David Archuleta es un cantante estadounidense que se dio a conocer en 2008 en la competición de la séptima temporada de American Idol. Archuleta, que entonces contaba 18 años, quedó segundo, por detrás de David Cook, e inició una carrera musical que a día de hoy abarca ocho álbumes. ‘Crush’, una cápsula del tiempo de 2009, es su mayor éxito.
Pasada su etapa de ídolo adolescente, Archuleta se encuentra desarrollando la segunda fase de su carrera. En los últimos tiempos, Archuleta ha sido noticia por salir del armario como persona queer y alejarse de la iglesia Mormona en la que creció y, también, por viralizar su directo sexy de ‘Espresso’ de Sabrina Carpenter. No extraña que haya grabado una versión de ‘Freedom’ de George Michael.
Aquel viral ha influido en el sonido del nuevo single de David Archuleta, ‘Crème Brulée’, un disco-pop dulce como la crema catalana y relajadito como ‘Espresso’. Relajado, en su salsa, se halla también Archuleta en la canción mientras seduce a un muchacho al que vuelve «loco, loco». El spanglish de ‘Crème Brulée’ se explica con que Archuleta es hondureño por parte de madre.
‘Crème Brulée’ se ha lanzado al mercado con un videoclip sencillo pero efectivo que muestra a Archuleta y sus bailarines ejecutando una graciosa coreografía que tiene más detalle del que parece.
¿Es David Archuleta el pop star masculino que necesitamos? Con Justin Bieber retirado, los Jonas Brothers de nuevo reunidos, Bruno Mars secuestrado en Las Vegas, Harry Styles siendo Harry Styles, Zayn siendo Zayn y Louis Tom… bueno, ya me entendéis; la propuesta de David Archuleta no viene nada mal.
Warm Up Estrella de Levante se celebra los días 2 y 3 de mayo en Murcia y la organización ya ha anunciado que los abonos VIP están agotados. Posteriormente se han agotado los abonos normales y ya solo quedan las últimas entradas de día.
Como es habitual, JENESAISPOP es medio oficial de «Warm Up» y por tanto compartimos nuestro listado de 10 imprescindibles que no puedes perderte. A ellos hay que sumar una cantera de artistas también recomendables que comentaremos en semanas venideras: Barry B, Julieta, Rufus T Firefly a punto de editar disco, etcétera.
Amaia
Amaia decía estar nerviosa antes de actuar en el Wizink Center de Madrid, ahora el Movistar Arena. Todos los que presenciamos este concierto coincidimos en que ha supuesto un antes y un después en su carrera, y ahora llega el momento de trasladar todos los encantos de ‘Si abro los ojos no es real‘ a los festivales. Un disco que habla de la muerte, pero que también tiene temas tan divertidos como ‘M.A.P.S.’, ‘Tocotó’ o ‘Nanai’.
M.I.A.
Hace justo 20 años que se publicaba ‘Arular’, el formidable debut de M.I.A., que de alguna manera cambiaba el mundo, con temas como ‘Bucky Done Gun’ o ‘Pull Up the People’. Su segunda entrega, ‘Kala‘ -la que contenía ‘Paper Planes’ y ‘Jimmy’- sería aún mejor. Álbumes como ‘Matangi’ sumaban a un repertorio que siempre se ha construido de beats y samples desquiciados. Con esta apuesta por M.I.A., Warm Up presume de «la edición más alternativa, urbana y arriesgada de la historia del festival».
Franz Ferdinand
Franz Ferdinand han ofrecido tradicionalmente los conciertos más divertidos y llenos de «hits» de cada festival que han pisado, y solo con los temas de sus dos primeros discos podrían repetirlo de por vida. Tal es la energía de ‘Take Me Out’ o ‘This Fire’, que recientemente ha estrenado nueva versión. Su disco de este año, ‘The Human Fear’, suma algunas de sus canciones más glam, como ‘Audacious’: pocas veces habían sonado tan David Bowie.
Zahara
Entre quienes también acuden esta temporada a festivales con nuevo disco bajo el brazo, Zahara, que estrena el show correspondiente a ‘Lento ternura’. En él ha anunciado que habrá muchas concesiones a su pasado, «más que nunca», pero también una «representación del disco nuevo potente» para que aquel que no lo haya escuchado aún, pueda entenderlo igual.
Alcalá Norte
Flamantes ganadores del Premio Ruido a Mejor Disco Nacional del Año, elegido por la prensa musical, Alcalá Norte pasearán por Murcia ya una auténtica retahíla de clásicos underground que se han transformado en favoritos populares, gracias al boca oreja. ‘La vida cañón’, ‘La calle Elfo’ o ‘420N’ son algunos de ellos.
Carolina Durante
Tras actuar en el Movistar Arena también para 15.000 personas -como Amaia-, Carolina Durante han dado un salto igual de grande. Si os fijáis en la lista de discos oficial española, veréis que su tercer álbum ‘Elige tu propia aventura‘ lleva 21 semanas dando vueltas por el top 25 aproximadamente. Es decir, ya es el más exitoso de su carrera.
Ralphie Choo
Dos años después de ‘SUPERNOVA‘, Ralphie Choo se ha asentado como uno de los productores más avanzados de nuestro país. El año pasado se codeaba con la mismísima Rosalía en un tema llamado nada menos que ‘Omega’, y últimamente ha entregado un tema con pablopablo y Carin Leon. No obstante, apostamos a que su repertorio se sigue componiendo principalmente de hits propios como ‘BULERÍAS DE UN CABALLO MALO’, ‘MÁQUINA CULONA’ o ‘GATA’. Imprescindibles.
Fangoria
Sin material nuevo por el momento, ni noticias sobre la existencia del mismo, Fangoria se lanzan a la carretera este año para ofrecer su típica colección de hits, infalible en espacios como Warm Up Festival. Desde la organización aseguran que «en Murcia bailaremos temas como ‘Dramas y comedias’, ‘A quién le importa’ o ‘Espectacular’», y nadie que conozca el recinto lo pondrá en duda.
Dorian
Quienes sí acuden con disco nuevo y además uno que está muy bien, ‘Futuros imposibles‘, son Dorian. Las colaboraciones con Santiago Motorizado y Viva Suecia suman ya un millón de streams, pero pronto lo conseguirá también su single sin featuring ‘Materia oscura’, y lo merecen otras canciones propias nuevas como ‘Por ti’, la que entona por primera vez Belly.
Polo&Pan
El «French touch» en Murcia lo pondrán Polo & Pan, que este mismo viernes 28 de marzo publican su nuevo álbum. De ’22:22′ han presentado de momento 3 singles, a cual de todos más bombástico. Uno de ellos cuenta con Metronomy. Otro, ‘The Mirror’, es el vivo retrato de Giorgio Moroder. Y el resplandeciente ‘Nenuphar’, de tintes disco, cuenta con las voces del grupo creado en Ciudad de México I.M YONI, y está en parte en castellano.
Bad Bunny vuelve estos días a ser número 1 en España con ‘Debí tirar más fotos‘. En total, son 10 las semanas que lleva en la cima de la lista de álbumes de nuestro país. Un doble platino que está a punto de ser triple, más los que vendrán en el que va ser -de nuevo- el gran año de Bad Bunny. Para algunos, es su disco definitivo, ¿pero no lo fueron antes también ‘YHLQMDLG’ o ‘Un verano sin ti’? ¿Es su dedicación a géneros más clásicos, como la salsa o la plena, lo que le ha dado una validación aún más grande de un público cada vez más transversal?
Analizamos todas estas cuestiones en un nuevo capítulo del podcast REVELACIÓN O TIMO. Para ayudarnos a comprender su figura en toda América, invitamos a la periodista Franchesca Guim, de Billboard Latin. Dominicana y experta en música latina tras haber entrevistado a personajes como Karol G, Luis Fonsi o Maluma, nos habla de cómo la música en español ha crecido en Estados Unidos en los últimos años, o de cómo ha permeado a un público cuya primera lengua es el inglés, a través de las redes sociales. «Mis sobrinas de Miami no hablan español y escuchan Bad Bunny. Y también a Quevedo», revela.
Tras una primera mitad dedicada a hablar del fenómeno Bad Bunny y de esta campaña de manera más genérica -la residencia, la influencia de Puerto Rico en el «disco más portorriqueño de Benito», el corto que ha introducido el álbum-, en la segunda mitad del podcast desgranamos el álbum «canción por canción». ¿Cuál será el tema que veremos en las listas de lo mejor del año o aspirar a los Grammy? TikTok al margen, apostamos por ‘Nuevayol’ o ‘Baile inolvidable’, aunque también señalamos otras favoritas como ‘KLOuFRENS’, ‘BOKeTE’ o ‘TURiSTA’. Supera todo esto, Rosalía…
Bad Gyal se ha superado a sí misma en el Top 50 España de Spotify. Mientras ‘Angelito’, su exitosa colaboración con Trueno, se encuentra en el número 11 de la lista, ‘Orilla’ ya ha alcanzado el séptimo puesto. Así, la reina del dancehall en España se ha juntado con 8belial para firmar un nuevo hit retro. Muy retro.
‘Orilla’ suena como volver a 2012. Aunque la percusión es totalmente dancehall, los sintetizadores que acompañan parecen directamente sacados de cualquier éxito de Juan Magán de la época. Hasta el videoclip tiene una calidad intencionadamente dosmilera. Esto es obra de 8belial, el joven madrileño que ha alcanzado la fama en los últimos meses como miembro del grupo Disobey.
8belial, cybernene, yyy891, roomtrash6 y El WiWi empezaron a hacer ruido a raíz de un comentado episodio de Gallery Sessions. La novedad del grupo es recuperar la estética y el sonido propios de la primera década de los 2000, recordando ampliamente a los inicios del trap y a las mixtapes de artistas como Chief Keef. En definitiva, mucho autotune, chulería y cutrerío intencionado.
De alguna manera, 8belial es el nombre que más destaca de todos, adoptando un gusto por el dancehall en su última mixtape, ‘Mr. Fino Riddim’, que bien recuerda a los inicios de la mismísima Bad Gyal. Por ello, ‘Orilla’ es una colaboración que también podría ser un relevo simbólico.
Matty Healy, líder y vocalista de The 1975, ha demostrado tener un amplio gusto musical tras publicar en Tumblr una lista con sus discos favoritos de la historia. La selección es rara, en cuanto a la increíble variedad de estilos. El artista británico incluye tanto a Bob Dylan, uno de los más aclamados e influyentes de la historia, como a Lil B, el inventor del término «basado».
La lista de Matty Healy incluye discos de post-hardcore y screamo, punk rock y post-punk, indie, lo-fi, outsider music, avant-garde, math rock, shoegaze, electrónica, hip hop, funk, folk y rock clásico. Un poco de todo, vaya. Como fuente de descubrimiento musical, es oro.
Dylan es el artista con más menciones en la lista. Los elegidos son ‘Highway 61 Revisited’, ‘Blood On The Tracks’, ‘The Freewheelin’ Bob Dylan’ y ‘Time Out Of Mind’, lanzado en 1997. Otros clásicos que Healy ha incluido son ‘Velvet Underground & Nico’, ‘Unknown Pleasures’ de Joy Division y ‘Crooked Rain Crooked Rain’ de Pavement.
No sorprende la inclusion de ‘Sound Of Silver’ de LCD Soundsystem, dado que en su último disco, The 1975 hizo un claro homenaje a la canción ‘All My Friends’ en la intro. ‘Original Pirate Material’ de The Steets, ‘Takk’ de Sigur Rós y ‘mvb’ de My Bloody Valentine también han conseguido su puesto.
Descubrimos que sus proyectos favoritos de Radiohead son ‘Amnesiac’ y ‘A Moon Shaped Pool’, de Bon Iver son ‘Bon Iver’ y ’22, a Million’ y de Yo La Tengo es ‘We Have Amnesia Sometimes’, el EP que lanzó el grupo en 2020.
