Un artículo indeterminado une el título de todas las canciones del nuevo disco de Amatria, el proyecto de Joni Antequera, muy presente en nuestras vidas desde antes de su éxito ‘Chinches’, y últimamente co-fundador de Vanana Records, el sello que ha acogido y llevado a las listas de éxitos el debut largo de Ginebras. Con ese artículo indeterminado se realiza una metáfora sobre lo «indeterminado» que es también el estilo de ‘Un disco’, capaz de pasar de un género a otro sin complejos ni vergüenza, porque como advierte el primer tema, Antequera es «un fusilador» de otras obras, bien diversas.
El disco-funky de esta pista da paso a ‘Una advertencia’, con guiños al rap de los años 90, una rima de «no soy vago» con «ir hasta allí no me sale del nabo» y unos coros góspel que pelean por salir del fondo de un armario. Y de todo esto pasamos a ‘Un manantial’, una canción que se aprovecha del éxito de los ritmos de salsa de los últimos años, en una pequeña exhibición de piano y trompetas. ‘Un disco’ pasa por el rock de finales de los 70 y principios de los 80 en ‘Una rápida’ y también por lo electrónico: los sintetizadores pueden servir para construir un pepino como ‘Una ciudad’, y a su vez algo más melancólico, como la bonita canción de cierre, ‘Una voz’.
En ese «yo puedo con todo», Amatria vuelve a caer en las redes del tropical house más pasadito, en un tema llamado ‘Un alud’ con Delaporte, en el que ambos apelan incansables y convencidos a «un alud de luz» unas 65 veces; si bien hay que reconocer que le ha funcionado y ha querido el algoritmo de Spotify que esto sume 3 millones de streamings. Hay mejores cosas en el álbum. A Antequera se le da bien juguetear con el folclore, como ya vimos en ‘Salir ileso‘, y al éxito de ‘Un amor’, su ‘Un veneno’ particular, hay que sumar lo bien acabada que está ‘Un dolor’: me gusta pensar en ella como en una remezcla de un tango o un pasodoble, pues por mucho que apunte a la pista de baile, su melodía está impregnada de saber popular. Una curiosa obra, versátil, que hace unos años nos habría sonado realmente extraña y que Amatria consigue que fluya con naturalidad.
Calificación: 7,1/10 Lo mejor: ‘Una ciudad’, ‘Un dolor’, ‘Un amor’, ‘Una voz’ Te gustará si te gusta: lo mismo C. Tangana, que Chic; lo mismo Cardi B que Klaus & Kinski Youtube:vídeo de ‘Una ciudad’
Este fin de semana el gobierno ha declarado un nuevo estado de alarma en todo el país, que esperan pueda prolongarse durante más de 6 meses, hasta el 9 de mayo. Lo ha hecho a petición de 10 comunidades autónomas y Melilla, y con el objetivo de impedir la movilidad interprovincial y de que cada una pueda imponer un toque de queda, «a la carta», entre las 23.00 horas y las 6 de la mañana, hora arriba, hora abajo.
El «ocio nocturno» es el objetivo y la noticia no ha sentado muy bien a algunos artistas, entre ellos Mueveloreina. Los autores de pequeños hits como ‘Vivas’, temazos como ‘Voy’ y discos como ‘Carne‘ han criticado en Instagram las nuevas medidas, declarándose insurgentes: «Al parecer este virus es como PedroLadroga, joven y vampiro. Que sólo sale de noche… Como dijo un compañero nuestro: Preguntaros una cosa, dónde estaríamos si fuese el PP el que estuviese en el gobierno impidiéndonos reunirnos con amigos, salir a pasear, beber hasta las 12 o simplemente salir a la calle… Estaríamos en las calles quemando bidones de gasolina y partiéndonos la boca, con todo el elenco de la cultura bombardeando con discursos sus redes y presionando para recuperar el puto sentido común. Yo me declaro insurgente».
Continúan: «Voy a salir a partir de las 23h, a sentarme en un puto banco, porque quiero. Follar en un callejón y beberme una copa pasaditas las 2. No quiero escribir canciones que nos recuerden a esto. Ya no me parece divertido. Ya no me parece que sea como para escribir canciones o pensar guiones. No quiero escribir nada que me haga recordar esta sodomía por la que me están obligando a pasar. Yo me declaro insurgente, voy a salir a partir de las 23h hasta acumular todas las multas que pueda acumular una persona libre, que sólo está ejerciendo su Libertad de existencia. Nos la están clavando y ni la notamos de lo dilatado que tenemos el culo».
El post ha recibido el apoyo de numerosos músicos (Delaporte, Ganges, Brigitte Laverne o Blackpanda están entre los «likes») y también ha recibido algunas críticas que los sitúan en el entorno ideológico de Miguel Bosé. Una usuaria les indica: «mejor nos ponemos un vídeo conspiranoico de Youtube para abrir los ojos, ¿no? La gente en los hospitales agotados mentalmente de la presión de no contagiarse para no contagiar a familiares y vosotros lloriqueando por cumplir unas reglas mínimas, no es esta la sociedad insolidaria que nos merecemos». Mueveloreina han respondido: «Entiendo que no comes de lo mismo que comemos nosotros y la gran mayoría de amigos y compañeros como técnicos, promotores, camareros, relaciones públicas, dj’s, realizadores, en fin… Efectivamente sociedad insolidaria, tú lo has dicho».
JENESAISPOP ha contactado con el grupo para obtener más datos sobre su visión. El grupo nos cuenta que ha pasado de actuar casi todas las semanas a ofrecer solo 2 conciertos desde marzo, con gente sentada. «La verdad se hicieron un poco raros estos conciertos, pero es lo que hay. Ojalá podamos hacer más. Es una situación difícil la que estamos pasando, como todos los que trabajan en el mundo del espectáculo, ocio nocturno, hostelería y otros tantos rubros».
Mueveloreina nos hablan de las razones que les han llevado a publicar su post sobre la insurgencia. «La primera y más importante es que pensamos que es una medida arbitraria que atenta contra los derechos fundamentales del ser humano como son el de reunión y libre circulación. Nuestra Constitución, que se supone que debe velar por estos derechos, recoge el toque de queda dentro del estado de excepción. Y nuestros políticos se agarran a que en un estado de alarma se puede limitar la circulación, que no prohibir la circulación de las personas. Por lo que dudamos de la legalidad de este toque de queda. En este país pasamos de 0 a 100, esto ya lo vimos en marzo, pasamos de ninguna a medida directamente al encierro. A día de hoy siguen sin existir controles en los aeropuertos, el transporte público no se ha visto reforzado sino todo lo contrario, pero nuestros políticos nos vienen con un estado de alarma de seis meses. Políticos que no han dejado de cobrarse sus dietas ni cuando no iban a trabajar y que hasta la semana pasada estaban mirando cómo politizar más la elección de los jueces en nuestras narices. Porque lamentablemente en este país votamos pero no elegimos. Y no existen mecanismos para que la ciudadanía pueda presentarse ante el constitucional sin pasar por el aro de esta oligarquía de partidos que tenemos montada. Por eso hacen lo que les da la gana. Por otro lado no podíamos callarnos. Hay muchas personas que están descontentas no solo con la gestión sino con toda esta clase política. Pero una parte de la ciudadanía está polarizada en identitarismos que tendemos a callar nuestras opiniones y tragar. Porque con tanta polarización decir lo que uno piensa se vuelve peligroso y te puede acabar perjudicando. Llevábamos mucho tiempo callados».
Preguntados por una alternativa al toque de queda, que se va a aplicar en varios países afectados por la pandemia, a riesgo de perjudicar la economía, con el objetivo de salvar vidas, contestan: «Los políticos son capaces de sacrificar cualquier cosa por unos cuantos votos. Si esto les da rédito lo harán y es probable que esto les de rédito. La gente está asustada, como es normal. Solo hay que poner la TV o abrir cualquier medio, no se habla de otra cosa, no quieren que se hable de otra cosa. En Occidente llevamos tiempo pidiendo más seguridad y menos libertad. En toda esta ecuación nos olvidamos de que el hambre mata más que el Covid. Y se está hablando de que vamos a retroceder a nivel mundial, a los niveles de pobreza extrema de hace 25 años. Esto son cientos de millones de personas que no tendrán un plato de comida. No somos epidemiólogos. Pero hay muchos países que han logrado contener el virus sin tener que recurrir al aislamiento obligatorio. Países que tomaron medidas desde el minuto uno como Uruguay, Taiwan o Corea del sur. Obviamente pensamos que hay que tomar medidas para contener la pandemia. Los países que están hablando de implantar toques de queda no son países que hayan tomados medidas a tiempo precisamente».
Mueveloreina han sido noticia recientemente por publicar ‘MEGAMIX 2020’, un EP inspirado en los míticos discos recopilatorios de canciones del verano de la década de los 2000 en el que caben ritmos como la salsa y el reggaetón. Antes habían sacado un tema llamado ‘Loquito’ en la que incitaban a «quitarse la mascarilla» en aquel momento en plan sexy. De «Quítate la mascarilla / Pa’ que puedas decirme todo lo que pica» a la respuesta «me lo quito todo por ti». El grupo nos aclara que esta canción era en verdad «una metáfora de las máscaras que llevamos normalmente», jugando con el doble sentido.
En el mismo año en que Bunbury ha publicado su último disco, ‘Posible’, el cual no ha podido ser presentado en vivo debido a la pandemia de coronavirus, el cantante sorprende anunciando en Facebook otro lanzamiento, que tilda abiertamente de “nuevo álbum inédito”, de cara al próximo 11 de diciembre.
El disco recibe el nombre de ‘Curso de levitación intensivo’ y se comunica lo que entendemos que va a ser su tracklist, que podéis ver bajo estas líneas. Llaman mucho la atención títulos como ‘Malditos charlatanes’ y ‘La gran estafa’, en el año en que han sido polémicas sus declaraciones sobre la teoría de la conspiración en torno a la covid-19, aunque de momento se desconoce por supuesto la temática de estas canciones e incluso cuándo realmente fueron escritas.
