En un mar de reggaeton y músicas urbanas, se cuela en el top 10 de singles oficial en España un tema muy diferente. Se trata del corte conjunto que acaban de editar Leiva y Robe, ‘Caída libre’. Lamentablemente, no se trata de una versión del tema homónimo de Zahara, sino del 5º single que adelanta el nuevo disco de Leiva, ‘Gigante’, que sale el 4 de abril.
Bromas aparte, se trata de un retrato sobre la depresión, en el que Leiva habla de uno de sus mejores amigos. Leiva se desplazó a grabarla al estudio de Robe en Almendralejo, después la canción se terminó de grabar en Madrid, donde se mezcló, para finalmente masterizarse en Nashville.
Leiva ha logrado colarse varias veces en la lista de singles española, pero sobre todo fue antes de que contara tanto el streaming. Robe, aunque es 100% un artista de álbumes y acumula varios números 1 en Discos, tanto en solitario como al frente de Extremoduro, ha sido un empuje decisivo para que ‘Caída libre’ sea top 10 en España.
La canción no experimentará una «caída libre» en semanas venideras, pues una semana después de su edición permanece en el puesto 26 en Spotify España. Quizá porque se trata de 2 artistas masculinos, Éxitos España la ha acogido en su playlist sin mayor reticencia, pese a diferir mucho de su línea editorial.
Volviendo a la realidad habitual, Yorghaki y Alleh mantienen el número 1 con ‘Capaz (merengueton)’, mientras la subida más fuerte de la semana es la de W Sound, Beéle y Ovy on the Drums, que pasan del número 27 al número 4 con ‘La Plena (W Sound 05)’.
La segunda entrada más fuerte después de la de Leiva y Robe es la de JC Reyes, De la Rose y MC Menor JP. Llegan al número 29 con ‘Ninfo’.
Las entradas se completan con ‘Tokicha’ de J Castle y Hades66 (top 51), ‘Exótica’ de Gabry Ponte (top 73), ‘Siete’ de QVDO (top 82), ‘Bunda’ de Emilia y Luísa Sonza (top 83) y ‘Sirena’ de Dei V. Las tres primeras parecen tener largo recorrido por su subida en los últimos días.
Lady Gaga sigue arrasando entre nuestra audiencia y ‘Abracadabra’ vuelve a ser número 1 en JENESAISPOP tras obtener hasta el 59% de los votos en las Stories de Instagram. La entrada más fuerte es la de Nebulossa con Mónica Naranjo en el puesto 4, aunque con un porcentaje pequeño, lejano a los que obtenía ‘Zorra’, y también logra colarse en el top 10 Vicco con ‘Bailar y llorar’. Guitarricadelafuente queda a las puertas del top 10, mientras en la mitad baja de la tabla aparecen nombres internacionales: Lizzo, Coco Jones y Little Simz.
Karmento visita esta semana ALGO CAMBIÓ…, nuestro podcast con Fundación SGAE, para hablar de folclore, pero no solo de folclore. Precisamente es la primera línea que la manchega derriba nada más entrar: «el folclore es un mundo que acabo de empezar a explorar. La industria genera categorías, generan un relato y cuesta que sea más amplio. Definirme dentro del folclore fue posterior a empezar a crear». La cantante aún continúa de gira con su notable disco publicado el año pasado, ‘La serrana‘, y esta semanas la tendréis en Córdoba, Granada y Baeza. Detalles y más fechas, en Instagram.
La artista nos habla en esta charla sobre su evolución: «Lo que me hizo darme cuenta de que me estaba acercando a la tradición fue el feedback de la gente. Yo empecé a componer sin saber nada de música, sin haber estudiado, con mi guitarra: montas canciones, sacas un primer disco…» Fue después lo que le decía la gente, lo que hizo a Karmento darse cuenta de cuál empezaba a ser su posición, pues le contaban cosas como «Eso que haces me recuerda a mi infancia, a cuando estaba con mi abuela», «eso es de mi pueblo» o «eso me lo cantaban a mí»… «Todo eso me vino después de trabajar», indica, revelando que ‘Quiero y duelo’ fue un punto de inflexión, en especial por su representación en Benidorm Fest. Una canción que la artista considera un puente entre su segundo y su tercer disco, quedando fuera de ambos: «‘Quiero y duelo’ era el camino. Y ‘La Serrana’ fue ir al fondo».
En este podcast también aparece una entrevista con Juanjo Bona, con quien por cierto Karmento ya había hablado a través de Instagram. La coincidencia en estilo, nos lleva a debatir con la artista qué es el folclore en verdad: «No hay más folclore que la casa. El folclore es la sensación de llegar a lo más antiguo que hay en ti: tu relación con tu familia, con tu comunidad, tus sentimientos hacia ello».
En otro momento nos preguntamos si en la música de Amaral, una influencia para Karmento (y a quien nos recuerda su tema ‘Viejos padres’), no habrá también algo de folclore patrio, y no tanto de influencia anglosajona, como se suele observar a menudo. «Es el problema de definir la música como folclore, a través de los instrumentos del folclore. Pero también hay ruedas de acordes, también hay armonías. Evidentemente pensar que toda la influencia de una persona de nuestra generación ha venido de la música anglosajona… ¿Qué pasa con lo previo? Esa conexión se nos había olvidado».
El pueblo tiene todo el protagonismo en el disco ‘La serrana’, de hecho: la fuente que aparece en la portada es donde jugaba de pequeña e hizo sus primeras actuaciones. El pueblo es para Karmento «como la familia, con lo bueno y lo malo que tienen las familias». Entre lo bueno que a ella le ha aportado, recalca: «ya no estamos en el mundo de los artistas como celebrities, sino de los artistas como trabajadores. A la gente que venimos de pueblo se nos dice mucho: «tú sé buena gente, no eres más que nadie…»
Karmento recuerda cómo su familia emigró de un pueblo a Albacete, Valencia o Barcelona: «El pueblo está asociado a la pobreza, y te desvinculas de alguna forma. Creces y quieres viajar y la vida es viajar y conocer, la riqueza es explorar. Después de un tiempo alejada, a través también de Karmento, volví ahí. Siempre he ido mucho, pero ahora vuelvo ahí. Yo soy serrana y es importante que se hagan diversas las ideas de las mujeres y de las personas que hay en los pueblos. Hay muchos tipos de personas, con muchas ideologías, con muchas formas de ver la vida».
También hay muchos tipos de folclore, y Karmento nos detalla cómo decidió incorporar unos verdiales de Málaga en ‘La loca del pueblo’, y ya de broma hablamos del «folclore Disney» que se le coló en otra de sus canciones, ‘Me dio pelusa’. «¿Es que no está ahí en nuestro ser? Yo quería recuperar la copla, porque en mi casa se escuchaba a Rocío Jurado y Manolo Escobar, y quería recuperar la copla porque creo que hay que renovarla un poco. En ‘Me dio pelusa’ quería trabajar el tipo de diva folclórica, cuanto más grande es el gorgorito, mejor, la de «pelea de gallas». Y quería llevarlo a las princesas Disney porque me sabía todas las canciones de Disney. Las niñas de los 90 cantaban las canciones de los dibujos. También quería hacer una referencia a la envidia, por mi miedo a perder la voz, el miedo a fallar».
La canción más innovadora y arriesgada que ha hecho Karmento, que apareció en nuestra selección de Mejores Canciones de 2024, es ‘Fangos’, una especie de «spoken word» con giro pop, que se construyó a partir de dos ideas separadas pero relacionadas: «Siempre he sido bastante innovadora como Carmen. Tengo la necesidad permanente de mezclar y rebasar los límites. ‘Fangos’ es un temazo. Es de esas canciones que se construyen solas. Había superado una relación, la más dura que he superado, me enfrenté a la co-dependencia y decidí que iba a acabar con ello. O salía renovada de ahí o moría. Cuando ya estaba bien tuve un affair precioso, con un chico. Bueno, con un hombre. Con un topógrafo (sonríe). Pero en un momento me di cuenta de que esa historia no me iba a hacer bien. Y en una llamada le dije «creo que esto no va a hacer bien». Lo vimos porque era muy majo, colgué y me salió de forma natural y directo el estribillo de ‘Fangos'». Tiempo después, inspirada en otras historias, Karmento completó la canción hablando del deseo, y de crecer como mujer.
