Cuando se habla de los límites del humor, los debates giran casi siempre en torno a las mismas cuestiones: morales, éticas, culturales… Pero existen también límites conceptuales. En los últimos años, nadie ha explorado esos márgenes con mayor audacia y brillantez que Nathan Fielder. Al igual que John Wilson, Joe Pera, Bo Burnham o Miguel Noguera, Fielder desborda la figura convencional del humorista. Es más bien un filósofo existencialista disfrazado de comediante. Un performer. Un pensador social. Un artista conceptual que se sirve de los códigos de la comedia para proponer nuevas formas de narrar e interpretar el mundo.
Tras la gozosamente inclasificable ‘The Curse’ (¡ese último capítulo!), Fielder regresa a la serie con la que se dio a conocer internacionalmente hace tres años. En esta nueva entrega de ‘Los ensayos’ (HBO), el comediante canadiense alcanza un grado de sofisticación narrativa y conceptual asombroso. Si la propuesta de la primera temporada ya era de una ambición extraordinaria -nada menos que ensayar la vida (para sufrir menos)-, lo de esta segunda ya no sé ni cómo calificarlo. Sin revelar nada, el límite al que ha llegado el propio Fielder en este nuevo experimento es simplemente increíble.
Fielder aborda la comedia desde una sensibilidad metamoderna. No se limita a guiñar el ojo al espectador o a incomodarlo desde una distancia irónica, escéptica y autorreflexiva, como han venido haciendo muchos de sus colegas desde que se popularizó lo que aquí se llamó posthumor (atención al demencial tercer capítulo). Fielder, además, te mira a los ojos mientras te pone las manos delicadamente en los hombros. La segunda temporada de ‘Los ensayos’ muestra una sorprendente voluntad de servicio: mejorar la comunicación entre los pilotos y copilotos para aumentar la seguridad aérea y reducir el número de accidentes. Sin cinismos ni nihilismos.
Para conseguirlo, el cineasta no solo lleva el concepto de empatía casi hasta su literalidad para comprender mejor a los pilotos, sino que además recrea una terminal de aeropuerto, utiliza un simulador de vuelo e incluso crea un talent show musical falso para medir la capacidad emocional de estos. Todo ello con la ambigüedad que le caracteriza: ¿qué es real y qué es ficción? ¿Cuánto está planificado, “ensayado” por el ultracontrolador Fielder, y cuánto es producto de esos ensayos? Teniendo en cuenta el asombroso e hiperrealista giro final de la serie, cualquiera sabe. La única certeza de ‘Los ensayos’ es su extraordinaria calidad: una obra maestra de la televisión reciente. ¿A dónde puede llegar en una hipotética tercera temporada?
Con algo de retraso debido a las vacaciones estivales, llega el nuevo top 40 de JNSP. rusowsky mantiene el top 1 tras arrasar con el 54% de los votos en la final de las Stories de Instagram: definitivamente ‘malibu’ parece la Canción del verano para nuestros lectores, como venimos comentando semanas. Ningún otro tema se le acerca en votos. En 2º lugar esta semana continúan Tame Impala con el 35% de los votos. A gran distancia, otras propuestas.
Entre las novedades de la semana, Jamie xx, Mariah Carey, Amaarae, Lola Young, Barry B y Animal Collective.
Florence + The Machine están preparados para lanzar nueva música. Así lo han adelantado durante los últimos días, con mensajes crípticos, un nuevo diseño de su página web y un teaser en el que la banda liderada por Florence Welch apunta a una inmersión en el folk horror.
El breve clip, subido ayer a la cuenta de Instagram de la artista, muestra a esta haciendo un agujero en el suelo de forma frenética solo para mostrarnos un primer plano de su rostro gritando desesperadamente a la cámara. ‘Dance Fever’, el último disco de la banda, ya tenía elementos que podían recordar al folk horror de ‘Midsommar’ o ‘La Bruja’, pero parece que el próximo LP se centrará más en este aspecto.
