La semana agridulce de Demi Lovato: de su canción de socorro a la Super Bowl

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3 febrero, 2020

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Más o menos por sorpresa, Lil Wayne ha publicado un nuevo álbum llamado ‘Funeral’ que no pertenece a su serie ‘Tha Carter’. Son otras 24 canciones que suman más de 1 hora de música en la que caben decenas y decenas y decenas de co-autores, productores e invitados. Están por ahí Big Sean, Adam Levine, Jay Rock, el fallecido XXXTentacion y The-Dream, entre muchísimos otros.

Prácticamente la totalidad del álbum se ha colado en el top 200 de Spotify Estados Unidos, destacando el alcance de ‘I Do It’, que podéis escuchar en nuestra playlist de novedades «Ready for the Weekend». El disco se asegura así el número 1 en álbumes en este país, pues a pesar de que sus ventas son exiguas -serán unas 10.000 o 15.000 unidades a finales de semana-, se sumarán puntos de streamings hasta lo equivalente a 110.000 o 125.000 copias, como informa Hits Daily Double. Muy por detrás quedarán el rapero de Atlanta Russ y Kesha.

La gran curiosidad que deja todo esto es la aparición pública que ha escogido Lil Wayne en la semana de salida del que es su primer disco fuera de la serie ‘Tha Carter’ en cinco años. En la noche de la Super Bowl y una vez terminado el juego, ha decidido pasarse por el programa «The Masked Singer» disfrazado de robot. Allí ha hecho el canelo haciendo una interpretación de ‘Are You Gonna Go My Way’ de Lenny Kravitz, con los jueces del programa apostando a que quien estaba entonándola era Shaun White o Floyd Mayweather. Como informa Pitchfork, Lil Wayne ha dicho que esperaba que a sus hijos sí les gustara este “personaje”.

Muere Ivan Král de Patti Smith Group, co-autor de ‘Dancing Barefoot’

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3 febrero, 2020

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Ivan Král, conocido por haber sido miembro de Patti Smith Group, ha fallecido a los 71 años como consecuencia de un cáncer en su casa de Michigan, según informa su esposa. De origen checo, Ivan era conocido por haber tocado con Blondie a mediados de los 70 y después pasó a formar parte de la banda de Patti Smith como bajista y guitarrista.

Se encargó de ayudar en la composición, y en la producción, y fue co-autor de hecho de una de las canciones más icónicas de finales de los 70 de Patti Smith, la tantas veces versionada ‘Dancing Barefoot’ del disco ‘Wave’ (1979). U2, Pearl Jam, First Aid Kit y Simple Minds están entre los artistas que la incorporaron a su repertorio. Sin embargo, Král había estado presente ya en ‘Horses’ (1975) y en ‘Radio Ethiopia’ (1976). El siguiente disco de Patti Smith no saldría hasta 1988 y ya sería con su nombre en solitario.

Otros artistas con los que Ivan Král trabajó fueron Iggy Pop (en su disco ‘Soldier’ y en ‘Party’) o David Bowie, quien incorporaría a ‘Never Let Me Down’ (1987) el tema ‘Bang Bang’ de ‘Party’. También es conocido su documental ‘The Blank Generation’, que rodado en 1976 hablaba de la escena en Nueva York en aquellos años, filmando a Blondie, Talking Heads o los Ramones. El 28 de febrero se publicará, como estaba previsto, el último disco de Ivan, llamado ‘Smile’.

Shakira y Jennifer Lopez abusan del popurrí en una Super Bowl con más canciones que minutos

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3 febrero, 2020

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Esta noche se ha celebrado la Super Bowl con el clásico intermedio musical, este año a cargo de Shakira y Jennifer Lopez. Ambas han dividido sus 14 minutos totales de tiempo en 2 sets diferentes, culminando juntas en un popurrí entre ‘Let’s Get Loud’ y ‘Waka Waka’.

Popurrí es una buena palabra para definir lo que hemos visto en este tiempo, pues cada una de ellas ha referenciado más canciones de su repertorio que minutos tenían disponibles. Comenzaba Shakira con el movimiento de caderas de ‘She Wolf’ y una corte de bailarinas en un número muy Beyoncé. El cambio a la balada que se transforma en número de rock ‘Empire’ era demasiado brusco, incluyendo músicos de cuerda y una guitarra eléctrica. Pero aún quedaban guiños orientales, el tema en castellano ‘Ojos así’ de ‘Dónde están los ladrones’ (¡1998!), ‘I Like It’ con Bad Bunny entrando por sorpresa mientras Shakira permanecía tirada en el suelo, y trozos y más trozos de ‘Callaíta’ de él, o de ‘Chantaje’ de ella con bailarines-trompetistas, dejando ‘Hips Don’t Lie’ como el «highlight» de su parte, con Shakira tirándose al público.

Jennifer Lopez optaba a continuación por un entorno más urbano: su comienzo recordaba a Madonna en «Confessions» a la salida pero solo para transformarse en un videoclip de Janet Jackson después. ‘Jenny from the Block’, ‘Get Right’, ‘Love Don’t Cost a Thing’ fusionada con ‘Mi gente’ junto a J Balvin, ‘On the Floor’ y la mencionada ‘Let’s Get Loud’ se daban cita en una parte más espectacular con barras de “pole dance” y ese fondo de suelo con cascada, cabiendo hasta un guiño al ‘Born in the USA’ de Bruce Springsteen y a una bandera de Puerto Rico.

Un show entretenido pero que por su condición no genera muchas ganas de reencontrarte con ninguna canción en particular como sí sucedía en la Super Bowl de Lady Gaga, que convertía en hit ‘Million Reasons’. De momento, eso sí, ya encontramos un par de pistas de Shakira resurgiendo en el top 10 de iTunes USA: ‘Whenever Wherever’ y ‘Hips Don’t Lie’.

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‘Nothing Compares 2 U’ de Sinéad O’Connor: 30 años de un inolvidable número 1 mundial

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2 febrero, 2020

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Este jueves 30 de enero se han cumplido 30 años desde que ‘Nothing Compares 2 U’ de Sinéad O’Connor alcanzara el número 1 en Reino Unido. La canción más emblemática de la carrera de Sinéad fue número 1 en otros 12 países, incluido Estados Unidos, y si no fue el mayor éxito de todo el año 1990 a nivel global, se quedó cerca. Como es sabido, era una canción compuesta por Prince, pero como el experto en Prince Michael Howe declaró en su momento: «ninguna canción compuesta por Prince ha alcanzado tanto éxito y ha tenido un impacto cultural tan grande como la grabación de 1990 de Sinead O’Connor».

Aunque pueden ponerse en duda las declaraciones de Howe pues ‘Purple Rain’ es una canción igual de famosa que ‘Nothing Compares 2 U’, la trascendencia de la segunda es innegable tres décadas después, cuando sus escuchas en las plataformas de streaming se cuentan por cientos de millones y cuando la canción sigue siendo radiada incansablemente y versionada por artistas de toda índole: Aretha Franklin cerró con una versión de ‘Nothing Compares 2 U’ su último trabajo de estudio publicado antes de morir, y también Stereophonics, Chris Cornell, Hot Chip o, más recientemente, Anna of the North la han adaptado a su repertorio.

