¿Ha llegado el momento de acabar con la misoginia en la música, como pide Janelle Monáe?

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4 julio, 2020

Ryan Adams acaba de reaparecer tras un año desaparecido después de la controversia surgida cuando, en un reportaje de The New York Times, varias mujeres le acusaban de abusos emocionales, sexuales y de poder hacia ellas. Entre las supuestas afectadas estaban su ex-mujer, la actriz y cantante Mandy Moore, que manifestó haber sido menospreciada por él artísticamente, y Phoebe Bridgers (ahora mismo muy alabada su nuevo disco ‘Punisher’), que explicó que una colaboración profesional derivada en relación personal se transformó en un abuso emocional por parte de él. Otros testimonios de mujeres menos conocidas apuntaban en la misma dirección, e incluso se hablaba de supuestas relaciones íntimas con una menor de edad.

Después de una airada reaparición momentánea –tildaba de «estúpidos» a los que aireaban esos supuestos abusos, que alimentaban a «la turba»–, el ex-Whiskeytown acaba de hacer pública una carta a través del diario británico The Daily Mail en el que ofrece, con un tono muy distinto, disculpas. «No hay palabras para expresa lo mal que me siento por las formas en que he maltratado a la gente a lo largo de la vida y carrera. Todo lo que puedo decir es que lo siento. Así de simple», comienza diciendo. Asume, en todo caso, que estas disculpas pueden sonar como «la basura vacía» que ya entonó cuando recibió estas acusaciones, pero «solo puedo decir que esta vez es diferente». «Haber sido consciente de verdad del daño que he causado, me destrozó, y aún estoy deshaciéndome de las ondas de devastadores efectos que mis acciones desencadenaron. No hay forma de convencer a la gente de que esta vez es realmente diferente, pero es la penitencia que tengo que hacer como resultado de mis actos».

Ryan también asegura que se ha esforzado por llegar a la raíz de los problemas que derivaban en estos comportamientos, y que parte de ese conocimiento ha implicado permanecer completamente sobrio que, ha descubierto, era algo muy ligado a la salud mental. Para concluir, explica que en este tiempo ha seguido haciendo música porque es su manera de «desnudar su alma» y que, sobre este asunto en particular, ha escrito suficientes canciones como para llenar «media docena de álbums». «Algunas de estas canciones son de enfado, muchas son tristes, pero la mayor parte de ellas son sobre las lecciones que he aprendido en los últimos años. Son una expresión de mi más profundo arrepentimiento», asegura antes de concluir que espera que «las personas a las que he hecho daño se curen. Y espero que encuentren una manera de perdonarme».

Poco antes de que estallara este escándalo en febrero de 2019, Ryan Adams había anunciado la publicación de nada menos que tres álbumes a lo largo del año pasado, llegando a detallar las portadas de dos de ellos, ‘Big Color’ y ‘Wednedays’. Tras el escándalo, el lanzamiento de estos trabajos quedó suspendido y su gira europea de presentación, cancelada. Su último trabajo de estudio conocido, por tanto, sigue siendo ‘Prisoner‘, publicado en 2017.

Carly Rae Jepsen / Dedicated Side B

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4 julio, 2020

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No quisiera estar en el pellejo de Carly Rae Jepsen, su mánager o su discográfica. La cantante acostumbra a escribir decenas de canciones para sus álbumes y en el caso de ‘Dedicated‘ el año pasado fueron nada menos que 200. 15 pasaron la criba y 12 son las que se han seleccionado para el álbum de «caras B» que ha salido exactamente un año después. Lo más habitual que se suele encontrar en los discos de descartes es temas que no estaban bien rematados, que suenan inacabados en forma o en fondo (un estribillo forzado, un middle-eight que brilla por su ausencia) o simplemente tan diferentes en sonido que no pegaban en el disco original. No es el caso de ‘Dedicated Side B’. El nivel de todas ellas resulta similar. El estilo, también. Sus canciones están aquí como podrían estar allá.

Y es un cumplido. Si este fuera un disco más de Carly Rae Jepsen, hay quien podría argüir que falta un single al nivel de ‘I Really Like You’… pero a su vez podemos celebrar que ninguna pista se decante por intentar triunfar por el camino de lo irritante como sucedía en ‘Party for One’, que por algo se dejaba para el final de la secuencia del álbum original. De acuerdo en que ‘Dedicated Side B’ no tiene esa canción que pueda ser un hit «breakthrough» y conquiste a nuevos seguidores -estaría bueno-. A cambio, está plagado de temas que serían cuartos, quintos y sextos sencillos de éxito en manos de Taylor Swift, a lo ‘Delicate’. Podría ser el caso de ‘This Love Isn’t Crazy’, ‘Felt This Way’ y su canción gemela en rima a continuación ‘Stay Away’ o ‘Comeback’, que tiene un puntito Robyn y un puntito R&B.

Sin salirse demasiado de su estilo de revival ochentero por la vía de la máxima vigencia, un poco como si Hot Chip estuviera produciendo sin descanso a una sucesión de «one hit wonders» de aquella década tipo Spagna, hay un par de temas que sorprenden. ‘This Is What They Say’, que cuenta con la co-autoría de Dev Haynes, tiene un punto funk y otro electro de lo más simpático; mientras ‘Summer Love’ añade el viaje psicodélico de unos Tame Impala («cuando me acaricias, quiero volar», dice su texto) o también de unos Ladytron. En la línea, ‘Let’s Sort the Whole Thing Out’ tipo ese punto indie pop que puede recordar a gente tipo Two Door Cinema Club o Cayucas, y ‘Now I Don’t Hate California After All’ cierra el álbum con un punto onírico mitad cuento de hadas, mitad «estoy en la playa tumbada con Kali Uchis». Si un disco de descartes tan notable como este no confirma que lo de Carly Rae Jepsen es grande, ¿qué lo hará?

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘This Love Isn’t Crazy’, ‘This Is What They Say’, ‘Let’s Sort the Whole Thing Out’, ‘Comeback’
Te gustará si te gustan: ‘Dedicated’ y ‘Delicate’
Escúchalo: ‘This Is What They Say’ en Youtube

Alfie Templeman, gran esperanza del pop británico, se baña en funk en ‘Obvious Guy’

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4 julio, 2020

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Con el recelo que suele despertar siempre el exacerbado hype de la prensa británica, uno de los nombres más recurrentes en la nueva hornada del pop anglosajón es el de Alfie Templeman. Este chavalito (apenas 17 años) del condado de Bedfordshire comenzó tocando en pequeños locales de su área con tan solo 15 años, fichando enseguida por el sello Chess Club (Sinead O’Brien, Bloxx) y publicando canciones como ‘Orange Juice’ y el EP ‘Like an Animal‘, con temas de ensoñador pop de guitarras como ‘Yellow Flowers‘, de una madurez (al menos sonora) impropia de esa edad. Foto: Blackksocks.

Un año después, el EP ‘Sunday Morning Cereal’ y canciones a medio camino del jangle pop, la nueva ola, el funk y el chill hop, como la susodicha o ‘Stop Thinking (About Me)‘ le sacaban ya del ámbito local. El miniálbum ‘Don’t Go Wasting My Time’, con el tema que le da nombre y ‘Used to Love‘ (producida por el reputado Kid Harpoon, que ha trabajado con innumerables artistas de éxitos en la última década, de Florence + The Machine a Shakira, pasando por HAIM, Calvin Harris o Jessie Ware) como singles destacados, amplificaban la atención hacia él y le alienaban con otros geniecillos como Rex Orange County, si bien Alfie muestra una mayor frescura y sencillez en lo que a producciones se refiere.

2020 está llamado a ser el año de su consolidación, con la publicación de un nuevo trabajo titulado ‘Happiness In Liquid Form’. Otro miniálbum, esta vez de seis canciones, que verá la luz el 17 de julio y en el que ha echado el resto, colaborando con productores y compositores tan reconocidos como Justin Hayward-Young (vocalista y guitarrista de The Vaccines, que coescribe y coproduce el estupendo corte titular) o Nick Hodgson, el ex-Kaiser Chiefs que últimamente colabora en materia de producción con Mark Ronson. Él es, precisamente, el artífice junto a Templeman de ‘Obvious Guy’, el nuevo adelanto de este disco y que es, con sobrados méritos, nuestra Canción del Día.

«Adoro la música funk y siempre he querido acercarme más y más a este género en mi música, así que fue muy divertido hacer justo eso con el magnífico Nick Hodgson», dice Alfie. También es muy divertido escuchar ese acercamiento tan directo a la música bailable, con una intrincada y seductora línea de bajo (que incluye un «épico solo» de este instrumento) y punteos de guitarra (con un punto horterilla) a la altura, que evidentemente aluden a maestros del género como Nile Rodgers, pero también a acólitos como Daft Punk, Chromeo o Stardust. Su melodía, en cambio, es puramente pop, un nuevo derroche de inspiración del efebo Alfie, que en su letra muestra cierta insatisfacción por caer demasiado pronto en una relación en la que no cree. Y por ahí va también su colorido y simpaticón vídeo animado, sobre «cómo te sientes no valorado hasta que encuentras a las personas correctas en tu vida».

