar disco este año, para editarlo a finales y poder tocarlo ya a lo largo de 2022. Ahora con todo esto, como poco tendremos que pararlo un año, si no dos. Sacaremos las canciones igualmente si nos apetece vernos y encontramos tiempo para ello, pero si pensáramos el grupo como un proyecto, no sé si para un grupo como nosotros tiene mucho sentido sacar nada después de un parón tan largo, o si habrá nadie esperándolo para entonces. Por último, también hemos sufrido, al menos yo, un gran bloqueo creativo con todo esto. No se me ocurre nada ni medio interesante, y eso genera una ansiedad muy incómoda también». Casi lo mismo que nos dice Diego de Carolina Durante: «Sacar un disco y no poder hacerlo en directo afecta, como afecta a la composición de las propias canciones. Afecta más a la hora de escribir que otra cosa».

Rusos Blancos: «No sé si para un grupo como nosotros tiene mucho sentido sacar nada después de un parón tan largo, o si habrá nadie esperándolo para entonces»

Zahara tampoco sabe muy bien qué le depara 2021 y 2022: «Lo peor es no saber si se podrán realizar los planes que estamos imaginando. Es horrible la incertidumbre. Podemos estar montando todo esto para que se vuelva a caer, como ya nos pasó el año pasado. Quizá ahora ya cuento con todo eso, con la posibilidad de que nada surja. Pero sinceramente, ojalá poder tocar. Me muero por tocar las canciones nuevas en directo e intentaré hacerlo muy fuerte, pero no de cualquier manera. Eso también lo sé». Sobre alternativas, la cantante reconoce que lo de ofrecer conciertos en streaming «no le mata». «No hice ninguno en el confinamiento y estoy esperando a que sea la única manera posible de tocar para hacerlo. Es decir si ya está, si la vida es así, pues vamos. Habrá que hacerlo, pero siento que no son conciertos. Son otra cosa y no la quiero ahora mismo. No digo que no vaya a hacer, pero mientras pueda, prefiero evitarlo».

Por otro lado, ya ha emprendido su propia manera de reciclarse: «Mi oficina y yo tenemos muchas ideas alternativas por si todo falla. Pero claro, en nuestra cabeza está el sueño ideal de que se supere esto, o que la gente se vacune, o que haya medidas que se puedan llevar a cabo sin perjudicar los aforos o a la gente y entonces tocar y ser felices y reír a muerte porque es lo que más nos gusta de nuestro trabajo. Me encanta ver que las salas, los promotores… se están organizando y probando cosas. Yo estoy creativa artísticamente. Es decir, puedo intentar hacer más cosas como controlar las luces desde el escenario, como hago en _juno, o podemos volver a los orígenes y que los conciertos vuelvan a ser simplemente unas personas sobre el escenario y olvidarnos de la puesta en escena. Pero no estoy creativa logísticamente. Siempre he estado pendiente de eso, pero ahora no me da la cabeza para más. Creo que hay gente muy buena pensando en ideas y tanteándolas ya, así que me fío de ellas».

Varry Brava: «Entendemos que esto es pasajero, hay que mantener la calma y ser positivo»

En Varry Brava, Aaron indica que seguirán «haciendo música» y «enseñando canciones» de la mejor manera posible, mientras están atentos a nuevas tecnologías. «Queremos seguir estando al día, componiendo y grabando, seguramente sea en lo que nos vamos a volcar. Hay movidas nuevas, como Twitch y ClubHouse, plataformas que llevan la música y la creación por otro lado, de momento no están muy enfocadas en los creadores, pero no nos negamos a nada». Su compañero, Óscar, mantiene la fe: «Nosotros como colegas que somos, hemos estado hablando todo esto y entendemos que es pasajero, hay que mantener calma y ser positivo. Seguimos con la idea de presentar ‘Hortera’ en gira como se merece, esperemos que sea en primavera-verano, si las circunstancias lo permiten, si no más adelante».