La historia de ‘Nothing Compares 2 U’ es de sobra conocida: Prince la compuso para el debut de 1985 de The Family, una banda de funk creada por él mismo e integrada por St. Paul y Susannah Melvoin, entre otros, que no logró ninguna repercusión. La balada ocupó entonces una modesta pista 6 en aquel disco y fue ignorada por el mundo hasta que, cinco años después, llegó a manos de una joven cantante irlandesa con el pelo rapado que respondía al nombre de Sinéad O’Connor. Ella, gracias a una interpretación vocal leonina y capaz de poner los pelos como escarpias a cualquiera -y todo frente a una letra de desamor clásica que recuerda a un amante que la ha abandonado-, la convirtió en un éxito mundial capaz de merendarse el propio repertorio de la cantante, que nunca ha sido igual de reconocido por el público generalista como esta canción.

Si ‘Nothing Compares 2 U’ era y sigue siendo indisociable de Sinéad O’Connor, el tema era a su vez indisociable de su videoclip. Pocos videoclips tan sumamente simples han sido a su vez tan sumamente memorables, y el de ‘Nothing Compares 2 U’, dirigido por el director de cine británico John Maybury, lo ha sido sin ninguna duda: gracias a él, para siempre un primer plano de un rostro llorando en un videoclip será siempre comparado con el de Sinéad. La cantante declaró en su momento que no pensaba llorar en el vídeo, pero que terminó explotando tras recordar a su madre, fallecida en 1985. En este sentido, seguro que Sinéad no está muy contenta con los homenajes hechos al vídeo por Miley Cyrus (con quien ha tenido sus encuentros) o Natti Natasha.

Pocas cosas pueden decirse ya sobre ‘Nothing Compares 2 U’, pero en 2018 se publicaba oficialmente la versión original de Prince, un documento incalculable para los fans del genio de Minneapolis, que había permanecido inédito durante tres décadas. La canción, publicada después en el recopilatorio ‘Originals‘, no decepcionaba en voz de Prince, pero no nos hacía olvidar la de Sinéad… aunque quizá ya nadie lo esperaba. Tampoco Sinéad la ha olvidado y la ha seguido interpretando en actuaciones tan recientes como la que realizaba en la televisión irlandesa, ya con prenda musulmana tras su conversión al islam. Eso sí, Prince la cantó en directo muchas más veces, con todo el derecho al ser su creación.

Meghan Trainor / Treat Myself

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2 febrero, 2020

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Lejos de ‘All About that Bass’, pero con el alivio de haber esquivado la bala de convertirse en una «one-hit-wonder» gracias al éxito del baladón ‘Like I’m Not Gonna Lose You’ con John Legend o del pepinazo ‘Me Too’, Meghan Trainor publica su tercer disco, ‘Treat Myself’, cuyo lanzamiento suspendió en 2018 por razones comerciales aunque ella hiciera como que no.

A lo largo del último par de años hemos asistido al lanzamiento de varios singles de Meghan Trainor que no han conseguido impactar en las listas de éxitos. Algunos eran difíciles de escuchar, como ‘No Excuses’, pero otros estaban muy bien, como ‘Let You Be Right’. Entre disco y disco, a principios del año pasado, Trainor lanzaba un EP llamado ‘The Love Train‘ que contenía más moñerías marca de la casa pero también un tema muy apañado, ‘All the Ways’, y este tira y afloja entre temazos y cancioncillas azucaradas está muy presente en ‘Treat Myself’ aunque al principio no lo parezca.

Y desde luego no lo parece: el álbum empieza con ‘Wave’, un dulce medio tiempo electropop producido por Mike Sabath, conocido por haber producido ‘Familiar’ de Liam Payne y J Balvin; al que siguen, ojo, el pepinazo de R&B-pop contemporáneo ‘Nice to Meet Ya’, mejorado -como siempre- gracias a la presencia de Nicki Minaj, y ‘Funk’, un corte dance-funk muy bailable y festivo que Bruno Mars habría podido convertir en hit. Sin embargo, el disco enseguida se pierde en cursilerías tipo ‘Babygirl’ («no te rindas todavía, practica la paciencia, este no es tu final, un día lo tendrás todo»), la semi acústica ‘Here to Stay’ o ‘Lie to Me’, que debe haber venido desde 2014, convirtiéndose en otro completamente distinto del que parecía en sus primeros 15 minutos.

‘Treat Myself’ no es un disco cohesionado en este sentido. Más a la manera de «colección de canciones» de un Liam Payne pero con menos hits (al menos en este momento) que de la obra total que de hecho era ‘Title’, el tercer largo de Trainor convence a medias. De la parte cursi hay que destacar la bonita melodía y las armonías de la balada country ‘Workin’ on It’, que habla sobre aprender a aceptar los elogios cuando se es una persona insegura; pero en general donde Trainor despunta es en los «bops». La enérgica ‘Genetics’ con Pussycat Dolls es un adictivo regreso de las segundas mientras ‘React’ permanece inédita, y ‘Evil Twin’ es una graciosa actualización de la música disco más clásica que personaliza las inseguridades de Trainor a través de una «gemela mala» que dice a la «buena» cosas como: «So dehydrated, that crazy bitch / I’ve had enough, so over it». ¿Lo mejor de ‘Treat Myself’? Que contiene un puñadito de temas pop bastante chulos. ¿Lo peor? Que no es tan divertido como aquella nota de prensa de ‘The Love Train’ que nadie sabe cómo pudo ser real.

Clasificación: 5,9/10
Lo mejor: ‘Nice to Meet Ya’, ‘Funk’, ‘Genetics’, ‘Evil Twin’
Te gustará si te gusta: Liam Payne, Rita Ora, Charlie Puth, Aitana
Escúchalo: Spotify

Muere Andy Gill de Gang of Four; Flea, Graham Coxon, El-P… lamentan su pérdida

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2 febrero, 2020

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Andy Gill, guitarrista, fundador y productor de Gang of Four, ha muerto como consecuencia de una enfermedad respiratoria. El grupo formado por él, Jon King, Dave Allen y Hugo Burnham fue uno de los más relevantes del post-punk en la segunda mitad de los 70, publicando discos como el seminal ‘Entertainment!’, que incluía su temazo ‘Damaged Goods’, y tan importantes fueron para el revival post-punk de principios de siglo, con bandas como Franz Ferdinand y Radio 4 a la cabeza: una nueva generación los descubría entonces sin que fueran enormes superventas en su momento. Entre quienes trabajaron con él hay que destacar a Red Hot Chili Peppers (produciendo su debut), The Stranglers, Killing Joke, Therapy? y The Futureheads.

De hecho, entre los artistas que han lamentado su pérdida están Flea de los Red Hot, Mike Mills de R.E.M., Gary Numan, Tom Morello, El-P, Graham Coxon y Primal Scream. Flea ha dicho que es uno de sus guitarristas favoritos de todos los tiempos y ha pedido que recuperemos “’Entertainment’ ahora mismo”, pues es un disco que “cambió su vida para siempre”, siendo decisivo para él como músico.

El comunicado publicado en Twitter por sus compañeros actuales John, Thomas y Tobias dice: “Es muy duro para nosotros escribir esto, pero nuestro gran amigo y líder supremo ha muerto esta noche. La gira final de Andy en noviembre ha sido la única manera de la que podía retirarse, con una Stratocaster alrededor de su cuello, haciéndola gritar con feedback y dejando sorda a la primera fila. Su visión artística intransigente y compromiso con la causa significaron que todavía estaba escuchando mezclas para el próximo disco, mientras planeaba la próxima gira desde la cama del hospital”.

Continúan: “Pero para nosotros, fue nuestro amigo, y le recordaremos con amabilidad y generosidad, así como su inteligencia aterradora, malas bromas, locas historias y tazas de té Darjeeling sin fin. Resultó que también fue un poco genio. Uno de los mejores. Su influencia en la música de guitarras y en el proceso creativo nos ha inspirado, tanto como a cualquiera que trabajara y escuchara su música. Y sus discos y trabajo de producción hablan por sí mismos. Dadles una escucha por él. Te queremos, tío”.