Lo mejor del mes:

Escucha los «Revelación o Timo»

Jessie Ware: «Lady Gaga y yo somos artistas muy diferentes, pero ella tiene un talento tremendo, ¡la amo!»

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4 julio, 2020

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Jessie Ware ha firmado el Disco de la Semana en JENESAISPOP, un excelente ‘What’s Your Pleasure?’ que llega tres años después de ‘Glasshouse‘, con Ware convertida en presentadora de un exitoso podcast de cocina por el que ha pasado gente como Ed Sheeran, Dua Lipa o la actriz Florence Pugh (‘Midsommar‘), y que es el primer trabajo verdaderamente bailable de su carrera. Sin abandonar el romanticismo que siempre la ha caracterizado en temas como ‘In Your Eyes’, el álbum se inspira sobre todo en la música de baile de los 70 y 80 para construir un mundo mágico y lleno de glamour que nos lleva a las discotecas underground (y no tan underground) de la época. Temas como ‘Spotlight‘, ‘What’s Your Pleasure?‘ o ‘Save a Kiss‘ ya se encuentran entre lo mejor de la carrera de Jessie Ware, y ya es decir…

¿Cuál es el origen de este nuevo largo’? En octubre de 2018, Ware lanzaba ‘Overtime‘, un single bailable y electrónico co-producido por James Ford de Simian Mobile Disco (con quien la artista ya había trabajado) que mostraba un lado diferente de su sonido, al recordar a las exploraciones bailables de Robyn con La Bagatelle Magique o en solitario. El tema se ha convertido en favorito de los fans y ha guiado el sonido de ‘What’s Your Pleasure?’, si bien se encuentra ausente de él pues Ware lo considera desde hace rato un capítulo cerrado. «‘Overtime’ es una canción divertida, pero nunca la he considerado importante en mi carrera», ha explicado la artista a JENESAISPOP. «Los fans no dejan de preguntarme por qué no la he incluido en el disco, pero lo cierto es que nunca ha significado tanto para mí como para ellos». La artista celebra, no obstante, que ‘Overtime’ reavivara el interés del público por su música y lo considera importante de cara a lo que ha hecho después: «Aquel tema fue una manera de empezar de cero. Al cambiar de sello quería publicar música sin sucumbir a la presión de tener que publicar un disco, porque en ese momento el disco simplemente no estaba terminado. Necesitaba experimentar con la necesidad de publicar singles sueltos que no vinieran acompañados de una gran historia detrás. Simplemente quería hacer música para que la gente bailara. Y musicalmente también fue una manera de tantear el terreno de cara al público».

«Cuando escribía ‘Spotlight’ me imaginaba a mí misma bailándola en el Primavera o en el Sónar. Tenía a mi público en mente ante todo»

Después de aquel tema llegaron los parecidos ‘Adore You’ y ‘Mirage (Don’t Stop)’, presentes en un ‘What’s Your Pleasure?’ cuyo lanzamiento la artista retrasaba una enésima semana para que su salida no coincidiera con el Juneteenth («es un día para amplificar voces e historias negras y a mí, como artista blanca, publicar mi disco no me viene de una semana»). Es un trabajo de pop bailable con influencias funky, disco y house que incorpora cuerdas majestuosas y brilla gracias a una producción sofisticada que ha contado, además de con James Ford, con nombres como los de Joseph Mount de Metronomy o Midland, entre otros. El apoteósico single principal, ‘Spotlight’, no puede ser más representativo de su sonido. «La canción empezó siendo una balada melancólica y anhelante, pero le cambiamos el rollo para que no fuera otra balada de Jessie Ware más. Mi intención era hacer una canción parecida a ‘Love Me Tonight‘ de Fern Kinney. Es una canción que crece y crece, que no para de expandirse. Cuando la escribía me imaginaba a mí misma bailándola en el Primavera o en el Sónar. Tenía a mi público en mente ante todo. Y quería experimentar con otras formas de hacer música. Hacer una canción más larga de lo normal». Por este motivo, Ware reconoce que ha sido «muy frustrante» tener que reducirla para la radio, pues para ella la canción «podría haber seguido creciendo». Por otro lado, Ware ha «asumido más riesgos» en temas como ‘Ooh La La’, en la que canta en un registro poco habitual en ella («quería experimentar con mi voz, usar un registro más distante») o ‘Read My Lips’, en la que su voz ha sido manipulada y distorsionada de diversas maneras.

Dado el carácter nostálgico de ‘What’s Your Pleasure?’, es fácil hallar en él influencias concretas, canción por canción. La artista reconoce que, para ‘Soul Control’, un tema «directo y lleno de energía» con el que se siente «empoderada», ha querido explícitamente «hacer de Janet Jackson». Por supuesto, el mencionado ‘Love Me Tonight’ ha inspirado abiertamente ‘Spotlight’ (ambos temas comparten cierto aire de intriga y suspense), pero Jessie Ware también ha buscado inspiración en temas como ‘Transformation‘ de Nona Hendryx o en artistas como las Mary Jane Girls, Tom Tom Club, Lewis Taylor, un cantante de soul británico al que Jessie «ama»; o por supuesto Donna Summer, la gran diva disco por antonomasia. La artista también reconoce entre sus influencias a Róisín Murphy y a Robyn, dos artistas que como ella se están dedicando a renovar, a su manera, la música pop más inspirada en la electrónica de clubes. «Ellas hacen música muy excitante», apunta.

«Lady Gaga y yo somos artistas muy diferentes, pero ella tiene un talento tremendo, ¡la amo!»

Que el pop bailable está de moda es un hecho como el éxito de Dua Lipa o de ‘Chromatica‘ de Lady Gaga demuestra. De hecho, Gaga tampoco se ha cortado a la hora de hacer un disco de pop eminentemente bailable y nostálgico de claros ecos a la música dance de los 90. Y aunque Gaga, al contrario que Ware, nunca ha sido conocida por innovar musicalmente, la cantante británica la admira como cualquier hijo de vecino. «Es una artista muy fuerte pero somos diferentes», asegura. «Pero ella tiene un talento tremendo y toca un montón de instrumentos. Vi su documental de Netflix y me inspiró muchísimo… Realmente no sé qué decir sobre ella, ¡la amo! Todavía no he escuchado su último disco, pero he estado oyendo su single ‘Rain on Me‘ en la radio y me encanta».

‘What’s Your Pleasure?’ también está obteniendo algunas de las mejores críticas de la carrera de Jessie Ware. Es su disco mejor valorado en Metacritic junto a su debut. Un éxito que no la acompañó realmente en ‘Glasshouse’, cuando Ware fue al acecho de un éxito comercial que nunca se materializó. Ella recuerda aquella etapa con orgullo pero cierto pesar. «Estoy muy orgullosa de ese disco. A pesar de que lo asocio a una época difícil de mi vida, en la que me exigí demasiado a mi misma porque intentaba ser la madre perfecta a la vez que la estrella del pop perfecta, considero que es un trabajo en el que mejoré mucho como compositora y en el que mostré mi vulnerabilidad como nunca antes había hecho. Es un trabajo agridulce, porque invertí un esfuerzo enorme en él que realmente no dio sus frutos y solo me mantuvo alejada de mi familia, pero esto me ayudó a aprender una lección y el disco contiene canciones como ‘Selfish Love’, ‘Sam’ o ‘Thinking About You’ de las que me siento muy orgullosa». Un álbum infravalorado en su carrera que quizá cobre un nuevo sentido al lado de ‘What’s Your Pleasure?’. Con ambos pasamos del comfort del hogar al misterio de la pista de baile. Un tira y afloja muy presente en este nuevo disco: «push, press, more, less / here together, what’s your pleasure?»

Haim se apuntan su segundo top 1 en Reino Unido

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3 julio, 2020

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Como estaba previsto en las «midweeks», Haim logran el número 1 en las listas británicas con su tercer álbum, ‘Women in Music Pt. III‘, tras haber vendido 17.000 unidades durante su primera semana. En el puesto 2 queda Bob Dylan con ‘Rough and Rowdy Ways‘ tras haber sido número 1 la semana pasada, y en el puesto 3 encontramos ‘What’s Your Pleasure’ de Jessie Ware, nuestro «disco de la semana». No es el primer número 1 de Haim en Reino Unido, pues ya lo consiguieron con su debut, si bien el segundo hubo de conformarse con el puesto 2 con ‘Something to Tell You‘ (2017). La OCC revela hoy que el primer álbum despachó 335.000 copias en las islas, por 76.000 del segundo.