En los últimos minutos de la entrevista hablamos de precariedad, de contratación autonómica, y ayuntamientos. ¿No promueven las instituciones locales los proyectos apegados a la música que nos habla sobre nuestra tierra? Indica Karmento: «La Mancha está aprendiendo. A la gente le encantas, pero no puedes llevar una banda por una cantidad. Hay que tener a los artistas en consideración. A veces tienen un presupuesto pequeño, y prefieren un tributo. No me parece mal que se dedique un porcentaje a los tributos, pero también hay que escuchar a los nuevos artistas».
Matt Berninger, vocalista y líder de The National, se prepara para lanzar su segundo disco en solitario. ‘Get Sunk’ estará disponible en todas las plataformas a partir del próximo 30 de mayo, convirtiéndose en el sucesor de ‘Serpentine Prison’.
La acústica ‘Bonnet of Pins’ se trata del primer adelanto del disco, que además incluirá las colaboraciones de «numerosos músicos y amigos», como ha descrito Berninger en su cuenta de Instagram. Entre estos, Meg Duffy de Hand Habits, Ronboy y Booker T. Jones.
Sobre el disco, Berninger ha dado estos detalles: «Nuestros corazones son como viejos pozos llenos de peniques y gusanos. No puedo resistirme a ir al fondo del mío para ver lo que hay, pero a veces te puedes quedar atascado», ha declarado. Berninger también ha anunciado una gira que le llevará por Norteamérica, Europa y Reino Unido. Sin embargo, ninguna de sus paradas incluye a España.
Tracklist:
01 Inland Ocean
02 No Love
03 Bonnet of Pins
04 Frozen Oranges
05 Breaking Into Acting [ft. Hand Habits]
06 Nowhere Special
07 Little by Little
08 Junk
09 Silver Jeep [ft. Ronboy]
10 Times of Difficulty
Thom Yorke y Mark Pritchard, quienes han colaborado varias veces en el pasado, han anunciado su primer disco conjunto. ‘Tall Tales’ estará disponible el próximo 9 de mayo, pero ya se pueden escuchar los dos primeros adelantos: ‘Back In the Game’ y el más reciente, ‘This Conversation Is Missing Your Voice’.
La nueva canción incluye la producción electrónica que caracteriza el trabajo de Pritchard y el familiar falsetto del vocalista de Radiohead y The Smile. Asimismo, llega junto a un vídeo dirigido por Jonathan Zawada, quien es descrito en una nota de prensa como el «tercer miembro» no oficial del grupo.
Los vídeos de ambos sencillos son solo una parte de una «película que ha realizado durante los últimos años en tándem con el desarrollo de la música». Pritchard y Yorke habían trabajado juntos en la canción ‘Beautiful People’, sacada del disco ‘Under the Sun’, lanzado en 2016 por Pritchard.
Tracklist:
01 A Fake in a Faker’s World
02 Ice Shelf
03 Bugging Out Again
04 Back in the Game
05 White Cliffs
06 The Spirit
07 Gangsters
08 This Conversation Is Missing Your Voice
09 Tall Tales
10 Happy Days
11 The Men Who Dance in Stags’ Heads
12 Wandering Genie
Es llamativo el éxito adquirido por la japonesa Ichiko Aoba en los últimos años de su carrera, tras casi una decena de discos publicados a sus espaldas. Sus cifras en streaming son asombrosas para una artista de ambient-folk y se corresponden a algunas de sus composiciones más recientes, pero no son ninguna sorpresa dada su fantástica belleza y su inspiración en las películas de Studio Ghibli.
En directo, la música de Ichiko Aoba se convierte en una experiencia que deseas recomendar a todos tus amigos y conocidos. Su voz, cristalina y pura, y sus serenos acordes de guitarra acústica, consiguen que cualquiera sea capaz de olvidarse del mundo exterior durante una hora y media de recital, el que duró su concierto de este lunes en Barcelona. Sus fans pueden venir vestidas de otaku: quizás han descubierto la música de Aoba jugando a ‘The Legend of Zelda’.
Su telonero, el parisino Julien Desprez, sorprendió a los tempraneros del Paral·lel 62 con un showcase de noise y glitch despiadado, muy estridente y juguetón, pero también inesperado. En algunos puntos hasta cantaba, pareciendo un Phil Elverum ido de la olla. Armado con una guitarra eléctrica que no dudó en usar para despedazar todo sonido a su antojo, Desprez asustó a algunos asistentes que prefirieron retirarse y volver en otro momento. Sin embargo, también fascinó a otros por su originalidad. Ichiko Aoba expresó después que está «muy loco» y es cierto.
La elección de telonero no es causal, pues el contraste entre el sonido de ambos resalta el componente calmado, sereno, balsámico, casi doméstico, de las composiciones de Ichiko Aoba, que tiran lo mismo de los acordes clásicos de la bossa nova -como los de la inicial ‘kororonosekai’- que del folk onírico, esto cuando Aoba no toca el piano tirando loops de pájaros. La sensación que deja su música es de realismo mágico, situándose en un punto entre la realidad y los sueños.
El concierto se divide en tres actos y el bis, pero, la mayor parte del tiempo, Aoba la pasa tranquilamente tocando la guitarra, sentada en su trono rojo, echando su voz a volar con la aerodinámica más pura imaginable y un control envidiable. Aoba presenta su último disco, ‘Luminescent Creatures‘ (2025), inspirado en sus vivencias explorando las aguas de las Islas Ryūkyū, pero su show resalta su faceta folk y terrenal, no tanto la ambiental y mística, cuando atraviesa canciones como ‘Sagu Palm Song’, ‘Wakusei No Namada’, ‘Clockwork Universe’ -dedicada a su maestro- o la saltarina ‘Mr. Sun’, que cerró el show.
Al micrófono, cantando, tocando su guitarra o el teclado, Aoba detenía el tiempo; cada vez que se escuchaba un vaso cayendo al suelo o el rechinar de una puerta abriéndose, el sonido de estos objetos parecía amplificarse. Sin embargo, Aoba, a veces, jugaba con ese sonido ambiente, imitando por ejemplo el sonido de esa puerta con su voz. Su música contiene un espíritu infantil y de andar por casa, quizá porque Aoba es autodidacta, y ese mismo espíritu se despierta en el público cuando Aoba interpreta al pingüino de su canción ‘Sayonara Penguin’, provocando risas de la audiencia. No extraña que sus últimos discos los protagonice una niña.
Ese humor cotidiano se traslada también a los momentos en que Aoba habla a la audiencia, en algunos casos, en un español sorprendentemente hábil. Aoba se molesta en interpelar a su público en su idioma, aunque la mayor parte del tiempo se dirige al público en japonés y, cuando cuenta la historia de ‘Uta no Kehai’, la de dos amigos enfadados que ella intentó reconciliar, se sirve de gestos para comunicarse. Este humor alivia la solemnidad de la música que suena encima del escenario y convierte el concierto de Ichiko Aoba en una experiencia inmejorable. Al final, una fan le regala unas pastas dulces, pero el verdadero regalo es el de Aoba al público.
Sónar+D ha revelado su programación de 2025, en la que explorará los «nuevos horizontes de la creatividad y las artes en la era de la IA omnipresente», este martes 11 de marzo durante una rueda de prensa celebrada en Barcelona. El programa se compondrá de un centenar de actividades dirigidas por artistas, tecnólogos, científicos, visionarios y mentes radicales de la música, la ingeniería o la computación cuántica.