Gang of Four siguieron en activo tras la edición de sus 4 primeros discos a finales de los 70 y principios de los 80, de manera intermitente, sacando álbumes en 1991, 1995, 2011 (‘Content‘), 2015 y finalmente el año pasado, ‘Happy Now’. Desde 2012 y tras la marcha del cantante Jon King, era el único miembro original.

Halsey explora la idea de su propia muerte en la emotiva ‘Ashley’, con guiño a ‘Olvídate de mí’

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2 febrero, 2020

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Culminamos esta semana dedicada a ‘Manic‘ de Halsey como «Disco de la Semana» destacando como Canción del Día uno de sus cortes más poderosos que, quizá inesperadamente, es el que lo abre. Hablo de ‘Ashley’, una canción que, ejemplificando la tónica general de este álbum, va acrecentando su capacidad para cautivar a medida que se escucha. Es una de esas canciones que podría asemejarse a esa tendencia de pop minimalista que Billie Eilish y su hermano FINNEAS han convertido en canon con el debut de esta el pasado año.

Sin embargo, su producción corresponde al íntimo amigo de Ashley Frangipane, benny blanco, y su colaborador frecuente Cashmere Cat (también figura en los créditos Brenton Duvall, que trabajó profusamente con Lil Peep). Lo escueto de sus arreglos es, sea como sea, fascinante. Cómo juega con los silencios y doblando la voz de Halsey, partiendo de una línea de bajo casi inapreciable bajo una preciosista caja de ritmos siseante, que apenas se crece cuando Halsey libera ese precioso gancho enrabietado que alude a su pasado como chica emo, que ya desgranábamos en este artículo sobre discos que han influido sobre este trabajo.

‘Manic’ es un disco profundamente íntimo y personal de Halsey, y como tal no elude el trastorno bipolar que padece. De hecho, el punto de partida lírico del disco es transformar esa enfermedad en arte, como la expresión de un tercer ente que existe entre Halsey, la artista, y Ashley Frangipane, la persona. «A veces estoy en la cima del mundo y nunca me he sentido mejor en mi vida. Otros días estoy en plan «si sigo haciendo esto, voy a morir»», decía la artista a Zane Lowe días atrás en una extensa entrevista sobre el álbum, particularmente hablando sobre ‘Ashley’. Algo que la hace, explicaba, ser más consciente de su propia muerte. «(‘Ashley’) es una introducción, pero también un «adiós» encubierto», añadía. «Explora cómo mi música afectaría a mis fans si hubiera «desaparecido»».

Como prácticamente todo en ‘Manic’, esto se acomete de manera muy directa en una de las letras más bonitas y claras del disco. Curiosamente, el estribillo repite su melodía, pero no su letra, que forma parte de una narración que se enlaza de manera fascinante. Mientras en el primero dice «Algún día, cuando estalle en llamas, te dejaré las cenizas, mi amor / Espero que un poco de eso sea suficiente para recordar los / días en los que llegamos hasta aquí / Te avisé de que escupiría mis entrañas, te dejo limpiándolo / Voy a explotar…»; en el segundo canta «Vale, interpreto esto al margen de mi corazón que late / Es sólo un músculo, pero no lo bastante fuerte para soportar el / peso de las decisiones que he tomado / Te dije que podría manejarlo / pero cada día es más difícil / Estoy explotando hacia mi interior».

La canción termina con una outro en la que escuchamos una voz femenina que dice algo así como «demasiados tíos piensan que soy un concepto, o que les completo, o que les voy a mantener con vida. Sólo soy una chica jodida que busca mi propia paz mental, no me atribuyas la tuya». Quizá os suene, porque es un fragmento de diálogo de Kate Winslett en ‘Olvídate de mí’ de Michel Gondry. No es aleatorio: en una entrevista a Rolling Stone Halsey reveló que es una de las películas que más la han marcado en su vida. Y, de hecho, el personaje de Winslet, Clementine, da nombre a la canción que sucede a ‘Ashley’ en la secuencia de ‘Manic’.

¿Puede ‘Universo’, al menos, salvar los muebles para España en Eurovisión?

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1 febrero, 2020

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Parte de la redacción evalúa ‘Universo’, la canción con la que Blas Cantó representará a España en Eurovisión:

«En su caza de algo pegadizo y que se recuerde de manera instantánea, como ha de ser en Eurovisión, los diversos autores de ‘Universo’ se han olvidado de hacer una buena canción. Todo suena forzado y obligado en este tema que Blas Cantó -siempre tan majete por otro lado- escribió «en un momento de [su] vida en el que probablemente, en un acto de cobardía, no [alzó su] voz». Le acompañan en las tareas de co-autoría y producción nombres como Dan Hammond (Carlos Sadness), su colaborador habitual Dangelo Ortega, Maciej Mikolaj Trybulec (canción checa de Eurovisión 2019) y Ashley Hicklin (canción lituana de Eurovisión 2019). Todo ello para sonar a una mezcla de ‘Lo malo’ y cualquier canción en la playlist de tu emisora favorita… en 2017, y además cursi. Voy a ponerme ‘Soldi'». Sebas E. Alonso.

«2020 tampoco será el año en que España gane Eurovisión. No con este hit de laboratorio armado a lo Frankenstein con cuerdas ufanas, ritmos tropicales y un estribillo a coro tipo Coldplay que no puede sonar más desesperado… y aún apegado al mito de la supuesta «canción eurovisiva». Lo único bueno en todo esto es la interpretación vocal de Blas Cantó, que canta maravillosamente, y él mismo se encarga de estropearla cuando lleva el tema a su clímax con un falsete rompecristales que nadie necesitaba. Y si «perdóname, perdóname, uni-universo» no es uno de los peores ganchos melódicos que se han hecho en los últimos tiempos, no sé qué puede ser». Jordi Bardají

«La década de los 2010 no fue especialmente buena en cuanto a la calidad de las canciones representantes de España en Eurovisión (exceptuando ‘Quédate conmigo’, ‘Dancing in the Rain’ y, pese a su posición, ‘Say Yay!’). Así que me ha extrañado que las reacciones ante ‘Universo’, la primera de esta nueva década, hayan sido tan negativas: vale que no es ninguna de las tres mencionadas, pero tampoco es un ‘Do It for Your Lover’, ‘Contigo hasta el final’ o ni siquiera ‘Amanecer’. Me parece que el tema es correcto para lo que se pretende, que no es ganar, sino quedar en una posición medio-decente. ‘Universo’ tiene los ingredientes adecuados para ello: en el año en que el lema es «Open Up», Blas Cantó lamenta haber estado escondido y no haber alzado la voz ante ciertos asuntos (el trasfondo parece obvio), pero también tiene un toque autoafirmativo al alegrarse de que ya sí es capaz de hacerlo. Todo esto con su tropical pop, que no falte, y su punto épico, aprovechando la habilidad de Cantó para los agudos. No es maravillosa, pero venimos de una diabetes y de «lo que ereh»: esto puede, al menos, salvar los muebles». Pablo N. Tocino.

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El zasca de Ellie Goulding al cantante de The 1975

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1 febrero, 2020

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Siempre es interesante escuchar hablar a Matthew Healy de The 1975 pues suele ser bastante deslenguado y crítico con el indie y los prejuicios de la prensa musical. Ligeramente traumatizado, incluye frases de «haters» como fondo en sus conciertos. Sin embargo, esta vez parece haber metido la pata.