Los discos favoritos de Matty Healy:
Nation Of Ulysses – ’13 Point Program to Destroy America’
Compound Red – ‘Press Play and Record: Songs Played and Recorded by Compound Red’
Nahawa Doumbia – ‘La Grande Cantatrice Malienne Vol 3’
Brainiac – ‘Bonsai Superstar’
Brainiac – ‘Hissing Prigs in Static Couture’
Brainiac – ‘Electro-Shock For President EP’
I Hate Myself – ‘Ten Songs’
Little Feat – ‘Feats Don’t Fail Me Now’
Little Feat – ‘Dixie Chicken’
The Meters – ‘Rejuvenation’
This Heat – ‘Made Available’
Modest Mouse – ‘The Lonesome Crowded West’
Daryl Johns – ‘Daryl Johns’
Howlin’ Wolf – ‘The Howlin Wolf Album’
Unwound – ‘Repetition’
Lil B – ‘6 Kiss’
Faces – ‘A Nod Is As Good As A Wink….To a Blind Horse’
Captain Beefheart & His Magic Band – ‘Trout Mask Replica’
Captain Beefheart & His Magic Band – ‘Clear Spot’
The Fall – ‘Hip Priest And Kamerads’
The Fall – ‘John Peel Session 15/9/81’
Robbie Basho – ‘Venus In Cancer’
The Streets – ‘Original Pirate Material’
Loren Connors – ‘Evangeline’
Suicide – ‘The Second Album + The First Rehearsal Tapes’
Sigur Rós – ‘Takk’
Glen Branca – ‘Ascension’
Theoretical Girls – ‘Theoretical Girls’
Trent Renor & Atticus Ross – ‘The Social Network’
Pesky – ‘Smells Like Tween Spirit’
Boards Of Canada – ‘Music Has The Right To Children’
Bob Dylan – ‘Highway 61 Revisited’
Bob Dylan – ‘Blood On The Tracks’
Bob Dylan – ‘Time Out Out Of Mind’
Bob Dylan – ‘The Freewheelin Bob Dylan’
The Velvet Underground – ‘Velvet Underground And Nico’
Joy Division – ‘Unknown Pleasures’
The Brian Jonestown Massacre – ‘Aufheben’
LCD Soundsystem – ‘The Sound Of Silver’
The Blue Nile – ‘Hats’
Steve Reich – ‘Music For 18 Musicians’
Glen Campbell – ‘Wichita Lineman’
Bon Iver – ‘Bon Iver’
Bon Iver – ’22, a million’
Labi Siffre – ‘Crying Laughing Loving Lying’
Big Star – ‘#1 Record’
James Taylor – ‘Pull Over (live)’
Brian Eno – ‘Taking Tiger Mountain (By Strategy)’
Radiohead – ‘Amnesiac’
Radiohead – ‘A Moon Shaped Pool’
Daniel Johnston – ”Welcome To My World’ The Music Of Daniel Johnston’
xxyyxx – ‘Xxyyxx’
Little Feat – ‘Waiting For Columbus (live)’
Satie, Alena Chery – ‘Gnossienne No. 1’
Yo La Tengo – ‘We Have Amnesia Sometimes’
Chamberlain – ‘The Moon, My saddle’
Liquid Liquid – ‘Optimo’
The Durruti Collumn – ‘Vinnie Riley’
Gustav Mahler & Antoni Wit – ‘Mahler, G: Symphony No. 5’
Jannis Xenakis – ‘ORCHESTRAL WORKS VOL/5’
Life Without Buildings – ‘Any Other City’
125 Rue Montmartre – ‘Discography’
One Last Wish – ‘1986’
Texas is the Reason – ‘Do You Know Who You Are?’
Moss Icon – ‘Lyburnum Wits End Liberation Fly’
Rival Schools – ‘United By Fate’
Glassjaw – ‘Worship and Tribute’
Indian Summer – ‘Woolworm’
Mineral – ‘endserenading’
Cursive – ‘Domestica’
Refused – ‘Songs to Fan the Flames of Discontent’
The Replacements – ‘Let it Be’
American Football – ‘American Football’
Iron & Wine – ‘Around The Well’
Braid – ‘Frame and Cavas’
Jets to Brazil – ‘Orange Rhyming Dictionary’
Embrace – ‘Embrace’
Rites Of Spring – ‘Rites Of Spring’
Heroin – ‘Discography’
Still Life – ‘from angry heads with skyward eyes’
Penfold – ‘amateurs and professionals’
Drive Like Jehu – ‘Yank Crime’
The Maple State – ‘At Least Until We’ve Settled in Hundred Reasons – Ideas Above Our Station’
Rival Schools – ‘United By Fate’
Pavement – ‘Crooked Rain Crooked Rain’
My Bloody Valentine – ‘mvb’
Rites of Spring – ‘Rites of Spring Algernon Cadwallader – Fun’
Hundred Reasons – ‘Ideas Above Our Station’
Duster – ‘Cooking’
Piebald – ‘We are the only friends we have’
Sunny Day Real Estate – ‘Diary’
Indian Summer – ‘Giving Birth to Thunder’
Miley Cyrus ha anunciado que su noveno disco, ‘Something Beautiful’, se pondrá a la venta el próximo 30 de mayo. El repertorio de ‘Something Beautiful’ se compone de 13 pistas originales escritas por Miley Cyrus y supervisadas por Shawn Everett y Cyrus en el papel de productores ejecutivos. En la portada de ‘Something Beautiful’, Miley Cyrus viste un traje de Thierry Mugler de 1997.
La popstar también ha lanzado un tráiler que representa el primer vistazo real a la música y el mundo visual que saldrán en ‘Something Beautiful’. Aunque no se ha dado ningún detalle de la trama, Cyrus aparece caminando entre estudios y sets de cine mientras luce varios outfits de Mugler, Alexander McQueen y Jean-Paul Gaultier. El disco visual, dirigido por Miley, llegará a cines en junio.
La música, por otro lado, parece que continuará por la estética rock que Cyrus ya exploró previamente en ‘Plastic Hearts’, a juzgar por los diferentes snippets que se suceden en el clip. «Una ópera pop inigualable» o «una experiecia visual única alimentada de fantasía» son algunas de las promesas que aparecen en el tráiler.
El último lanzamiento de Miley Cyrus ha sido ‘Beautiful that Way‘, una balada escrita para la banda sonora de ‘The Last Showgirl’ (2025). ‘Beautiful that Way’ ha supuesto para Miley Cyrus y para una de sus co-autoras, Lykke Li, sendas nominaciones al Globo de Oro.
Las primeras informaciones aseguraban que ‘Something Beautiful’ es un álbum «conceptual» inspirado en la película de ‘The Wall’ (1979) de Pink Floyd, pero llevado al mundo pop de Miley Cyrus. El disco intenta «retratar una cultura enferma a través de la música», según el director de cine italiano Panos Cosmatos, que ha creado la parte visual del proyecto.
Un álbum que promete ser «tan musical como visual», ‘Something Beautiful’ también propondrá un sonido «experimental pero pop». Según Cyrus, «el componente visual» de ‘Something Beautiful’ «conduce el sonido» y el álbum explora temáticas como el amor, la destrucción o la muerte «de una forma hermosa».
‘Endless Summer Vacation‘, el anterior álbum de Miley Cyrus, se posicionó en el 11º puesto de los discos más vendidos de 2023 en el mundo, un dato relativamente bueno, pues el disco contenía la canción más exitosa de todo ese año, la número 1, ‘Flowers’.
Miley Cyrus shares new trailer for her upcoming album, ‘Something Beautiful.’ pic.twitter.com/eLOZxg0lDZ
‘La Plena’ sigue liderando la lista de Singles en España. Debutando en segunda posición, Delaossa y Quevedo con ‘Still Luvin’, el mayor éxito del último disco del artista malagueño. ‘La Madrugá’, sin embargo, no ha llegado sin polémica. Hace unos días, algunos productores que habían trabajado en el disco cargaron contra Kiddo Manteca, acusándole de robar beats y créditos.
Aitana y Myke Towers firman la última entrada de la semana en el top 10 con ‘Sentimiento Natural’, que entra en séptima posición. En el número 12, JC Reyes y Dei V colocan ‘FLIPA’, sacada del último disco de Reyes, ‘NACER DE NUEVO’.
Pese a las polémicas que envuelven a su figura, el artista sevillano también ha conseguido posicionar ‘CONTAR’ (#47) y ‘MUEVE ESE CULO’ (#81). Además, ya contaba con ‘NINFO’ en el número 5 del ranking.
Bad Gyal firma otra buena entrada junto al novato 8belial con ‘Orilla’, entrando en el número 22. Por otro lado, Rvssian, Young Miko y Omar Courtz entran en la 41ª posición con ‘WOAHH’, Miguel Bueno y Juan Duque en la 69ª con ‘Solcito’ y Beéle con ‘Morena’ en la 97ª. Playboi Carti, por los pelos, entra en último lugar con ‘EVIL J0RDAN’.
La Bien Querida se arrepintió enseguida de que ‘Paprika‘, su disco anterior, no fuera más latino. Lo dijo ya en 2022 y se lo ha vuelto a contar estos días a Manuel Jabois. «Quizá fue por miedo. Esa cosa conservadora de pensar “a ver si ahora va a haber un rechazo muy grande”. Y nos hemos arrepentido».
Se ha arrepentido, pero no lo suficiente como para volver a abrir esa puerta. ‘LBQ’ se presenta como un retorno a sus inicios, a la sencillez, al «indie» (sic) si es que esa palabra tuvo alguna vez sentido para una cantautora que admitía comparaciones con Cecilia y Manuel Alejandro.
De manera nada sorprendente, al menos para quienes tenemos ‘7 días juntos‘ en un pedestal, el mejor tema de ‘LBQ’ es el único que tímidamente mantiene el pulso latino. Es como si su sonido clásico hubiera dado todo lo que podía dar de sí ya. ‘Noche de bodas‘ en cambio es un tema tremebundo, lleno de toxicidad, y tan influido por «el urban y la salsa», como por «Manuel Machado y Residente». «Me casaría contigo, cuando te dé la gana», canta Ana Fernández-Villaverde, pero con amargura, anticipando que la luna de miel será más bien ‘Lunas de hiel’.
‘S.O.S.’ es el otro tema oscuro de este 8º disco, una venganza planeada contra alguien que no quiso quedarse con nosotros: «Cuando estés solo y estés viejo / cuando te cuelguen los pellejos / Cuando tu enemigo sea el espejo, / te torturará que esté tan lejos».
Por lo demás, el álbum versa sobre el amor propio, el materno o el de pareja, en general con menos sinsabores, dejando buenos momentos cuando La Bien Querida le canta a su hija. Esa hija que pasa de su música -prefiere a Kanye y a Rihanna-, y cuyo destino no podemos controlar ni atar. «Te me escapas como el gato, como el tiempo, como el agua entre los dedos», le dice en ‘Una estrella‘. ‘Un milagro’ también habla de alguien que tiene que aprender a andar solo: «la vida me ha preparado la gran misión de tenerte a ti, y de enseñarte a vivir sin mí».
Nunca estamos, eso sí, ante las composiciones mejor redondeadas de La Bien Querida. El préstamo de ‘Bar Dixie’ de ‘Every Breath You Take’ y el de ‘Ni bien ni mal’ del pop llenaestadios de los 80 apuntan a una época no demasiado inspirada de Fernández-Villaverde y/o su productor y ex David Rodríguez. Una fan de Raphael no debería firmar una canción llamada ‘Como te amo yo’ que se acaba tan prontito.
Esa grandilocuencia que esperábamos en un tema así titulado la encontramos en otro corte del disco. ‘Mundaka’ sí tiene ese estribillo y esos coros que apuntan a Perales y a las grandes composiciones de otros tiempos. El rock indie de ‘Como un perro’ o la pequeña experimentación de ‘Naufragio’ podrían sumar a su repertorio, pero en verdad La Bien Querida aún tiene que entregar un discazo como los de antes a su nuevo sello, Sonido Muchacho.
JC Reyes, el hitmaker sevillano de la música urbana, ha sido noticia estos días por caerse de una moto en el escenario de Movistar Arena de Madrid mientras presentaba su último disco, titulado de manera apropiada ‘Nacer de Nuevo’. Las cámaras de los fans han captado el momento en que Reyes nace de nuevo cuando entra escopetado al escenario con su moto, atraviesa la pasarela y cae al suelo. Afortunadamente, el accidente no tiene mayor gravedad que un mal trago vivido en público.
El concierto de JC Reyes ha recibido críticas por otros motivos, como por empezar «40 minutos tarde» o encadenar diversos problemas técnicos. Según algunos asistentes, el micrófono de Reyes dejó de funcionar durante el show, y el rapero se retiró «sin despedirse».
Hablemos de Don JC Reyes:
-Sale 40min tarde. -Se mete una hostia con la moto estando a punto de dejar en anécdota el 11S. -Canta 4 canciones. -Se le corta el micro en mitad de una canción. -Decide pirarse sin despedirse.
Por otro lado, JC Reyes ha llamado la atención estos días por afirmar en una entrevista con El Mundo que el sistema fiscal español es una «puta mierda». Reyes ha dicho que es de «envidiosos» que le quiten el 47% en impuestos a las rentas más altas y ha señalado que el «sistema no quiere que uno sea una persona emprendía». Reyes se refiere al tipo máximo del Impuesto sobre la Renta de las Personas Físicas (IRPF), el tramo fiscal que supuestamente le corresponde.
