Paul McCartney ha anunciado el lanzamiento de su 19º disco en solitario, que recibirá el título de ‘The Boys of Dungeon Lane’ y se podrá escuchar a partir del 29 de mayo. El título es una referencia a los orígenes de McCartney en Liverpool y surge de la letra de ‘Days We Left Behind’, el primer avance del álbum.
«Dungeon Lane» es el nombre de una calle en Liverpool, muy próxima a Forthlin Road, en el suburbio de Speke, donde McCartney pasó su infancia y adolescencia, antes de formar los Beatles.
«Esta es, en gran medida, una canción sobre los recuerdos», cuenta el artista sobre ‘Days We Left Behind’. «Estaba pensando justamente en eso, en los días que dejé atrás, y a menudo me pregunto si simplemente estoy escribiendo sobre el pasado, pero entonces pienso: ¿cómo puedes escribir sobre otra cosa?»
McCartney recuerda los tiempos en que tocaba «guitarras baratas» y observaba volar a las «alondras», en esta balada de ecos folk, escrita sobre guitarra acústica, piano, banjo y cuerdas, y que transmite un tono nostálgico y sentimental. En el estribillo, McCartney canta sobre la fortaleza de los recuerdos: «Nada puede borrar los días que dejamos atrás».
‘The Boys of Dungeon Lane’ es un disco co-producido por Andrew Watt y se compone de 14 cortes. ‘Days We Left Behind’ irá tercero en la secuencia:
“As You Lie There”
“Lost Horizon”
“Days We Left Behind”
“Ripples in a Pond”
“Mountain Top”
“Down South”
“We Two”
“Come Inside”
“Never Know”
“Home to Us”
“Life Can Be Hard”
“First Star of the Night”
“Salesman Saint”
“Momma Gets By”
Chappell Roan ha estado esta semana en el centro de una absurda polémica después de ser acusada de haber tratado mal a una niña que era fan de la artista. La niña ha resultado ser Ada Law, hija de Jude Law e hijastra del jugador de fútbol Jorginho, quien acudía a Instagram para señalar a Roan por su supuesto mal trato a sus fans, durante su estancia en un hotel de Brasil. Los memes representando el supuesto odio de Roan a los niños no han parado de sucederse.
Jorginho acudía a Instagram muy enfadado, para acusar a Roan de haber mandado a su guardaespaldas a intimidar a la niña y a su madre para que no se acercaran a ella mientras desayunaba en la terraza del hotel.
Roan compartió poco después su versión de los hechos, desmintiendo que el guardaespaldas que había actuado formara parte de su equipo, incluso señalando que en ningún momento fue testigo de lo ocurrido. La madre de la niña afectada, Catherine Harding, expareja de Jude Law, ponía en duda su declaración, aclarando que el guardaespaldas tampoco estaba contratado por el hotel.
Finalmente, el guardaespaldas se ha pronunciado. Pascal Duvier, de 53 años, ha confirmado que se encontraba en el hotel supervisando a otro artista, y Daily Mail ha corroborado que Duvier es guardaespaldas de Sabrina Carpenter, quien, al igual que Roan, acaba de actuar en Lollapalooza Brasil.
«Asumo plena responsabilidad de lo ocurrido el 21 de marzo», ha escrito Duvier, confirmando que no forma parte del equipo de Chappell Roan y que las acciones que tomó no fueron en su nombre ni en el de su equipo. Señala que actuó «en base a una información proporcionada por el hotel, en situaciones que había presenciado dentro del hotel en días anteriores y en el elevado riesgo de seguridad del lugar en el que nos hospedábamos».
Sin embargo, Duvier niega que actuara de forma agresiva o intimidatoria con la niña y su madre: «Mi única interacción con la madre fue calmada y con buenas intenciones, y es lamentable lo que ha pasado tras este encuentro». Duvier afirma que las acusaciones que se están vertiendo contra él «constituyen difamación».
Entre las nuevas estrellas del pop hiperconectado destaca Underscores, a la que conocerás por sus colaboraciones con Oklou o Yaeji. Su debut de 2021 ‘Fishmonger’ se viralizó en Estados Unidos durante la pandemia, y su estilo musical está definido por el eclecticismo propio de la era chronically online, recorriendo estilos como el dubstep, el pop-punk, el hyperpop y el rock alternativo casi sin filtros.
Nacida en 2000, Harper Gray se dio a conocer publicando producciones de dubstep a los 13 años, y la influencia de Skrillex se percibe en su música actual, también en este tercer disco que da varios pasos adelante en cuanto a técnica pop. Parece mentira que este disco esté hecho por una artista independiente, ya que suena como el disco de una pop star producido por esa misma pop star.
‘U’ es uno de los mejores tipos de disco de pop: accesible, directo, compacto y rebosante de ideas. Condensando una variedad de estilos pertenecientes al pop de los 2010s, como el EDM, el pop al estilo Kesha, el brostep, pero también el hyperpop, el R&B de los 2000 y la música dance, ‘U’ procesa todos estos sonidos a través de un enfoque hipersensorial de la producción y de una precisión láser en melodías y composición. Harper Gray ha aprendido de los grandes, y se nota.
Temas como ‘Music‘ evocan esa influencia brostep, solo que este sonido nunca ha sonado tan digerible, porque Underscores lo fusiona con una sensibilidad bubblegum y future bass en producciones y ganchos. ‘Tell Me (U Want It)’, el banger introductorio, condensa este concepto musical en un tema ligero que utiliza guitarras percusivas, al estilo de los dos primeros discos de Justin Timberlake. Allí destaca sobre todo el single ‘Do It‘, un pop hipertexturizado que remite también a Britney Spears. Pero Underscores no se queda corta melódicamente, sino que entrega singles tremendamente definidos y precisos, mientras en ‘U’ la experimentación la lleva hacia otros lugares igual de interesantes.
En ese sentido destaca la pieza central, ‘The Piece’, basada en un loop de armonías vocales vocoderizadas que conforman un gancho infalible, mientras la canción se enreda y desenreda instrumentalmente de diversas maneras. Aquí la influencia de Imogen Heap es evidente, pero Underscores hace honor a la autora de ‘Hide & Seek’ proponiendo su versión maximalista y 3D de su sonido. Underscores publicó en 2024 una versión de ‘Hemlock‘ fusionada con Skrillex, que claramente nos señalaba hacia el sonido de este disco.
En esta media hora de música, Underscores va a por todas jugando todas sus cartas, en producciones ambiciosas a la par que accesibles, como ‘Hollywood Forever’, que contiene referencias al robopop y al EDM-pop de los 2010s, pero también al jersey club y al bubblegum bass, ofreciendo una progresión musical que impresiona. ‘Innuendo (I Get U)’ es como una versión aumentada de Aaliyah, pasando de los puñetazos de sintetizador a un drop dance con total gracia y control.
Se habla mucho estos días sobre el concepto de canción mutante, donde un tema pasa de un estilo a otro de forma abrupta y, en ocasiones, demasiado forzada. Underscores no tiene este problema: no sé si gracias a su talento natural o a su profundo análisis de la producción pop, canciones como ‘Lovefield’ pueden pasar del hyperpop refinado al subidón dance con gracia, naturalidad y sentido. Su música suena hiperprocesada porque se nutre de mil fuentes, pero el resultado final exhibe un enfoque absoluto.
Hay temas menos maximalistas, como ‘Bodyfeeling’, y quizá los singles destacan demasiado, pero Underscores mola cuando se convierte en una esponja de estilos y cuando se pone ambiciosa, y ahí, hasta el cierre de ‘Wish U Well’, le sale bien. Convertida en una stalker de su ex porque no quiere superar su ruptura, Harper Gray demuestra que se le da igual de bien mezclar EDM, brostep y pop de los 2000 que escribir melodías memorables con progresiones emocionantes.
The Sophs no tienen ningún miedo de dar rienda suelta a sus pensamientos intrusivos. O inquietudes artísticas. El sexteto estadounidense (Ethan Ramon, Sam Yuh, Austin Parker, Seth Smades, Devin Russ y Cole Bobbitt) prueba de todo en su álbum debut, ‘GOLDSTAR’, desde pop punk y rock hasta bluegrass y vodevil, con acordeón y todo. ¿Por qué no?
La historia de The Sophs no comienza con la formación de la banda en Los Ángeles, sino en el instituto de Arizona en el que se conocieron Ethan y Sam. Después de tratar de buscarse un hueco en la salvaje escena californiana, la suerte llegó con un elaboradísimo email que Rough Trade Records no pudo ignorar. Al día siguiente, ya estaban firmados.
En las vísperas de su primera gira, que les llevará por Norteamérica y Europa, coincidiendo con el Primavera Sound de Barcelona, nos juntamos a charlar con Ethan Ramon y Sam Yuh. Hablamos sobre la búsqueda inútil de la originalidad, los pensamientos negativos, la gestión de un sexteto y conseguir un sello a la antigua usanza.
¿Qué te lleva a escribir una canción titulada ‘THE DOG DIES IN THE END’?