Finalmente, Marc de Dorian da unas cuantas ideas sobre cómo sobrevivir a la pandemia como músico: «Potenciar mucho el área de merchandising para obtener ingresos. Hacer muchos diseños y venderlos en tiradas cortas, de tal modo que el tráfico y en interés por lo que saques esté muy vivo en tus seguidores. Aprovechar para mejorar tus conocimientos en producción musical o con tu instrumento –es decir, dedicar tiempo a mejorar tus habilidades como profesional–, para que cuando el mundo se ponga en marcha de nuevo estés en el nivel más alto posible. Lanzar canciones cuyos vídeos se apoyen más en buenas ideas que en presupuestos holgados, producir canciones o discos para otros artistas, estudiar derecho aplicado a la industria musical para que nadie pueda tomarte el pelo como artista…»

‘Baila conmigo’ y ‘No te enamores’, nuevos hits en el top 10 español

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‘Bandido’ de Myke Towers y Juhn continúa siendo la canción más popular del país y por tanto el número 1 de la nueva lista de singles en España, pero sí encontramos un par de novedades en el top 10. Por un lado, la subida más fuerte de la semana es el remix de ’No te enamores’. No se trata de una revisión del temazo de Ellos, sino de un tema colaborativo entre Milly, Farruko, Nio Garcia, Jay Wheeler y Amenazzy. Pasa del puesto 17 al puesto 8, por lo que promete dar que hablar este verano.

Por otro, Selena Gomez y Rauw Alejandro entran directamente al número 10 con ‘Baila conmigo’. No cabe duda de que al menos en España el tema va a funcionar mucho mejor que el anterior sencillo ‘De una vez’, que ya ha desaparecido de todo el top 100; y no solo por el featuring sino por su melosa melodía. De hecho, en Spotify, ‘Baila conmigo’ ya supera en streamings a ‘De una vez’ pese a haber salido después. En internacional, ‘Baila conmigo’ es puesto 74 en Estados Unidos, pero no ha entrado al top 100 en Reino Unido (recordamos que este tema está en castellano).

Continuando con otras entradas en España, ‘Agua de Jamaica’ de Maluma llega al puesto 32, muy por debajo de sus estándares: ‘Hawai’ sigue de hecho en el top 20 medio año después de haber sido número 1.

Finalmente, el tema colaborativo entre Omar Montes, Ana Mena y Maffio, ‘Solo’, entra al puesto 61; mientras ‘Save Your Tears’ de The Weeknd lo hace en el número 76. La canción ha subido esta semana al puesto 8 en Estados Unidos y al top 31 en Reino Unido y posiblemente escale algo más tras sonar brevemente en la Super Bowl.


Maluma decepciona en la lista de álbumes española con su disco jamaicano

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Anuel AA y Ozuna se mantienen en el número 1 de la lista de discos más populares en España con ‘Los dioses’ por segunda semana consecutiva: ardemos en deseos de averiguar cuántas semanas les lleva sumar streamings suficientes como para alcanzar lo equivalente a un disco de oro.

La entrada más fuerte es ‘#7DJ’ de Maluma, pero su posición no puede ser más decepcionante, quedando fuera del top 10 en una semana sin grandes lanzamientos en competencia ni ventas significativas. El escaso número de pistas del álbum es una razón, pero también su escaso calado: solo una de ellas se ha colado en el top 100 de singles, ‘Agua de Jamaica’, y en una posición tan modesta como es el puesto 32. Este mini álbum jamaicano de Maluma queda en el top 14 en España mientras ‘Papi Juancho’ fue número 2 y continúa en el puesto 24 medio año después. La gente le prefiere en su registro reggaetón.

El resto de las entradas han sido ‘Immortal’ de los metaleros MSG en el puesto 27, ‘The Future Bites’ de Steven Wilson en el puesto 32 (este último muy beneficiado por su buen funcionamiento en vinilo) y el grupo también de metal Accept con ‘Too Mean to Die’ en el número 33. Cambiando radicalmente de tercio, Taburete son puesto 60 con el EP ‘John Ford’ con el que iban completando su álbum.

Mención aparte merece la reentrada de IDLES en el puesto 58 de la lista general de álbumes gracias al vinilo de ‘ULTRA MONO’. Este último es exactamente el 6º vinilo más vendido del país. Entre las muchas entradas que hay que destacar en la lista de vinilos aparte, hay que hablar también del puesto 46 conseguido en dicha lista por ‘Collapsed in Sunbeams’ de Arlo Parks.


Kiwis / Vida exterior

Los Kiwis son un grupo de amigos de Barcelona, veteranos de la escena: ellos son Jordi Garrigós, Inés Martínez, Marc Andreu y Marta Millet. Aquí hay miembros de Veracruz (Marc) o Las perras del infierno (Inés), entre otros. Los Kiwis se formaron con la simple y mágica propuesta de hacer canciones sin -aparentemente- pretensiones, pero sí con la vocación de permanecer en cabezas y corazones.