Las declaraciones de JC Reyes se han topado con la respuesta de varias figuras públicas, entre ellas el portavoz de Compromís Joan Baldoví, que ha escrito: «Lo que es una puta mierda es que habiendo nacido en Palmete, uno de los barrios más pobres de la capital andaluza, hables como si hubieras nacido en el barrio Salamanca. Con impuestos se paga la escuela y la sanidad pública, el desempleo y se compensa -un poco- la desigualdad».
Las polémicas han acompañado a JC Reyes desde el inicio de su carrera. Muchos recuerdan al rapero por ser la persona que difundió una serie de nudes falsos de Rosalía en redes sociales. Reyes se encontró con la respuesta tajante de la propia Rosalía, que afirmó que el «cuerpo de las mujeres no es propiedad pública».
‘Nacer De Nuevo’, el último disco de JC Reyes, se ha presentado con singles como ‘Ninfo’, cuenta con colaboraciones de Ozuna, Sky Rompiendo o Gloosito y acaba de ascender al puesto 2 de los discos más exitosos de España, solo por detrás de Bad Bunny.
Chanel volverá a Eurovisión tres años después de su histórica actuación con ‘SloMo’ para dar los puntos de España en la final del 17 de mayo en Basilea, confirma FormulaTV. RTVE ha seleccionado a Chanel para el papel. Soraya Arnelas -representante de España en Eurovisión 2009- comunicó los «12 points» de España el año pasado.
La reconciliación de Chanel y RTVE parece una realidad después de que Chanel cargara contra la cadena pública el año pasado por no contar con ella en la final de Benidorm Fest. En aquella gala, Abraham Mateo cantó ‘Clavaíto’ solo en un popurrí de sus éxitos. Chanel consideró esta decisión de RTVE una «falta de respeto a los eurofans y a mí».
Chanel ha explicado, además, que se encuentra enfocada preparando nueva música. «En todos los artistas, cuando uno está trabajando de puertas para adentro, parece que estás apartado. Pero en mi caso ha sido un camino muy fructífero. Tengo una propuesta, estoy feliz con las canciones que tengo. «Tengo cosas que contar. Una propuesta musical que casa con mi situación. Vengo guerrera y con ganas de cantar y dar el show».
Este año, Melody representará a España en Eurovisión con ‘Esa diva’, que se acaba de relanzar en una nueva versión mejorada. Sin embargo, Melody ha defendido ‘Esa diva’ asegurando que ‘Esa diva’ ya era un temazo antes de su actualización. “Esa Diva es un gran tema, es una gran canción. Ha habido personas que después del cambio de arreglos han dicho «ahora es un temazo». No, el temazo ha existido siempre”.
Además, Melody ha comentado su baja posición en las apuestas actuales, donde aparece en el puesto 30 de 37 artistas. «El artista no se define por las casas de apuestas, la calidad se define en el escenario. Entiendo todo lo que envuelve Eurovisión, y que los fans son muy pasionales, pero yo no puedo estar mirando una casa de apuestas. No me conocen a mí como artista, no saben lo que voy a hacer», ha asegurado.
El cineasta palestino Hamdan Ballal, uno de los directores ganadores de un Oscar por el documental sobre la ocupación de Cisjordania ‘No Other Land’, ha sido liberado por las fuerzas israelíes tras su detención de esta noche en Susiya, la ciudad de Cisjordania en la que reside. «Después de estar esposado toda la noche y haber sido golpeado en una base militar, Hamdam Ballal es libre y está a punto de volver a su casa con su familia», ha anunciado el co-director de ‘No Other Land’, el israelí Yuval Abraham.
Ballal ha sido apaleado y detenido este lunes por colonos israelíes cuando se encontraba siendo tratado de heridas dentro de una ambulancia. El co-director de ‘No Other Land’, el israelí Yuval Abraham, había comunicado que Ballal se encontraba en paradero desconocido tras su detención.
“Lo golpearon y presenta heridas en la cabeza y el estómago, sangrando”, ha contado Abraham en un comunicado publicado en redes. “Los soldados irrumpieron en la ambulancia que había llamado y se lo llevaron. No hay rastro de él desde entonces”.
El ejército israelí ha negado el arresto de palestinos «dentro de una ambulancia» y ha explicado que sus detenciones se han producido por defensa propia después de sufrir un «lanzamiento de piedras» por parte de «varios terroristas».
El Ministerio de Salud de Gaza ha comunicado que la cifra de muertos desde el inicio de la ofensiva militar de Israel en 2023 supera ya la marca de los 50.000 fallecidos. A la cifra de muertes se siguen sumando periodistas y reporteros que informan desde la zona de conflicto, como el reportero de 23 años Hossam Shabat, asesinado mientras cubría los acontecimientos para Al Jazeera.
La embajadora de Estados Unidos en Naciones Unidas, Dorothy Shea, ha declarado este lunes que Hamás, el grupo terrorista palestino, es «único responsable» de la guerra en Gaza y de la violación de las condiciones del alto al fuego. «Cada muerte habría sido evitada si Hamás hubiera aceptado la propuesta de negociación que Estados Unidos ofreció el miércoles pasado», ha señalado.
Ora the Molecule es el proyecto de la cantante, compositora, productora y DJ noruega Nora Schjelderup. ‘The Human Fear’, su primer disco, publicado en 2021, recorría influencias de Cocteau Twins, Fleetwood Mac y Kraftwerk -sus tres principales referentes- y contenía el mini éxito ‘Helicopter’. El segundo álbum de Ora the Molecule toma un camino diferente, como sabréis aquellos que habéis participado en JNSP Song Contest.
‘Dance Therapy’ -como sugiere su título- es un álbum enfocado en los ritmos bailables y electrónicos. Su sonido surge no solo de las sesiones de Nora como DJ, sino también de sus experiencias como telonera de Röyksopp y como músico de Todd Terje y Lindstrøm. Temas como ‘Intergalactic Dance’ denotan una influencia evidente de los ritmos nudisco e italo disco. ‘Dance Therapy’ se puede escuchar desde el viernes.
La música de Ora the Molecule puede ser también lo más parecido a Annie que ha surgido desde Annie. La comparación es fácil ya que ambas son mujeres noruegas que hacen música pop electrónica. Sin embargo, canciones como ‘Løveskatt’ se prestan a la comparación gracias al tipo de melodía vocal de Ora the Molecule y al estilo de producción.
‘Løveskatt’ es un chute de electropop y nudisco fino y elegante que se titula con una palabra inventada compuesta por dos palabras individuales, ‘Løve» y «skatt», que juntas significan algo así como el «impuesto del león» o el «tesoro del león». En la Canción Del Día para hoy martes, Ora the Molecule aúlla como Shakira.
Ora the Molecule ha creado una palabra nueva para describir un sentimiento específico, como FKA twigs y ‘EUSEUXA’. En el caso de Nora, ‘Løveskatt’ plantea una «celebración de crear un nido y un espacio seguro con la persona amada» porque esa es una «necesidad humana básica y, a veces, la más importante». Igual de importante es bailar: eso también es terapia.
Lizzo interpretará a Sister Rosetta Tharpe en el biopic sobre la pionera guitarrista estadounidense que prepara Amazon MGM. A la película no se le ha asignado director todavía, pero sabe que han escrito el guion Natalie Chaidez y Kwynn Perry y que Forest Whitaker se encargará de la producción junto a Nina Yang Bongiovi, Kevin Beisler y la propia Lizzo, según la información de The Hollywood Reporter. Entre las cintas musicales producidas por Amazon MGM se encuentra la oscarizada ‘Sound of Metal’ (2019).
Sister Rosetta Tharpe fue una de las pioneras del rock ‘n roll en Estados Unidos cuya figura las redes sociales han viralizado en los últimos años, sobre todo mediante la circulación de un vídeo de Tharpe actuando en directo en 1964. Entonces, Tharpe tenía 49 años y llevaba más de tres décadas de carrera musical. Gracias a sus innovaciones en la guitarra eléctrica y en el góspel, Tharpe influyó a artistas como Little Richard o Elvis Presley.
Conocida por ser la «abuela del rock’ n roll», es generalmente aceptado que Rosetta Tharpe -aunque se casó con hombres- mantuvo relaciones románticas y sexuales con mujeres que tuvo que esconder del ojo público. Su biopic contará esta parte de su vida, también, pero se centrará «en un período clave de la vida de Tharpe, cuando recibía elogios por su sonido de guitarra y se preparaba para dar el primer concierto de estadio de la historia».
Lizzo, por su parte, prepara este año el lanzamiento de su nuevo disco, el primero después de las acusaciones que recibió en 2023 por parte de sus bailarinas por acoso sexual y por crear un ambiente de trabajo hostil. Los primeros dos sencillos del nuevo álbum de Lizzo han sido ‘Love in Real Life‘ y ‘Still Bad’. Ninguno de estos singles ha producido impacto en las listas de éxitos.
Recientemente, Lizzo ha defendido su música de las voces que han criticado sus dos nuevos singles por ser «demasiado positivos en un mundo post-covid». Lizzo ha argumentado que las críticas poseen un sesgo racial porque la «alegría negra aún incomoda a la gente». Lizzo ha declarado que el mundo sigue «tratando a las mujeres negras peor que a nadie» y ha comparado el odio que ha recibido con el odio que vivieron en el pasado iconos como Janet Jackson, Whitney Houston, Tina Turner o Bobby Brown. Sobre todo, Lizzo ha reivindicado que seguirá haciendo música positiva.
Bad Bunny recupera el número 1 de Discos en España, tras el paréntesis Lady Gaga, quien baja al puesto 4 con ‘Mayhem‘. ‘Debí tirar más fotos’ vuelve a ser el álbum más popular del país. En el puesto 2 queda ‘Nacer de nuevo’ de JC Reyes, que de hecho es la subida más fuerte de la semana al pasar del puesto 17 al puesto 2. Este álbum salió un jueves en lugar de un viernes, lo que produjo una entrada más modesta de lo que correspondería a un totem del streaming. Esta semana sube a lo grande, pero no logra derrocar a Bad Bunny.
La entrada más fuerte de la semana es la de ‘Music’ de Playboi Carti. El actual número 1 en Reino Unido y Estados Unidos, por mucho, consigue un digno puesto 5 en España. La entrada en España es más o menos similar a la conseguida en Alemania (3), Italia (3) o Francia (4).
También hay buenas noticias para Steven Wilson. El músico de culto llega al top 10, nada menos, con un disco tan experimental como ‘The Overview‘, compuesto por 2 únicas pistas en una de sus versiones. El vinilo ha llegado al puesto 4 en España. En Reino Unido este álbum ha llegado al puesto 3, lo que iguala su mejor marca histórica. En Alemania ha conseguido el número 1, todo un hito.
Otra entrada que tenemos que destacar es la de Valeria Castro con ‘El cuerpo después de todo‘, nuestro último Disco de la Semana, que encontramos en el puesto 27. Valeria mejora así enormemente lo conseguido con su primer álbum, que quedó en el puesto 64 a su salida.
Otras entradas de la semana son ‘Europa’ de Loquillo (puesto 30), ‘Puente aéreo’ de Lucas Curotto (puesto 31), ‘Nuevos trapos’ de Dano (puesto 33), ‘La madrugá’ de Delaossa (puesto 64), ‘Ecdisis’ de Ciclonautas (puesto 93) y ‘5TH Mini Album Hot’ de Le Sserafim (puesto 97).
Teo Lucadamo es una de las revelaciones de los últimos años. Las cifras alcanzadas por ‘Ritmo’ desde la autoedición le han validado al margen de su condición «nepobaby» (es hijo de Aitana Sánchez-Gijón). Ahora en Universal, publica su primer disco, ‘El dilema del rapero blanco’. Hablamos con Teo sobre la influencia de su familia, sobre rap, sobre escenas y sobre conciencia política. De manera totalmente sorprendente, resulta ser un firme defensor de la prensa y de su valor. No solo hablamos de música, pues el artista hace toda la promo con una chapa de Palestina, el mismo día en que Israel fortalece sus ataques, dejando otros 400 muertos en la Franja de Gaza.
En este disco dices que sudas de ser rapero. ¿Esto no es en serio, no?
Me guío mucho por los sentimientos y los impulsos del momento. Cuando digo algo y lo digo de corazón, lo suelo dejar. ¿Suena bien, suena mal, es real, no es real? Da igual. Esto es ya al final del disco y es como la catarsis. ¿No es en serio? Pues no. O no sé.
¿No eres rapero?
No. Soy artista, soy productor, soy intérprete, soy performer, pero no soy rapero.