‘Posible’ no ha sido demasiado bien recibido entre los seguidores de Bunbury, pese a que no estaba nada mal, resistiendo en el top 100 español tan solo 15 semanas, mientras el anterior ‘Expectativas’ (2017) duraba hasta 54, un año, alcanzando el disco de oro. Eso sí, hay que puntualizar que es la primera vez que el artista se enfrenta a la tabla mixta de ventas y streaming, pues esta se presentaba este año.
1.-N.O.M.
2.-El día de mañana
3.-El precio que hay que pagar
4.-El momento de aprovechar el momento
5.-Malditos charlatanes
6.-Tsunami
7.-El pálido punto azul
8.-Ezequiel y todo el asunto del Big Bang
9.-La gran estafa
10.-Tenías razón en todo
Mucho se especulaba con cuál sería el siguiente paso en la carrera de Dua Lipa y finalmente se ha anunciado. Uno de los rumores apuntaba a la edición de una colaboración con la cantante belga Angèle y ese va a ser el caso. El tema no es un nuevo remix de ‘Levitating’ sino un corte llamado ‘Fever’, cuya publicación se ha confirmado que tendrá lugar este mismo viernes 30 de octubre. Esta que veis aquí es su portada. Podéis repasar nuestra crítica de ‘Brol’, el disco que Angèle publicaba hace un par de años, en este link.
Por otro lado, estos días también se ha informado de que los conciertos de presentación de ‘Future Nostalgia’ que tenían que haberse celebrado este año y se retrasaban a febrero del año que viene serán ahora incluso más tarde. Live Nation comunica que los shows serán finalmente en octubre de 2021, debido a la pandemia de coronavirus. El concierto en el Palau Sant Jordi de Barcelona será ahora el 15 de octubre, y el del Wizink Center el 17 de octubre.
Dua Lipa es noticia estos días porque a la tercera ha ido la vencida y después de que ‘Levitating’ funcionara mínimamente sin ser single -era una de sus 10 canciones más escuchadas antes de esto-, y presentara un remix de The Blessed Madonna con Madonna y Missy Elliott que solo ha funcionado de manera muy puntual, se ha conseguido que la canción sea un pequeño éxito de popularidad creciente.
Ha sido gracias al remix con DaBaby, como no podía ser de otro modo: el cantante venía de arrasar en ‘Rockstar’ junto a Roddy Ricch. La versión de ambos de ‘Levitating’ ha sido acogida con bastante entusiasmo en Reino Unido y todavía no ha tocado techo. Mientras el remix con Madonna y Missy quedaba en el puesto 39 de las listas británicas, resistiendo en el top 100 hasta 5 semanas, lo cual para los estándares de la última época de Madonna, no está nada mal; la nueva con DaBaby entraba al puesto 30, después subía al puesto 22, y después ha subido al top 13. Se suman los puntos con todas las versiones, y siguiendo las normas británicas, en este caso la única persona acreditada es Dua, pero es la versión de DaBaby la que está consiguiendo más puntos, sobre todo desde que Spotify la ha añadido a Today’s Top Hits.
Ese añadido a la playlist más seguida del mundo -27 millones de personas- ha provocado que el tema suba también en las listas estadounidenses y globales. De momento sube del 73 al 54 en Estados Unidos, pero es top 20 en radios, por lo que podría continuar ascendiendo. En lugar de disfrutar de ello, Dua Lipa ya piensa en lo siguiente y además del tema junto a Angèle, prepara single con Miley Cyrus.
Este ha sido el fin de semana definitivo de ‘Veneno’, la última serie de Javier Calvo y Javier Ambrossi, como todo el mundo sabe inspirada en la vida de Cristina Ortiz. Por un lado, Antena 3 ha emitido en abierto en el prime-time de este domingo los dos primeros capítulos de la serie; por otro, la serie ha terminado este sábado en el A3 Player, el único lugar donde se podrán ver los 6 capítulos restantes. Al menos en principio, puesto que ‘Veneno’ fue lo más visto de este domingo, al conquistar a 2,5 millones de espectadores, y el 14,9% y el 18,9% de la audiencia, muy por encima de la media de la cadena.
Los episodios emitidos anoche para el público generalista sirvieron para comprobar de qué manera La Veneno pudo ser influyente ante una audiencia millonaria, al mostrar con naturalidad lo que significaba ser transgénero en España en los años 90. Un inicio algo confuso en cuanto a montaje en los primeros momentos fue asentándose después gracias a un buen elenco de estrellas consagradas (Lola Dueñas en una hilarante recreación de ‘Esta noche cruzamos el Mississippi’) y talentos más noveles, en un nuevo gran equilibrio de emociones y humor de los autores de ‘La llamada‘ y ‘Paquita Salas‘. Con sus más (ese recuerdo de las fans de Take That con Soy Una Pringada) y sus menos (la música, por ejemplo, aparece metida con calzador, en especial ‘Dreams’ de Cranberries, que no pega absolutamente nada en esta historia), ‘Veneno’ dejó anoche ganas de más gracias a un poderoso segundo capítulo, crudo en su retrato de lo que significaba o puede significar aún ser homosexual o transgénero en un entorno rural. En los próximos días reseñaremos la serie al completo.
La noticia de momento es que Los Javis trabajan ya en una segunda temporada, pese a que el desenlace de la serie es el que todos conocemos. Aunque según Vertele, el proyecto aún está en pañales, tiene el visto bueno de Antena 3 y se trabajaría en una trama paralela, como se ha hecho en otras series internacionales y nacionales que parecían completamente finiquitadas. Estas han sido las declaraciones de Ambrossi: «Se pensó como una miniserie, porque la historia acaba trágicamente, pero nos hemos puesto a trabajar en una segunda temporada». Calvo añadía: «Hay tantas historias alrededor de la de Cristina que contar, hay tanto que explorar, que se nos ha quedado corto en esta miniserie y nos hemos puesto a trabajar en ello». Te recordamos que puedes comentar la serie en nuestro foro de La Veneno.
La cantante noruega que en los 2000 alcanzara el platino en su país -y también cierta repercusión fuera- con álbumes como ‘A Temporary Dive’ y ‘Duets’, ha dedicado este 2020 a sacar un montón de sencillos. Tras la buena aceptación que tenía en 2017 el álbum ‘Leave Me Breathless’, donde podíamos escuchar sus versiones de ‘Always On My Mind’, ‘Unchained Melody’ o ‘How to Disappear Completely’; hemos ido conociendo temas como ‘Lose My Way’, ‘We Need a Mother’ o ‘Crumbs’ que irán incluidos en dos álbumes inminentes. Entre dichos temas, ‘Take Hold of Me’, la canción ganadora del penúltimo JNSP Song Contest de nuestros foros -ya hay nueva edición especial Halloween en marcha-, presentada por el usuario perfect.
Los dos discos que Ane Brun prepara son ‘After The Great Storm’, a la venta este mismo viernes 30 de octubre, y ‘How Beauty Holds The Hand Of Sorrow’, a la venta en un mes, el 27 de noviembre. La idea es que fuera un álbum doble, que finalmente Brun ha decidido dividir en dos: «los dos discos tratan con las grandes cuestiones de la vida, que en 2020 se han vuelto todavía más grandes. Aunque escribí la mayoría antes de que empezara la pandemia, siento que hay un mensaje que encaja en esta situación: la frustración en el mundo, cómo llorar a un ser querido, existencialismo, amor, relaciones, soledad, luchas internas, insomnio… Supongo que todas van sobre ser humanos».
‘Take Hold of Me’, nuestra «Canción del Día», forma parte del primero de los dos discos, ‘After The Great Storm’. En Bandcamp la reconoce influida por ‘Silent Shout’ de The Knife, y de ahí vienen unos tenebrosos sintetizadores que van emergiendo poco a poco en la composición, elevándola. La letra arrastra el mismo peso de la música, con frases como “mi existencia grita”, “quiero llegar a los cielos”, “estoy capturada por la gravedad y el peso de las expectativas”, en sintonía con los mencionados sintes emergentes, sobresaliendo ligeramente a su final. Una metáfora de la lucha por la supervivencia en que se ha convertido este año, y una resurrección para una autora que tanto dio que hablar hace unos años.
Renovamos nuestra playlist de lo mejor del mes con algunas de las canciones que van directas a nuestra lista de lo mejor del año -si no lo impiden otras pistas de los mismos autores-, como es el caso de ‘Lifetime’ de Romy y ‘Demasiadas mujeres’ de C. Tangana. En representación de los “Discos de la Semana” de este otoño, compartimos pistas de Sufjan Stevens, Róisín Murphy, Maria Rodés, Dan Croll, Fontaines DC, The Flaming Lips o Joe Crepúsculo (que lo será esta semana). También han sacado discos notables Nathy Peluso, Delaporte, Dagny, Annie, James Blake (un EP), Ava Max y Fleet Foxes.
Han comenzado a anticipar nuevos álbumes Ariana Grande, Royal Blood, Kali Uchis y lo sigue haciendo Kylie Minogue. Entre las sorpresas de los últimos días, la colaboración de Alizzz con Amaia; y, entre las revelaciones, destacamos los trabajos de Ascendant Vierge, Lous and the Yakuza (con la producción de El Guincho), Morreo, Eguala, Anabel Lee y Borneo. Completamos la playlist con canciones de Princesa Alba, Marcelo Criminal, beabadoobee, Haim y los dos temas que han ganado los últimos “JNSP Song Contests” de nuestros foros: ‘Close to You’ de Cosima y ‘Take Hold of Me’ de Ane Brun.