Ethan: Llegas a casa y ves a alguien paseando a su perro y piensas: ¿Sabes qué? Puede que esté en el escalón más bajo de la sociedad, pero podría ir ahora mismo y matar a ese perro si quisiera. Es una especie de intento inútil de agarrarte al control. Controlar lo que puedas por sentir que el resto de tu vida está fuera de control.
¿Por qué hay tantos pensamientos intrusivos en este disco?
E: Creo que quería coger una parte de mí mismo de la que no me sintiese necesariamente orgulloso, exagerarla y convertirla en un personaje. Al final, acabó siendo el narrador de la mayor parte del álbum.
Definitivamente, no es que sea muy buena persona.
E: No, no lo es, pero es una persona que vive dentro de todos o de casi todos nosotros. Eso creo yo.
Creo que la música es la mejor manera de expresar esos pensamientos y evitar que se conviertan en algo realmente dañino.
E: Creo que es una especie de exorcismo. Pones esos pensamientos en una vía de escape como el arte o la música para que no te sobrepasen y no se conviertan en ti. Muchos de esos pensamientos intrusivos, esas partes de ti que te avergüenzan, son mucho más manejables cuando tienen un nombre, una cara y se pueden definir. Y una gran forma de definir pensamientos y sentimientos es convertirlos en música, al menos para mí.
Eso está en ‘DEATH IN THE FAMILY’, por ejemplo. El narrador es una especie de «attention seeker» en esa canción, ¿no?
E: Sí, totalmente. Creo que esa canción trata mucho sobre la vergüenza y la paranoia. Y creo que puedes llegar a obsesionarte mucho con cómo te perciben, y con la falta de control que conlleva ser percibido, porque no sabes qué pasa por la cabeza de nadie cuando te miran. Creo que sentir la necesidad de controlar eso provocando lástima en los demás es lo que puede llevar a alguien a esperar o incluso desear que le ocurra algo trágico a él o a alguien cercano. Al mismo tiempo, también sientes vergüenza por tener esos sentimientos, porque no es una forma agradable de sentirse y lo sabes.
«Si tus acciones tienen un efecto enormemente positivo en el mundo o en tu comunidad, quizá lo que pasa dentro de tu cabeza no sea tan importante»
¿Y ‘GOLDSTAR’?
E: ‘GOLDSTAR’ es como alguien que da un paso atrás y pregunta, o le grita al cielo: ‘¿Dónde está lo mío? He hecho todas estas buenas acciones. Me dijeron que el karma vuelve. ¿Dónde está mi buen karma?’. Es interesante porque plantea la pregunta: si tienes la idea de que vas a recibir una recompensa simplemente por estar vivo y ser bueno, ¿eso invalida tu bondad? Y la verdad es que no sé la respuesta, pero sí quería plantear esa pregunta.
Supongo que si haces el bien solo por recibir algo a cambio, tan bueno no será.
E: Eso creo. Aunque depende, porque si tus acciones tienen un efecto enormemente positivo en el mundo o en tu comunidad, quizá lo que pasa dentro de tu cabeza no sea tan importante. Pero depende de cada caso, así que no estoy seguro.
¿Qué tal la experiencia de hacer un álbum?
E: Nos encantó. La mayoría de estas canciones nos sentimos casi obligados a escribirlas en el plazo de unos tres meses. Así que fue algo muy, muy natural. El proceso se sintió muy orgánico. Teníamos un mensaje y un tema que queríamos transmitir, y como ese mensaje era tan claro y consistente, nos permitimos jugar con el sonido de todo, explorar un montón de géneros distintos, ponernos un montón de sombreros distintos… Fue una pasada.
Os he oído hablar de tomar cosas de otros artistas y de reciclar, en cierto modo, la música. ¿Cómo encaja eso en vuestro proceso?
E: Creo que acabas tomando prestados y apropiándote de estilos de otros músicos quieras o no. Siendo una banda de Los Ángeles, hemos visto a muchos otros artistas intentar esconder la mano y ser copias descaradas, o recrearse en la nostalgia de forma obscena y luego intentar ocultarlo y actuar como si no fuera eso lo que estaban haciendo. Toda la estrategia de marketing era: «Somos los nuevos Blink», y realmente jugaban muchísimo a eso. Yo quería responder a eso. Pensé: estamos en un entorno musical en el que casi nada de lo que escribas va a ser cien por cien original. ¿Qué pasas si juego con eso de verdad? ¿Y si lo hago de forma irónica, con todas las cartas sobre la mesa? Tanto es así, que hasta la portada de nuestro disco es una reproducción de un cuadro de Magritte titulado ‘Not to be reproduced’.
«Estamos en un entorno musical en el que casi nada de lo que escribas va a ser 100& original. Por eso, la portada de nuestro disco es una reproducción de un cuadro de Magritte titulado ‘Not to be reproduced'».
¿Creéis que, a estas alturas, ya no existe nada cien por cien original?
E: Cien por cien, probablemente no. Creo que la espontaneidad artística es… ni siquiera sé qué aspecto tendría o cómo sonaría, porque siento que para crear arte tienes que estar inspirado por algo. Tiene que haber una especie de punto de origen para que realmente quieras crear arte. Y no creo que haya ninguna vergüenza en eso.
Sam: De hecho, creo que reconocerlo te permite no esconderte de ello. También puedes perderte intentando no sonar como tal o cual artista. Especialmente porque nuestra cultura, como gente joven, está obsesionada con la nostalgia. O sea, la gran moda en Instagram ahora mismo es simplemente subir fotos tuyas de 2016. Eso se traslada a la música, a la moda… todo el mundo está intentando ser «los nuevos» de tal banda.
Para vosotros, ¿cuál fue esa chispa que os hizo querer hacer música?
E: Para mí fue Elliott Smith, porque la primera versión de The Sophs éramos solo Austin y yo, guitarra acústica y voz, y yo era una copia total de Elliott Smith en cuanto a la forma de cantar y de escribir letras. Y por suerte no saqué nada de eso, porque era bastante descarado, pero emularle me ayudó a desarrollar una voz propia.
«Ni siquiera sé que aspecto tendría o cómo sonaría la espontaneidad artística»
¿Cómo funciona una banda de seis personas?
E: Por suerte, todos empezamos siendo amigos y compañeros de copas antes de ser compañeros de banda. Y creo que eso fue enorme, porque no solo somos mejores amigos y nos queremos muchísimo, también confiamos unos en otros como profesionales, como músicos, como personas. Y por eso nunca te rebajarías a resentirte, discutir o ser mezquino con alguien a quien quieres y en quien confías, porque no tendría ningún sentido. Está ese entendimiento de que todo lo que hacemos lo hacemos por el bien de la canción, por el bien de la banda y para mejorar la banda. En el local todo fluye muy bien.
S: Creo que eso también se refuerza por el hecho de que, si hicieras una encuesta entre los seis sobre nuestra música favorita, lo que escuchamos y nuestras influencias, todo sería completamente diferente. Hay una confianza artística en el gusto de los demás, y cuando alguien se emociona mucho con algo o trae una idea que quiere poner sobre la mesa, todo el mundo se viene arriba enseguida y está listo para llevarla a cabo.
Da la sensación de que no tenéis ningún problema con todos los aportes creativos del grupo.
E: No, ningún problema en absoluto. Sinceramente, creo que todos somos lo bastante buenos músicos como para saber a qué suena una buena canción y saber cuándo tenemos una buena canción.
Vale, volvamos al principio, porque vuestra historia no es nada común. Tengo entendido que enviasteis unas demos a Rough Trade.
E: Sí, enviamos un email.
¿Las escucharon y os llamaron?
E: Sí, tal cual. Fue una locura. La música que estábamos haciendo se estaba volviendo demasiado buena como para no salir ahí fuera y que la escuchara la gente, pero yo quería representación porque ya no estaba simplemente haciendo esto desde mi dormitorio en la universidad. Tenía que tomármelo en serio. Junto con nuestro director creativo, Eric, al que conozco también desde el instituto, preparé un paquete con cinco demos que luego acabaron en el álbum; un manual de marca, que era básicamente una recopilación de todo, desde la tipografía que queríamos usar hasta la paleta de colores, estilismos y demás; fotos de prensa que nos hizo Eric y luego una especie de carta de presentación con un párrafo explicando quiénes somos, qué queríamos hacer, de dónde venimos, etc. Metí todo eso en un email y lo mandé como a treinta sellos independientes.
Al día siguiente, ya tuve noticias de Rough Trade y montamos un concierto juntos. Nunca habíamos tocado en directo, pero uno de los cofundadores estaba en la ciudad con Pulp unos diez días después de que yo enviara el correo. Así que improvisamos totalmente, conseguimos hueco en un cartel un viernes en un pub de Pasadena porque nuestro bajista pidió un favor al portero, nos encerramos en un local de ensayo, reunimos a unos cuarenta amigos cercanos y lo hicimos realidad.
Suena facilísimo.