El nuevo diseño de la página web del grupo, así como del logo de la banda, también apunta en esta dirección. Con una fotografía del campo de fondo, el nuevo logo parece sacado de algún ritual milenario, con los ciclos de la luna referenciados en él.
Por último, en una sería de fotografías subidas a redes, la cantante también ha apuntado a una colaboración con el guitarrista de IDLES, Mark Bowen. En estas, se puede echar un vistazo a su cuaderno personal, en el que se enumeran algunos temas que parecen estar relacionados con el próximo disco de Florence + The Machine: «Brujería», «Folk horror», «Magia», «Locura»… Además, una foto incluye una posible pista del sonido del disco: «Swans vs. Adele».
‘Golden’, del grupo HUNTR/X, conocido por la película de Netflix ‘KPop Demon Hunters’, ha alcanzado el número 1 del Billboard Hot 100. Al conseguirlo, ha destronado la canción ‘Ordinary’ de Alex Warren, que había estado en el codiciado puesto durante 9 semanas no consecutivas. Además, como el fenómeno que es, ha roto tres grandísimos récords.
Se trata de la primera vez en la historia que un grupo femenino de K-Pop alcanza el primer puesto del Hot 100, aunque parezca mentira. El primer grupo en conseguirlo fue BTS en 2020, al llegar a la cima con ‘Dynamite’. La curiosidad es que HUNTR/X ni siquiera es un grupo real, sino uno creado exclusivamente para la película. Eso sí, con integrantes de carne y hueso.
Esto también hace que HUNTR/X sea el primer grupo de chicas con un número 1 desde Destiny’s Child con ‘Bootylicious’ en 2001. Por último, ‘Golden’ es la segunda canción de una película animada en llegar al número 1 durante esta década. Como no podía ser de otra forma, el tema también ocupa el número 1 del Top 50 Global de Spotify.
El grupo ficticio formado por Rumi (voz cantada de EJAE), Mira (voz cantada de Audrey Nuna) y Zoey (voz de Rei Ami) no ha tenido el mismo éxito en España, donde ocupa el número 45 de la lista de singles. Por otro lado, el disco ‘KPOP DEMON HUNTERS’ sí está asentado en el número 10 de la lista de disco de Promusicae.
Musicalmente, Ed Sheeran lleva ya bastante tiempo de capa caída. En ‘A Little More’, el artista británico entrega una canción divertida, burlona y sin pretensiones que además es todo un regreso a sus inicios: videoclip con Rupert Grint a lo ‘Lego House’, estribillo pegadizo a más no poder y verso de rap incluido. Por eso, es la Canción del Día.
«He lanzado tres discos sin rapear y los fans querían que mi yo del 2011 volviese», ha escrito Sheeran en un post de Instagram. Así nace ‘A Little More’, una de las canciones más ácidas de la carrera del artista. De hecho, es tan mordaz como buenrollera: «Te solía querer, pero ahora te odio un poquito más cada día», canta en el estribillo.
«Tengo que cerrar la puerta con llave, a la mierda lo de construir puentes / Coge tus disculpas y tíralas a la basura», rapea Sheeran. En la vena de canciones como ‘Fuck You’ de CeeLo Green o ‘Roses’ de Outkast, ‘A Little More’ tiene momentos de dejar caer el micro al suelo: «Un día, todos estaremos muertos / Pero desde ahora hasta entonces / No te quiero ver nunca más».
El videoclip es tanto el reencuentro con el actor Rupert Grint después del vídeo de ‘Lego House’ como la segunda parte de aquel, lanzado hace 14 años. De esta forma, el personaje de Grint está intentando desintoxicarse de la obsesión que tenía con Sheeran en ‘Lego House’, viéndolo en cada rincón al que se dirige. Por ejemplo, en el altar. ‘A Little More’ es el cuarto single de ‘Play’, disponible el próximo 12 de septiembre.
