Una noticia mala y otra buena para los fans de Savages: la mala es que el grupo seguirá sin sacar disco al menos de momento, la buena es que el primer single en solitario de Jehnny Beth, el fantástico ‘I’m the Man’ que pasaba por nuestra sección «La Canción del Día», no era una cosa puntual y aislada.
Incluido en el álbum de canciones de la serie ‘Peaky Blinders’, ‘I’m the Man’ formará parte del primer disco en solitario de Beth, que llegará el próximo 8 de mayo tras las colaboraciones de la artista con Gorillaz o Julian Casablancas. ‘To Love is to Live’ contará además con las colaboraciones de Romy de The xx, Joe Talbot de IDLES y el actor de ‘Peaky Blinders’ Cillian Murphy. En Facebook, Beth ha comunicado que hoy es un día agridulce para ella, pues anuncia el álbum al tiempo que va a visitar a su padre enfermo a un centro hospitalario, donde se encuentra ingresado en la unidad de cuidados intensivos. Dice que por esta razón el título de este trabajo le conmueve más que nunca.
La nota de prensa explica que ‘To Love is to Live’ será el disco en el que Beth realmente «reclame el centro de atención». Y apunta: «Este álbum es una oscura reflexión sobre el extraño negocio de estar vivo. A lo largo del disco, la cantante explora los puntos más profundos de su conciencia creativa envuelta en un torbellino de sonidos. De hecho, al acceder a esas partes más escondidas y menos cómodas de sí misma, Jehnny Beth ha creado una obra que es asombrosamente catártica, ferozmente abrasiva y de una exposición brutal».
Y con el anuncio de ‘To Love is to Live’ (preciso título) llega a las plataformas una canción nueva de Beth que rebaja la energía de ‘I’m the Man’ para entregarse a una sensualidad carnal. De hecho, si no fuera por sus sonidos distorsionados a lo PJ Harvey o Yeah Yeah Yeahs, ‘Flower’ casi pasaría por una balada de ‘The Sensual World’ de Kate Bush.
‘Sanación‘, el miniálbum debut de María José Llergo es nuestro Disco de la Semana por mérito propio. La artista cordobesa lleva un par de años en boca de todos por su fuerte personalidad y el rotundo valor artístico de todo lo que hace, más allá de géneros y etiquetas. Su primer disco es un perfecto ejemplo de ello: en él conviven lo orgánico y lo primitivo con la electrónica contemporánea. Es también un trabajo oscuro, reflejo de un proceso de superación personal en el que, explica, ha sido fundamental la disciplina de la meditación, que vertebra el álbum. Sobre este y su crecimiento artístico charlamos con ella en el lobby de un hotel de Barcelona, ciudad en la que hasta hace unos meses había vivido varios años cursando estudios musicales becados. [Fotos: Paloma Wool, cedidas por Sony Music.]
Vestida con una sencilla camiseta blanca en la que se lee significativamente la palabra «Flamenco» –cubierta la mayor parte del tiempo por su larga melena negra–, María José es menuda, sonriente casi todo el tiempo. Se muestra muy agradecida por la atención hacia ella y su arte. Es abierta y directa, y habla con un hilo de voz calmado y modesto, que se vuelve rotundo cuando explica su punto de vista. Sobre todo al referirse al flamenco y las etiquetas. Habla con un discurso natural y sincero, pero profundo y meditado, con poso. Como ‘Sanación’.
Felicidades por el disco, se percibe mucha densidad y mucho trabajo en él.
Jo, ¡gracias! ¡Me alegro de que te guste!
¿Cómo te sientes ahora, después de que se haya publicado, después de tanto tiempo anticipándolo?
Me lo he tomado con calma. La verdad es que el disco estaba terminado desde octubre, y podría haberse publicado antes. Tenía mucho trabajo actuando en diciembre, y sentía que si lo sacaba entonces no iba a ser capaz de disfrutar de este momento. Necesitaba tiempo para asimilarlo todo, ser consciente de cada paso que daba. No sentirme atropellada por las circunstancias, estar tranquila. Y que mi familia también estuviese tranquila, pasar tiempo con ellos, que lo escucharan antes que nadie. Prepararles. Ahora, a ver cómo lo recibe el mundo. Espero que pueda sanarles también, igual que me está sanando a mí. ¡Y así ha salido! (Risas)
Pero si no recuerdo mal ya hablaste del EP como algo cierto a finales de 2018. ¿Por qué se ha demorado? ¿Has cambiado la dirección del disco, has trabajado más los temas…?
He cambiado la dirección de mi vida. (Risas) He tenido muchos cambios vitales en los tres últimos años, sobre todo en este último, y yo necesitaba que todo estuviera en orden para construir sobre un suelo firme. Quería hacerlo todo de una manera consciente, no a lo loco.
«¡Espero no estar sanándome toda la vida! A partir de ahora quiero realizarme»
Como decía antes, me parece que ‘Sanación’ es un disco breve en duración pero denso en contenido. Dividido en dos partes en lo musical, coincidiendo con cada cara del vinilo, un trabajo conceptual… ¿Siempre tuviste esa idea sobre cómo sería tu primer disco, o ha ido evolucionando?
Es un disco conceptual, muy influido por la meditación y tiene siete temas porque hay uno por cada chakra. Yo, componer, llevo componiendo toda mi vida, es como una forma de desahogarme. Tengo muchas canciones compuestas, que ya irán saliendo. Pero este trabajo es así porque es como yo me siento ahora. ¡Espero no estar sanándome toda la vida! (Risas) A partir de ahora quiero realizarme.
«(Mi evolución) ha ido en paralelo a los recursos que yo he tenido cuando he grabado esas canciones»
Según lo veo, el disco parte de un punto más orgánico, aunque también tiene sintetizadores, y va evolucionando hacia la electrónica. ¿Es debido a tu crecimiento como compositora y artista, dirías que ha ido en paralelo?
Sí, pero diría que ha ido en paralelo a los recursos que yo he tenido cuando he grabado esas canciones. Por ejemplo, yo no visualizaba ‘Niña de las dunas’ con solo guitarra y voz, sino con sintetizadores, arreglos… cosas que yo no tenía. Llevaba dos años escrita y, cuando pude grabarla, esos eran los recursos que tenía y así se grabó. Me cedieron el teatro de mi pueblo, Pozoblanco, y la grabamos allí. Luego mi amigo Raúl (Pérez, del Estudio La Mina de Sevilla) se enrolló y me la mezcló y masterizó. Y así pudo ver la luz. Pero no pasa nada, la propia canción salió adelante, ella eligió su momento, tiene su propio camino. También me gusta reflejar ese momento primitivo, que sea fiel al momento en que nació. Aunque puede que la reedite en algún momento. «Las obras no se acaban, se abandonan», ya lo sabes (Nde: es una cita de Paul Valèry).
El disco es un tanto oscuro. ¿Te refleja bien como artista, como tú eres, o te ha sorprendido incluso a ti misma?
Más que como artista, me reflejan como persona. Todos tenemos luces y sombras, y mis sombras pesaban mucho. Necesitaba quitármelas del medio porque no me dejaban avanzar. Necesitaba aprender de lo que había vivido para tirar p’alante. Mi forma de curarme ha sido hacer belleza de lo que me duele. Ya sea de un dolor externo, social, de un dolor personal, de desamor, de rabia… Ha sido un trabajo personal muy potente en este último tiempo.
¿Y cómo surge la posibilidad de trabajar con Carlos Rivera, Lost Twin?
Precisamente me lo presentó Raúl Pérez. Yo le conté mi imaginario, lo que yo tenía en mente y me dijo «conozco a un muchacho que te va a caer genial». Me fui a Sevilla un fin de semana, estuvimos juntos y ya sacamos dos temas de aquello.
«(En el disco) quería reflejar lo que yo siento cuando canto en el portal de mi casa»
¿Pero siempre tenías en mente emplear la electrónica dentro de tu visión del folclore?
Yo lo que quería era reflejar lo que yo siento cuando canto en el portal de mi casa, cómo los ecos rebotan por los azulejos de las paredes, cómo el sonido se une y se crea un todo que nunca termina de desaparecer. Eso era lo que necesitaba, y es un aura que me da la electrónica, no los instrumentos acústicos que me habían enseñado a utilizar en los conservatorios en los que he estudiado.
En la nota de prensa se habla de «flamenco bastardo»…
(Nde: Me ataja enseguida) Yo no me defino como nada. Entiendo que los demás necesiten las etiquetas para entender, pero creo que se quedan cortas. Cada uno intenta hacer su aproximación en torno a mí como buenamente puede… (Risas)
No es fácil, no…
A veces no lo comprendo, o no coincido. O me hace gracia y me da hasta ternura. ¡Yo qué sé! Me llamo María José Llergo y te lo estoy dando todo. Más clara no puedo ser. Te estoy entregando mi nombre completo, mis letras, mi voz, mi cara… Si me quieres conocer, puedes. Porque además soy superaccesible, concedo un montón de entrevistas…
«Todo lo canto con un toque andaluz. No es que yo lo elija, lo finja, lo fuerce o lo pueda remediar»
La pregunta era si de alguna manera te incomoda decir que tu música es flamenco, sin más.
No me incomoda nada. Tengo una base, he crecido en Andalucía escuchando flamenco y copla toda mi vida, mi abuelo me ha cantado fandangos, tangos, boleros… toda mi vida. Cuando me vine aquí a Barcelona a estudiar canto moderno y jazz, todo lo cantaba con un toque andaluz. No es que yo lo elija, lo finja, lo fuerce o lo pueda remediar. Está en mí innatamente y no se va a ir, está en mi raíz. Por muy lejos que vaya, siempre estará, por mucho que se estire el tallo, siempre volverá… (Risas)
Preguntaba lo del flamenco porque no faltará quien diga «esto no es flamenco».
Es un disco de autor. Yo no incluyo material tradicional en mis letras, ni en mis melodías. Yo puedo cantar por soleá en el primer tema (Nde: ‘¿De qué me sirve llorar?’), que el compás está hecho con el escarvillo de mi abuelo contra la tierra, pero es una melodía mía y la letra es mía. O cantar por seguiriya en el último tema (Nde: ‘Me miras pero no me ves’). ¿Es una seguirilla tradicional? No, es una canción por seguiriya. Es un punto de partida. En ningún momento mi disco se puede catalogar como flamenco tradicional. ¡Eso está para mí claro! Y para cualquiera que conozca el flamenco.
«Cuando escucho a Arca o FKA twigs, yo flipo, porque me encantan»
Precisamente en ese último tema veo conexiones con Arca…
Me encanta Arca…
… o FKA twigs…
¡Uh! ¡Gracias! (Risas)
… pero siempre con tu visión personal. No sé en qué medida te han inspirado, o te influyen al componer.
No me son ajenos. Pero cuando me pongo a componer me es ajeno todo. Me encierro, me meto donde me encuentre a mí misma y entro en una especie de trance. Es como un ritual en el que solo quiero encontrar la máxima verdad que tenga dentro, que necesite salir. Entregarme a la música y crear belleza, aunque sea del dolor. Lógicamente, cuando escucho a Arca o FKA twigs, yo flipo, porque me encantan. ¿Cómo no voy a apreciar su arte? ¡Madre mía! Sería un desperdicio… Pero de ahí a tomar cosas suyas… Si lo hago, es de forma inconsciente. Ten en cuenta que todos vivimos en este mismo momento y todos tenemos las mismas herramientas, los mismos sintes… Entonces es fácil converger en puntos. Y está guay. Usamos la misma tecnología, pero cada uno a su manera. Eso es lo fascinante.
«Tú en tu presente debes comprender el pasado para construir lo que mañana será el futuro»
Uno de mis temas favoritos del disco es ‘El péndulo‘. Su letra es un tanto abstracta, pero por un momento me da la impresión de que hablas de defender lo antiguo en un mundo en el que prima lo novedoso, la urgencia… Como si te situaras como una transmisora de la tradición.
Pues sí, pero no solo de la tradición musical, sino como elemento de identidad y casi histórico. Decía Machado «la historia es un puente inacabado». No se puede entender (el mundo) solamente teniendo en cuenta el pasado, sino que somos un puente entre el pasado y el futuro. Tú en tu presente debes comprender el pasado para construir lo que mañana será el futuro. Es un poco eso. A mí los cantes me llevan, no los llevo yo a ellos. El otro día me preguntaron que cómo iba a ser mi futuro. ¡No lo sé! (Risas) Incierto y marcado por el cante, por las letras, por el arte. No elijo las cosas que escribo, ¿eh? Hay veces que escribo cosas y digo «¿cómo he sido capaz?» «Me miras», por ejemplo. No es fácil de cantar, ni tampoco de escuchar, por su oscuridad. Hay que estar dispuesto a abrirse para hacerlo.