E: Ha habido mucho… Los momentos más difíciles son los que paso sin hacer nada. Ya sabes, es conocido que la industria se toma un pequeño descanso en diciembre y enero. Esa fue probablemente la parte más difícil para mí, porque en cuanto tengo las manos quietas me empiezo a volver loco.
Esta manera de acabar fichados por un sello…
E: No, no es común. Creo que lo debería ser más, y creo que habla muy bien de Rough Trade y de la gente de allí, que simplemente son amantes genuinos de la música, pero es algo muy de la vieja escuela.
Para no haber tocado nunca en directo cuando os ficharon, ahora os espera una gira bastante grande.
E: Sí, vamos a estar girando durante la mayor parte del año. Ahora ya estamos bastante curtidos, y en realidad sí que habíamos tocado antes en directo con otras bandas cuando éramos más jóvenes.
¿Esperáis algo de todo esto? La vida en la carretera, por lo que me han contado, no es fácil.
S: No es fácil, pero por suerte todos somos músicos con algo de experiencia en mini giras, con distintas bandas. También hemos descubierto que girar entre nosotros es mucho más fácil que girar con otras bandas, porque nos llevamos mejor. Y todo el mundo ayuda. No hay ningún eslabón débil ni nada así.
Gelli Haha es la artista que está devolviendo los colorines al pop, como quedó claro con el sonido de su disco ‘Switcheroo‘ (2025) y en la estética de sus fantasiosos videoclips, hasta el punto de que Haha se ha inventado su propio universo, al que llama Gelliverso.
La artista, originaria de Idaho, se ha dado a conocer sobre todo con el single ‘Bounce House‘ y con una estética de surrealismo infantil y chicle, y eso es exactamente lo que ofrece en su nuevo single recién estrenado.
El sonido de ‘Klouds Will Carry Me to Sleep’ suena claramente evolucionado respecto al de ‘Switcheroo’, aunque el tema ha sido incluido a posteriori al final del disco, señalando que Haha todavía no pasa página de la era que enmarca su fantástico debut. De hecho, la razón del lanzamiento de «Klouds» es el inicio de la gira del álbum, que pasa por España en junio.
‘Klouds Will Carry Me to Sleep’ ofrece un viaje a medio camino entre el videojuego y una alucinación sensorial, imaginando cómo sonaría la new wave de los 80 en pleno siglo XXI. El componente festivo y ligero de su melodía y estribillo se complementa con una producción futurista, llena de arrebatos melódicos y rítmicos y atiborrada de texturas, con una sensación casi multidimensional.
‘Klouds Will Carry Me to Sleep’ se presenta con un videoclip dirigido por David Gutel que te hará pensar en la primera Sia y, sobre todo, en la Katy Perry de ‘Teenage Dream’ (2010), con una Gelli Haha conduciendo por las nubes.
‘Goo Goo Ga Ga’ es uno de los singles principales del nuevo disco de Ca7riel y Paco Amoroso. ¿Es una de sus mejores canciones o en verdad una de las peores? Os ofrecemos 2 opiniones dispares:
«La broma ha ido demasiado lejos. Que la colaboración de Sting con Ca7riel y Paco Amoroso empezase justo como ‘Roxanne’ tenía un pase, pero la presencia de Jack Black en ‘Goo Goo Ga Ga’ ya es demasiado. El estilo bossa y la temática funcionan perfectamente. Es divertido. ¿Hacía falta meter los molestos «ge ge goo goo ga ga» de Jack Black en la mezcla? ¿O ese final tan paródico con los «yo no sé, ¿qué pasó allí?» del actor, que no pintan nada? ‘EL DÍA DEL AMIGO’ era una frikada maravillosa a la que no le hacía falta ninguna tercera persona. En cambio, la sensación que da ‘Goo Goo Ga Ga’ es que Ca7riel y Paco se preguntaron qué podían hacer y dijeron sí a todo». Gabriel Carey.
«Nadie inventa nada nuevo. Todo ya está hecho, bebo». Con ese mantra arranca ‘FREE SPIRITS’, el nuevo disco de Ca7riel y Paco Amoroso, lo mejor del cual, valga la redundancia, es ese «espíritu libre» (amén de su humor onda «no soy Lady Gaga»). Cualquier cosa puede pasar en este disco, cualquier estilo puede aparecer incluso dentro de la misma canción. ‘Goo Goo Ga Ga’ es una de las más agradables sorpresas del álbum, con su inspiración en la bossa, el easy listening y las bandas sonoras de los 60. Mancini y Jobim son nombres que pueden venir a la mente escuchando esta deliciosa melodía que habla del amor, de la juventud que se va, de la volatilidad de la fama y del paso a la vida adulta. De «quiero ser tu bebé» a «quiero hacerte un bebé»». Sebas E. Alonso.
FKA Twigs ha presentado una nueva denuncia contra Shia LaBeouf, asegurando que el actor habría intentado silenciar su derecho a hablar públicamente sobre los supuestos abusos sexuales que experimentó la cantante durante su relación. El año pasado, Twigs abandonó la denuncia que llevaba activa desde diciembre de 2020 contra su expareja. Ahora, su equipo legal apunta a un «acuerdo de confidencialidad ilegal».
En un principio, la denuncia inicial de Twigs se retiró después de que ambas partes alcanzasen un acuerdo mutuo. Según los nuevos documentos legales, recogidos por Pitchfork, esto en realidad se hizo para evitar a LaBeouf un «juicio público e incómodo y potencialmente daños enormes por su conducta».
Ahora, el equipo legal de Twigs asegura que este acuerdo contenía un NDA que prohibía a la artista «no solo revelar información sobre su propia supervivencia de abuso y agresión sexual sino también hablar de los abusos de forma general y como un importante tema de interés público».
Todo empezó después de que Tahliah Barnett, nombre real de FKA Twigs, mencionase en una entrevista con The Hollywood Reporter el pasado diciembre que no se sentía «segura» tras la relación con LaBeouf. Fue entonces cuando esta recibió una demanda de arbitraje que sostenía que se había producido un incumplimiento del contrato.
Aunque esto fue desestimado al final, Barnett ahora ha llevado el asunto a los tribunales argumentando que las cláusulas del NDA forman parte de «los continuos esfuerzos» del actor por «silenciar» su palabra.
FKA Twigs no busca ninguna compensación económica: «Presenta esta acción para enmendar errores y también en nombre de otras mujeres que son víctimas de violencia doméstica y sexual que no tienen los recursos para denunciar y defenderse de depredadores», ha declarado su abogado.
Rosalía se ha visto obligada a cancelar el concierto correspondiente al ‘Lux Tour’ en Milán debido a una indisposición. Según han documentado sus seguidores en Setlist.fm, la cantante ha llegado a interpretar unas 11 canciones.
En un post de Instagram, Rosalía ha respondido a las muestras de cariño de sus seguidores, mostrándose entubada y tumbada en una camilla desde el interior de una ambulancia: «Estoy mejor. Gracias a todos los que estuvisteis allí por el amor y la comprensión».
La autora de ‘Lux‘ explica en un vídeo compartido en redes sociales: «He intentado hacer el show, me he forzado a mí misma a continuar pero tengo una intoxicación alimentaria y desde el principio me siento extremadamente mal. Estoy vomitando ahí detrás (…) Quería hacer el mejor show y seguir, pero tengo que parar. Me siento extremadamente enferma. De verdad, físicamente no puedo seguir. Tengo mucho dolor».
La próxima parada del ‘Lux Tour’ de Rosalía es España. Su gira llega a Madrid el próximo lunes 30 de marzo, tras haber hecho parada en Lyon, dos noches en París y una en Zurich. Le aguardan 4 fechas en Madrid, 2 en Lisboa y 4 en Barcelona, antes de continuar viajando por otros lugares de Europa, Norteamérica y América Latina. En principio la gira acaba el 3 de septiembre en Puerto Rico.
La XVIII edición de los Premios de la Música Independiente ha tenido lugar esta noche de miércoles en una gala celebrada por primera vez en el Gran Teatro de Córdoba y presentada por Tamara García y Masi Rodríguez. Carlos Ares y Valeria Castro partían como los favoritos, con 6 nominaciones cada uno, y han acabado siendo también los más premiados de la noche.
Carlos Ares ha sido reconocido con los galardones de Álbum del Año (‘La boca del lobo’), Mejor Álbum de Pop y Mejor directo, este último por su última intervención en la mítica Plaza del Trigo de Sonorama Ribera. Castro, por otro lado, también se llevó a casa tres estatuillas: Mejor Artista, Mejor Álbum de Música de Raíz (‘El cuerpo después de todo’) y Canción del Año (‘Tiene que ser más fácil’).
Quique González también ha sido uno de los artistas más premiados, llevándose el Premio MIN a Mejor Álbum de Rock (‘1973’) y Mejor Letra Original por ‘Terciopelo Azul’. Sanguijuelas del Guadiana han sido nombrados Mejor Artista Emergente y el Premio MERLIN a Mejor Artista Internacional se lo ha llevado Pulp. Ana Curra, integrante de Parálisis Permanente y referente de la movida madrileña, ha sido galardonada con el Premio de Honor Mario Pacheco.