En entrevista con Beat Magazine se ha venido arriba y hablando, con mucha razón por otro lado, de que la gente «ya no compra discos» y de que el éxito es «salir en una playlist de pop», ha tenido la mala idea de poner como ejemplo a Ellie Goulding, indicando que hoy en día se habla más de «estilos de vida» que de álbumes. «La gente escucha a Ellie Goulding en el gimnasio o se la pone en playlists», ha dicho aparentemente con cierto desprecio (¿o será envidia?).

Como recoge el NME, Ellie Goulding ha contestado a través de su Stories recordando a Matthew que tiene «3 discos multiplatino», diciendo algo así como: «Tengo 3 discos multiplatino, así que creo que la gente ha invertido bastante en mí, pero venga, vale». Ellie se refiere al gran éxito de sus dos primeros álbumes, ‘Lights’ y ‘Halcyon’, que fueron ciertamente multiplatino en Reino Unido, despachando más de un millón de copias en todo el mundo. En cuanto al multiplatino de ‘Delirium’, es cierto que hay que irse a Polonia y Noruega para buscarlo, puesto que “solo” fue platino en Reino Unido; pero en cualquier caso, está claro que Ellie es más una artista de álbumes de lo que Matthew (y mucha gente) cree.

En cuanto a The 1975, su primer disco fue doble platino en Reino Unido, el segundo platino y el tercero disco de oro. El cuarto de ambos artistas, está en camino.

J Balvin busca igualar el éxito de ‘Vibras’ con ‘Colores’, disponible el mes que viene

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1 febrero, 2020

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El «no poder parar de crear» de J Balvin no se ciñe a singles propios y colaboraciones con gente como Black Eyed Peas, con quien ahora arrasa merecidamente o no con el tema ‘Ritmo’. El artista colombiano sigue enganchado al estudio de grabación y estos días culmina el que será su tercer disco en menos de 2 años: ‘Vibras‘ salía a mediados de 2018 y ‘Oasis’ con Bad Bunny a mediados del año pasado.

Rolling Stone informa de que el nuevo disco de J Balvin recibe el nombre de ‘Colores’ y estará disponible en el mercado tan pronto como el próximo mes, en marzo. A nadie va a terminar de sorprender la noticia, pues estaba bastante claro que J Balvin manejaba un disco conceptual sobre colores tras haber lanzado los sencillos ‘Blanco’ y ‘Morado’, que no han repetido el éxito de ‘Mi gente’ pero no están funcionando nada mal: ambos siguen estables en el top 100 del global de Spotify y en el top 10 oficial en España: en nuestro país ‘Morado’ sube estos días al puesto 4 y ‘Blanco’ baja al puesto 8 en su décima semana.

La revista americana informa de que del artwork de colores se encargará Takashi Murakami y que a los mandos de la producción estará tan solo un productor, Sky. Parece, por tanto, que J Balvin busca claramente un sentido unitario, quizá inspirado por ‘El mal querer’ de su amiga Rosalía, que acaba de dejarle sin Grammy al mejor disco de urban latino, al que aspiraba con el notable ‘Oasis’.

‘Guilty Conscience’ de 070 Shake es una dura denuncia de la masculinidad tóxica con un precioso envoltorio

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1 febrero, 2020

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Este sábado 1 de febrero en la Sala Apolo será la segunda vez en un año que 070 Shake actúe en Barcelona, después de que formara parte del cartel del Primavera Sound 2019, dejando una magnífica impresión. Ahora lo hace con su debut bajo el brazo, un ‘Modus Vivendi‘ producido y publicado después de su aventura en el equipo de Kanye West para aquellos discos que publicó en 2018 y que muestra a una artista mucho más ambiciosa y abierta a otros géneros de lo que apuntaban sus primeros singles y EP.

Una de las mejores muestras de esa apertura de miras y voluntad de acaparar nuevos públicos es ‘Guilty Conscience’, último de los avances presentados antes de la publicación del disco y, para mí, su mejor canción hasta la fecha. Musicalmente, contrapone unos sintetizadores retro –casi parece una BSO de John Hughes– con una base de hip hop bastante potente, al más puro estilo del The Weeknd de ‘Starboy’. A diferencia de la mayoría del disco, en el que han intervenido Mike Dean y Dave Hamelin (The Stills), está producida por Myles William, reconocido beatmaker del mundo del rap en cuyo currículo destaca su participación en ‘Freedom’ de Beyoncé y ‘Like Home’ de Eminem.

Sin embargo, lo más destacado de ‘Guilty Conscience’ es la preciosa línea vocal de Danielle Balbuena –como siempre, envuelta en filtros–, especialmente su brillante estribillo. De manera curiosa, los créditos de la canción ceden parte de la autoría a Ben E. King, Jerry Leiber y Mike Stoler, intérprete y productores respectivamente del clásico por antonomasia ‘Stand By Me‘. La razón no es en realidad ningún sampler, sino la similitud/homenaje de la primera frase del segundo verso –ese «No, I won’t let you stay»–. Quizá no es demasiado evidente ni, al no superar apenas 2 segundos, hubiera sido constitutivo de falta. Pero 070 Shake y su equipo parecen haber preferido curarse en salud.

Una de las cosas más chocantes de ‘Guilty Conscience’ es que su precioso envoltorio musical contrasta con una letra en la que el narrador confirma las sospechas de infidelidad expuestas en ‘The Pines’. «Eran las 5AM cuando entré, no podía creer lo que vi: tú sobre el cuerpo de otro. / Fantasmas del pasado vinieron a acecharme / te pillé pero tú a mí no / Estaba sentado aquí esperando al karma /por ahí va mi conciencia culpable», dice su estribillo explícitamente. Ese texto podría narrar una experiencia personal de Balbuena, pero no necesariamente. Porque, según señala su vídeo oficial, en este tema 070 Shake pretende denunciar cómo la masculinidad más tóxica terminan pesando sobre toda la sociedad.

Así lo expone Dani Moon (otro alias) en un texto que puede leerse al comienzo del violento clip dirigido por Lauren Dunn y protagonizado por ella misma: «Aunque no soy un chico, quería interpretar a un chico roto, cómo maneja la tristeza cuando no se le permite llorar. Desde pequeño, un chico debe crear una coraza que le proteja de sus propias emociones. Pero cuando ese caparazón se resquebraja, crea una intensa (sic) cantidad de vulnerabilidad. Cuando el chico debe reponer la coraza con acciones que hagan parecer que nunca se rompió, él repone esa protección con ego, deseo y orgullo».

Lo mejor del mes:

Fat White Family / Serfs Up

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1 febrero, 2020

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Han pasado nueve meses desde que Fat White Family publicaran su tercer disco ‘Serfs Up’, pero el desarrollo de su gira hispano-francesa en los próximos días –2 de febrero, Sala Atabal de Biarritz; 6 de febrero, Sala But de Madrid; 7 de febrero, La Rambleta de Valencia; y 8 de febrero, Sala Apolo de Barcelona– es una excusa tan buena como cualquier otra para recuperarlo. Sobre todo porque, más allá de que Sleaford Mods definan al septeto como «un grupo de versiones de Moby», es un gran disco, el mejor de los tres que han publicado hasta la fecha.

Y es que el kraut rock abrasivo de ‘Songs of Our Mother’ y el ruidismo destartalado de ‘Champagne Holocaust’, como un reflejo de sus caóticos directos, dieron lugar a discos excesivamente irregulares. Algo que no sucede –o no tanto– con este ‘Serfs Up’, que ha supuesto el enésimo cambio de formación del grupo de los hermanos Saoudi y Saul Adamczewski y, sobre todo, su alejamiento de las drogas duras y su espiral autodestructiva –básicamente, mudándose de Londres a Sheffield–. Esto parece haber supuesto que el grupo haya ampliado su paleta sonora a estilos antes insospechados o que, si emergían, lo hacían tan emponzoñados que resultaban irreconocibles y no demasiado atractivos.