Entre las actividades destacadas de Sónar +D, Maria Arnal presentará en el evento su nuevo proyecto, ‘AMA’. Arnal será una de las figuras invitadas en Sónar +D junto a Libby Heaney, de Reino Unido; Tega Brain, de Australia; Xin Liu de China, o YESSI PERSE & laSADCUM, de España.
Los tres ejes temáticos de Sónar +D serán «‘IA + Creatividad’, donde se proponen herramientas y enfoques alternativos de la IA en la producción artística; ‘Imaginando el futuro de las industrias creativas’, un espacio para reflexionar sobre los cambios y oportunidades del sector; y ‘Mundos por venir’, una exploración de los escenarios emergentes que definirán las relaciones entre tecnología, cultura y sociedad».
El programa de Sónar +D desplegará «foros interactivos, mesas redondas, masterclasses, conferencias performativas, workshops, shows multidisciplinares y decenas de proyectos en exposición abrirán la puerta a conocer el futuro antes de que se convierta en presente».
Os recordamos que el cartel musical de Sónar 2025 contará con actuaciones de Nathy Peluso, Plastikman, Four Tet, Peggy Gou o Honey Dijon.
El cantante de k-pop Wheesung ha sido hallado muerto este lunes en su apartamento de Seúl, a los 43 años de edad. El cuerpo sin vida de Choi Whee-sung, nombre real del artista fallecido, ha sido encontrado por su madre a las 18.30 hora local.
Las autoridades surcoreanas han confirmado que la causa de la muerte de Wheesung ha sido un paro cardíaco. El cuerpo llevaba desatendido «un tiempo considerable» hasta que fue encontrado.
La carrera musical de Wheesung despegó en 2002 con el lanzamiento de su álbum debut, ‘Like a Movie’ y se caracterizó por su mezcla de pop, hip-hop y R&B en temas como ‘Insomnia’. Wheesung había trabajado en sellos de k-pop como YG Entertainment.
En los últimos años, Wheesung afrontó problemas legales reiterados por su uso recreativo de drogas como el propofol, el mismo anestésico vinculado a la muerte de Michael Jackson. En 2021, Wheesung se declaró culpable de uso no recetado de propofol, pero evitó ir a prisión.
Una tragedia vuelve a sacudir la cultura en Corea del Sur tras la temprana muerte, el pasado mes de febrero, de la actriz Kim Sae-ron, a los 24 años.
31 FAM ha emitido un comunicado tras la detención de su road mánager Miguel Z., conocido por el alias de Flautek, en Bilbao por presuntos abusos sexuales a al menos una decena de jóvenes de entre 16 y 23 años, aunque la cifra de denunciantes podría ascender. Se acusa a Flautek de un presunto delito de agresión sexual y de uno de descubrimiento y revelación de secretos.
La Ertzaintza efectuó la detención a Flautek el pasado martes 4 de marzo después de que dos artistas interpusieran una denuncia al road mánager tras descubrir una cámara oculta en el baño de un apartamento turístico para supuestamente grabarlos desnudos. Otros denunciantes relatan casos de grabaciones sin consentimiento y «tocamientos» inapropiados. Según El Periódico, la mayoría de víctimas eran menores de edad.
En un comunicado, 31 FAM se ha solidarizado con las víctimas y ha aclarado que Miguel Z. ha colaborado con la banda catalana en el papel de road mánager en sus giras, pero que nunca ha gestionado su carrera en el ámbito artístico. «El acusado ha trabajado como ‘road manager’ de diversas giras, incluidas las nuestras, ocupándose de aspectos logísticos y escénicos», pero «no es ni ha sido nunca nuestro mánager».
En el texto, 31 FAM señala que el grupo «no ha puesto ninguna denuncia porque, a día de hoy, no tenemos indicios de que haya cometido ningún delito contra nosotros».
Además de por su labor de road mánager, Flautek es conocido en la industria musical, entre otras cosas, por impartir talleres de gestión de proyectos musicales y por colaborar en el Festival BROT, que desde del Ayuntamiento de Barcelona apoya a solistas y grupos emergentes.
Doechii ha sido nombrada Mujer del Año por Billboard, y recogerá su premio en la ceremonia que se celebre el próximo 29 de marzo en el YouTube Theater de Hollywood Park, Inglewood, en California.
Doechii es tan solo la tercera mujer que escala de Rising Star directamente a Mujer del Año en los Billboard, después de Lady Gaga y Ariana Grande.
2025 está siendo el año de Doechii gracias al éxito de su single viral ‘Denial is a River‘ y de su tercer mixtape, ‘Alligator Bites Never Heal‘ (2024), galardonado este año con el Grammy a Mejor álbum de rap. Últimamente, Doechii ha aparecido como artista invitada en discos de JENNIE, Katy Perry y BANKS, y ha lanzado su single ‘Anxiety’.
Doechii se une a una lista de artistas nombradas Mujer del Año por Billboard que incluye a Karol G, SZA, Olivia Rodrigo, Cardi B, Billie Eilish, Ariana Grande, Selena Gomez, Madonna, Lady Gaga y Taylor Swift. La gala suele dar a lugar a momentos muy comentados, como el histórico discurso de Madonna en 2016 o el de Taylor Swift en 2019, en el que llamó a Lana Del Rey la «artista más influyente» de su generación.
La gala de Mujer del Año de Billboard, este año, estará presentada por Laverne Cox y contará con las actuaciones musicales de algunas de las artistas premiadas, en concreto de aespa, Ángela Aguilar, GloRilla, Gracie Abrams, Megan Moroney, Muni Long y Tyla.
Por otro lado, Doechii ha sido noticia estos días por aparecer en un concierto de Ms. Lauryn Hill en Miami para cantar ‘Doo Wop (That Thing)’. Doechii ha declarado que ‘The Miseducation of Lauryn Hill’ (1998) es el disco que despertó su interés por el rap y la música en general.
joseluis está a punto de explotar, pero nadie lo sabe todavía. Con solo tres desgarradoras y minimalistas canciones subidas a plataformas y la promesa de un álbum debut del que no se sabe nada, joseluis también es la última incorporación al roster de Sony. ‘Guapo’ es la Canción del Día, pero ‘Navajas de Albacete’ y ‘Estilista’ también podrían serlo.
Las canciones de joseluis han salido en años diferentes, y aun así todas son buenos ejemplos de su personal estilo. Los elementos son una guitarra punteada, una voz muy suya y una letra muy de todos. ‘Navajas de Albacete’, de 2023, revive el espíritu del indie noventero y lo junta con una genial vuelta de tuerca al folklore nacional: «Me duele como siete navajas de Albacete en el pecho al verte», canta en el estribillo.
En ‘Estilista’, que llegó como la novedad del EP ‘Las Dos Primeras’, joseluis es capaz de convertir la chulería en lo más tierno del mundo. Además, con toques más modernos en la producción: «Házmelo muy lento, que no tengo prisa / Yo hago lo que sea, por un trajecito de tu saliva».
‘Guapo’ es la primera canción que saca como parte del equipo de Sony y la más particular de las tres. Sin un estribillo al uso y sin ningún tipo de filigrana en la producción, como sí ocurría con los dos temas anteriores, es su canción más pura. En la letra, sigue valiéndose de la simbología cultural del país, como el «toro» y el «oro».
A su vez, hace un equilibrio perfecto entre la belleza de ‘Navajas de Albacete’ y la chulería de ‘Estilista’ con frases tan bonitas como «Soy guapo porque tú me miras» o tan inteligentes como «Me gustas más que un espejo, me gusta hacerte sudar, mirarme en tu reflejo». En palabras del artista, es una canción sobre «los complejos y las inseguridades escondidas torpemente en el ego».
Ariana Grande ha anunciado que la versión deluxe de su séptimo álbum, ‘eternal sunshine‘, que celebra el primer aniversario del disco, se pondrá a la venta el próximo 28 de marzo. En realidad, ‘eternal sunshine’ cumplió un año el pasado 8 de marzo.
