¿Qué artistas ofrecerán las actuaciones musicales de la ceremonia? Hoy se conoce la noticia que Idina Menzel y AURORA, intérpretes de la canción oficial de ‘Frozen 2’, ‘Into the Unknown’, no cantarán esta canción a dos voces como probablemente se esperaba. Lo harán acompañadas por las nueve «Elsas» a las que ha dado lugar la película, lo que significa que Gisela actuará en los Oscar como intérprete de la versión española de esta canción. También acudirán a la gala las intérpretes de Elsa de Dinamarca, Alemania, Japón, América Latina, Noruega, Polonia, Rusia y Tailandia.
En la gala sonarán en directo el resto de canciones nominadas al Oscar a Mejor canción, por lo que pasarán por su escenario Elton John y Bernie Taupin por ‘(I’m Gonna) Love Me Again de ‘Rocketman’, Randy Newman por ‘I Can’t Let You Throw Yourself Away’ de ‘Toy Story 4’, Cynthia Erivo por ‘Stand Up’ de ‘HARRIET’ y Chrissy Metz por ‘I’m Standing with You’ de ‘Breakthrough’. La actuación más esperada, sin embargo, es la de Billie Eilish: la gran ganadora de los últimos Grammys se pasará por los Oscar presumiblemente para presentar ‘No Time to Die’, su canción para la próxima película de ‘James Bond’. También está confirmada Janelle Monáe.
The voices of #Frozen2’s Elsa from Denmark, Germany, Japan, Latin America, Norway, Poland, Russia, Spain and Thailand will join @idinamenzel and @AURORAmusic on stage for an unforgettable performance of “Into the Unknown” at the #Oscars. pic.twitter.com/3G41ROfYT7
Fuel Fandango son actualmente el número 1 de ventas en España con su nuevo disco ‘Origen’, el cual también han podido colocar entre los 30 más escuchados del país. El dúo ha pasado este jueves noche por La 2 para defender el single principal del disco, estrenado el pasado otoño, ‘Despertaré’.
‘Despertaré’ es una canción 100% Fuel Fandango basada en este caso en un riff de guitarra que se repite decenas de veces y se pega como una lapa, pero de nuevo incorporando una base muy Moloko, grupo al que Cristina y Ale han versionado en el pasado. Para todos aquellos que tenemos ‘The Time Is Now’ en un pedestal como una de las mejores canciones dance de los 90, a la altura de lo que significó ‘I Feel Love’ en los 70 o casi, esto es toda una delicia, en este caso enriquecida por el poso folclórico de la voz de Cristina y también por su letra, una propuesta de amor llena de brío e inquietud. Contribuye a esto último una referencia a la serpiente como símbolo de la tentación, un recurso bíblico no por manido menos efectivo.
Fuel Fandango han defendido el tema en el programa Sánchez y Carbonell, como antes ya lo hicieron en La 2 Noticias y en ‘Un país para escucharlo’ (el dedicado a Córdoba y Jaén), sin que por ello nos cansemos de oírlo. Aunque la canción se suele presentar en modo acústico, ‘Despertaré’ se levanta también en este formato un momento dado, sin renunciar a la percusión ni a la danza de los bailarines.
Los números no mienten y ‘Contando lunares‘ de Don Patricio y Cruz Cafuné ha sido el mayor éxito de 2019 en España. Y como demuestran sus millonarias reproducciones en las plataformas de streaming (en Spotify va por 156 millones), este no se ha ceñido solo a nuestro país: Ciudad de México, Santiago de Chile y Buenos Aires se cuentan entre 3 de las 5 ciudades que más escuchan a Don Patricio en el mundo aparte de Madrid y Barcelona, y el éxito de ‘Contando lunares’ ha sido claramente internacional.
Probablemente con intención de llevar ‘Contando lunares’ a más lugares, con todo el potencial que su mezcla de tumbao cubano y hip-hop ha demostrado, el rapero canario presenta un remix de la canción con la estrella brasileña Anitta y el conocido rapero portorriqueño Rauw Alejandro, conocido por su hit con Farruko ‘Fantasías’.
La nueva versión de ‘Contando lunares’ suma con los nuevos versos de Anitta y Rauw más de un minuto de duración a la composición original, y es Anitta quien capta toda la atención en ella con un verso en el que manda el empoderamiento y la sensualidad: «esta niña vino de Brasil, marcando territorio por aquí». El vídeo, rodado en Río de Janeiro, con todos los artistas implicados de hecho presentes, es el tercero más visto ahora mismo en Youtube España.
Blossoms no están dispuestos a que el éxito de su debut en Reino Unido se quede en flor de un día, y con su tercer álbum ‘Foolish Loving Spaces’ muy probablemente hoy entre en el número 1 en su país. La banda de Manchester, que ha triunfado con hits tan contundentes y tan «viejo FIB» como ‘Charlemagne‘ y ‘There’s a Reason Why (I Never Returned Your Calls)‘, y tiene en su haber canciones tan bonitas como ‘Stormy’, en cierta medida da un paso atrás y, en pleno auge de la música urbana, latina y las cajas de ritmo, es decir, en plena crisis de venta de guitarras, se hace un «back to basics».
Aunque no todo el mundo lo recuerde, el grupo liderado por Tom Ogden en su momento colaboró con Chase & Status y se dejó remezclar por Lindstrøm para una versión «cosmic disco» de su hit ‘Charlemagne’. Pero lo que encontramos en este nuevo álbum es una reivindicación de las canciones a guitarra y piano sobre todas las cosas, hasta el punto de que el CD2 de la edición deluxe se compone de las mismas canciones, pero en una versión reducida, más o menos acústica. Esto es así porque estamos oficialmente ante una «celebración pura del amor en todos sus espléndidos y desconcertantes disfraces» para la que se han inspirado en ‘Stop Making Sense’ de Talking Heads, ‘The Joshua Tree’ de U2 y ‘Screamadelica’ de Primal Scream. Aunque los referentes más básicos serían The Beatles, como se evidencia en la pista 7, que ha decidido llamarse nada menos que ‘Romance, Eh?’.
‘Romance, Eh?’ podría haber sido realmente el título de un álbum que habla del amor desde la cotidianeidad, la sencillez y la honestidad, no sin cierto humor: «Mi imaginación juega a todo en mis días libres», dice el estribillo de la desnudísima ‘My Vacant Days’. Hay lugar para los sintes y de hecho ‘If You Think This Is Real Life’ es uno de los temas más destacados; ‘My Swimming Brain’ tiene cierta cadencia disco; y esa cita a ‘Screamadelica’ sin duda se corresponde con las ambiciones gospel de ‘The Keeper’, solo que esta es más popera; pero la noticia es la supervivencia del indie pop más clásico en un álbum comercialmente tan ambicioso, de nuevo justificada por su admiración por The Coral y la co-producción del propio James Skelly y su colega Rich Turvey. Así, puede haber acercamientos al medio tiempo más grande que la vida de los 80 (‘Falling for Someone’ podría ser una canción de Bruce Springsteen o The War on Drugs), y ‘Like Gravity’ cierra el álbum con cierto aire misterioso a lo Danger Mouse, solo que más guitarrero; pero siempre sin descuidar la búsqueda de la melodía más redonda. Triunfará ‘Your Girlfriend’, pero la noticia es que se continúen grabando cosas como ‘Romance, Eh?’ y ‘My Vacant Days’.
Calificación: 7,2/10 Temas destacados: ‘The Keeper’, ‘Romance, Eh?’, ‘If You Think This Is Real Life’, ‘Your Girlfriend’ Te gustarán si te gustan: The Coral, The Beatles Escúchalo en: en Youtube
Parecía esta una semana aburridilla en cuanto a nuevos lanzamientos pero, la verdad, al final nos ha costado Dios y ayuda cerrar –y aun no podemos jurar que no añadiremos alguna canción más– a la playlist Ready for the Weekend, en la que condensamos las novedades musicales más importantes de cada semana. Hoy nos ha sorprendido una Nicki Minaj que en teoría estaba en pleno retiro con un ‘Yikes’ que, a todas luces, parece la primera piedra para construir el sucesor de ‘Queen’. Con ella, otros singles importantes del día son el último avance de un ‘Changes‘ que Justin Bieber publica la próxima semana, los regresos de Anne-Marie, The Pussycat Dolls y un ‘Keii’ de Anuel AA que, desde ya, apunta a ser uno de los éxitos de esta primera mitad del año, como poco. Y Don Patricio presenta un remix de ‘Contando lunares’ con Anitta y Rauw Alejandro que promete prolongar la vida de la canción más escuchada de 2019 en España.
Por supuesto, hay un buen puñado de discos interesantes y/o importantes: lo nuevo de Green Day, la vuelta discográfica de La Roux y el nuevo volumen de Against All Logic con el que nos ha sorprendido Nicolas Jaar (aunque, ojo, deja fuera el potente ‘Alucionao’ con FKA twigs) destacan junto a nuevos trabajos de Ásgeir, Isobel Campbell, Nada Surf, Galantis, el EP debut en solitario de Hayley Williams (Paramore), Sepultura, Shopping, y los debuts de los británicos HLMTD o el valenciano Eguala. También recibimos EPs con demos del último disco de Pixies, temas en directo de Bat For Lashes, la alianza formada por Khruangbin & Leon Bridges, Jack Garratt, los segundos trabajos de las revelaciones iyla y Alavedra, más nuevas canciones del dúo barcelonés Cor Blanc.
