¿Cuál es la mejor canción de ‘The Ascension’ de Sufjan Stevens?

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30 septiembre, 2020

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En una escena de ‘Rifkin’s Festival’, la nueva de Woody Allen que se estrena este viernes, vemos a su nuevo alter ego -interpretado aquí por Wallace Shawn- hablar sin que ni su esposa ni su supuesto fan le escuchen en absoluto. Casi parece una metáfora de la deriva del director al que Amazon cancelaba un contrato el año pasado y que ha tenido dificultades para ver publicada su ‘Autobiografía’, al reavivarse las acusaciones de abusos que recibió en los años 90 de su hija adoptiva Dylan Farrow. ¿Está dispuesto el mundo a ver, a escuchar, lo nuevo de Woody Allen o incluso sus seguidores han decidido «cancelarle» como Stella Donelly?

Su alter ego es, como es habitual, un ex profesor que trata de acabar una novela que nunca termina de llegar. En un viaje al Festival de Cine de San Sebastián al que acude con su esposa (Gina Gershon), que presenta una película junto al joven y guapo director de moda (Louis Garrel), se desencadena el típico conflicto de celos y traiciones que conocemos y hasta cierto punto esperamos de Woody Allen. Cae la baba cada vez que aparece en pantalla Elena Anaya en esta comedia que tiene sus más y sus menos.

No está realmente muy conseguida la carcajada en las escenas de celos: el enredo no es tal, no llega a haber tensión alguna, ni mucho menos cuando aparece Sergi López, y el jaleo en Spanglish recuerda demasiado al ya oído en ‘Vicky Cristina Barcelona‘. La buena noticia es que el pasado verano Woody Allen no se trasladó a Donosti únicamente para buscar bonitas postales de la playa de la Concha, como antes había hecho con Roma, entre otros lugares. El director ha aprovechado el contexto del festival de la ciudad -que la cinta inauguraba hace unos días- para hacer una crítica del esnobismo y la pedantería, cameos incluidos. Aquí hay una reflexión sobre la deriva de los festivales de cine, una crítica a los a veces vacuos directores de moda, y otra a la obsesión con forzar los guiones a lo político cuando puede que no haya nada de trasfondo que decir.

Allen pone los puntos sobre las íes no solo mediante el guión sino mediante un tratado estético que permite diferenciar ‘Rifkin’s Festival’ de otras películas en esta vorágine que tiene, o tenía, de sacar una cada año. Como ‘Midnight in Paris‘, esta logra ofrecer algo más: homenajes en blanco y negro al cine de Ingmar Bergman (‘Persona’, ‘El séptimo sello’), François Truffaut (‘Jules et Jim’) y Orson Welles (‘Ciudadano Kane’), entre otros. Ahí sí aparece toda la vis cómica que en este caso falta en la «realidad» de estos personajes que a veces -sí, muy bien traído- presentan el carisma de un dibujo animado hecho por Jordi Labanda.

‘Rifkin’s Festival’ es por tanto un homenaje al cine de Woody Allen, muy especialmente al cine de autor europeo por su riesgo, al que hay que agradecer que ocupe además el lugar justo dentro del metraje. Las oníricas escenas inspiradas en clásicos del cine pueden ser lo mejor de la cinta, pero ocupan un adecuado puesto secundario: nunca entorpecen el cometido de lo que es ante todo una de sus típicas películas ligeras. 6,5.

Alicia Keys habla de la importancia de su ingeniera de sonido, Ann Mincieli

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30 septiembre, 2020

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Alicia Keys ha rodado un corto documental junto a su ingeniera de sonido, Ann Mincieli, en el que repasa su carrera, habla de la importancia de un/a buen/a ingeniero/a de sonido, revela cuándo cree que su carrera sufrió un punto de inflexión al respecto y comparte alguna curiosidad sobre la grabación de su último álbum, el notable ‘Alicia’, que ha cosechado las mejores críticas de su carrera desde su primer álbum. El documental forma parte del programa CREDIT DUE con el que Tidal pretende dar importancia a los créditos en las plataformas de streaming, pues la plataforma es pionera en compartir la versión más exhaustiva posible de los mismos; y sirve sobre todo para comprobar qué es un ingeniero de sonido, desde el modo en que se colocan varios micrófonos al grabar un piano al modo en que se decide si una toma vocal se graba mientras se toca un instrumento en directo o no.

Para Alicia Keys, su ingeniera representa la diferencia entre «sonar como la mierda y sonar mejor de lo que jamás habrías imaginado», y es la persona que «te ayuda a que lo que has creado esté en la mayor calidad posible». Ann Mincieli es a todas luces la mano derecha de Alicia y ambas coinciden en que su debut no es la mejor consecución de su trabajo. Indica Keys: «En ‘The Diary of Alicia Keys’ (2003) es cuando averiguamos cómo crear el espacio necesario para envolver la música». Mincieli corrige: «Pero fue en ‘As I Am’ (2007) cuando conseguimos romper las reglas, que las guitarras sonaran como desde fuera de este mundo», entre distorsiones y pedales.

Mincieli, de manera significativa portando una camiseta de Fleetwood Mac, relata el primer encuentro que tuvo con la autora de ‘Falling’ en un ascensor en 1998, cuando ella iba cargada de cintas -cuando había cintas- aunque Alicia no lo recuerde, y cuenta también lo importante que es tener «una visión del disco» antes de ponerse a grabar el álbum para enfocarlo. Entre citas a Dave Smith, la creación de su propio plugin de piano, y el recordatorio de Alicia de cómo una canción se puede finiquitar en «15 minutos o 6 meses», el corto hace especial hincapié en la creación de uno de sus últimos singles, la balada ‘Good Job’ que cierra su nuevo disco. El tema llegó a tener una versión con efectos y ritmos electrónicos, pero Alicia decidió quitarlos para volver a su visión primigenia. Podéis escuchar la diferencia entre ambas en el documental. Prueba 2 meses de TIDAL HiFi aquí.

Robyn y Jónsi presentan pepinazo electro, su «oda al dolor escandinavo»

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30 septiembre, 2020

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Jónsi, cantante de Sigur Rós, publica este viernes su nuevo disco en solitario, ‘Shiver’, tan solo el segundo y eso que ‘Go’ salió hace ya 10 años. El álbum está producido por A.G. Cook y cuenta con colaboraciones tan interesantes como la de Elizabeth Fraser en ‘Cannibal‘ o Robyn en ‘Salt Licorice’, la segunda de las cuales puede escucharse desde hoy.

La canción es una «oda al dolor escandinavo» -ella es sueca, él islandés- y de hecho «dolor escandinavo» es la frase estrella de esta canción que es todo un pepinazo electro aunque al principio no lo parezca. El ritmo agresivo de esta producción de PC Music hace pensar en uno de los singles más industriales de Azealia Banks, ‘Yung Rapxnsel’, pero en este la oscuridad es reemplazada por la luz y por un estilo híper-futurista que evoca a los momentos más robóticos de la autora de ‘Body Talk’… y de Charli XCX, que para eso ha trabajado con A.G.Cook más que nadie. De hecho, ciertas distorsiones vocales de ‘Salt Licorice’ recuerdan a los sonidos explorados por la británica en ‘Charli‘ y ‘how i’m feeling now‘.

El vídeo de ‘Salt Licorice’, en el que no encontrarás a Robyn, pero sí a un bailarín moviendo el cuello como loco, es totalmente casero y muestra a Jónsi en situaciones un tanto grotescas -al menos por cómo están presentadas- como rapándose la cabeza, vomitando una sustancia fucsia y también muestra su cara y cabeza cubiertas de una masa grimosa.

‘Salt Licorice’ es probablemente la producción más contundente y agresiva que han firmado tanto Jónsi como Robyn en años. El caso del primero es más comprensible pues él es autor junto a Sigur Rós de obras de post-rock tan hermosas como ‘Ágaetis byrjun’ o ‘Takk…’, pero realmente hacía mucho que la primera no cantaba en una canción tan potente: su último disco ‘Honey’ era mucho más relajado, su reciente single ‘Impact’ con SG Lewis y Channel Tres no era precisamente un rompepistas sísmico, y de sus últimos EPs con La Bagatalle Magique y Röyksopp han pasado ya entre 5 y 6 años.

The Flaming Lips / American Head

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Mireia Pería

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30 septiembre, 2020

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The Flaming Lips es una banda encasillada en “vanguardia y chaladuras”. Sus últimas obras parecen apoyar esta clasificación; desde cuentos narrados por Mick Jones a los delirios de ‘Oczy Mlody’, colaboraciones locas con Miley Cyrus… Para dinamitar todos nuestras ideas preconcebidas, The Flaming Lips han grabado su disco más convencional en más de una década. Todo lo convencional que Wayne Coyne y compañía pueden llegar a ser, claro.