La edición ampliada de ‘eternal sunshine’ recibirá el título de ‘eternal sunshine: brighter days ahead’ e incluirá seis pistas inéditas, además de los tres remixes ya conocidos de ‘yes and?’ con Mariah Carey, ‘supernatural’ con Troye Sivan y ‘the boy is mine’ con Monica & Brandy. En total, la edición deluxe de ‘eternal sunshine’ expande su tracklist hasta las 22 pistas.
En el tracklist compartido en la página web de Ariana Grande, la pista 14 aparece separada del resto de las canciones nuevas por los tres remixes mencionados. Sus fans especulan que podría tratarse del single de presentación.
Además, la edición principal de ‘eternal sunshine: brighter days ahead’ se publicará con esta curiosa portada en la que Grande aparece siendo abducida por una poderosa luz celestial, aunque la cubierta cambiará según el formato.
tracklist:
1. intro (end of the world)
2. bye
3. don’t wanna break up again
4. Saturn Returns Interlude
5. eternal sunshine
6. supernatural
7. true story
8. the boy is mine
9. yes, and?
10. we can’t be friends (wait for your love)
11. i wish i hated you
12. imperfect for you
13. ordinary things (feat. Nonna)
14. track 14
15. yes, and? (with Mariah Carey) – Remix
16. supernatural (with Troye Sivan) – Remix
17. the boy is mine (with Brandy, Monica) – Remix
18. track 18
19. track 19
20. track 20
21. track 21
22. track 22
roserona es uno de los talentos catalanes que en 2025 pueden dar un paso importante en su carrera. El proyecto de Roser Canet, natural de Cardedeu, se caracteriza por su aproximación al pop de cantautor con influencias del folk y el jazz. Su nuevo EP, ‘Caro Diario’, ha visto la luz este viernes, incluyendo su colaboración con socunbohemio, la intimista ‘Potser som’.
La influencia del jazz diferencia a roserona de sus colegas de profesión. ‘Malborowinston’ es una decadente pieza de jazz-pop que roserona canta, es fácil imaginarla, con un cigarro en la mano. Y ‘El coll vull estimar’ explora una estética casi lynchiana y dream-pop: durante la composición del EP, a roserona le influyó el trabajo de artistas como Alice Phoebe Lou o Lana Del Rey.
Enmarcado entre la nana ‘Tot va perfecte’ y la intrigante ‘Jardins amagats’, ‘Caro Diario’ traslada a música algunas preocupaciones que la artista ha dejado escritas en su diario personal en el último par de años. Cuenta que el proceso de composición ha sido «curativo» y describe en particular su tendencia a sentirse culpable por el éxito propio, que una noche le llevó a llorar durante una fiesta.
Antes de ‘Caro diario’, roserona lanzó su primer EP, ‘Ombres d’amor perduts’, que incluía algunas de sus mejores composiciones, como la balada experimental ‘què faig amb tu’ o la bluesera ‘com si no ens haguèssim conegut’.
roserona presentará ‘Caro diario’ oficialmente el próximo viernes 21 de marzo en Sala Jamboree de Barcelona, un lugar muy vinculado a la escena jazz local. Las entradas siguen disponibles.
A Lady Gaga le pueden haber tocado los fans más inconformes de la historia. Nada de lo que hace parece nunca suficiente: que si ‘The Fame‘ (2008) era muy poco moderno, que si ‘Born this Way‘ (2011) sonaba a chatarra, que si ‘ARTPOP‘ (2013) era una ida de olla infumable, que si ‘Joanne‘ (2016) era todo postureo, que si ‘Chromatica‘ (2020) era genérico. Cuando hace jazz es aburrida, y cuando hace cine no hay quien se la crea.
Está claro que hay Gagas para todos los públicos, pero las críticas a su obra siempre han apestado un poco a condescendencia. Es como si la gente creyera que sabe lo que le conviene hacer a Gaga más que ella misma. Y digo yo que, si sus discos eran todas esas cosas, para bien y para mal, Gaga era la primera enterada.
‘Mayhem’, el sexto álbum de Lady Gaga, es a la vez una respuesta a todos ellos y una reafirmación. El viral de ‘Bloody Mary‘ parece el punto de partida del proyecto, el momento en que Gaga decide qué tipo de disco sus fans quieren de ella en este momento de su carrera. Pero ‘Mayhem’ también es una confirmación de que Gaga va a seguir haciendo las cosas a su manera y sorprendiendo.
Gaga está en el momento de tomar inspiración ede su propio legado. Las influencias de ‘Mayhem’ pueden llevar a los oyentes al glam de ‘The Fame’, a los sonidos industriales y rockeros de ‘Born this Way’ y a los diferentes coqueteos de Gaga con la música disco a lo largo de su carrera, pero Stefani Germanotta da a estas influencias ahora un trato muy rico a nivel de producción y, con la colaboración de Cirkut, Andrew Watt y Gesaffelstein, potencia sus composiciones con producciones que son absolutamente centrales en la propuesta del disco e interesantes.
Es especialmente llamativo el gusto de Gaga por los falsos finales y por el desarrollo de secciones instrumentales o codas como las de ‘Garden of Eden’ o ‘Killah’, que parece que va acabar pero no, al menos dos veces. ‘Killah’ puede ser la producción más ambiciosa del proyecto. Un «feauturing» con Gesaffelstein, que ya había colaborado con The Weeknd, ‘Killah’ parte del funk sucio de Prince circa 1987 para después explotar como una granada de Suicide. Su grito final ha vuelto a dejar un momento icónico de esta era, tras su presentación en la tele americana.
Más convencionales a nivel de composición, otras pistas como el electro-grunge a lo Garbage de ‘Perfect Celebrity’ o la decadente y disco ‘Vanish into You’ tampoco olvidan armarse de matices. En la primera, Gaga expone una rabiosa reflexión sobre la fama usando rimas tan propias de ella como «I look so hungry, but I look so good / Tap on my vein, suck on my diamond blood». En la segunda, Gaga entrega una lujosa pieza disco para los ‘Bad Kids’ y para las pasarelas queer en las que ya debió sonar ‘Fashion!’, a la que recuerda.
Algunos dicen que ‘Mayhem’ supone el retorno de Gaga al pop, como si ‘Chromatica’ no hubiera existido ni fuera un álbum excelente. ‘Mayhem’ en realidad ahonda en una estética muy arraigada en el punk, el glam y la música disco de los 70 -de manera muy fiel al underground neoyorquino, pues ella es nacida en la ciudad- pero también en la electrónica industrial alemana. ‘Don’t Call Tonight’, uno de los fillers del álbum, es disco pero incorpora guitarras, y el ritmo de la simpática ‘Zombieboy’ -un homenaje al fallecido modelo Rick Genest– es de disco clásico: no ha llegado a los ochenta.
En todos sus coqueteos con el underground, en toda su exploración de una estética sucia y desbocada, ‘Mayhem’ transmite irónicamente un control muy pensado. Por eso, al disco se le olvida ser un poco eso mismo, mayhem, caos, barullo, porque Gaga es compositora de escuela clásica y a la autora de ‘Judas’ le gusta estructurar una canción de la manera más clásica posible. ‘Mayhem’ para Gaga es su propio «caos personal», pero ‘Mayhem’ es un disco de Lady Gaga al fin y al cabo. En ese sentido, los singles de ‘Mayhem’ destacan demasiado y el álbum termina arriesgando menos de lo que prometía.
Los singles sobresalen a veces para bien: ‘Disease‘ era un single apabullante que mostraba a Gaga en excelente forma. Aunque al principio no pudiéramos verlo, resulta que es un gran inicio de disco, Gaga en su cara más cazallera y feroz. ‘Abracadabra‘ es la concesión dance-pop de ‘Mayhem’ que no termina de formar parte del universo sonoro del álbum, pero que, por tono, encaja más o menos, pues también es una pieza bailable, oscura y muy Gaga. ‘Abracadabra’ ha salvado por arte de magia la era, y ya es un clásico de Gaga a la altura de ‘Bad Romance’.