Haim publicaban esta semana su tercer disco, ‘Women in Music Pt. III’, precedido por una serie de temas sueltos excelentes editados el año pasado que han terminado resultando «bonus tracks» del mismo. Nos referimos a ‘Summer Girl‘, ‘Now I’m In It‘ y ‘Hallelujah‘.

Por el contrario, parece que ahora los singles oficiales son ‘The Steps‘ y ‘I Know Alone‘, además de ‘Don’t Wanna’, para el que estos días han presentado un vídeo simpático, desierto de personal, es decir, apto para los tiempos de coronavirus que vivimos. Lo han rodado en Los Ángeles, en las inmediaciones del «Forum» y en él las hermanas realizan una carrera por llegar antes que las demás… a ningún lado. ¿Una metáfora del aburrido verano que nos aguarda y en el que nos veremos obligados a encontrar pasatiempos de este palo?

Doja Cat potencia sus colaboraciones con The Weeknd y Gucci Mane… como puede

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3 julio, 2020

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Malos tiempos han sido los de esta primavera para potenciar las colaboraciones: aunque en unos países más que en otros, los artistas han estado confinados como todo hijo de vecino, aunque solo sea por imagen. Menos José Manuel Soto.

The Weeknd y Doja Cat compartían una nueva versión de ‘In Your Eyes’ hace unas semanas. Se trata de una de las canciones de ‘After Hours’, uno de los mejores discos de 2020, a la que ahora se suma la intérprete de uno de vuestros hits favoritos ahora mismo, ‘Say So’. Para el videoclip que sale hoy, y ya que no han podido reunirse, se ha creado una animación, aunque hay que decir a favor del trabajo de Jeron Braxton que al menos se ha respetado la imaginería tipo Las Vegas de todo el álbum de Abel Tesfaye.

Por otro lado, Doja Cat ha sido noticia por haber estrenado estos días el colorido vídeo -también con un componente de animación- para ‘Like That’, una de las canciones que contenía su disco ‘Hot Pink’. Exactamente la que sucedía en la secuencia a ‘Say So’, exquisita en su producción de sexy-R&B. Gucci Mane era el artista invitado de este otro single y al menos podemos decir que en el vídeo, aparece.

Duffy reprocha a Netflix que aloje y promocione ‘365 días’, que «glamuriza la violación»

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3 julio, 2020

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Una de las noticias más sorprendentes del día nos trae de vuelta a Duffy, la artista británica a la que hemos añorado durante años tras un álbum maravilloso como ‘Rockferry’ y su más que correcta continuación, ‘Endlessly’. En su reaparición, la galesa explicó en un comunicado que su ausencia se había debido a un terrible episodio personal en el que fue raptada y violada durante cuatro angustiosas semanas, lo cual lógicamente derivó en graves daños físicos y, sobre todo, psicológicos. Esto explica en buena medida el por qué del titular de hoy. La cantante ha dirigido una carta (publicada por Deadline) al CEO de Netflix, Reed Hastings, pidiéndole la retirada de la película ‘365 días’, estrenada recientemente en la plataforma. Duffy argumenta que dicho film “glamuriza la brutal realidad del tráfico sexual, el rapto y la violación».

La película, paradójicamente, está basada en una serie de novelas de la autora polaca Blanka Lipinska, en la que «una mujer cae en las garras de un jefe de la mafia que la encierra y le da un año para que se enamore de él». Al parecer, se trata de una suerte de versión más cruenta de la saga ’50 sombras de Grey’, que además también tiene varios volúmenes, y su actor protagonista ha confirmado ya la próxima filmación de una secuela. Salvo que pueda impedirlo Duffy: mencionando en primer lugar su experiencia, le dice a Hastings lo «irresponsable» que le parece que su plataforma dé soporte a una película así. «Me duele que Netflix sea la plataforma de tal tipo de «cine», que erotiza el secuestro y distorsiona la violencia sexual y su tráfico como una película «sexy»».

«No imagino cómo Netflix puede pasar por alto», continúa, «lo descuidado, insensible y peligroso que es esto. Incluso ha llevado a algunas chicas, recientemente, a pedir jovialmente al actor protagonista de la película, Michael Morrone, a que las secuestre», asegura, antes de señalar lo impensable que sería una película que diera el mismo tratamiento a «la pedofilia, el racismo, la homofobia, el genocidio o cualquier otro crimen contra la humanidad». Tras invitar a reflexionar tanto al directivo de la poderosa multinacional del entretenimiento como a los espectadores que hayan visto la citada película e indicar unos enlaces para informarse sobre el tráfico humano y plataformas que ayudan a sus víctimas, concluye que «lo que yo y otras víctimas que conocemos estas injusticias necesitamos es exactamente lo opuesto (a lo que ofrece la película): una narrativa de verdad, esperanza y tener voz». Un propósito nobilísimo, si bien cabe preguntarse si, con esta acción, lo que está logrando Duffy es precisamente dar al film –al que la crítica está calificando como mediocre– más publicidad de la que gozaría normalmente.

Sufjan Stevens estrena ‘America’, su nuevo single de 12 minutos y medio

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3 julio, 2020

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Sufjan Stevens ha anunciado su nuevo disco, el cual no será otro de esos experimentos que ha publicado últimamente, sino su nuevo disco de verdad. El verdadero sucesor de ‘Carrie & Lowell‘, el mejor disco de 2015 para JENESAISPOP, lleva el título de ‘The Ascension’ y sale el próximo 25 de septiembre a través de Asthmatic Kitty. Sufjan dice que la base del álbum es “una llamada a la transformación personal y un rechazo a seguir los esquemas del sistema que nos rodea».

El primer adelanto de ‘The Ascension’, ya disponible, se titula ‘America’ y es «una canción protesta contra lo enfermizo de la cultura americana en particular” que fue compuesta en realidad hace 7 años, durante las sesiones de ‘Carrie & Lowell’. “La canción me sorprendió mucho cuando la escribí porque la notaba vagamente mezquina y muy alejada de todo lo demás en Carrie & Lowell, así que la guardé», ha explicado el músico. «Pero cuando recuperé la demo unos años más tarde me llamó la atención cómo había previsto el futuro. Ya no podía apartarla por ser enojada y alegre. La canción estaba claramente articulando algo profético y verdadero, aunque no hubiera sido capaz de identificarlo entonces. Es entonces cuando vi un camino claro a seguir para un siguiente álbum”.

Un vistazo al tracklist que comparte la nota de prensa, y que incluye la duración de todas las canciones, revelaba que este single es de hecho el tema más largo de todo el disco, el que lo cierra con una duración de 12 minutos y medio nada menos (ninguna sorpresa para los fans del autor de ‘The Age of Adz‘, que ya se cerraba con un tema de más de 25 minutos). Se trata de una composición épica en sonido y envergadura, bastante electrónica y melódica, que tiene muy en cuenta el dinamismo dada su duración, y como muestran sus diferentes partes. No ha salido en formato reducido, por lo que Sufjan ha ido a por todas con esta decisión parecida a un suicido comercial… sobre todo si se tiene en cuenta que llega después de su éxito con la banda sonora de ‘Call Me By Your Name’, por la que obtuvo una nominación al Oscar, llegando a actuar en la ceremonia.

‘The Ascension’:
1. Make Me An Offer I Cannot Refuse (5:19)
2. Run Away With Me (4:07)
3. Video Game (4:16)
4. Lamentations (3:42)
5. Tell Me You Love Me (4:22)
6. Die Happy (5:47)
7. Ativan (6:32)
8. Ursa Major (3:43)
9. Landslide (5:04)
10. Gilgamesh (3:50)
11. Death Star (4:04)
12. Goodbye To All That (3:48)
13. Sugar (7:37)
14. The Ascension (5:56)
15. America (12:30)

Khruangbin / Mordechai

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3 julio, 2020

Como prescriptor musical, obviamente te da un poco de rabia que un proyecto tan interesante como Khruangbin te haya pasado por delante de las narices sin haberle prestado la atención que merecía. Sus tres álbumes previos –publicados en Night Time Stories, sello hermano del de los famosos recopilatorios LateNightTales, donde aparecieron por primera vez por la gentileza e intuición de Bonobo– son una absoluta delicia de música paisajística y evocadora, inclasificable, en la que se filtran influencias muy variopintas para un trío de músicos de Houston, Texas: hay funk, psicodelia y jazz en su música, pero no tanto de la escuela yanqui sino del reflejo que esos estilos tuvieron en los años 70 en lugares tan remotos como el sureste asiático (su nombre es una palabra tailandesa que significa «avión»), Etiopía, Perú, Irán, Jamaica… y España. Pero es evidente que, tras su también muy estimable EP junto a Leon Bridges, ‘Mordechai’ supone El Gran Salto del grupo formado por Laura Lee Ochoa (bajo y voz), Mark «Marko» Speer (guitarra y voz) y Donald «DJ» Johnson (batería y voz). Y no solo porque ahora estén en nomina del cada vez más poderoso conglomerado de sellos independientes Dead Oceans –que también, por lo que eso supone en cuanto a maquinaria promocional–, sino porque artísticamente dan un paso al frente ambicioso y rotundo.