‘American Head’ tiene también excusa argumental, como ‘King’s Mouth’, solo que esta vez la historia la narran las propias canciones. ‘American Head’ es una especie de ópera rock o film musical generacional, como si de una mezcla entre ‘Tommy’ y ‘American Graffitti’ se tratara. Su acción está situada en alguna ciudad perdida de EE.UU. durante finales de los 60 o principios de los 70. El protagonista es un chaval que se siente perdido, que se enamora, se droga, trapichea y acaba enfrentándose a la policía. Las letras están plenas de referencias a la guerra de Vietnam, al LSD, al hastío de vivir en medio de la nada.

¿Y la música? Pues estupenda. Para dar más fuerza a la historia, los Flaming Lips han creado unas canciones con apertura, nudo y desenlace y con una sonoridad muy clásica que remite, directamente, a la época en la que está enmarcada el disco: psicodelia, Pink Floyd, los Beatles (juntos y por separado), Cat Stevens, The Who, los Beach Boys post-‘Pet Sounds’… todo remeda a 1970. Y, también, todo es muy Flaming Lips. Como ya es habitual en ellos, recogen toda esa herencia musical y se la apropian. Para acabar de rematar, no están solos. Kacey Mugraves canta en varios temas. Así, les salen pequeñas maravillas como la inicial ‘Will You Return / When You Come Down’, delicada y con un precioso final de crescendo instrumental a la ‘Let it Be’. ‘Flowers of Neptune’ nos trae toda la belleza del verano del amor, pura psicodelia. Su estribillo hechiza, como hechizan la voz de Musgraves y los coros remedando a los Beach Boys. ‘Dinosaurs on the Mountain’ remeda a los Flaming Lips de ‘The Soft Bulletin’ o ‘Yoshimi Battles the Pink Robots’; es un tema tierno con fuste y encanto. También hay baladones casi sinfónicos, al borde del exceso, como ‘Mother I’ve Taken LSD’ o ‘Mother Please Don’t Be Sad’. Y deliciosas idas de olla románticas y disfuncionales como ‘You n Me Sellin’ Weed’. Wayne Coyne nos ha explicado en una entrevista (que publicaremos próximamente) que le preocupaba que se vieran los temas como muestras de burla o ironía, cuando no lo son. Así que no hay que ver ninguna clase de boutade en estos títulos.

El tramo final se aparta un poco de la línea argumental del resto del álbum. Y ofrece dos de las mayores joyas del disco. En ‘God and the Policeman’ la voz de Musgraves se erige en protagonista de una pequeña epopeya que conjuga sonoridades más actuales con los Beach Boys. Y el cierre es ‘My Religion Is You’, para borrar toda la tristeza y amargura que haya podido generar el disco. Wayne se pone su disfraz de John Lennon y hace que suban muy arriba los corazones con una declaración de amor y de intenciones: “I don’t need no religion. You’re all I need”.

No era del todo la intención de la banda crear un disco tan fuertemente argumental. Ellos lo ven como una colección de diapositivas enmarcadas en un clima nostálgico. Sin embargo, les ha quedado una película muy evocadora. Y una banda sonora sólida, fantástica, que supone algo así como el retorno al planeta Tierra de Flaming Lips. Bienvenidos, bien hallados.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Will You Return / When You Come Down’, ‘Flowers of Neptune’ ‘Dinosaurs on the Mountain’, Mother I’ve Taken LSD’, ‘You n Me Sellin’ Weed’, ‘My Religion Is You’.
Te gustará si te gusta: Pink Floyd, Beatles, Beach Boys
Youtube: vídeo de ‘God and the Policeman’ con Kacey Musgraves

La historia tras ‘I Am Woman’, el himno feminista de Helen Reddy

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30 septiembre, 2020

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Helen Reddy, autora de ‘I Am Woman’, éxito pop que se convirtió en un himno feminista durante la segunda ola , ha muerto a los 78 años, ha confirmado su familia en Facebook. «Ella fue una maravillosa madre y abuela y una mujer formidable», expresa el comunicado. «Nuestros corazones están rotos pero nos reconforta el conocimiento de que su voz vivirá para siempre».

Aunque en España no nos suene tanto, ‘I Am Woman’ fue un considerable éxito en Estados Unidos, donde alcanzó el número 1 de la lista de singles en el año 1972. Eso sí, le costó meses: la canción salió en mayo, pero no fue hasta diciembre cuando alcanzó dicha posición, llegando incluso a abandonar la clasificación en cierto punto para después volver a entrar. La canción fue publicada originalmente un año antes, dentro del debut de la cantante australiana nacionalizada estadounidense, ‘I Don’t Know How to Love Him’, pero pasó desapercibida hasta que fue seleccionada para aparecer en la película de 1972 ‘Stand Up and Be Counted’. Anticipando el éxito de la película, Capitol pidió a Helen que grabara una versión nueva -más larga, la original apenas duraba 2 minutos- de ‘I Am Woman’ para lanzarla como single, pero fue la primera la que terminó apareciendo en la cinta.

Lanzada en plena era de la contracultura como primer single del tercer disco de Reddy, ‘I Am Woman’ fue reclamada por el movimiento feminista, mientras a pie de calle empoderó a millones de mujeres que la escuchaban en la radio o en la televisión. De hecho, la cantante escribió la letra de ‘I Am Woman’ motivada por la ausencia de canciones de éxito en listas que hablaran de lo que «realmente es ser mujer». «Pensaba en todas las mujeres fuertes de mi familia que habían pasado por la Gran Depresión y las guerras mundiales y que habían sido maltratadas por sus maridos», declaró. «Pero no había música que reflejara eso. Las únicas canciones que había eran ‘I Feel Pretty’ o esa horrible canción ‘Born a Woman’ de Sandy Posey, que dice: «si naces mujer naces para ser pisoteada y engañada y para que te traten como basura». No son canciones que tengan letras que empoderen. Yo nunca me había visto a mí misma como compositora, pero entonces sentí que tenía que escribir yo una». Según una conocida cita de Reddy, «los DJs que pinchan ‘I Am Woman’ siempre dicen que no pueden soportar la canción, pero que a sus mujeres les encanta».

Ya algo olvidada con el paso del tiempo y con ella sus logros, quizá porque como composición de pop «easy listening» -la música es de Ray Burton de Ayers Rock- tampoco es que fuera histórica, ‘I Am Woman’ fue el primer número 1 logrado por una artista australiana en Estados Unidos y la primera escrita por una australiana en ganar un Grammy. Es conocido el discurso de agradecimiento que Reddy preparó para la ocasión, en el que dio gracias a Dios porque «ella lo hace todo posible»… 45 años antes de que Ariana Grande lanzara ‘God is a Woman’, por sirve de dato curioso. Después de ‘I Am Woman’ vinieron más éxitos para Reddy como ‘Delta Down’ o ‘Angie Baby’, pero la relevancia de la artista menguó en los 80 y 90 hasta que anunció su retiro en el año 2002.

La «pesadilla pop» de Morreo hace pensar en un cruce entre Los Brincos y Halloween

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30 septiembre, 2020

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Morreo es una de las bandas nacionales revelación del año gracias a singles como ‘Cluedo’, ‘Formol’ o ‘Tinieblas’. Los títulos de sus canciones lo dicen todo: el dúo andaluz, compuesto por Germán y Joseca y afincado en Madrid, no solo practica un post-punk electrónico que lo sitúa en el terreno de grupos españoles históricos como Golpes Bajos o Décima Víctima, es que todas sus canciones están salpicadas de sangre, como sugieren los teclados tan propios de Halloween a los que están tan aficionados, y buscan un elemento abiertamente espeluznante, siniestro y terrorífico. Que su nuevo single se llamara ‘Pesadilla pop’ nada menos era casi cuestión de tiempo: cualquiera diría que estaba escrito en el destino.

‘Pesadilla pop’ es el single de debut de Morreo en Futuras Licenciadas y pronto se convertirá en su mayor éxito. El grupo describe su sonido como el resultado de una hipotética «conversación entre Veronica Falls y Los Brincos»… aunque su estética propia del pop psicodélico de los 60 y 70 hace pensar en formaciones como Jefferson Airplane o Strawberry Alarm Clock, o incluso en la revisión de este sonido que no hace tanto presentaba la banda de Portland Wampire o, desde Barcelona, Papa Topo en ciertos momentos de su primer disco. En palabras de Morreo a JENESAISPOP, ‘Pesadilla pop’ es «el resultado de meses de curro para buscar un sonido afín al grupo, un sonido que nos represente y deje claro quienes somos», búsqueda que ha desembocado en la composición de este single que es también «un himno a la rutina, un canto a la soledad acompañada, una canción de amor del fin del verano del 73».

El dúo explica: «Para nosotros es una canción muy triste, pero la batería y el bajo rompe a conciencia esa melancolía con ritmos muy punks», indicando que el bajo fue «grabado por Raúl Pérez de La Mina y Pony Bravo y casi se rompe la mano». Y añade: «La canción te envuelve en un aire de los 70’s por esas melodías de voz muy de Los Brincos, Los Módulos, Vainica Doble… y también por las voces al unísono (con una doble voz muy misteriosa) al compás de una caja de ritmos entre las cajas dobladas con panderetas y el bombo de una canción electrónica».