Sin embargo, la inclusión de ‘Die with a Smile‘ en la secuencia de ‘Mayhem’ solo responde a motivos comerciales y, por mucho que Gaga intente vendernos la moto de que la canción era el único cierre del álbum posible para que este «acabara con amor», lo cierto es que Bruno Mars no pinta nada por aquí y la canción tampoco. Además, no es muy «Mayhem» que el disco termine con hasta TRES baladas, pero lo peor de ‘The Beast’ y ‘Blade of Grass’ es que son composiciones débiles y recargadas. ¿No había suficientes de esas ya en ‘Harlequin‘ (2024)?
Gaga sí da unidad al conjunto -siempre lo hace hilando las canciones de ‘Mayhem’ a nivel de concepto y letras a través de continuas referencias macabras a enfermedades, adicciones o muerte (o al asesinato en ‘Killah’). En ‘Disease’, el amor es un «antídoto» a su enfermedad, como lo es también en el himno arena rock de ‘LoveDrug’. En la rematadamente cool ‘Garden of Eden’, que suena como Marilyn Manson vestido con taconazos (la referencia a Nine Inch Nails en la letra es obvia), rulan las pastillas y la adrenalina en un homenaje fabuloso al exceso de la noche y al hedonismo.
Pero, en este festival de estribillos, puentes, codas y melodías dramáticas de ‘Mayhem’ no todas las canciones ni referencias funcionan. Aunque Germanotta siempre ha sido muy buena escritora de deep cuts, canciones que no eran singles pero que eran muy reivindicables, en ‘Mayhem’ pistas como ‘Shadow of a Man’ o ‘Don’t Call Tonight’ estiran el chicle de la música disco demasiado. ‘Shadow of a Man’ partía de un mensaje interesante (Gaga reflexiona sobre el machismo en la industria), pero nunca lleva su influencia de Michael Jackson al siguiente nivel. Por otro lado, el parecido de ‘How Bad Do U Want Me’ con el estilo de Taylor Swift es exagerado y distrae del supuesto sample de ‘Only You’ de Yazoo que incorpora la base.
A pesar de sus influencias neoyorquinas, británicas o alemanas, y de la robusta y detallada producción del álbum, ‘Mayhem’ mantiene en general las formas y rara vez cae en la locura total. En el repertorio se echa de menos que Gaga profundice hasta las últimas consecuencias en el potencial de su colaboración con Gesaffelstein, o que lleve más lejos todavía las influencias de Prince, Blondie o Nine Inch Nails, y sobran melodías obvias y redundantes en su segunda mitad, además de las baladas. ‘Mayhem’ es, por tanto, otro trabajo de Gaga muy logrado pero imperfecto.
Así que volvemos al principio: ‘Mayhem’ será otra obra que deje a los fans de Gaga insatisfechos. Llegados a este punto, ¿cuál es entonces su mejor disco? ¿Su obra maestra? ¿’The Fame Monster‘ (2009) no era demasiado corto? ¿’ARTPOP’ demasiado complicado? Si el estilo de Gaga se define por su tendencia al exceso y al dramatismo sin límites, su mejor obra ha de ser ‘Born this Way’, seguida muy de cerca de ‘Chromatica’. ‘Mayhem’ no anda lejos de ellos.
Lil Nas X prepara el lanzamiento de un nuevo proyecto llamado ‘Dreamboy’, del que ya conocen los adelantos ‘Light Again‘ y ‘need dat boy’. Hoy lunes, Montero lanza el corte titular y, el próximo viernes, saca otro tema llamado ‘Hotbox’.
En ‘Dreamboy’, Montero reflexiona sobre su fama y las dificultades que enfrenta últimamente para revivir la popularidad de sus primeros años. De hecho, la letra de ‘Dreamboy’ alude a su «caída» e incluye una referencia a su single maldito, ‘J Christ’: igual que Jesucristo, Lil Nas X resucita. Y Montero lo hace antes, pues él apenas cuenta 25 años.
En ‘Dreamboy’, el «controversy king» presenta el típico beat switch típico del pop actual, aunque esta vez no es tan marcado, sino natural. La canción pasa de una primera parte vagamente psicodélica que recuerda al trabajo de Tyler, the Creator o Childish Gambino, a una segunda influida por el trap melódico, incluyendo una referencia muy obvia a Missy Elliott y sus «freaky freakys». Como sus singles anteriores, ‘Dreamboy’ vuelve a ser una canción correcta, pero no equiparable a la pegada de sus mejores canciones. ¿Dónde está el hacha que escribió una melodía tan buena como la de ‘Old Town Road’?
La estética visual de ‘Dreamboy’, por otro lado, recuerda a la del videoclip de ‘Up Out My Face‘ de Mariah Carey y Nicki Minaj, pues no hay que olvidar que Minaj es el gran ídolo de Lil Nas X: en ‘Dreamboy’ remiten a ella alguno de sus flows.
El autor de ‘MONTERO‘ (2021) sigue sin anunciar los detalles de ‘Dreamboy’, pero el estreno de la pista titular un lunes cualquiera apunta a que el lanzamiento del disco se acerca.
Barry B es uno de los artistas revelación del último año en España. Natural de Aranda de Duero, el primer disco de Gabriel Barriuso, ‘CHATO‘ (2024) y, antes, su sonada colaboración con Carolina Durante en ‘Yo pensaba que me había tocado Dios‘, han amplificado su perfil y definido su identidad musical, marcada por un pop-rock de corte anglosajón.
Apenas unos meses después del lanzamiento de ‘CHATO’, Barry B ha vuelto con nuevo single, uno de los mejores de su carrera. Es la Canción Del Día.
‘Infancia Mal Calibrada’ es otra canción de Barry B influida por el pop-rock anglosajón. Esta vez, el sonido remite a la propuesta de grupos como Editors o Interpol, que tan bien han sabido llevar su desesperación existencial a escala de arenas y estadios. La melodía de ‘Infancia Mal Calibrada’ se presta al coro colectivo y recuerda a los himnos que ahora mismo está siendo capaces de firmar Fontaines DC.
Pero, al margen de referencias e influencias, ‘Infancia Mal Calibrada’ es una pieza muy personal e incluso biográfica de Barry B, en la que el artista recuerda su propia infancia, marcada por una búsqueda continuada de su identidad. La letra expone imágenes de una «mirada traumada», del «alma de un infeliz» y de un «soldado roto» que busca el alivio en el amor. Aunque ese alivio dure un segundo, para Barry B, es lo más parecido a vivir la «eternidad».
«La infancia no siempre es como en las películas», ha contado Barry B. «A veces es un camino raro, lleno de caos y sin nadie que te diga por dónde ir. En Infancia Mal Calibrada, seguimos a un niño que no tiene raíces, que va de un lado a otro sin rumbo, atrapado en una vida dura y sin muchas opciones. Pero encuentra algo que lo cambia todo: su inspiración en Barry B y la máscara con su cara que le acompaña a todas partes».
‘Recardelino‘ es un disco sorprendente en su reivindicación de la música aragonesa, y su encuentro con autores y productores salidos del underground, como El Buen Hijo y Marcel Bagès. Su autor, Juanjo Bona, visita ALGO CAMBIÓ… el podcast de JENESAISPOP con Fundación SGAE, para hablar de todo el proceso compositivo, y de folclore en general. Comenzamos así la segunda temporada, ahora con la producción de Cariñito Films.
Bona nos explica que para el proceso creativo fue determinante la visita a la casa de Josi Sauca, un historiador de su pueblo, Magallón, para comprender las leyendas antiguas, las tradiciones, la relación con Bécquer o incluso con letras que ya tenía escritas previamente, como la de ‘Golondrinas’.