Y esa idea de comprender el pasado para conformar el futuro también surge en las letras. Has citado a Machado y algunos versos también tienen un punto lorquiano. Entiendo que también se aplica en tu poesía.
Claro. A veces es simplemente un retrato del momento en el que estás y cómo te sientes. Pero en ese retrato hay encriptada historia, ya sea tuya personal o del lugar y el momento en el que estás. Esa es la capacidad del arte, dejar la impronta de la generación que lo hace. Si leemos a estos poetas clásicos que me encantan y que hemos citado, yo a Machado y tú a Federico, vemos reflejada esa época. Cómo eran España, Europa, el Mundo… y qué cosas no deberíamos repetir.
«Yo he aprendido a cantar con mi abuelo, y quiero que se sepa lo importante que es para mí, ha sido determinante»
No lo estamos haciendo muy bien…
(Risas) ¡No! ¡Vamos en picado! Da un poco de miedo…
Llama la atención la «entrada» al disco, que es una entrada sonora a la casa de tus abuelos, tocas la puerta, hablas con tu abuelo… ¿Por qué este recurso?
Es una forma de situarme, el origen. No se puede conocerme a mí sin conocer a los míos. Así empezar a escuchar el disco es como abrir una puerta a lo más profundo de mí. Yo cuando voy a Pozoblanco lo primero que hago es ir a casa de mis abuelos. Da igual la hora a la que llegue, me están esperando. Igual ya están acostados, pero dejan la puerta entreabierta y la luz encendida. Llego les doy un beso, y ya me voy y les dejo dormir. Cuando estoy allí, ellos son con los que más tiempo paso. Y si puedo llevármelos al campo, ya es… todo. Yo he aprendido a cantar con mi abuelo, y quiero que se sepa lo importante que es para mí, ha sido determinante. No solo por sus consejos, sino como ejemplo de vida. Yo hago las cosas como las hago por su influencia. Siempre ha protegido mi libertad por encima de todo. O ha procurado que yo misma lo haga con su ejemplo, siendo honesto consigo mismo. Y él me ha hecho cantar desde este punto, y saber el valor de mi voz. No el precio: el valor.
«Ahora quiero otras cosas, quiero luz, encontrarme a gusto con las personas con las que comparto tiempo»
¿Sientes que, una vez está el disco en la calle, has sanado?
Sí, he sanado muchas cosas. Por lo menos ya estoy abierta para este tipo de vida, sin una mochila tan pesada como la que tenía antes. Ahora quiero otras cosas, quiero luz, encontrarme a gusto con las personas con las que comparto tiempo. Aunque sean personas a las que no conocía, como tú. Quiero disfrutar, aprender, realizarme… ¡Que ya por fin puedo!
En línea con eso, y como decía en la crítica, es curioso cómo pese a su oscuridad es rotundo. Te muestra con firmeza.
Necesito eso, necesito tierra firme. Y a partir de ahí, voy p’alante, buscando el sol. (Risas)
Eso me lleva a pensar en las distintas colaboraciones que hiciste el año pasado con nombres tan distintos como Ricardo Vicente, Juancho Marqués o $kyhook. ¿Qué condiciones se tienen que dar para que te abras a colaborar con un artista?
Es esencial que la persona me caiga bien, que se note que es buena persona, que quiera hacer música, compartir contigo, a pesar de que seamos diferentes. Yo he estado compartiendo música desde que vine a estudiar a Barcelona hace más de seis años (Nde: desde hace unos meses vive en Madrid), y eso me encanta, me enriquece, me hace feliz. Me hace tener esperanza en el ser humano, porque si podemos entendernos en la música, nos podemos entender en todo. Lo importante es que nos escuchemos, nos queramos, nos ayudemos…
Cuando tengo tiempo, siempre estoy abierta a escribir con otras personas, o simplemente a aprender de artistas que no conozco. Porque yo escucho música muy antigua, y a veces no conozco a la gente… de aquí, nueva. (Risas) Y poco a poco voy conociendo y me enriquece su forma de ver el mundo. La mayoría de la gente con la que he colaborado tenía más experiencia que yo y me han aportado mucho en cuanto a la precariedad de este mundo, las giras, la industria… Con Juancho aprendí, y aprendo, muchísimo. Es muy inteligente emocionalmente, y tiene una integridad que agradezco un montón. Lo de $kyhook fue increíble, cómo fluyó la energía. Yo acababa de escribir un poema sobre una tormenta, porque me encantan las tormentas, me parecen preciosas; a la mañana siguiente fui al estudio con él, toqué una rueda de acordes con un sinte precioso, él hizo el bajo y el beat, y me puse a cantar ese poema con una melodía inventada. Y la letra encima le iba perfecta, porque era un disco sobre el espacio, la luna, la Naturaleza… Fue precioso. Pablo es precioso. Cuando alguien te acoge así, te escucha, te acepta…
Te importa eso por encima del ámbito en que se mueva.
¡Sí! Y ya de repercusión, ni hablemos. Algún mánager me contacta diciendo «ya verás la repercusión que va a tener esto…» Y yo digo «bueno, espérate a ver si me cae bien». (Risas) Con Ricardo Vicente fue también precioso, él tiene muchísima experiencia, me contó mil anécdotas… ¡Y es profesor de filosofía! ¡Madre mía! Conversación asegurada. No hay forma mejor de enriquecerse que con los demás.
Solo te he visto una vez en directo, en un teatro muy pequeño, y en un formato íntimo de voz y guitarra. La semana que viene empiezas la nueva gira. ¿Se unirá ese formato con esta nueva vertiente electrónica?
Claro, unidas, siempre. La unión hace la fuerza. (Risas) El primer concierto es el 14 de febrero en L’Auditori de Barcelona, justo al lado de la ESMUC de Barcelona, donde estudié, así que me hace una ilusión tremenda. Habrá sorpresas. Hasta una big band, vamos a tener.
María José Llergo firma discos y ofrece un showcase acústico hoy 5 de febrero en Barcelona, a las 18h30 en la Fnac de L’illa Diagonal.
Låpsley, uno de los jóvenes talentos más prometedores de 2016 -aunque su mayor éxito, ‘Station’, con más de 30 millones de reproducciones en Spotify, data de un año antes-, ha anunciado al fin su regreso con un nuevo disco que verá la luz el próximo 20 de marzo a través de XL Recordings.
El sucesor del notable ‘Long Way Home‘ se titula ‘Through Rain’. Siguiendo con la temática acuática de título y portada, ‘My Love Was Like the Rain‘ forma parte del tracklist como pista número 2: se trata del tema con el que la británica reaparecía tras tres años y medio de silencio, avanzando el EP ‘These Elements‘. Otro tema de ese reciente trabajo, ‘Ligne 3’, también está incluido.
Pero lo que Låpsley nos muestra hoy de ‘Through Water’ es un tema completamente nuevo llamado ‘Womxn’, en el que usa una serie de sonidos ochenteros, con un punto tropical incluso, para expresar un mensaje de liberación. Canta: «hay una chica en tu interior diciendo que esta es una mala decisión, pero hay una mujer en ti que dice que es la verdad, me pregunto qué decirle a ella, me pregunto adónde quiero ir, dejo de juzgarla, le digo quien quiero ser».
Tracklist de ‘Through Water’:
01. Through Water
02. My Love Was Like the Rain
03. First
04. Ligne 3
05. Our Love is a Garden
06. Leeds Liverpool Canal
07. Sadness is a Shade of Blue
08. Womxn
09. Bonfire
10. Speaking of the End
Desde que publicara su primer disco importante en 2007, ‘Spiderman of the Rings‘, Dan Deacon se ha convertido en una de las figuras más personales de la electrónica internacional. Hace música experimental pero asequible, quizá por lo que tiene de colorida y cinética; es un animal escénico y siempre tiene algo que decir. ‘Mystic Familiar’ es su primer disco de estudio desde ‘Gliss Riffer‘ (2015), si bien en este tiempo ha estado entretenido colaborando en casi una decena de películas, produciendo y coescribiendo con el dúo Ed Schrader’s Music Beat; y actuando con la Orquesta Sinfónica de Baltimore.
‘Mystic Familiar’ mantiene el sonido con el que identificamos, esto es, sintetizadores con millones de texturas, ritmos frenéticos, miles de sensaciones entre la locura y lo onírico… añadiendo ahora un protagonismo inusual de su voz. El nuevo CD de Dan Deacon trae las letras de Dan Deacon, como subrayando lo que importa su mensaje, esta vez influido por sus «prácticas terapéuticas de autocompasión y atención plena» y meditación «para acceder al pozo interno de creatividad del que hablaba David Lynch en el libro ‘Catching the Big Fish'». Brian Eno sigue en su punto de mira, en concreto su baraja de cartas con dilemas, de cara a la composición.
Si bien la música se corresponde con las imágenes turbadoras del creador de ‘Twin Peaks’, las letras son un contrapunto totalmente luminoso, incitándonos a aprovechar el momento. Lo primero que hay que destacar es hasta qué punto proponen un reencuentro con la naturaleza, recibiendo nombres que transmiten tanta paz como ‘Become a Mountain’, ‘Sat By a Tree’ o ‘Fell Into the Ocean’. Lo segundo es hasta qué punto incitan a mirar al futuro pese «a que nos hacemos mayores», como sugiere nada más comenzar ‘Become a Mountain’. «Abre los ojos» y «respira profundamente» son un par de los mensajes de esta pista. «Despierta» y «es una vida corta» otro par de ‘Sat By a Tree’; «Siéntete libre, tienes que relajarte antes de transcender» el mensaje de ‘Fell Into the Ocean’; y «Todavía, estoy vivo, estoy gritando», parte del texto de ‘My Friend’.
Algunas de estas canciones se orquestan en partes, de hecho la parte central del disco se compone de las 4 suites de ‘Arp’, pero esto no es una novedad en la carrera de Dan Deacon, que por ejemplo ya terminara ‘America’ de esta manera a nivel estructural. La novedad es el enorme peso de su voz, sonando en sus momentos más preciosistas a Mercury Rev y en los más psicodélicos a Flaming Lips; y sobre todo lo bien que sienta este mensaje optimista y sencillo a sus producciones. Quizá si estas estuvieran menos llenas de claroscuros las canciones resultarían ñoñas, pero con este nivel de tensión y distensión, no puede ser el caso.
Pese a que es su voz la que propicia la accesibilidad del disco -ojo porque el CD2 en la versión digital incluye una sucesión de considerables «radio edits»-, no se puede pasar por alto la belleza contenida en la instrumental ‘Weeping Birch’. Tanto un número arriesgado por su lugar en la secuencia (el álbum no vuelve a producir emoción similar después) como un número tan «llorón» como el árbol al que se dedica, contiene la emoción y posibilidad de conexión con el gran público del Yann Tiersen más agitado. En momentos como ese es que ‘Mystic Familiar’ resulta un reencuentro feliz con un viejo amigo.
Calificación: 7,5/10 Temas destacados: ‘Weeping Birch’, ‘Become a Mountain’, ‘Sat By a Tree’ Te gustarán si te gustan: The Flaming Lips, Todd Terje, Matmos, los anteriores Escúchalo en: en Youtube
Después de publicar uno de los mejores discos de 2019, Sharon van Etten no para y publica hoy un nuevo single llamado ‘Beaten Down’, cuyo videoclip en blanco y negro ya está online. Se trata de una sombría balada sobre el «amor, la paciencia y la empatía» y sobre «tomar decisiones que cambian tu vida al tiempo que permaneces lo suficientemente fuerte como para llevarlas a cabo».
Efectivamente, ‘Remind Me Tomorrow‘ fue uno de los álbumes mejor valorados del año pasado, y ha sido importante para Sharon van Etten por diversas razones. El disco consolidaba a la artista como una grande del rock alternativo actual tras el enorme paso adelante dado por ella en ‘Are We There?‘, y además sumaba una serie de canciones incontestables a su carrera entre las que destacaba necesariamente ‘Seventeen’, también una de las mejores del pasado año (la 3ª para nuestro site).
Sobre ‘Remind Me Tomorrow’, que aparecía en los resúmenes del año de numerosas publicaciones especializadas incluido el nuestro, mi compañero Raúl Guillén escribía que es «un gran trabajo con grandes canciones, arrojando luz a perfiles antes insospechados de una artista más poliédrica de lo que jamás imaginamos». Y añadía: «Hemos perdido a una cantautora; no pasa nada, tenemos más. Pero hemos ganado a una artista más completa y audaz; y de esto no vamos tan sobrados».