Ciertamente, ‘Pesadilla pop’ es una canción envuelta en misterio, como sugiere ese organillo tétrico que suena a lo largo de su minutaje, pero la influencia de Los Brincos es especialmente notable en el componente ultra-popero de su melodía, tan soleada y castiza como promete la frase inicial de la composición: «es aterrador, tus ojos se abren cuando se ha juntado el sol, y yo he caído en ellos como una obsesión». Este drama tan flamenco va incluso a más en un pasaje posterior: «fue ridículo pero me enamoré, nuca supe ni cómo ni por qué, mis ojos lloran si no te veo aparecer, me inundaré». No dejéis de ver su gracioso videoclip, tan iluminado por el sol como la propia canción.

Pablo Alborán habla en El Hormiguero sobre aquello que dijo

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30 septiembre, 2020

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Pablo Alborán ha acudido a El Hormiguero para promocionar su nuevo disco, ‘Vértigo’, que sale el 6 de noviembre. Sobre el disco ha dicho que se titula «vértigo» porque esta es una de las «sensaciones más humanas que existen».

La pregunta esperada de Pablo Motos a Alborán llega en el minuto 13 del vídeo, aunque decepciona: «¿sentiste mucho vértigo cuando decidiste compartir con el todo el mundo tu famoso vídeo de Instagram contando tu condición sexual?» Ciertas palabras que suelen usarse para referirse a la «condición sexual» de Pablo Alborán, que por lo que se sabe, es opuesta a la heterosexualidad, aunque podría ser cualquiera cosa porque para lo claro que es el muchacho hablando del tema, da lo mismo, son omitidas como si no existieran o fueran demasiado explícitas para ser expresadas en un programa de televisión. Esto a pesar de que Motos se toma su precioso tiempo allanando el terreno para dicha cuestión, preguntando al músico sobre decisiones importantes que ha tomado en su vida o sobre si se arrepiente más de las cosas que ha hecho o de las que no ha hecho. Y Alborán le sigue el juego: «lo que dije, lo dije donde y cuando quería, por lo tanto esta es otra de las cosas que hay que fomentar, que se cuenten las cosas cuando uno quiere».

La cosa no acaba ahí, ya que, unos segundos después, Pablo Motos plantea a Alborán el siguiente interrogante: «¿Nos podemos considerar un país moderno cuando una persona todavía tiene que contar públicamente su condición sexual como si fuese un juicio para dejar de sentirse como si fuese un sospechoso?» Una pregunta irónica visto el extremo cuidado con el que es abordada la cuestión en el programa. Les ha faltado hablar bajito para que no se entere nadie. El músico, eso sí, contesta acertadamente que el «juicio lo hacen los demás», pero como titula Amenzing, parece primar en el plató cierto silencio cómplice. La cosa está ahí afuera, pero cuando toca promocionar, exponerse y, sobre todo, cuando toca seguir hablando del tema, se menciona lo justo para no incomodar… resultando irónicamente en una entrevista de lo más incómoda de ver.

Habría sido interesante ver a Pablo Alborán opinar sobre ciertos temas en un programa de máxima audiencia: ¿cree que Pablo Motos está siendo demasiado cauteloso al hablar de una mera orientación sexual como si estuviéramos en 1972? ¿Cree el músico que se ha aprovechado de la presunción de heterosexualidad para vender discos? ¿Ha tenido su discográfica algo que ver? ¿No cree que hablar en código de, voy a decirlo, ahí viene, preparados, la homosexualidad, solo contribuye a desnaturalizarla, a convertirla, precisamente, en algo que se sospecha, pero de lo que no se habla con claridad?

De manera involuntaria o no, El Hormiguero no puede evitar convertir la «condición sexual» desconocida de Pablo Alborán en un decepcionante momento televisivo, un «flop» en toda la regla, mientras un Alborán cómplice opta por la aburrida ambigüedad. Por un momento parece el mundo haber ido atrás en el tiempo.

Miley Cyrus publica su versión en directo de ‘Heart of Glass’ de Blondie

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29 septiembre, 2020

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El año pasado se cumplían 40 años desde el lanzamiento de ‘Heart of Glass’ de Blondie. Hace unos meses, antes de que se acabara el mundo, celebrábamos la efeméride recordando esta canción en un artículo especial, donde mi compañero Sebas señalaba que ‘Heart of Glass’ «habla sobre la fragilidad del amor inspirándose, en lo lírico, en las canciones de amor más bobas de los 60, y en lo sonoro, en la música disco que pegaba en la época».

Estos días, la canción más exitosa de Blondie ha vuelto a ser noticia después de que Miley Cyrus la haya versionado en un concierto. Y ya se sabe que, cuando Miley toca una canción ajena, normalmente es para que no se le olvide a nadie lo que ha hecho con ella.

El pasado 3 de septiembre, la artista decidía abrir su breve set en el iHeart Music Festival con una adaptación de ‘Heart of Glass’, y la actuación en cuestión no tiene ningún desperdicio. Desde que entra Miley en escena hasta que arranca el ritmo de la canción da la sensación de que va a pasar algo grande, lo cual se confirma en cuanto la autora de ‘Midnight Sky’ emite la primera nota, pareciendo absolutamente poseída por la canción. En el mejor sentido posible, porque no es tan frecuente hoy en día ver este tipo de interpretaciones tan desgarradas y apasionadas: especialmente con su versión de ‘Heart of Glass’, Miley parece una estrella de otra época.

Además, vocalmente la actuación es titánica: esas notas altas cantadas a pleno pulmón no son nada fáciles de alcanzar, pero Miley, que parece cada vez más cómoda en su papel de rockera trasnochada, se merienda la canción con patatas, llegando a poner los pelos de punta sobre todo en su interpretación de las estrofas. La versión es tan buena que casi puede hacerte escuchar tremendo clásico como si fuera la primera vez, exactamente lo mismo que sucede al escuchar su adaptación de ‘Jolene’ de Dolly Parton.

Y la propia Miley parece estar orgullosa de su versión de ‘Heart of Glass’, pues no va a dejar que pase desapercibida -ni siquiera está subida a un canal oficial de Youtube- y ha subido el audio de dicha actuación a las plataformas de streaming.

El testigo de Concha Velasco a Alaska en ‘Cine de Barrio’, entre líneas

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29 septiembre, 2020

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La prensa no se quiso perder de qué manera Concha Velasco dio el testigo de la presentación de ‘Cine de Barrio’ a Alaska, y no han faltado medios que nos informen sobre las palabras más significativas de Concha, despidiéndose de los fans a los 80 años y después de 10 al frente del programa: «Yo la cabeza la tengo muy bien puesta y sé que hay que dejar las cosas en su momento, y sé que este es el momento». Alaska también estaba a la altura: «Como seguidora del espacio, y como fan devota tuya, esto es un regalo, y lo sabes. Muchas gracias, dejas el listón muy alto».

Pero más interesante que estas declaraciones, es leer entre líneas sobre lo que allí se dijo, qué película se escogió para dar este testigo y qué pistas nos puede dar sobre el futuro del ciclo. Mientras las películas de semanas anteriores habían sido ‘Un rayo de luz’, ‘Las chicas de la Cruz Roja’, ‘Hermana, ¿pero qué has hecho?’ y ‘La tonta del bote’ (también ‘La reina del Chantecler’ de Sara Montiel), este sábado nos desplazábamos a 1973. ‘Las señoritas de mala compañía’ nos mostraba a Concha Velasco trabajando en un burdel de pueblo disfrazado de pensión un par de años antes de la muerte de Franco y el destape. El cambio respecto a la película de la semana anterior de Marisol era radical.

No es la primera vez que se programa algo así en Cine de Barrio, pero ‘Las señoritas de mala compañía’ fue seguro que deliberadamente un puente entre Concha Velasco y Alaska en varios sentidos. El programa se mostró atrevido despidiendo a Concha Velasco con un montaje especial sobre todas las veces que había hecho de “pilingui” (sic). La actriz, que ha protagonizado numerosas obras de corte feminista como la serie de televisión ‘Yo, una mujer’, y ha declarado en varias ocasiones que para ella su profesión es igual o más importante que sus hijos, se jactó frente a 1 millón de espectadores de ello y además presumió de haberse pedido ella misma el papel de Dominga en dicha película.

En el montaje aparecían líneas suyas como «pareceré una zorra, pero soy moderna» de ‘Los gallos de la madrugada’ (una de esas pelis que han podido verse antes en el ciclo) y otras perlas empoderadoras sacadas de cintas como ‘Yo soy Fulana de Tal’. A su término, Concha Velasco dejó unas palabras que misteriosamente han pasado desapercibidas, pero sobre las que merece la pena volver porque son para enmarcar: «He sido puti, se me da bien, lo hago con conocimiento de causa». Esto es lo que yo llamo cerrar un ciclo de tu vida por la puerta grande.