Y hay mucho, muchísimo más: además del single-azo con el que Nathy Peluso retoma el rap, en el panorama independiente español destacan nuevos temas Chucho –el grupo paralelo de Fernando Alfaro, avanzándonos un próximo disco con la fantástica ‘Corazón brillante’–, Mujeres, Os Resentidos –el mito del underground gallego vuelve con una ácida versión de ‘The Revolution Won’t Be Televised’–, Mostaza Gálvez –adelantando su primer disco en el sello Subterfuge–, Bambikina ft DePedro, Cómo Vivir En El Campo, Maka, Chelsea Boots, Airbag, Afrojuice 195, Pepe:Vizio, Chill Cichos & Megansito El Guapo o El Verbo Odiado.
Todo ello sumado a avances de los próximos discos discos de Best Coast, Lucinda Williams, Mark Kozelek, Jon Hopkins, King Krule, The Radio Dept., Basia Bulat, Moses Sumney, Phantogram, Rustin Man, H.E.R., Pottery, twst, Baxter Dury, Circa Waves, RAYE, Balthazar… junto a temas de Sean Paul & Tove Lo, Carly Rae Jepsen, Khalid & Disclosure, Rayden, Partynextdoor feat. Drake & Bad Bunny, Victoria Monét, Rico Nasty o Dagny. Que, además, se mezclan con las canciones que en los últimos días han presentado Sharon Van Etten, Sufjan Stevens, Christine & The Queens, Hinds, Lido Pimienta, Låpsley, Jehnny Beth, Natalia Lacunza & Pol Granch, más el tema inédito que Halsey incorpora a la BSO repleta de estrellas para la película superheróica ‘Birds of Prey’, dejándonos una playlist de lo más suculenta.
Si este jueves os hablábamos de la nueva superproducción del dúo de directores Bradley & Pablo para ‘Rodeo’ de Lil Nas X, y que también ha firmado los vídeos de ‘Motorsport’ de Migos, Nicki Minaj y Cardi B, ‘Aute Cuture’ de Rosalía o ‘Blame it On Your Love’ de Charli XCX y Lizzo, hoy viernes toca destacar otro, que a lo grande representa el regreso de Nathy Peluso.
La autora de ‘Esmeralda’ vuelve con su primer single no navideño (hace unos meses entregaba la clásica ‘Copa Glasé’) desde que el año pasado entregara ‘NATTIKILLAH’. Y de «asesina» pasamos a ‘Business Woman’ en esta nueva producción de la cantante argentina afincada en Madrid que también viene llena de mala baba en su letra, con frases como: «Soy una nena mala, una droga asesina, me brillan las tetas, me querés de vecina». Todo un mensaje de empoderamiento el de esta ‘Business Woman’ muy bien resumido en su estribillo: «me llaman porque soy una business woman, tengo negocios que dirigir yo sola, hago guita desde que nací bien piola, me llaman porque soy una business woman».
¿Y qué han ideado Nathy y Bradley & Pablo para esta dura canción de hip-hop producida por Pedro Campos, Rafa Arcaute y Fede Vindver? Si la portada de ‘Business Woman’ es puro años 2000, el vídeo lo es más todavía, aunque sin olvidar ecos muy 90s: dentro de una habitación a lo Jamiroquai, presenta un desfile de personajes interpretados por Peluso totalmente demente, que cuando no recuerdan a Missy Elliott, lo hacen a Marilyn Manson. ¿Y es el final un homenaje al vídeo de ‘Bound 2’ de Kanye West?
Esta noche se ha celebrado la 5ª gala de Premio Ruido en la Sala Joy Eslava de Madrid, dejando como sorprendentes ganadores a Derby Motoreta’s Burrito Kachimba por su disco homónimo del año pasado. Y digo «sorprendente» no por mi criterio sino porque esta edición ha sido una de las menos predecibles. Este premio es otorgado por la PAM (Periodistas Asociados por la Música) y Derby Motoreta’s, pese a las buenas críticas que han recibido (fue un honor estrenar el año pasado un vídeo suyo), no terminaban de ser la banda favorita de manera absoluta, como en otras ediciones sí lo han sido otros ganadores como Niño de Elche, Triángulo de Amor Bizarro y, en dos ocasiones, por supuesto, Rosalía. Foto: Nacho Nascab.
La austera ceremonia presentada por Ladilla Rusa, de hora y cuarto de duración, era introducida por unas palabras de homenaje de la PAM a la periodista musical fallecida estos días María Baigorri. Un miembro de la asociación recordaba que preparaba un texto sobre The Cure en el momento de su muerte, y su pasión por Bruce Springsteen. Ladilla Rusa optaban por abrir con un discurso reivindicativo, con palabras contra el racismo en nuestras fronteras, los muertos en el Mediterráneo, el cierre de la radio M21 por el nuevo Ayuntamiento de Madrid -Andrea Levy no se ha perdido la cita- o el racismo en cuanto al coronavirus. «Las personas no son virus», sentenciaban, guardando todo su desparpajo únicamente para la actuación al cierre de la noche con ‘KITT y los coches del pasado’. Fue este corte casi el único toque de humor en una gala que habría agradecido un par de actuaciones más, en especial algo de electrónica y urban y, como reconoció el propio guión, más presencia de mujeres. ¿Quizá por eso actuaban Ladilla Rusa pese a no estar nominados? Entre las artistas que no han sido nominadas hay que destacar a Delaporte o Rocío Márquez. En cualquier caso, sí «eran todos los que estaban» y Derby Motoreta’s hacían una gran actuación, con un par de temas entre los que destacaba el contundente ‘El salto del gitano’; y Los Estanques sorteaban como podían la ausencia de una cuerda de guitarra que se rompía en vivo a su cantante, a su vez también sin pantalones.
El particular sentido narrativo de Terrence Malick, cercano a la poesía, y sus inquietudes filosóficas le llevaron a filmar en 2011 –tan solo su quinto trabajo desde 1973- ‘El árbol de la vida’, una de esas obras maestras que definen una carrera. Un film tan inmenso que sobrepasaba la experiencia cinematográfica para convertirse, con cada visionado, en algo diferente, único, inabarcable. Es, sin duda, la cumbre de su cine, y cuesta imaginar que pueda ser igualada. Después de ella, el director texano comenzó una época sorprendentemente prolífica (desde 2012 a 2017 realizó ‘To the Wonder’, ‘Knight of Cups’, ‘Voyage of Time’ y ‘Song to Song’), y más viniendo de alguien que en 40 años solo estrenó 5 películas. Todas parecían ser, en mayor o menor medida, restos de aquella obra mayor, pero sin un ápice de su profundidad; ejercicios de estilo vacíos y decepcionantes. Malick alcanzó la perfección ética y estética en 2011 y lo que vino tras ella se puede entender como una deconstrucción (o destrucción) de lo que había sido su cine. Con ‘Vida oculta’ todo indica que quiere empezar una nueva etapa: volver a sus orígenes más narrativos (‘La delgada línea roja’, ‘El nuevo mundo’) sin abandonar del todo la depuración formal de estos últimos trabajos.
La película presenta a dos campesinos que viven en una aldea de las montañas austríacas cuando estalla la Segunda Guerra Mundial. Todos los hombres de su entorno se ven obligados a apoyar el nazismo, pero Franz –el protagonista- se niega a aliarse con Hitler, y esto le conlleva a ser rechazado por una sociedad cada vez más intoxicada por la ideología nacionalista. Es la idílica relación con su mujer y su fe lo que le da fuerzas para soportar el calvario al que será sometido por su decisión.
Un tema recurrente en la filmografía del director de ‘Días del cielo’ es la religión, y ‘Vida oculta’ es claramente una película religiosa, que plantea el amor y la fe como única salida frente a lo malvado. Apoyando la definición de Owen Gleiberman de Variety, ver la película es entrar en “una catedral de los sentidos”, como asistir a una suerte de misa en la que Malick es el sacerdote, y que evidentemente solo es apta para devotos. Su cine nunca ha sido para mayorías, y en esta ocasión tampoco pretende serlo, pues tiene todo lo que le ha caracterizado siempre, desde su largo metraje que aquí se alarga hasta las tres horas, a las susurrantes voces en off malickianas, pasando por su obsesiva predilección por los grandes angulares. Todo acompañado de una preciosa música de James Newton Howard, utilizada con la elegancia marca de la casa.
‘Vida oculta’ quiere ser y es una de esas épicas historias de amor más grandes que la propia vida. Hacía tiempo que no se veía en su cine una preocupación y cuidado por sus personajes como en la relación amorosa que retrata aquí. Y están interpretados con el mismo empeño por August Deihl y por una maravillosa Valerie Pachner que supone toda una revelación. Es curioso que los actores principales hablen en inglés entre ellos, pero la figuración hable en alemán. Una decisión interesante pero que tampoco termina de justificarse, más allá de que sea o no por fines de distribución. Pero la película compensa sus elecciones cuestionables y sus excesos (tres horas son demasiadas) con una habilidad narrativa prodigiosa -nadie hace cine como él ni sabe contar historias de la forma en la que él las cuenta- y una espectacularidad visual que embelesa y que después de casi una década, por fin vuelve a estar al mismo nivel que el guion que está filmando.
‘Vida oculta’ no es una película perfecta, pero sí es, de lejos, el mejor trabajo de Terrence Malick desde ‘El árbol de la vida’. Nos recuerda por qué nos enamoramos de su cine y nos hace olvidar el desamor que nos provocaron sus últimas cintas. No demos por acabada su carrera tan rápido. 7,5.
Muy poco después de lanzar la preciosa balada ‘olvidate de mí’ con la producción de Luichi Boy (integrante de Cupido), Natalia Lacunza está de vuelta con un nuevo single en el que ella es, en realidad, la artista invitada. Se trata de lo nuevo de Pol Granch.