Lido Pimienta sigue avanzando, ‘Miss Colombia’, el disco que publica el próximo 17 de abril y que es especialmente esperado al ser el primero desde que la cantante y compositora colombiano-canadiense ganara el Polaris en 2017 gracias a su segundo trabajo, ‘La Papessa’, anteponiéndose a grandes como Leonard Cohen o Feist. Pimienta ya había avanzado el disco con el primer single ‘No pude’.
El nuevo adelanto de ‘Miss Colombia’, hoy nuestra «Canción Del Día», es una apasionada canción de desamor en clave de cumbia, aunque como siempre sucede en el caso de Pimienta, su aproximación a este género es mucho más interesante, contemporánea y cercana a lo que ha podido hacer el productor Nicola Cruz en ‘Cumbia del olvido’ que a una puramente tradicional. La artista ha producido su nuevo largo junto a Prince Nifty y Matt Smith y esta ‘Eso que tú haces’ está co-producida por el primero.
¿Qué avanza ‘Eso que tú haces’ de este nuevo disco que es a su vez «rebelde y delicado, exploratorio y combativo» y que toma inspiración tanto de músicas afro-latinas como el palenque y la cumbia como de Cardi B? Avanza seguramente su lado más personal y romántico con una interpretación vocal magnética y una letra que va directa al grano: «mírame a la cara cuando me hables, y no me digas nada si no quieres, pero no me falles, me duele», canta Lido antes de sentenciar: «eso que tú haces no es amor». ‘Miss Colombia’ también abordará temas como el racismo o la desigualdad sufrida por las comunidades indígenas, pero ‘Eso que tú haces’ muestra, de momento, un bello ejercicio de reflexión y liberación personales.
‘Miss Colombia’:
1 Para Transcribir (SOL)
2 Eso Que Tu Haces
3 Nada (feat. Li Saumet)
4 Te Quería
5 No Pude
6 Coming Thru
7 Quiero Que Me Salves (preludio feat. Rafael Cassiani Cassiani)
8 Quiero Que Me Salves (ft. Sexteto Tabala)
9 Pelo Cucu
10 Resisto Y Ya
11 Para Transcribir (LUNA)
La de Depeche Mode ha sido una carrera irregular: después de dar varios tumbos en sus primeros años, triunfaron masivamente con su sexto disco, publicaron su obra maestra con el séptimo, y lo que vino después no ha alcanzado la aceptación popular de aquellas dos obras. Hoy cuesta creer que haga 30 años de ‘Violator’, pero así es. Cumplirá tres décadas de existencia en marzo, pero antes, exactamente hoy 5 de febrero, es ‘Enjoy the Silence’ el que celebra este aniversario, aunque parezca mentira pues escuchada hoy ha de ser una de las producciones del año 1990 -y de los 90 en general- que mejor han envejecido. El tiempo no ha hecho mella en su elegante producción electrónica ni en su emocionante melodía, que compuesta originalmente por Martin Gore con intención de aplicarla a una balada, en su forma definitiva se convertiría en el mayor éxito de toda la carrera de la banda sin realmente nadie esperarlo.
Fue gracias al input de Alan Wilder (componente de Depeche Mode hasta 1993) y Flood (productor del álbum), que en un momento de iluminación, consideraron que ‘Enjoy the Silence’ debía ser una canción uptempo en lugar de una fúnebre balada. Gore rechazó la idea en una primera instancia, como ha contado el jefe de Mute Records y «miembro invisible de Depeche Mode» Daniel Miller, al opinar que la canción era suya y por tanto debía quedarse tal y como él la había concebido. Al final cedió y la canción, en palabras del propio Dave Gahan, tampoco cambió muchísimo más: en base a un animado ritmo electrónico, a una melodía de guitarra eléctrica añadida por Gore por deseo expreso de Flood -melodía que se repite a lo largo de la canción- y a la actuación vocal de Gahan, nació ‘Enjoy the Silence’ tal y como hoy la conocemos. Sin duda, este es un ejemplo de cómo una decisión artística en principio anecdótica puede cambiar para siempre la carrera de un grupo.
Y vaya si la cambió: con la mismísima ‘Personal Jesus’ en la calle desde hacía meses, ‘Enjoy the Silence’ llegó un tiempo después para convertirse en la canción más exitosa de toda la carrera de Depeche Mode, y probablemente también en la mejor. Fue un éxito global que alcanzó el número 6 en Reino Unido y el número 8 en Estados Unidos además de muy buenas posiciones en toda Europa. Curiosamente, España fue uno de los dos países en que la canción llegó a ser número 1 (también en Los 40) junto a Dinamarca, y esta también logró grandes posiciones en mercados europeos como el alemán (2), el holandés (5) o el francés (9). Y si ‘Enjoy the Silence’ fue uno de los mayores éxitos comerciales de todo el año 1990 en Estados Unidos y Europa, también es uno de los más han perdurado en el tiempo al margen de sus cifras originales: con 190 millones de reproducciones en Spotify y 175 millones de visualizaciones en Youtube (nada mal para una canción tan vieja) es el mayor éxito del grupo en la era del streaming.
Uno de los motivos por los que ‘Enjoy the Silence’ ha permanecido en la conciencia popular en la manera en que lo ha hecho ha de ser su aparente simplicidad, evidente en la instrumentación y sobre todo en unos sencillos riffs de guitarra eléctrica que el grupo reproduce al final de la canción también desde un teclado. Así, ‘Enjoy the Silence’ va elevando el vuelo poco a poco hasta alcanzar una enorme majestuosidad capaz de erizar la piel a cualquiera, y la presencia de unos coros de corte eclesiástico en la composición puede explicar por qué la canción ha sido adaptada a lo largo de los años por artistas como Lacuna Coil o HIM. Aaunque no son desde luego los únicos que la han abordado con más o menos acierto: si Carla Bruni, Keane o Nada Surf la han interpretado íntegramente, el productor neerlandés Junkie XL buscó que su producción para Britney Spears de 2005 ‘And Then We Kiss‘ fuera un ‘Enjoy the Silence’ contemporáneo. No le salió nada mal la jugada.
¿Pero cómo no iba a perdurar una canción que habla tan poéticamente sobre buscar paz en un mundo lleno de ruido? ¿Una que no puede resultarnos ya más emblemática gracias a frases tan simples como «todo lo que he querido es que estuvieras en mis brazos» o «las palabras son innecesarias, solo hacen daño»? Hace poco hablábamos con Bombay Bicycle Club sobre la importancia de trabajar canciones lo justo y necesario y ‘Enjoy the Silence’ es un ejemplo de que la frescura y la espontaneidad pueden hacer maravillas históricas. Hoy, en pleno 2020, tampoco puede sonar más relevante su mensaje, pero lo que siempre ha estado claro es que pocas canciones que han abogado por «disfrutar del silencio» nos han hecho amar más la música.
Rosalía protagoniza esta semana la entrada más fuerte en la lista oficial de singles española con ‘Juro que‘, la canción que presentaba en la gala de los premios Grammys (los internacionales) junto a ‘Malamente’. ‘Juro que’ debuta en el número 7, por lo que mejora el dato de la experimental ‘A palé’, que lo hacía en el número 15, pero sin haber entusiasmado muchísimo al público al menos de momento: el vídeo de ‘Juro que’ sigue entre los más vistos de Youtube España, pero la canción ya ha desaparecido de todo el top 50 de canciones más escuchadas en Spotify España a una semana de su lanzamiento.
La siguiente entrada en la lista está firmada por C. Tangana y Natti Natasha. Su ‘Viene y va’ entra en el número 25, dos puestos por encima de lo que lograba ‘Yelo’, ya ausente de la lista. ‘Viene y va’ sí se mantiene en el top 50 español de Spotify, en concreto en el número 29, pero tras varios singles que han pasado bastante desapercibidos en lista, aquel top 3 alcanzado a finales de 2019 por ‘No te debí besar’ con Paloma Mami va quedando un poco lejos hoy en día. ¿Dará la sorpresa? Rosalía y C. Tangana aparecen con sus últimos vídeos en nuestra sección «Estética del videoclip».
Otra entra destacada en lista es la de ‘Olvídate de mí’ de Natalia Lacunza, que muy lejos del exitazo logrado ya en sus primeros días de estreno por ‘nana triste’, debuta en un discreto puesto 64 pese a haber sido presentada en directo en el escenario de Operación Triunfo. El resto de entradas las firman Kidd Keo con ‘Money Till I Die’ (38), Myke Towers con ‘Girl’ y ‘Relación rota’, top 47 y 79, respectivamente; y Jey Blessing, Rauw Alejandro y Los Fantastikos con ‘Suave’ (94).
Hinds acaban de anunciar un nuevo álbum, el tercero de su carrera tras ‘Leave Me Alone‘ y ‘I Don’t Run‘. Publicado de nuevo por el sello británico Lucky Number, el 3 de abril llega ‘The Prettiest Curse’, un disco en el que el cuarteto madrileño presenta una estética completamente nueva, a todos los niveles. Comenzando por un portadón firmado por la célebre artista Ouka Leele que, una vez más, congrega a Carlota, Ana, Ade y Amber, pero que esta vez las sitúa en un estudio repleto de objetos que, dicen, tienen una historia detrás.
De hecho, estrenan web interactiva en la que hay diez objetos singulares que pueden «consultarse» y que revelan el título de cada canción del álbum y una clave de cada una de ellas. Canciones que han sido producidas por Jennifer Decilveo, artista norteamericana que ha trabajado con Beth Ditto, The Strokes, Bat For Lashes, The Wombats, Anne-Marie –estuvo nominada a un Brit por ‘Speak Your Mind’– o Andra Day –nominada a un Grammy por su trabajo en ‘Rise Up’–. Lo cual se traduce en un giro de sonido hacia texturas más electrónicas y ambientales, como ya atestiguaba ‘Riding Solo‘ –adelantada meses atrás– y ahora refrenda ‘Good Bad Times’, otro nuevo tema estrenado hoy.
Se trata de un medio tiempo con las guitarras en un segundo plano, protagonizado por un riff de teclado de reminiscencias ochenteras (a lo Destroyer, por ejemplo) y un magnífico gancho a modo de estribillo. Además, aunque Ana y Carlota siguen alternándose en la voz principal, esta vez lo hacen introduciendo algunos versos en español. Un spanglish que imaginamos será mejor recibido por la parroquia hispana que por su numeroso público anglosajón. El tema se presenta con un clip dirigido por Jean Lafleur (Sen Senra) con las chicas ejerciendo de superheroínas de serie B, al más puro estilo ‘Kick-Ass’.
Hinds anuncian también hoy un extensísimo tour durante los meses de abril, mayo y junio, que no depara ni una sola fecha en España… hasta la llegada de la temporada festivalero. Ya figuran en el cartel de Mad Cool 2020. Os dejamos con el tracklist de ‘The Prettiest Curse’:
1. Good Bad Times
2. Just Like Kids (Miau)
3. Riding Solo
4. Boy
5. Come Back And Love Me
6. Burn
7. Take Me Back
8. The Play
9. Waiting For You
10. This Moment Forever
José Luis Cuerda, director de películas tan queridas como ‘El bosque animado’, ‘Amanece, que no es poco’ o ‘La lengua de las mariposas’, ha fallecido a los 72 años en Madrid a consecuencia de una embolia, según han confirmado fuentes familiares.
El cineasta, productor y guionista nacido en Albacete era uno de los más celebres y queridos de nuestro país gracias a sus imaginativas y a menudo surrealistas películas inspiradas en la vida cotidiana de la España rural, que daban la vuelta a temas como la religión. ‘Total’, de 1983, fue la primera de una tetralogía de películas surrealistas que se completarían con ‘Amanece, que no es poco’ (1989), ‘Así en el cielo como en la tierra’ (1995) y ‘Tiempo después‘ (2018). Recibida tibiamente en su momento, ‘Amanece, que no es poco’ es hoy una película de culto gracias a su re-descubrimiento por las nuevas generaciones.
Ganador de cinco Goyas -entre ellos el de Mejor película por ‘El bosque animado’, de 1988-, Cuerda dirigió otras películas celebradas como ‘Los girasoles ciegos’ (2008), que llegó a ser elegida para representar a España en los Oscar, o ‘La lengua de las mariposas’, una de varias adaptaciones cinematográficas que Cuerda realizó de diversos textos, en este caso el homónimo de Manuel Rivas, ambientado en la Guerra Civil. Antes de debutar en el cine con ‘Pares y nones’, el cineasta realizó cientos de reportajes y documentales e impartió Realización Cinematográfica en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca.