En cuanto a Alaska, se presentó al director de la cinta, José Antonio Nieves Conde, recordado por ‘Surcos’ (1951), como un afiliado a la Falange al que le gustaba tocar las narices al régimen, recordando que tuvo que terminar lidiando con la censura porque se le consideraba un artista «difícil». ‘Las señoritas de mala compañía’, sin ser una obra capital en lo cinematográfico, se mueve por territorios contradictorios de los que le encantan a Olvido Gara, en general crucificada por su amistad y colaboraciones con Federico Jiménez Losantos.

Por un lado, la película muestra una dulcificación de la prostitución lamentable; por otro, se atreve a mostrar fetiches sexuales ante un público que igual los desconocía: José Luis López Vázquez y Esperanza Roy están bastante graciosos vestidos de marinerito y bombera, entre otros. Por un lado, ofrece una cara amable de la iglesia; por otro, el lado más rancio de la doble moral franquista queda totalmente expuesto en su hipocresía. En una escena escuchamos al cura del pueblo apelar a la verdadera “moral cristiana y al amor al prójimo”, y alguien le responde: “habla usted como un primo mío que era un poco rojillo”. Si esta va a ser la línea que seguir frente a la audiencia, es fácil imaginarse a Alaska frotándose las manos.

Jordi Cruz lleva tatuado ‘Forever Young’ de Alphaville; jamás ‘Follow the Leader’

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29 septiembre, 2020

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Jordi Cruz Pérez, que últimamente ha sido noticia porque va a presentar desde este domingo 4 de octubre el talent de «gamers» ‘Top Gamers Academy’ en Neox, es el nuevo invitado de nuestro «Tipo Test» para hablarnos de su música favorita. Seducidos por lo visto en sus redes sociales, en las que puede seguir lo mismo a un grupo underground que a Ruth Lorenzo, indagamos en las canciones que han marcado la vida del presentador de ‘Club Disney’, ‘Art Attack’ y Cadena 100.

En tus perfiles sigues lo mismo a Ginebras, a Maria Arnal y a Cariño, que a Pablo Alborán, a Ruth Lorenzo y a Maldita Nerea. ¿Siempre has sido tan versátil en tus gustos musicales o has tenido etapas?
Siempre he sido superversátil, soy de la generación del single, cuando o te comprabas el disco o disfrutabas del single. A mí me gustan las canciones, y me puede gustar lo mismo ‘Guitarra’ de Los Pecos, que el nuevo single de Ginebras o una canción de Pablo Alborán. La música no va por gustos, las canciones van por libre.
¿Qué disco marcó tu adolescencia, por ejemplo?
‘Aidalai’ de Mecano, me fui corriendo a la tienda el día que salió para comprarme el cassette, y no había llegado, volví por la tarde a ver si estaba… Le di tanta tralla que de repente me acordé de que había una cara B y otras canciones (risas) Ya había escuchado mucha música. Tenía una vecina mayor que yo que me ponía mucha música, pero ‘Aidalai’ fue el que me marcó como a los 16 años. Después, un poco más adelante, ‘Pies descalzos’ de Shakira.

¿Tienes canción favorita de todos los tiempos o alguna que nunca jamás te haya dejado de acompañar?
Creo que tengo dos, ‘Forever Young’ de Alphaville, la llevo tatuada, me lo hice cuando cumplí los 30 años. Es una canción que me recuerda muchas cosas, me transporta a muchos lugares. Y luego ‘El amante de fuego’ de Mecano, ese sintetizador (NdE: tararea) y ese sonido me encanta.

¿Qué disco es el que más has escuchado últimamente?
Pues el último de Manel, nos gusta mucho en casa. Y el de Glass Animals.

¿Algún tema que asocies o te recuerde a los distintos programas de TV en que has trabajado, más que por sonar en ellos, por el momento que viviste con ellos?
Una canción de ‘El Rayo’, un programa que hicimos en Antena 3. La cabecera era una versión de Sheryl Crow de ‘Sweet Child O’Mine’, con Inma del Moral subida encima de una barra, y me volvía loco cada vez que sonaba. Escuchábamos mucha música en el programa, dejábamos que cada día un miembro del equipo escogiera la música que sonaba por altavoces.

¿Alguna canción que odies con toda tu alma?
‘Follow the Leader’, lo tengo clarísimo. Me la ponen en la discoteca y no me salgo porque hay gente, pero cuando empiezan a ir de un lado para otro… no puedo con esta canción.

¿Alguna actuación vocal en particular?
Rosalía en los Goya, con ‘Me quedo contigo’. Fue una pedazo de actuación. La escuchas, la escuchas y la escuchas y encuentras todos los matices. Fue brutal.

¿Algún artista o grupo que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure”?
Lo que te he dicho antes de Los Pecos, ‘Guitarra’, es un temazo, pero a la hora de pinchar me daba cosa ponerla, a ver si alguien decía algo. Cuando pinchaba y eran las 6 de la mañana, todos van borrachos y ya da igual… entonces la ponía (NdE: tararea). Pero nunca me he avergonzado, ¿eh? Faltaría más, no, no, no.

¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
Todo y nada… Las canciones te tienen que enganchar desde los primeros segundos. Como ‘El fin del mundo’ de La La Love You, que te engancha desde los 3 o 4 primeros segundos. Todo y nada. Es magia.

¿Algún remix favorito?
Un remix de ‘Kids’ de MGMT, el de Soulwax.

¿Y videoclips?
Soy de la época de Madonna, de cuando sacaba un videoclip y nos quedábamos todos locos. ‘Like a Prayer’, por cómo nos impactó a todos ver esos bailes, las cruces….

¿Algún concierto que recuerdes con especial cariño?
El ‘Blonde Ambition’ de Madonna, que pasó por Barcelona y tuve la gran suerte de verlo, y luego en la tele comentado por Constantino Romero y creo que era Olga Viza. Luego el de ‘Aidalai’ del Palau Sant Jordi que fui con mi madre, de los primeros conciertos a los que fui. Luego lo copiaba y lo hacía de memoria. Me lo aprendí de memoria.

¿Sigues comprando discos en formato físico? En caso afirmativo, ¿cuál fue tu última compra y en qué formato?
Sí, lo que pasa es que a veces te lo tienes que comprar para que te lo manden… El último, el de Glass Animals, ‘Dreamland’. Había distintos diseños, y puedes escoger uno. En casa tenemos tocadiscos y nos gusta comprar discos. Me encantaría comprarme el de Amaia, pero no me lo he podido comprar (NdE: el vinilo lleva meses descatalogado).

¿Alguna plataforma favorita para escuchar música? ¿Eres de los que ya se ponen un disco entero en youtube?
Tenemos Spotify, que es una buena forma de dar una vuelta a la música, pero me gustan mucho los artistas que no publican sus discos durante las primeras semanas. En Cataluña Els Pets están un ratito sin publicar el disco en redes ni en ningún sitio y te lo tienes que comprar.

Romy sobrevive al fin del mundo gracias al sonido Ibiza

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29 septiembre, 2020

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La carrera de The xx se ha acercado multitud de veces a los ritmos bailables, ofreciendo de vez en cuando su propia deconstrucción de los mismos. Normalmente lo ha hecho de una manera afligida o como mínimo agridulce, de ‘Islands’ a ‘On Hold’. Hasta ahora había sido Jamie xx en solitario quien había solido añadir literalmente algo de “color”, acercándose a los sonidos tropicales en su primer álbum en solitario. Ahora, su compañera Romy Madley Croft también ha decidido dejar las distintas tonalidades de grises de su banda primigenia en su primer tema en solitario. La cantante revelaba hace unos meses que trabajaba en un disco ella sola que calificaba como «divertido», asegurando que era «mucho más animado» que el trabajo de The xx y que no será «exactamente un disco de guitarras». Y vaya si ha cumplido su palabra con ‘Lifetime’, que es nuestra «Canción del Día” de este martes. Foto: Vic Lentaigne.

‘Lifetime’ es una canción escapista y celebratoria en la que Romy cumple exactamente con su cometido de darnos “música de club emocional y escritura de canciones atemporales”. Los beats se elevan más luminosos de lo que jamás fueron los de Everything But the Girl -con los que tanto se comparaba a The xx, en mi opinión, justificadamente- para ahora hacer al público alzar los brazos en perfecta comunión, justo cuando este más lo necesita.

‘Lifetime’ es una canción bastante reciente, y es importante que se especifique que fue escrita y grabada en Londres durante el confinamiento. Así, oficialmente es una canción sobre “el sueño de reunirte con tus amigos, familia y aquellos a los que quieres, capturando la euforia de estar juntos de nuevo”. Es un tema sobre “entregarte totalmente al momento y celebrarlo”. La letra proclama que “si el mundo se va a acabar / quiero estar contigo”, mientras la referencia explícita en cuanto a producción es “el sonido Ibiza” y el “trance”. Los New Order de ‘Technique’ y ‘Temptation’ deducimos que son un precedente.