El ganador de Factor X 2018, que el año pasado editaba su Ep de debut homónimo y los singles ‘Te Quiodio’ y ‘M Conformo’, ha contado con la finalista de Operación Triunfo 2018 para unir fuerzas en este medio tiempo R&B llamado ‘En llamas’ que podría haber sido firmado por el último Sen Senra (quien ha colaborado con Lacunza). Pero es Luichi Boy quien vuelve a ponerse detrás de la producción de esta canción adornada con matices contemporáneos (los efectos vocales) pero también clásicos (ciertos aires a soul clásico) y que incluye el sonido de una mecha siendo encendida en el estribillo.
Mucho más futurista es el vídeo de ‘En llamas’ dirigido por Mario Arenas, colaborador habitual de Granch y que sitúa a este y a Lacunza en un escenario de ciencia ficción por el que no faltan los efectos especiales. Mientras ellos visten un atuendo blanco muy 90s, un poco ‘Scream’ de Michael Jackson y Janet Jackson, salvando las distancias.
Este sábado 8 de febrero se celebra en La (3) de Apolo, el tercer aniversario de la fiesta Pluma, inspirada en las londinenses fiestas Sink the Pink. Con referencias como el Nueva York de finales de los 80, las «balls» documentadas en ‘Paris Is Burning’ o últimamente RuPaul, la fiesta creada por «La Madre» Joan Oh, ha ido creciendo hasta en esta ocasión dar un nuevo salto dentro de la ciudad.
Esta vez habrá un concurso para encontrar a la Reina o Rey que será la cara de Pluma durante un año y que tendrá la oportunidad de unirse a «la familia» y actuar en el escenario del festival internacional Mighty Hoopla en Londres este mes de junio. Las entradas para el evento de este sábado en Barcelona, que empieza a las 19.00, valen 6 euros con consumición. Juan Castillo, mánager de la fiesta y DJ BigBalls, nos responde unas preguntas sobre la fiebre Drag Contest.
¿Qué diferencia a House of Pluma de otras fiestas similares?
Fue la primera fiesta de este tipo cuando en Barcelona aún no existían estas fiestas. Jonathan «Joan Oh» llegaba de Londres, inspirado por las fiestas Sink the Pink, y vio a principios de 2017 que a Barcelona le faltaba algo similar, no había otra fiesta drag queen entre el underground y el mainstream. La montó en Raval, en Casa de la Pradera. Dado el éxito de la fiesta, porque era algo pequeñito pero mucha gente empezaba a venir de otros lugares de Cataluña e incluso de España, empezó a crecer, a crecer y a crecer. Debido al éxito de RuPaul, empezaron a salir otras fiestas y ahora hay muchísimas cosas similares. Es una fiesta muy trash, no es ni de postureo ni de criticar a otras, queremos que haya un ambiente familiar, que todas las drag queens se apoyen, que no sea tóxico, que sea un espacio acogedor y creativo, y que disfruten.
¿Podéis avanzar quién será jurado en esta ocasión, quién viene desde Londres?
Son 3 personas: Cota, una bioqueen, una chica que también hace drag queen, porque en nuestra fiesta siempre hemos estado abiertos a personas de cualquier género, edad… nunca ha habido discriminación. Nos conoce y sabe qué ganador encajaría para el futuro en Pluma y decidimos que fuera ella. El segundo es un juez que se llama Rubén de Drag Is Burning, un proyecto que hace una compilación de toda la movida de Barcelona de los últimos años. Él encontró inspiración a través de Pluma y emprendió un proyecto que ha tomado su propio camino, tiene podcasts, hace intervenciones en radio… Sabe resaltar a cada reina y darle su ataque artístico. Hace exposiciones en la ciudad. Y finalmente viene Glyn Fussell, que es el director de la macrofiesta Sink the Pink de Londres. Es un proyecto que ha crecido mucho y ahora están de gira con Melanie C de las Spice Girls. Es amigo y qué mejor que nuestra fiesta madre para darnos su punto de vista para decirnos quién debería ser la ganadora de la noche.
«Hemos visto a drag queens fregando el suelo con sus pelucas; gente con fuegos artificiales que salían de su culo»
¿Qué es lo más divertido que os ha pasado durante estos 3 años?
La fiesta siempre ha sido muy trash, hemos visto a drag queens fregando el suelo con sus pelucas; gente con fuegos artificiales que salían de su culo… es trash y se debe mucho al momento. Una vez actuamos en la Fiesta Mayor de Gracia, en un apartado que tienen anti-homofobia. Hicimos una fiesta a lo grande y con la emoción se cayó el equipo de sonido al suelo y en el momento de auge dijimos por el micrófono de broma que había sido culpa de Ada Colau, y resulta que estaba allí viéndonos. Fue embarazoso porque tuvimos que bajar a saludarla, pero fue bastante divertido. La hemos liado en Canarias, en Londres, en el festival Mighty Hoopla… Es una fiesta desenfrenada y hay muchísimos momentos divertidos.
¿A qué creéis que se debe la moda Drag Race?
La moda de las Drag Race a nivel de Barcelona al menos se estaba enfocando al típico hombre musculoso, Matinée, Circuit, casi todo era rollo Circuit. No discriminamos ese tipo de fiesta, porque tiene que haber mercado para todo, pero se estaba volviendo demasiado gris, demasiado monocolor, como que todos teníamos que ser iguales. Y los que no tenemos cuerpos musculosos, las chicas lesbianas, los chicos más afeminados… estábamos quedando un poco apartados. A raíz de este programa, había mucha gente que quería expresar que se puede ser afeminado, colorido, se puede tener presupuesto, no hace falta que tenga que ser todo como clandestino, con la típica drag queen que cobra 4 duros… Todo esto dio oxígeno a mucha gente que quería dedicarse a esto de manera profesional, poner toda la carne en el asador y a la vez reivindicar algo. No solo a nivel profesional, sino reivindicar que se puede ser diferente. RuPaul ha abierto mucho el camino, más que nada porque tenía un gran presupuesto. Mucha gente usa plataformas como puede ser Pluma o Futuroa para poder expresarse.
«RuPaul ha puesto el hecho de ser drag queen en el mainstream haciendo a nuestra comunidad accesible»
¿Alguna opinión destacada sobre la historia del programa de RuPaul o concursante favorita de todos los tiempos?
Lo importante de RuPaul es que ha puesto el hecho de ser drag queen en el mainstream haciendo a nuestra comunidad accesible. Qe la gente se pueda identificar en un espectro mayor de audiencia, que pueda ayudar a construir la aceptación y entender a otras personas de manera global. Reinas favoritas tenemos muchas: Sharon Needles, BenDeLaCreme, Alyssa Edwards, Shangela, Monique Heart, Baga Chipz…
Lil Nas X sigue con la promoción de su mini-LP inexplicablemente nominado al Grammy a Álbum del año (el rapero se llevó dos en la pasada ceremonia por ‘Old Town Road’) y estrena el videoclip de su nuevo single, ‘Rodeo’. Como recordaréis, la versión original de esta canción que también mezcla trap y country contaba con la colaboración de Cardi B, pero el tema que se está promocionando es una remezcla con Nas que no incluye a la autora de ‘Press’.
Si el vídeo de ‘Old Town Road’ se basaba en las películas del viejo oeste y el de ‘Panini’ en películas de ciencia-ficción tipo ‘Blade Runner’, el de ‘Rodeo’ presenta homenajes a diversas películas de los años 90 y principios de los 2000 dentro de una historia de terror en la que el rapero aparece reconvertido en vampiro.
Hay referencias a ‘Repo Man’, ‘Scream’, ‘Matrix’ y posiblemente a ‘Buffy Cazavampiros’ en esta absurda superproducción dirigida por Bradley & Pablo que tampoco busca ser sutil en su inclusión del «product placement» de turno. ¿Conseguirá elevar el vídeo los streamings de este remix, que van por los 4 millones tras su estreno el 27 de enero? La versión original de ‘Rodeo’ suma ya 133 millones, por lo que va a tener difícil igualarlos.
Santander Music, uno de los festivales de referencia del norte de España, inaugura su edición número 12 con una serie de interesantes confirmaciones entre las que destacan varios grandes nombres como La Casa Azul, que tras publicar ‘La Gran Esfera‘ en 2019, estrenará nueva música este año según su sello Elefant. El festival tendrá lugar en Santander los días 6, 7 y 8 de agosto.
El regreso a los escenarios de El Columpio Asesino también podrá verse en Santander, donde los de Pamplona presentarán su esperado nuevo trabajo, ‘Ataque celeste’, que sale a la venta el 21 de febrero. Y otros que vuelven en 2020 con nuevo álbum bajo el brazo y que también están confirmados en Santander son son Varry Brava, que acaban de sorprender con su single de reggaetón ‘Loco’.
Más nombres potentes se suman a Santander de la mano de León Benavente, que seguirán desgranando el notable ‘Vamos a volvernos locos‘, o Delaporte, que acaban de editar el estupendo single ‘Clap Clap’. Además Kidd Keo, que triunfa actualmente con ‘MONEY TILL I DIE’, y la revelación Ginebras se cuentan entre los nombres desvelados hoy por el festival. Xoel López, Belako, Ladilla Rusa, Inmir y Pin & Pon DJ’s completan la tanda de confirmaciones.
Devendra Banhart, que acaba de ser confirmado en el festival Vida de Vilanova i la Geltrú, Barcelona, actúa la semana que viene en España, en concreto el día 11 de febrero en La Riviera de Madrid, el 12 de febrero en el Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián y el 13 de febrero en la sala Razzmatazz de Barcelona. La promotora Sonde3 Producciones informa que las entradas para los conciertos de Devendra en Madrid y Barcelona están completamente agotados. Aún quedan «unas pocas» localidades para el show de San Sebastián, disponibles aquí.