Después de meses de runrún, Califato 3/4 han eclosionado ya de manera definitiva con ‘Puerta de la Cânne‘. Un disco audaz en el que han dado su propia interpretación de la colisión del folclore andaluz con la música y la estética contemporánea, situándose en el punto de mira de los que seguimos con interés esta nueva vanguardia basada en la tradición cultural de nuestro país. Aparte de figurar en la programación de festivales como Bilbao BBK Live, Sónar Festival en Barcelona o Sound Isidro en Madrid, esta misma semana comienzan la gira de presentación de este álbum debut. Y lo harán en su ciudad, Sevilla, con tres actuaciones consecutivas en la Sala Malandar los días 7, 8 y 9 de febrero –después de haber agotado rápidamente la primera y la tercera, ya solo quedan entradas para la segunda de ellas–. [Foto portada: Guillermo Domínguez.]
De acuerdo con la imaginería que abarca parte de su discurso musical, no cabe duda que son profetas en su tierra. Una ciudad en la que se congregan los integrantes del sexteto y que, como muchas otras capitales del mundo, están viendo cómo sus raíces se van desdibujando en pos de un teórico progreso. Por eso, contactados por JENESAISPOP para participar en nuestra sección auspiciada por Jägermusic, Meister of the Week, Curro Morales y sus compañeros de grupo han escogido hablarnos de algunos rincones de la histórica bohemia sevillana que, a duras penas, aún resisten el implacable empuje de la gentrificación.
Habéis escogido hablar de los lugares de la bohemia sevillana que resisten a la gentrificación. ¿Qué tipo de espacios son y de cuándo datan?
En Sevilla resisten unos cuantos sitios con solera que de alguna manera cuentan la historia de nuestra ciudad. Frente a la proliferación de los no-lugares asépticos y sin personalidad, estos pequeños centros de resistencia aguantan el paso del tiempo y soportan el peso de mantener la esencia de una ciudad cada vez más uniforme y fría. Entre los espacios que reúnen estas características se encuentran los corralones, los mercados callejeros, los centros sociales y las cervecerías y bares centenarios. Algunos tienen varias décadas y otros varios siglos.
¿Y qué tipo de actividades ha habido en ellos y cómo se han reciclado?
En el caso de los corralones por ejemplo, son antiguos espacios de artesanía que hoy continúan siendo un pulmón creativo para la gente inquieta y para muchas personas que se esfuerzan en perpetuar trabajos en peligro de extinción. Aquí hay desde artesanos de la madera, hierro o cerámica a talleres flamencos o de música africana o latina, de talleres de yoga a clases de circo.
«En Sevilla la figura de los corralones ha sido y es clave»
Estos corralones de los que nos hablabais antes, son por tanto epicentros culturales y artísticos. ¿Qué grupos o artistas, para que nos hagamos una idea de su importancia, los tienen como «base de operaciones»?
En Sevilla la figura de los corralones ha sido y es clave. Nuestro local de ensayo está en los de Pasaje Mallol (donde también ensayaban los Smash) y el de Pony Bravo, por ejemplo, en el de Castellar. Aunque por el que más grupos de música han pasado siempre ha sido el de El Pelícano, donde ensayaba por ejemplo Silvio.
¿Cuál dirías que ha sido la pérdida más importante de este tipo de lugares en los últimos años?
Esta navidad, por ejemplo, cerró El Corto Maltés, una taberna en el centro de la Alameda que ha albergado siempre a la fauna más variopinta de la ciudad: músicos, bohemios, camellos y golfos de todas las clases y colores. Recientemente también desapareció La Hacienda (ahora un bloque de pisos construido y vendido en unos 5 meses), que era un “bar” regentado por tres hermanos, cocina, barra y camarero, en el corazón del barrio de San Julián. Allí al entrar se viajaba atrás en el tiempo, parecía uno de los típicos sitios donde se celebraban las comuniones hace cincuenta años. Había desde personas de la tercera edad a gentes del cine sevillano, desde carpinteros a familias enteras comiendo con sus chiquillos.
¿Y cuál es la clave de los que resisten? ¿Hay apoyo o protección institucional de algún tipo? ¿Qué tipo de gestión tienen? ¿Vienen a ser algo así como centros culturales okupas, como hay en muchas capitales europeas –en España cada vez menos–?
La mayoría de estos espacios carecen de cualquier tipo de apoyo institucional y sobreviven por la lucha vecinal y de las gentes que los habitan y mantienen vivos. Por otro lado las casas “okupas” y centros sociales autogestionados en Sevilla han sufrido el asedio de las fuerzas de seguridad hasta el punto de que ha habido mucha gente enjuiciada, no hay más que recordar el caso del CSOA “Casas Viejas”. También nos gustaría recordar a la desaparecida “Sin Nombre” en San Bernardo o al centro vecinal del Pumarejo y el Huerto del Rey Moro, que aún resisten.
[Foto: local de ensayo de Califato 3/4, cedida por el grupo.]
«No es lo mismo ensayar en un polígono industrial a las afueras de la ciudad que en un corralón en el centro donde convives con artesanos, otros músicos…»
¿Diríais que, de algún modo, ensayar en un corralón os influye o inspira a la hora de crear vuestras propias canciones?
Por supuesto. No es lo mismo ensayar en un polígono industrial a las afueras de la ciudad que en un corralón en el centro donde convives con artesanos, otros músicos y gente de todas las calañas. En nuestro caso, ensayamos en el soberao de una carpintería tradicional y nuestros sonidos se mezclan con los de las maderas cortándose. Cuando acabamos nos vamos a la plaza de San Marcos a tomar cerveza, cosa que no podríamos hacer si curráramos en los típicos locales de ensayo del extrarradio. Además, una vez al año se lleva a cabo una actividad denominada Barrio Abierto donde la gente de los distintos corralones saca a la calle su arte. Es una fiesta muy interesante que ayuda a visibilizar y preservar el trabajo que se realiza en estos espacios y se la recomendamos al que no la conozca y ande por Sevilla en primavera.
También me habías citado varias cervecerías tradicionales, a las que la marca de cerveza sevillana por excelencia les permite mantener la tecnología antigua. ¿Cuál es el mayor encanto de estos bares?
Hay unos pocos establecimientos tradicionales de los que se dice que Cruzcampo les ha permitido mantener “los tiradores antiguos” y que son conocidos por despachar la mejor cerveza de la ciudad. El Vizcaíno, El tremendo y El Jota son los más conocidos. Lo interesante de este tipo de establecimientos es que en ellos, como pasa en muchos otros lugares de la ciudad, se mezcla el público tradicional y rancio con la juventud y el moderneo. Esta mezcolanza tiene ese carácter retrofuturista tan característico de la ciudad.
¿Crees que aún peligran aunque sean punto de encuentro también de gente joven?
Algunos están hasta cierto punto blindados, pero los que se encuentran en lugares clave, pagando en muchos casos alquileres de renta antigua, tienen manadas de hienas «gentrifricadoras» rondándoles, a la espera de poder hincarles el diente.
También nos hablas de El Jueves, el mercado callejero que ha inspirado el último disco de Rocío Márquez. ¿Qué tiene de especial? ¿Es tal y como lo recuerdas o ha ido adaptándose en el tiempo?
Desde hace más de quinientos años se lleva haciendo este mercadillo que es un espejo de lo que hemos sido y de lo que somos. Aquí compramos baratos la mayoría de los discos folclóricos que usamos para samplear en el Califato. Es punto de reunión de toda clase de gente para hacer intercambios y compras o para tomar la cerveza o el vermú de medio día. Tradicionalmente se realiza en la Calle Feria y sus aledaños, pero recordamos una época donde se lo llevaron a la Alameda. Están reduciendo su tamaño y hay una clara estrategia por parte del ayuntamiento para ir eliminándolo poco a poco. Lo último que hicieron fue cargarse la zona que estaba dedicada a la venta de muebles antiguos en la plaza de los Maldonados, según se cuenta, por la próxima apertura de un hotel.
«Si quieres que este tipo de espacios sobrevivan y no eres del barrio puede que lo mejor sea no visitarlos»
¿Qué otros espacios de Sevilla, ajenos a los tópicos turísticos de la ciudad, recomendarías visitar a alguien de fuera y por qué?
Antes que nada decir que si quieres que este tipo de espacios sobrevivan y no eres del barrio puede que lo mejor sea no visitarlos. Seguro que se nos olvidan un buen puñao pero ahí van unos cuantos:
Bares y tabernas
Bar Bartolina: También conocido como El Márquez, que está en la Plaza de la Moravia (al lado de nuestro local de ensayo). Es “el bar perfecto” alineado con las horas de sol de Sevilla, abre cuando da en la terracita el sol por la mañana y cierra cuando se va. Lo lleva solo su dueño, desde antes de la época de la heroína en el barrio.
Taberna Ánima: Vino caliente, buena gente y ambiente. Músicos de conservatorio, poetas y vecinos en una casa sevillana hecha taberna con un encanto y clientela muy especial.
Taberna Gonzalo Molina: Eslabón perdido del flamenco espontáneo que siempre ha estado en la Calle Relator, aunque ahora se ha mudado al lado de la Plaza del Pumarejo.
Bar Kiko: Menú del día y cercanía familiar en el epicentro del guiri y el franquiciado, cerca de la Plaza del Pan.
Bodega Mateo Ruiz (El Muíto del Bacalao): Bacalao por derecho, el gurú del bacalao frito desde hace más de 50 años. Conocido cariñosamente como el Muíto porque el camarero, hijo de la familia, es sordo-mudo.
Bar “el Algabeño”: Comida maternal desde La Algaba con los hijos, camareros currelas, hasta arriba de trabajo. Siempre concurrido en los desayunos y los mediodías detrás del Mercado de Calle Feria.
Otros espacios
La Fábrica de Sombreros: Está ahora cogiendo mucho color con el cariño de la gente que está allí desarrollando diseño, carpintería, tango, flamenco y todos los alrededores creativos de estas artes.
La Bicicletería: Antro con encanto. De hiphop a música de los años veinte sonando en un ambiente de guiris y canallas locales a partes iguales, última parada de la noche entre semana. Puede que esté abierto, puede que no.
La Garrapatería: Azotea “underground”, valga el oxímoron, en la calle Castellar, con vistas al cortijo-palacio de la Duquesa de Alba. Una azotea vecinal de gente de la calle donde se realizan varias actividades culturales.
San Juan de La Palma: Bar de familia, serranito por derecho con salsa verde y papas cortadas a mano.
La Trompeta Verde: Muchos años en el primer piso de calle Castellar, haciendo y promoviendo actividades de cultura escondida.
¿Quedan tablaos o espacios de flamenco alternativos, en los que de repente alguien se ponga espontáneamente a tocar y/o cantar o ya se ha orientado todo a la explotación turística?
En Triana quedan algunos. En el centro, en la calle Relator, está la nueva Taberna Gonzalo Molina (la antigua se caía y cerró hace poco como cuenta el propio Gonzalo en el documental ‘The Passion of Andalucía – Director’s Commentary‘ de nuestro amigo Brandon Li). También está la Peña Flamenca Los Cabales (San Jerónimo), una “pequeña venta” entre el río y San Jerónimo con ambiente de pueblo.
«En los barrios del centro hay preocupación y conciencia de la gentrificación, pero si llega un tiburón y compra la manzana a ver qué hacemos»
Precisamente estos días en los que preparaba esta entrevista, he descubierto una canción muy bonita en el debut de vuestros paisanos Vera Fauna, ‘Dudas y flores‘. Es ‘>Candelaria’, la primera del disco, y en buena parte habla también de la gentrificación de Sevilla. Cantan «cerraron nuestro sitio otra vez» y «solo hay hoteles en la Alameda, están cerrando las mercerías, la memoria y lo que se queda, fuera del centro de Sevilla» y «a saber qué va a pasar, todo es tan caro. ¿Quién ha visto mi ciudad? La están borrando. Todos los rincones que eran parte de mí están cambiados». Demoledor. No sé si la has escuchado, si les conoces y si habéis hablado alguna vez de esto. Pero, ¿es la gentrificación una preocupación para los jóvenes de Sevilla? ¿O es algo residual?
Vera Fauna son colegas y nos vemos en el día a día. Es algo que está pasando y a un ritmo frenético, dentro de nuestro círculo es una gran preocupación. En los barrios del centro hay preocupación y conciencia de la gentrificación, pero si llega un tiburón y compra la manzana a ver qué hacemos. Hay varios colectivos como Cactus, Jartura, La Revuelta que son críticos y concienciadores con el problema, pero hay mucha irresponsabilidad y carencia de medidas eficaces reales para parar esto.