Además, completan la lista de ganadores Rocío Márquez y Pedro Rojas Ogáyar (Mejor Álbum de Flamenco); Lia Kali (Mejor Videoclip); Juicy Bae (Mejor Grabación de Músicas Urbanas); GAZZI (Mejor Grabación de Electrónica); Júlia Colom (Mejor Álbum en Catalán); Merina Gris (Mejor Álbum en Euskera); De Ninghures (Mejor Álbum en Gallego); Baiuca e Izaro (Mejor Producción Musical); Rufus F. Firefly (Mejor Diseño Gráfico); Pablo Martín Caminero y David Carpio (Mejor Álbum de Jazz); y Concerto 1700 (Mejor Álbum de Clásica).
PREMIO ONERPM ÁLBUM DEL AÑO
«Brindis», de Cala Vento «La boca del lobo», de Carlos Ares – Ganador
«9:30 PM», de Queralt Lahoz
«201», de Repion
«El cuerpo después de todo», de Valeria Castro
PREMIO RADIO 3 CANCIÓN DEL AÑO
‘Días de perros’, de Carlos Ares
‘X’, de Repion
‘Canción de paz’, de Rufus T. Firefly
‘Revolá’, de Sanguijuelas del Guadiana ‘Tiene que ser más fácil’, de Valeria Castro – Ganador
PREMIO AIE MEJOR ARTISTA
Kiko Veneno
Repion
Rufus T. Firefly Valeria Castro – Ganador
Zahara
PREMIO MIN 2026 MEJOR ARTISTA EMERGENTE
Lia Kali
Carlos Ares Sanguijuelas del Guadiana – Ganador
Merina Gris
Queralt Lahoz
PREMIO MIN 2026 MEJOR VIDEOCLIP
Duelo por ‘Cómo será vivir en el campo’, de Depresión Sonora Ismael de la Trinidad por ‘Renacer’, de Lia Kali – Ganador
Fran Granada por ‘Full lace y el tuck’, de Samantha Hudson
Pablo Hoyos por ‘Revolá’, de Sanguijuelas del Guadiana
Irene Baqué por ‘Tiene que ser más fácil’, de Valeria Castro
PREMIO INGRESSE MEJOR DIRECTO Carlos Ares Sonorama Ribera Plaza del Trigo, de Carlos Ares – Ganador
Repion – 201 en el Teatro Barceló, de Repion
Gira con auriculares: Todas las cosas buenas, de Rufus T. Firefly
Verbena en vena, de Sanguijuelas del Guadiana
Gira Lento Ternura, de Zahara
PREMIO AGEDI MEJOR ÁLBUM DE POP
«Dime dónde estamos», de Vera Fauna
«Lento ternura», de Zahara «La boca del lobo», de Carlos Ares – Ganador
«Zuloa», de Merina Gris
«No sueltes lo efímero», de Pumuky
PREMIO MIN 2026 MEJOR ÁLBUM DE ROCK
«Los perros no entienden internet (…y yo no entiendo de sentimientos)», de Depresión Sonora
«III», de Grande Amore «1973», de Quique González – Ganador
«201», de Repion
«Todas las cosas buenas», de Rufus T. Firefly
PREMIO MIN 2026 MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA DE RAÍZ
«Ícaro», de Dulzaro
«La constancia», de El Nido «El cuerpo después de todo», de Valeria Castro – Ganador
«Judit Neddermann & Pau Figueres», de Judit Neddermann & Pau Figueres
«Robina», de La Maria
PREMIO FUNDACIÓN SGAE MEJOR ÁLBUM DE JAZZ
«El Trío», de Alex Conde
«Mutatis Mutandis», de EME EME Project
«Luces y sombras», de Ivan Melon Lewis
«Mestura», de María Toro «Al Cante», de Pablo Martín Caminero y David Carpio – Ganador
PREMIO MIN 2026 MEJOR ÁLBUM DE FLAMENCO
«Aventuremos la vida», de José de los Camarones
«Kiko Veneno en la Carbonería», de Kiko Veneno
«Pura vida», de Laura Vital «Himno Vertical», de Rocío Márquez y Pedro Rojas Ogáyar
«Calle Pureza» de Rubio de Pruna
PREMIO MIN 2026 MEJOR ÁLBUM DE CLÁSICA
«Spain on Fire», de Accademia del Piacere con Quiteria Muñoz
«Les chants des muses», de Anna Urpina «Gaetano Brunetti: String Quartets Op.3», de Concerto 1700 – Ganador
«Mozart & Schubert», de Josep Colom y Javier Laso
«Mozart: The horn concertos», de La Real Cámara con Javier Bonet y Emilio Moreno
PREMIO MIN 2026 MEJOR GRABACIÓN DE MÚSICAS URBANAS
«Totosaki», de Euskoprincess & Mattin «El Secreto», de Juicy Bae – Ganador
«Kaelis», de Lia Kali
«Miss Understood», de l0rna
«9:30 PM», de Queralt Lahoz
PREMIO MIN 2026 MEJOR GRABACIÓN DE ELECTRÓNICA
«Neu om», de Amanda Mur
«Xorieri», de Baiuca & Izaro con Oreka Tx
«Halo», de Bruma «2025», de GAZZI – Ganador
«Free baby» de Restinga
PREMIO MIN 2026 MEJOR ÁLBUM EN CATALÁN
«El primer cant del matí», de Alosa
«Vigília», de Anna Andreu
«Eril Eril Eril», de El Petit de Cal Eril «Paradís», de Júlia Colom – Ganador
«Katana», de Maria Hein
PREMIO MIN 2026 MEJOR ÁLBUM EN EUSKERA
«Kabakriba», de EZEZEZ «Zuloa», de Merina Gris – Ganador
«Miruenea», de Mirua
«Zerrautsa», de Olaia Iniziarte
«Lurra ikutu barik», de Ruper Ordorika
PREMIO MIN 2026 MEJOR ÁLBUM EN GALLEGO
«Lovismo», de A banda da loba «Feira», de De Ninghures – Ganador
«Alvela», de Faia Díaz Novo
«III», de Grande Amore
«Mestura», de María Toro
PREMIO MERLIN MEJOR ARTISTA INTERNACIONAL
Silvana Estrada
Hayley Williams
Perfume Genius Pulp – Ganador
Big Thief
PREMIO SAE MADRID MEJOR PRODUCCIÓN MUSICAL Alejandro Guillán por «Xorieri», de Baiuca & Izaro con Oreka Tx – Ganador
Carlos Ares por «La boca del lobo», de Carlos Ares
Sergio Salvi y Sandra Delaporte por «Rendición», de Delaporte
Jordi Matas por «Bakan (II)», de Gorka Urbizu
Carles Campi Campón por «El cuerpo después de todo»,
de Valeria Castro
PREMIO MARILIANS MEJOR DISEÑO GRÁFICO
Bandiz Studio por «Los perros no entienden Internet (…y yo no entiendo de sentimientos)», de Depresión Sonora Julia Martin-Maestro por «Todas las cosas buenas», de Rufus T. Firefly – Ganador
Raúl Rodríguez Orgaz y Jorge de Cruz por «El único ser sin talento»,
de Stivijoes
Emilio Lorente, Guillermo Guerrero y Zahara por «Lento ternura»,
de Zahara
Guillermo Arias por «Mañana y siempre», de Nadadora
PREMIO MIN 2026 MEJOR LETRA ORIGINAL
‘Todo me va bien’, de Albert Pla y Kase.O
‘Cómo será vivir en el campo’, de Depresión Sonora
‘Podría haber sido’, de La Bien Querida
‘Los asombros’, de Nacho Vegas ‘Terciopelo azul’, de Quique González – Ganador
PREMIO DEL PÚBLICO
‘Cartas’, de Cas de Rojas
‘Las palabras’, de Siloé
‘Oxitocina’, de Cepeda ‘Incendio’, de Brock Ansiolitiko – Ganador
‘Vinculos – Anj’hara’, de Olvido Lanza
El próximo sábado 11 de abril se ha programado una actuación de Alma X en el Tardeo de OchoyMedio de Madrid. El club se anota otra rareza tras haber programado recientemente el primer concierto en décadas de Meteosat.
El regreso de Alma X representará una de las pocas presentaciones que el dúo haya podido hacer de las canciones de su único disco. Cuando el sello Austrohúngaro publicó ‘Impacto’, el dúo formado por Carlos Santos (Also Starring) y Núria Blay (Pink Glove) ya estaba separado.
Pese a que Alma X hayan caído bastante en el olvido (a fecha de hoy tienen 360 oyentes mensuales en Spotify), ‘Impacto’ reunió una serie de himnos políticamente incorrectos que han resultado un precedente muy evidente de formaciones que luego han llenado salas y estadios, como Las Bistecs, Ojete Calor y Ladilla Rusa.