El cantautor venezolano presenta su último disco, ‘Ma’. La nota de prensa recuerda que el «contenido lírico» de ‘Ma’ «gira en torno al concepto de la maternidad». Y continúa: «Su acercamiento no es literal, sino que lo enfoca desde diferentes ángulos; la naturaleza incondicional del amor maternal, el deseo de cultivar, el anhelo de establecer la relación de la madre con el niño y las consecuencias de que ese vínculo se rompa».
El texto sigue: «Sus preocupaciones son tanto personales como globales e incluyen una mirada autobiográfica a la vida, la muerte y reflexiones sobre el precario estado del mundo. Banhart, que pasó su infancia en Venezuela, se ha mostrado profundamente afectado por la pobreza que vio allí. «Mi hermano está en Venezuela, mi primo, mis tíos y tías. Están aguantando la respiración, paralizados. Hay una sensación de impotencia. No hay nada que puedas hacer excepto enviar mucho amor». Devendra canta tres canciones del disco en castellano y una en portugués».
Pese a las cancelaciones en la gira de ‘Madame X’ que Madonna desempeña actualmente en Europa, este tour continúa adelante, espaciando las actuaciones para que la lesión que viene arrastrando desde hace tiempo no se resienta y pueda completarlo en su totalidad. Parte de sus fans de Londres, que había sido la última ciudad en vivir varias anulaciones de shows –a los tres iniciales se sumaron luego dos más, de los quince previstos inicialmente–, disfrutaron ayer de su espectáculo en el célebre teatro The Palladium que, sin embargo, acabó mal… aunque no tan mal como podría haber acabado.
Según denuncia hoy la Ciccone en sus redes sociales, el show llevaba una demora de cinco minutos sobre las 23:00h –hora marcada para su final, para «no interrumpir la paz del vecindario»– cuando a ella le quedaba una sola canción para terminar. Pero la organización del teatro decidió desplegar la cortina antiincendios que aísla el escenario del público en caso de que haya una emergencia. Un elemento metálico que, como señala Madonna, pesa unas nueve toneladas. Finalmente, señala, fue detenida a medio cerrar, no causando ningún daño a los bailarines, músicos y demás personal del equipo que estaban sobre el escenario, pero ciertamente podría haberse liado muy parda.
Como muestra Madonna en un vídeo, el público aguardó a que se resolviera la incidencia aclamando a «Madame X» y, pese a que el telón –esta vez de tela– estaba cerrado, ella irrumpió al grito de «¡Que os jodan, cabronazos!» y, acompañada por sus bailarines y coristas, interpretaron ‘I Rise‘ con las luces encendidas. «Los artistas están aquí para interrumpir la paz», titula el texto en el que da su versión de lo sucedido en Instagram.
it was 5 minutes past our 11:00 curfew—-we had one more song to do and The Palladium decided to censor us by pulling.down the metal fire curtain that weighs 9 tons. Fortunately they stopped it half way and no one was hurt…… Many Thanks to the entire…https://t.co/Acwe7dUsVmpic.twitter.com/rbEyFl0akn
«Mira al mundo a tu alrededor… Mejor no, no mires». Así, con esa no-tan-absurda contradicción marca de la casa, comienza una ‘The Raven’ que de algún modo podría estar relacionada con el poema de Edgar Allan Poe –su referencia a la muerte, quizá–. «Es lo que escribiría cuando escribo sobre ‘El cuervo'», canta en la letanía final de esa canción, aparentemente sin sentido. Es bien conocida que el estilo de escritura de Dan Bejar al frente de su proyecto Destroyer es una suerte de «torrente de consciencia» con referencias a la cultura popular (Johnny Cash, hoteles barceloneses, asesinos en serie y canciones propias y ajenas, entre otras cosas), con el que ridiculiza todo (a él mismo, el primero) y las palabras se suceden en un desorden consciente, a menudo justificadas por el sonido que cobran en su recitado somnoliento y perezoso (no es baladí que grabara sus pistas vocales en la cocina de su propia casa en plena noche), más que por su significado. Pero, de vez en cuando, nos abre los ojos algún latigazo de poesía poderosa: «estuve en América, estuve en Europa, es la misma mierda: miro alrededor y veo una habitación llena de mulas de carga hundiéndose eternamente en un mar de amor», canta en ‘Cue Synthesizer‘.
La decadencia de ese mundo contemporáneo antes aludido, con el «efecto 2000» como cúspide previa a una caída cuesta abajo, parece inspirar en buena medida la lírica de ‘Have We Met’, el álbum número 12 en la carrera del canadiense. Pero esa faceta no es la más sorprendente o destacada en el nuevo trabajo de Bejar. Porque en él, inesperadamente, renuncia a buena parte de ese muro de sonido que venía caracterizando a Destroyer desde la época del excelso ‘Kaputt‘ y ‘Poison Season‘. Ni siquiera prosigue la peculiar aproximación a sus sonidos británicos favoritos que acometió en ‘Ken‘. Esta vez renuncia a los arreglos orgánicos y los coros de aquellos discos y, con la asistencia de su productor de confianza en la última década, John Collins, y el guitarrista Nic Bragg, recupera el sonido sintético de aquel ya lejano ‘Your Blues’ para construir todo el álbum.
Lo cual no significa, ojo, que estemos ante un retroceso. Porque lo que entonces era una baja fidelidad forzosa, es aquí una sugerente economía de medios en la que los pocos elementos palpitan, refulgen y envuelven como si de una orquesta minimalista se tratase en la que hasta los silencios y las pausas tienen su cuota de protagonismo. Bajos –muy especialmente, absolutamente brutales en ‘Crimson Tide’, ‘Cue Synthesizer’–, unas cajas de ritmo liberadas y sucias («Cue fake drums») que por momentos suenan a baterías y percusiones reales, unas guitarras imaginativas e incisivas (¡un poco Mike Oldfield!), alternando fiereza y delicadeza, y unos teclados que, con frecuencia, llevan la voz cantante incluso por delante de Bejar. Sí, porque con este empleado en su papel de crooner altivo y decadente –eso sugiere una portada que casi está en los cánones de un Julio Iglesias o un Luis Miguel– no precisamente esforzado en los estribillos –con la excepción de la bonita ‘The Man In Black’s Blues’–, con frecuencia son riffs de piano o sintetizador los que dejan la impronta melódica más potente en estas canciones, ganchos instrumentales que resuenan en nuestra cabeza a posteriori.
Desde luego así sucede en sus singles: tanto la hipnótica ‘Crimson Tide’ –abriendo el álbum a lo grande, también con la bárbara imagen «I was more like an ocean / Stuck inside hospital corridors»– como el fascinante desarrollo de ‘It Just Doesn’t Happen‘ –cinco minutos de esos que podrían dilatarse quince tranquilamente y no aburrirían– como la citada ‘Cue Synthesizer’ –en la que Dan va casi introduciendo verbalmente los instrumentos– coinciden en eso. Pero también otros números más lentamente amasados que descubrimos con la escucha completa de ‘Have We Met’, como el precioso riff que discurre paralelo al fraseo cadente de Bejar en ‘Kinda Dark’ –¡y qué solo de guitarra, señora!–, los fraseos de Bragg que van por libre en ‘The Raven’ o el vals del espacio exterior –con ecos de Isao Tomita en sus sintes– de la bonita ‘University Hill’.
‘Have We Met’ es un disco exquisito, no cabe duda, si bien hay ciertos vaivenes en su secuencia que rebajan peligrosa e injustamente el interés. Me refiero a esa boutade llamada ‘The Television Music Supervisor’ –sobre cómo un prescriptor musical también puede estar errado en sus decisiones–, el ambiental instrumental que da título al álbum o una ‘foolssong’ bonita, extendida dos minutos con ecos de forma harto innecesaria, como un somnífero «regalo» ya en la «cara B» del disco. No dejan de guardar coherencia en la marcada propuesta estética de ‘Have We Met’, es innegable, pero rebajan la euforia –contenida, como hacia dentro– que despiertan otros momentos de la enésima muestra de genio de Dan Bejar, Destroyer.
Calificación: 7,9/10 Temas destacados: ‘Crimson Tide’, ‘Cue Synthesizer’, ‘It Just Doesn’t Happen’, ‘Kinda Dark’, ‘The Man In Black’s Blues’ Te gustarán si te gustan: The War On Drugs, Aldous Harding, Yo La Tengo. Escúchalo en: en Youtube
Flavia Kleiner, fundadora de la organización Operation Libero, lleva un tiempo frenando a la ultraderecha suiza en los referéndums, cuando nadie más parecía poder pararles. En una reciente entrevista del periodista Carlos Barragán para El Confidencial, daba una clave: “hay que romper su control de la narrativa, porque ellos son muy inteligentes: intoxican el debate y obligan al resto a hablar de sus temas (…) no podemos permitir que se atrevan a decir qué es y qué no es nuestro país. El resto de partidos no solo han comprado parte de su vocabulario, sino que han dejado que la ultraderecha patrimonialice la bandera nacional”. Os suena a algo que estamos viviendo aquí, ¿verdad?
La verdad es que, en un momento en que la ultraderecha está en auge por toda Europa -y todo el mundo-, la mera existencia de ‘And Then We Danced‘ –’Solo nos queda bailar’, en su traducción española– es de celebrar. Y más aún cuando viene con esta calidad y con este mensaje. Aunque el contexto post-URSS de Georgia sea distinto al de Suiza, Francia o España, se comparte la cultura machista, el peso religioso -aquí mayoritariamente de la Iglesia Ortodoxa-, y esa búsqueda de cabeza de turco ante los problemas de los trabajadores que suele acabar en el odio al diferente. Y ‘And Then We Danced’ empieza acertando desde ahí: su protagonista no está precisamente en la familia burguesa de ‘Call Me By Your Name‘, sino que Merab es un chico cualquiera que duerme en un sofá y trabaja de lo que puede para ayudar a su familia (su madre, su abuela y su hermano). Un joven más de ese 94% de jóvenes georgianos que rechaza el matrimonio entre personas del mismo sexo, tasa más alta incluso que la de Rusia. Va quedando claro que éste no es un coming of age más sobre el despertar sexual de un adolescente gay, ¿no?