¿Tienes alguna idea de qué se podría hacer para frenar ese desvirtuamiento de las ciudades por el turismo? ¿Sabéis si ya hay iniciativas en Sevilla, populares u oficiales, para hacerle frente? ¿Sois pesimistas al respecto?
Normalmente tanto las administraciones locales como las supralocales están conchabadas con los agentes gentrificadores por lo lo que los métodos más útiles para frenar estos procesos suelen estar en manos de los habitantes de los barrios y de los colectivos ciudadanos. Las medidas deben ser denunciar, criticar y tomar conciencia de cómo funciona esta enfermedad que sufren nuestras ciudades. Además de organizarnos y protestar, también es importante realizar un consumo responsable en el barrio: aunque se tenga poco dinero, podemos elegir ir a gastarlo a los sitios en los que todavía nos miran a los ojos.
Tras una década de éxito paulatino que culminaba, en 2016, con la edición de ‘Aurora‘, Fuel Fandango firman esta semana el disco número 1 de ventas en España con ‘Origen‘. El dúo formado por Cristina Manjón y Alejandro Acosta ya estaba encaminado hacia esta noticia gracias al mencionado ‘Auora’, que llegó a ser top 2, pero la edición física de ‘Origen’ presenta un aliciente que sin duda ha de haber contribuido a su éxito esta semana en la lista de ventas española. Como hemos contado, esta ha «reinventado el disco vivo» incluyendo en su interior una tarjeta-planta con una semilla que cada comprador ha de cultivar. En streaming, por contra, ‘Origen’ es tan solo número 29.
Otra entrada destacada en la lista de ventas esta semana es la de ‘Hotspot‘ de Pet Shop Boys. El nuevo trabajo de los británicos es top 3, exactamente como en Reino Unido, y mejora por tanto el dato de la mayoría de sus discos en nuestro país. De hecho, ‘Hotspot’ es uno de los álbumes de Pet Shop Boys que más alto han debutado en la lista de venta española. Si ‘Super‘ fue top 7 y ‘Electric‘ top 5, hay que remontarse a 1993 para encontrar otro disco de Pet Shop Boys que fuera top 3 en España, y es ‘Introspective‘. En realidad y aunque parezca mentira, Pet Shop Boys nunca han sido número 1 en nuestro país, aunque se quedaron cerca con ‘Actually’, que fue número 2.
Un puesto por debajo de los autores de ‘Very’, en el número 4, entra el nuevo disco en directo de Lori Meyers, grabado desde el WiZink Center. Y ya en e número 21 entra el nuevo «box set» de Depeche Mode, ‘MODE’, que recopila todos los álbumes de la banda británica. Además, la banda sonora de ‘1917’ -una de las películas nominadas a los Oscar- entra en el número 49, ‘Ballistic’, Sadistic’ de Annihilator en el 53, ‘Live from Moscow’ de Elton John en el 59, ‘Bebo de Cuba’ de Bebo Valdés en el 75, ’50 Year Trip: Live at Red Rocks’ de John Fogerty en el 78 y ‘Orígenes’ de Marisol en el 94, tras su homenaje en los Goya.
En cuanto a streaming, y siguiendo con la tendencia de que los discos de reggaetón dominen esta categoría (en muchos casos estos ni siquiera cuentan con edición física), es número 1 hecho Myke Towers con ‘Easy Money Baby’. Por su parte, entra en el número 15 el recopilatorio de canciones de la gala 2 de Operación Triunfo 2020 y en el 91 Jhay Cortez con ‘Famouz Reloaded’.
Los guiños a Olivia Newton-John de Dua Lipa, la fábula carcelaria de Rosalía, los puñetazos de C. Tangana y los arañazos de Natti Natasha, la vaquera Halsey homenajeando a divas del pop, y la nostalgia según Tame Impala. Bajamos la cremallera a cinco de los vídeos más destacados de las últimas semanas y aireamos sus referentes estéticos y narrativos.
Physical (Dua Lipa)
Al igual que el título de la nueva canción de Dua Lipa parece un guiño a la “aeróbica” ‘Physical’ de Olivia Newton-John, el videoclip creado por CANADA también parece lanzar codazos cómplices al gran fracaso -y posterior película de culto- de la carrera cinematográfica de la cantante australiana: ‘Xanadú’ (1980). El colorido hangar con varios decorados donde transcurre el vídeo remite al gran estudio donde Kira -¡hija de Zeus!- y el pintor Sonny realizaban su famoso baile-cortejo con patines (baile que también aparece en el clip aunque no se vean los patines). Pero no es la única coincidencia. Como también ocurría en la película, en ‘Physical’ se utiliza la animación como forma de representar los sentimientos amorosos. La diferencia estriba en que en ‘Xanadú’ el referente es Disney, y en el videoclip es el anime y el lirismo naif de Mathias Malzieu. ‘Physical’ trasmite toda la alegría festiva de un musical ochentero, pero pasado por una sesión de maquillaje de fantasía que tan de moda ha puesto la serie ‘Euphoria‘.
Juro que (Rosalía)
La primera imagen de ‘Juro que’ conecta directamente con el estilo de los primeros videoclips de ‘El mal querer’. Omar Ayuso, famoso por la serie ‘Élite’, aparece caracterizado como un preso al que le han calentado un poco la ñata. Pero hay un detalle en su aspecto que remite al juego iconográfico que se daba en ‘Malamente’ o ‘Pienso en tu mirá’: la tirita dorada. Este contraste entre lo costumbrista y lo estiloso, junto al uso de una paleta de colores verdirroja en los decorados, acerca el último vídeo de Rosalía al universo visual de Almodóvar (ese teléfono rojo parece recién sacado de ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’). Al igual que la letra de ‘Juro que’ parece una reinterpretación de las canciones de la trena que popularizaron Los Chichos o Los Chunguitos, el vídeo también semeja una relectura, en clave narco, del melodrama carcelario. ‘Juro que’ está dividida en tres partes. La primera, con Rosalía vestida de rosa y lágrimas en los ojos, parece corresponder a la primera etapa del encarcelamiento de su amado. La segunda, con la cantante luciendo un escotado vestido amarillo, a un alegre vis a vis. Y la tercera, con Rosalía de rojo y cantando “si no sales tú, entro yo”, al momento de mayor desesperación.
Viene y va (C. Tangana, Natti Natasha)
El boxeador mordiendo la lona, y la corista contando billetes. Esta imagen tan típica del cine negro con la que acaba el videoclip ‘Viene y va’ está inspirada en clásicos del género pugilístico como ‘Cuerpo y alma’ (1947), ‘El ídolo de barro’ (1949) o ‘Más dura será la caída’ (1956), películas que escarbaban en el lado más sórdido y corrupto del boxeo. El formato 4:3, la tipografía retro de los créditos, la fotografía en blanco y negro, los encadenados de una escena a otra, los ambientes humeantes, el aire de femme fatale de Natti Natasha… todo remite a ese cine negro de finales de los cuarenta y principios de los cincuenta. Todo menos el propio C. Tangana, a quien ese traje y ese sombrerete le sientan tan bien como un disfraz de carnaval. ‘Viene y va’ juega con eficacia al anacronismo: imágenes que remiten a la edad dorada de Hollywood ilustrando una canción llena de “mamis” y “perreos”.
You should be sad (Halsey)
No hay muchos videoclips que dialoguen visualmente con otros videoclips. Este es uno de ellos. Colin Tilley, director de premiadas piezas como ‘Alright’ de Kendrick Lamar o ‘Anaconda’ de Nicki Minaj, rinde tributo a varios vídeos conocidos. ‘You should be sad’ comienza con Halsey vestida de vaquera sexy, entrando en un local country como quien entra a un club clandestino de leatheronas. A partir de ahí, entre balas de paja y cuerdas de amarre, se suceden los bailes y los homenajes (confirmados por la propia cantante) a varias divas: las coreografías “sucias” de Christina Aguilera en ‘Dirrty’, el rímel estilosamente corrido de Carrie Underwood en ‘Cry Pretty’, el espectacular traje de leopardo con capucha que lucía Shania Twain en ‘That Don’t Impress Me Much’… También hay una referencia televisiva: la entrada a Studio 54 de Lady Gaga subida a un corcel blanco en el capítulo ‘Chutes and Ladders’ de la quinta temporada de ‘American Horror Story’.
Lost in Yesterday (Tame Impala)
Encuentra las diferencias. Como esos pasatiempos que venían antes en los periódicos, el nuevo videoclip de Tame Impala juega a las diferencias haciendo cuatro panorámicas por una boda setentera en un simulado plano secuencia. Cada vuelta que da la cámara, el banquete es más lujoso, estiloso y animado, y los invitados más saludables, felices y elegantes. El fotógrafo pasa de hacer fotos con una polaroid a rodar con una cámara Super 8. Y los músicos, de ser dos y un magnetófono, a acabar tocando toda la banda en el escenario. También cambia el formato de la imagen, que va pasando del cuadrado tipo diapositiva al panorámico cinematográfico. Pero al final ocurre algo inesperado: regresa la novia embarazada del principio hecha un basilisco, y también la señora malhumorada que apaga su pitillo en la bebida. Como dice la letra de la canción, con el paso del tiempo los malos recuerdos se convierten en buenos. Pero, ¿merece la pena perderse en la nostalgia, o es mejor rasgarla con el cuchillo de la tarta y mirar hacia adelante?
‘Sunshine Kitty’ fue uno de los 20 mejores discos de 2019 para nuestra redacción. Lamentablemente, no se le vio por muchísimas más listas con lo mejor del año. En cualquier caso, Tove Lo está dispuesta a subrayarlo y además de haber estrenado recientemente un single suelto tan solvente como ‘Bikini Porn’, tiene vídeo nuevo para su álbum del año pasado.
‘Are U gonna tell her?’ era una de las mejores canciones de ‘Sunshine Kitty’. Situada hacia la mitad y con la colaboración del brasileño MC Zaac, dotaba a la secuencia de un enorme dinamismo gracias a la incorporación de los ritmos funk de este lugar. La canción, totalmente sensual y bailable, habla sobre acostarse con un chico que tiene pareja y sobre la mañana posterior. El vídeo está totalmente a la altura, incluso superando expectativas.
Alaska está tras la dirección de esta historia en la que la protagonista acude a una cita de mierda con una persona muy maleducada… cuando llega esta misma canción para sacarla de ahí. Un vídeo coreografiado en el que se arde bailando y que realzan todas las virtudes de la grabación. Tove Lo ha explicado que tenía muchas ganas de trabajar con un artista brasileño y que los primeros contactos fueron muy divertidos porque ni MC Zaac ni nadie de su equipo hablaba una palabra de inglés. «Al final encontramos a alguien que tradujera lo que resultó ser una sesión muy divertida de Facetime», indicaba en entrevista con Apple Music.
En cuanto a esa «Alaska» que hace competencia con Olvido, se trata de un dúo de Brasil que lleva trabajando en el mundo de la publicidad y de los videoclips desde 2011. Podéis averiguar más sobre su trabajo en su página web.
‘Rainbow‘ fue el álbum en el que Kesha alzó la voz y dio un paso al frente como autora, tras su denuncia a Dr Luke por abusos. ‘Praying’, a la postre interpretada en los Grammy junto a Cyndi Lauper, Julia Michaels, Bebe Rexha, Camila Cabello y Andra Day, es uno de los mayores himnos del #MeToo. ‘High Road’ va a tener difícil quitarse el sambenito de ser simplemente el disco que ha llegado después de ‘Rainbow’, reuniendo a la vieja y la nueva Kesha. Cuenta la propia artista que hay una parte de sí misma que quiso dejar fuera de su disco anterior, la más hedonista, pero que ahora ha querido recuperarla en agradecimiento a sus seguidores, que siempre han estado ahí apoyándola.
Por eso el largo comienza con un tema que habla de pasar «la mejor noche de nuestras vidas» al margen de novios y distracciones. Ese «me siento bien / no he visto a mi novio desde hace días / pero no me importa una mierda porque estoy colocada» recupera ciertamente el espíritu de ‘Tik Tok’; y el álbum se presentaba con un corte de temática similar, el estrafalario ‘Raising Hell’ que ha perpetrado junto a Big Freedia. Eso sí, que baile no quiere decir que deje de lado la reivindicación y el feminismo está muy presente en ‘My Own Dance’, en la que dice eso, que bailará, pero a su manera.