Te estuve viendo en Monkey Week, que me lo pasé muy guay, estuvo muy divertido. Me pareció ver un rapero. Hasta donde yo sé.
Me identifico más con MC, con una cosa más de host. El pavo con el micro que prende la fiesta. Respeto el rap demasiado como para considerarme rapero. Rapero es Q-Tip. Yo no soy rapero. Yo soy Teo, soy un fan, adoro este género, adoro los raperos, las raperas, ese sonido me fascina, pero «distancia»…
«Respeto el rap demasiado como para considerarme rapero»
La influencia del disco, la más importante, es el rap de los 2000, y de los 90. Mucho muchacho, 7 Notas 7 Colores… ¿Cuándo has descubierto esta música?
Mucho muchacho siempre había estado un poco ahí, pero a mí no me interesaba eso, a mí me interesaba Nach. Cuando Roy (Borland) me descubrió «7 Notas» y realmente les puse oreja, me voló la cabeza porque rompía con todas las bases de lo que yo creía que era el rap en español. Era un estilo muchísimo más libre y me acabó interesando más. Yo venía de una escuela mucho más… de la métrica y de la estructura. Mucho Muchacho fue un descubrimiento, y se convirtió en la referencia número 1.
¿Qué te creías que era el rap español, pues?
Yo era más fan de algo mucho más lírico, de algo que tenía que ver más con un storytelling, narrar historias en textos más largos, con una coherencia, una cosa más lírica. Y esto es puro punk, tío. Mucho muchacho es real. Hip hop.
En el disco hay también ambientes muy de aquella época en cuanto a pianos, saxos, incluso en el single ‘UMG’.
Sí, lo que planteó Roy fue: «¿Tú cómo ves el disco, más de instrumentos o de sintes?». Y era una pregunta que él me hizo para decir lo que él pensaba. Para comprobar que estábamos alineados. Y él me dijo que quería sintes. Y a mí me pareció muy bien. Tenemos una química brutal. Entonces, el disco son sintes. Luego hay pianos y saxos, pero se han añadido después. Realmente no son los protagonistas. Los protagonistas son los samples, las «bates» y los sintes. Pero claro, nuestras influencias son las que son. A nosotros nos gusta el jazz rap, a nosotros nos gustan las influencias del R&B, el rap, nos gusta más ese subgénero que algo más sucio. Mucho más A Tribe Called Quest que Wu-Tang.
¿Cómo ha sido la gestación? ¿Tú llevaste maquetas sobre bases o lo que sea y luego habéis trabajado o ha sido todo en el estudio a la vez?
Sobre todo ha sido en el estudio de cero. Yo traje un par de basecillas. Traje la base de ‘Llamadas’, mucho más adelante llevé la base de ‘Simón’, también la de ‘Tengo un amor’ y luego se hizo la producción, se tomó la decisión de meter chelos aquí y allá, pero sobre todo ha sido partiendo de cero, muy alineados con lo que buscábamos.
‘Te vas a acordar’, al final es como una bossa nova o easy listening. ¿Qué os ha inspirado?
Jordi, de Ciutat, trajo el piano. Con Ciutat llevamos ya un añito y medio de amistad. Y entonces esto salió muy natural. Él trajo esta idea de bossa, porque ellos hacen jazz pop, por decirlo de alguna forma. Jazz, pop y electrónica. Trajeron esa idea de piano y con Roy y Mario Caballero la terminamos en un día. Salió del tirón.
En la nota de prensa dices que «A los indies les va a encantar el disco. No sé a los raperos y no sé los demás, pero a los indies les va a encantar».
Es que la escena del rap de mi edad… 7 años para arriba, 2 para abajo… Es que estoy totalmente fuera. Yo me identifico muchísimo más con Amore, con Irenegarry, con «Rus», con Tristán, con Azuleja, con Roy… Con toda esta esfera. Y para mí los indies son un poco ellos. Y los que los escuchan a ellos, sobre todo. Creo que a esta peña le va a interesar.
«Yo en el Madrid Salvaje no pinto nada. Pero en el Observatorio, sí»
¿Y a ellos qué les pareces tú?
Irene sí que le hacen gracia mis vídeos y tal… No sé tampoco. Tristán, Roy, Azuleja, Mori… yo creo que les gusta mi movida. Te lo digo un poco por una sensación de que yo en el Madrid Salvaje no pinto nada. Pero en el Observatorio, sí. Entonces, yo soy «team» Observatorio y Madrid Salvaje dudo que me programe a no ser que tengan que programarme porque sí, porque toca, pero esa es la diferenciación que yo hago. Se nota mucho en los festis.
¿Tú como público a cuáles vas? ¿Cuáles te gustan?
A mí me gustan los frikis. Me gusta la peña friki. La peña que es friki de movidas, porque yo soy un friki y soy friki de movidas, sé lo que es ser fan siendo friki y me parece que estos fans son fans muy reales y muy sanos también. Siento que la gente que me sigue es muy sana. Y eso me encanta, la verdad.
¿A qué festivales vas?
¿Sabes qué pasa? Que tengo muchas carencias a nivel de cultura musical. Yo me estoy poniendo las pilas en los últimos años. Entonces, normalmente en los carteles de los festivales es como que no sé quién es nadie. Por ejemplo, el Primavera Sound del año pasado: los nombres más grandes sí los tenía, pero bueno. Yo voy a descubrir bandas. Y siempre me llevo cosas. Yo no sabía qué era Justice. Para que te hagas una idea. Y fue como: «Hostia, estos cabrones cómo suenan».
«Soy muy fan de Lady Gaga. Los primeros discos que escuché yo una y otra vez fueron ‘The Fame Monster’ y ‘Good Girl Gone Bad’ de Rihanna»
Lana del Rey sí la conocerías, ¿no? ¿Te gusta el pop?
Me gusta el pop, sí. Yo soy muy fan de Lady Gaga. El primer disco. Me gusta mucho Lady Gaga y me gusta mucho ese pop, la verdad. Los primeros discos que escuché yo una y otra vez fueron ‘The Fame Monster’ y ‘Good Girl Gone Bad’ de Rihanna. Y ‘Nothing But the Beat’ de David Guetta. Y ‘Un día en Suburbia’ de Nach. Este es mi inicio en la música. Entonces, es electrónica, supermegapop, bangers. ‘Good Girl Gone Bad’ tiene absolutos temazos, tiene algunos un poco más flojos. ‘The Fame Monster’ es un puto discazo con alguna más floja, pero por lo general es «estoy aquí a nivel de energía y a nivel de gozar del pop».
Hablas del dilema del rapero blanco, ¿qué te parecen los raperos blancos tradicionales que ha habido? Eminem, Macklemore, Mac Miller…
Eminem es el rapero blanco por antonomasia, que tiene dos buenos discos, los primeros. Luego su carrera cae en picado hasta ya la desgracia absoluta, en mi opinión, pero tiene ese momento dorado que es el principio, cuando está más fresco, cuando está más sano, supongo, también. Macklemore ha tenido el dilema del rapero blanco, tiene esa autoconciencia que es como, «bueno, ¿qué haces luego con eso?». Cuando Kendrick sacó ‘DAMN’, ganó Macklemore el Grammy a Mejor Álbum de Rap y él subió a Instagram el chat escribiéndole a Kendrick: «Tío, deberías haber ganado tú». No sé qué opino al respecto, pero ya es un poco el show. ¿Y por qué es tan grande Mac Miller? ¿Es tan buen rapero? Quién sabe, a lo mejor no, pero claro, ¿con quién me voy a identificar yo más? Pues con Miller en 2018 o 2019. Obviamente esa ha sido mi referencia porque yo soy más parecido a él que a cualquier otro rapero negro súper talentoso, incluso mucho más talentoso que Mac Miller.
De todas formas, tú has hecho un disco muy divertido, que estás muy serio, te veo muy serio.
Ya, no sé. Es que soy también una persona muy seria (risas) También he necesitado sentarme un momento y decir «tengo que hablar de cosas». Hago mi equilibrio entre esa seriedad y la ironía absoluta.
¿Cuáles son las cosas importantes de las que habla el disco? ¿Qué canciones? Hablas muchísimo de tu familia…
Hablo muchísimo de mi familia. Se lo puse a mi hermana y cuando yo hago reír a mi hermana con una frase, yo ya siento que lo he conseguido. Cuando mi padre, que no le gusta nada el rap, le carga mogollón, menos Kendrick, reacciona a algo… Busco mucho la reacción de mi familia. Cuando uno es honesto, accede a cosas universales, a sensaciones universales, que todo el mundo se pueda sentir apelado o lo que sea. Yo creo que ahí está la magia.
Me reí mucho cuando en los Goya la gente en Twitter empezó a preguntar qué hacías tú llorando viendo a Aitana Sánchez Gijón.
(risas) Qué afectado está, ¿no? ¿Qué coño hace? Pues mira, qué bien que haya mucha peña que se da cuenta de que mi madre es conocida después de estar escuchando mi música y no a raíz de eso. Pero es que siento que es la forma natural, cómo ha sido todo, porque yo en ningún momento he querido subirme a esa burra. Un poco todo lo contrario.
Es muy difícil que tú ganes un fan por ser hijo de Aitana Sánchez Gijón. Pero a mí me da un pedazo de titular.
Sí, es que es curioso. Al final, ¿qué artículo te vas a leer? Yo lo sé, yo sé que salgo en Icon porque esto es el gancho. A lo mejor podría haber salido también, porque ahora está Universal empujando y tal, tengo una propuesta buena, todo lo que sea, pero es que aquí está la cosa. Aquí está realmente. El momento Nepobaby es ese, el momento de la exposición, de que los medios te tengan más en cuenta porque tal y que te den esa visibilidad porque el titular está ahí. ¿Cómo no lo vas a poner?
En cualquier caso, tu familia es súper importante para ti: está en el disco. Hay un primo también.
Mi primo Simón (risas). Intento siempre meter a todo el mundo de mi círculo, porque es la gente con la que más a gusto estoy. Trabajo súper bien, tenemos un ambiente de trabajo muy bueno. He trabajado con mi primo mil veces. Mi padre ha participado en el arte del disco.
Los padres salen mucho en las carreras de Eminem, Kendrick, es muy del hip hop realmente…
Seguramente eso también haya jugado un papel, después de haber estado escuchando toda esta música durante tantos años… No te das cuenta pero al final puede haber tenido que ver.
¿Y qué más hay de ti en el disco?
Habiendo hecho ‘Mi colega’ y ‘Ritmo’ que son como más cómicas… ‘UMG’ es un drama, ¿sabes? Es un poco tragicomedia. Luego está ‘Llamadas’ que es como un sketch. ‘Te vas a curar’ tiene ese «speech» final, ‘6pm’ tiene también chascarrillos… Todas tienen chascarrillos pero ‘Simón’, ‘Tengo un amor’, ‘Calcula’, ‘Superdope’, ‘360’ ya es más liviana, ‘Con esta cara, con este pelo’… todas tienen algo, es verdad, pero muchas de ellas son solemnes. Al menos para mí. Son densas.
Justo ‘Calcula’ tiene las frases que más risa me hacen. Como cuando dices quién es ese señor que te persigue…
Es de cuando éramos niños, que te decían «saluda a este señor, que es el amigo de». Tú en plan: «¿Quién es este tío?»
Y cuando dices «el amor son cosas de pibas», ¿cuán en serio va esto?
Totalmente crítica. Totalmente crítica a esa masculinidad que tengo. He tenido que trabajar mucho para poder salir de esa mentalidad. También es la exageración. La canción siempre te va a mostrar la cara más fea. La más apática. Pero es una crítica a eso. Pero por suerte yo no lo veo así.
Para mí es súper interesante ver cómo la gente de tu edad ve este tema, porque hubo un momento en el que parecía como que el amor iba a dejar de ser cosas de chicas, pero ahora de repente hay una regresión y las mujeres y los hombres de vuestra edad votáis cosas súper diferentes. Se han radicalizado mucho las cosas. En un momento dado, tú has identificado que tienes una masculinidad que es tóxica.
Hay cosas insanas en mi masculinidad y en mi forma de ser que son normales y que van también mucho por los tiempos y esas mierdas, la verdad. Tiene que ver con mi situación familiar, cosas personales que he vivido y tal. Aunque siento cierta desesperanza con respecto a este tema en general, todo el mundo anhela eso. Porque todos hemos visto Disney y todos hemos visto a nuestros padres juntos, y sabemos la potencia de ese amor romántico, normativo, clásico, lo que sea.
Estás haciendo la promo con una chapa de Palestina. ¿Te la has puesto esta mañana por las noticias?