Romy, que llega a este single después de haber obtenido créditos de composición en canciones de nada menos que Dua Lipa, Jessie Ware o Halsey, presenta este sencillo recordándonos que su primer trabajo fue poner discos en un club gay del Soho, así como su paso por el Homobloc de Manchester, el Club to Club de Turín y el set de cierre del «Pride Inside» online de este año. Parece, pues, que viene una era plenamente dedicada a las pistas de baile. En co-producción encontramos a Fred again.. (Stormzy, Underworld, The xx) y Marta Salogni (Björk, M.I.A., Kelela), mientras el lyric video es obra de Patrick Savile y el animador Connor Campbell.

Justin Bieber decepciona en España con ‘HOLY’, que triunfa en el mercado anglosajón

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29 septiembre, 2020

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Justin Bieber se ha marcado otro hit en las plataformas de streaming con su nuevo single, ‘HOLY’ con Chance the Rapper. En poco más de 10 días, el tema suma más de 46 millones de reproducciones en Spotify, una cifra solo al alcance de verdaderos titanes del streaming como Kanye West, Taylor Swift, Post Malone o Ariana Grande.

¿Qué hay de las listas de éxitos? ‘HOLY’ confirma la tendencia seguida por singles previos de Bieber como ‘Yummy’ o ‘Intentions’: el mercado anglosajón sigue a tope con él, pero en el resto del mundo la recepción varía entre el éxito y la decepción. En Estados Unidos, el single ha entrado directo en el top 3 nada menos, en Reino Unido ha entrado en el top 10, y tanto en Australia como en Irlanda lo ha hecho en el top 4. Sin embargo, la respuesta ante ‘HOLY’ ha sido bastante peor en Europa: en Alemania es top 22, en Italia top 61, en Francia… top 125 (???). Y en España la cosa tampoco mejora mucho: es top 62.

En la lista de singles española, la entrada más fuerte no es la de Bieber, sin embargo, sino la de Rauw Alejandro con ‘Enchule’. Entra en el número 43: no ha sido la semana más movida en la lista de éxitos, y de hecho ‘Hawái’ de Maluma sigue siendo el número 1, seguido por el remix de ‘Relación’ y ‘Una locura’ de Ozuna con J Balvin y Chencho Corleone, que sube del 10 al 3 confirmándose como el verdadero sucesor de ‘Caramelo’ en las listas. Por cierto, tanto Ozuna como J Balvin son, junto a Bad Bunny, los artistas más nominados en los Latin Grammys.

En cuanto al resto de entradas, ‘Victoria’ de Lunay y Beéle es top 75, ‘Me gusta’ de Anitta, Cardi B y Myke Towers top 82, ‘Se te nota’ de Lele Pons y Guaynaa top 85, el remix de ‘WOW’ de Bryant Myers, Nicky Jam El Alfa, Arcangel y Darrell top 88 y ‘Fake Capo’ de Karetta El Gucci 95.

Nathy Peluso, Amaia y Aitana, nominadas a los Latin Grammys

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29 septiembre, 2020

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Esta tarde se han anunciado las nominaciones a los Grammy latinos, que se celebran el 20 de noviembre en Miami. Y Nathy Peluso, que este viernes publica su álbum ‘Calambre’, es una de las artistas nominadas en la categoría de Mejor nuevo artista… y también en la de Mejor canción alternativa por ‘Buenos Aires’. La cantante obtiene así un reconocimiento internacional envidiable cuando aún ha de salir su primer disco.

Por otro lado, Rosalía ha sido la persona encargada de anunciar las nominaciones de los Latin Grammys en la categoría de Álbum del año, ya que fue ella la que recogió este premio el año pasado por ‘El mal querer‘. Entre los discos nominados se encuentran ‘YHLQMDLG‘ de Bad Bunny, ‘OASIS‘ de J Balvin y Bad Bunny, ‘Colores‘ de J Balvin y ‘Un canto por México, vol. 1’ de Natalia Lafourcade. La propia Rosalía aspira a dos premios por ‘Yo x tí, tú x mí’ con Ozuna (Mejor canción urbana y Mejor fusión/interpretación urbana), a un tercero por ‘Dolerme’ (Mejor canción pop-rock) y a un cuarto por el vídeo de ‘TKN’ con Travis Scott. El Guincho está nominado a Productor del año.

Y más buenas noticias para la música española, ya que Aitana está nominada en la categoría de Mejor álbum de pop por ‘Spoiler‘, mientras su compañera de edición en Operación Triunfo Amaia aparece en la categoría de vídeo largo por el documental ‘Una vuelta al sol‘. Alba Reche, concursante de OT2018, está nominada en la categoría de Disco con mejor ingeniería de sonido por ‘Quimera‘. Y Vetusta Morla y Amaral compiten en la categoría de Mejor empaque por ‘MSDL – Canciones dentro de canciones‘ y ‘Salto al color‘, respectivamente.

Otros artistas españoles nominados en los Latin Grammys son Alejandro Sanz, Pablo Alborán y José Luis Perales. Podéis consultar la lista completa de nominados en este enlace.

GRABACIÓN DEL AÑO
«China» — Anuel AA, Daddy Yankee, Karol G, con Ozuna & J Balvin
«Cuando estés aquí» — Pablo Alborán
«Vete» — Bad Bunny
«Solari Yacumenza» — Bajofondo con Cuareim1080
«Rojo» — J Balvin
«Tutu» — Camilo con Pedro Capó
«Lo que en ti veo» — Kany García & Nahuel Pennisi
«Tusa» — Karol G & Nicki Minaj
«René» — Residente
«Contigo» — Alejandro Sanz

ÁLBUM DEL AÑO
YHLQMDLG —Bad Bunny
Oasis — J Balvin & Bad Bunny
Colores — J Balvin
Por primera vez — Camilo
Mesa para dos — Kany García
Aire (versión día) — Jesse & Joy
Un canto por México, Vol. 1 — Natalia Lafourcade
Pausa — Ricky Martin
La conquista del espacio — Fito Páez
Cumbiana — Carlos Vives

CANCIÓN DEL AÑO
«ADMV» — Vicente Barco, Édgar Barrera, Maluma & Stiven Rojas, compositores (Maluma)
«Bonita» — Juanes, Mauricio Rengifo, Andrés Torres & Sebastián Yatra, compositores (Juanes & Sebastián Yatra)
«Codo con codo» — Jorge Drexler, compositor (Jorge Drexler)
«El mismo aire» — Édgar Barrera, Camilo, Jon Leone, Richi López & Juan Morelli, compositores (Camilo)
«For sale» — Alejandro Sanz & Carlos Vives, compositores (Alejandro Sanz & Carlos Vives)
«#ELMUNDOFUERA (Improvisación)» — Alejandro Sanz, compositor (Alejandro Sanz)
«Lo que en ti veo» — Kany García, compositora (Kany García & Nahuel Pennisi)
«René» — Residente, compositor (Residente)
«Tiburones» — Oscar Hernández & Pablo Preciado, compositores (Ricky Martin)
«Tusa» — Kevyn Mauricio Cruz Moreno, Karol G, Nicki Minaj & Daniel Oviedo Echavarría, compositores (Karol G & Nicki Minaj)
«Tutu» — Camilo, Jon Leone & Richi López, compositores (Camilo con Pedro Capó)

MEJOR NUEVO ARTISTA
Anuel AA
Rauw Alejandro
Mike Bahía
Cazzu
Conociendo Rusia
Soy Emilia
Kurt
Nicki Nicole
Nathy Peluso
Pitizion
Wos

MEJOR ÁLBUM VOCAL POP
Spoiler — Aitana
Prisma — Beret
Por primera vez — Camilo
Más futuro que pasado — Juanes
Pausa — Ricky Martin

MEJOR INTERPRETACIÓN REGGAETON (CATEGORÍA NUEVA)
Yo perreo sola — Bad Bunny
Morado — J Balvin
Loco Contigo — Dj Snake & J Balvin con Tyga
Porfa — Feid & Justin Quiles
Chicharrón — Guaynaa con Cauty
Te soñé de nuevo — Ozuna
Si te vas — Sech & Ozuna

MEJOR ÁLBUM CONTEMPORÁNEO/FUSIÓN TROPICAL
Energía para regalar — El Caribefunk
Mi derriengue — Riccie Oriach
Mariposas — Omara Portuondo
Alter ego — Prince Royce
Cumbiana — Carlos Vives

MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA RANCHERA/MARIACHI
Antología de la música ranchera — Aida Cuevas
Hecho en México — Alejandro Fernández
A los 4 vientos vol. 1 «Ranchero» — Eugenia León
Bailando sones y huapangos con El Mariachi Sol de México de José Hernández —Mariachi Sol de México de José Hernández
AYAYAY! — Christian Nodal