Es imposible adivinar la acogida que tendrían hoy temas como ‘Mata a tu novio’ o ‘Crimen en Levante’, que parece inspirada por los crímenes de Alcàsser. ¿Se viralizarían o el grupo sería cancelado antes de nacer? ‘Twin Power’ se burlaba de la caída de las Torres Gemelas, mientras ‘Sónar’ es probablemente la primera canción de la historia sobre el postureo. Hace 10 años le dedicábamos un artículo a ‘Impacto’ en plena fiebre Bistecs.
Los dj’s residentes pincharán también el mismo 11 de abril «himnos de Fischerspooner, Tok Tok vs Soffy O, Putilatex, Miss Kittin & The Hacker»… en uno de esos tardeos Flashback que está promoviendo la sala madrileña. Las entradas están a la venta.
Cada cierto tiempo me acuerdo de Stina Nordenstam y me pregunto dónde estará, qué habrá sido de ella. Una de las mal llamadas «Björks» escandinavas, la cantautora sueca se dio a conocer durante los 90 con una serie de discos que alternaban entre el folk cristalino, el grunge susurrado, el jazz-pop y el lo-fi, siendo ‘Little Star’ su canción insignia tras aparecer en una película de Hollywood de cierto director aficionado a los biopic. Durante el siglo XXI, Nordenstam lanzó apenas dos discos y, tras la publicación de su álbum de 2004, ‘The World is Saved’, se desvaneció de la vida pública.
En internet han persistido durante décadas rumores infundados sobre su vida, como una supuesta adicción y un grave accidente del que no se conocen detalles. Algunas imágenes promocionales de 2004 la mostraban con marcada delgadez y un tremendo moratón en un ojo, pero ninguno de estos rumores se ha confirmado. En 2013, Nordenstam reapareció para promocionar una exposición artística y, en 2014, reveló que había sido diagnosticada con autismo. Desde entonces, silencio. Este mes de marzo, ha cumplido 57 años.
Nordenstam ha pasado a formar parte de ese linaje de artistas «misteriosos», «reclusos» y «enigmáticos» -como Nick Drake o Karen Dalton- que han elegido volver al anonimato tras una larga trayectoria en la industria musical. Pero Nordenstam nunca será anónima mientras su preciosa música perviva, y últimamente figuras como Guitarricadelafuente, Mariang (de La Pija y la Quinqui) o la divulgadora musical Margeaux (@marg.mp3) la han difundido en redes, mientras alguna canción parece haberse viralizado, demostrando que sigue siendo descubierta. Hoy comentamos sus siete canciones esenciales.
Little Star
A la fuerza la canción más conocida de Stina Nordenstam por su inclusión en la película de 1996 ‘Romeo y Julieta’ de Baz Luhrmann, donde suena de fondo durante una memorable escena, ‘Little Star’ condena el estilo de cristalino folk de Nordenstam en una canción de marcados constrastes. Si bien melodías de guitarra acústica y trompeta nos llevan a un lugar reconfortante y melancólico, la letra describe en realidad una tragedia, la muerte de una misteriosa persona en un incendio. La sobrecogedora melodía final se compone de una oración en latín cantada por un coro masculino. Michel Gondy dirige su videoclip.
Under Your Command
Después de dos primeros discos marcados por una belleza frágil, el tercer disco de Nordenstam elige la crudeza de la guitarra eléctrica en plena era del grunge y PJ Harvey. ‘Dynamite’ ofrece una visión muy personal de ese sonido, resultando un claro precursor de artistas como Nilüfer Yanya. ‘Under Your Command’ es una introducción que parece dirigirse a la industria musical, retratada como una autoridad asfixiante. Entre guitarras distorsionadas y destellos electrónicos, Nordenstam aborda temas como la obediencia, la lealtad y el sacrificio, desde una evidente ironía: “¿Bajos tus órdenes, acaso no me tragué mi orgullo?”
Memories of a Color
Es imposible entender la carrera de Stina Nordenstam sin escuchar su debut de 1991, ‘Memories of a Color’. En septiembre de ese año, Nordenstam actúa en el Parlamento Sueco en conmemoración del «Año del Jazz», y ‘Memories of a Color’ es su disco con mayores influencias de esta música, ofreciendo una producción limpia y prístina típica de la época. La pista titular remite a Sade en sus ecos smooth-pop y jazz, mientras la letra narra una especie de viaje espiritual lleno de nostalgia y anhelo. Nordenstam parte en busca de algo, no sabe qué, y acaba enfrentada con su propio vacío. La balada ‘Soon After Christmas’ es otra pista esencial.
Everyone Else in the World
Tras su etapa en Warner Music, Nordenstam publica su primer disco independiente en 2001, ‘This Is Stina Nordenstam’. ‘Everyone Else in the World’ es el devastador retrato de un amor no correspondido, con una adolescente Tamsin Egerton (‘Secretos de familia’) protagonizando el videoclip: “Todo el mundo me ama desde el primer día, menos tú”. El álbum fue una vuelta a algo parecido al pop, muy representativa en el sonido de pop nórdico noir de este tema que parece rodar hacia el vacío, con loops de guitarra hipnóticos y percusiones etéreas. Brett Anderson, vocalista de Suede, canta en dos temas del disco.
I Dream of Jeanie (with the Light Brown Hair)
Esta es la canción de Nordenstam que, de manera insólita, parece haberse viralizado -sospechamos que TikTok ha podido tener algo que ver- ya que actualmente es su canción más escuchada en Spotify, acercándose a los 3 millones de reproducciones. Incluida en ‘People Are Strange’, uno de los discos de versiones más peculiares de la historia, “Jeanie” es una extraña a la par que adictiva adaptación indie-rock de una popular «parlor song» americana del siglo XIX. La desapegada actuación vocal de Stina, el crudo riff de guitarra y la melodía aflautada del estribillo contribuyen a construir un improbable «éxito».
Get On with Your Life
Nordenstam «siguió con su vida» tras la publicación de su disco ‘The World Is Saved’… ya que no ha lanzado otro en 22 años. ‘Get On with Your Life’ era su single estrella, aunque a la postre el tema ‘Parliament Square’ -que se lanzó como último single- acumula más escuchas. La historia de un cautiverio mental (“no me puedo sacar esta peli porno de la cabeza”), Nordenstam describe un «peso» que no le deja existir en paz. En contraste, la música suena ligera, aunando lo-fi, jazz, piano de estilo cabaret, pop y cuerdas en la canción más accesible de la última Stina, la última porque no hubo más.
So This Is Goodbye
‘And She Closed Her Eyes’ es nombrado en 2013 por la revista Sonic, el mejor disco sueco de la historia. El álbum que contiene ‘Little Star’ -segundo en la discografía de Stina- incluye también la preciosa ‘So This Is Goodbye’, una tierna canción de desamor que empieza acústica pero progresa lentamente hacia un sutil crescendo de texturas eléctricas. La voz de Nordenstam será siempre descrita como «frágil» y, con el tiempo, incluso calificada como precursora del ASMR, pero canciones como ‘So This Is Goodbye’ dan cuenta de su profundidad emocional. Una canción para recoger los pedazos de un corazón roto.
Han pasado seis años desde que Duffy revelara al mundo el motivo de su desaparición de la vida pública, cuando contó que años atrás había sido secuestrada, violada y drogada, además de trasladada a otro país. Desde entonces, la autora del fenómeno pop ‘Rockferry‘, uno de los discos más vendidos de 2008 en todo el mundo, ha llevado una vida alejada de los medios, pero ahora ha decidido dar un paso al frente y contar la pesadilla que vivió en un documental.
Disney+ UK estrenará la película bajo la dirección de la cineasta norirlandesa Gill Callan, con producción de Rare TV y Stellify, en la que Duffy contará por primera vez en primera persona la historia de su secuestro; será su primera aparición mediática desde 2015.
El documental, que se encuentra en proceso de producción, recorrerá la vida de Duffy, “desde su crianza en Gales, hasta su meteórico ascenso a la fama y su retiro de la vida pública tras su desgarradora experiencia”. Contará con entrevistas a Duffy, su familia, amigos y colegas de la industria, acompañadas de material de archivo.
“Esta película le dará a Duffy la oportunidad de contar su historia con sus propias palabras”, señala Sean Doyle, vicepresidente de contenidos en Disney+ UK. La directora Gill Callan ha agregado: “La vida de Duffy ha estado marcada por el éxito y la fama, pero también por el dolor, la rebeldía y un sentido de identidad inquebrantable. Me atrae la tensión entre la vulnerabilidad y la confianza en su historia, y cómo una persona puede verse profundamente afectada por sus experiencias y, aun así, encontrar una voz poderosa y expresiva que es inconfundiblemente suya».
El año pasado, Duffy se dejó ver brevemente en redes, para promocionar un remix de ‘Mercy’.