Así, por ejemplo, el corte que abre el álbum, ‘Feet‘, lo hace con los ecos de kraut y after-punk que siempre estaban presentes en su anterior entrega, pero a la vez con una insospechada introducción de arreglos y patrones de música disco que resultan realmente frescos. El bajo funk que preside ‘Fringe Runner’, las guitarras glam de ‘Tastes Good With the Money‘, el boogie electrónico de ‘When I Leave‘ o los suntuosos coros y arreglos de cuerda en la casi reggae ‘Rock Fishes’ son otros de esos singulares aditivos.

En ese tránsito hay momentos de embeleso alucinógeno, como ‘Oh Sebastian’ o ‘Vagina Dentata’, si bien cuando se pasan de narcotizados resultan casi desasosegantes –’Kim’s Sunsets’, ‘Bobby’s Boyfriend’. Aunque eso no resulta tan incómodo como unas letras algo vacuas que, con sus citas a Woody Allen, Gigi Hadid o versos como «Bobby’s boyfriend is a prostitute», parecen buscar la misma provocación gratuita y supuestamente cómica de ese título-homenaje a los Beach Boys. Pero lo importante de ‘Serfs Up’ es que, aludiendo de una forma muy libre a iconos como Leonard Cohen, Marc Bolan, Lee Hazlewood, Bryan Ferry o Alan Vega, la singularidad de Fat White Family se aleja de ser una moda y se alinea con la necesaria saga de bichos raros británicos en la que se incluyen The Beta Band, Baxter Dury o Super Furry Animals.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Feet’, ‘Tastes Good With the Money’, ‘I Believe In Something Better’, ‘Fringe Runner’, ‘Rock Fishes’
Te gustará si te gustan: The Beta Band, Baxter Dury, Super Furry Animals
Escúchalo: Spotify.

Nicki Minaj se pasa por la colorida oficina de Meghan Trainor en homenaje a ‘Armas de mujer’

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1 febrero, 2020

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Meghan Trainor ha publicado este viernes su nuevo disco, que recibe el nombre de ‘Treat Myself’. El disco venía presentado por singles como ‘No Excuses’ y ‘Wave’, que han pasado desapercibidos: lo máximo que ha logrado alguno de ellos -en concreto el primero- es un top 46 en Estados Unidos y un top 70 en Reino Unido.

El nuevo intento de Meghan para dar notoriedad a su álbum es un número de urban llamado ‘Nice to Meet Ya’ en el que la artista invitada es la otrora omnipresente Nicki Minaj, últimamente más callada de lo normal.

El vídeo de ‘Nice to Meet Ya’ se sitúa en una oficina con más colorines que una tienda de gominolas, y aunque en un primer momento parece que la “jefa”, en concreto “the boss bitch”, no ha tenido tiempo de pasarse por el set, hay buenas noticias al final. El videoclip ha sido dirigido por Matthew Cullen (Katy Perry, Black Eyed Peas, Weezer) a partir de una idea de Meghan Trainor, y como informa Rolling Stone, está abiertamente inspirado en la mítica ‘Armas de mujer’ (1988), puesto que es una de las películas favoritas de Meghan. Todo ello a pesar de que cuando la peli se estrenó, faltaban 5 años para que naciera. Publicaremos nuestra crítica de ‘Treat Myself’ mañana domingo.

Pet Shop Boys mantienen su gafe en las listas británicas y se quedan sin top 1

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1 febrero, 2020

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Duele comprobar que Pet Shop Boys, con 14 discos a sus espaldas -unos mejores y otros peores, pero todos interesantes– y varios recopilatorios, han sido número 1 una única vez en la lista de álbumes británica. Aunque lograron el triple platino con su segundo álbum ‘Actually’ (1987) y el doble platino con ‘Introspective’ (su mejor disco para nuestra redacción), el único álbum que ha sido capaz de liderar las listas fue ‘Very’ en 1993, animado por la buena acogida de ‘Can You Forgive Her?’ y ‘Go West’, y de los discos anteriores.

La historia se repite ahora, cuando su nuevo álbum ‘Hotspot’ ha perdido el top 1 a lo largo de la semana. Pet Shop Boys comenzaban liderando la tabla tras haber vendido 12.500 unidades durante el fin de semana, más de 3.000 por encima del número 2. Sin embargo, gracias al streaming -y a la calidad de su álbum-, J Hus finalmente les ha adelantado de lunes a jueves y de hecho ‘Hotspot’ ha tenido que conformarse con la tercera plaza, también por detrás de ‘Music to Be Murdered By’ de Eminem.

Como curiosidad, de las 16.768 copias vendidas por ‘Hotspot’ en Reino Unido, 11.744 han sido CD’s, 2.146 han sido descargas tipo iTunes, 1.773 han sido vinilos, 407 han sido cassettes y únicamente 698 han sido puntos de streaming. La buena noticia es que la OCC confirma que este es el 14º top 10 del dúo en Reino Unido, es decir, van 14 de 14.

¿Qué impidió a algunos de sus discos más célebres ser número 1? ‘Actually’ fue top 2 por detrás de ‘Bad’ de Michael Jackson, ‘Introspective’ fue top 2 por detrás de ‘Rattle and Hum’ de U2 y ‘Behaviour’ fue top 2 por detrás de ’The Rhythm of the Saints’ de Paul Simon. Os dejamos con el vídeo de ‘Monkey Business’, una fiesta de marineros y drags en la que no falta el propio dúo. Pet Shop Boys actúan en Mallorca Live y Bilbao BBK Live.

Ginebras: «Es triste que haya tan pocas bandas de mujeres»

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1 febrero, 2020

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Ginebras han logrado consolidarse como banda revelación gracias a lo que suele ser habitual en estos casos: la consecución de un hit con identidad propia. En ese sentido ‘La típica canción’, aue anticipaba su primer EP, es prácticamente un himno generacional que defiende la diversidad de gustos. Magüi, Sandra, Raquel y Juls no paran de tocar en directo («tenemos mono de tocar todo el rato») y su próxima cita es en el Lovesick Club de hoy sábado 1 de febrero en Razzmatazz, Barcelona. Aguarda una larga gira de conciertos, entre los que ya se conocen estas fechas: el 8 de febrero en Zaragoza, el día 15 en Valencia, y el 22 en Murcia. El 14 de marzo estarán en A Coruña, y el 25 de abril en Granada. Entre los festivales que ya se han apuntado el tanto de contar con ellas, están el Low, el Mallorca Live y el Cooltural de Almería.

En los últimos meses habéis dado bastantes conciertos, tocando en Madrid cada muy poquitas semanas, ¿qué balance hacéis de los 4 últimos meses?
Está siendo todo una locura. Nos encanta tocar en directo porque nos lo pasamos como enanas en el escenario y si el feedback es positivo, como el que estamos teniendo, ¿qué más podemos pedir? ¡Tenemos mono de tocar todo el rato!

¿Algún momento en particular que para vosotras haya supuesto un punto de inflexión?
Tomar la decisión de con qué agencia/discográfica irnos fue bastante clave, luego Vanana y Golden nos lo pusieron muy fácil y todo salió rodado. Aunque si tenemos que destacar un momento de estos últimos meses, destacaríamos el concierto en la Maravillas el 7 de noviembre. El público de aquel día lo vamos a tener grabado en la retina de por vida.