La llevo en la riñonera, pero me la he puesto por las noticias.
Hay una conciencia política en ti, que no se ve tanto en el disco.
No, no lo he dicho mucho en el disco, pero sí, tengo mucha conciencia política. Me gusta mucho la prensa, el periodismo y tal. Y leo sobre estas cosas y me preocupa mucho y estoy pendiente.
«Salgo de las redes para informarme. Hay que leer los artículos»
¿Te informas en la prensa, no en las redes?
Claro, es que esa es la movida. O sea, salgo de las redes para informarme. Sigo El País y algún otro medio. Pero es que hay que leer los artículos. Nunca doy la chapa con esto, pero siempre me enorgullezco de hacerlo, porque es algo que he tenido que entrenar también. Desayuno con el periódico y abro cuatro periódicos y miro y leo e intento mantenerme al día.
Has metido la palabra «zurdo» en el disco, esto me ha hecho mucha gracia, EN ‘360’. ¿Tienes esta lucha con la autenticidad, el mantenerte independiente, que no te corrompa el sistema, ahora que estás encima en una major? ¿Esto es un tema para ti de verdad?
Sí, porque joder, ¿cómo voy a estar concienciado con la causa palestina y estar en el Banco Santander? Pero bueno, llega un punto que sientes que no hay escapatoria, que todo son oligopolios y que tú estás consumiendo en una empresa que es filial de una más grande, que es filial de otra muchísimo más tocha. Que hay comercio de armas, las farmacéuticas, toda esa puta mierda, están todos untados. Entonces, sí, tengo un conflicto político grande con estar en una major y sacar mi música a través de ellos y hacer camisetas que van a acabar en la basura, toda esa puta mierda, y llevar Adidas y todo. O sea, soy consciente y hay días que me rallo más, hay días que me rallo menos, he decidido jugar las reglas de este juego durante un tiempo y a ver dónde me lleva esto.
¿Te ves en un rap más político?
Rap no, la verdad. No me veo. O a lo mejor sí. Pero tiene que ser algo con mucha claridad, tiene que llegar a un momento que me lo pida el cuerpo, porque es que no me voy a poner en plan chapa. Como te digo, estoy bastante concienciado con la situación política internacional y demás, y ya va a tocar empezar a hacer canciones sobre esto, pero no sé si van a ser rap. A lo mejor van a ser más rollo guitarra.
Nunca la industria musical desaprovechará la oportunidad de explotar artísticamente una relación sentimental, sobre todo si esta relación se ha formado dentro de la propia industria, como la de Selena Gomez y Benny Blanco. Una relación que, públicamente, tiene su morbo, pues hay que recordar que Blanco ha sido uno de los productores de confianza de Justin Bieber, ex de Selena.
Más allá de ese supuesta fascinación, la relación de Selena y Benny a nivel mediático tiene el mismo interés que verles comer juntos alitas de pollo picantes. Su disco colaborativo, ‘I Said I Loved You First’, como la típica relación que empieza, no se quiere poner etiquetas, pero tampoco sabe qué es o qué quiere ser.
El estado de ánimo de ‘I Said I Loved You First’ es el mejor de todos, romántico pero tristón, y el primer single, ‘Scared of Loving You’, es acústico y cuqui porque se inspira en ‘Juno‘ (2007) y en la música de los Moldy Peaches. Sin embargo, su letra se complica -para bien- cuando Selena reconoce que «no teme morir joven», pues lo que verdaderamente teme es perder a la persona amada.
Las mejores piezas de ‘I Said I Loved You First’ esconden un espíritu melancólico y decadente que sienta bien al estilo vocal de Selena. Sobre todo cuando se envuelve de teclados ochenteros pseudo-lofi como los de ‘Sunset Blvd’ -a Chromatics les habría gustado escribir un estribillo tan bueno- o la mejor canción del álbum, ‘Don’t Wanna Cry’, que pasa del synth-pop al disco-funk con la gracia del último The Weeknd -con el que Selena salió- y la ayuda del productor francés SebastiAn.
Los teclados románticos vintage sientan a Gomez de lujo en ‘Ojos Tristes‘, una inesperada y preciosa adaptación de ‘El muchacho de los ojos tristes’ (1981) de Jeanette que incluye la participación vocal de María Zardoya de las infravaloradas The Marías, cuyo timbre vocal recuerda al de la cantante de ‘¿Porque te vas?’.
Por tanto, hay que lamentar que ‘I Said I Loved You First’ no ahonde en este estilo y derive en otras cosas, sobre todo en el sonido Lana Del Rey, cuyo nombre sobrevuela demasiadas canciones. ‘Younger and Hotter than Me’ -co-escrita por Finneas- suena sincera en su exposición de las inseguridades de Selena, sobre todo en el contexto de una industria musical que cambia de pop stars como de cromos; pero la timidez vocal de Gomez no le hace ningún favor. Y lánguida ‘Cowboy’ es una de varias pistas del largo que no hacen más que demostrar que Taylor Swift tenía razón cuando llamaba a Lana la «artista más influyente de su generación».
‘I Said I Loved You First’ nunca da con un sonido concreto, pero lo peor es que tampoco se compromete a contar los matices de una relación sentimental expuesta al ojo público. Que Benny Blanco cite entre sus influencias el disco conjunto de Beyoncé y Jay-Z extraña cuando las letras de Selena revisan relaciones (‘Don’t Wanna Cry’) o experiencias negativas (‘Don’t Take it Personally’) pasadas, en lugar de profundizar en las complicaciones de su relación actual o de ponerle un poco de imaginación al asunto, como hacen Tennis.
La indecisión artística de Selena y Benny tampoco gana enfoque gracias a sus artistas invitados. Solo María Zardoya aporta una voz externa justificada en ‘Ojos Tristes’ porque canta como Jeanette, pero la presencia de Gracie Abrams en el olvidable bedroom-pop de ‘Call Me When You Break Up’ solo es estratégica. Por no hablar de la inclusión en la secuencia de ‘I Can’t Get Enough‘ de J Balvin y Tainy, una canción tan vieja que unió a Selena y Benny hace seis años, cuando todavía no eran pareja. Selena justifica su inclusión en la secuencia usando palabras románticas, pero no engaña a nadie.
El estilo de producción de Benny Blanco no es el más ambicioso del lugar y en ocasiones suena holgazán, pero sienta bien a una Selena Gomez que ha encontrado en ‘Sunset Blvd’ un hilo del que tirar. Sin embargo, a pesar de su dilatada experiencia profesional, ni Selena ni Benny esquivan los típicos vicios de los discos del pop mainstream de su estilo, como incluir interludios inservibles o pistas cuyo estilo no encaja en el estilo global. En ese sentido, al menos el house hyperpop de ‘Bluest Flame’ aporta color al conjunto, pero dentro del álbum, solo hace de aguantavelas.
Ethel Cain ha anunciado que su segundo disco, ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You’, se pone a la venta en agosto, en una fecha por determinar. ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You’ es la precuela de ‘Preacher’s Daughter‘ (2022) y se ambienta en 1986, el «año en que cambió todo». En el universo ficticio de Ethel Cain, Willoughby Tucker es el nombre de su primer novio de instituto.
Cain -cuyo nombre supuestamente de pila es Hayden Anhedonia- comparte la noticia de la llegada de su segundo larga duración en el día de su 27º cumpleaños, hoy 24 de marzo.
Ethel Cain presentará ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You’ en una gira que recorrerá América del Norte y Europa y que incluye dos penúltimas fechas en España, el 7 de noviembre en la sala Razzmatazz de Barcelona y el 8 de noviembre en el Teatro Eslava de Madrid. Las entradas se ponen a la venta este viernes 28 de marzo a las 10 horas.
‘Perverts‘, el proyecto publicado por Ethel Cain a principios de año, se considera un EP a pesar de su hora y media de duración. ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You’ se espera sea la verdadera continuación pop de ‘Preacher’s Daughter’, uno de los mejores discos de su año.
Gwen Stefani está plenamente dedicada a su etapa conservadora, tanto que ha publicado un disco de country (no muy bueno) y, recientemente, ha publicado un tuit alabando el trabajo del comentarista político conservador Tucker Carlson, conocido por promover conspiraciones de la extrema derecha. En concreto, Stefani ha elogiado la charla de Carlson con el actor Jonathan Roumie sobre cristianismo.
El mensaje de Stefani ha causado revuelo en redes y ha llevado a muchos usuarios a asumir que Stefani se ha sacado la careta como simpatizante de Trump y de la extrema derecha estadounidense (Stefani reside junto a su marido, el cantante Blake Shelton, en Oklahoma, un estado mayoritariamente republicano).
Stefani, además, ha sumado un nuevo proyecto a su carrera, el de promocionar la app para rezar del actor Mark Wahlberg, Hallow, porque no hay nada más espiritual que orar previo pago.
El influencer queer estadounidense Matt Bernstein ha analizado la supuesta deriva conservadora de Gwen Stefani en un nuevo episodio de su podcast A Bit Fruity en el que Bernstein directamente llama a Stefani «fascista». En este podcast, Bernstein y sus comentaristas invitadas revelan que Stefani siempre ha dicho ser una «chica católica tradicional» aunque haya parecido lo contrario. El trabajo de hemeroteca de Bernstein descubre que Gwen realizó numerosas declaraciones conservadoras en la época de No Doubt y de sus primeros discos en solitario y que, en entrevistas, siempre se desmarcó del discurso feminista. Por ejemplo, durante una convención pro-aborto, Stefani declaró que ella nunca abortaría. A pesar de que Stefani ha proyectado una imagen de mujer moderna, cool y no normativa, Stefani siempre ha sido una chica rica de Orange County que soñaba con casarse y criar a «catorce hijos». Una ‘Orange County Girl’, como se titula uno de sus temas.
Hace tiempo que el mundo no ve a Gwen Stefani de la misma manera que la veía a principios de este siglo. Aunque su debut en solitario de 2004, ‘Love.Angel.Music.Baby‘, sigue sonando avanzado, su apropiación de la cultura japonesa, en concreto de la estética «harajuku», era sumamente racista. No lo sabíamos cuando éramos fans hace 20 años, pero los (no tan) nuevos discursos antirracistas se han encargado de abrirnos los ojos durante la última década. Ya no es aceptable que Stefani se acompañara durante la promoción de ‘Love.Angel.Music.Baby’ de un grupo de cuatro bailarinas japonesas que le seguían a todas partes y a las que solo permitía posar detrás de ella, nunca hablar, y a las que llamó con las cuatro palabras que titulan su disco, como si fueran mascotas. Gwen nunca ha reconocido el racismo de esta acción promocional y siempre ha justificado su decisión asegurando que ama la cultura japonesa, pero esta excusa solo revela una falta de sensibilización con las implicaciones de la apropiación cultural.
Una nueva polémica racista volvió a sacudir a Gwen Stefani en 2012 cuando el videoclip de ‘Looking Hot‘ de No Doubt fue retirado de plataformas por mostrar una imagen estereotipada de los nativos. En esa época, Stefani contaba un segundo álbum en solitario, ‘The Sweet Escape‘ (2006), cuyo primer single, ‘Wind it Up’, era otro ejercicio de apropiación cultural, en concreto del canto tirolés alpino. Una canción, no obstante, divertidísima en todo su absurdo que la crítica de la época no quiso entender por falta de humor, pero que el público abrazó convirtiéndolo en un éxito internacional, después opacado por el single titular.
Las recientes revisiones culturales de la obra de Gwen Stefani claramente han llevado a la artista a tomar menos riesgos en sus siguientes trabajos, reduciendo la apropiación cultural a mínimos ya casi inexistentes. El problema no ha radicado en esa explotación, sin embargo, sino en la manera en que Stefani ha representado estas culturas desde una posición de superioridad, como se analiza en el citado podcast. El tercer álbum de Stefani, ‘This is What the Truth Feels Like‘, publicado en 2016, simplemente se sumaba a la moda de pop tropical de la época y fue criticado por su falta de innovación, y el siguiente era directamente navideño. Es decir, la música de Stefani ha ido cerrando sus puertas al mundo y reduciéndose al consumo estadounidense. Y, en este contexto, ha llegado ‘Bouquet’, un disco de country que no ha arrasado en listas: apenas se ha anotado un puesto 95 en Estados Unidos y un 44 en Reino Unido.