Katy Perry finalmente ha recibido una multa por la grabación del vídeo de ‘Lifetimes’ en la zona de S’Espalmador, en las Islas Baleares. La Conselleria de Medio Natural del Govern Balear comenzó una investigación en agosto de 2024 para esclarecer si el rodaje había sido perjudicial para el medio ambiente y esta ha llegado a su fin con una multa de 5.000 euros.
En el videoclip de ‘Lifetimes’, Perry se daba una vuelta por las calas y clubes de Ibiza y Formentera principalmente, pero también incluía algunas escenas en las dunas protegidas de S’Espalmador, una de las zonas de mayor valor ecológico de la isla. El enclave está protegido y desde la Consejería aseguraron que la productora del videoclip no había solicitado la autorización adecuada.
Ahora, ha salido a la luz que la multa final ha llegado a los 5.000 euros y que ya ha sido abonada por el equipo de la artista. No habrá sanciones adicionales. Las autoridades han comunicado que, aunque la ofensa ha sido «seria», no existen evidencias de daños importantes o duraderos.
En su momento, Capital Records respondió a la noticia de la investigación del vídeo aclarando que el permiso no se había aprobado en el momento de la grabación, pero sí que contaban con «autorización verbal para seguir adelante con el rodaje».
Es oficial. El próximo disco de Taylor Swift se titula ‘The Life of a Showgirl’ y, aunque todavía no tiene fecha de salida oficial, ya está disponible para reservar en su página web oficial. La portada tampoco ha sido revelada.
Este miércoles, con su aparición en el podcast de su pareja, Travis Kelce, es posible que ya se resuelvan muchas de estas incógnitas. En el clip promocional es donde se ha revelado el título del disco, con Taylor enseñando un maletín con las letras «TS» escritas en naranja y la portada borrosa: «Este es mi nuevo disco, ‘The Life of a Showgirl'».
A la vez, Taylor ha dado pistas sobre el posible sonido del disco a través de una playlist que apunta a que estará producido por Max Martin y Shellback, colaboradores en los mayores hits de la carrera de Swift. «And, baby, that’s show business for you» se titula la lista de reproducción e incluye 22 canciones de los álbumes anteriores de Taylor. Todas ellas, producidas por Martin y Shellback: ‘Shake It Off’, ‘We Are Never Ever Getting Back Together’…
Al mismo tiempo que ‘august‘ ha vuelto a la lista global de Spotify, como cada agosto desde hace un lustro, el equipo de redes sociales de Taylor Swift, TaylorNation, ha empezado a jugar a las adivinanzas con los seguidores de la cantante, quienes están convencidos de que Taylor está a punto de anunciar su regreso a la música.
La pista principal, la que ha desatado la locura, es una publicación de TaylorNation en Instagram compuesta por 12 fotos de Taylor Swift vistiendo naranja. La publicación aparece acompañada del mensaje «os veo en la siguiente era», la cual parece una pista evidente. Para colmo, Republic Records, sello de Swift, ha dado que «like» al post de TaylorNation y comentado un emoji fogoso.
Las sospechas han aumentado cuando, casualmente «12 minutos después», Travis y Jason Kelce han publicado un misterioso avance de su próximo podcast, que se estrena el miércoles 13 de agosto. Como sabéis, Travis Kelce es pareja de Taylor Swift. En el avance, ambos aparecen frente a un fondo naranja y Jason luce una camiseta de ‘Midnights‘ (2022). En medio de ambos figura una silueta opacada que parece ser la de Taylor. El usuario de X y fan de Taylor Swift @LuisSwiftie_ parece haber dado con la foto concreta.