C. Tangana / Demasiadas mujeres
Romy / Lifetime
Ascendant Vierge / Discoteca
Royal Blood / Trouble’s Coming
Alizzz, Amaia / El encuentro
Joe Crepúsculo / Hoy no sale el sol
Delaporte / Se va
Rigoberta Bandini / Fiesta
Julia Michaels / Lie Like This
Dagny / Bye Bye Baby
Sufjan Stevens / Landslide
The Flaming Lips / Mother Please Don’t Be Sad
Maria Rodés / La extraña
Cosima / Close to You (Moonlightning)
Dan Croll / Work
Annie / The Streets Where I Belong
Ava Max / Tattoo
Kylie Minogue / Magic
Róisín Murphy / Shellfish Mademoiselle
Kali Uchis, Jhay Cortez / la luz (fin)
Princesa Alba / Ya no quieres quererme
Lous and the Yakuza / Dans la hess
James Blake / Before
Ane Brun / Take Hold Of Me
Morreo / Pesadilla pop
Eguala / Tiempos de Twindergram
Fontaines DC / A Lucid Dream
Anabel Lee / Sobran defectos
Marcelo Criminal / Dentro y en contra
beabadoobee / Worth It
Ariana Grande / positions
Nathy Peluso / Buenos Aires
Haim / Man from the Magazine
Borneo / Limoneros
Fleet Foxes / Can I Believe You
La influencia de ‘El mal querer‘ de Rosalía ha traspasado nuestras fronteras para llegar a otros lugares. No solo C. Tangana se re-apropia de símbolos asociados a la derecha como el pasodoble o la misma bandera de España para eliminar su connotación fascista, sino que de repente también un single de Camila Cabello incluye palmas flamencas, otro de James Blake ídem, Dua Lipa y Katy Perry colaboran con CANADA…
Desde Bélgica, la cantante y rapera Lous and the Yakuza acaba de publicar su primer disco, un ‘Gore’ producido por El Guincho en su totalidad. La artista le contactó después de escuchar ‘Malamente’ y la colaboración ha resultado en un largo que tiene poco de folclor y mucho del trap-pop de moda, si bien la visión de Marie-Pierra Kakoma y Pablo Díaz-Reixa nunca suena demasiado desesperada por intentar sonar en toda playlist posible. Las canciones de ‘Gore’ suenan elegantes, cálidas y envolventes -se nota la mano de Pablo en la delicadeza de capas melódicas y percusiones- y la duración del disco -apenas 29 minutos- ayuda a que su sonido lineal -en el que apenas hay un par de concesiones al Caribe o a la balada acústica- no se termine haciendo bola.
Como hemos contado, la biografía que se conoce de Marie-Pierra Kakoma es de verdadera superación. Sus padres, dos médicos africanos, él de Congo y ella de Rwanda, la desheredaron a los 18 años al descubrir que quería dedicarse a la música, y la artista pasó entonces a vivir en la calle hasta que encontró un estudio en el que se asentó para pernoctar. De ahí empezó a hacer contactos con productores… y el resto es historia. De su paso de la miseria al éxito habla una de las mejores canciones del disco, la evocadora ‘Dans la hess‘, en la que defiende que todo lo que ha conseguido le ha costado sudor y sangre, pero el disco incluye retratos de la calle más duros. En ‘Courant d’air’, la cantante imagina la vida de una madre que ha de prostituirse para sobrevivir porque ella misma llegó a plantearse la prostitución como modo de vida en un momento; y ‘Quatre heurs du matin’ relata una violación desde los dos puntos de vista, víctima y depredador.
En ‘Gore’, sin embargo, prima un sentimiento de resistencia, como en ese ‘Amigo’ en el que Lous «lucha contra la enfermedad mientras el mundo colapsa» a su alrededor. La artista se enfrenta a los obstáculos de la vida, pero también a las personas que quieren derribar su espíritu, y manda más de un mensaje anti-racista. En el adictivo single ‘Dilemme’, Lous canta que el arte le «atraviesa» el alma y sentencia que su piel «no es negra, sino de ébano», mientras en el repetitivo ‘Tous est gore’ aboga por «vivir el momento» y a «toda velocidad» al tiempo que clama que las personas negras «llevan haciéndose twerk desde el albor de los tiempos» y, en otra frase, se dirige a un interlocutor para pedirle que no la llame «cariño» porque ella es capaz de «demoler su confianza solo con palabras». Donde la música de ‘Gore’ es amable e hipnótica, las letras son viscerales o relatan historias como las descritas en el párrafo anterior.
Entre los cortes de ‘Gore’ que se salen de su línea de trap general destaca el dancehall translúcido de ‘Telephone sonne’, sobre la incapacidad de Lous para conciliar el sueño cuando se siente tan cerca de conseguir eso mismo, sus sueños, y la final ‘Solo’, que ofrece una agradable clausura centrada en los instrumentos orgánicos, como guitarras o percusiones. En ella, la artista pide a Dios que le «saque del camino de la venganza», pero con toda su vida canalizada en este proyecto, parece que Lous and the Yakuza ya transita un nuevo camino.
Calificación: 7/10 Lo mejor: ‘Dilemme’, ‘Telephone sonne’, ‘Dans la hess’ Te gustará si te gusta: el trap-pop a lo Post Malone o Drake, pero también el pop en francés Youtube:vídeo de ‘Dilemme’
Maria Rodés lo ha vuelto a hacer. Aunque ‘Lilith’ no era un disco al uso sino simplemente un proyecto para el directo antes de la pandemia, vuelve a ser un punto fundamental en una carrera de lanzamientos exquisitos como ‘Sueño triangular‘ o ‘Maria canta copla‘. En esta ocasión el folclore nacional y latinoamericano es el fondo idóneo para musicar los aquelarres que ha habido a lo largo de la historia: mujeres que se reunían sin que ello tuviera connotaciones negativas. La cantante residente en Madrid nos responde cuestiones sobre ‘Lilith‘ y nos habla sobre su lugar en la música española, vía telefónica. Foto: Erika Prüfert.
Me ha llamado la atención el uso que estás haciendo de la palabra ‘Bruja’ durante la promoción de este disco. Nunca se dice «es un brujo» de un chico, es una palabra despreciativa hacia las mujeres e interpreto que le has dado una vuelta.
Se ha utilizado la palabra «bruja» para estigmatizar a la mujer: a mujeres sanadoras, sabias, astrónomas… Mujeres distintas. La idea es recuperar esa palabra y dar el sentido positivo que en realidad tiene. El proyecto va de reivindicar la figura de la bruja como mujer libre, mujer creativa, mujer inspirada. Que no es algo malo sino todo lo contrario.
¿Hay una labor de documentación en este disco?
Hay mucha historia escrita sobre la Inquisición. A lo largo de la historia, a las mujeres que podían predecir eclipses se las tachaba de brujas, cuando lo que hacían era realizar estudios por su cuenta. Como los demás no lo entendían, las señalaban de brujas. También a curanderas…
Taylor Swift tiene ese estigma de mala, manipuladora, calculadora… y ha jugado con la imagen de la «serpiente». No sé si en un entorno underground, folk, cantautor, artesanal… como el tuyo, sufres un estigma parecido.
No conozco el caso de Taylor Swift, no sé por qué la llaman bruja… Cuando decidí hacer este disco, tenía 33 años, no tenía una casa fija, no tenía pareja, no tenía hijos, tenía una vida errante. Me preguntaba cómo habría sido vista en el siglo XV, añadiendo fantasía, evidentemente. Quería hacer como una exploración de mis antepasadas, entre comillas.
En el plano musical, ¿cómo has querido retratar esta temática?. Hay bastante folclore, ¿cómo has hecho la producción?
En la Península Ibérica hay mucha leyenda sobre aquelarres, y me intenté imaginar cómo sonarían esas fiestas paganas donde se hacía música, y se decía que las mujeres se liaban con los diablos. Me imaginaba un sonido muy folclórico y, dependiendo del lugar, los aquelarres de Aragón sonarían a jotas, los de Galicia a música gallega…. Quería que el disco tuviera ese espíritu folclórico, que es lo que me viene a la mente con ese imaginario.
‘Seguramente fui yo’ es una jota, ¿verdad? También sale la palabra «seguidilla»…
Mi intención es que fuera una jota, pero tampoco soy una entendida. Los géneros los hago como me da la gana (risas) Seguro que no es una jota estrictamente, pero por ahí va la cosa.
¿Y la parte del folclore latinoamericano?
Tiene mucho que ver con haber estado en México un par de veces. Es un país muy mágico, incluso a nivel artístico. El mundo de las brujas me lleva a esas tierras, también a la música andina. Descubrí una curandera en internet, María Sabina, a la que acudieron los Beatles, Jodorowsky… y ella hacía viajes alucinógenos con ritmos chamánicos. ‘La extraña’ coge esos ritos y la idea es que tuviera ese tinte latinoamericano, aunque en este caso es una cumbia colombiana. Otro tema, ‘Con los pies desnudos’, se inspira en ‘Risas’ de Alfonsina Storni porque es una de mis poetas favoritas, de mis brujas favoritas, como yo digo. Tiene un ritmo de chacarera porque ella era argentina.
No sé si he entendido muy bien el juego de la «triple Diosa» de ‘La extraña’: la anciana, la hija y demás, ¿qué me puedes contar?
Se dice que en los rituales de brujas hay un ritual llamado «Bajando la luna», se invoca a la Luna y hablan a través de ella. Se la invoca como «triple Diosa» porque sus diversas caras -creciente, nueva…-, representan una faceta de la mujer. Son los tres momentos vitales: anciana, mujer adulta y la niña. Es recurrente en la imaginería de brujas. En el disco hablo de leyendas, pero estos rituales todavía sobreviven, por ejemplo las «wicca» hacen rituales de este tipo.
Entiendo que la lucha del disco es que «bruja» y «aquelarre» dejen de tener una connotación negativa…
Para mí no tienen connotación negativa, es fruto de una cultura machista. Se asocia «bruja» a mujer vieja, fea, solitaria… es una visión machista de la mujeres por ser solteras o por generar tentaciones en hombres casados. La idea del disco es desestigmatizar la palabra y darle un lado luminoso.
¿Y «aquelarre»?
Para mí es una fiesta donde estas mujeres se reúnen. La gente decía que tenían relaciones con el diablo, pero yo me imagino a mujeres reunidas celebrando, divirtiéndose, no haciendo pactos con el diablo (risas).
El diablo tiene una función particular en el disco. Hay un montón de detalles, como «pelo rojo» cuando se asociaba a los pelirrojos y las pelirrojas a algo malísimo… Pero esta canción dice: «hay que ser muy tonta para creer que el diablo te amará». Hay un poso de desamor, decepción, mentira… hay una segunda lectura por ahí, ¿o se me ha ido la olla?