En la última década, Stefani ha intentado volver a la gloria de sus inicios lanzando una serie de singles de sonido vagamente ska, como ‘Baby Don’t Lie’ (2015), ‘Let Me Reintroduce Myself’ (2020) o el extraño ‘Slow Clap‘ (2021), pero ninguno ha tomado las listas. Y, aunque Stefani se marcó un breve comeback en 2024 actuando con No Doubt en el Coachella de ese año, su imagen pública parece seriamente deteriorada, sobre todo de cara a sus fans mujeres y LGBTQ+, que tanto la apoyaron al principio. Hoy es necesario recordar que la Gwen Stefani que crecimos adorando, en realidad, siempre fue una ilusión, una mera imagen proyectada desde los medios de comunicación. ¿Quizá de esto iba el pop, también?
El talento de Stefani, por tanto, va más allá del musical, el cual se da por hecho, pues ella es co-autora de ‘Don’t Speak’, entre otros éxitos de No Doubt, y por supuesto de sus propias canciones y, además, posee un timbre vocal único; sino que se define también por una actitud chaquetera y abiertamente capitalista: ella se convirtió en una diva gay porque así lo pedía el mercado, y cuando este papel dejó de funcionar, probó otra cosa. Ahora, Stefani dirige su carrera musical hacia el conservadurismo porque el clima actual en Estados Unidos -que ha vuelto a dar la victoria en la presidencia a Trump- se lo permite. Que haga country y promocione un app para rezar solo forma parte de la agenda.
Restinga es uno de los fichajes de Raso Estudio (Baiuca, Rodrigo Cuevas, Parquesvr) que en 2025 publican su álbum debut. Detrás de este alias saluda la cantante y compositora hispano-marroquí Herminia Loh Moreno, que propone en su música una mezcla de sensibilidades: ‘Salina’ recuerda al reguetón club alien de Arca, ‘abrazaditas’ se relaja en una forma de bedroom-pop y ‘tú y yo’ incorpora un sample de ‘Sayidati’ (2017) de Zina Daoudia, una melodía árabe como las que escuchaba Restinga de niña cuando viajaba en taxi por Tetuán, ciudad en la que creció antes de mudarse a Sevilla.
Aunque Restinga empezó en la música pinchando como DJ en salas y azoteas de Sevilla, ella toca música desde los ocho años y y formó parte de distintas bandas durante su etapa escolar. Actualmente, Herminia toca el bajo en la banda Pony Pool Club.
Restinga ha despuntado en solitario con el lanzamiento, en 2023, de su primer EP, انا و ياك, que contiene los temas ‘tú y yo’ (este es el título del EP) y ‘abrazaditas’. En ‘abrazaditas’, Restinga explora su bisexualidad como persona proveniente de un contexto que rechaza las sexualidades no normativas. «Durante muchos años he odiado la cultura marroquí”, ha declarado Restinga a El Periódico de España. “Con el tiempo, he aprendido a quedarme con lo bueno, pero creo que si no hubiera sido bisexual todo habría sido muy diferente. El hecho de poder cantar libremente abrazaditas en lugar de “abrazaditos” para mí es muy importante».
La perspectiva de Restinga, añadida a la frescura de su sonido, convierten su propuesta en una de las más originales del underground nacional actual. ‘Salina’, el primer single de su debut, revisaba el «imaginario de Papá Levante» a la vez que mezclaba «música gnawa (típica de Marruecos) con sonidos de club». En la letra, Herminia cantaba «en darija y castellano». Y ‘Desvelhada’, el segundo adelanto, propone un sonido accesible y pop. Es la Canción Del Día de hoy.
El mapa de ‘Desvelhada’ vuelve a ser diverso, fusionando beats propios del UK garage británico con teclados de marcado estilo synth-pop y el sonido de cuerdas pulsadas que evocan algún tipo de laúd. Además, ‘Desvelhada’ cuenta con la colaboración del cantante mexicano dieglitter, artista vinculado al hyperpop. Aunque la estrella de ‘Desvelhada’ es la melodía tarareada de «pa pa pas», siempre infalible. Juntos, Restinga y dieglitter cantan una canción de amor y deseo marcada por el desapego emocional: esperando horas delante del teléfono, a Restinga le consuela saber que su almo-hada aún huele a él.
Conciertos Restinga
24 de abril: Madrid. Sala Siroco – Sound Isidro
5 de junio: Móstoles. Picnic Sessions
7 de junio: Barcelona. Primavera Sound
Dua Lipa ha aprovechado el cuarto concierto de la gira de ‘Radical Optimism’ en Melbourne (Australia) para regalarle a una fan el remix inédito de ‘Physical’ con Troye Sivan. «¿Podemos confiar en ti para que lo filtres»?, preguntó Dua con uno USB rosa en la mano.
Después de atreverse con una versión de Kylie Minogue en su último show australiano, la artista británica contó con la presencia de Troye Sivan para interpretar ‘Rush’, uno de sus éxitos más recientes, con coreografía y todo. Sin embargo, lo más viral del encuentro resultó ser el remix de un tema de hace cinco años.
En menos de 24 horas, la canción ya estaba rulando por internet. «Buen trabajo <3", ha tuiteado Dua. El próximo jueves 27 de marzo se cumple el 5º aniversario de ‘Future Nostalgia’ y todo apunta a que esta colaboración no se va a quedar en un simple tweet. A su vez, el lanzamiento de este disco fue adelantado por otra filtración. En este caso, no intencionada.
‘Night Life’ era una de las grandes canciones de ‘Night Work’, el discazo de Scissor Sisters que este 2025 cumple su 15º aniversario, y que ofrecía un retrato de la noche a veces tenebroso, pero tendiendo casi siempre al hedonismo y la diversión. En este otro ‘Night Life’, el sexto disco de The Horrors, se hace de nuevo un retrato de la noche, pero, como imaginaréis, bastante distinto. Sí comparte, en cambio, el no ceñirse a un lado concreto, y no ser (pese a que en este caso podamos pensar que va a ir en esa dirección) algo tenebroso. ‘Night Life’, de hecho, combina como ningún otro disco de The Horrors su faceta más oscura y la más luminosa, sin que ninguna de las dos se sienta forzada.
Es el primer álbum de estudio de la banda desde 2017, habiendo lanzado en estos años solo los EPs industriales de pandemia, y es también el primer trabajo sin Tom Furse y Joe Spurgen, y con nuevos nombres en la formación: Amelia Kidd de The Ninth Wave y Jordan Cook de Telegram se unen (como teclista y batería respectivamente) a Faris Badwan, Rhys Webb y Joshya Hayward. Ambas cosas podrían haber desembocado en algo malo, tanto porque el público se haya olvidado de ellos (casi diez años, sumándole que algo previo a la pandemia nos parece aún más lejano) como porque los nuevos miembros no encajen con el grupo, y la ausencia de los anteriores se note demasiado. Respecto a lo primero, habrá que ver cómo funciona este regreso; respecto a lo segundo, es todo lo contrario.
El propio Faris Badwan, en entrevista con nuestro medio, reconoce que añadir a Cook y sobre todo a Kidd ha sido clave y que, junto a la producción de Yves Rothman (a quien conocemos por su trabajo en Yves Tumor, pero también con Kim Gordon o girl in red), ha llevado a la banda a explorar nuevos terrenos más que nunca. Y eso que hablamos de un grupo que ha pasado por el punk, el shoegaze, el industrial o incluso el rock de estadio. Pues bien, todos los The Horrors posibles están en este disco, junto a un punto nuevo, de manera que puede decirse que es también una buena manera de empezar a conocerles si nunca les has escuchado: si no te gusta ninguna de las facetas vistas aquí, probablemente no te va a gustar el grupo. Pero es que es difícil que eso ocurra porque no hay canción mala. Quizás ‘Trial By Fire’ es la más formulaica, aunque igualmente encantará a quienes devoraron sus EPs industriales, y ‘When The Rythm Breaks’, cuya melodía recuerda a un ‘Adestes Fideles’ ambient, puede parecer menos compacta y más cercana a la curiosidad.
Sin estar mal, sí son lo más flojillo. Pero todo lo demás podría estar en el apartado “lo mejor” que os dejamos al acabar las reseñas. ‘More Than Life’ es una buena muestra de lo bien que les sienta el shoegaze, ‘Silent Sister’ es la hermana guapa (guapísima) de ‘Trial By Fire’, ‘LA Runaway’, la más accesible, nos lleva a unos terrenos entre Simple Minds, The Cure y The War On Drugs, y la deliciosa electrónica de ‘The Feeling Is Gone’ al mejor TR/ST, a quien también nos recuerda ‘Lotus Eater’, con una construcción de atmósfera magistral. Por su parte, el lead single ‘The Silence That Remains’ es un buen resumen de lo que vas a encontrar en el álbum (con un maravilloso outro), y ‘Ariel’ es directamente uno de los mejores temas de su discografía.
Las atmósferas de todos ellos, la atmósfera del disco en sí, es una pasada, pero la de ‘Ariel’ (que en sus primeros acordes recuerda a los ídem de ‘MERICHANE’, por cierto) se lleva la palma, nada más comenzar el álbum. Tanto la letra como la estructura del tema, con esos sintes que parecen sorprenderte en mitad de la oscuridad, apuntan, como el resto del disco, a la mezcla de euforia y melancolía que Faris admite en entrevistas haber buscado, una ambigüedad que sienta de maravilla a este trabajo, cuyas texturas levantan y te detienen según la canción, o según el momento de la misma canción. Siguiendo con lo que comentábamos antes sobre la posibilidad de que ese público de The Horrors se haya esfumado: pues sí, es posible. De hecho, cuando dimos la noticia de sus cuatro conciertos en España, el único comentario iba en ese sentido, “vestigios de otro tiempo”. No sé si esos fans ya no estarán, pero, desde luego, haber sacado esto como ¡sexto! disco tras veinte años de carrera les da motivos para conseguir nuevo público, y para estar por aquí mucho más tiempo.
Guitarricadelafuente está cada vez más «posicionado», esa palabra que tanto gusta a la industria musical. Su primer disco, ‘La cantera‘ (2022), añadió un capítulo a la reciente reivindicación del folclore español en el pop y fue un éxito. Después, al valenciano Álvaro Lafuente Calvo le llegó una colaboración internacional en el último disco de Troye Sivan. Su sentida forma de interpretar y sus poéticas letras se han ganado el aprecio de un público ávido de propuestas originales. Y de creatividad, ‘Full time papi‘, el nuevo single de Guitarricadelafuente, va sobrado. Es la Canción del Día.
Una producción sorprendente, trabajada junto a Pablo Drexler, pablopablo; Lucas Durán Forga y junto a dos productores estadounidenses, Jasper Harris y Carter Lang, ‘Full time papi’ ha abierto el camino hacia el segundo álbum de Guitarricadelafuente, un trabajo producido principalmente junto a pablopablo pero grabado también en parte en Estados Unidos, que consolidará al artista y le abrirá nuevas puertas.
JENESAISPOP ha podido reunirse con «Guitarrica» en un bar de Barcelona para comentar ‘Full time papi’, su colabo con Troye y, muy, muy, muy por encima, el contenido de su próximo disco. La gira arranca en mayo:
18.05 – Bilbao (Palacio Euskalduna)
24.05 – A Coruña (Coliseum)
27.05 – Cartagena (Auditorio Paco Martín)
29.05 – Sevilla (Cartuja Center)
01.06 – Valencia (Nits de Vivers)
04.06 – San Sebastián (Kursaal)
06.06 – Zaragoza (Sala Multiusos)
21.06 – Las Palmas (Festival Mar Abierto)
22.06 – Santa Cruz de Tenerife (Festival Mar Abierto)
27.06 – Granada (Palacio de Congresos)
02.07 – Barcelona (Alma Festival)
03.07 – Barcelona (Alma Festival)
07.08 – Marbella (Starlite)
21.08 – Mallorca (Es Jardí)
17.10 – Madrid (Movistar Arena)
¿Grabas en tu casa?
Sí, las maquetas. Pero el disco lo hemos grabado en muchos sitios.
Jasper Harris ha producido para SZA. ¿Has trabajado el disco en Los Ángeles? ¿Cómo llegas a Jasper?
Jasper contactó conmigo hace dos años, me dijo que le encantaría trabajar conmigo. Al cabo de un año, en noviembre de 2023, nos conocimos en Nueva York, fuimos al estudio juntos, al Electric Lady, nada menos. Ahí nos vimos por primera vez. Me dijo: «Quedamos ahí». Y yo: «ah, vale». Me contó que una novia que tuvo descubrió mi música tocando en Benicasim y le recomendó mi trabajo. Al final esa relación no salió bien, pero Jasper y yo empezamos a trabajar juntos. Jasper ha participado en el disco aportando muchas ideas, es muy generoso creativamente.
Carter Lang (SZA, Post Malone) también está en el álbum.