Nuestro protagonista es Merab, que por las tardes curra de camarero para llevar dinero a casa y por la mañana asiste a las clases de la Compañía Nacional de Danza de Georgia, a la que se incorporará un nuevo alumno, el misterioso Irakli. Pero no penséis que esto de la danza equivale a mayor apertura de miras en el tema LGBT: esto no es ballet, es danza georgiana, como se encarga de decir el profesor. Y la danza georgiana es, además de un símbolo absoluto de la tradición del país, una danza cargada de hipermasculinidad, y en la que no hay sitio para bailarines con cualquier atisbo de cualquier cosa que se considere “femenina”. Tanto es así que las escuelas de danza de Georgia se negaron a ayudar al equipo, avisándose entre ellas de la temática de la película, y el único bailarín que se ofreció a colaborar con las coreografías pidió hacerlo en secreto para no tener problemas (y no se le mencionara en los créditos). Ante el panorama, el director Levan Akin, que quería que el protagonista no fuese un actor profesional sino un bailarín de danza georgiana, aceptó buscar en su lugar un bailarín de danza contemporánea… pero ni así. De hecho, el protagonista Levan Gelbakhiani llegó a rechazar hasta 5 veces la propuesta, pero finalmente la insistencia de su tocayo dio sus frutos. Y menos mal: la de Gelbakhiani es una de las interpretaciones del año, y cuesta creer que se trate de un actor no profesional. Ahora, el “actor no profesional” se ha visto nominado a los Premios EFA a mejor actor (con competidores de la talla de Banderas o del ganador del Oscar Jean Dujardin), además de recibir numerosos galardones por su trabajo.
Cuenta Akin que la inspiración para la historia vino del Orgullo de Georgia de 2013: los que se arriesgaron a manifestarse fueron agredidos por personas convocadas por la Iglesia Ortodoxa. Tres años después, el director, sueco pero de padres georgianos, se decidió a documentarse sobre el asunto para el que sería su cuarto largometraje – con diferencia, el de mayor impacto internacional, siendo ‘And Then We Danced’ la película propuesta por Suecia para los Oscar. Finalmente no acabó en la lista, pero no nos hubiese sorprendido verla, e incluso ver una sorpresa en la categoría de mejor actor para Gelbakhiani, porque se lo hubiese merecido. Y, aunque él lleve todo el peso, destacan también el trabajo de Bachi Valishvili (Irakli), de Marika Gogichaishvili (la abuela de Merab) y, sobre todo, de Ana Javakhishvili, quien da vida a Mary, la novia de Merab y responsable de una de las escenas más tiernas de la película.
Si hablamos de grandes escenas de la película, podríamos citar muchas (los juegos ambiguos con Irakli, la conversación con el hermano, o por supuesto la escena final, que luego comentaremos), pero quizás la que más se queda en la mente -y además sería un crimen no mencionarla en nuestra web- es aquella en la que suena ‘Honey‘ de Robyn de fondo (la selección musical va desde la música folclórica georgiana a aportaciones suecas como ésta o como ABBA). Desde la primera vez que escuché ‘Honey’ supe que tenía un poder audiovisual brutal, y deseé ver una escena en la que se usara en condiciones… ¡pero no pensé que sería tan pronto! Se aprovecha el poder de la música de la mejor manera: la secuencia dice mucho pero ningún personaje habla, la secuencia desborda deseo y no hay nadie follando, es romántica y no hay un solo beso, etc. Y, cuando ‘And Then We Danced’ aún no ha acabado y ya sabemos que es una de las películas del año, llega la traca final, por si nos sabía a poco.
Para no desvelar nada, solo diremos que, además de flipar con el aspecto técnico, aquello tiene un punto simbólico muy importante, y bastante relacionado con las palabras de Kleiner con las que iniciábamos esta reseña. En España estamos viviendo una etapa oscura, de odio al diferente, de odios entre nosotros, de enfrentamientos por banderas y patrias, pero en cierto modo somos bastante afortunados: si las agresiones en el Orgullo de 2013 inspiraron a Akin, tampoco en este 2019 ha podido celebrarse el Orgullo en Georgia. Ante esto, Merab da –sin pronunciar una palabra– un discurso bestial sobre el orgullo de ser quien realmente es y sobre cómo reapropiarse del significado de la tradición.
Esto mismo era una de las características de José Ocaña, el histórico artista y activista LGBT+ cuyo apellido da nombre al Premio que se le entregó en el Festival de Cine Europeo de Sevilla a ‘And Then We Danced’, además de llevarse el Premio del Público (especialmente importante este apoyo), y de numerosos galardones como la Espiga Arcoiris en Seminci o de arrasar en Lesgaicinemad, por citar solo festivales españoles –fuera, como decimos, también está siendo aclamada–. Pero, mientras unos afortunados vemos la película, aplaudimos su calidad y celebramos su valentía, en su propio país los espectadores se encuentran con boicots en los cines que la proyectan, con quemas de banderas LGBT+ y agresiones de grupos de ultraderecha. Merab tiene un mensaje desafiante para ellos, y alentador para quienes tratan de vivir en libertad: aún cuando el contexto le es más adverso, aún cuando las circunstancias sean horribles, Merab nos dice que él no se va a esconder, que no vamos a escondernos. Que en las peores circunstancias es cuando vamos a ser más nosotros mismos que nunca. Es cuando vamos a bailar. 8,5.
A mitad de la ya pasada década de los 10s DMA’s se alzaron como la enésima esperanza para el brit-pop… con la pequeña –ínfima, casi– de que no eran británicos, sino australianos. Curiosamente –y quizá por eso mismo– este trío de Sidney ha resistido mejor el paso de los años que muchas de esas otras bandas inglesas que también suenan ocasionalmente a Oasis, Primal Scream, The Stone Roses o Happy Mondays. [Foto portada: McLean Stephenson.]
Lo cierto es que gracias a discos como ‘Hill’s End‘ (su debut de 2016) y, dos años después, ‘For Now’ (muy late-Oasis, pero con bonitos matices pop como los de la balada ‘In The Air‘), el grupo permanentemente ataviado con gorras de visera –para terminar de despistar, su estética es casi pokera– ha vivido una aceptación progresiva, consolidando una base de fans e incluso grabando y publicando un MTV Unplugged –sí, aún existe esto– el año pasado. Incansables trabajadores, en este 2020 cumplirán con su ciclo de un disco de estudio cada dos años y ya han anunciado el lanzamiento de ‘The Glow’ el próximo 24 de abril.
Un disco que han grabado con Stuart Price (Pet Shop Boys, Madonna, The Killers) a los mandos y que deja su impronta en la pátina sofisticada de sus nuevas canciones. Ya lo hacía en ‘Silver‘, primer adelanto lanzado a finales de 2019, un medio tiempo que explotaba de forma expansiva tras un delicado arranque. Y ahora ha vuelto a suceder, de manera aun más marcada, en ‘Life Is a Game of Changing’, segundo single del disco.
Marcada por una potentísima base rítmica bailable, la irrupción de la línea del bajo y las guitarras nos traen a la mente a New Order –no en vano Price también ha trabajado para el grupo de Manchester–, con ciertos toques de psicodelia en teclados y ambientaciones del estribillo y su coda final, consiguiendo una de las canciones más pintonas y excitantes en la carrera de DMA’s. El atractivo «pack» lo completa un bonito vídeo filmado por Bill Bleakley y protagonizado por la agitada vida de unos jóvenes en Bangkok. Sin duda, esperamos que ‘The Glow’ esté a la altura de tan poderoso avance.
Tracklist de ‘The Glow’:
1. Never Before
2. The Glow
3. Silver
4. Life Is A Game of Changing
5. Criminals
6. Strangers
7. Learning Alive
8. Hello Girlfriend
9. Appointment
10. Round & Around
11. Cobracaine
2020, Año TAB: tras presentar días atrás ‘Ruptura’, primer avance –que no single: si mantienen su costumbre, un bofetón sonoro antecederá a una canción más melódica y pegadiza– de su nuevo disco, Triángulo de Amor Bizarro acaban de anunciar todos los detalles de ese quinto álbum de su carrera, coincidiendo con la puesta en marcha de su preventa.
Se titulará ‘Triángulo de Amor Bizarro’ y se publicará el día 20 de marzo próximo. En él llaman la atención nombres de canciones como ‘Fukushima’, ‘Canción de la fama’, ‘ASMR para ti’, ‘SYF paga’ –¿puya al sector financiero?– o ‘Calígula 2025’ –con, suponemos, nada que ver con el proyecto electrónico de Nacho Canut–. También se ha revelado su portada, una imagen gris oscura que parece la funda de papel de un viejo vinilo con las típicas marcas de su uso continuado. Mushroom Pillow, como decíamos, ha dispuesto ya la precompra del disco en formato digital y físico. En este apartado, además de CD y vinilos convencionales, habrá una edición especial de tan solo 500 copias de vinilo coloreado, solos o en packs con bolsas de tela y camisetas.
