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Sam Smith cambia de tercio en su nuevo disco… y en el brit-pop de ‘Kids Again’

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Jordi Bardají
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Además del de Ariana Grande, el lanzamiento internacional más importante de hoy viernes es ‘Love Goes’, el nuevo disco de Sam Smith. El álbum incluye los singles ‘Diamonds’ y ‘My Oasis’ con Burna Boy además de un segundo CD con «bonus tracks» en el que encontramos todos los éxitos recientes de Sam, desde ‘Dancing with a Stranger’ con Normani a ‘I’m Ready’ con Demi Lovato. Varios de ellos suman escuchas estratosféricas que aseguran un buen debut para el álbum en su primera semana.

El tercer álbum de Sam Smith marca un cambio en su sonido respecto al soul-pop clasicote de sus primeros dos trabajos, ‘In the Lonely Hour‘ y ‘The Thrill of It All‘. En ‘Love Goes’ manda un pop con tintes electrónicos que a duras penas deja un tema pensado específicamente para la pista de baile. También hay baladas al piano… y una sorpresilla final.

‘Kids Again’ es el corte que cierra ‘Love Goes’ y, curiosamente, también es el nuevo single que presenta hoy el álbum acompañado de un videoclip. ‘Kids Again’ habla de amores pasados y de esos años de juventud que ya no volverán, pero lo curioso del tema es su sonido totalmente brit-pop, hasta el punto que recuerda a algunos momentos de Oasis o Coldplay. El nostálgico videoclip muestra a Sam abrazadx a cosas y ha quedado un poco chanante, lo cual suponemos no ha sido la intención.

Por otro lado, Sam ha compartido estas palabras sobre ‘Love Goes’: “Los últimos dos años han sido el momento más experimental de mi vida, personalmente pero también musicalmente. Cada vez que iba al estudio, me prometí que iría en dirección a las estrellas y no tendría limitaciones. El resultado ha sido tan mágico y terapéutico y divertido. Mi amor por la música es tan amplio y todos mis placeres de culpabilidad musical se convirtieron en placeres. Sin culpa, sin verguenza, sólo por el amor de cantar y crear y bailar».

El texto continúa: «Estoy muy agradecido a cada humano que apreció mi creatividad y dirección y me permitió ser quien quería ser en ese estudio ese día… escuchar estas canciones con el corazón abierto y tratar cada canción como una flor diferente del jardín, divertirse con ellos, traté de no tomarme a mi mismo demasiado en serio al escribir algunas de estas canciones. Espero que os hagan sonreír, porque me lo hicieron y me lo hacen”.

Nena Daconte sorprende con el electropop de ‘Hojas secas’

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Jordi Bardají
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Nena Daconte firma una de las novedades de hoy viernes con ‘Hojas secas’. Se trata de su primer tema nuevo desde que el año pasado lanzara el mini álbum ‘suerte…‘, un trabajo modesto pero en el que Mai Meneses dejaba algunas de las composiciones más interesantes de su carrera, como ‘Mi mala suerte’ o ‘La llama‘.

El cambio de tercio perpetrado por Nena Daconte en ‘Hojas secas’ es perceptible desde el segundo cero, ya que estamos ante una canción de sonido electro-pop en las estrofas, que solo en el estribillo pasa a uno más rockero pero a su vez medio bailable. La artista ha explicado: «‘Hojas secas’” es una canción muy especial para mí. A nivel de composición vuelvo al tema del desamor, del paso del tiempo y de cómo éste va haciendo mella en nuestra ilusión. A nivel de producción y arreglos, cuento con el talento de Paco Salazar. Esta vez, los arreglos son muy diferentes a lo que suelo hacer. Me he dejado llevar por la música que más vibra ahora en mi corazón».

‘Hojas secas’ es una composición sobre un amor marchitado por el tiempo, y en frases como «fingir que no me ves, fingir que no nos vemos, cerrar la posibilidad de que alguien nuevo venga a nuestra vida y nos haga soñar» o «tú te niegas a aceptar la realidad, y es que hace tiempo que te estoy mintiendo», Meneses vuelve a plasmar su claridad como autora.

Bad Bunny abraza el synth-pop con Jhay Cortez en ‘Dakiti’

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Jordi Bardají
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Bad Bunny ha publicado single sorpresa con Jhay Cortez, a quien acabas de escuchar en el estupendo nuevo single de Kali Uchis. Porque el portorriqueño no puede parar quieto a pesar de seguir triunfando con ‘ONE DAY’ junto a J Balvin y Dua Lipa y de haber publicado dos álbumes solo este año, ‘Dakiti’ muestra una faceta diferente del artista.

‘Dakiti’ vuelve a ser una canción dedicada al amor y a la sensualidad, con frases que llaman al exhibicionismo («¿Y de nosotro’ quién va a hablar? Si no nos dejamo’ ver») o al sexo («Cuando te lo quito despué’ de lo’ partie’ / Las copa’ de vino, las libra’ de mari / Tú estás bien suelta, yo de safari». Sin embargo, esta misteriosa producción de Tainy y La Paciencia (Roberto Rosado) abandona el patrón rítmico típico del reggaetón para abrazar un sonido que aúna elementos del electro-pop y el synth-pop, sin romper en ningún momento hacia la pista de baile aunque la base apunte a ello, creando intriga. Bad Bunny y Jhay Cortez ya habían colaborado en el remix de ‘No me conoce’ con J Balvin y en ‘Cómo se siente’.

Para quien se pregunte a cuento de qué Bad Bunny publica ahora nuevo single, Slang.FM tiene a bien recordar que el artista prometió un nuevo disco para finales de año. Lo hizo en la letra de su canción ‘<3', en la que cantaba: “Este disco está cabrón, lo hice pa’ vosotros / Y en nueve mese’ vuelvo y saco otro / Pa’ retirarme tranquilo como Miguel Cotto”. ¿Prepara Bad Bunny el "blockbuster" navideño que este año no van a firmar ni Adele ni Drake? De momento ya puede verse el videoclip de ‘Dakiti’, con Benito y Jhay Cortez grabando la canción en la playa, dentro de un cubículo de cristal.

Dua Lipa estrena ‘Fever’ con Angèle y anuncia concierto en streaming

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Jordi Bardají
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Dua Lipa ha estrenado su prometido nuevo single con la cantante belga Angèle, el cual aparece en una edición especial para Francia de ‘Future Nostalgia‘. Es una de las canciones que puedes escuchar en nuestra playlist de novedades actualizada.

Sin llegar a los 3 minutos de duración como tantas composiciones de pop de hoy en día, ‘Fever’ es una producción disco-pop típica de Ian Kirkpatrick, la persona detrás de ‘New Rules’, ‘Don’t Start Now’ y ‘Pretty Please‘. Sin embargo, su sonido recuerda más bien a las producciones de Kirkpatrick para Selena Gomez, en concreto ‘Look at Her Now’. El tema es materia de «bonus track» y como tal aparece en el álbum de la cantante británica a partir de hoy.

Aprovechando su buena racha entre que ‘Levitating’ al fin es un hit mundial y que hoy llega a las plataformas este nuevo single -y queda un videoclip por estrenar-, Dua Lipa ha anunciado concierto en streaming, como recientemente han hecho Billie Eilish o Kylie Minogue. Volviendo a aunar pasado y futuro, el concierto lleva por título ‘Studio 2054’ y podrá verse a partir del 27 de noviembre.

Según la nota de prensa oficial, ‘Studio 2054’ será un «viaje caleidoscópico a través del tiempo, el espacio, las bolas de espejo, las postas de patinaje, los sombreros de copa, los ritmos contundentes, los bajos palpitantes y un absoluto canastazo con lo mejor de todos los tiempos visto en la cultura de clubs a lo largo de las décadas». La misma nota indica que ‘Studio 2054’ será «más una película en vivo que un concierto típico» y que, en ella, podremos ver a Dua «merendándose la pista de baile» junto a un puñado de «invitados estelares, performers sorpresa, acróbatas y artistas». Sonarán tanto el debut de Dua como ‘Future Nostalgia’ y su versión remezclada.


Escucha lo nuevo de Ariana Grande, Avalanches, Dizzee Rascal, Ane Brun, Becky G con Ozuna…

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Jordi Bardají
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Este viernes llegan al mercado los nuevos trabajos discográficos de Ariana Grande, Oneohtrix Point Never, Sam Smith, Bring Me the Horizon, Meghan Trainor, Elvis Costello, Rozalén, Camelphat, Eels, Common, Andrew Bird, Antonio Orozco, Busta Rhymes, Dizzee Rascal, Jojo, Suuns, Salem (sí, los del witch-house), Amy McDonald, Ane Brun, LEÓN o Petit Biscuit. Esta semana también ha visto la luz un nuevo álbum sorpresa de Autechre, el segundo en apenas dos semanas.