Él entró en la ecuación más tarde. Con Carter Lang hubo mucha química. Yo pensaba que no iba a funcionar porque él venía del R&B, pero hubo conexión absoluta. También trabajamos con Frank Dukes (Camila Cabello, Lorde, ‘Motomami‘).
Entiendo que ellos también están hambrientos de probar cosas nuevas.
Yo creo que sí. Aparte la barrera latina que se ha roto, y la barrera del lenguaje que se ha roto, hay un interés en la música de España, a los productores estadounidenses les apetece probar cosas que vengan de un mundo completamente diferente.
¿En el disco habéis experimentado mucho? Esta canción es sorprendente.
Llevo tanto tiempo inmerso en el proceso que no me parece un cambio tan radical.
En ‘Full time papi’ suena un órgano y luego un acordeón. Luego el estribillo es a coro. Tiene mucho cambio,
El acordeón en concreto es una zanfona. Es un instrumento medieval, folclórico, que yo ya habría metido antes en una canción, pero esta vez lo metemos en un mundo, digamos, extranjero. De todos modos, mi objetivo en el disco ha sido que cada canción sea reconocible y reducible a la guitarra.
¿Cómo habéis conseguido meter tantas ideas instrumentales y que la canción se mantenga entera?
El órgano y la zanfona son instrumentos pesados, pero la canción es juguetona, no está hecha para ser contemplativa, sino para disfrutarla con el cuerpo.
¿Por qué ‘Full time papi’ es el primer single del álbum? Es una nueva introducción.
El tema por un lado choca un poco con lo que venía haciendo antes y representa la energía del álbum. Quizá no es tan representativa en el sentido musical porque el disco atraviesa caminos muy diferentes, también hay mucha canción en la que predominan guitarra y voz. Pero el contenido de las letras es otro. El disco habla de dejarse llevar.
¿El disco va de que Guitarricadelafuente se desinhibe y libera?
No me libero porque yo siempre he estado liberado, nunca me he sentido cohibido. Siento que el disco refleja mi madurez, expone un camino de aprendizaje. En ‘La cantera’ sentía que tenía cosas que demostrar porque era mi primer disco, pero en el segundo me ha apetecido simplemente disfrutar. Por ejemplo, en las letras del álbum anterior había que rebuscar mucho para encontrar algo personal, sin tanta capa. Esta vez, me apetecía evolucionar de ese mundo idílico y romántico del campo del primer disco, hacia algo más transparente, directo y de piel.
En la canción cantas «Quiero que me expliques la emoción de pasar de 100 a 0».
Sí, esa frase habla de una persona que siente algo intensamente y, en poco tiempo, deja de sentirlo. Es una reflexión sobre la forma que tenemos de sentir hoy en día, de darlo todo y quitarlo a la primera de cambio porque nos aburrimos. A mí personalmente me desestabiliza, porque puedo pasar de sentirme inseguro a todo lo contrario, y cuando recibes esa dosis de autoestima de golpe, de nuevo te predispones a caer en situaciones parecidas como la que comenta la canción.
¿Qué significa para ti el videoclip?
El vídeo lo hemos trabajado con Albert Moya. La idea era hacer un traspaso de la inocencia y el campo, de esa estética analógica y de film, hacia algo más carnal, porque ya no soy un joven adolescente, ya soy mayor. Soy un full time papi (risas) En el vídeo de ‘Mil y unas noches’ ya mostrábamos esos cuerpos desnudos, pero sin pasarnos de la línea: estaban delimitados por una inocencia. En ‘Full time papi’ quería que el tratamiento de los cuerpos fuera más directo y desnudo. ‘Full time papi’ cuenta un descubrimiento sexual, de uno mismo, de los gustos de uno, de cómo uno se siente en los roles del amor. En el vídeo, la lucha en el barro representa la lucha interna que cada uno tiene consigo mismo, esa lucha por romper la barrera hacia lo que a uno le gustaría experimentar para sentirse cómodo.
«‘Full time papi’ es un descubrimiento sexual: el vídeo habla de romper la barrera hacia lo que a uno le gustaría experimentar para sentirse cómodo»
¿Cuál es tu canción favorita del disco de Troye Sivan?
‘Still Got It’.
Me acordé de esa canción escuchando ‘Full time papi’, por el órgano.
Sí, me encantan esa y ‘One of Your Girls‘. Me encanta todo el disco.
¿Cómo fue el proceso de componer ‘In My Room’ junto a Troye Sivan?
La noche que Troye y yo nos conocimos salimos de fiesta y conectamos súper rápido. Él por redes ya me había likeado alguna cosa, empezamos a hablar y, a los dos días de conocernos, yo estaba de gira con ‘La cantera’ y me escribió Troye por Instagram para decirme que tengo una «voz muy bonita». Había estado escuchando mi música. Entonces, me propuso participar en su disco, que en ese momento lo estaba acabando de grabar en Londres. Viajé de Valencia a Londres y me planté en el estudio a las cuatro de la mañana. A mí me cuesta mucho salir un día del estudio con una canción, le doy muchas vueltas, soy de que repose, de verla en otro contexto y descubrir que sigue teniendo sentido. Cuando llegué al estudio, estaba Oscar Görres (el productor de Troye Sivan) con Troye y, en tres horas, tenía ya mi parte escrita en español.
¿Cómo ves a Troye en el estudio? ¿Le ves más líder o más abierto a aportaciones externas?
A Troye le veo de ambas maneras. Esa es la energía que hay que tener en el estudio porque, si no, para eso, te quedas tú solo. Troye fue súper generoso, me preguntó si me apetecía hacer algo especial. Yo no quería hacer una balada, con él quería hacer algo divertido y enérgico, diferente a lo que solía hacer. Al menos, quería probar. Escribí la letra y se la tuve que traducir entera al inglés para que la entendiese (ríe)
¿Cómo le traduces «fina peletería» a Troye Sivan?
(me enseña las notas de su móvil) «Cold skin is like fine peltry». Troye trabaja con Leland, su letrista. A Leland le pasé mi letra en español, y Troye y él terminaron la letra de ‘In My Room’ juntos en Estados Unidos.
¿Cómo negocias la composición de letras con otras personas? Tus letras son poéticas pero nada abstractas, en realidad son fáciles de entender. No parecen pretenciosas.
Es la primera vez que me he juntado con gente para componer. Antes sentía la necesidad de contar algo muy íntimo, pero en este segundo disco he requerido el input de otras personas. He trabajado con pablopablo, Teo Planell y TRISTÁN!, artistas que me gustan y que me transmiten una aura con la que me siento identificado.
¿Tus productores te dicen fácilmente lo que ven mal, igual que te dicen fácilmente lo que ven bien?
Es que depende mucho de que tú mismo te lo creas. Si vas seguro con algo, el resto de gente lo va a recibir así, y si vas con dudas, lo mismo. En estos procesos de composición, yo me exijo mucho, nunca me mola nada; pero cuando me sale una frase que me gusta, ya salgo satisfecho del estudio.
Te gusta dejar los temas reposar. ¿Eres de reciclar ideas viejas?
Yo no borro ninguna idea musical, mis notas son un vertedero, no tiro nada a la basura. Hay que guardarlo todo. Esta mañana escuchaba una melodía que grabé en diciembre de 2023 que había desechado, y me ha sonado genial. Yo compongo a base de reciclar, escribo una letra, la guardo y más adelante la recupero para meterla en una canción diferente.
Pocas personas más risueñas que Valeria Castro he topado en la industria musical. Entusiasmada con su trabajo, meticulosa con lo que dice y humilde, tiene poco que ver con la persona doliente que a veces encontramos en sus canciones. Valeria Castro no es ni remotamente la cantautora más de «abrirse las venas» que me puede venir a la cabeza, pero es verdad que su segundo álbum, ‘el cuerpo después de todo‘, nuestro Disco de la Semana, habla de desamor, para empezar con una misma, y de alguna que otra relación tóxica. Ella misma nos lo explica.
¿Cómo presentarías este disco?
Es una radiografía de vivencias personales, de cómo afectan al cuerpo. El cuerpo está en el centro de prácticamente todas las canciones, refiriéndose a lo físico, lo que ves, con lo que luchas, lo que somatiza por dentro… Me pareció que podría ser terapéutico plasmar todo lo que me ha ocurrido, que ha sido muy bonito, pero también me ha abrumado y me ha generado toda esta ansiedad. Cómo me miro a mí misma frente al espejo es un tema que llevaba tiempo queriendo sacar, esa enemistad propia creo que le ocupa a muchísima gente. Me he sentido valiente al ponerla en palabras de una manera tierna o más melodiosa. Me estoy sintiendo como que estoy en terapia en cada entrevista que hago, te lo juro (risas)
Esa mirada al «cuerpo», en ‘Tiene que ser más fácil’ es al cuerpo físico de verdad, no es una metáfora como otras veces. Hablas de no estar a gusto con tu cuerpo, ¿cierto?
Totalmente, sí. Al final, yo soy mujer, de repente me he visto más expuesta públicamente, y eso afila ese sentimiento de la mirada ajena. Desde pequeña lo he sentido. El bombardeo de imágenes, del algoritmo y todas estas redes sociales llevan a que te compares mucho y me he visto muchas veces buscando en el espejo un cariño propio que no he encontrado. Este single era: «Voy a reconocer frente a la gente que hay veces que no me siento a gusto con mi cuerpo». De cara a «si lo asumo, quizás ahí empiezo a ganarlo», porque es algo que yo creo que también tenemos muy aprendido. Yo hablo desde el prisma femenino. Hay mucha lucha, lo veo con mis amigas, mis familiares: siempre hay algo de enemistad con el cuerpo físico. Muchas veces intentamos taparlo para no asumir esa lucha que traemos, pero de repente tienes que sacarte fotos, tienes que poner tu imagen en un escenario y no siempre has sido muy amable contigo misma.
«Me he visto muchas veces buscando en el espejo un cariño propio que no he encontrado»
Yo entiendo perfectamente tu discurso como mujer. Aunque también pasa a los hombres. A mí en Instagram solo me salen hombres que tienen 10 años menos, mucho más guapos, todos de gimnasio. Esto genera una frustración, de la que llevamos hablando como 5 años. De cuerpos no normativos, de quererse uno mismo, pero parece como que no avanzamos, ¿qué podemos hacer? ¿Qué tiene que pasar para que nos dejemos de sentir mal con nuestro cuerpo?
No tengo ni la menor idea y creo que esta canción también parte de ahí, ese mantra: «tiene que ser más fácil el quererse, no puede el cuerpo ser tan cruel al verse». Tiene que ser más fácil, pero no tengo ni idea de cómo se hace. Tenemos que ser conscientes de que es así. Yo lo enuncio, pero no sé la solución. Quizás enunciando el problema y no pidiendo la solución siempre a gritos, se pueda a lo mejor, asumir esa vulnerabilidad. Pero yo no tengo la solución. Quizás quien tenga el control del bombardeo de imágenes… o yo qué sé, quién sabe.
¿Tú crees que puede haber una estampida de las redes sociales, gente marchándose masivamente? Yo sueño un poco con ese momento. Estando yo enganchado. Pero me fascinaría.
Creo que sería muy bonito, la verdad. Y probablemente la solución a todo esto que decíamos podría pasar por ahí, porque yo reconozco que mucha de esta información mental que te va ocupando la cabeza viene de lo que estás viendo todo el rato en el móvil. Además, nos dedicamos a un trabajo que es publicar en redes sociales todo el rato. Creo que va a ser muy complicado, pero yo también sueño con esa otra realidad. Ojalá ocurra en algún momento.
«Llegué a los Latin Grammys y me sentí, evidentemente, pez fuerísima del agua»
Antes has hecho referencia a lo abrumada que te has sentido a veces estos dos años. ¿Cuál ha sido el momento en el que has estado peor, que te has visto más superada.
Lo tengo clarísimo y no lo he contado mucho, pero hubo un momento que me vi muy superada: fue en los primeros Latin Grammy a los que fui, que estuve nominada. Llegué allí y me sentí, evidentemente, pez fuerísima del agua. Digo: «¿qué hago yo aquí? No tengo ni idea». A los dos días me iba a hacer mi primera gira por Latinoamérica y se me fue completamente la voz. Fue una afonía completamente psicológica que venía de «no puedo con todo, tengo una cultura de cosas más pequeñas y estas cosas me están superando». Luego fui capaz de salir de ahí y de tirar para adelante, y fue una gira maravillosa, pero es verdad que fue una evidencia muy clara de cómo la presión laboral que yo misma me estaba poniendo se me somatizaba en el cuerpo de una manera que no había sentido nunca.
¿Cómo te curaste?