No, no, muy bien visto (risas). Hay mucho de desamor y un poco de venganza. «Venganza» no, no me gusta la palabra. Pero sí de sensación de estafa a nivel emocional con una serie de individuos. Es una exageración llamarlos «diablos» pero es una referencia a un tipo de personalidades narcisistas: las que te encandilan y cuando te conquistan, pierdes el valor. Es una estafa porque es una seducción que tiene más que ver con ellos mismos. O con ellas, que también pueden ser mujeres. Es sobre ese perfil. Y también es sobre nuestra relación con el lado más oscuro de nosotros mismos, con nuestro diablo interno. Todos somos buenos y malos.
¿De ahí la frase «ahora soy yo la que conspira»? No sé si es que te transformas en el mal…
Bueno, no sé… A través de una relación de este tipo te encuentras con tus propias oscuridades.
«Por mucho que se acalle a las brujas, todavía estamos aquí»
¿Hay un desenlace en esta historia?
No. A nivel musical hay apertura y cierre, del ritual iniciático «ahora entramos allí» al final, que es del mismo tinte a nivel sonoro, acabando con «Las brujas vuelven», que es una referencia a un libro del siglo XV de Jaume Roig. Se llama ‘Espill’ o ‘Llibre de les dones’, es un libro muy conocido, misógino, y la parte que yo uso es un texto en el que él describe cómo las brujas se reunían en la Cueva de Biterna, donde pactaban con el diablo. Juego con esa parte de texto en catalán antiguo pero lo manipulo bastante. Lo que quiero decir es que por mucho que se acalle a las brujas, todavía estamos aquí. Entendiendo «bruja» por mujer liberada que se atreve a ser ella misma, mujer independiente…
‘Oscuro canto’, la penúltima canción del disco, no sé si habla de lo mismo que el resto del disco. No sé si es una metáfora sobre que no se escucha lo suficiente tu voz, cuando dices lo de «se pierde mi voz… desangelada». Estás cantando sobre mujeres fuertes, pero no sé si te estás quejando de tu lugar en la industria musical.
Conscientemente no. Es más un sentimiento de ese momento, de cuando la compuse. No pensaba en eso.
«Recuerdo que en 2014 lo que hacía era una marcianada. A mí me parecía muy interesante reivindicar el folclore de aquí porque todo el mundo miraba Estados Unidos. Había mucho prejuicio hacia el folclore propio»
Te lo pregunto porque C Tangana es número 1 en Spotify con una canción que bebe del folclore, y no sé si te sientes una pionera en ese sentido, porque antes quien retomaba el folclore era un friqui.
No sé si soy pionera o no, pero recuerdo que en 2014 lo que hacía era una marcianada. A mí me parecía muy interesante reivindicar el folclore de aquí porque todo el mundo miraba a Estados Unidos. Había mucho prejuicio hacia el folclore propio. Nació de ahí, no sé si ahora nace del mismo punto, y no sé si soy la persona para denominarme pionera, no sé qué había antes. Quizá había gente menos conocida haciéndolo. Quizá era una tendencia que tenía que pasar y ya está.
Hay partes de tu disco que me recuerdan al dream pop, a la banda sonora en la canción final… pero te veo tan a tu rollo que me pregunto qué escuchas realmente en tu casa y qué opinas de la evolución de la música española en los últimos años.
Cada vez me interesa más la música sin producir. Cuanto más virgen sea, más me atrae. Por eso el folclore me atrae tanto, esa ausencia de producción lo hace más puro, más vivo. Al final solo acabo escuchando producciones e ideas de estudio. Y personalmente me atrae más lo otro. No soy una fanática del trap, no te voy a engañar (risas) Tampoco hago un gran esfuerzo para que me guste. Está bien, hay cosas que me gustan, pero no es lo mío.
Dime una cosa que te haya gustado en los últimos años.
(piensa) Me gusta mucho Sílvia Pérez-Cruz, por una cuestión muy emocional. Cuando canta me agarra, tiene mucho duende, me emociona mucho su manera de cantar. Por decirte alguien.
Pero tu disco sí está producido, están los coros doblados de ‘La extraña’, el efecto fantasmagórico… que viene muy bien en un disco que habla de cosas místicas.
Si yo no digo que no haga producción (risas) Decía lo que me gusta escuchar. Últimamente me atrae más la ausencia de producción, pero yo hago mucha producción. En casa del herrero, cuchillo de palo.
Menos ‘Recuerdos de Ypacaraí’ que casi sí que no tiene producción.
Esta canción la grabé en casa, es la única. Se la pasé a Joel (Condal), el productor, que la hizo sonar «grande», como él dice, aunque es una guitarra y dos voces. La canción me gusta mucho, habla de la música como embrujo, de una historia de amor: «el embrujo de tus canciones me enamoró». Es la capacidad de embrujar de la propia música. Cuando voy a conciertos o escucho a alguien cantar, hay algo de hechizo cuando algo te conecta realmente.
¿La conociste en voz de Julio Iglesias?
De Caetano, hace mucho tiempo.
«Agobia un poco no saber a qué te vas a dedicar los próximos meses»
Finalmente, aunque sea tópico, estoy preguntando a los músicos cómo están: estás sacando un disco importante, muy chulo y pensado, y estamos en mitad de una pandemia…
Justamente, como es un disco que antes de ser disco era un proyecto en directo, se estrenó en marzo de 2019. Hicimos bastantes conciertos y por eso me he atrevido a sacarlo. Si no nos dejan tocar, tendré un recorrido hecho en directo con estas canciones. Sacar un disco nuevo sin un recorrido en directo sí me daría apuro, por si no se puede tocar. Con este disco tocaremos lo que podamos, y ya hemos hecho un par de conciertos, pero el tener un recorrido previo me deja más tranquila.
Entonces estás bien…
De momento tiro con dinero ahorrado, pero como siga (la pandemia) mucho tiempo, no sé qué vamos a hacer. Agobia un poco no saber a qué te vas a dedicar los próximos meses.
Pero el disco estaba hecho…
Pues… no (Risas)
«Grabar un disco es una gran inversión de energía, tiempo y dinero. Te puede venir mejor o peor y en ese momento no lo tenía planteado»
Pero ‘La extraña’, por ejemplo, salió en febrero, antes del confinamiento…
Primero salió ‘Carta al Diablo’ en 2019. Hicimos un concierto y nos pidieron que grabáramos algo, algún single, no recuerdo muy bien. Yo lo grabé como single. Para ampliar también grabo ‘La extraña’, era un single de 2 canciones. Luego iba a hacer EP, se aplazó todo por el confinamiento, y al final el EP se convirtió en el disco.
¿Entonces para ti es un disco con entidad, o ha salido por accidente?
Es importante, pero al ser concebido para el directo, lo veía así. La gente desde fuera me tuvo que decir «¡graba estas canciones!». En el camino me he animado y ha sido un poco una concepción extraña para momentos extraños.
¿El proyecto siempre se llamó ‘Lilith’?
Sí. El concepto estaba claro desde el principio. Grabar un disco es una gran inversión de energía, tiempo y dinero. Te puede venir mejor o peor y en ese momento no lo tenía planteado. Tiene retintín que un disco de brujas salga en una pandemia porque se decía que las brujas producían pandemias.
Borneo es un dúo argentino de folk-pop compuesto por Ana Schon y Mateo Monk, dos jóvenes de 18 y 17 años, respectivamente, que residen en Argentina pero cuentan con España como el país que más escucha su música -de hecho, de los cinco lugares que más les siguen, tres son Madrid, Barcelona y Valencia, el resto son Ciudad de México y Buenos Aires-. La canción de 2019 de Borneo, ‘Rayito’, incluida en su EP de debut, pasó tres semanas en la lista de temas más virales de Spotify España, de hecho alcanzó el top 18, y a día de hoy supera el millón de reproducciones en la plataforma sueca.
El nuevo single de Borneo, ‘Limoneros’, es hoy nuestra «Canción Del Día». Publicado el 8 de octubre, el tema celebra la llegada de la primavera en Argentina, que va del 21 de septiembre al 20 de diciembre, y emociona con poco más que la bonita voz de Ana, la guitarra con ecos de bossa de Mateo, que recuerda al trabajo más intimista de José González o Kings of Convenience; y una percusión ligera y pausada, a la que también acompaña la irrupción de unos sutiles coros.
En ‘Limoneros’, Borneo pasean por la calle, observando el cielo y recordando lo que deja la estación anterior: «la espera fue breve, la canción floreció, el invierno fue leve, pero nos congeló», canta Ana, a la vez que va «por l calle cantando» y observa que el «cielo está pintado» de un color «que me guardo para no olvidar jamás». Con una mezcla de alegría por la estación que llega y de melancolía por la que se marcha, ‘Limoneros’ captura un instante de magia iluminada por el sol: «y otra vez recorrer y perdernos andar flotando entre los limoneros, no percibir que esto se esta muriendo, un paseíto tan azul como el cielo».
Otros temas similares firmados por Borneo son ‘Gris’, ‘Esperando’ e ‘Insomnio’, mientras ‘Cuidar el jardín’ vio la luz durante la pandemia. Ellos dicen que “en una época en la que la música más escuchada busca sonar lo más fuerte posible, nosotros creemos en el poder de la canción en su expresión más despojada”, y ‘Limoneros’ es una carta de presentación estupenda para su cometido.
Adele ha sido la encargada este sábado de presentar una nueva edición de Saturday Night Live. En su monólogo inicial, la cantante ha confirmado que su disco «no está terminado» pero sin dar más detalles.
Las palabras de Adele no invitan a dejar de especular en absoluto sobre el sucesor de ’25’: su disco puede aún salir este año, puede que se encuentre ultimando la mezcla, o puede que le queden temas por grabar. Por qué aparecería Adele, después de pasar años alejada del ojo público, en uno de los programas más vistos de Estados Unidos para después volver a su cueva es un misterio, pero si alguien puede hacer lo que le da la gana hoy en día es ella.