A lo largo de los últimos cinco días también hemos conocido un puñado de nuevos temas de los que cabe destacar algunas interesantes colaboraciones. Hablamos de las de BENEE con Lily Allen y Flo Milli en ‘Plain‘, The Avalanches con Leon Bridges en un ‘Interstellar Love’ inspirada en el romance entre Ann Druyan y Carl Sagan y que utiliza un fragmento de ‘Eye in the Sky’ de Alan Parson’s Project; Oneohtrix Point Never con The Weeknd en uno de los cortes que presentan su inminente nuevo disco, que reseñamos hoy en portada; Bill Callahan y Bonnie «Prince» Billy en una curiosa versión de ‘Wish You Were Gay’ de Billie Eilish; Busta Rhymes con Kendrick Lamar en ‘Look Over Your Shoulder’; o Karen O con Willie Nelson en una versión de ‘Under Pressure’ de Queen y David Bowie.

Entre las novedades de hoy, a señalar el nuevo single sorpresa de Bad Bunny con Jhay Cortez y la macro-colaboración de 7 minutos de Yung Beef con hasta siete artistas chilenos, estos son, Juliano Sossa, Drago 200, Uzii Gaang, Khaled, Harry Nach, Pablo Chill-E y Pipo Beatz. También en el plano nacional encontramos lo nuevo de Kiko Veneno, Nena Daconte, Jack Bisonte, Lola Indigo con Beret, Confeti de Odio con Alicia te quiero, Papa Topo con Maria Daniela y su Sonido Láser, El Hijo, Rosario La Tremendita, GUINEU, Izah o Ganges. Aitana publica single de reggaetón con Danna Paola y Luisa Sónza. En el plano internacional, Cass McCombs llama al voto junto a Angel Olsen, Bob Weir y… Noam Chomsky, Eleni Foureira vuelve a la pista de baile con ‘Light it Up’, Becky G busca petarlo otra vez con Ozuna, y también presentan nuevos temas Dirty Projectors, Tierra Whack, Empress Of con Amber Mark, The Knocks con Foster the People, largo etcétera.

Todos estos temas aparecen hoy en un adelanto de nuestra playlist de novedades junto a otros que comentamos en portada como ‘La estación espacial de Teruel’ de Maren, hoy nuestra «Canción Del Día», o ‘Happy’ de Danny Elfman, su primer tema en solitario en casi cuatro décadas. Atentos a nuestra playlist para escuchar las novedades que quedan por salir.

Ava Max estrena vídeo cochero para uno de sus temas… pero triunfa más bien con otro

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Jordi Bardají
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Ava Max ha sorprendido este año publicando un disco en el que ha dado rienda suelta a su pasión por el pop de los primeros años 2000, de Lady Gaga a Eurovisión, y de hecho ha conseguido triunfar más en Europa que en Estados Unidos, su país de origen, pues su sonido no puede ser más europeo en realidad. Aunque ‘Heaven & Hell‘ ha sido certificado como Disco de Oro en los «states», su tendencia a la baja en el Billboard está a punto de hacer desaparecer el disco de la clasificación, pues ahora mismo ocupa el número 124, mientras en Reino Unido se mantiene en el número 46.

Ahora, la cantante estrena el videoclip de uno de los temas de su disco que mejor han funcionado (y no, ‘Naked’ no ha sido uno de ellos lamentablemente). ‘OMG What’s Happening’ es uno de sus cortes más europop, y el videoclip automovílistico con elementos del «western» reincide en el lado más «kitsch» de la estética de esta artista. El single apenas ha sido top 17 en Finlandia, mientras en otros países ha registrado posiciones mucho más modestas, pero lo curioso es que la canción de Ava que lo está petando ahora es anterior.

Publicada hace eones, en concreto en el mes de marzo, en pleno auge de la pandemia, ‘Kings & Queens’ es AHORA una de las canciones más escuchadas… en todo el mundo. Mediatraffic no engaña y, en concreto, es la canción número 26 más exitosa en el globo, haciendo «sándwich» entre los éxitos de Lewis Capaldi y Saint Jhn. En Estados Unidos es una de las 15 más radiadas (número 12), y en Spotify es una de las más reproducidas en los top 50 de países como Australia, Países Bajos, Bélgica o Austria. En la plataforma sueca, ‘Kings & Queens’ se aproxima a los 300 millones de escuchas nada menos. Confirmándose más como una artista de singles que de discos, Ava no deja de triunfar. ¿Apostará por ‘Tattoo‘ en algún momento?

Danny Elfman presenta ‘Happy’, su primer tema en solitario en 36 años

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Jordi Bardají
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Danny Elfman, compositor conocido por sus bandas sonoras para las películas de Tim Burton, vuelve con su primer tema en solitario en 36 años. El artista ha compuesto incontables obras para cine, televisión, videojuegos, largo etcétera, pero su último álbum de estudio en solitario hay que situarlo en el año 1984, cuando vio la luz el álbum ‘So-Lo’, considerado en realidad el cuarto disco de su grupo de «new-wave» ya extinto Oingo Boingo.

A nadie se le escapa que Danny Elfman vuelve a tiempo para Halloween, y ‘Happy’ no es una canción precisamente feliz, en el estilo de la de Pharrell Williams o la de Marina. Más bien se encuentra en ese punto medio entre cordura y locura que siempre ha caracterizado su trabajo musical para largometrajes. Él directamente la llama «absurda» y «anti-pop» porque alterna una primera parte siniestra en su estilo, con otra más «abrasiva». Por su parte, la letra se limita a enunciar un par de frases que chocan por su significado: «¡qué feliz soy!» y «todo se está derrumbando» aparecen yuxtapuestas para reflejar el componente de delirio plasmado en la canción. Elfman dice que la «naturaleza cínica de la letra refleja cómo me siento viviendo en un mundo semi-distópico que está vuelto del revés». Una canción muy 2020, desde luego.

El compositor también ha compartido unas palabras sobre Halloween: «Siempre he disfrutado Halloween porque es una noche para dejarse llevar, para convertirse en algo o en alguien. Es una noche para celebrar a los muertos, y a los fantasmas y monstruos de todo tipo. Es una noche para que los mutantes, los zombis, los vampiros, los marginados y los herejes se celebren a sí mismos. Y junto al Día de los Muertos de México, es una noche para celebrar a los espíritus del más allá… y para reírte de la muerte en la cara».

Oneohtrix Point Never / Magic Oneohtrix Point Never

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Jordi Bardají
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Oneohtrix Point Never ha basado su carrera en mirar hacia el pasado. Sus discos están inundados de samples de viejos anuncios de televisión, canciones de pop de radiofórmula ya olvidadas, transmisiones radiofónicas inútiles más allá de su contexto original que él ha sabido reciclar magistralmente… ¡Hasta es uno de los pioneros del “vaporwave”! Muchas de sus composiciones son obras maestras del diseño sonoro del siglo XXI, pero Daniel Lopatin ha topado con una encrucijada: el artista es cada vez más popular, su trabajo en el campo de las bandas sonoras y en discos de artistas como The Weeknd ha elevado su perfil exponencialmente, pero sus discos recientes carecen de la magia de antaño. Cuanto más “accesibles” se vuelven sus discos, cuanto más buscan asemejarse a un “disco pop de Oneohtrix Point Never”, menos impacto producen a largo plazo, al menos para quienes le descubrimos hace ya casi una década.

Como sin ideas de hacia adónde ir en su siguiente paso, Oneohtrix Point Never ha decidido que es momento de homenajearse a sí mismo. ‘Magic Oneohtrix Point Never’ es el nombre con el que Daniel Lopatin publicó su primer disco en 2007, surgido del de una estación de radio de Boston cuyo dial (el 106.7) el músico escuchó mal un día, y su estructura “junta la lógica de transmisión de las franjas horarias de la radio, comenzando por la mañana y terminando por la noche”. Es decir, ‘Magic Oneohtrix Point Never’ busca replicar una experiencia que puede parecer anacrónica en la época del streaming com es la de escuchar la radio, y poner el foco en una experiencia que en nuestra vida diaria suele ser secundaria, estar en segundo plano.

En papel, el concepto de ‘Magic Oneohtrix Point Never’ funciona, pero el álbum falla en dos elementos fundamentales: las transiciones entre canciones no son tan inmersivas como probablemente Daniel Lopatin cree, a pesar de que interludios como el de ‘Cross Talk II’ son intrigantes, y las canciones pop tampoco son las mejores aunque desprendan cierto magnetismo. ‘Long Road Home’ es una buena composición que aúna pop sinfónico con voces procesadas y que está adornada con la inconfundible voz operística de Caroline Polachek, que canta sobre “sueños que se funden en un brillo digital”. Por su parte, ‘I Don’t Love Me Anymore’ es una composición típica de ‘Garden of Delete’ en cuanto a que Lopatin utiliza los códigos del pop-rock para destruirlos in situ mediante disparos de ruido digital. Lo mismo sucede en la empalagosa balada Lost But Never Alone’. Y el mismo Abel Tesfaye aparece en ‘No Nightmares’, una bonita -si bien intrascendente- balada inspirada en el olvidado dueto entre Phil Collins y Marilyn Martin de 1985 ‘Separate Lives’. En todos los casos, Lopatin demuestra ser un estupendo diseñador sonoro, no tanto un hábil compositor pop.