Es innegable que en ello tiene un papel crucial el hecho de que un alto porcentaje de sus temas tengan como mínimo un gancho vocal, cuando no una estructura de canción al uso. Es el caso de singles tan fantásticos como la proto-disco ‘Time (You And I)’, el funk ribeteado con preciosísimos pespuntes de guitarra en ‘So We Won’t Forget‘ o la arrebatadora rumba ‘Pelota‘, con evidente ascendencia española… aunque parezca verbalizar (al menos en parte) el argumento de ‘Mi amigo Totoro’. Pero lo cierto es que, aunque esas melodías cantables sean una suerte de llave con la que acceder a su jardín de las delicias, el tuétano de la música de Khruangbin se mantiene incólume con respecto a sus primeros trabajos: su expresividad –y eso incluye las tres canciones antes mentadas– está en su toque, sus arreglos, sus giros. Su música habla y emociona tanto o más que sus voces.

Hay numerosos ejemplos de ello. El mejor, quizá, es ‘Father Bird, Mother Bird’, en la que Speer se marca una conmovedora interpretación a la guitarra, rivalizando en belleza con ‘Shida’, el instrumental final, en el que podemos advertir ecos arábigos e incluso andaluces (¿no parece por momentos un tema de Triana o Gualberto?). Pero lo mejor de ‘Mordechai’ es la fluidez con la que se intercalan unos momentos y otros, convirtiéndolo en un viaje anímico y mental sin movernos del sitio. Por ejemplo, Laura y Mark se marcan un cómico spoken-word a dúo –al más puro estilo Nancy & Lee o Jane & Serge– sobre el colchón de exquisito jazz norteafricano de ‘Conaissais de face’, con el que homenajean a su camarera favorita aunque anónima (fallecida un par de años atrás) del bar favorito de su ciudad. Mientras que la melancólica y dulce ‘Dearest Alfred’ se compone con fragmentos de viejas cartas del abuelo de Laura al hermano gemelo de aquel, y que le sirven para reivindicar las epístolas en sí mismas como joyas de expresión emocional humana («your letter is the best gift», canta). También nos dan un relajante baño de dub, una de sus pasiones –su tercer disco ‘Hasta el cielo’ no era sino una revisión con el filtro jamaicano del segundo, ‘Con todo el mundo’– en ‘One to Remember’, que no es otra cosa que un reprise del single ‘So We Won’t Forget’.

A menudo, en cortes como ‘First Time’ o ‘If There Is No Question’, la música de Khruangbin conecta con la simplificación (no como algo peyorativo, entiéndase) del universo Tortoise que ha llevado a cabo uno de sus miembros, Jeff Parker, en el reciente ‘Suite for Max Brown’. Pero si por algo destaca ‘Mordechai’ es precisamente por acertar a distinguirse de todo y, a la vez, poner unas pizcas, muy medidas, del aderezo que es capaz de engatusar a una cantidad de público mayor del que nunca hayan tenido. Sin traicionar su esencia, permaneciendo perfectamente reconocibles (o incluso más, gracias a sus distintivas voces), pero sonando renovados y deslumbrantes. Y además, no podía llegar en mejor época que en verano, época perfecta para disfrutar de un disco así prácticamente en cualquier circunstancia.

Calificación: 8,3/10
Lo mejor: ‘Pelota’, ‘Time (You And I)’, ‘So We Won’t Forget’, ‘Father Bird, Mother Bird’, ‘Shida’
Te gustará si te gusta: Jeff Parker de Tortoise, Tame Impala, Jacco Gardner, Mulatu Astatke.
Youtube: vídeo de ‘Time (You And I)’

‘What’s Your Pleasure?’ es el hitazo para hacer «voguing» de Jessie Ware

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3 julio, 2020

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Jessie Ware se ha hecho un nombre como renovadora del R&B contemporáneo gracias a singles sobresalientes como ‘Running’ y el éxito ‘Say You Love Me’ o a discos como ‘Tough Love’, pero su nuevo trabajo ‘What’s Your Pleasure?‘ es bailable y obliga hablar de él en los mismos términos en que este año hemos hablado de discos como ‘Future Nostalgia‘ de Dua Lipa o ‘Chromatica‘ de Lady Gaga. Como estos dos, ‘What’s Your Pleasure?’ ofrece su propia visión de la música de baile del pasado, en su caso para evocar el glamour y espíritu hedonista de las mejores discotecas de Nueva York durante los años 70.

La nostalgia de ‘What’s Your Pleasure?’ nos lleva a esos lugares y también a las «ball rooms» retratadas en series como ‘Pose‘ al menos en su tema titular, un auténtico balazo de pop bailable por el que asoman ecos al Prince de ‘Controversy‘ y a la Janet Jackson de ‘Control‘ y también a los ritmos y sintetizadores del acid house que sonaba en los clubes gays underground de la época. De hecho, el bueno de James Ford vuelve a ser el productor principal de este implacable hitazo de dance-pop elegante cuyo estribillo, que parece hecho para subir el autoestima un 200% como mínimo, tanto invita a hacer «voguing» delante del espejo: «push, press, more, less, here together, what’s your pleasure?», plantea la cantante. «Stop, go, fast, slow, here together, what’s your pleasure?»

Publicado muy pertinentemente en el mes del Orgullo, el vídeo de ‘What’s Your Pleasure?’ está protagonizado por el actor y bailarín Nicolas Huchard, quien explora su feminidad a lo largo de su arrebatadora interpretación. Aunque la canción merecería un vídeo a la altura del de ‘Spotlight‘ como mínimo, es imposible quitarle el ojo de encima desde que empieza hasta que acaba.

Escucha lo nuevo de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, María Escarmiento, Paul Weller, dani…

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3 julio, 2020

Cuando parecía que el mundo de la música comenzaba a remontar, tras una semana de discos a la altura de las expectativas, como los de Jessie Ware, HAIM o Arca, nos topamos de bruces con un viernes realmente flojo en cuanto a lanzamientos, que prácticamente no hemos vivido ni durante los peores momentos de confinamiento global por la Covid-19. Apenas los discos de dos históricos como Paul Weller y Willie Nelson, más los segundos álbumes de las británicas Dream Wife y el dúo francés Polo & Pan, y una nueva entrega del dúo dance-pop HONNE destacan en el plano internacional. En el nacional la cosa no es que esté mucho mejor, aunque sí contamos con los debuts en media y larga duración de María Escarmiento, dani, Diamante Negro y Stay Homas, el combo nacido en confinamiento que ha logrado una proyección internacional (su gira, anunciada también hoy, pasará por Latinoamérica y Europa, incluidos Londres y París). También hoy se publica el nuevo disco de los portugueses Norton, y Alizzz lanza ‘Desclasificados’, una recopilación en la que descubre a varios jóvenes talentos con producciones suyas.

En el apartado de singles, hay cosas interesantes, pero en una cantidad plausiblemente menor de lo habitual. Y eso que Kanye West, Disclosure, Bill Callahan, Washed Out, Fontaines D.C., La Oreja de Van Gogh, Ty Dolla Sign y varias estrellas, Jason Derulo o Kidd Keo han lanzado canciones estos días. A la espera de que se lance el anunciado nuevo single de 12 minutos de Sufjan Stevens, cabe destacar las nuevas canciones de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, AJ Tracey & Mabel, The Radio Dept., Ellie Goulding, Manu Chao, Dominique A, Gus Dapperton, DEVA, Residente, Evanescence, Glass Animals, The Pirouettes, Varry Brava, James Dean Bradfield (de Manic Street Preachers, avanzando su debut en solitario), Yama Zafiro, Kele, Nicky Jam & Carla Morrison, Mueveloreina, Rels B & Morad, Judit Neddermann, Micka Luna (el barcelonés prosigue avanzando su disco grabado en RU con Adrian Utley, de Portishead), This Is The Kit, Colectivo Da Silva, NIMMO, Castro –proyecto en solitario de Diego de Castro, hasta ahora voz principal y guitarra de Disco Las Palmeras–, la francesa Louane (que incluye una versión en «sonido 8D» en su nuevo single), Veintinuo & Pole., Go Roneo, Tinie Tempah & Sofia Reyes & Fariña, The Veronicas, Tom Morello, Mike Shinoda, Max Leone o María Isabel & Juan Magán.