Con querencias por el pop de los sesenta y el indie pop británico (y australiano), los Kiwis debutaron con un EP en cassette en el sello Snap Clap Club! en 2018. Y, en noviembre del año pasado, apareció en el mismo sello este ‘Vida exterior’, su primer álbum. Sin muchas expectativas, editaron sólo cien copias en vinilo, «a ver qué tal»… Y el «a ver qué tal» se saldó con un sold out en cuestión de 36 horas. La nueva reedición llegará ya para marzo.

‘Vida Exterior’ es un disco cortito, poco más de 28 minutos. Producido por Joan Colomo, viejo amigo de la banda, recuerdan a los añorados Fred i Son, no sólo por el uso del catalán (aunque hay un par de temas en castellano), sino por el predominio del pop luminoso por encima de todo, por el mimo a la melodía y las guitarras, por esa sensación de ofrecernos, sobre todo, música para confortar.

La cotidianeidad amable impera como temática, el australianismo pop como sonido. ‘La llum’ ya marca el sendero, una vena costumbrista pero poética, en que la emoción aflora sutil. La influencia de los Go-Betweens y coetáneos brilla en ‘Un dia (tot canvia)’ o ‘El dia de demà’. Pero también hay indie pop clásico británico de los 80 en ‘Fer’, construido sobre el clásico redoble de ‘Be My Baby‘ y con un estupendo saxo cortesía de Elena Martín. ‘Engranatge’ es tan deliciosa que enamora. También hay viajes a los sesentas de Françoise Hardy y los girl groups en la estupenda ‘Un salto en el corazón’, que desprende el candor y arrebato del melodrama adolescente propios del género. O en la saltarina y positivísima ‘Cambiarán las tornas’, ambas cantadas por Inés. Pero no todo es tan naïve, también hay sutiles apuntes críticos en ‘El pou’.

‘Vida exterior’ no se queda en el mero ejercicio de copia a sus referentes. Porque, aunque a la banda le gusta dejar bien claras sus influencias y no buscan epatar por originalidad, tienen una fuerte personalidad que cohesiona el conjunto. No quieren ganarte por mimetismo sonoro sino por lo entrañable, por ofrecer el tipo de música que a ellos les enamora. Y sus canciones son tan encantadoras que, ahora mismo, paradójicamente casi hace pupa escucharlas. Pero en momentos de oscuridad son como un rayito de sol. Porque si tarareas «puedes creer / que todo irá bien», como Inés en ‘Cambiarán las tornas’, realmente sí crees que todo irá bien. Un mensaje sencillo, pero necesario. Como sus canciones.

Isaac Dunbar se une al primer productor de Lorde en ‘love, or the lack thereof’

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Empezó a producir música con nueve años inspirado por el ‘ARTPOP‘ de Lady Gaga. Y, aprendiendo a través de tutoriales de Youtube, Isaac Dunbar fue publicando temas que solo escuchaban sus amigos, hasta que en 2018, con quince, llamó la atención de The Fader y del programa de Zane Lowe, sacando al año siguiente su EP debut ‘balloons don’t float here’. Sony/RCA le echó el ojo y el chico publicó su segundo EP, ‘isaac’s insects’, que incluía desde una cover de Rina Sawayama a ‘makeup drawer’, canción sobre la homofobia interiorizada que escribió con catorce años (!). Ahora tiene a punto de caramelo su tercer EP, ‘evil twin’, del que ya conocemos ‘pink party’, ‘intimate moments’ y el tema que hemos elegido destacar, ‘love or the lack thereof’.

Dunbar, de madre italiana y padre liberiano pero nacido en Massachusetts, nos recuerda irremediablemente a Troye Sivan en canciones como ‘boy’, ‘suicide’ o ‘diamonds are a girl’s best friend’, pero a un Troye Sivan bastante más oscurillo, como podemos ver en ‘isaac’s insects’ o, sobre todo, en ‘pink party’, emparentada con los sonidos de Tommy Genesis, Travis Scott e incluso (ejem) Marilyn Manson. De hecho, en esta ‘love or the lack thereof’, escrita junto a su amiga Silver Sphere y a Leland (colaborador también de Troye) y que es hoy la «Canción Del Día», Dunbar cuenta que quería reunir lo bonito y lo tóxico del amor, y los lugares en que ambos conceptos se entrecruzan, especialmente representado en ese “I want it to be so badly / what you see in me” del estupendo puente.