No puede sorprender a nadie entonces que los momentos más estimulantes de ‘Magic Oneohtrix Point Never’ sean también los más abstractos. Las florituras electrónicas y voces fantasmagóricas de ‘Auto & Allo’ remiten a ‘Replica’ para después introducir un segmento de pop sinfónico como de la nada, y en ‘Imago’ esta misma fórmula, que incluye unas cuerdas colosales capaces de dividir los mares, da lugar a la composición más escalofriante de todo el largo. El trabajo de Oneohtrix Point Never en el mundo de las bandas sonoras da lugar a cortes tan intrigantes como el conjunto de melodías sinfónicas, efectos acuáticos y voces espectrales de ‘Answering Machine’, y los ecos a obras previas de Lopatin no acaban aquí. ‘The Weather Channel’, un título más “vaporwave” imposible, presenta la típica composición ansiosa, esquizofrénica, deslizante del Oneohtrix Point Never de ‘R Plus Seven’ pero incluye también un sonido de cuerdas oceánico… y una segunda parte que recupera el sonido de batería mítico de los años 80. Y ‘Shifting’ cuenta con la participación de Arca para otro enriquecedor entramado de ambientaciones y percusiones que sí logra un balance casi perfecto entre el Oneohtrix Point Never del pasado y el actual.

El nuevo disco de Daniel Lopatin se guarda una pequeña joya para el final llamada ‘Nothing’s Special’. El músico se ha especializado en componer un tipo de balada que parece descomponerse a medida que avanza, y decide cerrar el álbum con una de ellas. ‘Nothing’s Special’ es una pieza oscura, introspectiva y emotiva que nos traslada definitivamente a lo más profundo de la noche, como esa transmisión de radio que ha llegado a sus emisiones nocturnas. Es otra composición meticulosa de un artista que ha demostrado su genialidad en numerosas ocasiones, pero que definitivamente parece haber perdido la chispa presentes en sus mejores trabajos, ya absorbido por Hollywood. La paleta de sonidos de Lopatin sigue siendo fascinante, absolutamente única y con razón ha influido a numerosos artistas contemporáneos, simplemente quizá dentro de un contexto pop no tenga demasiado sentido, ni termine de crecerse del todo.

Calificación: 7,1/10
Lo mejor: ‘Long Road Home’, ‘Auto & Allo’, ‘Answering Machine’, ‘Shifting’
Te gustará si te gusta: Tim Hecker, Steve Hauschildt, Laurel Halo, Caroline Polachek, Andy Stott
Youtube: vídeo de ‘Long Road Home’

Si ni Adele ni Drake sacan disco en 2020… ¿quién sí?

Por
Sebas E. Alonso
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Adele nos acaba de mandar a paseo en Instagram. Al menos a los que nos preguntamos todo el tiempo cuándo saldrá el sucesor de ‘25‘, el último disco que ha vendido 20 millones de copias, hace 5 años. En un post en el que da las gracias por su participación en Saturday Night Live, la autora de ‘Someone Like You’, que ya había dicho que su disco no estaba terminado, afirma que vuelve «a su cueva» y se despide «hasta el año que viene».

En la línea, Drake, que viene retrasando su álbum desde el pasado verano, compartía un teaser el pasado fin de semana que situaba el lanzamiento de su nuevo disco, ‘Certified Lover Boy’, el próximo año ya. El usuario JonPGz se preguntaba en nuestro foro de Drake si el canadiense retrasaba el álbum por Adele, pero lo cierto es que al final ni una ni otro moverán ficha, lo cual deja el calendario libre para otros lanzamientos. Demasiado.

Por supuesto salen discos interesantes en breve, como esta misma noche lo nuevo de Ariana Grande. En Reino Unido están llamados a triunfar los nuevos discos de Little Mix y Kylie Minogue, que además competirán por el número 1 la próxima semana; en diciembre habrá nuevos discos de Niño de Elche, Smashing Pumpkins, Bunbury, Avalanches y Paul McCartney; por Black Friday podremos tener lo nuevo de Miley Cyrus entre las manos… pero falta ese disco capaz de vender millones en Navidad, como en otras ocasiones hemos tenido los álbumes de Taylor Swift, Beyoncé -por sorpresa- o Adele.

En medio de una pandemia, y en concreto de una segunda ola que acaba de volver a confinar un mercado tan grande como Francia, son muchos los lanzamientos que van a aplazarse. El mánager de Adele indicaba que por esta circunstancia su disco no había podido ir grabándose con normalidad. Cabe preguntarse si alguna de las superestrellas que han estado grabando se atreverán a dar el paso, aunque solo sea para llevarse toda la atención mediática por falta de competencia. A estas alturas ya nadie saca siquiera el nombre de Rihanna, y Cardi B está entre las que parecen concentrarse en 2021, ¿pero un Kendrick Lamar aprovechando las elecciones presidenciales? ¿El disco perdido de Kanye West? ¿Justin Bieber tras la buena acogida de ‘Holy’ y ‘Lonely’, ambas en el top 10 global de Spotify? ¿En España entendemos que es seguro lo nuevo de C. Tangana como «El madrileño«, aún sin fechar?

Es comprensible que muchos de estos discos no puedan llegar a tiempo, pero el público va a necesitar algo más que una distracción suelta, probablemente unas 20, para no volverse loco este otoño. La música pop, con lanzamientos como los de Dua Lipa, Lady Gaga o Taylor Swift; a otra escala Jessie Ware y Róisín Murphy; y en el mundo del rock Fontaines DC y Triángulo de Amor Bizarro; ha sido lo que ha salvado nuestro año del aburrimiento más absoluto. Los gallegos aseguran que acaban de mandar nueva música a fábrica, y aunque solo sea un single… así da gusto.

Maren asume que es un alien en ‘La Estación Espacial de Teruel’

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Sebas E. Alonso
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Hace unos meses os hablamos de Maren -no confundir con Marem Ladson– con motivo de su tema ‘Te invito a mi piscina (para matarte)’. La cantante vasca que el gran público tuviera ocasión de conocer en La Voz Kids está a punto de cumplir 18 años -sucederá el próximo 30 de noviembre- y lo celebra con un lanzamiento nuevo y anunciando un concierto con nueva banda que tendrá lugar el domingo 29 de noviembre, es decir, dentro de un mes, en el Teatro Campos Elíseos de Bilbao.

La nueva grabación, que recibe el nombre de ‘La Estación Espacial de Teruel’, ha sido producida por REYS (Sergio de Miss Caffeina), Carlos Dueñas y la propia Maren. Su voz, que tanto puede agradar a los seguidores medio huérfanos de Russian Red, se sumerge aquí en una producción de pop-rock en la que despuntan los sintetizadores, tomados prestados de la primera era de La Casa Azul.

En cuanto a la letra, recurre a la ciencia ficción que tanto ha sido mimada sobre todo por los grupos de punk pop e indie pop (de Los Vegetales a La Monja Enana), pues la artista recibe una llamada de «la estación espacial de Teruel» porque «han perdido una extraterrestre». A partir de ahí «Soy un alien, ¿cómo es que no me lo habías dicho antes?» se convierte en el contagioso estribillo, y la grabación despega del todo con los teclados celestiales del final, cuando se pasa de la negación de ser «un alien» a la aceptación.

Al tiempo, suena de fondo una locución medio ininteligible, en la que entendemos a Maren encantada de poder «volar» y hacer otras cosas que «antes no podía». Una celebración de lo raro y de lo diferente llena de significado que es nuestra «Canción del Día» de este jueves.

Lo mejor del mes:

Busta Rhymes vuelve a lo grande tirando de Kendrick Lamar y Jackson 5

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Sebas E. Alonso
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Busta Rhymes publica mañana un disco llamado ‘Extinction Level Event 2: The Wrath of God’, que se promociona hoy con un single de lujo. ‘Look Over Your Shoulder’ relega gran parte de su protagonismo en dos pilares fundamentales: por un lado el incansable rap de Kendrick Lamar, de cuyo nuevo disco no sabemos nada, y por otro un sample de ‘I’ll Be There’ de Jackson 5.

De ahí sale el gancho de la canción «don’t you know baby» y «you need me» -de la parte final de la original- y el propio título del tema. Estamos ante la enésima reivindicación de Michael Jackson de este año, tras las realizadas antes por Drake y Kanye West. Bajo estas líneas, os dejamos con la balada original.

Es en el segundo verso de ‘Look Over Your Shoulder’ donde Busta Rhymes toma la palabra sobre el delicado piano que sitúa esta producción en el hip hop de los primeros años de siglo XXI. Busta Rhymes lo vendía todo a finales de los años 90 y principios de los 2000 con álbumes como ‘When Disaster Strikes…’ y ‘Genesis’. El nuevo es su primer disco de estudio desde 2012, aunque a finales de 2015 hizo una mixtape y ha seguido apareciendo en multitud de lanzamientos.

En el disco nuevo de Busta Rhymes encontramos singles ya editados como ‘The Don and the Boss’, ‘Yuuu’ con Anderson Paak y también colaboraciones de Rick Ross y Mariah Carey, entre muchísimos otros.