En su monólogo, Adele ha explicado también que ha decidido presentar el programa pero no actuar porque le da «miedo hacer las dos cosas» y ha bromeado sobre su pérdida de peso: «sé que tengo un aspecto muy diferente a la última vez que me visteis, y esto es porque, debido a las restricciones de movimiento por la covid, debía viajar ligera y traer solo una de mis mitades, y esta es la mitad que he elegido».
Como es habitual, la presentadora de Saturday Night Live ha participado en varios gags, y en uno de ellos, Adele ha interpretado a una concursante de The Bachelor, un reality estadounidense sobre citas. La artista ha arrancado a cantar de la nada ‘Someone Like You’, ‘When We Were Young’, ‘Hello’ y ‘Rolling In the Deep’, hartando a sus compañeros. En un gag vacacional, la artista a duras penas ha conseguido aguantar la risa, y en otro -ambientado en el año pasado- ha visitado a una vidente para averiguar qué le deparará su vida en 2020.
Matt Berninger bromeaba sobre el hecho de que ‘Serpentine Prison’ se pudiera considerar un álbum en solitario, ya que en él hay como veinte colaboradores, de Gail Ann Dorsey a Andrew Bird, pasando por Matt Barrick (The Walkmen). Pero todos están aquí, disciplinados, al servicio de las letras de Matt. Aunque sí hay una presencia que sobresale en el conjunto, aún más que la de Berninger, esa es la de Booker T. Jones, legendario líder de Booker T. & the M.G.’s, la banda de Stax Records que creó el sonido de singles y álbumes de nada menos que Wilson Pickett, Otis Redding, Bill Withers, Sam & Dave… Booker es el productor de ‘Serpentine Prison’ y el único músico que toca en todas las canciones; su órgano Hammond siempre está ahí. La figura de Jones y la pasión que siente Berninger por él instilan el álbum. De hecho, el peso de Booker es tan abrumador que, en buena lid, el disco debería haberse editado bajo el nombre Matt Berninger & Booker T. Jones.
El resultado de la aventura no es sólo audible; es casi palpable. ‘Serpentine Prison’ tiene una muy hermosa cualidad orgánica, táctil, de sonido en directo (que se pierde algo, por eso, en el streaming). Ahí se nota el mimo con que se ha grabado todo, la calidad de los instrumentos, incluso la atmósfera de complicidad que ha reinado durante la grabación. A la voz de Berninger, recia, grave, quizás le falte un pelín de flow para acabar de hacerse con unas canciones orientadas hacia el soul. Pero, paradójicamente, son sus tonos tan bajos y algo monocordes lo que le da a su vez el toque; un cantante con una garganta más dúctil pasaría, paradójicamente, más desapercibido.
‘Serpentine Prison’ está alejado del indie, de la épica que tan bien manejan The National. Sin embargo, la voz de Matt es tan indisociable de la banda que es imposible no comparar ambas aventuras. Por ejemplo ‘Distant Axis’ es un puente entre The National y este proyecto. El piano y el rasgueo de guitarra acústica, las letras y las inflexiones vocales de Matt le otorgan esa textura épica marca de la banda. El resto del disco se esfuerza en alejarse de la órbita del grupo. El órgano y el piano de Hammond de Booker reinan y deliran en una casi-jam muy de soul de los setenta en ‘One More Second’. ‘Silver Springs’, dueto con la gran Gail Ann Dorsey, brilla, a mi parecer, más que el de ‘You Had Your Soul with You’, aun siendo una canción más tópica, de jazz blues. Pero esta vez ambos se compenetran realmente y fluyen con naturalidad. En ‘Oh Dearie’ Matt se pone en la piel de Leonard Cohen; es una bonita balada con piano, guitarra y coros en crescendo. El piano de ‘Take Me Out Of Town’ suena tan familiar que has de leer bien los créditos para cerciorarte que es un tema original y no una versión. En ‘Collar of Your Shirt’ es donde la voz de Berninger se aleja más de su tono habitual y se acerca a uno más canónico de soul-americana, subiendo octavas hasta obtener lo más parecido a un falsete. ‘All for Nothing’ acaba con una hermosa subida de intensidad, arropada por violines y la emoción ascendente.
Quizás el resultado esté un poquito por debajo de las expectativas ante lo que prometía tal cantidad de genios. Pero muy poquito. ‘Serpentine Prison’ son 41 minutos de soul hermoso y cálido. Un disco elegante, emocionante y (odio la palabra, pero aquí se ajusta) adulto. Y es hermoso notar como Matt muchas veces se se deja llevar en mucho de los temas. Música para arroparse durante este feo otoño.
Calificación: 7,3/10 Lo mejor: ‘Distant Axis’, ‘One More Second’, ‘Silver Springs’, ‘Oh Dearie’, ‘All for Nothing’. Te gustará si te gusta: Andrew Bird, Hamilton Leithauser, las producciones de Booker T. Jones Youtube:vídeo de ‘One More Second’
Julia Michaels es una de las compositoras de pop más influyentes del último lustro por su trabajo para Selena Gomez o Justin Bieber, que la ha llevado a trabajar con multitud de artistas; y este año ha metido mano en la mejor canción de ‘Future Nostalgia‘ de Dua Lipa, el álbum pop que ha marcado el principio de década, y en el single político de Demi Lovato. Tanto tiempo se lleva hablando de Michaels que parece mentira la artista todavía no haya publicado un álbum largo como tal. En los últimos años ha editado tres epés, ha arrasado con singles como ‘Issues’, aparecido en multitud de temas de más o menos éxito como artista invitada, y hasta a tenido tiempo de demostrar que su estilo puede ser mucho más interesante de lo que parece, con temas como el glam ‘Uh Huh’ o el bizarro ‘Pink’.
El debut largo de Julia Michaels existe, no tiene fecha de edición, pero existe, y la artista ha declarado que será un trabajo centrado en el amor y en «estar enamorado» en lugar de sumergido en una relación tóxica. Julia sale con el cantante JP Saxe a partir de que ella escribe su éxito ‘If the World was Ending’, y el primer adelanto del álbum está inspirado en esta relación. Producida por unos The Monsters & Strangerz que recientemente has escuchado en ‘Liar’ de Camila Cabello, varios temas del disco de Lauv (ex de Julia) o ‘Break My Heart‘ de Dua Lipa, ‘Lie Like This’ acerca a la cantante y compositora a la pista de baile para hablarnos de una sensación típica en el amor, la de sentir que no puedes despegarte de persona que te llena aunque estés «emocionalmente jodida».
Y no, la pista de baile que busca Julia en ‘Lie Like This’ no es la misma que este año han visitado Dua, Kylie o Jessie Ware, y ni siquiera puede hablarse de una aproximación a la discoteca como tal. La influencia del piano-house es perceptible en el arreglo musical de la canción, pero donde este año ‘Chromatica‘ y ‘Róisín Machine‘ nos han sumergido en esos mundos de manera profunda, ‘Lie Like This’ no deja de ser una grabación pop ante todo, confeccionada para la radiofórmula, pulida al máximo e inofensiva desde el punto de vista de la producción. Sin embargo, la voz rota de Julia aporta una personalidad inconfundible mientras la melodía de la canción atrapa tanto como esa relación irresistible que relata su letra, especialmente la de un estribillo que engancha dentro de que busca cierta linealidad.
Parte de la redacción evalúa ‘positions‘, el nuevo single de Ariana Grande. El álbum ‘positions’ sale el 30 de octubre y la imagen que veis es su portada.
«Quizás el mayor problema que tiene Ariana Grande ahora mismo es que esperamos mucho de ella. El nivel de exigencia es alto: queremos más y mejores hits. Las expectativas pueden afectar a ‘positions’; temo que pueda parecer poca cosa de entrada. Nada más lejos de la realidad. Es una canción muy bonita, deliciosa en su aparente sencillez. No es un tema que busque la espectacularidad, no contiene ganchos evidentes. Pero, déjenme caer en el tópico, es que el gancho es toda ella. ‘positions’ es elegantísima, recuerda al R’n’B sedoso de principios de los 90, destila mucha melancolía, ella canta precioso y el arreglo de cuerdas es casi perfecto. Y es tan corta que le das al repeat inmediatamente; un puente y un estribillo extra, por esta vez, no habría sobrado. La única pega que le pongo es el videoclip: Ariana, ¿eres la presidenta de EE.UU. y estás triste porque él no está? ¡Anda y que le den!» Mireia Pería
«En ‘positions’, Ariana Grande ofrece un aburrido doble sentido que puede ser interpretado desde un punto de vista feminista o desde un punto de vista sexual. Las «posiciones» de las que habla se dan en la cama… pero también en la cocina, y no es ella la que está ocupada amasando harina: en el vídeo es la mismísima presidenta de Estados Unidos, de la misma manera que, en la vida real, es una jefa de la industria del pop. A estas alturas este tipo de «inversiones» no quedan muy imaginativas: ¡hasta Meghan Trainor lo hizo con más gracia hace cinco años! Pero lo peor de ‘positions’ es que muestra a una Ariana con muy poco interés por llevar su sonido hacia adelante o hacia nuevos lugares, hasta el punto de que ‘positions’ suena prácticamente indistinguible de cortes de ‘Dangerous Woman‘ como ‘Sometimes’… o de cualquier tema perdido de Craig David. ¿Dónde está el «groove» de ‘Boyfriend? Para ser Ari la mayor abanderada del R&B-pop actual, ‘positions’ jamás da una idea de lo interesante e innovador que este género puede llegar a ser. Más bien al contrario». Jordi Bardají
En los últimos 15 días hemos asistido a una moción de censura de VOX, y a un estado de alarma decretado por el gobierno central (PSOE y Unidas Podemos), en la Comunidad de Madrid (PP y Ciudadanos), que provocó una manifestación en Ferraz. En definitiva, a nuevas evidencias de que vivimos en un país profundamente dividido incluso en mitad de una pandemia y una crisis económica históricas, lo cual parece advertirnos que así permanecerá para siempre. Mientras en Twitter asistimos atónitos a una sucesión de mensajes más bobos en su maniqueísmo que enriquecedores sobre cualquier conflicto, en los últimos días también se ha estrenado una serie española llamada a hacer historia en tan sólo 6 episodios de 50 minutos, ‘Antidisturbios’. Rodada en Madrid, en escenarios tan reconocibles y llenos de significado como la Plaza de Nelson Mandela en Lavapiés o las inmediaciones del Santiago Bernabéu en Cuzco, la serie dirigida por Rodrigo Sorogoyen se está viralizando, pues partiendo de un desahucio, está disgustando a todas las partes implicadas casi por igual.