MEJOR CANCIÓN EN LENGUA PORTUGUESA
«A Tal Canção Pra Lua (Microfonado)» — Vitor Kley, compositor (Vitor Kley & Samuel Rosa)
«Abricó-De-Macaco» — Francisco Bosco & João Bosco, compositores (João Bosco)
«Amarelo (Sample: Sujeito de Sorte – Belchior)» — Dj Duh, Emicida & Felipe Vassão, compositores (Emicida con Majur & Pabllo Vittar)
«Libertação» — Russo Passapusso, compositor (Elza Soares & BaianaSystem con Virgínia Rodrigues)
«Pardo» — Caetano Veloso, compositor (Céu)

Comienzan las nominaciones a los @LatinGRAMMYs. Nuestra @NathyPeluso aparece nominada junto a nombres como @Anuel_2bleA, @rauwalejandro, @cazzuoficial o Nicki Nicole #LatinGrammy https://t.co/PJr5zAYdJ4

— Arturo Paniagua (@ajpaniagua) September 29, 2020

Comunicado Oficial de @LatinGRAMMYs
Aquí lxs nominadxs en la categoría Álbum del Año. Felicidades!!! 🎆🎇🎆@sanbenito @JBALVIN @CamiloMusica @kanygarcia @jesseyjoy @lafourcade @ricky_martin @FitoPaezMusica @carlosvives #LatinGRAMMY pic.twitter.com/HhwMVRWZYi

— R O S A L Í A (@rosalia) September 29, 2020

Kiko Veneno, Novedades Carminha, Guitarricadelafuente y Aleesha actuarán en los Premios MIN 2020

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29 septiembre, 2020

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Los Premios MIN confirman las actuaciones musicales que tendrán lugar en su próxima entrega de premios, que tras ser pospuesta debido a la pandemia, finalmente será emitida por televisión el día 16 de octubre en dos pases a través de Movistar+, uno a las 22:00 por el canal Movistar CineDoc&Roll (disponible en el dial 31 de Movistar +) y otro a las 23:45 en el canal #0. La gala estará presentada por la cantante, compositora y actriz Leonor Watling con Arturo Paniagua como co-presentador.

Los artistas confirmados en concreto son Kiko Veneno, Novedades Carminha, Guitarricadelafuente y Aleesha. El primero, que recibirá el ‘Premio de Honor Mario Pacheco’ a toda su carrera y está nominado en la categoría de «Álbum del año» por ‘Sombrero roto’, entre otras, actuará desde los mismos estudios de Movistar, mientras el resto lo hará desde distintas ubicaciones de España que han sido elegidas con el propósito de rendir homenaje al sector cultural, que tanto está sufriendo estos días.

Guitarricadelafuente, nominado a «Mejor Artista Emergente», actuará desde la Plaza del Trigo en Aranda de Duero, donde ha solido situarse el escenario de Radio 3 en el festival Sonorama Ribera, «como homenaje a todos los festivales y eventos que se suspendieron en este 2020 debido a la pandemia». Por su parte, Novedades Carminha tocarán desde el Metropol Estudios en Madrid «como guiño al trabajo de todos los artistas y sellos en este año tan complicado» y la promesa de la música urbana Aleesha lo hará desde la sala Apolo de Barcelona para «homenajear los espacios y locales de ocio nocturno que siguen cerrados y sin soluciones todavía hoy».

IDLES / Ultra Mono

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29 septiembre, 2020

Este mes en «polémicas inservibles para la sociedad», la que rodea el lanzamiento del tercer disco de los recomendables IDLES, ‘Ultra Mono’. Que si se apropian de las voces de la clase obrera, que si son paternalistas con los pequeños pueblos desde su origen urbano (son de Bristol, ciudad de medio millón de habitantes), que si no deberían cantar cosas como «elevo mi puño rosa y digo que lo negro es hermoso» como dicen en ‘Grounds’, que si Orange Juice ya hicieron muchísimo por luchar contra el machismo en los tiempos del post-punk…

Reconozco que me he reído con la ocurrencia del líder de Fat White Family de afirmar que sus letras parecen generadas por un algoritmo de The Guardian. Por lo demás, una manera de perder el tiempo, de dividir lo que debería permanecer unido, mientras la ultraderecha o bien ni se entera de todo esto -que es lo más fácil- o bien se parte la caja. Es como si toda esta gente pensara que los debates sobre lo que es lo verdaderamente progresista nos hubieran traído cosas buenas en los últimos años en lugar de a Donald Trump, a Jair Bolsonaro, a Boris Johnson y a Santiago Abascal. Hombres todos recreados en su entorno heteronormativo que, ni en un ámbito privado, hasta arriba de copas, cantarían un estribillo como «I kissed a boy and I liked it«.

Todo debate debería ser enriquecedor, y no soy muy amigo de que los músicos se lancen a resolver los problemas por cuyas soluciones pagamos a otras personas, pues la lista de artistas que lo han intentado y nos han dejado una lista de ripios y sonrojantes lugares comunes es demasiado larga. Frases como «nuestro gobierno odia a los pobres» en ‘Anxiety’ o «tu cuerpo es tuyo y te pertenece» en ‘Ne touche pas moi’ junto a Jehnny Beth de Savages son más básicas que un pogo. La mala noticia es que permanecerán de actualidad plena mientras las citadas personas permanezcan en el poder. Desafortunadamente, esa cita en la que sitúan a «Kathleen Hannah agarrando del coño a Trump con uñas de oso» todavía no ha perdido pertinencia.

Extendiendo el debate de lo «verdaderamente progresista» a lo «verdaderamente underground» y lo «verdaderamente punk», es curioso cómo durante años -o lustros, más bien- el rock y el punk han estado ninguneados en cuanto a atención mediática por el reggaetón y el «trap». Y ahora que esta banda británica va a ser número 1 directo en Reino Unido con unas cifras de venta excelentes el próximo viernes, parece que lo que toca es tirarles piedras hasta que se les caiga todo el techo encima. Recuerda a cuando en los 90 el debate sobre la autenticidad del grunge lo único que trajo es que Backstreet Boys tomasen la MTV y dejasen en cierto año sin premio a Radiohead, The Verve y Garbage.

En los últimos años, cada vez que alguna tesis, interesante o no, ha intentado derribar a un artista por apropiacionismo, de Rosalía a Diplo, o por su relación con la política, es muy llamativo de qué manera tan extrema se ha pasado enteramente por alto el valor y la calidad musical de lo que dicho artista estaba ofreciendo. Fuera buena o mala. Lo peor de Taburete no es un apellido, sino lo regular que se les da escribir canciones, producirlas y cerrar conceptos. Y ese también está siendo el caso del tercer álbum de IDLES, generoso en pepinacos como el single ‘Model Village’, con su ánimo a la protesta y su alucinante cita a «Jardín de rosas»; ‘War’, sí, con esos alaridos en «clack-clack, clack-a-clang clang!», pues todos los aficionados a la música popular estamos acostumbrados a tarareos; o el torrente de energía que supone el estribillo de ‘Reigns’.

IDLES no han perdido brío: su base rítmica sigue siendo una locura. Además, la introducción de la electrónica en ‘Grounds’ quería retratar el «sonido de su propio motor arrancando» y eso es justo lo que consigue, de la misma manera que hay que celebrar que en el single ‘A Hymn’ hayan optado por un ritmo más pausado, más Joy Division, más The Horrors, más Interpol, un riesgo para ellos.

La gran duda que deja en el aire ‘Ultra Mono’ sucede cuando el grupo titubea y se pone a defenderse a sí mismo: su justificación de sus propios clichés en ‘Mr Motivator’ es una muestra de debilidad que quita gracia al asunto. IDLES son mejores cuando se pasan las críticas por el arco de triunfo y se atreven a llamar a Jamie Cullum para tocar un piano que no era nada necesario al comienzo de ‘Kill Them With Kindness’. O cuando, frente al odio injustificado, responden con un mensaje de amor. Esto es el punk de 2020: un mensaje de amor en medio de todo el cuestionar todo, como el que manifiestan en ‘The Lover’.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Model Village’, ‘War’, ‘Grounds’, ‘Reigns’
Te gustará si te gustan: Buzzcocks, Interpol, Savages
Youtube: ‘Model Village‘

La Oreja, top 1 en España; Ava Max logra llegar al top 10

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29 septiembre, 2020

La Oreja de Van Gogh firman esta semana el nuevo número 1 en la lista de álbumes española con ‘Un susurro en la tormenta‘. Nada nuevo bajo el sol para la banda donostiarra, que es uno de los más vendedores de la historia de España. El reto por supuesto es que el disco se mantenga en lista, ya que este no ha producido realmente ningún single de éxito. El anterior álbum del grupo, ‘El planeta imaginario’, aguantó casi un año en la clasificación.

Otro éxito es el que se apuntan Els Amics de les Arts con ‘El senyal que esperaves’, que entra en el número 4. Es una de las mejores posiciones históricas de la formación catalana en nuestro país, ya que ‘Espècies per catalogar’ también fue número 4, mientras ‘Només d’entrar hi ha sempre el dinosaure’ y ‘Un estrany poder’ llegaron a ser número 2.