Pop Smoke vende 2 millones desde el más allá, The 1975 se la pegan en el más acá

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Sebas E. Alonso
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Hits

‘Shoot For The Stars, Aim For The Moon’ es definitivamente uno de los discos más exitosos del año tras haber rebasado el equivalente a 2 millones de unidades vendidas según las estimaciones de Mediatraffic. El álbum debut y a la vez póstumo de Pop Smoke -antes sacó 2 mixtapes- ha sido número 1 en Reino Unido y Estados Unidos y, lo que es más importante, 4 meses después de su edición el pasado mes de julio, continúa en el número 2 tanto en el caso de las islas británicas, como en el norteamericano.

Además de haber recibido certificaciones en estos dos países, más las que le quedan, pues esto no se va a ir ya a ningún sitio durante el próximo año, el álbum ha sido platino en Dinamarca, oro en Francia, Nueva Zelanda y Suecia. El disco fue top 10 en Francia, Italia y Alemania, mientras España es uno de los países en que peor le ha ido. Aquí tan solo ha sido número 26. Eso sí, 4 meses después, se mantiene fuerte en el 34, lo cual es mejor que entrar alto y después desplomarse.

Los temas de éxito son la medio bailable ’What You Know Bout Love’, que esta semana sube al 4 en Reino Unido, tras haberse viralizado en TikTok; la acústica ‘For the Night’ con Lil Baby y DaBaby, que permanece en el top 13 en Estados Unidos tras haber sido número 6; y ‘Mood Swings’, que en su momento fue también top 5 en Reino Unido. La espontaneidad con que esta también ha calado en TikTok ha podido con los que fueron los singles oficiales del álbum, ‘Make It Rain’ y ‘The Woo’.

Esta semana se ha promocionado también un nuevo vídeo para la canción con Quavo, ‘Aim for the Moon’, en el que vemos a un actor haciendo de Pop Smoke de pequeño, rapeando y hundido en pasta. El álbum tiene 34 pistas, lo que contribuye sin duda a su éxito al sumar streamings y más streamings. El artista de Brooklyn fallecía en febrero de este año tras recibir dos disparos en una casa de California a la que entraron unos asaltantes. Cuatro personas entre 15 y 19 años han sido acusadas del delito.

Flops

Lo han retrasado varias veces, pero finalmente The 1975 sí han sacado su álbum ‘Notes on a Conditional Form’ este año. Eso sí, no pueden decir que haya alcanzado el estatus multiplatino en Reino Unido de ‘The 1975’ (que vendió 2 millones de copias como las de Pop Smoke), el platino de ‘I Like It When You Sleep’, ni el oro de ‘A Brief Inquiry Into Online Relationships’.

El álbum ha sido número 1 en las islas exactamente igual que los 3 discos de The 1975 restantes, pero después no ha conseguido ni mantenerse ni resurgir, cayendo en el olvido. He aquí un dato significativo: de la media docena de singles extraídos de ‘Notes on a Conditional Form’, la única que permanece entre sus canciones más escuchadas en Spotify es ‘If You’re Too Shy (Let Me Know’)’ y en una versión “radio edit”.

Pese a lo mediáticos que son, la popularidad de The 1975 extrañamente puede considerarse decadente: su primer disco resistió 168 semanas en lista, el segundo 71, el tercero 44 y este cuarto solo ha estado en las listas británicas 7 semanas, es decir, menos de 2 meses.

Ni que decir tiene que Reino Unido es su principal bastión: el álbum estuvo tan sólo 2 semanas en todo el Billboard 200. Suponemos que lo espantoso de singles como ‘People’, los continuos retrasos, la falta de decisión y anticipación y la pandemia mataron todo el hype de este disco, que escondía canciones tan buenas como ‘Me & You Together Song’, que han pasado desapercibidas. ¿Apostamos a que ya planean un comeback mejor organizado?

“David antes de Bowie”: primer tráiler de ‘Stardust’, que no ha conquistado a la crítica

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Sebas E. Alonso
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Este otoño se estrena, al menos en cines estadounidenses, ‘Stardust’, la película sobre David Bowie en la que Johnny Flynn ejercerá de protagonista, Marc Maron hace de Ron Oberman y Jena Malone de Angie Bowie. La cinta se centra en 1971, cuando el artista estaba desarrollando el personaje de Ziggy Stardust para su obra maestra del año siguiente. El cartel de la película tiene el lema “David antes de Bowie” refiriéndose a esa condición, pese a que ya llevaba un par de años firmando con este nombre.

La película de Gabriel Range no ha entusiasmado a la crítica tras su pase en algunos festivales internacionales de pequeño tamaño, obteniendo de momento un suspenso en Metacritic. The Hollywood Reporter critica la ausencia de música del artista y lo convencional que es el retrato de una estrella de rock para alguien como Bowie, aunque elogia el trabajo de los actores; reseña que comparte más o menos Indiewire al decir algo así como que juega «demasiado sobre seguro».

En el tráiler se habla de experimentalidad, posibilidades comerciales, aspiración al éxito y travestismo, para dejar el mensaje de que América no estaba preparada para el artista británico, al tiempo que se recrea una de sus actuaciones. Previamente se había compartido una escena de la cinta. De momento desconocemos si habrá estreno en España; el estreno en Estados Unidos está previsto para el 25 de noviembre.

Ela Minus / acts of rebellion

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Jordi Bardají
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Ela Minus es una artista fascinante. No solo ha sido capaz de publicar dos pepinazos de tecno-pop como ‘they told us it was hard, but they were wrong.‘ y ‘megapunk’ que están llamados a arrasar en los festivales venideros (si hay), sino que su propio trabajo también puede considerarse un «acto de rebelión» en sí mismo (así nos lo ha asegurado ella misma en una entrevista que publicaremos próximamente). La colombiana Gabriela Jimeno solo produce música electrónica con máquinas analógicas e incluso construye las suyas propias. Con un pasado hardcore -formó parte de la banda emo Ratón Pérez- la música de Ela Minus aúna «DIY» con potencial masivo. Y su primer disco es una carta de presentación estupenda para adentrarse en su universo.

Formada en un Berklee College of Music por el que ha pasado una lista interminable de artistas, de Quincy Jones a Empress Of, Ela Minus empezó a ir a discotecas en Boston sola para familiarizarse con la noche de ese lugar, y después abandonó el centro lamentando su obsesión por la competición. La artista pasó entonces a recibir clases de Terri Lyne Carrington, antiguo batería de Herbie Hancock, quien le enseñó el poder de la improvisación y la importancia de «encontrar tu propia voz».

La voz de Ela Minus está anclada en su pasión por Kraftwerk, pero también en el punk y en el tecno berlinés. Con estos elementos, la artista ha hecho un disco oscuro, introspectivo, vagamente personal y político, que alterna ritmos sísmicos con otros más atmosféricos, en ambos casos bañados en un reverb que hace sonar sus canciones como si sonaran dentro de templos. ‘they told us it was hard, but they were wrong.’ es uno de esos temas de tecno-pop apoteósicos que capturan el poder mágico, curador, de la música electrónica, y ‘el cielo no es nadie’ nos lleva directamente a las entrañas del Berghain de Berlín para recordarnos la importancia de los pequeños detalles: «es más difícil dar el tiempo, que el cielo entero».

A Kraftwerk recuerdan los ritmos mecánicos de ‘dominique’, uno de los medios tiempos de este ‘acts of rebellion’ dedicados al baile como «acto político’: «no quiero dormir hasta que salga el sol» es la sentencia que deja esta canción inspirada en el aislamiento que ha traído el coronavirus, y en la que Gabriela expresa: » no he visto a nadie en dos días, me temo que he olvidado cómo hablar con alguien que no sea yo». Por su lado, el modesto tecno-pop de ‘tony’ superpone el futuro plasmado por la música electrónica con un pasado sin sobreinformación ni déficits de atención: «no seas tan moderno, bailemos como mis abuelos» es su gran lema.

Entre interludios atmosféricos como el amniótico ‘do whatever you want, all the time.’, el cual, a pesar de su expresivo título, o de hecho debido a ello, no contiene letra alguna, pues todo queda dicho en esa misma frase, hay que destacar el pizpireto tema final con Helado Negro ‘close’, que evoca a ‘Homogenic’, y sobre todo el dance-punk del que es otro de los grandes himnos de Ela Minus. Aparte de venir con titulazo y también con ecos al electroclash de los años 2000, ‘megapunk’ es el tema más abiertamente político del disco, llamando a la acción en frases como «no conseguirás que paremos la carrera» o «no nos queda otra que luchar».

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘they told us it was hard, but they were wrong.’, ‘megapunk’, ‘el cielo no es de nadie’
Te gustará si te gusta: Moderat, Four Tet, Thom Yorke
Youtube: audio de ‘megapunk’

Adele recibe críticas por su escena en Saturday Night Live sobre el turismo sexual en África

Por
Jordi Bardají
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Adele se libró de las críticas por apropiación cultural cuando acudió a una festividad caribeña de Londres con moños bantú porque se entendió -razonablemente- que se estaba integrando en dicha festividad. Ahora la británica se enfrenta a críticas por uno de los ‘skits’ en los que ha participado en Saturday Night Live, en el que ella y dos actrices interpretan a dos mujeres blancas que viajan a África en busca de sexo con «hombres de las tribus» y de sus «enormes bambús».