Dania Dévora, encargada de organizar el festival Womad en España durante tres décadas, ha fallecido hoy en Las Palmas de Gran Canaria a los 73 años. Durante su reconocida carrera, Dévora se ha encargado de la producción de festivales y de conciertos, de artistas tanto nacionales como internacionales. El Maspalomas Soul Festival era el último evento en el que estaba trabajando.
En España, el festival de música étnica Womad nació después de que el mismísimo Peter Gabriel encargase la expansión del formato a España. Dévora estuvo al frente de las dos sedes del festival, Cáceres y Las Palmas de Gran Canaria, desde principios de los 90 hasta 2023, momento en el que anunció su desvinculación para centrarse en otros proyectos.
Su productora D&D Company se ha encargado durante todos estos años de buena parte de la oferta musical de las islas, desde el Maspalomas Soul Festival hasta el Arrecife de Las Músicas. Otros, como las Veladas Iberoamericanas celebradas en Nueva York para la ONU, permitieron que su trabajo se diese al otro lado del charco. También era habitual que participase en la organización de la representación tradicional de Don Juan Tenorio en Vegueta.
Son muchos los artistas para los que ha producido conciertos, desde Bryan Ferry o Franz Ferdinand hasta las giras nacionales de Manzanita, Las Veneno o Yllana. En 2003, su trabajo fue premiado en los Latin Grammy, llevándose la estatuilla de Mejor Producción de un álbum clásico por ‘Historia del Soldado’ de Paquito D’Rivera. También era Hija Predilecta de Las Palmas de Gran Canaria y Premio Can de las Artes de Gran Canaria.
Usher ha hablado en una nueva entrevista con Forbes sobre la influencia de Sean ‘Diddy’ Combs en su carrera, sin que se le ocurriese ningún acto cuestionable del empresario y rapero estadounidense, actualmente cumpliendo tiempo en prisión como culpable de transporte para la prostitución. Este no era el único cargo del que se le acusaba.
Al ser preguntado por lo que le venía a la cabeza al escuchar el nombre de Diddy, Usher respondió con una palabra: «Legado». Por suerte, este desarrolló su respuesta: «Muchas veces, creo que ciertas personas son enjuiciadas y quizás no reconocidas por la grandeza que ofrecen. No tengo nada negativo que decir sobre Sean Combs porque mi experiencia no ha sido lo que el mundo ha visto», ha continuado.
Sean Combs fue declarado culpable de transporte para la prostitución a mediados de julio del año pasado. Sin embargo, también estaba siendo juzgado por delitos de crimen organizado y tráfico sexual, por los que se le declaró inocente. Durante ese mismo periodo, el magnate también fue acusado de haber abusado sexualmente de 120 personas, entre ellas 25 menores.
«No estoy diciendo que sea un hombre perfecto. No estoy diciendo que ninguno de nosotros tengamos fallos, pero no puedo no reconocer las importantes contribuciones que hizo este hombre para los empresarios negros, para los que hemos convertido cultura e ideas en algo tangible», ha declarado Usher.
Este explica que Combs era para él como un «mentor» que le recordaba a «un profesor realmente duro», y que pudo aprender de él mientras su carrera estaba despegando: «Eso es lo que elijo recordar, y respeto su nombre porque me di cuenta de lo que aprendí como hombre de negocios antes de entender lo que eran los negocios fue el resultado de ver las increíbles cosas que él hizo».
Mujeres tuvieron un punto de inflexión con ‘Un sentimiento importante‘, tiraron a dar con pepinazos como ‘Tú y yo’ y ‘Besos’ (de su mejor álbum, ‘Siento muerte‘), sorprendieron con ‘Al final abrazos‘, no fallaron con ‘Desde flores y entrañas‘ y ahora tampoco lo hacen con su nuevo largo, ‘Es un dolor inexplicable’.
Si el disco anterior de Yago Alcover, Arnau Sanz y Pol Rodellar se extendía hasta las 17 pistas y cerca de 1 hora de duración, en el nuevo han querido volver a condensar virtudes. 10 canciones, poco más de media hora.
La cara A y la cara B no pueden estar más marcadas. La primera recoge lo que han sido los adelantos de ‘Es un dolor inexplicable’. Y tanto el optimismo de ‘Alucinante’, con esos teclados tan identificativos, como ‘Caen imperios’ lucen como una metáfora de su resistencia a lo largo de los años y las modas.
De sus inicios en casas okupas a actuar en festivales tan masivos como Primavera Sound o el Low, el éxito disco a disco, 7″ a 7″, de Mujeres ha sido el que les ha podido dar fuerzas para cantar cosas como «ha llegado el momento de celebrar» o que hay «un nuevo amanecer». Presumen «siempre caigo hacia adelante, nunca nada se detiene». ¡Alucinante! Y ‘Caen imperios’ es aún más icónica cuando amenaza: «seguiremos existiendo aunque nos olviden». Es su gran nuevo himno de guerra en un álbum que debe su título a la incomodidad que les genera «todo lo que está pasando» en el mundo últimamente.
El álbum tiene sus valles, pero lo seguro es que se cierra con el reverso de todo ese optimismo. Si en ‘Existen heridas’ un pequeño solo de bajo, los guitarrazos y la batería pelean por sacar todo esto adelante, después ‘El verano’ pone un toque melancólico. Es verdad que el álbum se levanta de un pequeño letargo, paradójicamente, cuando apela al «verano más sufrido». Pero el sabor a derrota y el recuerdo a los ritmos de Phil Spector hacen definitivamente de ‘Si pudieras ver mi futuro’ algo mucho más pesimista. «Si pudieras ver mi futuro, ya no estarías más conmigo», concluye tristemente aun siendo uno de los momentos más recordables del álbum.
Hay más, por ejemplo los «aaaah aaaah» de la surfera ‘Después destello’. Y también hay nuevas píldoras para el pogo, con ese cañonazo a toda hostia llamado ‘Cristales’. El álbum a fin de cuentas conjuga los momentos de subidón y bajón: «No estamos vivos y no estamos muertos, pero ahí estamos parados», dice ‘Canción de amor’. Quizá su triunfo es haberse creído la victoria durante un breve espacio de tiempo. Más o menos el mismo que solía durar un disco de los Ramones.
Bella Kay, que acaba de cumplir 20 años esta misma semana, ya es número 1 en países como Irlanda y Noruega con su single ‘iloveitiloveitiloveit’. Además, pelea por alcanzar la cima en Reino Unido, donde de momento sube al top 2, y ha llegado al top 20 en Estados Unidos.
Originaria de Texas pero situada en Orlando, la cantante despuntó el año pasado con una de las canciones contenidas en su primer EP autoeditado, ‘sick to my stomach’. El tema que lo abría, ‘The Sick‘, tuvo cierto protagonismo en redes, pero ha sido ‘iloveitiloveitiloveit’ el que ha terminado de arrasar. Una canción bonita, eso seguro, pero que por su sencillez, fue difícil ver venir. Un dato: el sello de Bella Kay se llama Bella Kay.
La joven Jewel viene a la mente al escuchar sus a veces desgarradas composiciones a la guitarra. Ella no es tan pop como el tipo de artistas que vemos que sigue en redes sociales, desde Beyoncé a Sabrina Carpenter pasando por Olivia Dean y Olivia Rodrigo, muy pocas veces recurriendo a cajas de ritmos u ornamento alguno.
Es como cantautora autoeditada que se ha hecho un nombre y la viralidad de ‘iloveitiloveitiloveit’ es especialmente visible en TikTok, donde la gente comparte sus vídeos llorando por sus propias relaciones tóxicas. Y es que esa es precisamente la temática de la que está siendo una de las canciones más populares de 2026, aunque aún no haya llegado a España.
‘iloveitiloveitiloveit’ habla constantemente de «recaída» en una relación tóxica de la que Bella Kay no es capaz de salir. «Me encanta cuando peleamos y me encanta tu mezquindad / No tenemos que entrar ahora mismo en lo que eso dice de mí» plantea irónicamente una de las frases más compartidas, además de la de «eres una mala idea».
Este hit pertenece a un segundo EP llamado ‘A Couple Minutes Out’ («estoy a un par de minutos de recaer», decía la letra de «iloveit»), que también contiene otros dos temas llamados ‘Steady’ y ‘wonder wander’. Veremos si a medida que se va asentando su repertorio, la balanza se inclina hacia la universalidad de Olivia Dean y Adele, o ha tenido un golpe de suerte.
La semana que viene será al fin el momento de abrir la temporada festivalera con SanSan en Benicàssim. La previsión meteorológica es así de buena.
Por lo tanto, podremos disfrutar de conciertos como los de Of Monsters and Men, Love of Lesbian o Rufus T. Firefly el jueves; Rigoberta Bandini, Guitarricadelafuente y La Casa Azul el viernes; o Maria Arnal, Barry B y La M.O.D.A. el sábado. Las entradas de día y los abonos están a la venta.