Durante el proceso compositivo, Juanjo se encontró escribiendo estrofas y estribillos, pero siempre le venía una jota a la cabeza. Desde su sello, le advirtieron que ahí podía haber un camino. «Al principio renegaba de la jota. No confiaba en la jota. Ni en mí, también te digo. Pero no podía hacer otra cosa más que esto», indica, y añade en otro momento: «la jota es muy rica, pero es desconocida. Aquí venimos a abrir una puerta».
¿Nunca le ha preocupado no entrar en playlists o 40 Principales? «Yo lo quería, ¿eh? Yo quería entrar en esas playlists y pensaba que era mi camino. Yo pensaba que debía ser comercial para triunfar, y debía buscar el hit. Al principio busqué el hit y no lo encontré nunca, y me di cuenta de que tenía que coger otro camino. Buscar, dentro de lo comercial, lo que me podía hacer diferente. Hubo varias personas de la industria que me decían: «aquí hay un camino» y yo no quería mirarlo».
Una vez aceptada la idea, era evidente que era buena y que tenía todo el sentido: «En Magallón hay mucha música, casi todo el mundo toca un instrumento. Hay agrupaciones. La banda donde yo toqué el clarinete ganó un certamen mundial en Holanda. Era la banda de Magallón contra bandas japonesas: fuerte. La banda tiene mucha importancia en Magallón y hay un compositor de pasodobles muy famoso, Abel Moreno. Se han hecho muchos encargos a compositores por parte del ayuntamiento. La mayoría de las obras están inspiradas en la jota de La Magallonera, que es una jota que compuso un magallonero, la jota más famosa de Aragón, la jota de mi vida, la que sale en el disco, la jota por excelencia. Yo me inspiré en una de estas obras, ‘Magallón e Instrumento de Civilizaciones’, para sacar varias melodías que aparecen en la intro del álbum. Todo lo que tarareo son melodías que existen realmente: introducciones de la Magallonera, todo está inspirado en La Magallonera».
En el proceso creativo, han ayudado a Juanjo gente como Confeti de Odio, El Buen Hijo o Fresquito y Mango, que se han convertido en sus nuevos amigos cuando se sentía más solo: «No los conocía, antes mis gustos eran otros. Antes no pensaba en letra y cantaba por cantar. En OT, descubrí el sentido de componer una canción, con ‘El Patio’. Antes cantaba en una orquesta y Luis Miguel era mi referente absoluto. David Bisbal, Pablo Alborán, Pablo López. Al empezar a hacer jota, esta gente no tenía nada que ver y tuve que buscar otra gente. Ahí apareció María Arnal, Rodrigo Cuevas y un montón de gente. Gente que había usado la jota u otros folclores de España».
Rodrigo Cuevas puede ser un personaje determinante para su futuro, por las conversaciones que han tenido: «Rodrigo Cuevas me dijo: «estás imaginando el pueblo desde la nostalgia, desde lo bonito, pero no estás haciendo canciones sobre la diversión, sobre las «no normas», sobre la sexualidad en la fiesta de un pueblo». Hay un montón de lugares que explorar y que yo no he explorado, que no son nostálgicos, pero en ese disco sobre todo hay recuerdo y nostalgia, igual a veces demasiado, pero bueno». Sobre si se siente parte de una escena de folclore, reconoce: «Sigo teniendo desconfianza en mí mismo, pero claro que quiero formar parte». También elogia particularmente el trabajo de Rosalía, y sobre todo de Amaia, cuyo concierto en el Movistar Arena indica que le ha cambiado la vida.
Sobre su propio desarrollo como autor, Juanjo Bona reconoce en la composición de ‘Mis tías’ un punto de inflexión, porque además desde Universal le animaron a que fuera un single «para diferenciarse» por muy «rara» que fuera (versa sobre las trabajadoras de su Colegio Mayor), además en una época en la que lo estaba pasando mal «porque ya no había más Colegio Mayor para él». «Hace mucho que no hablaba de este tema, pero una de las primeras veces que vine a Madrid, ciertas personas me trataban como si fuera más corto. Se me había olvidado, pero fue por el hecho de venir del pueblo, de no venir de un instituto enorme».
Una falta de confianza que también se refleja en la gran ‘Villano’: «Era cortísima. Tenía 3 partes que no había manera de hilar, pero a todo el mundo le gustaba. Era la demo más chapucera, y no sabíamos qué parte poner primero. Los productores hicieron ahí su magia, porque son partes distintas sobre diferentes puntos de vista, hablando de mi forma de ser, de mi coraza, cuando se habla desde dentro. Me gusta muchísimo, es muy loca, muy yo, y rompedora». Casi tanto como el nombre del álbum, algo difícil de recordar pero muy original: «Cuando lo propuse hubo alguna persona que no sabía ni pronunciarlo, me planteé cambiarlo, pero otra persona me dijo: «todo tu disco es raro, no pretendas ahora que el nombre sea fácil, que vaya todo en el hilo que tenga que ir».
Hablamos también con Juanjo sobre la ausencia de ‘El destello’ con su pareja Martin: «Me rayé, nadie me lo había dicho hasta que vosotros lo mencionasteis [en una escucha privada para la prensa]. Pero es que va en otra onda. Es de después de OT. Todas las etapas son un camino entre el pueblo y Madrid. La primera, desde que nací hasta que me fui a Madrid. Luego la etapa de estudiante. Y al final, OT, el cambio de vida, el boom de todo esto». E igualmente sobre la ausencia de «featurings»: «Hablé con varias personas para hacer colaboraciones, pero por tiempo o porque no quisieron, no se hicieron. De momento nadie [se ha querido subir a una jota] pero ya se subirán. A día de hoy lo agradezco, no hace falta agradar».
En los últimos minutos del podcast, reflexionamos sobre el sentido de la última canción: «más que búsqueda es un encuentro. Me he encontrado totalmente. Evolucionamos y aceptamos esos cambios. Me gusta mucho porque es un resumen cojonudo de lo que es el álbum. Me gusta que parece que había que componer de manera comercial y justo es en lo más específico, en esta canción o en ‘Mis tías’ donde la gente más conecta». Y adivinamos lo que puede traer su futuro: «Sí, yo creo que haré un disco de pop. Quiero explorar, uno de mis aprendizajes ha sido descubrir la identidad artística, la coherencia, mantener tu estilo. Más que el estilo, es más hacer las cosas desde dentro, que sea tuyo. Y eso ya te hace un disco coherente».
La segunda parte del podcast cuenta con Karmento, os lo contaremos mañana. Juanjo Bona actúa en salas de todo el país esta primavera. Fechas, aquí.
Mala Rodríguez ha sido la invitada de esta noche en Lo De Évole y con Jordi ha repasado algunos momentos de su vida y carrera, empezando por su infancia como hija de madre adolescente, su propia adolescencia grafiteando trenes, y la vez que decidió retirarse de la industria musical porque el éxito de su debut ‘Lujo Ibérico’ (2000) la abrumó. Rodríguez se fue a trabajar a una pastelería. Durante la entrevista se han emitido imágenes de Mala Rodríguez recreando cuadros famosos del pasado, como ‘La muerte de Marat’ (1793) o ‘Magdalena penitente de la lamparilla’ (circa 1640).
Ha sido la de Évole a La Mala una entrevista muy personal, en la que la rapera de Jerez de la Frontera ha tocado temas como los abusos que ha sufrido de sus parejas. María ha reflexionado sobre las relaciones en general, afirmando que «no he tenido éxito con las parejas, no me he involucrado con las personas correctas». Ha contado que algunas de sus parejas han gestionado su carrera, pero que no lo han hecho correctamente, y que esta es la razón por la que ella nunca ha sido dueña de su propia música.