Todo en Saturday Night Live es una sátira y una broma, pero la emisión de esta escena ha sentado particularmente mal pues coincide con las protestas en Nigeria por la brutalidad policial que han dejado decenas de muertos. No ha ayudado nada a apaciguar las críticas que precisamente esta sea la escena de Saturday Night Live en la que Adele se sale del personaje porque no puede aguantarse la risa.

En Twitter, una persona ha expresado que «la escena de África es ignorante, ofensiva e inapropiada» ya que «hombres y mujeres en Nigeria, Namibia, África del Sur y la República Democrática del Congo están luchando por sus vidas y reducir el continente a un destino sexual para mujeres blancas es vergonzoso». Otra persona ha apuntado directamente a Adele: «la misma mujer que está saliendo con un hombre negro y lleva moños bantú ha decidido que es buena idea aparecer en un skit sobre mujeres blancas divorciadas que viajan a África para fetichizar a los hombres negros» (se rumorea que Adele sale con el rapero Skepta).

Sin embargo, la escena también ha producido elogios de quien ha entendido que su burla hacia las mujeres blancas retratadas -y no hacia los hombres africanos- no puede ser más clara. Una persona ha escrito: «soy de África del Sur y esta es una representación terriblemente preciso del modo en que las mujeres americanas se comportan cuando están en África». Y otro ha dicho que «el sentido de la escena es (visibilizar) que (todo esto del turismo) sexual es ridículo». Y luego hay quien simplemente no ve en este ‘skit’ nada ni divertido ni ofensivo, sino simplemente aburrido.

Kanye West tiene razón: ‘Friends’ «no era divertida»

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Jordi Bardají
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Jennifer Aniston ha sido noticia estos días tras publicar un mensaje en el que insta a votar a Joe Biden en las elecciones presidenciales estadounidenses, ya a la vuelta de la esquina. Su escrito dice: «Ahora mismo, unos pocos hombres en el poder están decidiendo lo que las mujeres pueden hacer o no hacer con sus propios cuerpos. Nuestro presidente actual ha decidido que el racismo no es un asunto que tratar en absoluto. Ha ignorado repetidamente y públicamente a la ciencia… demasiada gente ha muerto». La actriz apostilla: «No es divertido votar a Kanye. No sé qué más decir. Por favor, sed responsables».

El rapero aludido, que está interesado en gobernar el país, y de hecho ha podido presentar su candidatura oficialmente en varios estados, ha contestado a la actriz en una serie de tuits que ya han sido borrados, pero que ha conseguido capturar un tabloide británico. En uno de ellos decidía atacar a Aniston afirmando que ‘Friends’ «no era divertida». No sabemos cuánta gente a su alrededor ha emitido un jadeo de «shock» ante esta afirmación, pero Kanye vuelve a demostrar que va a contracorriente. Y en este caso no le falta razón.

‘Friends’ era una serie muy divertida… o al menos así la recordamos muchos, pero también tenía sus detractores: depende de a quién preguntes, los personajes eran unos palurdos, la amistad de todos ellos era completamente inverosímil y una gran cantidad de escenas -especialmente las de Ross- daban vergüenza ajena. En realidad, todo esto sigue siendo cierto a pesar de que la serie provoque alguna que otra risa a día de hoy, y su visionado en 2020 lo confirma, pues la serie ha caído víctima en los últimos años del revisionismo «millennial» y, desde este punto de vista, no ha podido envejecer peor.

Es fácil afirmar que ‘Friends’ es una serie de los 90 y, por tanto, que debe ser vista como tal, sin tener en cuenta lo que ha cambiado el mundo 25 años después; pero más fácil es ampararse en la nostalgia y en el dicho de que todo lo pasado siempre fue mejor. Sin embargo, ya en los 90 había series como ‘Frasier’ o ‘Will & Grace’ que no caían en los chistes más burdos y fáciles imaginables sobre el peso o la vestimenta de las mujeres, la comunidad LGBT o la sensibilidad masculina. Especialmente el concepto de «masculinidad tóxica» es inevitable hoy en día a la hora de hablar de Ross, Chandler y Joey, tres personajes cuya misoginia se daba por sentada en la serie, como respirar, y servía para dar lugar a todo tipo de burlas hacia las mujeres.

Los defensores de ‘Friends’ recuerdan que la serie fue pionera en incluir una pareja de madres lesbianas en su argumento. Al margen de que Ross trataba a estas dos personas con desprecio, la presencia de esta pareja en la serie es de lo poco que ha envejecido bien. Porque ‘Friends’ tuvo sus momentos buenos, pero la serie fallaba en lo fundamental, ya que la diversidad en el reparto era inexistente a pesar de que su precedente inmediato fue una sitcom negra estrenada previamente; y la cantidad de chistes homófobos y tránsfobos presentes en su guion no solo serían inadmisibles hoy en día, sino que además tenían la misma profundidad que los papeles absolutamente estereotipados de sus seis protagonistas: cero. Lo único bueno de ver ‘Friends’ hoy en día es darse cuenta de lo mucho que hemos evolucionado, aunque aún quede mucho por hacer. Te invitamos a opinar sobre ‘Friends’ en nuestros foros.

¿Se ha parado la fábrica de hits de Sia?

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Jordi Bardají
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Sia ha vuelto este año a la actualidad musical con una serie de singles bastante distintos entre sí, dos de los cuales forman parte de la banda sonora de ‘Music’, la película que ha dirigido y que está protagonizada por Maddie Ziegler. Tanto película como banda sonora siguen sin fecha de edición, mientras el próximo álbum de estudio como tal de Sia, ‘Reasonable Woman‘, se espera para el año que viene. Los otros singles son ‘Del Mar’ con Ozuna y Doja Cat y ‘Let’s Love’ con David Guetta. También ha visto la luz este año la balada solidaria ‘Saved My Life’.

Hace un tiempo era fácil adivinar que un tema de Sia iba a ser un éxito porque la artista estaba en todas partes, pero la recepción a ‘Together‘ y ‘Courage to Change‘ no ha sido para tirar cohetes. Puede que sus cifras en streaming estén bien, pero su paso por radios y listas oficiales ha sido muy modesta, y esto se debe a dos posibles factores, 1) el público ha entendido que este proyecto cinematográfico de Sia no merece la misma atención que sus álbumes de estudio, como le ha pasado a Beyoncé o 2) son composiciones mediocres. A todas luces, ‘Together’ y ‘Courage to Change’ son buenas canciones en papel, pero siguen una fórmula ya muy trillada en el repertorio de la Sia post-‘1000 Forms of Fear’ sin ofrecer ningún matiz nuevo o interesante. Son como dos canciones de relleno de un disco de Sia publicado en los últimos 7 años (‘Courage to Change’ ya apareció en un disco de P!nk el año pasado).

Irónicamente, las mejores canciones que ha presentado Sia este año pertenecen en realidad a otros artistas. La cucada veraniega de ‘Del Mar‘ de Ozuna con Doja Cat no ha llegado a tiempo para ser una de las canciones del verano, tampoco está siendo una de las canciones del otoño a tenor de su paso por listas, pero, al menos, musicalmente ofrece un contexto más o menos nuevo en el que escuchar la voz de la australiana, que aquí se infantiliza de manera adorable cantando sobre darse un chapuzón. Es una pena que la propia Sia parezca tan ajena a esta canción que no ha aparecido ni en sus presentaciones en vivo ni en su videoclip oficial. Es como si para ella simplemente no existiera.

Por otro lado, ‘Let’s Love‘ con David Guetta tampoco ha buscado el nuevo ‘Titanium’, sino más bien adaptarse a los tiempos en que ‘Blinding Lights’ es la canción más escuchada en todo el mundo. De nuevo, comercialmente no ha sido un hitazo, aunque sí ha sido número 1 en Israel, pero no se puede decir que el sonido de ‘Let’s Love’ fuera esperado por los fans ni de Guetta ni de Sia. Dentro de lo retro, de lo nostálgico, es un tema estupendo que se pega más de lo que parece en un principio, y aporta un sonido que Sia haría bien en seguir explorando.

Es fácil asumir que Sia no está obteniendo los éxitos de antaño porque su música ya no interesa como antes o porque no ha sabido renovarse, pero si algo ha demostrado la artista en su carrera, es que no hay que dar nada por sentado: ¿alguien vio venir que ‘Cheap Thrills’ o ‘The Greatest’ iban a ser tamaños macrohits? Sin embargo, ‘Music’ parece, en papel, un proyecto llamado a marcar su carrera, ya que lo tiene todo: la estética infantiloide se siempre, canciones bombásticas como ‘Together’, la presencia de Maddie Ziegler… ¡hasta queda una película por estrenarse! Quizás con su visionado terminemos de entender todo este universo que no termina de ver la luz, pero, de momento, la deriva de Sia, entre canciones propias y ajenas, es difícil de discernir.