Por último, también compilamos varios remixes, como los del tándem italiano formado por Boro Boro y MamboLosco, que han contado con Lola Indigo en la adaptación al español de su éxito ‘Lento’, Lunáticos (por David Kano), Robyn (a cargo de Floorplan) y Metronomy (en este último caso, a manos de Rostam). Y versiones, como las de Soccer Mommy (The Cars), Rina Sawayama (Lady Gaga), Orville Peck (Bronski Beat) o Joesef (Sister Sledge). Además, Christine and The Queens presenta un tema exclusivo para la banda sonora de la serie de Prime Video ‘HANNA’, Algora ~~un inédito~~ una versión de un antiguo tema de Ellos que acompaña como cara B al single de ‘Chicos transparentes’ (cuyo vídeo oficial estrenábamos ayer) y Porridge Radio lanzan un tema conjunto con Lala Lala, grabado durante el confinamiento.

Escucha la playlist «Ready for the Weekend»

Derby Motoreta’s Burrito Kachimba se marcan un «Serranito western» en el vídeo de ‘El valle’

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3 julio, 2020

Derby Motoreta’s Burrito Kachimba firman una de las novedades destacadas de la semana, su nuevo single ‘El valle’. Se trata del primer adelanto de su próximo disco, que verá la luz a principios de 2021 y es muy esperado pues DMBK se convertían el pasado mes de enero en los últimos ganadores del Premio Ruido gracias a su celebrado debut.

El propio grupo explica que ‘El valle’ ha sido grabado en la «Sevilla pre-pandémica» y masterizado por Brian Lucey, quien ha trabajado con Arctic Monkeys, Black Keys, Marilyn Manson o Green Day; y que es un «pepinazo que te va a volar la p… cabeza». Claramente, los fans de canciones como ‘Aliento de dragón’ o ‘Nana de caballo grande’ no se sentirán decepcionados con esta nueva composición de «kinkidelia» contemporánea que además llega con un videoclip dirigido por Tera Bada aka Gringo, guitarrista de la banda.

«El videoclip consta de dos partes al igual que la canción», detallan los sevillanos, «una primera parte donde se presentan a los personajes en escenarios diferentes y una segunda parte a medio camino entre ‘El Bueno, el Feo y el Malo’ y un episodio de ‘Dragon Ball'». Los chicos indican que en el vídeo de ‘El valle’ han hecho un «homenaje a las películas de Sergio Leone» en su estilo de «Serranito western».

DBMK anuncia además fechas de conciertos dentro de la «nueva normalidad», el primero de los cuales está programado para la semana que viene.

MIÉRCOLES 8 DE JULIO
MUSEO DE LA ADUANA, MÁLAGA

MIÉRCOLES 22 DE JULIO
MURCIA RÍO, MURCIA

JUEVES 23 DE JULIO
NOCHES MEDITERRÁNEAS, ALICANTE

VIERNES 31 DE JULIO
ESTIVAL CUENCA, CUENCA

SÁBADO 1 DE AGOSTO
ALHAURÍN DE LA TORRE (MÁLAGA)

JUEVES 6 DE AGOSTO
POP CAAC, SEVILLA

VIERNES 14 DE AGOSTO
NITS AL FÒRUM, BARCELONA

María Escarmiento publica su EP de debut y anuncia concierto en Barcelona

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3 julio, 2020

26

María Escarmiento publica hoy su primera colección de canciones, un EP llamado ‘Sintiéndolo mucho’ que incluye su primer single, ‘Amargo amor’, y también los que han salido a posteriori, estos son, ‘Castigo‘, ‘Otra Noche‘ y ‘Chulo‘, todos en un estilo de reggaetón-rave-industrial no tan habitual de escuchar en el trabajo de los concursantes de Operación Triunfo.

El tema de ‘Sintiéndolo mucho’ que se potencia desde hoy viernes en las plataformas de streaming es el misterioso ‘Baladón’, que no es exactamente un «baladón». El EP se abre con un tema llamado ‘Ni tu cara’ e incluye otro llamado ‘La Bomba’. El título de esta canción recuerda a un tuit que María Villar publicaba en diciembre de 2019 con la siguiente reflexión: «Hace poco más de un año estaba perdida currando en el bar y hoy estoy esperando a que King África me conteste a un DM. Vamos que sigo bastante perdida».

La mala noticia en todo esto es que ‘La Bomba’ de María Escarmiento NO samplea ‘La Bomba’ de King África al menos aparentemente; la buena es que la canción pinta que será «la bomba» en sus directos gracias a su contundente ritmo y a una letra que rima «Cancún» con «autotune» y «Sailor Moon» y menciona a un «traperillo» de medio pelo. Villar presentará ‘Sintiéndolo mucho’ en Barcelona el próximo 18 de julio, dentro del ciclo de Nits del Primavera, con PAVVLA de telonera.

La Oreja de Van Gogh se pasan al pop-rock en ‘Te pareces tanto a mí’

Por

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2 julio, 2020

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La Oreja de Van Gogh han dado esta semana los detalles de su nuevo disco, el esperado sucesor de ‘El planeta imaginario‘, que salió hace ya 4 añazos. El grupo entregaba hace un par de meses una balada llamada ‘Abrázame’ que generó 52 comentarios en nuestro site y esta noche será el turno de un single llamado ‘Te pareces tanto a mí’.

En contraposición con la oscuridad de ‘Abrázame’, ‘Te pareces tanto a mí’ es un tema rockero y buenrollista a pesar de su letra, que habla de una relación ya finiquitada: «Llevas tus sueños entre los dientes, me miras displicente cuando vas a salir, siento el calor de tus ojos de viernes, te marchas mientras limpio lo que queda de ti» o «Quieres saber qué hay detrás de mí, eres eléctrica, colérica sin definir, y sé muy bien por qué me odias tanto, te pareces tanto a mí» son algunas de sus rimas.

El álbum se llama ‘Un susurro en la tormenta’, saldrá el 18 de septiembre y estará compuesto de canciones que reciben títulos como ‘Doblar y comprender’, ‘Como un par de girasoles’, ‘Acantilado’, ‘Me voy de fiesta’ y ‘¿Lo ves?’, suponemos que sin ser esta última una versión de Alejandro Sanz. Bajo los mandos de la producción encontramos a Paco Salazar.

Doblar y Comprender
Como un par de Girasoles
Abrázame
Te Pareces Tanto a Mí
Menos Tú
Durante una Mirada
Galerna
Me Voy de Fiesta
Sirenas
Acantilado
¿Lo Ves?

‘Wash Us In the Blood’: ¿cuánto puedes disfrutar/soportar que «Kanye kanyee»?

Por

JNSP

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2 julio, 2020

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Parte de la redacción evalúa el nuevo single de Kanye West, que cuenta con Travis Scott como artista invitado.

«No está nada claro que a Kanye West se le haya pasado la fiebre gospel, y está por ver lo que nos depara ‘God’s Country’ –el título ya denota que, efectivamente, parece la segunda parte de ‘Jesus Is King’–. Pero al menos en lo sonoro, ‘Wash Us In the Blood’ nos retrotrae a una era mucho más fructífera y apasionante en lo creativo: la de ‘Yeezus‘. Una base obsesiva y dura, asfixiante, sin tregua en lo rítmico y con un flow rotundo, que además de fuerza tiene gancho, conforman el tuétano de este buen tema… por el que Travis Scott pasa un poco de puntillas. Además, aunque la idea de «bañarse en la sangre de Cristo» está, una vez más, inspirada por sus creencias rayanas en el fundamentalismo, en este caso lo emplea para atajar desde su perspectiva la problemática racista, que llega a calificar de «genocidio» y que habla de la esclavitud. Sí, el mismo hombre que llegó a aseverar que tal violación de los derechos fundamentales fue «una opción». Pese a sus contradicciones, ‘Wash Us In the Blood’ crece con las escuchas, y más aún con su potente videoclip que, extrañamente, ¿suena mucho peor de lo habitual?». Raúl Guillén.