Los protagonistas son 6 policías antidisturbios que acuden a un destartalado edificio donde han de desalojar a unos inquilinos que no pueden pagar, siguiendo una orden del juez, y pese a que por la falta de dos furgones, la operación está desaconsejada. Allí topan con una plataforma anti-desahucios y un grupo de inmigrantes senegaleses dispuestos a hacer lo que sea para que la policía no se salga con la suya. A partir de ahí, se desencadena una trama que roza lo claustrofóbico, sobre todo en las segundas partes de los capítulos 1 y 5, y en la que la gran baza es lo difuminada que está la barrera entre «buenos» y «malos», salvo un par de excepciones.
Medio en broma, medio en serio, Él Mató a Un Policía Motorizado dejaron hace poco el titular en El Español: «Hasta donde yo he podido ver y sé, la policía es mala en todas partes». Sea conocimiento popular o leyenda urbana, lo cierto es que la policía lleva tiempo tratando de luchar contra esa imagen, algo que les va a costar algo más que contratar a un community manager enrollado para gestionar el Twitter. ‘Antidisturbios’ no duda en mostrar la peor cara de la policía, con personajes en ocasiones iletrados, pasionales, maltratadores, acosadores (atención a esa camiseta de Los Suaves), adictos y desconocedores de cualquier atisbo de autocontrol. La serie ha cabreado tanto a los sindicatos de la policía que han condenado el guión en redes sociales, llegando a tildarlo de «basura».
Pero ‘Antidisturbios’ no se queda en contentar al público objetivo de un Nacho Vegas. Rodrigo Sorogoyen, que trató el tema de la corrupción en España en una película tan sobresaliente como ‘El reino’ (antes llegó ‘Que Dios nos perdone‘), cuestiona aquí también el buen hacer del sistema judicial, la lucha de intereses, y de nuevo la corrupción en nuestras instituciones. Sin cortarse un pelo, Sorogoyen, la co-creadora Isabel Peña y el co-guionista Eduardo Villanueva, se acercan a algunos de los antidisturbios para mostrar su lado más humano (y sexy, qué valor) sobre todo a través de los personajes de Raúl Arévalo, Álex García y Roberto Álamo. Cuando a uno de ellos le tiembla la voz -y el alma- para pedir ayuda psicológica, la cual necesita realmente a vida o muerte, el espectador se da cuenta de hasta qué punto ha sido víctima a su vez de los roles de la masculinidad tóxica de la sociedad.
¿Quién es tratado con benevolencia en esto? Aquellos que piensen que el grupo de inmigrantes o los desahuciados, que repasen el primer capítulo y cuenten el número de veces que la policía, a tenor de su experiencia, trata de evitar que se desencadene la tragedia. Y rizando el rizo encontramos el personaje de la actriz principal, Vicky Luengo, que interpreta el papel de Laia, una agente de Asuntos Internos a la que se encarga la investigación de las irregularidades del desahucio. Suya es la primera escena de la serie, una partida de Trivial en la que ya nos queda claro lo importantísimo que es para ella tener razón, por encima incluso de la justicia. ¿Cuánto le importa de verdad esta si tiene que repasar el nombre del inmigrante cuyo caso investiga de manera obsesiva? En las diversas caras que vemos de este personaje, y en el peligro de que el espectador se vea reflejado en él, es donde el director de ‘Madre‘ termina de lucirse en una serie breve, con trasfondo, emocionante en los primeros planos y vibrante en las escenas de acción corales. No triunfará fuera como ‘La casa de papel’ por presentar una trama menos universal, más «nuestra», pero es parte desde ya de la historia de la ficción nacional. 9.
Corría el año 2015 la primera vez que hablamos de este disco. Eran los días en que ‘Lean On’ arrasaba, se publicaba ‘Peace Is the Mission‘ y la noticia entonces era que Major Lazer sacarían al cabo de muy pocos meses un álbum llamado ‘Music Is The Weapon’. Al fin en nuestras manos, no estamos exactamente ante el mismo disco, para el que se anunciaron colaboraciones como Gwen Stefani, The Weekend, Sia, Justin Bieber, Travis Scott… Podemos adivinar dónde terminaron algunas de ellas, y otras no; pero la intención permanece.
Como se afirma en la serie por capítulos «Lazerism» que repasa su historia y objetivos, Major Lazer están aquí para promover la «unidad y la paz», «alejar la negatividad en el mundo» y promocionar el amor de «los unos sobre los otros»: todas aquellas cosas que tenían lugar en sus multitudinarios conciertos. Y justo cuando no pueden hacerlos han decidido sacar este disco que llegó a tener otro nombre por el camino -precisamente ‘Lazerism’-, y es pertinente porque, ahora más que nunca, «la música» ha de ser «el arma» para que sobrevivamos a este otoño.
La fórmula para motivar a su público es la de un disco de media hora en la que caben medio docena de singles y otra media que podría serlo en cualquier momento, todos en torno a los 2 o 3 minutos de duración, terminando antes de que te puedas aburrir de los literales «Bam Bams» de sus ritmos locos. En ‘Music Is the Weapon’ está ‘Qué calor’, el tema que J Balvin llevó a la mismísima Super Bowl; ‘Trigger’ con la sedosa voz de Khalid; ‘Rave de Favela’ con Anitta, MC Lan y BEAM; y ‘Oh My Gawd’, con Nicki Minaj, Mr Eazi y K4Mo; entre otros.
Diplo, Walshy Fire y ahora también Ape Drums -Jillionaire ya no forma parte de la banda- siguen entregadísimos a los ritmos africanos («África siempre ha sido el futuro», proclaman) y jamaicanos, como es el caso de ‘Hell and High Water’ con Alessia Cara, contando también con numerosos colaboradores de este país, como Shenseea con todo su flow en ‘Tiny’ o ‘Busy Signal’ en ‘Sun Comes Up’. Sin embargo, hay que decir que después de haber inspirado el 100% de la discografía de Lola Indigo, el álbum es mejor en su tramo final, cuando se desmelena en su acercamiento a los ritmos latinos e indios, sin que esto tenga nada que ver ni con el reggaetón ni con los trucos de ‘Lean On’.
Siento una especial debilidad por algo tan tonto como ‘Lay Your Head On Me‘, sobre todo dentro de esta secuencia, pues la dulce voz de Marcus Mumford rodeada de EDM y acústica habría hecho soltar alguna lagrimilla a Avicii; pero las verdaderas sorpresas del álbum no pueden ir por ahí ni por donde Skip Marley, uno de los nietísimos, en ‘Can’t Take It From Me’. Si ‘Rave de Favela’ es perfecta para una sesión de «voguing», ‘Jadi Buti’ incorpora a dos artistas indios como son Nucleya y Rashmeet Kaur entre una atractiva caída de cuerdas, trompetas y flautas. Y ‘QueLoQue‘, con Paloma Mami, añade un punto de merengue a una melodía que atrapaba desde el principio cual hit de Kali Uchis. Podría ser una producción del ex Calle 13 Trending Tropics, aunque Paloma Mami en realidad sea chileno-estadounidense y nacida en Manhattan. La cuestión es que da igual «de dónde», como proclama Busy Signal en ‘Sun Comes Up’: «hoy me siento libre / no importa dónde quiera estar / podría ser en cualquier lugar del mundo / pero esta noche estás aquí conmigo». Obviamente sin baladas ni un tema sin potencial, Major Lazer siguen conociendo los beats con los que derribar males y fronteras.
Calificación: 6,8/10 Lo mejor: ‘QueLoQue’, ‘Qué calor’, ‘Rave de Favela’, ‘Lay Your Head On Me’ Te gustará si te gustan: Diplo en general, Calle 13, Avicii, Lola Indigo Escúchalo: ‘QueLoQue‘
Alizzz ha publicado este jueves noche su nuevo single junto a Amaia… cuando el primero permanece en el número 1 de Spotify España gracias a su nueva producción para C. Tangana, ‘Demasiadas mujeres‘.
El productor barcelonés había compartido una playlist de canciones que han inspirado ‘El encuentro’ o a las que, como mínimo, recuerdan por sonido, y esta playlist incluía música bastante funky y bailable de Jungle, Her’s, Phoenix, Empire of the Sun o hasta Chimo Bayo, pero también cosas como ‘Heaven or Las Vegas’ de Cocteau Twins, ‘Love Will Tear Us Apart’ de Joy Division o ‘Desaparecer’ de Los Planetas. De ‘Good Life’ de Inner City a ‘This Charming Man’ de los Smiths, quedaba claro que ‘El encuentro’ aunaría elementos funky y guitarreros, quizás tan inspirados en el post-punk como ese ‘Todo me sabe a poco’ con el que Alizzz sorprendía hace unas semanas.
La pista de esta playlist que llevaba directamente al sonido de ‘El encuentro’, hoy nuestra «Canción Del Día», no estaba precisamente en Chimo Bayo a pesar de los vídeos de la ruta del bakalao que Alizzz ha compartido estos días en sus redes. Más bien estamos ante un tema pop bailable con influencias del post-disco y el «boogie» de los 80, próximo al trabajo de los mexicanos CLUBZ. El vídeo de ‘El encuentro’ ya puede verse y sí hace referencia a la ruta, pues ha sido rodado en Valencia: esto va de «un encuentro» que termina en after, con Amaia marcándose un «pos’ miradme tol’ coño» en un punto del vídeo, Alizzz orinando en campo abierto, ambos bailando bajo la luz del sol… y más cosas.
Sobre su colaboración con Amaia, Alizzz ha explicado: “Con Amaia decidimos hacer una canción sobre un momento, sin explicar demasiado nada y dejando abiertas las posibilidades”, explica Alizzz sobre cómo surgió la colaboración. “Los dos habíamos vivido algo similar, un encuentro fortuito con alguien con el que has tenido algo importante, pero que no ves desde hace mucho. Es una situación sugerente donde todo está en el aire y nadie sabe qué puede pasar. En el tema la voz de Amaia suena susurrante pero a la vez poderosa”.