Más adelante, en el número 8, Ava Max entra con ‘Heaven & Hell‘, disco que se ha quedado a las puertas de ser top 1 en Reino Unido, el mercado principal de Ava a pesar de ser ella estadounidense, pues en Estados Unidos el álbum ha entrado en un decepcionante numero 27. Por supuesto, Ava tenía fácil lograr un buen debut en listas ya que los streamings de singles como ‘Sweet but Psycho’, ‘So Am I’ o ‘OMG What’s Happening’ son altísimos, sin embargo, ‘Naked’ tardará mucho tiempo en igualar sus cifras y las reproducciones del resto del álbum en Spotify no son para tirar cohetes, por lo que habrá que ver cual es su recorrido en los próximos meses.

Otra estrella internacional, Alicia Keys, coloca su nuevo trabajo ‘ALICIA‘ en el número 18 de la lista de álbumes española. En Estados Unidos ha entrado en el número 4, pero los datos del álbum en Europa están siendo modestos: solo ha entrado en el top 10 de Bélgica y Países Bajos, mientras en Alemania lo ha hecho en el 14, en Francia en el 28, y en Italia en el 40. Como a La Oreja, a Alicia le ha faltado potenciar el álbum con un single de éxito de verdad, ya que ‘Underdog’ se ha quedado lejos de ser un nuevo ‘Girl on Fire’.

En cuanto al resto de entradas, ‘Live at the Roundhouse’ de Nick Mason’s Saucerful of Secrets entra en el número 39, ‘Throes of Joy in the Jaws of Defeatism’ de Napalm Death en el 78, ‘La vida és ara’ de Pau Vallvé en el 84 y ‘Tea for the Tillerman’ de Yusuf (Cat Stevens) en el 99.

La cultura sí fue segura en las Festes de la Mercè 2020

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Mireia Pería

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29 septiembre, 2020

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La edición de las Festes de la Mercè 2020 ha sido extraña. Pero ha sido. En este año marcado por la pandemia del covid-19, el Ayuntamiento de Barcelona ha hecho una apuesta por mantener los eventos, actividades y conciertos. Obviamente, los grandes reclamos populares que solían atestar grandes espacios como el Fòrum han tenido que ser aparcados. En cambio, sí que se han mantenido los nombres pequeños y medianos de Mercè Música, cuyo mayor reclamo fue Maria del Mar Bonet. El BAM afianzó su faceta de descubridor de nuevos talentos nacionales que seguir. Los aforos se rebajaron y las entradas se tenían que reservar con antelación, aunque mantuvieron su gratuidad. Foto: Renaldo & Clara, por Adriana Eskenazi.

¿Ha funcionado? Sin duda. Los conciertos a los que acudí fueron completamente seguros, y fueron unos cuantos: Brighton 64 y Miqui Puig en la explanada del Camp Nou; Renaldo & Clara y Melenas en la Antiga Fàbrica Damm y Josele Santiago en el Párking de la Mar Bella. Las instrucciones previas fueron claras, ya que se informaba de ellas en las mismas entradas. En ninguno de los días observé aglomeraciones ni de acceso ni de salida. En el interior se guardaba la distancia de seguridad y la mayoría de público usó mascarilla, incluso al aire libre. El balance, pues, es positivo y se ha demostrado que sí se pueden celebrar conciertos sin que supongan ningún riesgo. Simplemente, se necesita organización y un público concienciado.

Como aspectos negativos, el primero fue un efecto colateral que no se podía prever. Las reservas volaron en minutos. A la alegría de ver la gran cantidad de público entusiasta que se animaba a participar, siguió la decepción. Mucha gente que reservó no apareció. Al no cancelar la reserva y liberar las entradas, muchos espectáculos observaron numerosos huecos. El ejemplo más palmario fue el de Víctor Herrero, que tocaba a las 12.30h del jueves 24 en La Casa de l’Aigua (en el barrio de la Trinitat Nova) con las entradas agotadas. En el momento del concierto, se presentó menos de la mitad del aforo. Yo me las vi y me las deseé para lograr acceder a los conciertos del sábado 26 en la Fàbrica Damm. Sin embargo, en el recinto hubo bastantes sillas vacías. La despreocupación de las obligaciones que suelen suscitar los productos gratis y la falta de empatía dejaron sin entradas a muchos que sí que estaban interesados.

Otro aspecto negativo fue, quizás el exceso de rigidez. No se podía beber en muchos de los conciertos. En la Damm había servicio de bar, pero se obligaba a consumir en la zona exterior, lejos del escenario, aunque guardaras suficiente espacio con los espectadores colindantes. Claro que, dada la situación actual, este ha sido un contra que nos hemos tomado con filosofía y paciencia. Los conciertos han perdido su faceta social. Sin embargo, en muchos casos ha ganado la capacidad inmersiva de la música. De repente, las actuaciones han ganado en solemnidad. Fue emocionante ver a Josele Santiago en acústico con David Krahe sin que nadie interrumpiera la escucha con su cháchara. O seguir al dedillo los deliciosos detalles del pequeño espectáculo de Renaldo & Clara. O incluso poder bailar (sin moverte de tu espacio asignado) con Miqui Puig.

Está claro que la experiencia actual no es satisfactoria. No tienes el calor, la cercanía, la calidez, el hermanamiento que generan los conciertos normales. Se pierde el factor social; también, los conciertos como lugares de encuentro. Paradójicamente se gana respeto por la música y los artistas; al eliminar el aspecto social, sumado a sentirse algo cohibido, las actuaciones transcurren en silencio. Sí, nada puede superar a la experiencia completa de la música en directo. Pero, entre no tener conciertos y tener estas actuaciones tan protocolarias, no hay color. Porque seguimos teniendo la oportunidad de escuchar, disfrutar y ver a nuestros artistas favoritos. De evadirnos un buen rato y emocionarnos. La organización del BAM y las Festes de la Mercè han demostrado que conciertos no están reñidos con la seguridad; que se deben mantener las actuaciones, reabrir las salas, aunque los criterios tengan que ser estrictos durante una temporada. Lo necesitamos. La música es imprescindible. Ahora, más que nunca.

‘911’, top 1 en JNSP; entran Yelle, Taylor Swift, Ava Max y Delaporte

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28 septiembre, 2020

Lady Gaga entra directamente al número 1 de lo más votado de JENESAISPOP con el tercer single oficial de ‘Chromatica’, después de que el vídeo de ‘911’ haya entusiasmado entre sus seguidores. También entran los últimos singles de Yelle, Taylor Swift y Ava Max y el regreso de Delaporte, mientras escalan posiciones Rigoberta Bandini y London Grammar. Esta semana nos despedimos de ‘America’ de Sufjan Stevens, al llevar más de 10 semanas en lista y estar en la mitad baja de la tabla. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top	Ant.	Peak	Sem.	Canción	Artista
1	–	1	1	911	Lady Gaga	Vota
2	3	1	6	Midnight Sky	Miley Cyrus	Vota
3	2	1	9	Say Something	Kylie Minogue	Vota
4	6	1	18	Rain On Me	Lady Gaga, Ariana Grande	Vota
5	8	2	44	Blinding Lights	The Weeknd	Vota
6	9	1	27	Break My Heart	Dua Lipa	Vota
7	1	1	12	What’s Your Pleasure?	Jessie Ware	Vota
8	5	1	34	Physical	Dua Lipa	Vota
9	7	1	48	Don’t Start Now	Dua Lipa	Vota
10	4	2	20	Save A Kiss	Jessie Ware	Vota
11	12	5	27	In Your Eyes	The Weeknd	Vota
12	13	9	19	Watermelon Sugar	Harry Styles	Vota
13	10	10	8	Something More	Róisín Murphy	Vota
14	11	1	58	The Greatest	Lana del Rey	Vota
15	16	8	11	Easy	Troye Sivan	Vota
16	17	2	9	cardigan	Taylor Swift	Vota
17	18	3	8	exile	Taylor Swift, Bon Iver	Vota
18	–	18	1	J’veux un chien	Yelle	Vota
19	28	19	5	Baby It’s You	London Grammar	Vota
20	RE	5	5	Video Game	Sufjan Stevens	Vota
21	14	13	5	Dying Breed	The Killers	Vota
22	–	22	1	betty	Taylor Swift	Vota
23	15	15	3	Karaté	Yelle	Vota
24	19	13	12	America	Sufjan Stevens	Vota
25	23	11	8	My Future	Billie Eilish	Vota
26	26	18	7	Nuevo verano	Amaia	Vota
27	38	27	2	In Spain We Call It Soledad	Rigoberta Bandini	Vota
28	21	21	2	Be a Rebel	New Order	Vota
29	22	22	2	Strange Timez	Gorillaz, Robert Smith	Vota
30	36	20	4	Cyr	The Smashing Pumpkins	Vota
31	37	21	8	Who’s Laughing Now	Ava Max	Vota
32	–	32	1	Naked	Ava Max	Vota
33	32	32	2	Let’s Love	David Guetta, Sia	Vota
34	25	25	3	Mosquita muerta	Chico y Chica	Vota
35	31	19	7	WAP	Cardi B, Megan Thee Stallion	Vota
36	27	27	3	Douha (Mali Mali)	Disclosure, Fatoumata Diawara	Vota
37	–	37	1	Las montañas	Delaporte	Vota
38	24	14	3	Modo avión	Cariño, Natalia Lacunza	Vota
39	29	29	2	Oxena	DORA	Vota
40	30	19	9	Un día (One Day)	J Balvin, Dua Lipa, Bad Bunny, Tainy	Vota