«El mejor momento de ‘Wash Us in the Blood’ es cuando parece que será una canción de hip-hop sonido tribal y experimental igual de excitante que ‘Accelerate‘ de Christina Aguilera… canción que el mismo Kanye produjo, y que fue una de las mejores de su año. Pero no, al final Kanye no ha llamado a su cuñado Travis Scott para participar en su mejor composición precisamente. A pesar de sus buenas intenciones como canción política, tan necesaria en estos tiempos aunque venga de esta persona que ha dicho barbaridades indecibles sobre la esclavitud, ‘Wash Us in the Blood’ muestra a un artista estancado y que sigue operando en piloto automático. Por decir algo bueno, al menos no dura un minuto y medio». Jordi Bardají

«Tan poco apetecible es que un renovador como Kanye West vuelva a los sonidos de hace 7 años como cierto es que ‘Wash Us in the Blood’ seguirá sonando moderna en las correspondientes playlists de 2020 tantísimo tiempo después. Es más fácil hallar algo interesante en esta espinosa producción que en el 95% del top 100 de hoy. Después está lo de la temática y el videoclip. Protestas callejeras por la muerte de George Floyd se entremezclan con imágenes en vida de otras personas abatidas como Breonna Taylor y Ahmaud Arbery, conciertos, servicios religiosos de ‘Jesus Is King’, otras de Grand Theft Auto V, el cameo final de la hija de Kanye… Un WTF de popurrí que suponemos realzado por ese verso de la canción en el que, convirtiendo «kanye» en verbo, dice algo así como: «no quieren que yo «kanyee» / no quieren que Kanye sea Kanye / quieren fichar a un Kanye fake / quieren que haga un ‘Ye’ calmado / por eso los llamo Calm-ye (…) Quieren editar las entrevistas / quieren que sean interludios (…) ya sabes que lo que sale en las noticias es «fake». Una reivindicación con orgullo, pues, de su era ‘Ye’, centrada en su bipolaridad desde su misma portada, que puedes odiar y amar a la vez». Sebas E. Alonso.

Mariah Carey, Adele, Romy xx & Florence, J Balvin y Barbie… en 10 fotos que no debiste perderte

Por

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2 julio, 2020

Vuelve nuestra sección 10 fotos que no debiste perderte, dedicada a mostrar fotos y vídeos de nuestros artistas favoritos en las redes sociales que te gustará ver (o recordar, si ya las has visto). En esta ocasión, junto a las manifestaciones contra el racismo y las secuelas de la pandemia, destacan la llegada del veranito y el mes del Orgullo LGTB+.

Romy y Florence, unidas en compromiso

A ver, aclaremos: la guitarrista y cantante de The xx está efectivamente comprometida, y, a estas alturas, probablemente ya casada. Pero no con Florence Welch, sino con la artista visual Hannah Marshall. A lo que nos referimos es que ambas están comprometidas con la causa Black Lives Matter, y acudieron juntas (o se encontraron allí, a tanto no llegamos) a una manifestación contra el racismo en el centro de Londres. Su carteluco reivindicativo (bastante casero y cutrongo) apostaba además por visibilizar y defender en particular a las personas transgénero.

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#blacktranslivesmatter 💞 @florence 📷 @viclentaigne

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Una estatua para Gwar

Las manifestaciones contra el racismo han puesto su punto de mira en las estatuas erigidas a «héroes» que basaron su hazañas en aplastar a personas más débiles de otras etnias. Así, muchas han sido derribadas (FKA twigs mostraba cómo una de su Gloucestershire natal era arrojada al agua) y otras han sido pintadas de arriba abajo, como la del general confederado Robert E. Lee en Richmond, Virginia. De hecho, una ingeniosa propuesta en Change.org pidió firmas para sustituir esa efigie por la de un auténtico héroe de la ciudad, el líder del grupo de sci-fi-metal (ya sabéis, los que juegan a ser alienígenas y actúan ataviados como tales) Gwar, Oderus Urungus. Y este, ni corto ni perezoso, se presentó con toda su parafernalia ante la propia estatua, agradeciendo a sus conciudadanos tal honor. Ahora solo falta subirle al caballo, y ya acumula más de 68.000 firmas, nada menos.

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Almost there!

Una publicación compartida de Stereogum (@stereogum) el 12 Jun, 2020 a las 3:13 PDT

Los zascas políticos de Perfume Genius y Tom Morello

Al hilo de estas protestas en Estados Unidos, muchos artistas han manifestado abiertamente su apoyo a la causa y expresado sus posturas políticas. Algo que no ha gustado a algunos de sus seguidores más conservadores, que les han echado en cara que den sus opiniones políticas. Les ha ocurrido a dos nombres tan diferentes en lo estético como Perfume Genius y Tom Morello (Rage Against The Machine). A Mike Hadreas, alguien le decía si él no hacía música para unir a la gente, en lugar de para separarla. «No», respondía él. En cuanto a Morello, un despistado le decía que «lo último en lo que quería pensar escuchando su música era en política». El guitarrista le preguntaba que cuáles de sus canciones le parecían que no eran políticas… para poder eliminarlas. ¡Bravos!

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🔥

Una publicación compartida de Brooklyn Vegan (@brooklynvegan) el 10 Jun, 2020 a las 12:31 PDT

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Scott was today years old when he learned #RageAgainstTheMachine are a political band

Una publicación compartida de Stereogum (@stereogum) el 10 Jun, 2020 a las 6:10 PDT

Princess Nokia y la vela-sorpresa de cumpleaños

Como muchos en este equipo que formamos JENESAISPOP, Princess Nokia cumple años en el mes de junio. Así que sus amigos decidieron organizarle una fiesta de cumpleaños como merece, con una buena tarta… y una buena vela. Solo que en este caso, no era de cera, sino de hierba; y en lugar de soplarla, se chupa. «La clave de madurar… es no hacerlo», dice ella con sabiduría. ¡Felicidades, Destiny!

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THE KEY TO GROWING UP.. IS DONT 😙😜!!

Una publicación compartida de Princess Nokia (@princessnokia) el 14 Jun, 2020 a las 1:04 PDT

Un gran «fail» para Papi Diplo

También se celebraba hace poco en el continente americano el Día del Padre. Muchos artistas felicitaban a sus papis, la gran mayoría. Pero otros, como Diplo, recibían felicitaciones. En su caso de sus dos retoños, aunque, enternecedoramente, terminara en «fail».

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Happy Father's Day to everyone but me 💙💚💛🧡❤️

Una publicación compartida de Thomas Wesley (@diplo) el 21 Jun, 2020 a las 11:38 PDT

Adele

Hace poco más de una semana, debía haberse celebrado la edición 2020 del festival de Glastonbury que, como bien sabemos, no se ha celebrado, al igual que tantos otros eventos musicales en todo el mundo. Por eso muchos artistas, la mayoría de ellos británicos, ofrecieron un cariñoso guiño en redes sociales recordándolo (Dua Lipa, Kylie Minogue, largo etcétera). Y la BBC, emitió en televisión una selección de algunos de los conciertos más memorables de sus últimas ediciones. Por ejemplo el de Adele de 2016. Y la propia intérprete de ‘Hello’, lo celebró viéndose. Y viniéndose tan arriba «5 sidras después» que hasta se enfundó el mismo vestido que lució aquel día, para cantarse y bailarse. Hay que quererla.

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5 ciders in 👌🏻

Una publicación compartida de Adele (@adele) el 27 Jun, 2020 a las 2:52 PDT

La «stand-up comedy» de Cardi B

Pero no olvidemos que, aunque en España estemos dando pasitos hacia una hipotética normalidad, gran parte del mundo sigue muy amenazada por la pandemia. Estados Unidos, sin ir más lejos, sigue siendo uno de los países más azotados por la Covid-19, y muchas de las personalidades de la música están o siguen confinados. Y, por tanto, aburridos. Así parece estar sucediéndole a Cardi B, que se dedica a hacerse piercings o a posar con sus tintes de pelo con bikinis y bolsos de lujo a juego. También a practicar algo así como la «stand-up comedy», monólogos de ¿humor? en los que mayormente se mofa de sus haters (con final húmedo) o, simplemente, es simpática, como este del polo.

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♥️

Una publicación compartida de Cardi B (@iamcardib) el 24 Jun, 2020 a las 9:00 PDT

«J Barbie»

Otro que, entre vídeo y vídeo de ‘Colores‘ pasa media vida en sus redes sociales es J Balvin. Por eso no se le escapan los memes que puedan hacerse sobre él o su yo virtual (protagonista de sus nuevos vídeos a causa de la pandemia), como es el caso de este en el que alguien observa un parecido razonable entre la versión animada del colombiano y la de la muñeca Barbie. Él lo acepta con humor y hasta pone el mote: «J Barbie».

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Ok ok ok ok entonces J Barbie 😂😂😂😂😂😂😂😂😂😂😂😂

Una publicación compartida de J Balvin (@jbalvin) el 20 Jun, 2020 a las 10:57 PDT

Posado veraniego de Papa Topo

A pesar de las calamidades del mundo, el verano ha llegado imparable. Y por eso les artistes se dedican a hacer sus clásicos posados veraniegos en traje de baño. Así lo ha hecho el combo comandado por Adriá Arbona, Papa Topo, que promocionan en bañador su concierto de mañana, 3 de julio, en el barcelonés Castillo de Montjuïc junto a Evripidis and His Tragedies. Todo bien, al ritmo de ‘Sirenear‘… hasta que Júlia tiene un pequeño percance del que se rehace bien. Divas.