Si todas estas pistas no parecen suficiente, conviene recordar que el portal HITS Daily Double ya dio pistas sobre un posible regreso de Swift hace días, nombrándola entre la lista de artistas que sacarán nueva música próximamente, junto a Sabrina Carpenter o Drake. El pasado 28 de julio, la misma web reprodujo una información del tabloide británico The Sun sobre el rodaje de un nuevo videoclip en Los Ángeles, tan secreto que el equipo técnico no había podido oír la canción, «solo el beat».
Estos indicios apuntaban al lanzamiento del próximo proyecto de Taylor Swift, el primero desde ‘The Tortured Poets Department‘ (2024). También será el primero desde que recuperara sus másters el pasado mes de junio.
‘Superestar‘ ha contado la historia de Yurena desde un enfoque surrealista, a menudo absurdo pero, también, profundo, pero dejando ciertas dudas en torno a la propia discografía de María del Mar Cuena. Una discografía que, en realidad, se compone irónicamente de más discos inéditos que editados. ¿Pero cuántos álbumes tiene realmente la artista antes conocida como Yurena?
La respuesta directa es uno, ‘Superestar‘. Publicado 2001, es el único disco de Tamara que llega físicamente a las tiendas, aunque es retirado una semana después por problemas legales. Como recuerda el usuario Tannhauser en los foros de JENESAISPOP, la imagen de Tamara en la época era tan nefasta, a raíz de su presencia mediática, que los centros comerciales se negaban a venderlo.
La respuesta amplia, sin embargo, es más compleja. Wikipedia lista hasta cinco elepés de Yurena publicados entre 1991 y 2016. El último, ‘Around the World‘, constatamos que existe, pues incluso es reseñado en JENESAISPOP, aunque realmente se trata de una complicación de singles y no de un álbum como tal. ‘Around the World’ se compone de 12 cortes y está disponible en plataformas de streaming. En realidad, la etapa de Yurena inicia en 2005 con el lanzamiento del maxi single ‘Vuelvo’, un luminoso pop disco que podría haber entonado La Casa Azul. Incluía la cara b ‘Papel Couché’.
Al margen de ‘Versiones’ (1991), una maqueta de covers que la de Santurce graba al inicio de su carrera, realmente hay que hablar de dos importantes discos inéditos, ‘A por ti’ (1993) y ‘Planeta Tamara’ (2001).
‘A por ti’ se puede considerar el álbum debut de la artista antes conocida como Tamara. De sonido tecnopop, el disco de 10 pistas incluye la versión original de ‘A por ti’, una de las canciones adaptadas en la serie de Nacho Vigalondo. ‘A por ti’, el album, es grabado en un estudio de Portugalete, pero nunca se llega a publicar y, aunque se desconoce la autoría de las letras, el usuario de Youtube Robomilio cree que pertenecen «a los desaparecidos grupos 16 Válvulas y Sueños Virtuales». ‘A por ti’ es un álbum financiado por Yurena y su familia y podría ser reeditado, ya que, al parecer, Yurena posee los másters de las canciones. Yurena llega a presentar ‘A por ti’ en la televisión vasca en el año 1995.
Conviene aclarar que la portada de ‘A por ti’ usada en Youtube no es real, ya que pertenece a una sesión de fotos posterior que Yurena realiza para la revista ‘Zero’, durante el apogeo del «tamarismo», como señala el mismo usuario Tannhauser en nuestros foros. En un comentario de Instagram, Yurena ha indicado que se está «informando» para estudiar una posible edición de este debut que, por ahora, es posible escuchar solo en Youtube de manera no oficial.
La historia de ‘Planeta Tamara’ es particularmente extraña, ya que es un disco que Yurena graba «en secreto» antes de ‘Superestar’, en el mismo año, cuando ya había apalabrado la grabación de ‘Superestar’ con un sello diferente, Superego. En una entrevista con El Mundo de 2001, Yurena habla de sus problemas de discográficas, explicando que había sido víctima de intereses de terceros y -posiblemente- de su inexperencia en la industria: «A veces hay personas que te embaucan, que te confunden en el momento… Empezaron a contarme pestes de mi compañía, que yo nunca he tenido problemas con ella». Yurena contaba que alguien le sugirió que debía trabajar con una multinacional y que aceptó cambiar de proyecto por desilusiones, pero que pronto «cayó del árbol» y decidió volver al inicio, teniéndose que aprender las canciones de ‘Superestar’ «a todo correr» para grabarlas en ocho días.