En esta pista encontramos un par de frases que resumen perfectamente ‘High Road’: en una se muestra «agradecida por los que la aman e incluso por los que la odian», y en otra reivindica poder ser a la vez una «party girl» y «la tragedia». Y eso es lo que encontramos en un álbum que va combinando de manera constante la fiesta con canciones más sentidas. En el primer grupo podríamos situar ‘Kinky’, que con elementos de pop ochentero habla sobre el poliamor; o la divertidilla ‘Birthday Suit’, con elementos de rap y sonido de videojuegos. En el segundo, el baladón con Autotune ‘Father Daughter Dance’, sobre la congoja que le produce haberse criado sin padre; o ‘Cowboy Blues’, una canción de amor con ukelele.
Ambas Keshas son perfectamente compatibles y dejan sus puntos reivindicables. El corte titular va por el «buen camino» en su mezcla de pop a lo Klaxons y «big beat» a lo ‘Let Forever Be’, con una letra que habla sobre la cultura de la cancelación. Y como es de esperar, la cantante es capaz de hacer baladas muy bonitas, no especialmente edulcoradas. ‘Resentment’ con Sturgill Simpson y coros de Brian Wilson es una doliente balada sobre una dependencia tóxica («no te odio, es peor que eso / porque me haces daño y no soy capaz de reaccionar») y ‘BFF’ es un medio tiempo absolutamente cuco junto a Wrabel en el que se dedica a exaltar la amistad. Ella está histérica porque tiene que actuar en los Grammy; él le hace llegar unos caramelos con forma de polla para que se anime.
¿Qué falla por tanto en el cuarto disco de Kesha? La ausencia de un tema con la pegada de ‘Die Young’ es muy evidente en un álbum que ha optado por incluir hasta 15 pistas, muchas de las cuales empiezan a sonar demasiado a «bonus tracks» sobre todo hacia el final. ‘The Potato Song’, sobre literalmente plantar patatas si te da la gana, tiene cierta gracia en su homenaje a los Beatles o a Fools Garden, pero tiene cierto aura de «canción solo apta para fans», sobre todo después de toda una retahíla de canciones sobre «haters» y autoestima como ‘Shadow’ («If you don’t like me you can suck my ****») y ‘Honey’. En esta habla de su estatus de «leyenda cuando la buscas en Google», pero para serlo hay que ponerse siempre por debajo de la canción, y cuidar un poco más la universalidad de tu mensaje.
Clasificación: 6,3/10 Lo mejor: ‘Resentment’, ‘BFF’, ‘Cowboy Blues’, ‘Kinky’, ‘High Road’ Te gustará si te gustan: lo mismo Taylor Swift, Lady Gaga y Katy Perry Escúchalo: ‘Resentment’ en Youtube
Si no os suena el nombre de Meg Myers no será porque no hayamos insistido por aquí desde que hace unos 6 años apostáramos por ella como una artista de futuro. Por entonces se disponía a publicar ‘Make A Shadow’, su segundo EP en Atlantic Recordings (subsidiaria de Warner), con temas de un personal rock a medio camino de Tori Amos y Garbage. Poco después la misma multinacional lanzaría ‘Sorry‘, su álbum debut, en el que brillaban también singles como ‘Desire’, ‘Lemon Eyes’ o el corte titular. Sin embargo, la compañía perdió la confianza en ella, rompiendo su contrato y abocándola al mundillo independiente, en el sello 300 Entertainment, especializado en nuevo rap, principalmente. Tres años después publicaba en este ‘Take Me to the Disco‘, un trabajo notable con ecos de Smashing Pumpkins, Depeche Mode o Florence + The Machine presidido por la gran ‘Numb‘.
No tuvo, en todo caso, demasiada repercusión en medios especializados. Desde entonces, Myers venía haciendo incansable giras autogestionadas por pequeños clubs de EEUU, manteniendo un perfil más bien bajo y dejando serias dudas de que pudiera remontar. Hasta que en marzo del año pasado tomó una decisión que ha cambiado su suerte. Reticente desde siempre a grabar versiones –»Siempre quise escribir mis propias canciones porque sabía que sólo podía interpretar música y letras que fueran verdaderamente auténticas, desde mi corazón (y que cobraran sentido con mi voz profunda)», decía en un post de su web–, decidió publicar una versión de ‘Running Up That Hill (Deal with God)‘, el mítico tema que Kate Bush publicó en 1985, con nuevos arreglos de sintetizadores creados junto a su productor de confianza, Chris «Leggy» Langdon. Pero, ¿por qué lo hizo en este caso? «Durante años esta canción resonaba en mí como nada lo había hecho antes», explicaba. «¿Y si pudiéramos experimentar una inversión de roles? ¿Cómo sería vivir en los apatos del otro? (…) Esta canción representa para mí abrir nuestros corazones y una posibilidad de aceptación para todos. Para mí, este es un importante mensaje para el mundo en el que vivimos ahora», concluía.
Y lo cierto es que, muy poco a poco, el mensaje ha calado. Su versión –para la que se lanzó un vídeo oficial de animación coloreado por, literalmente, miles de niños– ha ido ganando aceptación paulatinamente gracias al boca-oreja, y no precisamente gracias a las playlists de Spotify, puesto que la canción no ha entrado en las más importantes. De hecho, si miramos su perfil, ‘Running Up That Hill’ dista muchísimo de los 18 y 16 millones de reproducciones de ‘Desire’ y ‘Lemon Eyes’, y sigue por debajo de ‘Numb’ o ‘Sorry’. Pero, por segunda semana consecutiva, la canción está en el número 1 de la lista de Billboard de canciones alternativas. Un auténtico triunfo para una artista autogestionada y que ha tenido su mejor aliado en las emisoras de radio independientes. El espaldarazo definitivo fue su aparición en televisión hace un par de semanas, en el programa de Jimmy Kimmel.
Dua Lipa continúa siendo lo más votado de JENESAISPOP con ‘Don’t Start Now’ mientras además ahora es candidata con su nuevo sencillo ‘Physical’. No hay entradas en el top 20, pero sí en la mitad baja da la tabla, donde encontramos a PUTOCHINOMARICÓN tras su paso por la tele con ‘Ojalá te murieras’, Vicente Navarro, el dúo de Tangana con Nattasha y Mucho. Toca despedirse de ‘Die a Little Bit’ y ‘Champion of the World’, ambas con 10 semanas y en esa mitad baja. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.
Rosalía ha sido en las últimas horas protagonista (colateral) de una pequeña polémica que ha tenido lugar tras la celebración de los premios Grammy. El origen de la polémica es un breve vídeo en que Dua Lipa y la autora de ‘Juro que‘ aparecen, junto a otras personas, en un club de striptease de Los Ángeles festejando frente a un grupo de bailarinas que hacen twerking. En el vídeo, Dua Lipa es vista tirando billetes sobre las espaldas de las bailarinas, gesto que ha sido criticado en las redes sociales por supuestamente ir en contra de los ideales feministas que Dua proclama. Por contra, numerosos fans de la británica se han volcado con ella para argumentar que el feminismo no prohíbe necesariamente a las mujeres explotar su propio cuerpo por decisión propia.
La controversia es hoy motivo de un artículo de El Español centrado en las connotaciones clasistas del vídeo en cuestión, que ha sido apoyado por artistas como Guille Galván de Vetusta Morla o NEGA de Los Chikos del Maíz. El artículo de Lorena G. Maldonado compara a Rosalía con Jesús Gil y examina el «garrulismo (y machismo) de los fiestones con strippers» aunque sin mencionar que la fiesta había sido organizada por Lizzo (icono del movimiento body positive) o que Rosalía, al contrario que Dua Lipa, ni siquiera es vista en el vídeo lanzando billetes, pues en él se limita a bailar con el móvil en la mano. En cualquier caso, el mensaje último que parece expresar el artículo de El Español es que la misma presencia de Rosalía en la fiesta es suficiente motivo para poner en duda el feminismo de ‘El mal querer‘ (algo que el mencionado medio ya ha hecho en otro texto) al entenderse que con ella está participando en y apoyando la cosificación de la mujer, en lugar de la emancipación de la opresión machista que defiende su segundo disco ganador de un gramófono.
En Twitter, Galván ha defendido el artículo de El Español y ha subrayado que sus valores éticos siempre estarán por encima de cualquier manifestación estética de la riqueza que pueda darse en el pop: «Hacer ostentación permanente de pasta, éxito, joyas y strippers siempre ha sido una paletada, venga de la cuenta de IG que venga. Lo haga Rosalía o Don Johnson». Y ha añadido: «Más allá de Rosalia, quizás tengamos que preguntarnos por qué lo “urban” entendido en un sentido amplio está más cerca de Gucci y sus ostentaciones que de ninguno de los barrios trabajadores que salen en sus vídeos». Por su parte, NEGA ha celebrado el texto de El Español escribiendo que «por fin el periodismo cultural se atreve a decir que tirar billetes, derramar champán y las limusinas extravagantes es una paletada propia de Jesús Gil y no algo moderno. Que tomen nota en Vice». Entre las respuestas al hilo de Twitter en cuestión, una usuaria indica que los billetes «eran falsos» y llevaban «la cara de Lizzo» impresa y que las bailarinas eran de hecho amigas de la autora de ‘Cuz I Love You‘.
El debate despertado por el vídeo ha puesto sobre la mesa también cuestiones de «postureo». Por ejemplo, Pepo Márquez no ha dejado de recordar amablemente a Galván que «la pose y la ostentación forman parte de la cultura hip hop (cultura urbana, para otros) desde su génesis», a lo que Galván ha respondido «que a veces da la sensación de que es más fácil quedarse con el envoltorio que con el contenido». De esta idea de la pose nos hablaba recientemente Pablo und Destruktion en su análisis sobre el trap: “El trap es interesante porque juega mucho con la mentira, el “fake it until you make it”, por eso representa tanto el momento presente, de apariencias, de mentiras y de ficciones». Realidad o ficción, el vídeo muestra a dos jóvenes estrellas del pop participando en un «juego» de clases -o más bien de roles- en el «place to be» tras los Grammys… ¿da el vídeo para semejante drama o estamos volviendo a atizar demasiado fuerte el martillo de la cancelación?
i just woke up to #dualipaisoverparty and im laughing y’all are really some dumb hypocritical shits. since when are women not allowed to go to strip clubs? women supporting women is all i see here. pic.twitter.com/vZE4tpXBeS
Operación Triunfo no está registrando su mejor momento en audiencia y anoche bajaba a un 12,3% de share. No es la edición que más está enganchando pero al menos hay que elogiar la variedad en el repertorio del programa. Si en su edición exitosa de 2017-2018 y con Guille Milkyway como profesor, ‘La revolución sexual’ fue una de las canciones corales y a la postre de las más importantes del repertorio en directo de la gira de aquel año, ahora otro tema de La Casa Azul ha vuelto a ser interpretado en el programa.
Se trata de ‘Podría ser peor’, uno de los singles de ‘La gran esfera’. A la espera de si da una nueva vida a la canción, como sucedía con ‘La revolución sexual’, que ya suma 23 millones de streamings en Spotify (!!); fueron los concursantes Anne y Bruno quienes la defendieron en vivo. Él realizaba una interpretación correcta, quizá demasiado achispada para una canción que habla sobre el fin del amor, pero ella pinchaba en su actuación, con menos gas que una cerveza abierta hace una semana. Fue nominada, aunque la salvaron los compañeros.
A destacar, eso sí, la simpática coreografía y sobre todo la puesta en escena, entre el chillwave, ‘La polinesia meridional’ y las formas geométricas vistas en el diseño de ‘La revolución sexual’ (el disco). Los detalles consiguieron que la presentación fuera mucho menos hortera que la de ‘La revolución sexual’ (la canción) en su momento.
Por otro lado, no será de manera totalmente improbable la única canción del sello Elefant que veremos esta edición, pues ‘Dinamita’ está en el listado de la gala de la semana que viene, como ha filtrado su misma autora, La Bien Querida, a través de Instagram. La interpretará Maialen y seguro que es el espaldarazo definitivo para que haya «sorpasso» respecto a ‘7 días juntos’, el que fue el single principal del disco que lo contenía, ‘Fuego‘.
Hoy Promusicae publica al fin la lista anual de lo más vendido y escuchado en España, semanas después de que hayamos conocido las tablas similares de otros países. En cualquier caso la lista viene acompañada de buenas noticias, pues aunque habrá informe aparte y más completo, se avanza que la industria musical española ha crecido un 20% durante 2019 gracias al auge del streaming sobre todo, pero también gracias a un leve repunte del soporte físico (!).