Habéis caído en gracia en 3 playlists clave de Spotify, ¿estas cosas sirven realmente para llenar conciertos o la gente las usa como música de fondo?
Yo siempre creo que esas listas son para dos tipos de personas: para los que les gusta mucho un género y les da igual lo que les pongas que van a disfrutarlas; y para los que tienen ansia de descubrir música nueva todo el rato. Y ya nos han venido varios de este segundo grupo diciendo que nos han descubierto gracias a playlist como «Radar Indie» o «Todo Indie», así que ¡GRACIAS, SPOTIFY!

¿Qué canciones o grupos podrían haber cabido en ‘La típica canción’ pero no pudo ser por espacio, métrica o rima?
Lo grupos que salen salieron solos porque estamos hablando de nuestros amigos y son sus gustos de verdad. Y respecto a la métrica o rima ya iréis comprobando que no es nuestro fuerte, preferimos centrarnos en el contenido que en la forma. Pero trabajaremos duro para mejorarlo.

El vídeo ha quedado muy simpático, ¿qué anécdota podéis contar de su rodaje? ¿Por ejemplo, cómo es que Alberto de Miss Caffeina se prestó a colaborar?
Pues por ejemplo que la escena final de ‘Jurassic Park’ la grabamos a las 8 de la mañana y Sandra en lugar de fingir que se bebía un trago de ginebra lo hizo de verdad, y tuvimos que hacer unas cuantas tomas, imagínate… Y lo de Alberto fue que los directores del videoclip, los de Villa Valencia, lo conocían de otro rodaje, y al ver que nuestra letra nombraba a un Alberto y justo este amigo nuestro no podía venir al rodaje, nos lo propusieron, ¡¡menudo sustituto!! Jajaja. Nosotras desgraciadamente no lo pudimos conocer en el rodaje, nos dio mucha pena, pero más tarde hemos coincidido con él y es lo más.

Después de las versiones de Bad Bunny de Parrots o de Cariño de C. Tangana, ¿lo de versionar una canción de urban por parte de un grupo más bien rock, es tendencia, una moda, o algo que está aquí ya para quedarse para siempre porque ya está todo conectado?
Lo que creemos nosotras es que es una manera muy divertida de hacer versiones, lo que es coger algo que no tiene nada que ver con nuestro rollo pero que se lleva y llevárnoslo a nuestro terreno. Además cada vez los géneros se fusionan más, seguro que esto va a más… No es “copiarse” o “unirse a la moda” creo que lo hemos hecho varixs porque mola simplemente.

En vuestra lista de influencias del presskit hay tanto grupos de chicos (Oasis) como chicas (Little Mix) como mixtos (ABBA). ¿Estáis sintiendo cierto machismo por ser comparadas sobre todo con otros grupos de chicas, os parece normal por las voces o estáis siendo comparadas con un poco de todo, realmente?
A ver, la comparación es inevitable, porque es lo que le nace a todo el mundo cuando descubre un grupo nuevo, nuestro cerebro tiende a buscar parecidos a cosas que nos resultan familiares. Lo que es triste es que haya tan pocas bandas de mujeres en relación a las que hay de hombres, que nos comparan con otros grupos de tías sólo por eso, por ser tías, aunque no tengamos nada que ver, pero bueno, tampoco nos molesta, simplemente que ojalá que esto en un futuro no pase, y que nosotras hayamos aportado un granito de arena a ello. Y si nos comparan con bandas que admiramos, pues ni tan mal.

«Cada vez los géneros se fusionan más, y seguro que esto va a más»

Recientemente hemos tenido que cambiar el nombre de la batería de una noticia, ¿por qué hay tanta movilidad en el underground español?
Bueno pues supongo que ahora mismo hay tanta escena y tanta gente que toca que es inevitable que haya este movimiento. Además, es súper difícil conseguir que encajen todas las personas que conforman una banda, que se encuentren en un mismo momento y que se puedan comprometer, es como cualquier otro tipo de relación…

Estáis confirmadas en un montón de festis, ¿qué os emociona más, llegar a estos espacios tan grandes y famosos como el Low o esta gira de salas?
A ver… siempre hemos dicho que queremos hacer música que haga saltar y bailar. Entonces, eso intentamos hacer en ambos sitios. Pero somos muy festivaleras, es decir antes de estas confirmaciones a todas nos ha flipado ir a algún festival y estar ahora confirmadas en festivales a los cuales o hemos ido o hemos deseado ir de público y poder tocar en ellos es una gozada y encima compartir escenario con músicos tan guays. Pero que también vienen muy bien las salitas, el calor del público pegado a ti y el buen underground que nos gusta.

«Lo mejor de todo es que ninguna somos muy aficionadas a la ginebra, somos muy cerveceras»

¿Coincidís en la marca de Ginebra favorita? ¿Qué haríais si sois, yo qué sé, de Seagram’s o Tanqueray, y Larios os patrocina una gira?
Lo mejor de todo es que ninguna somos muy aficionadas a la ginebra, somos muy cerveceras. Sí que hemos probado las tres, pero nuestro paladar no se decanta por ninguna, lo importante es que haga su función, jajaja. Igualmente todo patrocinador es bien recibido, hay pocas cosas que no nos gusten.

Precisamente Tanqueray ha salido en un montón de letras: Amy Winehouse, 2Pac, Madonna… ¿creéis que surge de manera natural o es product placement?
Nosotras también nombramos muchas marcas, personas de moda, cosas virales, en fin, referencias que nos salen solas. No sé si detrás de esos artistas existe algo más allá, pero desde luego a nosotras nos sale solo el nombrar todas estas referencias, si nos pagasen, seríamos ricas.

¿Qué será lo siguiente? ¿Canción suelta, EP o disco ya a la vista?Solo decir que este año ya hemos pasado por el estudio de Pau Paredes, nuestro productor y escucharemos cosas prontito. Se nos va mucho la lengua todo el rato, sobre todo por redes sociales, ahora solo queda esperar a que alguna de nosotras la líe y filtre algo. Jajaja.

¿Podemos esperar grandes giros de sonido en cuanto a producción o lo que hemos oído en ’10:36′ por el momento define bastante vuestro estilo?
No, no, de momento seguiremos con nuestra esencia ginebril. Pero alguna que otra sorpresa inesperada os llevaréis.

Escucha lo nuevo de Destroyer, María José Llergo, Caribou, Kesha, Single, Morrissey, Mon Laferte, Incubus…

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31 enero, 2020

La primera semana de febrero de 2020 está marcada en el plano comercial –en teoría, al menos– por la publicación de los nuevos álbumes de Kesha, Meghan Trainor y el ex-One Direction Louis Tomlinson, sumados –sobre todo en el mercado estadounidense– a un álbum sorpresa publicado por Lil Wayne. En un ámbito más alternativo (e interesante para algunos de nosotros/vosotros), los lanzamientos más significativos de la semana serían el nuevo álbum de Dan Bejar como Destroyer y el EP debut de María José Llergo, además de los nuevos discos de Dan Deacon, Blossoms, Torres, Poliça, Drive-By Truckers, Squarepusher y Ben Watt, además de EPs de Wild Nothing y Nicola Cruz. En el mundo alternativo español, se han publicado discos de Polock, Izaro, Los Mejillones Tigre, Ecoband, María Laín y Sienna.

Hemos comenzado el día descubriendo el nuevo single con aspiraciones de hit de Dua Lipa, a los que se suman nuevos temas de Incubus, Morrissey, Daddy Yankee & Sech, DMA’s, Hayley Williams, Noel Gallagher’s High Flying Birds, Single, Greg Dulli, Monterrosa, The New Raemon, H.E.R., Little Dragon, Ilegales, Monarchy, Amber Mark, Víctor Coyote, Allie X, Niños Mutantes, Anna Calvi ft. Courtney Barnett, Hard GZ, Mow, Yung Beef, Lisasinson, Chico Blanco, Rumer, Trepàt, DAWN, Declan McKenna y muchos más.