La Mala ha hablado de su complicada maternidad como mujer joven en el ojo público, de la «angustia» que ha padecido por su deseo de la mejor madre posible, y ha recordado que padeció bulimia. Además, ha reconocido que ha tenido ideas suicidas en algún momento de su vida: «He pensado que no me gusta la vida, que no me parece que debiera estar aquí, pero supongo que es porque paso mucho tiempo sola».
En otro punto de la entrevista, Rodríguez ha analizado su uso de la plataforma OnlyFans. Se abrió una cuenta, pero descubrió que, en cuanto empezó a hacer dinero, personas vinculadas a la compañía le contactaron para hacerle crecer en la plataforma y que eso le llevó a abandonarla.
«Me gustaba la idea de compartir mi mundo fetiche con peña rara, me gustaba compartir fotografías mías con lencería, y ya está», ha declarado la rapera. Rodríguez ha asegurado que con OnlyFans «se gana mucho dinero, es una locura», pero ha insistido en que le parece «una forma de prostitución», en contra de lo que aparentemente muchas usuarias creen.
Por otro lado, la autora de ‘Un Mundo Raro‘ (2024) ha hablado de su capacidad para generar titulares, pero ha señalado que en ocasiones sus palabras son tomadas demasiado en serio: «A veces hablo y parece que siento cátedra, pero lo hago a modo cómico: soy más payasa que cantante». Sin embargo, María ha dicho no arrepentirse de ninguna declaración que ha realizado, como aquella vez que comparó a Rosalía con Paulina Rubio porque veía a Rosalía «más pop star que rapera». Aunque ha reinvidicado a Paulina Rubio: «Ha sido muy grande».
Buffy Sainte-Marie está siendo obligada a devolver los premios y reconocimientos oficiales canadienses que ha recibido a lo largo de las décadas tras descubrirse que es estadounidense y no canadiense. El mes pasado, Sainte-Marie devolvió la Orden de Canadá que le fue entregada en 1997 y, en los últimos días, ha perdido los galardones que ha recibido por parte del Polaris y el Juno, dos de los premios musicales más importantes de Canadá.
Ambos han retirado sus premios a Buffy Sainte-Marie porque la autora de ‘Universal Soldier’ ya no «cumple con los criterios» para mantenerlos. Sainte-Marie ganó el Polaris en 2015 por su disco ‘Power In The Blood’ -ganó a Caribou o Drake- y, en 2020, obtuvo el Polaris Heritage Prize por su álbum ‘It’s My Way!’. Por su lado, Juno ha retirado a Sainte-Marie todas sus distinciones, entre ellas el Juno Humanitarian Award en 2015 y el premio a Álbum Indígena del Año por ‘Medicine Songs’, de 2018.
Sainte-Marie conserva -de momento- el Oscar a Mejor canción original que ganó en 1983 por ‘Up Where We Belong’, la canción principal de ‘Oficial y caballero’ (1982), históricamente asociada a la lucha de los nativos americanos e interpretada por Joe Cocker y Jennifer Warnes, y de la que es co-autora. Sainte-Marie, de 84 años, es conocida por su activismo por los derechos de las poblaciones nativas y por otras causas medioambientales y de justicia social.
La revelación sobre la verdadera identidad de Sainte-Marie llegó en octubre de 2023 a través de un reportaje de CBC. El medio canadiense pudo probar que Sainte-Marie nació en realidad en Stoneham, Massachusetts, y no en la Reserva Piapot Cree First Nations en Qu’Appelle Valley, Saskatchewan. CBC, además, encontró declaraciones antiguas de Sainte-Marie en las que la artista afirmaba haber nacido en la reserva del pueblo Cree y que esa era «su tribu», en contra de lo que mostraba su certificado de nacimiento.
Al devolver su Orden de Canadá, Sainte-Marie ha reconocido que es ciudadana estadounidense y que posee un pasaporte de Estados Unidos y ha explicado que, aunque nació en Estados Unidos, fue adoptada por una familia Cree en Saskatchewan «cuando era joven». Sainte-Marie ha asegurado que ella nunca ha afirmado ser canadiense y que nunca ha escondido su verdadera nacionalidad: “Nunca he tratado mi ciudadanía como un secreto y la mayoría de mis amigos y familiares en Canadá sabían que soy estadounidense, y nunca ha sido un problema”.
La originalidad parece cada vez más valiosa en un mundo musical dominado por la nostalgia, los campos de composición y los discos escritos por un mínimo de 87 personas aunque lleven el nombre de una. Baths, el proyecto del californiano Will Wiesenfeld, es artífice de un sonido muy personal que, en su nuevo disco, ‘Gut’, se perfecciona, confirmando que sí vale la pena prestar atención a su proyecto 15 años después de darlo a conocer, aunque el huracán de lanzamientos semanal empuje tu atención hacia otro lado.
‘Gut’ es su cuarto disco aunque, en medio, Will ha compuesto la banda sonora para la serie animada de Netflix ‘Bee and PuppyCat’. También es ‘Gut’ el trabajo más personal de Wiesenfeld y su perspectiva no solo es más transparente que nunca, sino también específicamente gay y queer. De su vida como hombre gay versan las canciones de ‘Gut’, atravesando temas como el sexo, la soledad o la homofobia.
En esta exposición de sus alegrías y miserias, Baths esculpe un sonido muy personal que hibrida pop, electrónica y cuerdas con melodías y guitarras propias del emo y el indie-rock. Baths cuenta que él creció escuchando nu-metal pero que le cambió la vida descubrir ‘Homogenic‘ (1997) de Björk, el cual considera su disco favorito. Todos estos pilares forman la base de ‘Gut’ mientras los textos se sinceran como nunca.
Es adecuado que las dramáticas melodías de Death Cab for Cutie, el gusto de Will por el screamo, las texturas glitch-pop de The Postal Service y las cuerdas de Björk empapen el sonido de unas canciones que no se cortan en exponer las emociones más crudas de su autor. La adicción al sexo es el tema de la borrascosa ‘Sea of Men’, y en ‘Homosexuals’ -el tema central- Baths habla de «devorar» hombres directamente, solo para darse cuenta de que con ninguno ha logrado construir una mínima relación.
«Tengo amigos que están casados o que viven juntos, pero yo no he pasado la noche con ningún hombre al que he besado», expone Baths en ‘Chaos’, una de las piezas más directas de ‘Gut’ y también una de las más personales musicalmente: nadie hace dance-pop exactamente así. En ‘Gut’, Baths escribe algunas de las canciones más directas de su carrera, como el mejunje indie-rock-glitch-pop de ‘Eyewall’ o la house-pop ‘Eden’, quizá en busca de singles que den a conocer este disco completamente autoeditado.
Las imágenes son bonitas incluso en su exposición de la sexualidad sin tapujos («Oral sex weightless on a haunted lake»), y también tierna cuando narran encuentros íntimos que Baths guarda en la memoria, como en la bonita balada ‘Cedar Stairwell’, que ubica esa intimidad bajo la «escalera de cedro» de una casa familiar. ‘American Mythos’ reflexiona sobre la heteronorma a través de la historia de una pareja que acude a una fiesta a la que uno de ellos no quiere asistir, como muchos de nosotros no queremos intervenir en una sociedad en la que no encajamos.
La homofobia familiar (‘Verity’), la desesperación por que alguien le ame tal y como es (‘Governed’) y la inevitable transformación personal (no en vano cierra el álbum ‘The Sound of a Blooming Flower’) van dando forma a un trabajo que, desde el punto de vista narrativo, expone diferentes facetas de la experiencia gay masculina con una sinceridad que desarma pero que no se lame las heridas. Desde el punto de vista artístico, ‘Gut’ propone un sonido que el mainstream, ni juntando a 10 compositores experimentados en un estudio, sería capaz de inventar.
Lady Gaga ha sido la invitada musical en el último episodio de Saturday Night Live emitido este sábado y, además, ha presentado el programa. En su monólogo introductorio, Gaga se ha reído de sí misma recordando su denostada colaboración con R. Kelly en ‘Do What U Want’ -que presentó en SNL en 2013- y su éxito en los Razzie por ‘Joker 2‘.