Efectivamente, por primera vez en 5 años, el mercado físico sube, si bien lo más significativo en cuanto a números es que cada vez más gente se ha suscrito a Amazon Music, Apple Music, Deezer, Google Play, Napster, Spotify, Tidal o YouTube Music. De los 10 millones de españoles que los utilizan, 3 millones de usuarios son Premium, un 30% más que en 2018, lo cual sirve para sanear un poco los números de nuestra tristona industria. En cuanto a los 100 discos más vendidos y los 100 más escuchados, las listas nos dejan estas noticias:
Alejandro Sanz sigue siendo el más vendedor
Como si siguiéramos en 1998, Alejandro Sanz fue el artista que más discos vendió en España en 2019, gracias a la buena acogida de ‘#ElDisco‘. El álbum está certificado como doble platino por la distribución de más de 80.000 unidades, pero es que además el largo logra ascender hasta el puesto 33 en el anual de «streaming álbumes». No es el artista que mejor aúna ventas y streaming, pero se queda cerca, especialmente gracias a su dúo con Camila Cabello, que aparece en el número 91 del anual de singles. Así ha quedado el top 10 de ventas del año pasado en nuestro país:
1.-Alejandro Sanz / #ElDisco
2.-Manuel Carrasco / La Cruz del Mapa
3.-El Barrio / El Danzar de las Mariposas
4.-Rosalía / El mal querer
5.-Aitana / Spoiler
6.-BSO Bohemian Rhapsody
7.-Vanesa Martín / Todas las mujeres que habitan en mí
8.-Leiva / Nuclear
9.-Marea / El azogue
10.-Pablo Alborán / Prometo
‘X 100 pre fue el disco más escuchado
‘X 100pre‘, el disco que salía en la Nochebuena de 2018, ha terminado siendo el disco más oído de 2019 beneficiándose de que estuvo durante todo el año disponible, pero también de su solidez, por supuesto. Además, hasta 6 canciones de Bad Bunny aparecen entre las 100 más exitosas del año en España, encabezadas por ‘Callaíta’, que no está en este disco. Así ha quedado el top 10 de discos más escuchados en nuestro país en 2019:
1.-Bad Bunny / X 100pre
2.-Leiva / Nuclear
3.-Billie Eilish / When We All Fall Asleep, Where Do We Go?
4.-Rosalía / El mal querer
5.-J Balvin, Bad Bunny / Oasis
6.-Ozuna / Aura
7.-Morat / Balas perdidas
8.-Manuel Carrasco / La cruz del mapa
9.-Anuel AA / Real hasta la muerte
10.-Aitana / Spoiler
Rosalía, Leiva, Carrasco y Aitana venden y son oídos
Hay un tipo de artista que vende y además es escuchado al mismo tiempo. Pese a su edición en 2018, han continuado vendiendo cantidades ingentes de copias ‘El mal querer’ de Rosalía y ‘La cruz del mapa’ de Manuel Carrasco, si bien es cierto que este ha recurrido a una reedición. Más curioso es el caso de Aitana: la joven cantante que no ganó OT es por supuesto una máquina de generar streamings, pero en ventas incluso aparece más alto. Leiva también tiene un público variado y de diversas generaciones que lo mismo compra ‘Nuclear’ que escucha su música.
El público español no compra discos internacionales
Es la misma Promusicae quien habla del «escaso margen para la música internacional» que deja el éxito de los artistas nacionales en cuanto a ventas. En el top 10 de 2019 aparece la banda sonora de ‘Bohemian Rhapsody’ pero hay que irse hasta el puesto 19 para encontrar en el anual un disco de estudio de un artista internacional. Se trata de ‘Western Stars’ de Bruce Springsteen. Más abajo encontramos a Billie Eilish, en el 23 de ventas pero ojo en el puesto 3 de streaming; BTS (24 en ventas), Coldplay (37), Ariana Grande (44), Taylor Swift (50), Madonna en uno de sus mejores datos internacionales (54) o Rammstein (63). Ariana Grande brilla en “streaming albumes” (14) más que Taylor Swift (57), mientras el resto de artistas mencionados en este punto no aparece entre lo más oído, ni siquiera los jóvenes BTS.
El éxito en ventas de Amaral, Fangoria y Manel
¿No hay grupos españoles que vendan discos? Sí, algunos. Estopa aparecen un poco mejor situados de lo que esperábamos al llegar al puesto 11 anual con ‘Fuego’, Camela son top 13 con ‘Rebobinando’ y Amaral top 17 con ‘Salto al color’. Parecen más que nada la excepción que confirma la regla, si bien también hay que destacar la resistencia de Fangoria (puestos 31 y 75 con las dos partes de su recopilatorio de versiones), Manel (top 76 con el complicadete ‘Per la bona gent’) y muy especialmente Izal y Vetusta Morla. Pese a que no han sacado disco en 2019, ambas bandas siguen entre lo más vendido y además entre lo más escuchado con ‘Mismo sitio, distinto lugar’ y ‘Autoterapia’.
El éxito en streaming de Cupido, Miss Caffeina, Sadness
En general, y como era de esperar después de nuestro repaso semanal a listas de discos y streaming, los discos más escuchados no se suelen corresponder exactamente con lo más vendido. En la lista de discos más oídos sí encontramos a Cupido (59), Carlos Sadness (68), XXXTentacion (66), Miss Caffeina (83) o Avicii (98), además de a varios artistas de reggaetón y urban como Maluma, que aparece en los puestos 18 y 62 con sus dos últimos álbumes.
Amaia y Lola Indigo no son lo más querido de OT
Hemos visto a Aitana a la cabeza de ventas y streaming, ¿pero qué más artistas de Operación Triunfo han convencido al público? Natalia Lacunza aparece en el puesto 25 de ventas y en el 54 de streaming con ‘Otras alas’, Cepeda en el 26 de ventas y en el 52 de streaming con ‘Principios’ pese a datar de 2018, Alfred García en el 29 de ventas y en el 45 de streaming pese a que ’1016’ salió también en 2018, Alba Reche llega al puesto 32 con ‘Sus canciones’ y al 47 con ‘Quimera’, Lola Indigo al puesto 33 y al 46 de streaming con ‘Akelarre’, Ana Guerra al 35 con ‘Reflexión’ y Amaia está en el 42 de ventas y en el 95 de streaming con ‘Pero no pasa nada’, entre otros. ‘Amuza’ de Miki Núñez aparece entre lo más oído pero no entre lo más vendido.
‘Contando lunares’, canción más exitosa de 2019
Si lo raro es ver un artista internacional en la lista de los discos más vendidos del año, lo raro es ver un artista español en la lista de las canciones más exitosas del año. Don Patricio sí está en la canción más exitosa del año, que es ‘Contando lunares’, pero la mayoría de los artistas en el top 10 son hombres latinoamericanos. Don Patricio no es ningún “one hit wonder” porque está en el puesto 15 anual con ‘Enchochado de ti’ y también aparece en la parte baja de la tabla con ‘Lola Bunny’. Así queda el top 10 de canciones más exitosas del año.
1.-Don Patricio, Cruz Cafuné / Contando lunares
2.-Daddy Yankee, Snow / Con calma
3.-Pedro Capó, Farruko / Calma (remix)
4.-Anuel AA, Daddy Yankee, Karol G, J Balvin, Ozuna / China
5.-Ozuna / Baila baila baila
6.-Rosalía, J Balvin, El Guincho / Con altura
7.-Bad Bunny, Tainy / Callaíta
8.-Lunay, Daddy Yankee, Bad Bunny / Soltera (remix)
9.-Jhay Cortez / No me conoce
10.-Anuel AA, Karol G / Secreto
Rosalía, única española en el top 10 de canciones
Solo 2 mujeres aparecen en el top 10 de canciones más exitosas de 2019. Karol G aparece en ‘China’ pero es tan solo 1 de sus 5 artistas principales. Rosalía llega al puesto 6 pero en este caso asistida por J Balvin en ‘Con altura’. Rosalía también es número 12 de la lista anual con ‘Yo x ti, tú x mí’, número 50 con ‘Malamente’ (2018), número 54 con Milionària’, número 90 con ‘Antes de morirme’ junto a C. Tangana (2016) y tan sólo número 94 con ‘Aute cuture’. En cuanto a Puchito, su mayor éxito este año ha sido ‘Pa’llamar tu atención (55), quedando en el 58 con ‘Booty’ (2018).
‘Señorita’, Sheeran y Eilish, entre los éxitos anglosajones
La canción en la que el idioma principal es el inglés más exitosa del año es ‘Señorita’ de Shawn Mendes y Camila Cabello, puesto 16, y quizá gracias a su corte latino. Hay que ir más allá del top 20 para encontrar ‘I Don’t Care’ de Ed Sheeran y Justin Bieber (22) y ’bad guy’ de Billie Eilish (23). Mención especial merece la canción en italiano de Mahmood, ‘Soldi’, que pese a no haber ganado Eurovisión, llega al top 38 de la lista anual.
Este viernes se lanzaba oficialmente ‘Universo’ de Blas Cantó, la canción que representará a España en Eurovisión y además de su cuestionable calidad -ojo, hay quien la defiende– sus resultados comerciales están siendo más que modestos. Quizá en parte porque se estrenaba en la web de RTVE y en Youtube, Spotify España no la ha acogido en su playlist de novedades precisamente con los brazos abiertos, situándola en el lugar número 24 de 50. En consecuencia, ‘Universo’ entraba a un humillante puesto 189 en Spotify España el pasado viernes, desapareciendo del top 200 en las listas de sábado y domingo, pese a su buena acogida en Youtube, donde continúa «trending». Con estos números es imposible que llegue al top 100 oficial de Promusicae, donde no cuenta el visor de Google, al menos hasta que se produzca alguna promo televisiva o ya el festival en sí.
La canción ha sido acogida con tibieza en nuestro foro de Eurovisión, donde por ejemplo Anwi opinaba que «esta canción no tiene sentido fuera de Eurovisión (dentro tampoco aunque esta gente piense que sí). En ese sentido es muy ‘Amanecer’. Y en Eurovisión esas cosas tan forzadamente hechas para el festival como que se despeñan normalmente. Llevamos unos años que lo que triunfa en términos generales son canciones que se desempeñan muy bien en ese escenario pero que podrías oírla fuera de él». Más o menos el mismo «vibe» que ha dejado el tema en Wiwibloggs, algo así como la Biblia internacional de Eurovisión ahora mismo.
En esta web, la canción era presentada la pasada semana y los comentarios más populares son todos negativos. “De verdad me gusta, pero siento que el estribillo no es tan sólido como debería”, dice uno. “El principio me recuerda a ‘Perfect Life’, esto no va a ningún lugar cercano a la cima. ¿Dónde está el final épico del que habían hablado?”, dice otro. ”Todavía estoy esperando que España mande una canción de reggaetón. Supongo que lo harán cuando la tendencia del reggaetón ya esté muerta y enterrada”, indica una tercera persona. “Es simplemente tan… blanda. ¿Cómo puede ser que manden una canción perfecta a Eurovisión Junior, y esto sea una balada pop totalmente del montón? Tiene potencial en cuanto a puesta en escena pero creo que no llegarán al top 15. Qué decepción”. Aunque es pronto para valorarlo, porque la mayoría de países no ha revelado su canción representante, España está ahora mismo en el puesto 19 en las casas de apuestas.
Shakira y Jennifer Lopez han sido las encargadas esta noche de ofrecer el espectáculo musical televisado más visto de Estados Unidos, el que tiene lugar durante el intermedio de la Super Bowl. Y aunque ha tenido cosas mejorables (el playback de Shakira era demasiado obvio), sí puede contarse entre los mejores de la historia del evento.
Obviamente, la actuación -que ha tenido lugar en Miami, unas de las ciudades americanas con mayor población hispanohablante- ha sido una celebración a escala masiva, de hecho global, pues el intermedio es seguido en todo el mundo, de la cultura latina, y esta ha sido el eje central del show tanto en lo musical (el repertorio, las músicas utilizadas) como en lo simbólico (ciertas puestas en escena). A grandes rasgos, estas han sido las 5 claves en que Shakira y Jennifer Lopez han proclamado su orgullo latino en la Super Bowl:
El lengüetazo de Shakira
El rápido gesto de lengua de Shakira mirando intensamente a cámara se ha convertido en el meme oficial del intermedio. ¿Pero es solo un meme? ¿Era de hecho intencionado? Parece que no: se trata de un gesto típico de los carnavales de Barranquilla, la localidad colombiana de la que Shakira Isabel Mebarak Ripoll es oriunda. En concreto, es una referencia a La Danza Son de Negros, y Shakira la ha integrado lógicamente durante su interpretación de ‘Hips Don’t Lie’: sí, la canción del «mira, en Barranquilla se baila así». Por supuesto, internet ha hecho el resto.