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Sirenitas fresquitas y desconfinaditas 🧜🏻‍♀️💋🌊 . Morimos de ganas de, al fin, sirenear y bailar juntas en el Castillo de Montjuic de BCN el próximo 3 de Julio (link en bio 🥰). 🥳🌊💕

Una publicación compartida de Papa Topo (@papatopo) el 13 Jun, 2020 a las 8:46 PDT

Mariah Carey invoca su ‘Rainbow’

También acabamos entrar en el mes del Orgullo LGTB+, y no podía no unirse a la celebración uno de los iconos pop más queridos por el colectivo, Mariah Carey. Pero ellita no podía hacerlo de una manera cualquiera, sino subiéndose a la azotea de su rascacielos para aprovechar un arcoiris espontáneo y hacerse este fotón. Y, de paso, recordarnos que uno de sus discos más celebrados es… ‘Rainbow‘.

And just like that.. a rainbow appeared today going across the whole city!! 🌈🌈🌈 pic.twitter.com/HEKYPCbzmU

— Mariah Carey (@MariahCarey) June 29, 2020

Arca / KiCk i

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2 julio, 2020

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Arca ha pasado de ser una de las más celebradas exponentes de la música electrónica internacional gracias a discos como ‘Xen’ o ‘Mutant‘, ambos clave para entender su estilo de electrónica abstracta y explosiva a la par que emocional; a un icono pop en toda regla. Su transición pública ha venido ligada a una música cada vez más personal y accesible y a una propuesta artística que, cada vez más, ha colocado la propia imagen de Alejandra Ghersi en primer plano (lo hemos visto en performances como ‘MUTANT;Faith’, en sus recientes videoclips y ahora en la portada de su nuevo disco, ‘KiCk i’). En los últimos tiempos, Ghersi ha buscado explorar su diva interior con el propósito de exponerse públicamente sin dejar de transgredir este mismo concepto desde dentro, dotándolo de una faceta transhumanista con la que la artista ha consolidado su rol de vanguarda musical.

Así, ‘KiCk i’ llega con la promesa de ser ese disco de Arca que poder considerar pop… y en parte lo es. ‘KiCk i’ cuenta con ritmos próximos al reggaetón, colaboraciones de Björk o Rosalía y canciones cercanas al pop como ‘Machote’, una personal interpretación de ‘Quiero una chica’ de la boyband colombiana Latin Dreams, a la que Arca escuchaba de pequeña. La mala noticia es que ‘KiCk i’ nunca llega a ser tan pop como podría ser, la buena es que lo que ofrece sigue teniendo miga.

La fluidez de cuerpo y alma marca el transcurso de ‘KiCk i’ desde que el álbum arranca con la apropiadamente titulada ‘Nonbinary’, una producción típicamente caótica y agresiva que Alejandra utiliza para presumirse a sí misma: «no me conoces, puede que me poseas, pero nunca sabrás quién soy», expresa. «He trabajado duro, he sido afortunada y desafortunada, soy especial y no me puedes decir lo contrario». Es una introducción idónea para adentrarse en este trabajo con el que Arca ha buscado representar «la euforia de género» más que la «disforia de género» y proporcionar a su comunidad un trabajo alegre con el que bailar y sentirse feliz de la identidad propia. Arca nunca tuvo un referente a quien admirar desde pequeña, así que ha decidido convertirse en ese referente para sus seguidores.

La trituradora de sonidos particular de Arca deja tres pepinazos en el disco como son el reggaetón desfigurado de ‘Mequetrefe’, ya icónico por su letra «ella no toma taxi, ni Uber, ni Lyft» y «mira su pasito, a ella le da igualito»; la cachonda ‘Riquiquí’, que enreda en sus ritmos frenéticos y resbaladizos frases como «mírala chupar la pepa de un mango bajito» o «te pongo la mayonesa fresca blanca en la mesa» (sic); y la fiestera ‘KLK’, que integra -o mejor dicho, desintegra- dentro de su maquinaria de ritmos industriales y a su vez inspirados en la música tradicional venezolana la voz de una Rosalía que se siente «bendecía»… pero que podría haber sido cualquier otra persona, pues su voz apenas se luce. En cuanto a las canciones melódicas, ‘Time’ recuerda a los ambientes inquietantes de Jenny Hval pero hipnotiza con sus trazos luminosos e impresionistas sin llegar a ser nunca una canción pop propiamente dicha; y la mencionada ‘Machote’ transforma el hit de Latin Dreams en una composición emotiva y anhelante que no desentonaría en el repertorio de Putochinomaricón.

A su vez, ‘KiCk i’ no está exento de algún desacierto. Hay que esforzarse mucho para entender una palabra de lo que canta Björk en ‘Afterwards’, que al menos se sabe se trata de un fragmento de un poema de Antonio Machado cantado en español, pero lo que queda claro desde el principio es que esta canción parece una versión descafeinada de ‘Aurora’, una de las pistas de ‘Vespertine‘. Nada que envidiar al trabajo de Arca en ‘Vulnicura‘ y ‘Utopia‘. A su vez, la locura de ‘La Chiqui’ no se termina de crecer gracias al barniz híper-futurista de SOPHIE y algunas pistas como ‘Rip the Slit’ pasan totalmente desapercibidas dentro del conjunto. Hay que destacar de nuevo la brutal producción, que sigue marcada por la abstracción, el rupturismo rítmico, algunas capas melódicas de ecos renacentistas y a veces por erupciones volcánicas posiblemente inspiradas en ‘Homogenic’; y el hecho que cada tema del álbum sea diferente ayuda a considerarlo el trabajo de Arca más accesible hasta la fecha. Sin embargo, ‘KiCk i’ nunca termina de ser ese disco POP que parecía llegar. ¿Lo será el siguiente?

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘Mequetrefe’, ‘KLK’, ‘Riquiquí’, ‘Machote’
Te gustará si te gusta: Amnesia Scanner, Laurel Halo, Aphex Twin
Youtube: vídeo de ‘Nonbinary’

Kidd Keo rinde homenaje a Pop Smoke, aunque se mueve como Drake, en el vídeo de ‘Rip the Woo’

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2 julio, 2020

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Kidd Keo ha publicado nuevo single y, como viene ocurriendo desde hace tiempo, este se ha posicionado rápidamente entre los vídeos más vistos de Youtube España. El tema se llama ‘Rip the Woo’ y es un homenaje al fallecido rapero Pop Smoke, conocido por haber estado asociado a una banda organizada llamada los Woo, cuyo nombre de hecho inspiró el título de su primera mixtape, ‘Meet the Woo’. En inglés, la palabra «woo» también designa un deseo de impresionar o enamorar a otra persona, y en tiempos recientes ha titulado canciones de Rihanna o Beach House.

Mucho menos controvertida que ‘Lollypop‘ al menos en apariencia, ‘Rip the Woo’ viene cargadita con frases marca de la casa tipo «muévelo, perra» y spanglish («oye, hoes, cuando me llama mi mami I’m gone»). La base de trap siniestra inspirada en estilo «drill» es de Enry-K y es también un guiño a Pop Smoke, mientras el vídeo incluye motos, coches y un mensaje de superación por parte del propio Kidd Keo, que reza: «La victoria y de la derrota son estados anímicos y mentales, no dejes que nada pueda contigo, tú estás hecho para volar, sean cual sean las circunstancias (sic). sed fuertes ahora para volar cuando sea la hora».

Para terminar de redondear la inspiración hip-hopera del vídeo, Kidd Keo es visto en el mismo sujetando un vaso de «sizzurp» (ese mejunje de jarabe de tos con cola que beben los raperos hoy en día) y también haciendo el icónico bailecito de Drake en el vídeo de ‘Hotline Bling’.

Vida Festival abre su corazón a Vetusta Morla y confirma también a alt-J

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2 julio, 2020

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Vida Festival no se celebrará este 2020 por las razones que todos conocemos, pero ya ha venido revelando cuál será su cartel para los días 1, 2 y 3 de julio de 2021. Entre esos nombres encontrábamos algunos tan apetecibles como Belle & Sebastian, Destroyer, !!!, Baxter Dury, Damien Jurado y Maria Arnal i Marcel Bagés.

La sorpresa viene hoy con nuevas confirmaciones del nivel internacional de alt-J -y no es tan habitual ver en Vilanova i la Geltrú a artistas que han sido top 1 en Reino Unido- y Vetusta Morla… y no es tan habitual ver en Vida Festival a artistas que han sido número 1 en España. De hecho, es la primera vez que la banda de Tres Cantos pisará el Vida, salvo que con anterioridad sus miembros hayan asistido como público, lo cual tampoco sería tan raro dados sus intereses musicales.