Candidatos	Canción	Artista
–	Work	Dan Croll	Vota
–	Las plantas de la terraza	Chavales	Vota
–	Sobran defectos	Anabel Lee	Vota
–	FRANCHISE	Travis Scott feat. Young Thug & M.I.A.	Vota
–	Magic	Kylie Minogue	Vota
–	Trouble’s Coming	Royal Blood	Vota
–	Post Humorous	Gus Dapperton	Vota
–	A Lucid Dream	Fontaines D.C.	Vota
–	Long Road Home	Oneohtrix Point Never	Vota
–	Puñales que te doy	Ruiseñora	Vota
–	Ya no quieres quererme	Princesa Alba	Vota
–	Can I Believe You	Fleet Foxes	Vota
–	Worth It	beabadoobee	Vota

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Billie Eilish anuncia el documental ‘The World’s A Little Blurry’

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28 septiembre, 2020

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Billie Eilish ha anunciado un nuevo documental sobre ella llamado ‘Billie Eilish: The World’s A Little Blurry’ que se estrenará en cines y en Apple TV+ en febrero de 2021. La cinta presumiblemente narrará la vida de la joven cantante de Los Ángeles desde su infancia hasta su llegada a la fama global. Sin ir más lejos, en el tráiler del documental estrenado hoy puede verse un fragmento de un vídeo casero de Billie de pequeña aporreando un piano.

Como los fans de Billie ya habrán deducido, el título de la película procede de la letra de ‘ilomilo’, una de las canciones destacadas del debut de la cantante, ‘WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?‘. El tema era lanzado como séptimo y último sencillo oficial del álbum el pasado mes de abril sin que haya sucedido gran cosa con él a nivel comercial. Por otro lado, el director de ‘Billie Eilish: The World’s A Little Blurry’ ha sido el cineasta estadounidense R.J. Cutler, conocido por películas como ‘The War Room’, ‘A Perfect Candidate’, ‘Thin’ o ‘The September Issue’ o por la serie ‘Nashville’.

Recientemente, JENESAISPOP ha tenido oportunidad de charlar unos minutos con el hermano y productor de Billie, Finneas O’Connell. El artista nos hablaba de su último single, de ‘No Time to Die’ -el tema de Billie para la nueva película de James Bond- y también, aunque sin mojarse en absoluto, del disco que prepara nuevamente junto a su hermana, señalando que no puede adelantar su sonido -quizá al no tenerlo enfilado todavía, quizá al querer mantenerlo en secreto-, pero que están «trabajando a tope en un montón de música» y que está «muy emocionado por que la gente la escuche».

Ruiseñora presentan ‘Puñales que te doy’, su copla «acid»

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28 septiembre, 2020

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Ruiseñora es una de las bandas que han pasado por la última edición de nuestra playlist «Ready for the Weekend«. Es el proyecto de la extremeña Elia Maqueda y de Atilio González, vocalista y letrista por un lado, y compositor y productor por el otro, que juntos han dado con su manera de actualizar la canción popular española.

Ellos dicen que hacen «psicodelia popular» pero lo mejor es cómo han descrito su sonido otros medios. Girando por Salas ha dicho que mezclan «saetas y psicodelia, copla y electrónica, refranero popular y lenguaje maquinero, La Violetera y Blade Runner, García Lorca y Alan Turing», concluyendo que el suyo es un proyecto de «neotonadillerismo en estado puro». Por su parte, Marilians ha escrito que su música se encuentra «a medio camino entre un funeral midi en las Catedrales del Trance y un emotivo llanto ante La Dolorosa en plena procesión ravera».

Por si no había quedado claro, esto va de folclore español pasado por el filtro de la música electrónica, por lo que el de Ruiseñora debería ser un proyecto que interese a seguidores de este tipo de fusiones que tantas alegrías han dado a la música últimamente gracias a Rosalía, Niño de Elche o Rodrigo Cuevas, recientemente también por los extintos Los Ganglios y hace unos cuantos años, por Klaus & Kinski en sus momentos más tradicionales.

El primer disco de Ruiseñora salió en 2016 bajo el título de ‘Siglo XX’, y tres años después llegó ‘Relente’, un trabajo que los compañeros de Girando por Salas han situado a medio camino entre «Raquel Meller y Galaxie 500, entre Imperio Argentina y Broadcast, entre Lilian de Celis y Slowdive». Por suerte, el dúo no ha tardado tanto tiempo en volver y, un año después de ‘Relente’, han publicado hasta dos singles nuevos en las plataformas de streaming.

Lanzado hace apenas unos pocos días, ‘Puñales que te doy’ es el tema más contundente de Ruiseñora en su aproximación a la música electrónica de «rave», casi acid incluso, si bien la dramática melodía y una letra que habla de «cruces que tienen que bailar al sol de lo que va a pasar», invitan a pensar en las procesiones de Semana Santa (el tema menciona el «mes de abril») que se dan en los pueblos de España. Antes, en junio, llegó ‘La cuesta’, de melodía similar pero más vocoderizada y atmosférica e industrial en cuanto a arreglos. Una gran curiosidad que seguir de cerca…

Roi Méndez recluta a la «comunidad indie» para odiarle… y promocionar su nuevo single

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28 septiembre, 2020

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Roi Méndez, conocido por ser concursante de Operación Triunfo 2017 -él es autor del disco ‘Mi lógico desorden‘- ha sido uno de los temas más comentados del fin de semana en redes después de tuitear un extraño mensaje con el que parecía buscar poner a toda la «comunidad indie» en su contra. «Yo nunca colaboraría con un artista indie» era la absurda proclama que el artista gallego compartía este domingo en su cuenta de Twitter.

Se lanzaban a contestar el tuit un grupo de conocidos artistas «indie» e incluso varios periodistas musicales aparentemente decepcionados con la actitud de Roi Méndez. Alberto Jiménez de Miss Caffeina le llamaba «pringao», Dani Fernández «flipao», Nil Moliner directamente «gilipollas»; Ginebras (cuyo disco reseñamos hoy) indicaban que la comunidad «indie» a él «tampoco le necesita», Varry Brava compartían un GIF de gatetes, Zahara se preguntaba si con ella al menos sí colaboraría, Rayden se mostraba decepcionado; la periodista Virginia Diaz le planteaba: «¿y por qué crees que un grupo o artista indie querría colaborar contigo?»; y Miki Núñez le animaba a bajarse los humos… pero la mejor respuesta venía de parte del periodista Arturo Paniagua, que contraatacaba al cantante indicándole que está «a dos singles de llevar una maqueta a Subterfuge».

Lo has adivinado, todo este tinglado ha sido una maniobra promocional de Roi Méndez para promocionar su nuevo single, que además es una colaboración con Veintiuno. La banda autora de ‘Haters’ también comentaba al tuit de Roi sugiriendo que quien no ha visto esto venir es porque no ha querido, pues tanto Zahara como Alberto Jiménez, Rayden y Miki Nuñez han colaborado con la formación toledana. En Twitter, Roi ha tenido a bien de agradecer a todos sus colegas por participar en el «montaje», etiquetando a los artistas mencionados así como a Bely Basarte, Cepeda, Alexander Som, Sofía Ellar, Marazu o al cómico El Monaguillo.

El siguiente paso de Roi ha sido anunciar oficialmente el single, que aparentemente lleva el título de ‘Yo nunca digo nunca’, con un gag protagonizado junto a Diego Arroyo en el que el gallego hace como que desprecia la música indie y después chantajea a Diego con revelar al mundo que no es tan «indie» como hace ver tras descubrir que posee una copia de ‘Mi lógico desorden’. Nada tan divertido como las bromas que solía gastar Roi a sus compañeros de edición (mítica la que perpetró a la pobre Amaia con Miriam como compinche), pero ahí queda.

Sois muy grandes chavales 👏👏 Con humor la vida es menos 2020 🧡 https://t.co/fEUUxveDq8

— GINEBRAS (@GinebrasBanda) September 28, 2020

Yo nunca colaboraría con un artista indie.

— Roi Méndez (@RoiMendez) September 27, 2020

Ginebras / Ya dormiré cuando me muera

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28 septiembre, 2020