‘Mi novio y tú’, supuestamente el primer adelanto de ‘Planeta Tamara’, se llega a promocionar brevemente en ‘Crónicas marcianas’, como recuerda Tannhauser, pero después Tamara retoma la grabación de ‘Superestar’ y el lanzamiento de ‘Planeta Tamara’ queda cancelado. Sin embargo, no está claro que el disco se llegue a completar. Ciertas versiones de ‘Planeta Tamara’ están disponibles en internet, pero algunas incluyen dos canciones grabadas posteriormente, ‘Rumbo a Río’ y ‘No te puedo querer’. En la misma entrevista citada antes, cuando El Mundo pregunta a Yurena por su disco «apócrifo», esta contesta que «hay unos cuantos temas grabados, nada que ver con los de (‘Superestar’). Pero nunca van a salir, se quedarán para simiente de nabos». Se desconoce quién posee los derechos de las canciones y grabaciones de ‘Planeta Tamara’, pero parece que Yurena no. Su reedición es muy improbable. Y esta portada que veis, claro, también es «fake».
Desde el estreno de ‘Superestar’, la serie, el público no ha dejado de demandar a Yurena en Instagram que reedite ‘Superestar’, el disco, en CD y vinilo, y que tanto ‘Superestar’ como ‘A por ti’ estén disponibles en streaming (sí lo están los singles de 2001 ‘No cambié’ y la versión de ese año de ‘A por ti’). Yurena ha contestado a estas peticiones con emojis de corazones, así que, como mínimo, es consciente de la demanda y, probablemente, se encuentra trabajando en algún tipo de recuperación de estos trabajos. Como mínimo, un relanzamiento de ‘Superestar’ parece inevitable. «Una posible reedición se agotaría en horas. No sé a qué están esperando…», escribe el usuario SANGIL en JENESAISPOP. «Aunque me cuentan por el pinganillo que ya está en marcha el proyecto».
En el repaso de la discografía de Yurena habría que añadir también su catálogo de CD singles y maxi singles publicados, incluyendo ‘Yo soy así‘, de 2003, el último single que María del Mar publica con el nombre de Tamara. En 2005 -repetimos- nace Yurena (no se conoce material musical firmado con el nombre de Ámbar), y en 2012 Yurena empieza a dar a conocer las grabaciones de EDM que terminan formando parte de ‘Around the World’. En los últimos años, la bilbaína no ha dejado de lanzar material nuevo, como su versión de ‘Ese hombre’ con Papa Topo (2018), ‘Irresponsable’ con Terry Colls y Vicky Larraz o ‘Maybe’, su lanzamiento más reciente, estos dos últimos de 2021.
Madonna ha condenado la muerte continuada de niños en Gaza y ha pedido que se levante el bloqueo humanitario de Israel en la franja «antes de que sea demasiado tarde» en un post de Instagram publicado esta tarde: «Necesitamos que el corredor humanitario se abra del todo para salvar a esos niños inocentes», escribe la artista.
Madonna ha elegido el cumpleaños de su hijo Rocco para pedir el fin del bloqueo, que ha condenado a miles de niños y civiles a la hambruna y a la muerte. «Como madre, no puedo soportar el sufrimiento de todos esos niños. Los niños del mundo son de todos», lamenta. En la publicación, Madonna pide al Papa que «brinde su luz a los niños de Gaza» y consiga abrir el canal humanitario, ya que «él es el único al que no pueden negar la entrada».