Sobre el escenario de Saturday Night Live, Gaga ha presentado el single ‘Abracadabra‘, apostando por una puesta de escena fiel a la coreografía y vestuario del videoclip. Además, ha estrenado ‘Killah’.
El tema más Prince de ‘MAYHEM‘, Gaga ha comenzado la actuación de ‘Killah’ desde el interior de los estudios de Saturday Night Live y, junto a sus bailarinas, ha realizado una curiosa coreografía de suelo. Después, ha irrumpido en el escenario, llenándolo de color.
Por otro lado, Gaga ha protagonizado varios gags en Saturday Night Live, como ese en que se ha reído del abuso de la jerga LGBTQ+ en la calle y también de la expresión «recalentar los nachos«. Gaga ha hecho buen combo con el actor Bowen Yang.
‘MAYHEM’ ha salido este viernes y varias de sus pistas han entrado en el top 50 global de Spotify: ‘Garden of Eden’ en el 9, ‘Vanish into You’ en el 23, ‘Perfect Celebrity’ en el 31, ‘Zombieboy’ en el 40, ‘Killah’ en el 45, ‘How Bad Do U Want Me’ en el 46 y ‘Lovedrug’ en el 49. Además, ‘Abracadabra’ sube al 5, ‘Disease’ vuelve a entrar en el 39, y ‘Die with a Smile‘ se mantiene en el 1.
“¡No, no puedo soportarlo!” Hace un año, llegaban noticias desde el festival de Sundance diciendo que algunos espectadores habían salido huyendo de la sala donde proyectaban ‘Presence’ al grito de “I cannot take this stress”. En una película de terror esto siempre resulta sospechoso: hype a la vista. Pero, claro, si el filme viene firmado por un director como Steven Soderbergh y un guionista tan afín al género como David Koepp (‘El último escalón’, ‘La ventana secreta’), y además es elegido para inaugurar el festival de Sitges, uno piensa que, oye, por qué no: a lo mejor estamos ante una de las películas de terror del año.
Pues no. Es cierto que ‘Presence’ parte de una premisa formal y narrativa bastante sugestiva: un relato de casa encantada rodado enteramente en primera persona y desde el punto de vista del espectro. A través del uso de la cámara subjetiva -en modo steadicam, no al hombro-, Soderbergh narra el día a día de un fantasma tras la llegada a “su casa” de una familia. La particular sensibilidad de la hija adolescente, traumatizada por un suceso luctuoso, es el recurso dramático que se utiliza en el guion para hacer avanzar la acción.
La puesta en escena y el trabajo de cámara de Soderbergh (la lleva él mismo, el director “hace” de fantasma) es impecable. El filme está articulado a través de una sucesión de planos secuencia cortados a negro. Dependiendo del tiempo que pasa entre corte y corte así será la duración de la elipsis. El montaje es mínimo. La acción de cada escena se desarrolla en tiempo real, facilitando la inmersión del espectador y enfatizando el protagonismo de la “presencia”.
Hasta aquí todo estupendo. El problema de ‘Presence’ es su dramaturgia. Ni los personajes, bastante planos y superficiales, ni la trama, convencional y muy predecible, están a la altura de su dispositivo formal. Recuerda un poco al caso de la reciente ‘De naturaleza violenta’: la forma narrativa es muy original, un sorprendente slow-slasher, pero eso no significa que funcione desde un punto de vista dramático, terrorífico.
Desde esa perspectiva, ‘Presence’ parece más un ejercicio gimnástico que artístico. Una exhibición de fuerza de la puesta en escena con resultados poco satisfactorios. Conceptualmente, es un experimento digno de aplauso. Narrar lo mismo de siempre de otra manera, darle “otra vuelta de tuerca” -ya que hablamos de fantasmas- siempre es de agradecer. Pero en esta ocasión no termina de funcionar como debería, ni siquiera como drama sobrenatural a lo ‘A Ghost Story’ (2017). ¿Y si los espectadores de Sundance huyeron por otra razón…?
Cuando aún no se ha cumplido un año desde el lanzamiento de ‘GRASA‘ (2024), su segundo disco ganador de tres Latin GRAMMYs, y uno de los Mejores Discos de 2024, Nathy Peluso ha lanzado esta semana nuevo single y, atendiendo los deseos de sus fans, ha vuelto a darle a la salsa.
Peluso, que colaboró con El Combo de Puerto Rico antes de que lo hiciera Bad Bunny en ‘La Presa’, la salsa incluida en ‘GRASA’, vuelve a tocar el género en ‘EROTIKA’, un single suelto que animará su repertorio de directo, como han venido haciéndolo ‘Puro veneno’, ‘Mafiosa’ y ‘La presa’.
‘EROTIKA’ demuestra dos cosas. En primer lugar, que Peluso es la única artista en este momento haciendo salsa tan pura y a su nivel de fama. En segundo, que lo hace mejor que nadie.
‘EROTIKA’ es un homenaje a la «salsa de los noventa», en concreto a la salsa erótica de Lalo Rodríguez o Frankie Ruiz. Pero, sobre todo, ‘EROTIKA’ es una pedazo de salsa escrita en torno al volcánico talento de la artista argentino-española.
Bailando salsa «en Buenos Aires o en Barcelona», Peluso seduce a su ligue gracias al poder de la música y a la personalidad con que ataca cada una de las frases de la letra. Solo ella podría pronunciar «placa tectónica» de esta manera. Ya hay personas que parodian su dicción, buena señal de la personalidad original y arrolladora de La Sandunguera.
Que la música de Merzbow parezca accesible es uno de los méritos logrados por ‘Un circuito formidable. De los Kinks a Merzbow: Un continuum del ruido‘, el libro de Oriol Rosell que repasa la historia del ruido en la música popular. Y, después de conocer la historia de, por ejemplo, una banda llamada Nihilist Spasm Band, al lector se lo parecerá también.
Desde la distorsión accidental de ‘You Really Got Me’ de los Kinks -punto de partida del libro- hasta el terrorismo auditivo del japanoise, pasando por el siempre reivindicable ‘Psychocandy’ (1985) de Jesus and Mary Chain o el metal extremo, el ruido ha servido a los artistas para denunciar el status quo y reivindicar la producción de arte fuera del mainstream, ya fuera en grabaciones como encima del escenario.
En ‘Un cortocircuito formidable’, Rosell (conocido por su programa ‘La Biblioteca Inflamable’ de Ràdio 4 y por ser integrante de la banda Dead Normal) repasa la producción cultural del ruido a lo largo de las décadas contextualizándola en la historia, pero nunca su repaso es excesivo o indulgente y, además, lo anima con anécdotas personales que humanizan la lectura.
En su primer ensayo, Rosell sobre todo pone en valor la historia del noise, ampliamente desconocida por el público pero fascinante, y lo hace profundizando en las propuestas de una serie de nombres ocultos u olvidados, como Smegma, pero cuyas trayectorias dejan con la boca abierta. Además, Rosell ilumina el valor estético y artístico de un recurso -el ruido, la distorsión, el muro de sonido- que ha estado mucho más presente en la música de lo que parece.
Por otro lado, Rosell acerca a la audiencia la historia del noise con un lenguaje asequible pero también muy esmerado en su uso de metáforas y que exhibe un elevado valor literario. ‘Un circuito formidable’ es una obra excelente de periodismo musical y un ejemplo de que la crítica cultural también produce obras de arte como las que ella misma examina.
Mención aparte merecen: 1) el prólogo de Javier Blánquez, uno de los grandes de la crítica musical española; 2) los informadísimos pies de página del libro, que en algunos casos ocupan páginas enteras. Y ‘Un circuito formidable’ no es un libro largo, pero, en su cuidada selección de nombres, demuestra que del noise también se pueden escribir ríos de tinta. 9
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