No faltan el tema con el que Blas Cantó representará a España en Eurovisión y descartes/inéditos de los últimos y fantásticos trabajos de Kate Tempest y Tyler, the Creator. Además, hoy se publica un álbum en directo y acústico de Mon Laferte, una canción exclusiva para el documental de Taylor Swift que hoy estrena Netflix y otro tema para la BSO de la película del Universo DC ‘Birds of PRey’ –en este caso, un tema de Saweetie & GALXARA–.

Y por último, no olvidamos los temas que en los últimos días han venido presentando Gorillaz, Justin Bieber, Triángulo de Amor Bizarro, Demi Lovato, Hidrogenesse o Austra.

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En diagonal: ‘High Road’ de Kesha divide en primera instancia a sus seguidores

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31 enero, 2020

‘High Road’, lo nuevo de Kesha, llega al mercado tres semanas más tarde de lo previsto y sin que ninguno de sus singles de presentación, de la gran apuesta de ‘Raising Hell’ a la baladita con Brian Wilson y Sturgill Simpson ‘Resentment’, hayan hecho demasiado ruido.

En primera escucha, el disco co-producido sobre todo por Stint, Stuart Crichton y Drew Pearson, es un compendio de influencias mostrando los diferentes lados de Kesha excepto quizá el más punky. Hay alguna guitarra que podríamos decir influida por Red Hot Chili Peppers, pero la canción ‘Honey’ es un medio tiempo más cercano al R&B de TLC o Lauryn Hill. Hay baladitas intensas como ‘Shadow’, temas al ukelele como ‘Cowboy Blues’, y también retazos urban como ‘Kinky’, en la estela de ‘Fancy’; así como canciones destartaladas y circenses como su propio título, como es el caso de ‘Potato Song’. Llaman especialmente la atención ‘Birthday Suit’, a medio camino entre Lily Allen y el J-Pop gracias a ese sonido Nintendo; y ‘BFF’, una cucada con Wrabel (que parece Adam Levine), en la que ella canta sobre los nervios pre-Grammys.

Pese a que el disco comienza su andadura en Metacritic por encima del 7 sobre 10, el álbum no parece estar entusiasmando al público demasiado de primeras. Hay en nuestro foro de Kesha quien se niega a oírlo, también quien lo defiende y quien lo critica. Victornoe opina: “High Road terminó siendo mejor de lo que esperaba. El title track, Shadow, Honey y Cowboy Blues es una GRAN secuencia. Luego decae hasta que aparece Potato Song, que es Rich White Straight Men 2.0′. En el lado contrario tenemos a Apoarttc: “No he podido ni terminarlo. Me ha parecido un coñazo y se me estaba haciendo larguísimo. Todo lo rescatable que tiene ya lo hizo mucho mejor en el Rainbow, que al final le quedó un disco bien chulo. Esto no hay por dónde cogerlo».

En Popjustice también hay opiniones en ambos extremos. Hay quien afirma «The Potato Song me lo está dando todo», otro usuario dice «Kinky describe mi relación actual así que dejadme pasar la introducción y disfrutar un poquito». Tiene cierta gracia el comentario que dice que «mucho de esto suena como un disco de Macklemore de 2014», y algo menos de imaginación quien concluye «las primeras 5 canciones son basura». Entre quejas sobre más y más canciones sobre «haters», hay quien reprocha: «¿os estáis obligando a que no os gusten las canciones para tener algo que escribir? ¿como un complejo periodístico o algo así? Personalmente me ha llevado 3 escuchas entrar en él». Y quien equilibra: «¿es una obra maestra? No ¿Es un disco divertido y alegre, con corazón y canciones decentes en él?». Sí».

Tracey Thorn se reconcilia con Madonna, que cancela 3 de sus 15 conciertos en Londres

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31 enero, 2020

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Tracey Thorn ha escrito una crónica de la gira de ‘Madame X’ de Madonna, que actualmente puede verse en Londres, en la que aprovecha para repasar el modo en que su opinión sobre ella ha cambiado con los años. La crónica empieza recordando la caída de Madonna en los Brits de 2015 y lo rápidamente que la artista resolvió la situación, a lo que Thorn añade: «yo misma me caí hace poco de una escalera y, mientras permanecía tirada, encogida en posición fetal y cagándome en todo, la imagen de Madonna me vino a la mente».

La autora de ‘Record‘ relata que hubo un tiempo en que no le gustaba «totalmente» Madonna por varias razones. Cita su sexualidad, que le llegó a fascinar y a aterrar a partes iguales sobre todo en comparación con el «estilo indie puritano» de Everything But the Girl (ambas fueron compañeras de sello), que al lado de Madonna parecía «pasado de moda» y, de hecho, «puritano». Dice que, visto ahora, lo que sentía en realidad era «envidia» por la autora de ‘Like a Prayer’. Y también cita su voz, que antes no le encantaba pero que hoy considera un «gran instrumento capaz de brillar en los arreglos más densos, de dominar cualquier pista de baile y de destacar en cualquier radio». Con todo, Tracey ha terminado encontrando en Madonna a una «modelo a seguir» igual de «rebelde» y «determinada» que muchas de las artistas a las que sí admiraba abiertamente a finales de los años 70, iconos como Patti Smith o Siouxie Sioux a las que ella llama sus «heroínas punk de pelo oscuro».

Sobre el concierto de ‘Madame X’, Thorn escribe que es una «especie de musical art-pop del West End» que le recuerda a las «películas y videoclips pop dirigidos por Derek Jarman». En este sentido, afirma que el concierto «no teme ser grandioso, o incluso pretencioso, porque sabe que el mejor pop es lo suficientemente fuerte como para aguantar el peso de ambas cosas sin caerse». En concreto destaca la «conmovedora» adaptación de ‘Frozen’ y la fuerte determinación de ‘Future’, cuya frase «no me digas que pare» ella interpreta dirigida a los hombres. Y en este sentido hace su apunte final Thorn, escribiendo que, con ‘Madame X’, ha vuelto a ver a Madonna «haciendo todo lo que las estrellas del pop masculinas hacen pero del revés, con tacones y mejor».

La gira de Madonna ha obtenido a su paso por Londres las 5 estrellas de NME, BBC, Attitude o The Telegraph, y las 4 del prestigioso crítico de The Guardian Alexis Petridis. Sin embargo, Madonna ha informado de la cancelación de algunos de los 15 shows debido a sus lesiones de rodilla y cadera, reconociendo que está recibiendo 3 horas de rehabilitación antes y después de cada show, y que está teniendo que adaptar el espectáculo. Tras cancelar el primero de los conciertos, caen los del 4 y el 11 de febrero para evitar que la cantante actúe 3 días consecutivos. Aguardan también otras 14 fechas en París, con 3 conciertos consecutivos entre los días 25 y 27 de febrero, con los que se desconoce qué pasará.

‘Diamantes en bruto (Uncut Gems)’: Adam Sandler brilla en esta gema de Netflix olvidada en los Oscar

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Joric

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31 enero, 2020

Los hermanos Ben y Joshua Safdie no han tenido mucha suerte con la distribución española de sus películas. No se ha estrenado ninguna en salas comerciales. La primera, ‘Go Get Some Rosemary’ (2009), se pudo ver en el festival de Gijón. Eran los tiempos del mumblecore, un movimiento que alumbró a algunos de los directores más interesantes de la actualidad: Barry Jenkins (‘Moonlight’, ‘El blues de Beale Street’), los hermanos Duplass (‘Cyrus’, ‘Togetherness’), Greta Gerwig (‘Lady Bird’, ‘Mujercitas’)… El propio Joshua Safdie debutó en solitario con uno de los mejores títulos de esta corriente: ‘The Pleasure of Being Robbed’ (2008), disponible en Filmin.