Novio Caballo suman «celebritis» a su versión de McNamara con Viva Suecia y Axolotes

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Jordi Bardají
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Novio Caballo fue una de las bandas revelación del año pasado gracias al lanzamiento de su hitazo electro-punk ‘Jesús es negro‘. Su sello, Mushroom Pillow, los describía entonces como una mezcla entre El Columpio Asesino y McNamara, mientras también parecía haber en su sonido restos de Radio Futura o Mendetz.

Ahora el grupo valenciano ha decidido llevar la comparación de su sello con McNamara al siguiente nivel versionando al segundo. La canción escogida es ‘Celebritis’, hoy por hoy la más escuchada de aquel olvidado disco que Fabio McNamara y Glitter Klinik (el grupo de Luis Miguélez) publicaron en el año 2009, y en la que McNamara se dedicaba a mencionar una ristra de celebridades que en aquel momento plagaban las páginas de los tabloides, incluidas las tres Marías (Britney Spears, Paris Hilton y Lindsay Lohan). La delirante composición parecía ofrecer un comentario satírico sobre el estilo de vida excesivo, artificial y «vanidoso» de estas figuras públicas (había mala baba en aquel gancho «a las celebritis, cuando están piripis les hecho confetis, con la pomulosis y la pomulitis»), si bien a su vez parecía celebrar el rol que estas figuras como proveedoras de entretenimiento social, pues la canción no puede ser más festiva.

En cualquier versión, ‘Celebritis’ es un pepinazo de lo más mamarracho, pero 11 años después, el tema ya no suena tan dance-punk y electroclash en manos de Novio Caballo, sino que el grupo formado por Luis M. Chafer, Fede Trillo, Nacho Galí, David Marco y Javi Gascón potencia en su versión las guitarras eléctricas, llevándola a un lugar más rockero pero sin abandonar la pista de baile. Y no es de extrañar, ya que la versión incluye la participación de miembros de Viva Suecia y Axolotes Mexicanos. Por supuesto, el grupo también ha adaptado la canción a los tiempos que vivimos y sumado a la letra una serie de «celebritis» nuevas entre las que aparecen de Kim Kardashian a Terelu Campos, de Miley Cyrus a Chavelita, de Taylor Swift a Belén Esteban. No, Britney no es mencionada a pesar de aparecer en la misma portada del single, en uno de sus momentos más… inolvidables.

«Lady Gaga es un referente para gente que lo ha pasado realmente mal en su adolescencia»

Por
Sebas E. Alonso
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Chavales nos conquistaron a principios de este año con un gran hit llamado ‘Las plantas de la terraza‘ y desde entonces han asentado su carrera en Elefant, sello de La Bien Querida y La Casa Azul, con un mini LP tan entretenido como ‘Tu foto en el techo‘. Los Smiths, The Tough Alliance, The Drums y Joe Crepúsculo están entre los grupos que nos vinieron a la mente escuchando su música, por lo que es una sorpresa que uno de sus miembros, Javier Paredes (delante, en la foto), haya querido hablar de Lady Gaga en «Meister of the Week«. Paredes es el nuevo invitado de nuestra sección comisariada por Jägermusic, en la que un artista habla sobre su pasión oculta, y recordemos que PUTOCHINOMARICÓN habló en ella misma sobre Charli XCX, antes de terminar desfilando por un concierto de Charli XCX. Esperemos que Javier corra una suerte similar.

¿Por qué has escogido hablar de Lady Gaga en esta sección? ¿Qué representa para ti y cuándo exactamente se convirtió en ese algo?
No me considero muy fan de nada en concreto o mitómano de algún famoso o artista, pero pensé en Gaga porque es de las pocas artistas que sigo desde que empezaron hasta ahora, con mayor o menor atención según la etapa. Su música me ha acompañado desde los 14 años más o menos y para mí representa disfrutar de un producto y artista sin prejuicios de ningún tipo, desde lo mucho que consigue motivarme o lo bien que me hace sentir. A veces según en qué momento me ha dado “cosa” decir que me gustaba según qué grupo, como Sabina en mi adolescencia, por ejemplo, porque nadie que conocía lo escuchaba, pero con Gaga nunca me ha pasado eso. Tengo recuerdos bastante guays en los que su música ha estado involucrada, como cuando vivía en Chile que salió ‘Perfect Illusion’ y me metí en mi cuarto mientras en mi casa había una fiesta para escuchar la canción tranquilamente y luego volver a la fiesta (me la puse bastantes veces).

¿Qué crees que la ha convertido en una especie de diosa para la gente diferente?
No sé si diosa, pero sí creo que es un referente para muchísima gente, gente que lo ha pasado realmente mal en su adolescencia, que no sentía que encajaba en ningún sitio, por ejemplo, y que ha encontrado en su música un espacio seguro en el que liberarse o sentirse mejor. No sigo mucho a su comunidad de fans, pero vi esto muy claro cuando fue a la 9ª temporada de RuPaul como invitada y una de las drags súper emocionada le dijo que prácticamente le había salvado la vida.

¿Cuál crees que ha sido el momento más punk o salvaje de su carrera?
Pues sus inicios fueron muy punks, creo, pero un momento que recuerdo que pensé en que se le había ido un poco de las manos fue en la etapa ‘ARTPOP‘ concretamente en su actuación en el festival SXSW cuando llevó a esa artista para que le vomitara encima. Creo que en ese momento estaba muy condicionada por el éxito de sus dos trabajos anteriores y quiso rizar el rizo, aunque no creo que fuera negativo, igualmente me pareció guay.

¿Cuál crees que ha sido su ida de olla más brillante? ¿El vestido de carne, el vestido volador de Volantis, anunciar concierto en la Luna en 2015…?
No sé si es ida de olla, pero la etapa con Bennett me pareció brillante, por decirlo así. Creo que le sirvió para hacerse respetar, por así decirlo, sin dejar de lado del todo su parte excéntrica y creo que le salió bien, la verdad. No me parecía que encajara para nada en ese estilo y sinceramente a veces no me la creía, pero le funcionó. Y lo del concierto a la Luna siempre pensé que fue un bulo, porque como que de repente nadie sabía nada de ese proyecto y no volvió a hablar de ello… pero hubiera sido genial.

«En muchas cosas que hace hay bastante postureo, eso es parte de ella también y de su manera de venderse al público»

Ella es muy fan de Iron Maiden, Metallica y cosas así, ¿crees que es real o hay ahí un poco de postureo? ¿Crees que ha logrado traspasar esa pasión a sus seguidores, que sus fans se sumergen a su petición en los discos de estos artistas?
Bueno, creo que en muchas cosas que hace hay bastante postureo, eso es parte de ella también y de su manera de venderse al público y el acercarse a este tipo de grupos no es una excepción, aunque eso no quita que realmente le puedan gustar. Y sí, pienso que cualquier artista de su nivel tiene la suficiente influencia como para hablar sobre un grupo cualquiera, aunque sea uno de folklore extremeño, por ejemplo, y conseguir que miles de personas les presten atención.

¿Qué te parece su versión más adulta, ‘Cheek to Cheek‘, ‘Joanne‘, ‘A Star Is Born‘?
Pues sinceramente creo que le ha venido bastante bien, sobre todo para conectar con un tipo de público que no confiaba en ella por su pasado más excéntrico y que, además, dudaba y juzgaba su capacidad como cantante y artista. Creo que ha demostrado una faceta nueva que la presenta como una artista bastante versátil que puede hacer realmente lo que quiera, como el salto que ha vuelto a pegar en ‘Chromatica‘.

¿Cuál crees que ha sido el momento más bajo de su carrera desde el punto de vista artístico? 
La verdad es que no sabría decirte. A mí todas sus etapas me han aportado algo, aunque no por igual… Es cierto que ‘Joanne’ por ejemplo me acabó aburriendo, aunque me escuchase el disco muchísimas veces, en eso sí que me contradigo un poco, pero realmente no me dio para más, sobre todo por el discurso sobre su tía con el que lo acompañaba y que vendía siempre en las entrevistas. Me pareció un poco impostado que de repente la mayor parte del concepto del disco fuera por ese camino, pero bueno, creo que también era necesario de alguna manera para ella hacer algo así.

«ArtPop es de sus mejores discos y tiene mérito cómo lo sacó adelante teniendo en cuenta que estaba pasando por una etapa difícil»

¿Cuál crees que es su momento más infravalorado?
Bueno, creo que puede ser la etapa ‘ArtPop’. Creo que se la juzgó muchísimo en un principio aludiendo a que era un trabajo que quería seguir la línea de los anteriores sin aportar nada diferente, pero a mi parecer es de sus mejores discos y tiene mérito cómo lo sacó adelante teniendo en cuenta que estaba pasando por una etapa difícil después del tema de su cadera y de lo precipitado que fue la promoción del disco. Creo recordar que hubo vídeos como ‘Applause’ que hizo deprisa y corriendo por la presión que sentía en ese momento, pero no sé si es así del todo.