Imaginamos que el cuarteto de Abanqueiro estará a punto también de anunciar fechas de presentación de este trabajo. Por el momento hay fechas anunciadas en abril en Córdoba y Donosti, al margen de su presencia confirmada en festivales como WARM UP, Spring Festival, Bilbao BBK Live o Zaragozafelizfeliz. Este es el tracklist de ‘Triángulo de Amor Bizarro’:
01. Ruptura
02. No Eres Tú
03. Vigilantes Del Espejo
04. Canción De La Fama
05. Fukushima
06. ASMR Para Ti
07. Acosadores
08. SYF Paga
09. Calígula 2025
10. Folia De Las Apariciones
11. Cura Mi Corazón
12. Los Golpes Olvidados
Tan pronto como el viernes de la semana que viene, 14 de febrero, estará a nuestra disposición el esperado álbum de regreso de Justin Bieber, ‘Changes’. Un disco en el que, más que al pop, se arrima al neo-R&B y el hip hop. Y no lo decimos solo por lo que ha revelado en singles como ‘Yummy‘ y ‘Get Me‘ –este último con Kehlani–, sino por los artistas invitados en el tracklist que acaba de presentar hace unas horas.
Post Malone –que devuelve al canadiense el favor de ‘Deja Vu’, tema que compartían en ‘Stoney‘, su debut oficial pre-estrellato–, Travis Scott –de nuevo, cuenta saldada después de que el intérprete de ‘Sorry’ participara en ‘Rodeo’, primer disco del rapero–, Quavo –que ya coincidió con Bieber en el hit de DJ Khaled ‘I’m The One‘; su tema compartido, ‘Intentions’, se lanza dentro de unas horas– y el cómico-MC Lil Dicky forman parte del elenco de participantes en ‘Changes’. Entre sus 17 canciones –se incluye el remix de ‘Yummy’ con Summer Walker estrenado días atrás– encontramos un título tan llamativo para nosotros como ‘ETA’, que obviamente (¿o no?) no tiene que ver con la banda terrorista vasca: son las siglas de «estimated time of arrival», «hora estimada de llegada».
Además, en las últimas horas Justin también es noticia por haber batido un nuevo récord en su carrera: esta vez, por la premiere del primer capítulo de su docu-serie, ‘Seasons’, el más visto en la historia de Youtube en su primera semana, con más de 32 millones de visualizaciones. Aquí os lo dejamos, tras el listado de canciones de ‘Changes’:
‘All Around Me’
‘Habitual’
‘Come Around Me’
‘Intentions’ (ft. Quavo)
‘Yummy’
‘Available’
‘Forever’ (ft. Post Malone & Clever)
‘Running Over’ (ft. Lil Dicky)
‘Take It Out On Me’
‘Second Emotion’ (ft. Travis Scott)
‘Get Me’ (ft. Kehlani)
‘ETA’
‘Changes’
‘Confirmation’
‘That’s What Love Is’
‘At Least For Now’
‘Yummy (Summer Walker Remix)’
Acostumbrados ya a amanecer con el nombre de un venerable artista de avanzada edad como trending topic a modo de feliz falsa alarma, esta vez no se ha cumplido esa regla y era cierto: esta madrugada se ha conocido la muerte de Kirk Douglas, el penúltimo mito del Hollywood dorado que quedaba vivo. A la edad de 103 años, nada menos. Ahora tan solo le sobrevive Olivia de Havilland, que curiosamente ostenta la misma edad que Douglas. Ella también es trending topic a esta hora de la mañana.
Decimos así adios casi del todo a una época realmente histórica del cine, apoyada en estrellas como el propio Kirk Douglas. Nació en Nueva York en 1916 como Issur Danielovitch Demsky, en el seno de una modesta familia de origen judeo ruso, donde vivió muy pronto el abandono de su padre del hogar familiar. Casi en paralelo, Douglas comenzó a interesarse por el teatro en el colegio, y se formó en interpretación desde muy joven, combinándolo un grado de Filosofía y Letras en una universidad que pagaba haciendo pequeños trabajos en el campus. Su imponente físico le llevó también a practicar allí la lucha libre.
Una beca en la prestigiosa American Academy of Dramatic Arts de Nueva York le abrió las puertas de Broadway a principios de los años 40, teniendo que interrumpir su progresión para alistarse en el ejército. Graduado con honores, se casaba poco después con una ex-compañera de la academia de arte dramático, Diana Dill –madre de sus hijos Michael y Joel–. Y fue otra compañera de esa misma institución, Lauren Bacall, la que le introduciría ya definitivamente en Hollywood, debutando en el cine en 1946 con ‘El extraño amor de Martha Ivers’.
Lastrado por sus ideas políticas abiertamente izquierdistas, le costó quizá más que a otros actores alcanzar la condición de estrella, quizá también por inclinarse por papeles más complejos pero menos agradecidos en taquilla. ‘El ídolo de barro’ (Mark Robson, 1949), donde daba vida a un boxeador, fue el primer papel memorable de su carrera, obteniendo su primera nominación a un Oscar y cambiando ya su estatus definitivamente. A partir de ahí, combinó a placer onerosos papeles en el cine de aventuras (‘20.000 leguas de viaje submarino’, Richard Fleischer, 1954), biográfico (‘El loco del pelo rojo’, biopic de Van Gogh de Vincente Minnelli, 1956), bélico (‘Senderos de gloria’, Stanley Kubrick, 1959) y western (‘El último tren de Gun Hill’, John Sturges, 1959).
Aunque sin duda el proyecto que le convirtió definitivamente en un mito sería ‘Espartaco’ (1960), mastodóntica película histórica que produjo y protagonizó él mismo bajo la dirección de Kubrick. Pese a las numerosas dificultades que envolvieron su rodaje, su millonario presupuesto se vio devuelto con creces en taquilla, obteniendo además cuatro premios Oscar y erigiéndose como una de las películas más icónicas del Hollywood dorado. Tras varios fracasos de taquilla de sus propias producciones, en la década de los 60 volvió al teatro para protagonizar ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’. Curiosamente, trató infructuosamente de filmar una película con ese guión, cediendo luego los derechos a su hijo Michael, que como sabemos sacó adelante el proyecto 10 años después con un considerable éxito. Pero sus días de mayor gloria quedaban ya atrás, y los 70, 80 y 90 transcurrieron para él entre papeles menores de cine (llegó a abandonar el rodaje de ‘Acorralado’, el primer Rambo de Stallone) y televisión y fracasos en sus producciones. En semirretiro desde entonces, en 1996 obtenía un Oscar honorífico a su carrera, premio personal que le había sido negado en tres ocasiones.
Para entender el cambio en cuanto a variedad musical que ha dado Operación Triunfo en sus últimas ediciones no hay que irse a aquellos episodios en que Amaia versionaba a Neutral Milk Hotel o a Arcade Fire en la Academia. Los nominados de la edición actual, que no está enganchando demasiado a la audiencia de momento, han apostado para defender su estancia en el concurso por dos canciones muy diferentes: Nick por ‘Thriller’ de Michael Jackson (valiente) y Maialen por ‘Dinamita’ de La Bien Querida. La autora de ‘Brujería‘ era la primera sorprendida por esta elección y llegaba a filtrar por error el repertorio de la gala 4 debido a la emoción… apareciendo en varios medios generalistas a consecuencia de ello.
Ocupada con la gira de su nuevo disco (fechas aquí), Ana Fernández-Villaverde verá una de sus composiciones ser interpretada en pleno prime-time, lo cual le parece «una fantasía». Así nos lo cuenta en esta entrevista vía mail en que explica el jardín de la filtración, a qué otros artistas le gustaría escuchar en el programa o su único recuerdo de la primera edición de Operación Triunfo: un sueño erótico con David Bisbal. Ella ya había dicho que era fan de ‘Esclavo de sus besos’, pero parece que de este sueño solo estaba enterada Nuria Roca. Además, os dejamos con el primer pase de micros, ante el que Fernández-Villaverde ha tuiteado: «lloro».
‘Dinamita’ sonará en Operación Triunfo la semana que viene en voz de Maialen. ¿Qué pensaste al enterarte?
Me enteré el lunes por la mañana. OT me nombró en Twitter y decía algo así como: «¿Se decantará Maialen finalmente por ‘Dinamita’ de La Bien Querida para la Gala de eliminación?». Me impactó y me hizo ilusión que en un programa de máxima audiencia y tan mainstream se vaya a escuchar una canción mía y que la canción tenga tanto protagonismo. Me hace ilusión.
¿Alguna vez te habías imaginado una canción tuya sonando en OT? Si sí, ¿había sido ‘Dinamita’ o más bien otra? ¿Te habría gustado más otra?
Nunca me lo habría imaginado. Es una fantasía. ‘Dinamita’ me parece una buena opción y ya puestos, ‘Los Jardines de Marzo’, ‘Muero de Amor’ o ‘La Fuerza’ también podrían encajar bien. Jajajaja, claro que sí.
«Como Brian (Hunt) puso la foto del reparto en el chat del grupo, di por hecho que ya era público, ni lo contrasté»
¿Cómo accediste al repertorio de la gala 4? ¿Te han dicho algo por haberlo filtrado?
Tenemos un concierto el sábado en Málaga y como Brian Hunt no puede hacerlo porque se va de viaje, habíamos quedado con Toni Cupido, que va a sustituirle, para ensayar. Como ensayamos en el Invernadero, que es el estudio de Brian, al llegar me dice: «¿sabes que van a cantar ‘Dinamita’ en OT?» Y le digo: «algo estoy leyendo por Twitter, ¡qué fuerte!». Todo esto mientras sacábamos los instrumentos para ensayar, cables por aquí y por allá, llegaba uno, otro, comentábamos ‘La Isla de las Tentaciones‘… Brian puso en el grupo de WhatsApp de La Bien Querida esa foto famosa con el reparto de canciones y el ‘Dinamita’ subrayado en amarillo y me dijo que se la había pasado una amiga que trabajaba en OT. Nosotros seguíamos con el cacharreo, probando sonido, enchufando, desenchufando… Como Brian la puso en el chat del grupo, di por hecho que ya era público, ni lo pensé un momento, ni lo contrasté… la puse en el stories… Me sabe mal por la chica que se la pasó a Brian porque le habrá caído terrible bronca por mi culpa!!!!! Mil disculpas, lo siento mucho.