En cuanto a Amaia, ella celebra la nueva dirección musical que ha tomado en este nuevo single: “Desde que Alizzz me enseñó la primera idea de esta canción me emocioné y quise colaborar con él. Me encanta cómo suena la mezcla entre lo orgánico y lo electrónico, y sobre todo que pueda bailarse, porque hasta ahora no había hecho nada en esa dirección”.
Casero es el proyecto de pop electrónico de Gabriela Casero, cantante y compositora madrileña a la que probablemente conozcas por su trabajo al frente de MOW. Las canciones de Casero apuntan en realidad a un pop pausado, intimista, «hecho en casa»… apto por tanto para fans de la última Natalia Lacunza o de Rebe.
Después de haber conseguido que temas como ‘Islas desiertas’ o ‘Cuánto más’ sumen, entre las dos, cerca de 800.000 escuchas en Spotify, la artista presenta nuevo single de la mano de Russian Red. La autora de ‘I Love Your Glasses’ no saca disco de material original desde 2014, pero en 2017 volvió con un extraño álbum de versiones y en 2016 lanzó un EP colaborativo con Glowbug (un músico de Los Ángeles, donde reside la artista) en el que ya se envolvía de sonidos electrónicos, como sucede en este ‘Cállate’ en el que Lourdes Hernández asume el protagonismo sobre todo a partir de la segunda estrofa.
En ‘Cállate’, Casero y Russian Red lamentan una relación fallida, arrepentidas. «Ahora me ha dado por sentir que todo lo que vivimos ha sido solo un castigo para mí», canta la primera, mientras la irrupción de la segunda es inequívoca en cuanto empieza a sonar su reconocible vibrato. La artista lamenta: «Ahora que lo pienso estaba claro, con lo que yo te quería y las ganas que tenía de tenerte siempre al lado, no puedo dormir de lo sola que me siento, no puedo parar de pensar que me arrepiento, de haber perdido tanto tiempo contigo».
Con la taquilla en cifras para llorar, la gran idea de los grandes estudios ha sido posponer los estrenos más esperados hasta no se sabe cuándo. ¿Quizá hasta que no quede ni un cine abierto? Almodóvar no da crédito. Asegura que ahora es cuando hay que trabajar más que nunca y su propuesta ha sido conducirnos a los cines, entre semana y bajo la lluvia, para ver su primera obra en inglés, de 30 minutos, rodada después del confinamiento. Merece la pena tragarse los 15 minutos de anuncios previos para ver esta obra de media hora, aunque solo sea para reflexionar durante un par de ellos sobre cosas como «¿alguien ha oído algo parecido a «me contagié viendo una película en el cine»?».
‘La voz humana’ (1930) de Jean Cocteau, una obra fetiche en la filmografía de Almodóvar desde los 80, no es ajena a la historia del cine ni al mundo del pop. La idea era que la interpretara Édith Piaf aunque no llegó a hacerlo, Roberto Rossellini hizo una adaptación en 1948, Ingrid Bergman protagonizó otra en los años 60 y Alaska y Dinarama sacaron en 1986 una canción así llamada que parecía inspirada en este texto. Si la letra de aquella «Voz humana» decía «Júrame que llamarás, aunque no existas, aunque no sea verdad», esta nueva versión de Almodóvar es una vuelta sobre aquella Marisa Paredes que en ‘La flor de mi secreto’ se preguntaba: «¿Hay una posibilidad, por pequeña que sea, de salvar lo nuestro?».
El monólogo de una mujer a punto de volverse loca por una ruptura es el pilar de este cortometraje para el lucimiento de Tilda Swinton. La actriz tuvo que «pellizcarse dos veces» cuando recibió el mail de Almodóvar, pues ambos habían coincidido pero ella tendía a comportarse en esos encuentros como «un animal extraño y tímido» mientras el director estaba «rodeado de admiradoras»; y ahora es el espectador el que tiene que «pellizcarse dos veces» para sobrevivir a esa mezcla de «locura y melancolía» de la que su mismo personaje presume y que de manera tan fehaciente define a la protagonista de ‘Tenemos que hablar de Kevin‘.
Almodóvar, como es lógico, no le deja todo el protagonismo. ‘La voz humana’ era referenciada en ‘La ley del deseo’ (1987) e inspiró el personaje principal de ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’ (1988), donde la imagen de Carmen Maura al aparato es una de las más recordadas. Entre muebles utilizados en otras de sus películas, esa terraza con alguien que si se tira, que si no se tira, y ese libro de Alice Munro sobre una mesa, los «Eastern Eggs» a su carrera son continuos. El espectador se termina de sentir como en casa con la reconocible música de Alberto Iglesias.
Esa sensación de confortabilidad termina jugando también algo en contra de ‘La voz humana’, un corto cuyos máximos pros son la actuación de Swinton, reforzada porque esta adaptación presenta una versión más moderna del personaje femenino; y la dirección artística, un absoluto espectáculo con una inesperada referencia escenográfica al Lars Von Trier más teatral, el de ‘Dogville’, ‘Manderlay’ y ‘Wasington’.
El gran contra es que ambos mundos -el de Swinton y el almodovariano- no terminan de integrarse para crear un nuevo universo frente a un espectador impaciente por que se saque partido a ese hacha, a la referencia a ‘Kill Bill’, a toda la violencia que se insinúa durante esta media hora. Dejando el humor relegado a un cameo, Almodóvar es fiel a su visión de la mujer en general, y de la mujer doliente en particular, pero en ‘La voz humana’ ha trabajado sobre todo el lado formal y estético -del teléfono rojo a rozar el spot de Airpods-, sin turbulencias tarantinescas, ni afectaciones dramáticas, al menos que al espectador afecten. El director manchego continúa en ‘La voz humana’ la senda que tan buen resultado le dio en ‘Dolor y gloria‘ de jugar con el contexto cinematográfico (la película dentro de la película), interpretando la salida del escenario como una forma de liberación. Swinton y Almodóvar brillan por separado, sin atreverse a dar un paso histórico en unas carreras de vértigo. 7.
Este viernes pueden escucharse al fin el nuevo single Ariana Grande y el tema conjunto de Amaia y Alizzz, que salía el jueves. A lo largo de la semana han llegado a las plataformas también temas sueltos de Kanye West (‘Nah Nah Nah‘), Delafé y Suu (‘MUCHO MUCHO MUCHO’), FINNEAS (‘Can’t Wait to Be Dead’) o un ‘Slime’ de Shygirl producido por SOPHIE. Foto: Dave Meyers
Hoy viernes sale también un tercer adelanto de ‘DISCO’ de Kylie Minogue así como un nuevo pepinazo de Novio Caballo llamado ‘Celebritis’ que no es otra cosa que una versión de Fabio & Glitter Klinik. También presenta nuevo tema electrónico Russian Red, si bien este pertenece en realidad a Casero y Lourdes ejerce de vocalista invitada. Por otro lado, Miley Cyrus, que al fin ha anunciado su disco, ha subido su versión de ‘Zombie’ a las plataformas de streaming a la vez que Adrianne Lenker lanza un tema llamado ‘zombie girl’, perteneciente a su nuevo disco en solitario.
Entre los artistas que se han animado a adelantar us próximos proyectos se encuentran Ela Minus (su disco sale el viernes que viene, próximamente entrevista con ella), Arlo Parks con ‘Green Eyes’ (su debut sale en enero), Julien Baker con ‘Faith Healer’ (su disco sale en febrero), un Eguala cuyo nuevo single y vídeo hemos estrenado en estas páginas; Ty Dolla $ign con ‘Spicy’ acompañado de Post Malone, Nilüfer Yanya con ‘Crash’ (presenta EP) o Amatria, que publica «un disco» este viernes. Además, C. Tangana y yaeji se han puesto de acuerdo para añadir sendos «bonus tracks» a sus últimos lanzamientos, y el primero de ellos involucra a Chico Blanco.
Este viernes sí salen a la luz los nuevos trabajos discográficos de Bruce Springsteen, Gorillaz y su experimento ‘Song Machine’, Major Lazer, Actress, Jeff Tweedy, The Mountain Goats, Faithless, Laura Veirs, Songhoy Blues, John Frusciante, Boy Pablo, Bea Miller, Nothing but Thieves, clipping. o JunglePussy.
El disco que contendrá su éxito ‘Midnight Sky’, que hoy viernes podría ascender por primera vez al top 5 en Reino Unido como apuntan las «midweeks», se llama ‘Plastic Hearts’ y estará en el mercado en poco más de un mes, el 27 de noviembre, es decir, el mismísimo Black Friday. Su portada no puede ser un homenaje más explícito a Debbie Harry. El álbum incluirá la versión de ‘Heart of Glass’ que ha logrado situar en el top 40 británico, pero también la de ‘Zombie’, que se viralizaba el pasado fin de semana. «Dolores estaría muy impresionada», escribían los chicos de Cranberries en Instagram.
Miley se ha dirigido a sus fans a través de una carta publicada en Instagram en la que indica que comenzó este disco «hace 2 años» y que pensó que «lo tenía todo bien atado y resuelto, incluso su propia vida», pero se equivocó, refiriéndose al incendio en su casa de 2018: «Nadie pone a prueba tu ego como la vida misma. Justo cuando pensé que el cuerpo de trabajo había terminado, todo se borró, incluyendo la mayoría de la relevancia de la música porque todo había cambiado». De momento, se desconoce la secuencia del álbum: simplemente se sabe que ‘Midnight Sky’ será la pista 7, ‘Heart of Glass’ la 14 y ‘Zombie’ la 15.
Ariana Grande ha publicado su nuevo single ‘positions’, que vuelve a ser una producción de su habitual Tommy Brown junto a LondonOnDaTrack y Mr. Franks. En el estilo trap-pop de ‘thank u, next‘ o ‘Boyfriend’, el tema cede su gancho a un extraño instrumento de cuerda pulsada y presenta suculentas armonías vocales en el estilo de Brandy.