¿Qué te ha parecido ‘Chromatica’? ¿Qué te ha molado más, qué menos…? Tras ‘Rain on Me’, ¿por qué crees que ‘911‘ no ha terminado de ser un hit?
Una pasada, la verdad. Es un disco que no he esperado con tantas ganas como los anteriores, a lo mejor por el contexto en el que ha salido o porque no le he prestado tanta atención, pero me ha gustado mucho. Mucha gente esperaba algo nuevo o diferente a lo anterior y creo que hay que acostumbrarse a que Gaga, parece ser, que no quiere seguir la línea de lo que se hace en el momento, sino lo que le apetece. También que haya parado toda la promo y que aun así le haya funcionado hasta seguir alargando el disco todo este año me parece un acierto, esté hecho a conciencia o no.

Me ha recordado a sus primeros trabajos y eso me encanta. Lo que más me ha molado son las portadas y que haya dividido el disco en tres partes separadas por transiciones, creo que se puede escuchar por momentos independientes y según tu estado de ánimo. Lo que menos diría el estilismo con el que se ha presentado alguna vez, como en ‘Stupid Love’, me parece un poco horrible, pero tampoco le puedo sacar muchas más pegas.

¿Has sido fan hasta el punto de bajarte a los fangos de internet en la guerra de las divas, que si Madonna, que si Katy Perry, que si Dua Lipa?
La verdad es que no, no soy mucho del pique que puede haber o no entre divas del pop, por curiosidad a veces me gusta saber lo que ocurre, pero no lo sigo de cerca.

¿Podemos intuir algo de la música de Lady Gaga en Chavales? Nunca habría adivinado esta pasión oculta, ciertamente.
JAJAJA, pues la verdad es que no la hemos tenido como referente para el proyecto, pero nunca es tarde y puede ser un buen terreno al que acercarse y experimentar, claro.

Lana del Rey, Maria Rodés, James Blake y Kelly Rowland entran al top 40 de JNSP

Por
Sebas E. Alonso
-
1

Mientras Kylie y Gaga se mantienen como lo más votado de JNSP, son variadas las entradas que recibimos esta semana: lo nuevo de Lana del Rey, aunque en una posición mucho más modesta de lo habitual, dada la decepción generalizada en torno a ‘Let Me Love You Like a Woman’; Maria Rodés con uno de los temas del fantástico ‘Lilith’, James Blake con el tema titular de su nuevo EP, y Kelly Rowland con una producción cuyo sample nos costó localizar pero lo conseguimos tras contactar con su productor. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 4 Magic Kylie Minogue Vota
2 2 1 5 911 Lady Gaga Vota
3 4 1 13 Say Something Kylie Minogue Vota
4 3 1 10 Midnight Sky Miley Cyrus Vota
5 6 4 3 Levitating Dua Lipa Vota
6 8 1 38 Physical Dua Lipa Vota
7 5 1 16 What’s Your Pleasure? Jessie Ware Vota
8 7 1 21 Rain On Me Lady Gaga, Ariana Grande Vota
9 9 2 48 Blinding Lights The Weeknd Vota
10 10 1 31 Break My Heart Dua Lipa Vota
11 11 1 52 Don’t Start Now Dua Lipa Vota
12 12 2 24 Save A Kiss Jessie Ware Vota
13 16 13 2 Crying at the Discotheque Sophie Ellis-Bextor Vota
14 15 10 12 Something More Róisín Murphy Vota
15 17 1 62 The Greatest Lana del Rey Vota
16 18 2 13 cardigan Taylor Swift Vota
17 – 17 1 Let Me Love You Like a Woman Lana del Rey Vota
18 13 5 31 In Your Eyes The Weeknd Vota
19 14 9 23 Watermelon Sugar Harry Styles Vota
20 19 8 15 Easy Troye Sivan Vota
21 25 5 9 Video Game Sufjan Stevens Vota
22 27 22 2 Demasiadas mujeres C. Tangana Vota
23 24 23 6 In Spain We Call It Soledad Rigoberta Bandini Vota
24 22 17 5 betty Taylor Swift Vota
25 21 14 5 Naked Ava Max Vota
26 – 26 1 La Extraña Maria Rodés Vota
27 26 18 5 J’veux un chien Yelle Vota
28 – 28 1 Before James Blake Vota
29 – 29 1 Crazy Kelly Rowland Vota
30 36 29 3 Salt Licorice Jónsi, Robyn Vota
31 29 29 3 Lifetime Romy Vota
32 31 26 3 Sana, Sana Nathy Peluso Vota
33 20 20 2 Enfance 80 Videoclub, Natalia Lacunza Vota
34 33 15 7 Karaté Yelle Vota
35 34 13 9 Dying Breed The Killers Vota
36 37 21 6 Be a Rebel New Order Vota
37 23 14 7 Modo avión Cariño, Natalia Lacunza Vota
38 32 19 9 Baby It’s You London Grammar Vota
39 38 38 2 The Streets Where I Belong Annie Vota
40 35 25 4 Can I Believe You Fleet Foxes Vota
Candidatos Canción Artista
– One More Second Matt Berninger Vota
– Limoneros Borneo Vota
– Cállate Casero, Russian Red Vota
– Dans la hess Lous and the Yakuza Vota
– El encuentro Alizzz, Amaia Vota
– QueLoQue Major Lazer, Paloma Mami Vota
– positions Ariana Grande Vota
– Lie Like This Julia Michaels Vota
– Seguramente fui yo Maria Rodés Vota
– Take Hold of Me Ane Brun Vota
– Golden Harry Styles Vota
– Una ciudad Amatria Vota
– XS Rina Sawayama Vota
– Plain BENEE, Lily Allen, Flo Milli Vota
– Pac-Man Gorillaz, Schoolboy Q Vota

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‘El juicio de los 7 de Chicago’: Netflix quiere el Oscar, y lo quiere ya

Por
Joric
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21

Netflix lleva dos años persiguiendo el Oscar a la Mejor Película: ‘Roma’ (2018), ‘El Irlandés’ (2019), ‘Historia de un matrimonio’ (2019)… Pero no hay manera. Este año entra en la carrera con varios caballos ganadores. Además de ‘El juicio de los 7 de Chicago’, estrenará ‘Mank’ (David Fincher), un biopic sobre Herman J. Mankiewicz, guionista de ‘Ciudadano Kane’ (¿para cuándo un Oscar para Fincher?); ‘Hillbilly, una elegía rural’ (Ron Howard), adaptación del superventas de J. D. Vance (¿por qué Ron Howard tiene un Oscar?); ‘Cielo de medianoche’ (George Clooney), una epopeya postapocalíptica muy en sintonía con estos tiempos; y ‘La madre del blues’ (George C. Wolfe), un biopic sobre Ma Rainey protagonizado por Viola Davis y el recientemente fallecido Chadwick Boseman.

‘El juicio de los 7 de Chicago’, la primera en estrenarse, no era de Netflix. Se la compró la plataforma a Paramount por una millonada, como ha hecho en otras ocasiones: ‘Aniquilación’, ‘The Cloverfield Paradox’… La inversión le puede salir bien. La segunda película dirigida por el guionista estrella Aaron Sorkin (‘La red social’, ‘Steve Jobs’, ‘El ala oeste de la Casa Blanca’), tras la estupenda ‘Molly’s Game’ (2018), es cien por cien “oscarizable”. Un drama judicial basado en hechos reales (el encausamiento de varios manifestantes contra la guerra de Vietnam ocurrido en 1969), que enfatiza varios aspectos de la narración y la puesta en escena para que actúen como reclamo para los votantes de los Oscar, para aquellos –la mayoría- que siempre preferirán votar un ‘Green Book’ que un ‘Roma’.

Estas concesiones busca-votos son sin duda lo peor de la película: el exceso de maniqueísmo, las sentencias grandilocuentes, el forzado “subidón” del final, que parece rodado mirando de reojo la estatuilla… Sin embargo, ‘El juicio de los 7 de Chicago’ es también una película cien por cien Sorkin. O, lo que es lo mismo: una exhibición de esgrima verbal, con unos diálogos más afilados que una espada de ‘Forjado a fuego’; un discurso brillante, lleno de segundas lecturas que resuenan con fuerza en el presente (no es casualidad que el filme se haya estrenado en plena campaña electoral estadounidense); y un notable dominio de la narración, hasta el punto de meter al espectador dos horas en un juzgado y que se lo pase como si estuviera en una montaña rusa.

A estas virtudes hay que sumar otra: el espectacular reparto. Todos están fabulosos, pero hay dos duelos que brillan como una bomba de napalm en Vietnam. Por un lado, Sacha Baron Cohen y Eddie Redmayne, que encarnan a los representantes de dos sectores de la izquierda estadounidense sesentera, la hippy y la pija (este último, Tom Hayden, se convertiría en la estrella de la contracultura junto a su mujer Jane Fonda). Y, por otro, Mark Rylance y Frank Langella, el abogado progresista y el juez carcamal, que protagonizan algunos de los mejores momentos de la película.

El resultado de esta suma de arquetipos y tensiones dramáticas es una llamada a la acción, una sutil invitación al espectador para que deje de quejarse en Twitter (la nueva barra de bar desde donde “arreglar” el mundo), y hacerlo donde la protesta ha sido históricamente eficaz: en las calles, de forma organizada y, a ser posible, pacíficamente. 8.