La segunda película que rodaron juntos, ‘Heaven Knows What’ (2014), se pudo ver en el festival de Sevilla, donde la protagonista, la ex toxicómana Arielle Holmes, ganó el premio a la mejor actriz. A pesar de que el filme fue nominado a la mayoría de los premios del cine independiente, tampoco esta vez se estrenó comercialmente (se puede ver también en Filmin). Con ‘Good Time’ (2017), los Safdie dieron un definitivo paso adelante. La película compitió en la sección oficial de Cannes, volvió a acumular nominaciones (Spirit, Gotham) y apareció en prestigiosas listas de lo mejor del año como la de Indiewire o Cahiers du Cinéma. Pero nada. Ni siquiera el protagonismo de Robert Pattinson consiguió que se estrenara en España. Al final, la película llegó a Netflix casi un año después y un poco de tapadillo.

Con ‘Diamantes en bruto’ ha vuelto a suceder. De nuevo la estrena Netflix. Pero esta vez de forma simultánea en todos los países y solo un mes después de su estreno en salas de Estados Unidos, al nivel de otros lanzamientos de la plataforma como ‘El irlandés’ o ‘Historia de un matrimonio’. Quizá el hecho de que la produzca Martin Scorsese (de quien los Safdie son alumnos aventajados), y la protagonicen Idina Menzel y, sobre todo, Adam Sandler -quien se ha convertido en la estrella de la plataforma con éxitos de público como ‘Criminales en el mar’ o ‘La peor semana’, y de crítica como ‘The Meyerowitz Stories’- ha tenido algo que ver con este estreno mucho más cuidado.

‘Diamantes en bruto’ sigue la estela estilística y narrativa de ‘Good Time’: un thriller vertiginoso, con toques de humor negro y apuntes de drama familiar (en este caso sobre las relaciones y rituales de una familia judía), protagonizado por un hombre en plena huida hacia el abismo. Sandler interpreta a un endeudado joyero neoyorquino que, como Harvey Keitel en ‘Teniente corrupto’ (Keitel fue la primera opción para interpretar este papel), intentará saldar sus deudas de juego subiendo la apuesta. Esto es: endeudándose aun más. Una trepidante carrera a “doble o nada”, llena de caídas, golpes y saltos mortales.

Los directores consiguen transmitir el estado de ánimo del protagonista -entre la euforia, el alivio y el ataque de pánico- por medio de una puesta en escena muy enérgica: planos cerrados, irrespirables; cámara y personajes en constante y frenético movimiento; y un uso de la música (de nuevo a cargo de Oneohtrix Point Never, quien ya ganó un premio en Cannes con ‘Good Time’) muy incisivo, con voluntad de subrayar el vértigo y la angustia existencial en la que vive inmerso el personaje. Una caligrafía visual con vocación documental enfatizada por la presencia de celebridades interpretándose a sí mismas, como el jugador de baloncesto Kevin Garnett o el músico The Weeknd.

Al igual que el protagonista camina por la cuerda floja, ‘Diamantes en bruto’ hace equilibrios entre el thriller, el drama y la comedia. Los Safdies realizan una apuesta arriesgada, incluida la elección del actor protagonista (aunque Sandler ya había demostrado su versatilidad en películas como ‘Punch-Drunk Love’, ‘Hazme reír’ o la mencionada ‘The Meyerowitz Stories’). Una apuesta que al final -¡y menudo final!- resulta ganadora. 8,5.

Kelis asegura que The Neptunes le debe todo el dinero de sus dos primeros discos

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31 enero, 2020

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Kelis, que vive apartada de la vida pública, concretamente en una granja remota de Los Ángeles junto a su marido y su hijo de 2 años, ha concedido una entrevista a The Guardian con motivo del 20 aniversario de su debut de 1999 ‘Kaleidoscope’. En ella, ha afirmado que The Neptunes le deben todo el dinero de sus dos primeros discos, que produjeron al completo.

Como es sabido, The Neptunes es el dúo de productores formado por Pharrell Williams y Chad Hugo. Y Kelis no tiene buenas palabras para ellos. Explica que los tres quedaron en dividirse entre tres el 100% de las ganancias de ‘Kaleidoscope’ y ‘Wonderland’, pero que al final no fue así y que The Neptunes, su equipo y sus abogados la «manipularon» aprovechándose de su juventud e inexperiencia para hacerle creer que estaba firmando un acuerdo justo. Kelis dice que firmó lo que le dijeron que debía firmar sin verificar las condiciones y que, por tanto, no ha visto un céntimo por esos discos en todo este tiempo. Sin embargo, indica que en aquel momento no le preocupó la situación porque ya ganaba bien gracias a las giras y «no ser pobre para mí era suficiente».

La intérprete de ‘Milkshake’ va tan lejos de afirmar que Pharrell le ha «robado todos los derechos» de sus dos primeros álbumes y que nunca volverá a trabajar con él, aunque indica que no se siente «resentida» por lo ocurrido. A lo largo de la entrevista, Kelis habla también sobre los maltratos de su ex pareja, Nas, a quien en 2018 acusó de haber abusado de ella «física y psicológicamente». Nas ha negado las acusaciones.

Peligra la continuidad de Mad Cool en Madrid, ciudad que anuncia nuevo festival de reggaetón

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31 enero, 2020

La prensa generalista recoge hoy la noticia que Mad Cool estudia trasladar su festival a otra comunidad autónoma en 2021. La razón es la ampliación del recinto en que se celebra actualmente, el IFEMA, que será bastante importante, pues pretende sumar al espacio actual 50.000 metros cuadrados para exposiciones y reuniones, a lo que hay que añadir la posible construcción de dos pabellones, entre otras cosas.

Esta ampliación de recinto haría inviable la celebración de Mad Cool, que sufrirá por tercera vez un cambio de recinto en sus pocos años de historia: el festival arrancó en 2016 en Caja Mágica y después progresó hacia el Valdebebas – IFEMA, donde este año -del 8 al 11 de julio- volverá a celebrar una nueva edición con Taylor Swift y Billie Eilish entre las principales artistas confirmadas.

En palabras para El País, la organización de Mad Cool explica que ya ha establecido contacto con recintos de Castilla La Mancha y Andalucía pero añade que la intención principal es que el festival siga en Madrid: “La ampliación de Ifema nos obliga a salir de allí después de la edición 2020 y necesitamos un acuerdo global, con estabilidad en el tiempo, para trabajar con plenas garantías y conseguir que Mad Cool sea el gran festival de referencia que Madrid siempre había ansiado». Según la citada organización, Madrid ha propuesto a Mad Cool varios recintos, pero el festival no los está contemplando al ser “más pequeños, peor comunicados y sin buenos servicios”.

Mientras peligra la continuidad de Mad Cool en Madrid, otro festival ha nacido en la ciudad, en este caso de reggaetón y con Bad Bunny y Daddy Yankee como primeros artistas confirmados. Casualmente, Madrid Reggaetón Festival se celebrará en el IFEMA, en concreto el día 26 de junio, pero al aire libre.

De ‘Alocao’ a ‘Alucinao’: escucha la nueva canción derrite-cerebros de Nicolas Jaar con FKA twigs

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