Antes de todo esto, hay una fiesta de presentación el miércoles 1 de abril. «Sunset by SanSan» se celebra a partir de las 20.00 en el Restaurante Habanero, a pie de playa, y con un aforo muy limitado. Hay cena tipo cocktail, barra libre y 2 sesiones a cargo de Alizzz y Drama, el nuevo proyecto tech house de Zahara. De hecho, esta acaba de publicar un EP de remixes llamado ‘LENTO TECHNURA’ y firma uno de ellos como Drama.
Las entradas para la fiesta de presentación del miércoles «Sunset by SanSan» se pueden reservar por 45 euros, pero JENESAISPOP, que es medio oficial de SanSan, invita a dos personas a esta fiesta exclusiva.
Para participar, tan sólo tenéis que mandar un mail a jenesaispop@gmail.com indicando nombre y apellidos, y responder a esta pregunta de manera original: «¿De qué DRAMA te quieres olvidar en SanSan?». El autor/a/e de la respuesta más divertida, original y concisa recibirá 2 invitaciones para que pueda ir acompañadx. El plazo para participar acaba este jueves 26 de marzo a las 23.59 horas y la respuesta ganadora será publicada el viernes. ¡Nos vemos en SanSan!
Actualización: La respuesta ganadora es «de mí mismo», por M.S.
Niall Horan ha anunciado la gira de presentación de su nuevo disco, ‘Dinner Party’, que incluye una única parada en España. La fecha es el 25 de octubre en el Palau Sant Jordi de Barcelona.
Entradas para Niall Horan
Las entradas para su próximo concierto estarán disponibles próximamente, con varias fases de preventa antes de la venta general.
La primera preventa será a través de Live Nation – S.SMusic, que comenzará el martes 31 de marzo de 2026 a las 10:00 horas, con una sala de espera virtual disponible desde las 9:45. Al día siguiente, el miércoles 1 de abril, los usuarios registrados en LiveNation.es podrán acceder a otra preventa exclusiva, también a partir de las 10:00 y con sala de espera desde las 9:45.
Finalmente, la venta general para todo el público se abrirá el jueves 2 de abril de 2026 a las 10:00, con sala de espera desde las 9:45.
‘Dinner Party’, el cuarto álbum en solitario de Horan, ex integrante de One Direction, estará disponible a partir del 5 de junio. El single ‘Dinner Party’ se puede escuchar desde hace unos días.
1. Tastes So Good
2. Dinner Party
3. Monochromatic
4. She Gets It from Her Mother
5. Better Man
6. Little More Time
7. Flowers
8. Boys Are Fun
9. Fighting Over Nothing
10. Pretty
11. Die If I Don’t
12. End of an Era
Ocho años después de su single de debut, ‘Pícala’; seis después de la icónica ‘Desacato escolar‘; un lustro después de su “piquito” con Rosalía; cuatro años después de su improbable colaboración con Madonna y tres después de que ésta llamara a Tokischa en plena entrevista en La Revuelta; cuatro años también de ‘Delincuente’ y de ‘La Combi Versace’; tres años después del remix de ‘Chulo’… Tokischa enfila su álbum debut, ‘Amor y droga’, que se podrá escuchar a partir del próximo 16 de abril.
‘Amor y droga’ se presenta con esta dramática portada, que rompe cualquier expectativa de lo que ha sido la estética de Tokischa durante esta era y a lo largo de toda su carrera. De los 17 cortes que figuran en el tracklist, tres de ellos ya se conocen: ‘Celos’ y ‘Miami’ son sendos dembows gamberros en el estilo de ‘Linda’, y el nuevo single, ‘Surfboard’ con Skrillex, propone un estilo de reguetón melódico; la mano de Skrillex se nota en su acabado sintético. Es nuestra Canción del Día hoy.
‘Surfboard’ mantiene el beat reguetón y contiene una referencia a ‘Safaera’, pero es una producción menos salvaje y loca; mucho más fina, tan fina como el mejor Skrillex es capaz de idear. Su cadencia suave como el «beso con lengua que Tokischa le da a su novio» es todo un «grower».
‘Amor y droga’, que incluye una participación inédita con Kase.O, excluye las colaboraciones recientes de Tokischa con Ice Spice (‘Thootie’) y Nathy Peluso (‘De Maravisha’), y también deja fuera ‘Flackito Jodye’, un tema que ha aparecido en el disco de A$AP Rocky.
‘Amor y droga’ tracklist:
1.- MI NOVIO
2.- SURFBOARD (Ft. Skrillex)
3.- MONO (Ft. KASE.O)
4.- CELOS (Ft. Bulin 47)
5.- VACIA
6.- PERREO LLORANDO
7.- BANDA
8.- 7PM INTERLUDE
9.- DIVA Y DEPREVISA
10.- HEROINA
11.- QUÉ ES EL AMOR?
12.- DROGA DE DISEÑADOR
13.- LOLA
14.- MIAMI
15.- MOTO
16.- SU FRIDA
17.- NANI
Fuji? es un productor madrileño de 24 años que este año publicará su segundo álbum bajo el título de ‘Super Sweet’. Eso significa que tenía tan sólo 18 cuando colaboró con rusowsky en ‘Agüita de coco’ (2020) y tan sólo 20 cuando debutó con un álbum de 7 pistas titulado ‘hanami’ (2022).
Seguidor de la cultura japonesa, en aquel momento quiso evocar «el acto tradicional de contemplar la floración de los sakuras: un espectáculo de belleza absoluta y fragilidad extrema, que dura apenas unos días». Y es que Fuji? se recrea en la fugacidad del pop digital en estos tiempos en que todo parece efímero, pero desde la reflexión de que la música es por naturaleza «un arte efímero, un instante sonoro que desaparece tan pronto como se escucha».
Algo discutible cuando atendemos al encanto de los singles principales de su próximo disco. ‘Momiji’, marcado por el estribillo «merezco que me quieran, merezco tu amor», tiene un delicioso beat que remite a los años 90 y un teclado profundamente evocador en segundo plano. Su nombre se refiere a «la contemplación de las hojas rojas del arce japonés en otoño, justo antes de caer».
‘Tú y yo’, su último single hasta ahora, y nuestra Canción del Día hoy, eleva el nivel. Y es que si normalmente podemos vincular a Fuji? con el colectivo Rusia IDK, en este tema mete un bajo funk, cierto ritmo disco y un ambiente playero que le acerca mucho más a los momentos más hedonistas de Avalanches.
‘Super Sweet’ (Coequipier Records, 2026), que estará disponible el 17 de abril, contendrá tanto ‘Momiji’ como ‘Tú y yo’, y desde su sello avanzan que el disco incluirá desde este «funk y disco de tonos rosados hasta R&B, hip-
hop cinematográfico o incluso bolero».
Ya está en cines ‘Amarga Navidad’ de Almodóvar. La cinta, que cuenta con la mejor recaudación de salida para el director desde ‘Dolor y gloria’, película con la que está muy relacionada, ya está siendo desgranada por sus seguidores en redes y foros. Esta semana le dedicamos el capítulo de la semana del podcast Revelación o Timo, con la advertencia de que esta charla de 1 hora contiene todo tipo de «spoilers» sobre la cinta.
En esta hora de conversación comparamos la película que puede verse en las salas con el relato homónimo que publicó Almodóvar dentro de un libro hace unos años, analizamos con qué cintas de su filmografía guarda relación directa o indirecta y hablamos de la importancia del metarrelato en la filmografía del autor, sobre todo desde ‘Todo sobre mi madre’. Fue entonces cuando, según él mismo, se transformó en un director adulto. En ‘Amarga Navidad’, esta disposición estructural y argumental es fundamental para comprender su significado último.
Hablamos también de las múltiples referencias que aparecen en la cinta, como ‘Middlesex’, el cuadro de ‘La Ventana’ de Asher Liftin porque «Almodóvar ya no pisa calle», y por supuesto las musicales, que incluyen un cameo de Amaia, así como varias canciones de Chavela Vargas.
Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes en las últimas semanas.
Marc Giró pide perdón como Rosalía
El presentador Marc Giró, a punto de estrenar su programa ‘Cara al Show’ en LaSexta, ha decidido curarse en salud pidiendo disculpas por haberse mostrarse antipático «ante los medios». Lo ha hecho troleando al personal, recreando la disculpa de Rosalía por el asunto de Picasso. Borda el discurso, el estilismo, todo. Un vídeo que seguramente no perderá vigencia.
Alicia Keys y Karol G cantan juntas
Karol G ha cerrado un círculo al cantar junto a la mismísima Alicia Keys su canción ‘Try Sleeping with a Broken Heart’, un tema del que subió una versión a YouTube en 2010, años antes de saltar a la fama, grabada desde su habitación. Alicia Keys ha colaborado con la fundación de Karol G, Con Cora, enfocada en apoyar a mujeres en situación de vulnerabilidad, y le ha regalado este momento que la cantante se “guardará para siempre”.
Sombr canta con los Cranberries
Sombr es un gran aficionado al indie de los 90, algo que se refleja claramente en su propia música. Por eso no resulta extraño que, aprovechando el paso de su gira por Dublín, haya invitado al escenario a dos miembros de los Cranberries, el bajista Mike Hogan y el guitarrista Noel Hogan. Juntos han interpretado ‘Linger’, en un emotivo momento que no ha hecho sino recordarnos a la gran Dolores O’Riordan.