Algunos no entendieron porque Shakira hizo gestos con su lengua. Les presento la Danza: Son de Negros. Vengan al carnaval de Barranquilla y aprendan algo de nuestra danzas. pic.twitter.com/thIgzBLPlP
La lengua española no ha tenido demasiada cabida nunca en la Super Bowl. En 1992, Gloria Estefan se convirtió en la primera artista latina (ella es cubana) en actuar en el intermedio, pero cantó dos canciones en inglés, ‘Get on Your Feet’ y ‘Live for Loving You’. Volvió en 1999 para actuar junto a Stevie Wonder, pero la única frase en español que salió de su boca fue la del estribillo de ‘Oye’, de estrofas también en inglés. Y en 2000, la Super Bowl invitó a Christina Aguilera (que es de origen ecuatoriano) y a Enrique Iglesias a cantar una canción precisamente en este idioma, ‘Celebrate the Future Hand in Hand’. Ha tenido que llegar 2020 para que el español tenga un poco más de protagonismo en el «halftime show» gracias al mash-up en clave de salsa de ‘Chantaje’ y ‘Callaíta’ o a la presencia de temas como ‘Rabiosa’ o ‘Mi gente’.
La bandera de Puerto Rico
También ha habido lugar en el intermedio de Shakira y Jennifer Lopez para la política. Jennifer, que se crió en el Bronx pero es de descendencia portorriqueña, durante su actuación ha llevado sobre la espalda una enorme capa/bandera de Puerto Rico que en su dorso lucía la bandera americana. Esto mientras su hija de 11 años Emma cantaba ‘Born in the USA’ de Bruce Springsteen alto y claro seguramente para que Donald Trump la escuchara. Además, el gesto es de apoyo máximo a este país después de los terribles huracanes que lo han sacudido en los últimos años y también a la controvertida dimisión de su anterior presidente, Ricardo Rosselló, acusado de corrupción. Dimisión que era muy celebrada precisamente por el también portorriqueño Bad Bunny, entre otros.
Mientras el homenaje del intermedio a Kobe Bryant ha pasado más desapercibido, el coro de niños encerrados en jaulas cantando durante la actuación de Jennifer Lopez ha sido muy importante y no ha podido estar más cargado de simbolismo. La política migratoria de Trump, que ha llevado a miles de niños inmigrantes procedentes de Centroamérica y de México a ser separados de sus familias y posteriormente encerrados en cubículos popularmente conocidos como «jaulas», por su uso último que es el de privar a estas personas de libertad; ha sido duramente criticada incluso por Naciones Unidas, que en 2018 advertía a Trump de la ilegalidad de esta práctica.
Shakira y Jennifer Lopez tienen suficiente recorrido y suficientes hits como para haber actuado solas en el intermedio como hizo Lady Gaga, pero en su celebración de la cultura latina no han dejado de invitar a los artistas latinoamericanos más populares del momento: J Balvin, que es colombiano como Shakira, y Bad Bunny, que es portorriqueño como J Lo. Y ninguno de ellos debería ser desconocido para Estados Unidos: tanto J Balvin como Bad Bunny han sido número 1 en el país gracias a ‘I Like It’ de Cardi B, y mientras ‘Mi gente’ alcanzaba el top 3 gracias a un remix con Beyoncé pero con el español como idioma principal, ‘MIA’ de Bad Bunny con Drake lograba el top 5.
A su pesar, María José Llergo tendrá que lidiar durante la promoción de su primer EP, casi inevitablemente, con las comparaciones con Rosalía como voz llamada a cambiar el patrón del flamenco tradicional y trasladarlo a un lenguaje contemporáneo. Pero hace tiempo que esa idea, tan abierta y ambigua, quedaba desterrada: el enfoque que la cordobesa ha ido mostrando en los distintos avances a este debut oficial es lo bastante distinto como para que no quepa duda. Llergo, si acaso, tendría más que ver con la renovación iconoclasta que, desde la jondura, hace Rocío Márquez. Incluso diría que, de algún modo, si hay una artista próxima a su sensibilidad esa sería Sílvia Pérez Cruz, aunque su mundo tenga más que ver con el folclore en general que con el flamenco en particular.
En todo caso, liberadas estas referencias que ayudan a enmarcar su arte, lo que la artista de Pozoblanco condensa en ‘Sanación’ es lo suficientemente personal como para eludir ya cualquier semejanza. Se trata de un disco que, pese a su considerable brevedad –7 cortes en unos 27 minutos de duración–, es enormemente denso en muchos aspectos. Lo es en lo simbólico de esa portada que presenta “un entorno natural encerrado en uno artificial, como se ha sentido ella a menudo en la ciudad, y un código de barras, símbolo reapropiado del capitalismo. Como también le decía su abuelo: “Canta, cobra, pero no te vendas””. Y el disco comienza con un diálogo precisamente con ese hombre que la ilustró en los cantes antiguos, dándole la bienvenida a su casa. Así arranca una ‘¿De qué me sirve llorar?’ en la que el sonido de la azada y la tierra removiéndose marcan el compás. Pese a su juventud y su apertura, Llergo ama su origen rural y respeta profundamente su tradición cultural.
De manera análoga, ’Sanación’ es un título que marca el carácter auto-terapéutico de este trabajo para María José: “Es un álbum conceptual: tema por tema voy abordando cuestiones que me preocupan o que me han hecho daño, intentando canalizarlas en forma de belleza, para que el dolor no me destruya ni me haga peor persona. (…) necesitaba sanarme antes de entregarme”, dice en voz propia en su nota de prensa. Esto se traslada a una cuidada poesía de ecos populares, de inspiración lorquiana (aunque ella es letrista de cada tema, con excepción de las tonás adaptadas en ‘Soy como el oro’). Así, acomete con gran lirismo la autoestima, la soledad de estar alejada de los suyos, el abandono traumático de la niñez y la empatía con el sufrimiento ajeno.
Esa transición personal se plasma también como un viaje en el aspecto musical. Una travesía que se divide en dos partes: una primera más espiritual, etérea y densa, protagonizada por ambientes de sintetizadores y ayeos, con la archiconocida ‘Niña de las dunas’ como pináculo y acertado contrapunto de sencillez; y una segunda en la que la producción de Lost Twin –el trabajo de Carlos Rivera Pinto es tan crucial como la orgánica guitarra flamenca de Marc López– va virando hacia espacios más modernos en lo estético, con sintes y cajas de ritmo vistiendo los compases 3/4. Y así, tras la sobrecogedora ‘Nana del Mediterráneo’, la sobresaliente ‘El péndulo’ y ‘Me miras pero no me ves’ nos llevan a un espacio único en el que FKA twigs y Arca pueden convivir con Lole y Manuel o La Paquera de Jerez con todo el sentido.
Esa veta hallada por Llergo es, quizá, el punto de partida de una carrera que se promete larga y aventurada, en la que este ‘Sanación’ ejerce de paso iniciático. Quizá es demasiado hermético –la ejecución es perfecta, pero quizá no transmite tanta emoción como cabría desear–, y cierto es que se habría agradecido algo más novedad contrapuesta a temas que tenemos ya tan interiorizados como ‘Niña de las dunas’ –se lanzó a finales del verano de 2017– y ‘Nana del Mediterráneo’. Pero no cabe duda de que ‘Sanación’ es sobre todo una base firme, asentada y prometedora, en la que el arte está por encima de lo comercial. Su abuelo puede estar tranquilo: la Llergo no se ha vendido a nada ni nadie. Antes de presentarse en festivales como Vida Festival o Bilbao BBK Live, María José Llergo presentará ‘Sanación’ en una gira que comienza el próximo 14 de febrero en L’Auditori de Barcelona.
Clasificación: 7,7/10 Lo mejor: ‘Niña de las dunas’, ‘Nana del Mediterráneo’, ‘El péndulo’, ‘Me miras pero no me ves’ Te gustará si: en tu discografía conviven Rocío Márquez y FKA twigs. Escúchalo:Spotify
El cartel de Sound Isidro va tomando forma y, después de confirmarse en él la presencia de artistas internacionales como Mulatu Astatke, Omar Souleyman o Holy Fuck y de otros nacionales como la revelación Califato 3/4 o Fasenuova, el festival anuncia hoy una gran tanda de 18 nombres entre los que destaca Bill Callahan, uno de los compositores de folk americano más queridos de las últimas décadas, y que en 2019 entregara el Disco Recomendado ‘Shepherd in a Sheepskin Vest‘.
Entre los confirmados se encuentra también la orquesta multicultural neoyorquino Antibalas, la cubana-española Luna Ki, que actuará junto a Samantha Hudson; la mexicana-salvadoreña establecida en Los Ángeles Angélica García, el taiwanés Alex Zhang Hungtai (antes conocido como Dirty Beaches), los brasileños Boogarins, que estarán acompañados por los gallegos Moura; o los madrileños Rata Negra, que compartirán escenario con Lisasinson, el nuevo fenómeno punk-pop estatal.
Además, Sound Isidro contará con los regresos de los andaluces Trepàt y el de los madrileños Sou Edipo, pero también con despedidas como las de los cántabros Templeton. Además, Pablo Und Destruktion, que recientemente nos concedía una interesantísima entrevista, presentará su nuevo trabajo; y actuarán juntos por un lado El Petit de Cal Eril y Ferran Palau; y por el otro Futuro Terror y Wild Animals. Las entradas están a la venta en WeGow.
Una noticia mala y otra buena para los fans de Savages: la mala es que el grupo seguirá sin sacar disco al menos de momento, la buena es que el primer single en solitario de Jehnny Beth, el fantástico ‘I’m the Man’ que pasaba por nuestra sección «La Canción del Día», no era una cosa puntual y aislada.
Låpsley, uno de los jóvenes talentos más prometedores de 2016 -aunque su mayor éxito, ‘Station’, con más de 30 millones de reproducciones en Spotify, data de un año antes-, ha anunciado al fin su regreso con un nuevo disco que verá la luz el próximo 20 de marzo a través de XL Recordings.
Desde que publicara su primer disco importante en 2007, ‘
Después de publicar 
Lido Pimienta sigue avanzando, ‘Miss Colombia’, el disco que publica el próximo 17 de abril y que es especialmente esperado al ser el primero desde que la cantante y compositora colombiano-canadiense 
La de Depeche Mode 
Rosalía protagoniza esta semana la entrada más fuerte en la lista oficial de singles española con ‘
José Luis Cuerda, director de películas tan queridas como ‘El bosque animado’, ‘Amanece, que no es poco’ o ‘La lengua de las mariposas’, ha fallecido a los 72 años en Madrid a consecuencia de una embolia, según 
Después de meses de runrún, 
Tras una década de éxito paulatino que culminaba, en 2016, con la edición de ‘
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Si no os suena el nombre de 
Dua Lipa continúa siendo lo más votado de JENESAISPOP con ‘Don’t Start Now’ mientras además ahora es candidata con su 
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Rosalía ha sido en las últimas horas protagonista (colateral) de una pequeña polémica que ha tenido lugar tras la 
Operación Triunfo no está registrando su mejor momento en audiencia y anoche bajaba a un 12,3% de share. No es la edición que más está enganchando pero al menos hay que elogiar la variedad en el repertorio del programa. Si en su edición exitosa de 2017-2018 y con Guille Milkyway como profesor, ‘La revolución sexual’ fue una de las canciones corales y a la postre de las más importantes del repertorio en directo de la gira de aquel año, ahora otro tema de La Casa Azul ha vuelto a ser interpretado en el programa.
Hoy Promusicae publica al fin la lista anual de lo más vendido y escuchado en España, semanas después de que hayamos conocido las tablas similares de otros países. En cualquier caso la lista viene acompañada de buenas noticias, pues aunque habrá informe aparte y más completo, se avanza que la industria musical española ha crecido un 20% durante 2019 gracias al auge del streaming sobre todo, pero también gracias a un leve repunte del soporte físico (!). 
Este viernes se lanzaba oficialmente 
Shakira y Jennifer Lopez 
El cartel de Sound Isidro va tomando forma y, después de confirmarse en él la presencia de artistas internacionales como Mulatu Astatke, Omar Souleyman o Holy Fuck y de otros nacionales como la revelación Califato 3/4 o Fasenuova, el festival anuncia hoy una gran tanda de 18 nombres entre los que destaca Bill Callahan, uno de los compositores de folk americano más queridos de las últimas décadas, y que en 2019 entregara el Disco Recomendado ‘