BENEE, despechada con Lily Allen y Flo Milli: escucha ‘Plain’

Por
Jordi Bardají
-
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Lily Allen es una de las artistas invitadas en ‘Hey u x’, el primer disco de la cantante neozelandesa BENEE, que este año ha arrasado gracias a ‘Supalonely‘ con Gus Dapperton tras viralizarse la canción en TikTok (otra de esas artistas invitadas es Grimes). La composición que junta a BENEE con la autora de ‘Smile’ es ‘Plain’, ya puede escucharse y cuenta también con la participación de la rapera Flo Milli.

‘Plain’ es una evocadora canción que aúna pop, trap y sonidos típicos del bedroom-pop o el «chillwave». Su verdadera garra se esconde en la letra, pues «plain» se refiere a una chica a la que BENEE encuentra «plana», quien casualmente es la nueva novia de su ex. El estribillo dice: «es una pena que tu chica sea tan plana, no tengo nada que envidiarle, espero que se vaya lejos porque no quiero verla». La dulce voz de Lily Allen aparece al final del primer estribillo y entra en la segunda estrofa, cantando sobre las «características desagradables» de un chico al que ha dejado a tiempo de que la relación se vuelva tóxica: «puede que no estés preparado para esta conversación, por eso yo me quedo fuera de esta ecuación», rima. Por su parte, Flo Milli reinicide en el mensaje de la canción: «veo que te gustan las chicas penosas ahora».

La autora de ‘No Shame‘ ha sido noticia estos días por presentar su propio vibrador, asociándose a una conocida marca que comparte su nombre con el título de un éxito de Britney Spears que la británica versionó allá por 2009. En los últimos tiempos, la artista ha aparecido en temas como ‘Roll the Dice’ de SHY FX o en un remix de ‘What You Waiting For?’ de Popcaan, siempre desde un plano modesto.

Gorillaz / Song Machine, Season One: Strange Timez 

Por
Sebas E. Alonso
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Damon Albarn debe de partirse la caja cada vez que oye hablar de evolución, experimentación y fusión de géneros. El artista que un buen día conociéramos como el líder de Blur lo ha hecho todo en esta vida, y lo sigue haciendo en la que parece definitivamente su banda principal, Gorillaz.

Corría el mes de enero -¿alguien lo recuerda?- cuando Gorillaz se embarcaban en un extraño proyecto: una serie de canciones a razón de una por mes, en la que Damon, Jamie Hewlett y Remi Kabaka Jr. se acompañarían de una serie de colaboradores. Comenzaban fuerte reuniendo a gente tan dispar como slowthai y Slaves -que ojo, ya habían colaborado previamente en el disco del primero-, rememorando en aquel ‘Momentary Bliss’ que Albarn ya le había pegado a un rock como ‘Song 2’, a un hip hop como ‘Clint Eastwood’ y a algo a medias entre las dos, como ‘Parklife’.

‘Song Machine, Season One: Strange Timez’, el álbum que reúne las canciones que han venido saliendo este año, presenta más saltos mortales, como juntar en la misma canción a Skepta y Tony Allen, muy poco antes de que este falleciera, en un ‘How Far?’ que aquí ejerce de despedida de la edición deluxe como último bonus track; o a Elton John y 6LACK dentro de la misma pista. Esta última, ‘The Pink Phantom’, suena como una torch song perdida de un musical off-Broadway pasada por el Autotune. Estamos ante una canción de amor, pues aunque Gorillaz tienden a sonar políticos y a implicarse especialmente con el cambio climático, como hicieron ya hace 10 años en ‘Plastic Beach‘, y hay algo de eso en ‘Strange Timez’, el inclasificable tema firmado junto a Robert Smith que abre el álbum, en este caso se han dejado llevar el hedonismo y circunstancias más personales.

En ese sentido, el tema que reunía a Peter Hook con Georgia, ‘Aries’, continúa siendo un rompepistas de la escuela New Order que puede mirar cara a cara a ‘Be a Rebel‘ este otoño. La canción que cuenta con la cantante de Mali Fatoumata Diawara es un divertimento -pese a su poso melancólico- llamado ‘Désolé’, excelentemente arreglado por cuerdas, pianos y metales. Y a St Vincent se la ha llamado para hacer coros en un tema titulado ‘Chalk Tablet Towers’ en el que el estribillo no se lo piensa: «quiero emborracharme / quiero colocarme / quiero dejarlo / quiero irme a casa». En un punto intermedio entre lo banal y lo social, encontramos la aportación funky de Beck, ‘The Valley of the Pagans’: hay claramente ironía en ese estribillo «me siento tan bien con mi alma perfecta / me siento tan bien en total control».

El encanto se diluye entre los «bonus tracks», con momentos tan chill como el aportado por Joan As Police Woman (‘Simplicity’), o cuando el oscuro trip hop de ‘With Love to an Ex’, con la sudafricana Moonchild Sanelly cantando sobre sus ex, da paso a un bobo ‘MLS’ que podrían haber compuesto The Gregory Brothers. Pero antes de eso esta «primera temporada» de ‘Song Machine’ -la segunda se espera para el año que viene- es un disco en el que los invitados parecen trabajar en comunión por un disco más sólido en sus colaboraciones de lo que la pandemia hacía sospechar, del funky playero y reconfortante de Leee John del grupo de los 80 Imagination (¡los de ‘Just an Illusion‘!) en la envolvente ‘The Lost Chord’, a ese ‘Pac-Man’ con SchHoolboy Q que no puede sonar más a los Gorillaz clásicos.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Momentary Bliss’, ‘Aries’, ‘Chalk Tablet Towers’, ‘The Lost Chord’
Te gustará si: has asumido ya que Gorillaz es el proyecto principal de Damon Albarn
Escúchalo: la canción con St Vincent en Youtube.

Dani Martín, último invitado a La Resistencia, firma el nuevo número 1 de álbumes en España

Por
Jordi Bardají
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Dani Martín firma el nuevo número de álbumes en España con su nuevo disco ‘Lo que me dé la gana’. El ex integrante de El Canto del Loco suma así 4 de 4, pues tanto su debut en solitario de 2010 ‘Pequeño’ como su disco de 2013 ‘Dani Martín‘ y el siguiente publicado en 2016, ‘La montaña rusa‘, también fueron número 1 en su momento. Haciendo efecto cadena, el recopilatorio ‘Aquellos años locos’ de El Canto del Loco vuelve a entrar en lista, en el número 72.

El autor de ’16 añitos’ ha sido uno de los últimos invitados al plató de La Resistencia, donde además de promocionar ‘Lo que me dé la gana’, ha hablado sobre fútbol o sobre su aversión a las redes sociales. En el momento cumbre de la entrevista, Broncano pregunta a Martín sobre las colaboraciones que ha hecho en el pasado, con gente como Robbie Williams o Miguel Bosé. En relación al segundo, Broncano pregunta que «en qué época» y el músico contesta: «en otra». Dani Martín dice que guarda cariño a Bosé porque «cree que ha hecho muchas cosas por la música española» pero que, en cuanto al tema de la salud, cree «más en los científicos y en la medicina, lo otro no me lo creo tanto».

Volviendo a la lista de álbumes, el nuevo álbum de estudio de La Pegatina, ‘Darle la vuelta’, entra en el número 5 y ‘ENOC‘ de Ozuna cae al 3 debido a que ‘La dirección de tu suerte’ de Miriam Rodríguez re-entra en lista directo al número 2 tras la publicación de su edición física. El álbum veía la luz originalmente el pasado mes de abril solo en formato digital debido a que las tiendas estaban cerradas por la crisis sanitaria, y entraba en el número 10. Cepeda, compañero de edición de Miriam en Operación Triunfo 2017, cae del 1 al 6 con ‘Con los pies en el suelo’, y Arcángel firma la última entrada dentro del top 10 con ‘Los favoritos 2’, que entra en el número 9. ‘El regreso de Abba‘ de Sidonie sube del 32 al 8.

Más adelante aparecen las entradas de ‘Wildflowers & All the Rest’ de Tom Petty en el número 11, ‘Funk Experience’ de R de Rumba & Porcel en el 19 y ‘Live at the Forum MMXVIII’ de Eagles en el 23. En el 29, Matt Berninger de The National coloca su álbum en solitario ‘Serpentine Prison‘ en el 29 (aquí, nuestra entrevista con el artista) y BTS colocan su EP de 2014 ‘Skool Luv Affair’ en el 38. Cabe destacar la entrada, en el número 68, de ‘Las montañas’ de Delaporte. Su primer disco ‘Como anoche‘ llegó al número 36 de la vieja lista de streaming el año pasado (desde este año, la lista de álbumes aúna ventas y streaming).

En cuanto al resto de entradas, C. Tangana, nuevo número 1 de singles en España, entra en el 42 con su EP ‘Bien :(‘ (suponemos que tras la puesta a la venta de nuevos «bundles» camiseta + vinilo en su web) y Dire Straits aparecen en el 51 con ‘The Studio Albums 78-91’. Finalmente, The Vamps colocan ‘Cherry Blossom’ en el 63 y ‘Gigantes’ de Playa Cuberris cierra la lista de entradas en la lista de álbumes, apareciendo en el 69.

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