Lily Allen posa con su retrato
Una de las imágenes virales de los últimos días ha sido la presentación del retrato de Lily Allen, con la propia Allen de cuerpo presente, por su exposición en el National Portrait Gallery de Londres, donde permanecerá un año. Esta obra de una pintora española, Nieves González, es la base de la icónica portada de ‘West End Girl‘.
Miley Cyrus sigue como Hannah Montana
Miley Cyrus ha presentado estos días el especial de ‘Hannah Montana’ por su 20º aniversario. En la premiere oficial, la cantante de ‘Flowers’ se ha dejado ver ataviada con un elevado look lleno de brillantes; en el after-party, sin embargo, ha elegido un atuendo de vaqueros más relajado para posar delante del signo de «Hannah Montana», mientras se baña en el «flash» de las cámaras.
Antonia San Juan con Laura Pausini
Recientemente se han celebrado en Tenerife los premios Cadena Dial, donde Antonia San Juan recibió un premio inesperado por parte de Mónica Naranjo, quien le regaló el que había ganado. San Juan, quien recientemente ha anunciado haber superado su cáncer, además, cuenta que, durante el evento, le pidió una foto a Laura Pausini, y así posaron juntas cantante y actriz.
Christina Aguilera en La Casa Azul
Mientras el público mexicano no ha dejado de criticar el show de 55 minutos que Christina Aguilera ha ofrecido recientemente en Ciudad de México -donde, según algunos testimonios, habría cantado en vivo incluso menos tiempo-, la autora de ‘Stripped’ ha seguido con su vida y ha aprovechado su día libre para acercarse a la figura de Frida Kahlo, visitando la icónica Casa Azul.
Courtney Love ama a Geese
Courtney Love está “geeseada», por fin. Desde hace tiempo, la exintegrante de Hole e icono de iconos ha estado comentando sus interacciones con la música de la banda, y aunque al principio solo le despertaba curiosidad, finalmente ha conseguido que le guste de verdad. Cuenta que Geese suenan como “una mezcla entre Daniel Johnston y los Rolling Stones” y que Cameron Winter canta “como si fuera un hombre de 600 años, en el mejor de los sentidos”.
Amaia en París
Por si no te habías enterado, estos días se ha celebrado Semana de la Moda de París, y Amaia Romero ha sido una de las invitadas al desfile de Chanel, donde se ha dejado ver con este atuendo de tonos pastel. Solo días después de esta aparición ha llegado a cines ‘Amarga Navidad‘ de Pedro Almodóvar, donde Romero, oficialmente «chica Almodóvar», realiza un cameo musical.
Charlie Puth ya es padre
Charlie Puth ha dado por fin la bienvenida al mundo a su bebé, el mismo del que su mujer, Brooke Sansone, aparecía embarazada en el videoclip de ‘Changes‘. Han llamado al bebé Jude y «profesor Puth» no ha podido evitar anunciarlo en Instagram apelando al clásico de los Beatles, ‘Hey Jude’. Ahora le toca a Puth parir a él, su disco, que sale este viernes.
Ni el potente elenco de compositores y productores de ‘ARIRANG’, ni su espectacular concierto de regreso en Seúl, ni la elección de un sencillo tan accesible como ‘Swim‘, ni los asombrosos números iniciales están generando un consenso positivo en torno al nuevo álbum de BTS. Koreaboo cita la “brutal” crítica de Pitchfork, que no lo es tanto, pero muchos fans tampoco están contentos, a tenor de lo que comentan en foros como Last.fm, puntuándolo con un 3 sobre 10 o calificándolo como su “peor obra”.
Como siempre, la verdad no se encuentra ni en un extremo ni en otro. ‘ARIRANG’ es un disco competente de BTS: su principal problema es que sus ganchos de rap y melódicos no son tan potentes como las producciones, que suenan más elevadas que nunca. ‘ARIRANG’ es como su disco ‘Dark & Wild’ (2014), pero más adulto.
‘ARIRANG’, cuyo título proviene de la canción tradicional más famosa de Corea, se divide en dos partes diferenciadas: la primera se centra en ritmos de hip-hop frontales y agresivos, incluyendo colaboraciones de Mike Will Made It y JPEGMAFIA; la segunda afloja las tuercas y explora sonidos más cercanos al bedroom pop, el soul o el folk. En medio, el interludio ‘No. 29’ capta el resonante tañido de la Campana Divina del rey Seongdeok, designada como el Tesoro Nacional n.º 29 de Corea del Sur.
Las ideas musicales y líricas de ‘ARIRANG’ devanean entre el cliché y la sorpresa, como esa rítmica ‘FYA’ co-producida por Flume que incluye referencias a ‘Thriller’, Britney y a una expresión coreana sobre el «culo caliente» de los asientos públicos. El uso de coreano e inglés sigue siendo una marca distintiva de BTS, aunque ‘ARIRANG’ se esfuerza por apelar al mercado estadounidense, con producciones atronadoras que se debaten entre lo interesante y lo genérico.
Es correcto el single ‘Swim’, de bonita metáfora marítima y pegadiza aunque impersonal composición, obviamente escrita a imagen y semejanza de Drake y Justin Bieber. La mayoría de pistas no es tan sutil: ‘Aliens’ es directamente hostil, dirigiéndose a los detractores (“creías que íbamos a fracasar, pero míranos ahora”), ‘Hooligan’ es igual de enogrilada, usando cuchillos y violines choppeados bajo producción de El Guincho, y ‘Body to Body’ samplea la citada canción tradicional al mismo tiempo que utiliza percusiones muy Michael Jackson circa 1991.
Estas pistas intentan ofrecer una versión evolucionada de BTS, a través de producciones elaboradas, llenas de capas y trucos instrumentales más o menos interesantes, pero las composiciones siguen resultando algo vacías, quizá porque toda la actitud de las interpretaciones vocales está volcada en letras llenas de clichés, quizá porque aquí hay demasiadas manos sobando una sola canción; o quizá porque simplemente las canciones no dan la talla frente al cañoneo sonoro.
La cosa es menos difícil de defender cuando las ideas resultan evidentemente ajenas. Kevin Parker aporta su toque psicodélico en ‘Merry Go Round’, pero la canción resulta intrascendente; ‘Into the Sun’ es prácticamente un plagio de Bon Iver que deriva en un plagio de Weezer; ‘Please’ es una canción soul-pop mona aunque olvidable, con ecos de ‘The Life of Pablo’ de Kanye West; y hasta Artemas aparece en la composición de ‘Like Animals’: su firma melódica se nota a leguas, aunque lo intente disimular disfrazándose de rock alternativo.
Si el k-pop es un estilo definido por la influencia del pop occidental, pues su razón de ser no es otra que producir un producto coreano exportable internacionalmente, ‘ARIRANG’ intenta dar un paso adelante para el pop coreano, pero tirando demasiado de fórmulas probadas y caducas, y sobrecargando de ideas musicales unas canciones que se quedan cortas. ‘ARIRANG’ es fruto de un enorme y ambicioso esfuerzo por crear un regreso demoledor, pero la música, de tan evidente, cae por su propio peso.
Parece que Russian Red se ha estado guardando algunas de las historias más curiosas de su vida para la promoción de su nuevo disco, ‘Rojo relativo’, que acaba de presentar en directo en el Café Berlín de Madrid. Algunas de estas historias darían para rellenar una interesante autobiografía.
Esta semana, Lourdes Hernández ha contado que hace años estaba «obsesionada» con Alex Turner y que soñaba con él, y ha revelado que su mayor fantasía se hizo realidad en el momento más inoportuno, cuando el líder de Arctic Monkeys intentó ligar con ella en un bar de Los Ángeles allá por 2014 y ella ya no estaba soltera.
En el pódcast Café y birras, Hernández explica que solía montarse sus propias películas con Alex Turner, fantaseado con una relación. Cuenta que, justo cuando empezó a salir con su pareja y se mudó a Los Ángeles, allá por la época de ‘Agent Cooper‘, visitó un bar de la ciudad con unos amigos y coincidió con Turner, con quien mantuvo una interesante interacción.
Fue Turner quien, según Hernández, “entró” a la cantante esa noche, cuando ella se vio obligada a pasar delante de él porque los amigos con los que estaba se habían cambiado de sitio. Entonces, él le dijo la frase: «Ahora ya sabes lo que se siente cuando pierdes aquello que solías tener». Hernández cuenta que Turner le preguntó su nombre, se presentó él mismo como Alex y le dio “palique”, ante su completo desconcierto, mientras lidiaba con un torbellino de emociones.
Hernández, de manera surrealista, le confrontó nerviosamente por habérsele “aparecido en sueños”: «Te has convertido en el extraño definitivo y necesito acabar con esto», explicando que Turner fue “muy majo y muy amable” con ella pese a su extraño comportamiento.