Más enfocada en las joyas perdidas del talento internacional y el nacional que en los enormes cabezas de cartel, la organización de Vida Festival llegaba a reconocer en una rueda de prensa hace unos años no haber invitado a Love of Lesbian a tocar pese a mantener una excelente relación de amistad con ellos. La confirmación de Vetusta Morla puede suponer el reconocimiento a una carrera cuyo clímax seguimos sosteniendo que es ‘Mismo sitio, distinto lugar‘, es decir, su último disco de estudio, el penúltimo según su criterio; o bien, podría suponer la apertura del Vida a nombres más masivos. Vimos a Lana del Rey por allí, sí, pero cuando todavía no llenaba estadios. Vetusta Morla, recientemente, han actuado para 38.000 personas en Madrid.

Esta tanda de confirmaciones se completa con el estadounidense Andrew Combs y el artista catalán BOYE, del que os dejamos con su tema ‘Chocotetas’. La nota de prensa informa de que aún «faltan nombres a confirmar para la próxima edición del festival, que se irán anunciando los próximos meses». El cartel por días llegará tan pronto como la semana que viene, cuando se pondrán a la venta también las entradas de día. Por otro lado, Vetusta Morla han sido noticia esta semana por tener que cancelar el resto de su gira de presentación de ‘MSDL – Canciones dentro de canciones‘ debido a la covid-19.

Algora busca un destello romántico en las frías apps de ligoteo

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2 julio, 2020

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En un mundo pre-pandemia (aunque ya estaba muy encima, y aún lo ignorábamos), ‘Un extraño entre las rosas‘ de Algora se reveló como uno de los discos nacionales más seductores y sólidos del panorama español. Un álbum en el que Víctor se abrazaba decididamente al electropop de corte retro –aunque sus referentes estaban más en proyectos actuales como Austra o Tr/st– y presentaba las canciones más directas y adictivas de su carrera. Entre ellas ‘Chicos transparentes’, tema que enfocaba el amor en tiempos de Grindr y otras apps de ligoteo. Hoy en JENESAISPOP estrenamos su vídeo oficial, y el propio autor nos desentraña las claves musicales y líricas de nuestra Canción del Día:

«‘Chicos transparentes’ fue una de las primeras canciones que terminé para el álbum. Buscaba un sonido bastante italo, con esos sintetizadores de Raúl Querido súper ochenteros y una letra sencilla en la que cuento la historia de un chico enamorado de otro chico al que solo ve a través de una aplicación de ligoteo pero al que nunca se atreve a decirle nada. Un destello de amor romántico en un contexto que es todo lo contrario».

El clip, que es una fantasía colorida que mete en una misma coctelera colores ácidos, informática primitiva, teléfonos 3G, chandals de táctel y brujería, está dirigido por Leo Merman, aquel chico que transformaba, hace justo ahora un par de años, el ‘Boys’ de Charli XCX en ‘Maricón‘, perfecto anti-himno para el Orgullo LGTB+. «Conozco a Leo desde que llegó a Madrid porque estuvimos a punto de ser compañeros de piso», explica Víctor. «Rápidamente me fascinó todo su imaginario y su personalidad. He seguido y admirado su trabajo desde entonces y tenía muy claro que quería un video de él desde que empecé a componer este disco, así que no lo dudé ni un minuto cuando decidimos que ‘Chicos transparentes’ sería el siguiente sencillo. Aunque el video se ha tenido que posponer debido a la crisis sanitaria, el resultado es una fantasía llena de guiños a la cultura freak marca de la casa Merman, y además, mi video favorito hasta la fecha y en el que más me reconozco».

El propio Merman nos cuenta lo que perseguía con este clip. Las negritas, son nuestras: «Algora me dejó total libertad creativa, y confió en ello desde un principio teniendo en cuenta mi trabajo previo. Al coger el proyecto tuve claro que el video tenía que tener temática ochentera/noventera con toques del cyber 2000 (aunque aborrezco que desde hace unos años el filtro retro o de VHS esté hasta en la sopa en lo que a videocreación se refiere, en este caso por lo menos estaba justificado). Cuando escuché la canción automáticamente relacioné la letra con tecnología y efectos visuales pochos. Eso, unido a que todo lo que hago suele contener un componente esotérico/ritual, me hizo pensar en un «conjuro tecnológico» o en el concepto de «ciencia absurda» de las películas antiguas, en las que un muñeco asesino puede cobrar vida con un hechizo vudú o dos adolescentes pueden dar vida a una mujer con unos ordenadores viejos y una muñeca. Por eso la referencia principal del videoclip es la película ‘La mujer explosiva‘ (John Hughes, 1984). Se rodó a finales de diciembre de 2019 y estaba previsto salir en febrero/marzo, pero a causa del COVID19 la producción del video se paró inevitablemente. Irónicamente, viéndolo con perspectiva, me doy cuenta de que el videoclip es muy pre-COVID, sale Algora chupando cosas«.

Algora llevará a cabo este mismo jueves, 2 de julio, una de las primeras presentaciones en directo de ‘Un extraño entre las rosas’. Será en la Sala Siroco de Madrid y, atendiendo a la nueva normalidad, tendrá un aforo reducido presencial (10 euros) y podrá seguirse en streaming (6 euros). Ambas opciones de entradas están disponibles en Wegow.

Lo mejor del mes:

Ty Dolla $ign junta a Kanye West, FKA twigs, Skrillex y serpentwithfeet en ‘Ego Death’

Por

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1 julio, 2020

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Justo cuando Kanye West acaba de lanzar ‘Wash Us in the Blood’, el single con Travis Scott que avanza su próximo álbum, ‘God’s Country’, el artista aparece involucrado en un tema ajeno. Se trata de ‘Ego Death’ de Ty Dolla $ign, todo un popurrí de géneros en el que además encontramos a la autora del mejor disco de 2019 FKA twigs, a Skrillex y también al maravilloso serpentwithfeet aunque por la portada no lo parezca, pues no lo incluye representado en la animación (su contribución es anecdótica).

La producción de ‘Ego Death’ incorpora ritmos de la música caribeña que recuerdan a algunos temas de Drake y Rihanna (‘Too Good’) y de la música house, así como varios samples como los de ‘You Used to Hold Me‘ de Ralphi Rosario o ‘Free‘ de Ultra Naté. También aparece la conocida rapera y actriz Queen Latifah en la parte de FKA twigs, según Genius.

El lema de ‘Ego Death’ es pronunciado por Ty Dolla $ign al principio de la canción: «la muerte del ego es donde encuentras LA felicidad». Sin embargo, Kanye lleva el tema totalmente a su terreno hablando en su verso sobre «todos esos movimientos (políticos) que necesitan muchísima mejora» y sobre los premios Grammy. Por su parte, el mencionado serpentwithfeet aparece después del verso de Kanye y FKA twigs dedica su verso a la disciplina: «tendrás que sacrificar algo para ser realmente grande». Lógicamente, Skrillex contribuye a las labores de producción.

The Go-Go’s anuncian ‘Club Zero’, su primer single en 19 años

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1 julio, 2020

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The Go-Go’s están de vuelta. Tras el estreno en Sundance hace unos meses de un nuevo documental sobre su carrera, la banda ha anunciado ‘Club Zero’, su primer single en 19 años. ‘God Bless the Go-Go’s’, el último álbum de The Go-Go’s, salió en 2001.

La banda de la que surgió Belinda Carlisle, a la postre autora de una de las mejores canciones de pop de la historia, ‘Heaven is a Place on Earth’, se precia de ser, aun a día de hoy, la única compuesta íntegramente por mujeres que ha alcanzado el número 1 en el Billboard con canciones escritas, interpretadas y tocadas por ellas. Surgidas de la escena punk de Los Ángeles, The Go-Go’s se convirtieron en superestrellas del pop en los 80 tras la edición de su debut de 1981, ‘Beauty and the Beat’, que las llevaron a arrasar en MTV y a protagonizar portadas como la de Rolling Stone. Especialmente sus singles ‘We Got the Beat’ y ‘Our Lips Are Sealed’ fueron sendos éxitos comerciales y siguen siendo muy recordados. En los últimos tiempos, The Go-Go’s han sido claras precursoras de formaciones como Bleached, Hinds, Dream Wife o Nasty Cherry.

Sin nuevo álbum a la vista aparentemente, se sabe que aún queda tiempo para escuchar ‘Club Zero’, una canción producida por The Go-Go’s y compuesta por ellas «mediante diversos intercambios de mails». La canción en cuestión saldrá el 31 de julio, un día antes que el mencionado documental sea estrenado en la televisión americana, en concreto en Showtime. Lo ha dirigido Alison Ellwood.

Jason Derulo, el meme del día, se suma al remix de una canción llamada ‘Coño’

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