El vídeo de ‘positions’ vuelve a estar dirigido por Dave Meyers pero no es surrealista como los de ‘no tears left to cry‘ o ‘God is a woman‘. En este caso, Ariana ocupa la Casa Blanca para convertirse en presidenta de Estados Unidos a la vez que asume tareas del hogar típicas como cocinar, sacar a los perros o meter la cabeza dentro del horno. El vídeo vuelve a ser una superproducción, si bien parece pensado para el lucimiento de ella en todo momento y nada más.
La cantante había anunciado, por sorpresa, que su nuevo trabajo discográfico vería la luz «este mes» de octubre, lo que significa que el lanzamiento ya solo podrá darse en una fecha, el viernes día 30 de octubre, a menos que haya algún cambio de última hora, como que decida publicarlo en jueves o el huracán Adele mueva ficha de alguna manera. El día 30 es la fecha a la que apunta la cuenta atrás en su página web.
La «Semana Virtual de la Música Latina» de Billboard se está celebrando esta semana y, entre los artistas que han ofrecido entrevistas de manera conjunta, se encuentran Rosalía y Pharrell Williams -el integrante de The Neptunes participó en las sesiones de grabación de ‘El mal querer‘ pero sus producciones permanecen inéditas-. En la entrevista, Rosalía y Pharrell confirman que han trabajado juntos en «varias canciones» nuevas pero sin dar detalles, y destacan de cada uno su compromiso y dedicación en el estudio.
Otro de los temas abordados en la entrevista es el techo de cristal. Rosalía argumenta que las mujeres encuentran más dificultades que los hombres a la hora de ocupar posiciones de poder en la industria de la música tanto como artista como detrás de los focos: «es una bola: como mujer, a ti no se te da una posición de igualdad, y eso hace que no (obtengas) los (mismos) beneficios (que los hombres) y que nunca estés en la misma posición (que ellos). El crecimiento se hace mas difícil».
Cuando Pharrell introduce en la conversación el tema de las plataformas de streaming y los algoritmos, la autora de ‘Dolerme’ le coge el testigo para poner el ejemplo de un caso en el que opina que esta dificultad se ha dado, y que no necesita nombrar explícitamente para que quede claro que es ‘Relación Remix’, la remezcla del éxito de Sech en la que ha participado junto a Daddy Yankee, J Balvin y Farruko, y que sigue entre las canciones más escuchadas en Spotify a nivel global (16).
La cantante lanza su «hipótesis» y explica: «pongamos una canción en la que hay varios hombres y una mujer, y esa canción es un «remix»; en ese «remix», se le promete a la mujer que va a ser «main artist» y (de hecho) la mujer tiene más tiempo en la canción que el resto de hombres (que participan), pero luego hay artistas grandes que tienen muchos números y que, por el algoritmo, interesa que estén como «main artist» y ella como «featuring», eso va a hacer que ellos tengan todo el beneficio mecánico y ella no lo tenga, (por lo que) la mujer va a tener mucha mas dificultad de acabar teniendo los mismos números que esos hombres».
Como puede comprobarse en Spotify, ‘Relación Remix’ aparece acreditada a tres artistas principales, ninguno de los cuales es Rosalía: Sech, Daddy Yankee y J Balvin figuran como «main artist» y Rosalía y Farruko aparecen ya a la derecha del título de la canción como artistas invitados.
Lous and the Yakuza es una de las sensaciones pop del momento en el mundo francófono después del lanzamiento de su primer single, ‘Dilemme’, en septiembre de 2019. Su álbum debut, ‘Gore’, ha salido esta semana y en España es un trabajo que provocará interés como mínimo por quien se encuentra detrás de la producción: El Guincho. El músico y productor canario diversifica su plantilla de colaboradores y mientras ultima el próximo álbum de Rosalía, se ha aliado con Lous and the Yakuza y también ha participado en la producción del nuevo disco de FKA twigs.
¿Pero quién es Lous and the Yakuza? La mujer frente al proyecto se llama Marie-Pierra Kakoma y es belga. La palabra «Lous» viene de invertir el término inglés «soul» y «Yakuza» es el nombre con el que se conoce a los sindicatos del crimen organizado de Japón, si bien Kakoma lo utiliza para describir a su equipo de músicos y colaboradores. ‘Gore’ es su primer disco y, entre los sencillos que han avanzado su lanzamiento en los últimos meses, se encuentran ‘Dilemme’, ‘Amigo’ o ‘Solo’. Todos estupendos temas pero la artista se había reservado uno igual de fantástico para cuando saliera el álbum, ‘Dans la hess’, el que más está funcionando de manera espontánea en Spotify y que hoy es nuestra «Canción Del Día».
‘Dans la hess’ es una producción de El Guincho compartida con otros dos productores, Mems y Ponko. Como la totalidad de ‘Gore’, el tema ofrece un sonido de trap-pop elegante y de tonos cálidos similares a los de la portada del álbum, pero también destaca por sus capas de sonido hipnóticas y por su bonita melodía, que aguantaría una revisión más clásica sin duda. Para no haber sido single por el momento, puede ser el tema más inmediato y emotivo de todo el largo.
En jerga francesa, el término «hess» se usa para referirse a un estado de «miseria», y en ‘Dans la hess’, Kakoma nos viene a contar que todo lo que ha conseguido no ha caído del cielo, que se lo ha currado como la que más para llegar donde está. Y desde luego así ha sido si atendemos a su biografía: la cantante es hija de un ginecólogo congoleño y de una madre pediatra, esta llegó a ser encarcelada durante la Segunda Guerra del Congo cuando Kakoma apenas contaba 2 años, y cuando Kakoma cumplió 18 años, sus padres la desheredaron por querer dedicarse a la música en lugar de a la medicina y la echaron de casa. La artista vivió durante meses en la calle hasta que encontró un estudio de grabación en el que dormir, rehaciendo su vida.
En ‘Dans la hess’, Kakoma asegura haber «gritado, llorado y pedido ayuda» pero también haber salido de su «vida de mierda». Y entre recuerdos a sus «hermanos y hermanas» de la calle y a aquellos tiempos en que se veía forzada a «ganar algo de dinero para ir tirando» hasta que su vida mejorase, se crece desafiante ya en la primera estrofa, en la que canta que «no tiene tiempo para ir perdiendo oportunidades» y que su paciencia «tiene un límite». Así, ‘Dans la hess’ se convierte en un pequeño himno de superación y sobre todo de emprendimiento, de cómo coger el toro por los cuernos: «tienes que hacerte paso, nada de tarjetas de crédito, paga en especias, si has venido a jugar, hazlo a toda velocidad».
Un artículo indeterminado une el título de todas las canciones del nuevo disco de Amatria, el proyecto de Joni Antequera, muy presente en nuestras vidas desde antes de su éxito ‘Chinches’, y últimamente co-fundador de Vanana Records, el sello que ha acogido y llevado a las listas de éxitos el debut largo de Ginebras. Con ese artículo indeterminado se realiza una metáfora sobre lo «indeterminado» que es también el estilo de ‘Un disco’, capaz de pasar de un género a otro sin complejos ni vergüenza, porque como advierte el primer tema, Antequera es «un fusilador» de otras obras, bien diversas. 
Este fin de semana el gobierno ha declarado un nuevo estado de alarma en todo el país, que esperan pueda prolongarse durante más de 6 meses, hasta el 9 de mayo. Lo ha hecho a petición de 10 comunidades autónomas y Melilla, y con el objetivo de impedir la movilidad interprovincial y de que cada una pueda imponer un toque de queda, «a la carta», entre las 23.00 horas y las 6 de la mañana, hora arriba, hora abajo.
En el mismo año en que Bunbury ha publicado su 
Mucho se especulaba con cuál sería el siguiente paso en la carrera de Dua Lipa y finalmente se ha anunciado. Uno de los rumores apuntaba a la edición de una colaboración con la cantante belga Angèle y ese va a ser el caso. El tema no es un nuevo remix de ‘Levitating’ sino un corte llamado ‘Fever’, cuya publicación se ha confirmado que tendrá lugar este mismo viernes 30 de octubre. Esta que veis aquí es su portada. Podéis repasar 
Este ha sido el fin de semana definitivo de ‘Veneno’, la última serie de 
La cantante noruega que en los 2000 alcanzara el platino en su país -y también cierta repercusión fuera- con álbumes como ‘A Temporary Dive’ y ‘Duets’, ha dedicado este 2020 a sacar un montón de sencillos. Tras la buena aceptación que tenía en 2017 el álbum ‘Leave Me Breathless’, donde podíamos escuchar sus versiones de ‘Always On My Mind’, ‘Unchained Melody’ o ‘How to Disappear Completely’; hemos ido conociendo temas como ‘Lose My Way’, ‘We Need a Mother’ o ‘Crumbs’ que irán incluidos en dos álbumes inminentes. Entre dichos temas, ‘Take Hold of Me’, la canción ganadora del penúltimo 
La influencia de ‘
Maria Rodés lo ha vuelto a hacer. Aunque ‘Lilith’ no era un disco al uso sino simplemente un proyecto para el directo antes de la pandemia, vuelve a ser un punto fundamental en una carrera de lanzamientos exquisitos como ‘
Adele ha sido la encargada este sábado de 
Matt Berninger 
Julia Michaels es una de las compositoras de pop más influyentes del último lustro por su trabajo para 
Parte de la redacción evalúa ‘
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Corría el año 2015 la primera vez que hablamos de este disco. Eran los días en que ‘Lean On’ arrasaba, se publicaba ‘
Alizzz ha publicado este jueves noche su nuevo single junto a Amaia… cuando el primero permanece en el número 1 de Spotify España gracias a su nueva producción para C. Tangana, ‘
Casero es el proyecto de pop electrónico de Gabriela Casero, cantante y compositora madrileña a la que probablemente conozcas por su trabajo al frente de 
Este viernes pueden escucharse al fin el nuevo single Ariana Grande y el tema conjunto de Amaia y Alizzz, que salía el jueves. A lo largo de la semana han llegado a las plataformas también temas sueltos de Kanye West (‘
De actualidad todos los días por sus 
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