En el mismo mensaje, Madonna expresa su negativa a «señalar con el dedo, culpar o elegir un bando», ya que «todo el mundo está sufriendo», y añade que «solo intento hacer lo que puedo para salvar a esos niños de morir de hambre».
Esta misma semana, U2 ha compartido un comunicado en su página web condenando el bloqueo de ayuda humanitaria de Israel en la Franja de Gaza y los planes anunciados por Benjamin Netanyahu de anexionarse el territorio. Tanto U2 como cada integrante de la banda irlandesa por separado -Bono, Clayton, The Edge y Mullen Jr- firma un texto aclarando su posición en el conflicto.
Todos ellos se solidarizan con Palestina y condenan la violencia perpetrada tanto por Israel como por el grupo palestino islamista Hamás, que gobierna la Franja de Gaza, aunque solo The Edge habla de «limpieza étnica» y «genocidio» para referirse a la invasión militar israelí.
Bono, que compara los ataques del 7 de octubre con el atentado terrorista de 2015 en el teatro Bataclan de París, condena al exlíder de Hamás, Yahya Sinwar, pero señala que «Hamás no es el pueblo palestino», un pueblo «durante décadas ha soportado y sigue soportando marginación, opresión, ocupación y el robo sistemático de las tierras que les pertenecen legítimamente”
Bono, por otro lado, acusa a Hamás e Israel de usar el hambre como arma de guerra, pero aclara que «el Gobierno de Israel liderado por Benjamin Netanyahu merece nuestra condena categórica e inequívoca». Además, defiende la solución de los dos estados y pide a la población israelí que exija la apertura del corredor humanitario.
Damon Albarn, Primal Scream y Sam Fender apoyan a Palestina
U2 no es el único artista que se ha pronunciado sobre Palestina en los últimos días. Damon Albarn, líder de Gorillaz y Blur, ha explicado su postura a raíz de su participación en el concierto solidario Together for Palestine, organizado por Brian Eno. Albarn reconoce que su enfoque es «pluralista», pero que «eso es problemático para los palestinos, y estoy con los palestinos». Albarn señala la importancia de «no negar la legitimidad de Palestina, de no negar la presencia histórica de los palestinos y de reconocer el genocidio que está ocurriendo allí. No podemos negarles a los palestinos su existencia, que es lo que está sucediendo en este momento».
Por otro lado, Primal Scream ha expresado su apoyo al cantante Peter Perrett, de la banda de punk The Only Ones, después de su arresto en Londres durante una manifestación a favor de Palestina. La manifestación ha sido organizada por el grupo de campaña Defend Our Juries y ha contado con el respaldo de Palestine Action organización de acción directa proscrita como grupo terrorista por el gobierno del Reino Unido. Por este motivo, la manifestación se saldó con 532 detenidos, entre ellos Perrett, según The Guardian.
«Muy orgullosos de nuestro querido amigo Peter Perrett por ser una de las 474 personas detenidas ayer en Parliament Square durante una manifestación contra el genocidio en Gaza y contra la decisión del débil y poco imaginativo gobierno laborista de Keir Starmer de proscribir al grupo de protesta no violenta Palestine Action como una “organización terrorista”», ha comentado Primal Scream. «Entre los arrestados bajo esta absurda y represiva ley también había un hombre ciego en silla de ruedas, una anciana de más de 90 años, médicos, enfermeras, arquitectos y una sacerdotisa».
Desde España nombres como Leire Martínez, Bad Gyal o recientemente Nil Moliner han expresado su apoyo a Palestina y su condena del genocidio a través de sus redes o conciertos.
En los últimos días, también, la activista sueca Greta Thunberg ha intervenido en un concierto del cantante británico Sam Fender en Copenhague, junto a otros activistas, para apoyar a Palestina y condenar el comercio de armas entre Dinamarca e Israel. Thunberg y el resto de activistas aparecieron en la canción final, ‘Hypersonic Missiles’. Thunberg ha aparecido recientemente en otros conciertos de Fontaines D.C. y Geordie Greep.