Al acabar el ensayo la quité pero ya estaba en todas partes. No estoy viendo el programa y no tengo ni idea de cuándo suele salir el reparto… En fin, con toda mi emoción porque iban a cantar ‘Dinamita’ en OT, lo puse… Por la tarde me enviaron un periódico digital donde lo ponían de noticia: “La Bien Querida filtra por error las canciones de la Gala4 de OT”. ¡Vaya lío!
‘Dinamita’ habla de asumir riesgos en la vida, de «incumplir las normas»… pero a su vez es una canción muy clásica. Parece un buen momento para que suene en Operación Triunfo después de la victoria de Amaia, del protagonismo de La Casa Azul, ahora mismo de Zahara como profe… ¿Qué opinas del cambio que ha dado OT en cuanto a su apoyo a el pop «alternativo»?
No me acuerdo ahora cuántos años lleva OT en antena, pero la primera edición sí la vi. Hubiera sido impensable que un o una concursante eligiera una canción, por ejemplo, de Los Planetas. Mira, no sé en qué edición salía Julio Ruiz de jurado y los indies veíamos un poco raro que estuviera ahí. Mola este cambio en los repertorios, claro que sí, y que haya otro tipo de profes.
«Recuerdo que una vez tuve un sueño erótico con Bisbal porque al día siguiente llamé a mi vecina y amiga Nuria Roca para contarle los detalles. Es lo único que recuerdo de esa edición»
¿Qué otros artistas o canciones te gustaría que se tuvieran en cuenta en el programa?
Hay muy buenos y buenas autoras que se conocen poco como Rafael Berrio, Julio de la Rosa o Lorena Álvarez.
¿Viste las primeras ediciones?
Vi la primera edición por la novedad. Recuerdo que una vez tuve un sueño erótico con Bisbal porque al día siguiente llamé a mi vecina y amiga Nuria Roca y se lo conté y estuvimos analizando los detalles de mi sueño… Es lo único que recuerdo de esa edición.
¿Alguna vez pensaste en participar antes de que tu carrera despegara o realmente no comulgas con el formato?
Nunca me he tenido por una buena cantante así que jamás he pensado en participar en un programa de este tipo. Además, los y las que conocen mi historia saben que empecé en la música con mi primer disco (‘Romancero‘, 2009), antes no tenía experiencia previa de ningún tipo, llevo toda mi carrera con un sello muy indie como es Elefant Records y nunca me he planteado pasarme a una multi.
No estoy ni a favor ni en contra del formato, cada uno que vea lo que quiera. Lo que sí es cierto es que la tele te pone ahí y luego hay que gestionar esas carreras, esa expectación por parte de los fans y esa exposición mediatica… uf… Por otro lado, Amaia lo está haciendo muy bien, sin duda mi favorita de OT.
«Espero que se salve Maialen. No me molan los gorgoritos y esas cosas de buenos cantantes, yo voto por el menos es más pero sin dejar de mostrar personalidad»
Si te llegara una llamada de OT para impartir cultura musical u otra disciplina, ¿aceptarías?
No sé, tendría que estudiar las condiciones. Si no estoy haciendo nada en ese momento es posible. ¿Por qué no?
Finalmente, ¿qué consejo le darías a Maialen de cara a su interpretación de ‘Dinamita’?
Espero que se salve Maialen. ¡No me lo pienso perder! ¡Seguro que lo hace mucho mejor que yo! A mí es que no me molan los gorgoritos y esas cosas de buenas y buenos cantantes, yo voto por el menos es más pero sin dejar de mostrar personalidad, lo cual también es posible.
Con motivo de la buena acogida de la Super Bowl de Shakira y Jennifer Lopez, que se acerca a los 100 millones de visualizaciones en Youtube en tan sólo 2 días, actualizamos nuestro artículo sobre las mejores actuaciones de la historia en este evento, que hasta ahora solo incluía shows hasta 2016. Recordamos también que de los 60 a los 80 predominaron las marchas populares e imitadores (con alguna excepción como la inencontrable actuación de Ella Fitzgerald haciendo ‘Mack the Knife‘ en 1972), que fue durante los 90 cuando se empezaron a entender las posibilidades de este espectáculo para el mundo del pop y que ha sido durante este siglo cuando la NFL se ha terminado de volver loca con el intermedio del encuentro. También repasamos algunas de las peores actuaciones de la Super Bowl.
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14.-Coldplay (2016)
Sentimientos encontrados sobre el show de Coldplay. Ni el repertorio parecía el mejor al incluir ‘Paradise’ o prescindir de ‘Yellow’ ni pegaba mucho la inclusión de Bruno Mars y Beyoncé. Sin embargo, ver a estos frente a frente con ‘Uptown Funk’ y ‘Formation’ es un momento totalmente icónico que se ha llevado por delante la propia presentación de Bruno Mars de 2014, sobria de más y también forzada en el momento Red Hot Chili Peppers. Tan icónico es que su parte se ha subido aparte a Youtube de forma oficial. Aunque ver a Chris Martin agachadico entre Mars y B es todo un poema, hay que reconocer que Coldplay han hecho de su gama de colores todo un sello de identidad y el final colaborativo con recuerdo a otras actuaciones también fue un acierto. El vídeo completo de Coldplay no se puede incrustar pero está oficialmente en Youtube.
13.-Stevie Wonder y Gloria Estefan (1999)
A la Super Bowl siempre le ha gustado unir a gente imposible y Gloria Estefan y Stevie Wonder formaron toda una extraña pareja en 1999. Ambos pudieron unir soul y salsa con dignidad y el paso de ‘You Are The Sunshine Of My Life’ a ‘Oye!’ no es tan traumático como pueda parecer. Estefan supo jugar muy bien sus cartas desde el punto de vista escénico y además, ver a Wonder bailando un poco de claqué antes de que Gloria pase al escenario es digno de recordar.
12.-The Rolling Stones (2006)
No hace falta ser una diva o un divo del pop -como parece últimamente- para dar un gran show en la Super Bowl. Los Rolling fueron todo energía durante sus 12 minutos, comenzando con ‘Start Me Up’ (¿con qué si no?) y cerrando con ‘Satisfaction’. Además, la que liaron no fue moco de pavo: el escenario con su logo en forma de boca requirió de 28 piezas separadas que hubieron de ser montadas en 5 minutos por 600 voluntarios.
11.-Paul McCartney (2005)
Canción, canción y canción es lo que pareció defender Paul McCartney en su tiempo, optando por ‘Drive My Car’, ‘Get Back’ o ‘Hey Jude’ para cerrar, en un espectáculo vivo y dinámico. Puede que ‘Live and Let Die’ no esté por ejemplo exactamente entre sus 4 mejores canciones, pero siempre da juego en directo. Lo único malo de 2005 es que le llamaron porque se consideró «una apuesta segura» en contraste con el año anterior, el año de la teta de Janet Jackson y Justin Timberlake.
10.-James Brown, The Blues Brothers, ZZ Top (1997)
En 1997 y tras lo vivido el año anterior, la organización de la Super Bowl intentó ponerse las pilas sumando sobre el mismo escenario a The Blues Brothers, James Brown y ZZ Top. No se superó lo visto en 1996 (ver más abajo), pero a pesar del playback, bastante penoso en bastantes momentos, que en 12 minutos suenen cosas como ‘Everybody Needs Somebody to Love’, ‘I Got You (I Feel Good)’ o ‘Tush’ también es historia. Atención al momento “cars & girls” de ZZ Top y al totum revolutum final. Un meme continuo.
9.-U2 (2002)
Cuatro meses y medio después de que cayeran las Torres Gemelas, U2 tocaron en el intermedio de la Super Bowl. Sí, son irlandeses, ¿pero quién mejor que ellos para mandar un mensaje de paz y de fe a América? La banda de Bono acertó totalmente al pasar de interpretar un popurrí para centrarse en sólo tres canciones, más que nada dos por su duración (‘MLK’ es una rareza de la banda de dos minutos dedicada a Martin Luther King). Hay momentos bastante chanantes en los que sí, parece que es Joaquín Reyes quien corre por el escenario, mira a cámara o se abre la chaqueta y aparece la bandera estadounidense, pero ‘Beautiful Day’ suena esperanzadora y ‘Where the Streets Have No Name’, mientras pueden leerse los nombres de los caídos, pocas veces ha sonado más emocionante. Lo cual es mucho decir de la canción que abría ‘The Joshua Tree’ y tantas veces sus conciertos.
8.-Beyoncé (2013)
Las dos únicas pegas que se pueden poner al show de Beyoncé son las forzadas caras de la cantante, que inspiraron un sinfín de memes desluciendo la magnífica actuación y el abuso del formato popurrí cuando sus canciones no es que duren 2 minutos. ¿A alguien le da tiempo a disfrutar de ‘’Bootylicious’? ¿Era tan necesario interpretar ‘End of Time’? ¿No se quiere meter tantísima cosa que en los enlaces entre canción y canción hasta te aburres? Por lo demás, un avance de la artistaza que ya dejaba entrever ‘4’ y se confirmaría en ‘Beyoncé’ y ‘Lemonade’, con una dirección artística de órdago en fotografía, iluminación y coreografía (grande ’Baby Boy’). Un gran espectáculo que solo puede desembocar en ‘Halo’.