Está además producida por Joel Little, a quien recordaréis especialmente los fans de Lorde: suya fue la producción de ‘The Love Club‘ y de ‘Pure Heroine‘, primer EP y primer disco de la neozelandesa. Little ha trabajado además con Taylor Swift (‘The Man’, ‘You Need to Calm Down’) o Tove Lo (‘Mistaken’), y volvió a trabajar con Lorde para ‘Melodrama‘ en ‘Supercut’, a cuyos sintes recuerda a veces ‘love or the lack thereof’. Dunbar reconoce de hecho a Lorde como una de sus mayores influencias para esta canción, y la forma en que arrastra “not my fault / that I crave / your attention” desde luego parece un guiño al “not my fault / just a thing / that my mind do” de ‘The Louvre’. Tiene siete años menos que Lorde y dos menos que la también precoz Billie Eilish, pero las cifras de streaming que maneja el chiquillo no son nada despreciables, hasta el punto de que tenía programada para 2020 una gira por Estados Unidos y Europa, ahora aplazada por la pandemia. Veremos qué le trae 2021.

Lo mejor del mes:

Revelación o Timo:

SOPHIE: futuro erradicado

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Ha pasado poco más de una semana desde la repentina muerte de SOPHIE y la noticia sigue sin parecer real. A los 34 años, la productora escocesa deja un vacío en el mundo del pop solo comparable a los que en su momento dejaron Kurt Cobain, Aaliyah o Amy Winehouse, tres artistas que marcaron una época y que también murieron demasiado pronto, en circunstancias en los tres casos trágicas, cuando aún les quedaban demasiadas cosas por decir que ya nunca conoceremos. Con SOPHIE puede que tengamos más suerte, pues la productora dejó muchísima música por editar, trabajaba de hecho en varios álbumes… pero ya no será ella quien tome la última decisión.

Uno de los datos que más me fascinan de SOPHIE es que no usaba samples en sus producciones. Todas esas percusiones metálicas imposiblemente agresivas, todos esos goteos ácidos que te abrasan los oídos, todos esos efectos pegajosos y resbaladizos que reproducen la textura de materiales como el látex o el acero eran creaciones hechas absolutamente desde cero a partir de simples ondas sinusoidales que Sophie Xeon manipulaba a su antojo. SOPHIE y su Elektron Monomachine hacían verdaderos milagros sónicos tan experimentales como accesibles pues la artista no huía de lo comercial a pesar de lo duras que pudieran ser sus producciones. De ahí que cediera un tema a McDonalds: cuanto más gente escuchara su música y se abriera a nuevos sonidos, mejor. Que no usara samples sirve, en cierta medida, para entender que su música era producto de una imaginación llena de optimismo, de esperanza. En su música, SOPHIE literalmente creaba, con sus propias manos, un mundo más luminoso y colorido que el que ha dejado tras resbalarse desde la azotea de su casa en Atenas, donde residía desde hacía varios años.

Recuerdo que la primera vez que escuché una canción de SOPHIE me quedé petrificado. No soy el único que ha dicho algo parecido. ‘BLIPP’ y ‘LEMONADE’ sonaban como una versión carbonatada de Aphex Twin, como si Autechre se hubieran zampado a Cindy Lauper. Para Huck Kwong, el novio de Charli XCX, escuchar estos sonidos por primera vez fue parecido a «descubrir un nuevo elemento». En una época en que diversos críticos culturales lamentan -con razón- que la innovación musical parece cosa del pasado, cuando salen libros como ‘Retromania’ o ‘Ghosts of My Life’ que hablan de un futuro erradicado, inexistente, de un presente plagado por réplicas de la música del pasado como consecuencia de un sistema capitalista fallido, SOPHIE fue capaz de crear algo completamente innovador y excitante. No es de extrañar que terminara trabajando con las mayores estrellas del pop, de Madonna a Rihanna, o conquistando a una Charli XCX que ha encontrado su sonido en las implacables producciones de PC Music. Por esta razón es una noticia tan trágica para el pop que SOPHIE ya no exista: si alguien alumbraba un futuro para la música pop en este siglo, era ella. ¿Quién cogerá su testigo? ¿A qué sonará el futuro ahora?