Una foniatra me ayudó. Yo uso mucho como el ácido hialurónico como limpiador nasal, si quieres entrar en temas médicos (risas) Ahora estoy con una profesora de canto que me ayuda mucho en ese sentido porque analiza mucho cómo a los artistas nos afecta a la garganta lo psicológico.
Adivino que el tema que te agobiaba en los Latin Grammys no era ganar…
Lo tenía claro… Era tener que estar en todos los sitios todo el rato, tener que estar a la altura. A mí eso me ha agobiado siempre mucho, tener que estar a la altura de unas circunstancias que normalmente te pones tú misma, porque luego no vas a un sitio y la vida no se para: todo el mundo sigue viviendo y no se acaba tu carrera tampoco. Pero es verdad que te pones unas presiones de querer conseguirlo todo. No tenía nada que ver con el premio porque eso ya es otra movida. Yo ya sé que los premios no dependen de ti. No aspiro a nada más que a disfrutar siempre.
Has tenido muchas colaboraciones y nominaciones a premios. ¿Qué te ha hecho crecer más? ¿Cuál es el punto de inflexión en estos dos años?
No me gusta pensar que hay clics que activen algo en tu carrera o tu vida. Hay demasiado esfuerzo, demasiados equipos que te apoyan, que ponen mucho de su parte para que las cosas sucedan, como para poner la justificación en un sitio solo. Pero si hablamos de lo personal, yo creo que una de las cosas que más me cambió el chip estos dos años, sobre todo a la hora de colocar prioridades, fue la gira de Latinoamérica. Como empecé tan abajo, con una afonía… Ver el público al otro lado del charco me cambió mucho. Me di cuenta de que algo podía ocurrir, tan lejos de mi tierra y de mi familia. Eso me cambió para asumir todo lo que viniese desde otro prisma, más que las colaboraciones con compañeros. Han sido siempre momentos preciosos de compartir, pero intento no ver en ellos el clic de mi carrera.
¿Alguna de las personas con las que has colaborado te ha dado algún consejo que te haya servido para mantener los pies en la tierra?
Los pies a la tierra me los ata mi madre (risas) Sí recuerdo que fue bonito compartir algo con Julieta Venegas. Yo creo que ya hay poco consejo que te pueda dar la gente, pero precisamente Julieta tiene una hermana gemela como yo. Cuando coincidí, le dije: «Julieta, necesito preguntarte cómo llevas tú el tener una hermana gemela y ser una artista». Porque es algo que a mí personalmente sí me ha preocupado siempre, porque no quiero que mi hermana se sienta mal. Hablé con ella y compartimos esa experiencia de tener una hermana que no se dedica a esto exactamente, que es igual a ti y que a lo mejor le puede generar algún problema en el futuro. Fue muy bonito que alguien me aconsejara cómo abordar esa situación tan personal que nos unía a las dos.
Volviendo al disco, hay algo de amor tóxico también, de dejar un amor tóxico atrás, en ‘Devota’, por ejemplo.
Sí que trae la identificación de la toxicidad de una relación pasada. Identificas lo tóxico cuando ya ha pasado, pero también es bonito plasmarlo en una canción y dejarlo como aprendizaje. Hay una frase que a mí me gusta mucho, y me gusta repetírmela: «son las mías, no tus manos las que necesito». Repetirme a mí misma que soy dueña del cuerpo que habito, también es algo que me importa de cara al futuro, de cara a otras vivencias que pueda tener, que eso no se me olvide, porque en algún momento puede que no me haya sentido tan dueña de las circunstancias. Todo son vivencias, pero también una exagera en las canciones…
Hay una canción que me ha parecido súper triste, ‘Honestamente’, que de repente te pasas media canción diciendo «Que te vaya bonito, yo esta historia no la repito»…
‘Honestamente’ trae también un poco de ironía, no viene con el espíritu de Paquita la del Barrio. Viene de verdad como una cosa casi de indiferencia y hasta cierto cariño.
Te quería preguntar sobre todo por la frase al final de «al verte quizá piense diferente», porque es una derrota. Al final es como que no has dejado la relación atrás. «Al verte, a lo mejor, vuelvo a caer». ¡Eso es muy triste!
¡No me digas eso, Sebas! ¡No, no, ya no caigo, no te preocupes! ¡No voy a caer!
Eso, eso… Queda grabado aquí.
Este disco está un poquito lleno de pequeñas contradicciones, permisos que uno se tiene que dar al vivir. Esto no justifica volver a caer en una relación, sino un permiso a sentir algo por esa persona o lo que fuera. Pero justo ‘Honestamente’ está hecha desde un punto como muy naif, de paz mental. Cuando la escribí no tenía ni rabia ni tristeza ni dolor, simplemente quería dejar escrita una realidad que ocurrió, pero que no veo que me vaya a hacer más infeliz a mí.
¿Y ahora qué tal estás?
Estoy muy bien, Sebas, muchas gracias por preguntarlo. La verdad es que está siendo muy bonito todo este proceso de hablar del disco. Así voy desgranando yo misma mis propios pensamientos y eso a mi psicóloga le viene muy bien: no se lo cuento a ella, se lo cuento a periodistas, así nos ahorramos alguna sesión (risas)
Tengo la teoría de que le aburro a mi psicólogo, pero me da igual, para eso le pago.
Imagínate, yo digo: “o le aburro o está divertidísima conmigo”, no lo sé. Una vez me dijo que era graciosa, eso me gustó, dije: “Qué bien, oye…” Sacar un disco siempre te coloca en un punto muy ilusionante. Pero es verdad que este disco es muy intimista y de un proceso vital que he vivido y siento que es posible que todavía esté en proceso de muchas cosas. Esta visión de mí misma distorsionada todavía la tengo que seguir cuidando. Estos círculos que tengo que crear para que cuando yo no pueda soportarme, haya gente que lo soporte. Y al amor romántico le he puesto unos límites, espero poder cumplirlos. Pero bueno, estoy contenta de situarme en un punto psicológicamente estable, que ya es suficiente y bastante loable, la verdad.
«Al amor romántico le he puesto unos límites, espero poder cumplirlos»
En ‘Devota’, ya hablando de la música estrictamente, me gusta mucho la producción que tiene, cómo empieza el disco, primero de una manera, luego de otra… tiene un viajecito, unas percusiones que no te esperas.
Estoy muy orgullosa de todo, la verdad, porque ha sido un proceso muy interesante y muy bonito junto a Campi Campón, productor del disco. Me propuso hacer las canciones primero tocándolas en directo con un grupo de gente y luego ya viendo qué sacábamos de ahí para la producción. No empezar frente al ordenador y luego ir llamando músicos a que añadieran capas. Queríamos ver cómo se vivían en directo las canciones. Y justo ‘Devota’ transitó por muchos espacios porque esta canción nació del ritmo gallego de panaderas. Que no quedó así, porque la grabamos así y dijimos: “Igual esto queda muy bien para el visual, pero en el disco no tanto”. Pero sí que había un arraigo folclórico que me hace mucha ilusión que haya nacido desde ahí.
El productor tenía claro que tenía que abrir el disco, por esa frase de “no sé por qué empezar primero” y ya te cuenta todo lo que va a venir: un viaje de 11 canciones. Fue muy bonito ver cómo pudo transitar muchos espacios esta canción.
¿Es la producción de que estás más orgullosa?
La canción de la que más orgullosa me siento en producción, probablemente sea ‘el cuerpo después de todo’, que es la que da nombre al disco, porque también ha salido de esa sesión de músicos, todos tocando en directo a ver qué salía. De repente, vino Amaia Miranda, guitarrista maravillosa. Tiene un proyecto precioso, y de repente cogió la guitarra eléctrica. Yo no había visto nunca en una canción mía una guitarra eléctrica (risas). Y de repente vi cómo cabía esa sonoridad porque le aportaba el color que estábamos buscando, a una letra que ya venía con ese paisaje crudo y oscuro de por sí. Me siento muy orgullosa también porque en esa sesión, en la última tocata, yo me eché a llorar y dije: «Vale, tiene que ser por aquí, ¿no? Si yo me acabo de echar a llorar con lo que acaba de pasar en esta sala, es que es por aquí el camino”.
Luego yo soy tan cateta que, en cuanto oigo un oboe o un clarinete siempre pienso en banda sonora. ¿Te han influido las bandas sonoras que has hecho para este álbum?
Es verdad que en este disco se ven esos vientos que nunca había incluido, salvo en ‘La corriente’ un pequeño clarinete. En las reuniones que hacíamos Campi y yo para ponernos músicas y saber por dónde queríamos que fuera el disco, me di cuenta de que quería innovar un poquito poniendo eso, lo que no había puesto nunca, vientos. Puede tener algo de bandas sonoras, porque trabajamos en Ciudad de México y el saxofonista y el clarinetista, Dan Zlotnik, ha trabajado con Iñárritu y Cuarón, y puede tener ese tinte. Pero si tenemos que elegir una inspiración en vientos, venía también por Sufjan Stevens, que me lo enseñó Campi y dije: “Bueno, yo quiero hacer esto, por favor, en mi vida”.
Por esto decías que el disco era como muy mexicano, ¿no? ‘Sentimentalmente’ es como muy latina, aunque no sé si de México…
El ADN mexicano venía de que se grabó entre Ciudad de México y Madrid y en la Ciudad de México estuve con músicos mexicanos que le dieron esos tintes, no tanto a lo mejor el sonido mexicano, pero sí cierta presencia. En ‘debe ser’, con Silvia Pérez Cruz, sí que hay un aire mariachi al final que me trajeron ellos y yo orgullosísima de que lo hayan traído. ‘sentimentalmente’ es verdad que no era tanto mexicana, también teníamos algún venezolano en la sala, y es una cumbia.
«Me parece bonito poner en valor la escritura e interpretación de una sola persona»
Te quiero preguntar por la palabra cantautor y cantautora, como que ya nadie la usa…
Parece que la etiqueta de cantautor se quedó como en el 2010 o así.
Por lo menos hay chicas, tipo María Yfeu, que me recuerda a ti.
Maravillosa…
¿Pero hay chicos cantautores ahora mismo?
Le quitamos el hueco las cantautoras ahora (risas) Yo estoy bastante en paz con la palabra cantautora, la verdad, porque también por ejemplo, el género… Dime tú qué es indie ahora…
Eso ni lo pregunto.
De repente se expandió por el mundo y nadie supo que era el indie. Pero bueno, una cantautora es aquella que escribe y compone sus canciones. Entonces, yo me siento orgullosamente cantautora. Estas canciones están escritas por mí misma, salvo una que está coescrita con unos detalles de otros compañeros. Me parece bonito poner en valor la escritura e interpretación de una sola persona. Tampoco nos debemos a los géneros: que se deban los géneros a las canciones.
Una de las conclusiones del disco es cuando, casi al final, dices: «Aprendí que sí hay quien me valore». Esto es como el desenlace feliz antes de afrontar la campaña, ¿no?
Totalmente. Aprender que el amor no solo puede ser romántico, sino lo que tienes alrededor, las redes que te soportan: familia, amigos o lo que tú creas.
¿Te da un poco de vértigo este par de años que vienen ahora presentando el disco o tienes ganas?
Tengo muchas ganas, porque además traemos un formato de banda que me parece alucinante y me emociona mucho cómo está sonando todo. Solo tengo ganas de poder presentarlo y ver qué ocurre con este disco. En el directo es donde las canciones cogen más peso, más vida y eso me emociona muchísimo, la verdad.
Mariah Carey ha ganado una demanda por 20 millones de dólares interpuesta en 2023 por los cantantes Vince Vance y Troy Powers, que aseguraban que ‘All I Want For Christmas Is You’, el villancico más famoso de la historia, es una copia de una canción suya de 1989 que tiene el mismo nombre.
Aunque las canciones solo se parecen en la temática navideña, Vance aseguraba que se trataba de un plagio. Sin embargo, su propuesta fue rechazada el pasado miércoles en un jurado de California, asegurando que las dos canciones son «diferentes» pese a compartir «clichés habituales de las canciones navideñas».
La jugada le va a salir al revés a Vance, ya que la magistrada Mónica Ramírez Almadani también considera que Vance no ha cumplido con su parte correctamente, por lo que ha impuesto una serie de sanciones para cubrir parte o la totalidad de los honorarios de los abogados de Carey. La principal razón es la de «incurrir en gastos innecesarios respondiendo a argumentos jurídicos frívolos y alegaciones de hecho sin fundamento».
La demanda fue presentada hace tres años y no es la única que Vince Vance ha presentado contra Mariah Carey. En junio de 2022, ya había interpuesto otra contra la diva y su coautor, Walter Afanasieff, que fue desestimada cinco meses después.
Miley Cyrus shares new trailer for her upcoming album, ‘Something Beautiful.’ 
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