7.-Madonna (2012)
Madonna devolvió el interés internacional a la Super Bowl, volviendo a convertir su descanso en el acontecimiento internacional que no había sido con Tom Petty, The Who o Black Eyed Peas, pese a los buenos momentos que tuvieron todos ellos, los últimos más acertados haciendo de Daft Punk que juntando a Fergie con Slash. La de Madonna hasta entonces fue la actuación más vista de la historia. Estuvo un poco lastrada por LMFAO y sobre todo por un playback pésimamente disimulado, pero la salida con ‘Vogue’ en plan Cleopatra, la divertida coreografía de ‘Give Me All Your Luvin’ -peineta de M.I.A. incluida- y la despedida con una emocionante ‘Like a Prayer’ y Cee Lo Green recordaron de qué manera puede comerse un escenario esta mujer y lo elegante que es cuando se pone.
6.-Lady Gaga
Lady Gaga está entre los pocos artistas que ha logrado hacer de la Super Bowl realmente uno de los grandes hitos de su carrera. ‘Joanne’ era un disco que no estaba funcionando nada bien, y que no había sido especialmente bien acogido, hasta que se presentó allí para interpretar a piano ‘Million Reasons’. Pero lo que es más, Gaga supo prescindir de toda colaboración para reivindicar en su lugar su extensa colección de macrohits, no demasiado apiñados en formato popurrí, dejando a casi todos respirar, y reconciliándonos con la Gaga que nos enamoró: la de ‘Just Dance’, ‘Poker Face’, ‘Telephone’ y ‘Bad Romance’ como final obvio y necesario. Como complemento, el divertidísimo salto al vacío del principio, grabado unos días antes; y el guiño político que suponía referenciar a Woody Guthrie en esa pequeña intro.
5.-Shakira y Jennifer Lopez
Shakira no ha podido hacer una Super Bowl más de la escuela de Beyoncé: abuso de popurrí en récord de canciones por minutos -propias y ajenas-, bailarinas femeninas, ritmos tribales, caprichos en el repertorio… pero se beneficia de la compañía para superarla en dinamismo en un show que crece con los visionados. Tanto Shakira como Jennifer Lopez han logrado marcar su espacio y al tiempo beneficiarse de actuar cada una tan sólo 7 minutos en lugar de 13, dando todo de sí mismas de manera incansable, con momentos bastante locos, como el de la “pole dance” o el de la batería. No hay lugar para el aburrimiento ni en la primera parte de Shakira, ligeramente más latina, salsa incluida; ni en la parte de Jennifer Lopez, espectacular gracias al uso de varias alturas. Bad Bunny y J Balvin saben sumar sin invadir (sobre todo el primero), dejando claro el gran tanto que se apunta la Super Bowl en 2020: la reivindicación de lo latino, 100% de actualidad, incluso con un punto reivindicativo. Y además, está el tema de la sororidad: esperemos que se hayan acabado para siempre las guerras de divas. Más de una mujer poderosa cabe en nuestros corazones.
4.-Katy Perry (2015)
Katy Perry encontró en sus 12 minutos un maravilloso equilibrio entre su lado infantil y su lado adulto, recordando por qué ‘Teenage Dream’ y ‘Prism’ han sido discos tan millonarios: son aptos para todos los públicos. La salida con ‘Roar’ es todo un show (¿de verdad es playback? ¿seguros? Pues qué bien hecho…), ‘Dark Horse’ no puede ser más moderneta desde el punto de vista escénico, el añadido de Lenny Kravitz en ‘I Kissed a Girl’ fue un aciertazo, el de Missy Elliott para qué decir y luego está lo del meme del tiburón en ‘Teenage Dream’. Parecía “creepy”, probablemente lo fue, pero debería haber salido en todos los anuarios. Al final Katy Perry voló con ‘Fireworks’, más y mejor que los Black Eyed Peas en 2011, y aun así recibió críticas encontradas. Una gran injusticia que sumar a su carrera.
3.-Bruce Springsteen & The E Street Band (2009)
Llamar a Bruce Springsteen para actuar en un intermedio de la Super Bowl es lo que se conoce como una “win-win situation”. Desde el primer segundo en que el Boss se dirige a la cámara para adentrarse en nuestras casas, sabes quién es el ídem. A partir de entonces ‘Tenth Avenue Freeze-Out’ vuelve a sonar como un pelotazo, ‘Born to Run’ no puede ser más épica, ‘Working on a Dream’ no puede poner más pelos de punta durante sus 3 minutos de duración con y sin coro góspel y el cierre con ‘Glory Days’ está a la altura. Alegría de vivir.
2.-Prince (2007)
Quiso llover el 4 de febrero de 2007 en Indianápolis, durante el partido de la Super Bowl y durante el intermedio, que Prince tenía que cerrar con ‘Purple Rain’. El artista ofreció una actuación magistral desde el punto de vista musical y desde el escénico, con una fotografía espectacular en varios momentos del tema final, cortina mediante. El arranque con ‘We Will Rock You’ es lo de menos. Los planos de Prince tocando la guitarra en ‘Best of You’ mientras las cámaras se cubren de lluvia, o su cara después de la primera frase de ‘All Along the Watchtower’ tienen un hueco evidente en la historia del pop.
1.-Diana Ross (1996)
Últimamente la actuación de Prince suele ser muy justamente reivindicada como la mejor de la historia, por razones evidentes, pero la de Diana Ross permanece muy injustamente infravalorada. El repertorio es de los mejor surtidos de hits que se han visto jamás. Arrasan desde que comienzan ’Stop in the Name of Love’, ‘Baby Love’ o ‘Chain Reaction’. ¿Y qué decir de ‘Ain’t No Mountain High Enough’, ‘I Will Survive’ o ‘Take Me Higher’? Dos años después hubo un homenaje a la Motown con Boyz II Men y The Temptations, pero no fue lo mismo. El de Diana fue un gran espectáculo girl group, soul y disco, cuyo arranque inspiró a Katy Perry unos años después y cuya despedida hacia los cielos no puede ser más gloriosa. ¿El mejor final de actuación de la historia? Take me higher!!!???! I will survive!!!???! ¡Brava Diana!
Christine And The Queens sorprende con una canción nueva publicada esta tarde bajo el nombre de ‘People, I’ve Been Sad’. Su sello no informa de si el tema avanza un disco nuevo, el sucesor de ‘Chris‘, por lo que no queda claro si estamos ante el primer sencillo de tal largo, un tema suelto o simplemente un tema con el que la artista está promocionando la plataforma COLORS, que apuesta por «artistas talentosos y excepcionales» en un mundo «saturado». Es en el canal de Youtube de esta plataforma, y no en el de Christine, donde asistimos realmente a este estreno.
En el caso de ser simplemente una especie de canción para un anuncio, no puede ser mejor, pues recupera el gusto melódico que en ‘Chris’ a veces estaba en segundo plano; y en su acercamiento al R&B con matices un poco más synth-pop interesantes, no puede representar mejor su sonido. En cuanto a la letra del tema, sí es algo más sencilla y clara de lo habitual, apelando a los momentos duros que pasamos, a los momentos en que estamos ausentes, y a aquellos en que sufrimos cuando hablan mal de nosotros.
Su sello recalca que ‘People, I´ve Been Sad’ «llega después de 18 meses de conciertos, colaboraciones y galardones internacionales». En cuanto a colaboraciones está claro que se refieren, entre otras, a ‘Gone’, su hit con Charli XCX del año pasado.
¡Sufjan Stevens anuncia nuevo disco! ¡Es un elepé colaborativo con su padrastro, Lowell Brams! ¡Sí, el de ‘Carrie & Lowell‘! ¡Y no será el sucesor oficial de aquel trabajo sino un álbum ambiental de 21 pistas compuesto mediante la improvisación durante varios años! Mmm… ¿qué guay?
Disuelto ya el «hype» que la primera exclamación de este post haya podido producir, efectivamente ‘APORIA’ no será el gran regreso de Sufjan Stevens a la música tras su nominación al Oscar por ‘Mystery of Love’, la maravillosa canción que aportaba a la película ‘Call Me By Your Name‘. ¿O sí? Al menos por lo que dan a entender sus primeros detalles, ‘APORIA’ será en realidad un nuevo capricho de Stevens en la estela de sus proyectos recientes con gente como Nico Muhly (el concierto de ‘Planetarium’) o Timo Andrés (el ballet de ‘The Decalogue’). Sale el 27 de marzo.
Como cualquier fan de Sufjan sabrá, Lowell Brams no es solo padrastro de Sufjan, sino también co-fundador junto al autor de ‘Michigan’ del sello a través del que publica todos sus discos, Asthmatic Kitty. El primer avance de ‘APORIA’ es un breve tema ambiental y new age, totalmente instrumental, llamado ‘The Unlimited’, que os dejamos bajo estas líneas. Stevens lo presenta en una playlist de Spotify formada por la música que ha «inspirado» el proyecto, en concreto por temas de gente como Julianna Barwick, Boards of Canada, Enya, Fennesz o Vangelis.
‘APORIA’:
01 Ousia
02 What It Takes
03 Disinheritance
04 Agathon
05 Determined Outcome
06 Misology
07 Afterworld Alliance
08 Palinodes
09 Backhanded Cloud
10 Glorious You
11 For Raymond Scott
12 Matronymic
13 The Red Desert
14 Conciliation
15 Ataraxia
16 The Unlimited
17 The Runaround
18 Climb That Mountain
19 Captain Praxis
20 Eudaimonia
21 The Lydian Ring
El lunes 10 de febrero se celebra la próxima entrega de los premios Oscar, por el que parten como favoritas las películas ‘Joker’, ‘El irlandés’, ‘1917’ y ‘Érase una vez… en Hollywood’.
Fuel Fandango son actualmente el 
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