A riesgo de sonar exagerado, a la muerte de SOPHIE tengo la sensación de que el mundo ha infravalorado ‘Oil of Every Pearl’s Un-insides‘. Yo incluido. Título impronunciable aparte, y a pesar de que el disco sí obtuvo una nominación a los premios Grammy y críticas excelentes por doquier, comercialmente merecía ser un superventas internacional por lo avanzado de su propuesta sonora y por lo memorable tanto de sus baladas (‘It’s Okay to Cry’) como de sus pepinazos vuela-pestañas (‘Faceshopping’, ‘Ponyboy’). En el disco, SOPHIE era tan capaz de superarse con un hitazo pop como ‘Immaterial‘, top 3 en la lista de mejores canciones de 2018 de este site, como de sumergirnos en la más absoluta oscuridad con una exploración ambient llamada ‘Pretending’ que ríete tú del ‘Treefingers‘ de Radiohead. Como buen clásico del pop, ‘Oil of Every Pearl’s Un-insides’ es un trabajo impredecible, lleno de recovecos, y además se cierra con una verdadera declaración de intenciones, una canción-hito que apela a un «nuevo mundo» y que, en el concierto que la productora escocesa ofreció en el Sónar en el año 2018, sonó como si fuera a partir la tierra en dos. ¿Para descubrir un mundo mejor?

Recuerdo aquel concierto vívidamente no solo por la potencia de la música, sino por el espectáculo de BDSM decadente que pudo verse encima del escenario. SOPHIE no parecía demasiado presente en el lugar, más bien tenía pinta de estar un poco ida, pero cuando al final se quitó el top y se plantó en tetas ante su público, confirmó que el letargo previo había sido un papel. Aquello iba de despertar y de ser uno mismo sin que importasen las consecuencias. Es la mayor lección que nos ha dado esta artista que salía del armario como mujer trans a su ritmo y a su manera, para después decantarse por los pronombres neutros. Si su sueño siempre fue, en sus palabras, crear una «comunidad queer, fluida, diversa, sin género y dinámica» diferente a la cultura de clubs londinense con la creció, mucho más marcada por «la actitud de machote»; desde luego esta comunidad ha encontrado en su música el mejor de los refugios. Ante todo, la música de SOPHIE suena libre porque así es como quería ella que fuese el mundo. ¿Quién se viene conmigo al planeta rosa?

Mary Wilson de las Supremes fallece a los 76 años

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Mary Wilson, una de las integrantes fundadoras de las Supremes junto a Diana Ross y Florence Ballard, ha fallecido a los 76 años de edad, ha confirmado su publicista y recogen medios como Rolling Stone.

Como co-fundadora de las Supremes, Wilson apareció en 10 de sus históricos 12 singles número 1 registrados en el Billboard Hot 100, entre los cuales se encuentran ‘You Can’t Hurry Love’, ‘Where Did Our Love Go?’, ‘Baby Love’, ‘Come See About Me’, ‘You Keep Me Hangin’ On’ y ‘Stop! In the Name of Love’. Las Supremes experimentaron varios cambios de formación y Mary fue integrante del último line-up junto a Scherrie Payne y Susaye Greene. En 1976, las Supremes publicaron su último disco, en 1977 se separaron oficialmente y en 1979, Mary lanzó su primer disco en solitario en el sello Motown. El segundo, ‘Walk the Line’, publicado ya en un sello independiente, fue editado en 1992.

Wilson, que no estaba en absoluto retirada de la vida pública, pues el mes pasado concedió una entrevista a Billboard por el 60 aniversario de las Supremes, y en 2019 concursó en un programa de televisión y publicó un libro, se encontraba preparando el lanzamiento de su disco inédito ‘Red Hot’, producido con Gus Dudgeon y grabado en los años 70, según contaba ella misma en un vídeo subido a Youtube hace dos días. Wilson esperaba que el disco saliera el día de su cumpleaños, el 6 de marzo.

A día de hoy, Diana Ross es la única integrante original de las Supremes que aún vive, ya que Ballard falleció tan pronto como en el año 1976, a la edad de 32 años, a causa de un paro cardiaco. Ross ha recordado a Wilson en un tuit: «Mis condolencias a la familia de Mary. Cada día es un regalo. Tengo tan buenos recuerdos de nosotras juntas… Las Supremes vivirán por siempre en nuestros corazones».