Por su parte, la cantante noruega AURORA, conocida por su defensa de la libertad de Palestina, ha difundido en sus stories el proyecto Flotilla Sumud, que busca romper el bloqueo de Gaza llevando ayuda humanitaria en barcos tripulados por personas de 44 países. El 31 de agosto, decenas de embarcaciones partirán desde España rumbo a Gaza, aunque aún se desconoce desde qué puertos. El 4 de septiembre, otra flotilla zarpará desde Túnez y otros puertos. La reciente Flotilla de la Libertad, embarcada por Greta Thunberg y otros activistas, fue interceptada por el ejército israelí a pesar de su legalidad. Los tripulantes, entre ellos el español Sergio Toribio, fueron detenidos brevemente antes de ser liberados.
Rels B es uno de los artista españoles más escuchados a nivel global, pero nunca ninguno de sus singles había sido número 1 en España. Hasta hoy: ‘Tu vas sin (Fav)‘, su actual éxito, sube del 2 al 1, gracias a su fuerza en streaming.
El mérito de Rels B es doble, ya que no solo se anota un single número 1 en España, sino que lo logra completamente en solitario. Hasta ahora, sus mayores éxitos en Promusicae han sido principalmente colaboraciones con Quevedo (‘Los día contados’, top 5), Lia Kali (‘La vida sin ti’, top 7), RVFV (‘Mi luz’, top 9) o Aitana (‘miamor’, top 9). En solitario, ‘cómo dormiste?’ había llegado alcanzado la 8ª posición.
‘Tu vas sin (fav)’ debutó en el puesto 65 de la lista de singles española, siendo solo el tercer tema más reproducido de su mixtape en su primera semana. Sin embargo, no ha parado de escalar posiciones durante el verano y, gracias a su viralidad en TikTok, incluso ha llegado a ascender al top 1 de Spotify España. Ahora, su éxito se traspasa a la lista oficial.
Por otro lado, el top 5 de Singles España luce tomado por el colombiano Beéle, quien figura en ‘Yo y tú’ de Ovy and the Drums con Quevedo, en el puesto 3; coloca su single en solitario ‘No tiene sentido’ en el 4, e irrumpe en el top 5 con ‘Si te pillara’.
Entre las entradas interesantes de la semana destaca la de ‘The Subway‘ de Chappell Roan, que en España abre en un discreto puesto 94. Nada que ver con el número 1 que acaba de anotarse en Reino Unido o con sus buenas posiciones en el resto de países anglosajones (2 en Irlanda, 3 en Nueva Zelanda, 4 en Australia). Sin embargo, el debut de ‘The Subway’ ha sido modesto en la mayoría de países, especialmente en territorios como Alemania (63) o Francia (120).
En realidad, la entrada más fuerte de la semana la ocupa ‘Duro Ma’ de Bryant Myers, Dei V y Saiko. ‘Hiekka’ de Nicky Jam y Beéle, reciente top 1 en Spotify España, claramente ha resurgido y esta semana sube del 25 al 11, tras haber llegado al 10 hace semanas.
Las dos entradas que quedan por comentar también son urbanas. Por un lado, Rauw Alejandro coloca ‘Buenos términos’ en el número 59. Por otro, en un tímido puesto 96 aparece por primera vez el remix de ‘Ba Ba Bad’ de Kybba, Sean Paul, Ryan Castro y Busy Signal.
Dice Amaarae que su alma no descansará hasta «crear un proyecto que resuene enormemente de manera global». Y añade que «la última frontera» en su carrera es «marcarse un éxito tanto comercial como de crítica». ‘Black Star’, su tercer disco, debería ser ese pelotazo en listas que tanto anhela, aunque, de momento, ninguno de sus sencillos ha irrumpido en listas o generado algún tipo de impacto.
Y no es porque no sean potentes. ‘S.M.O.‘, el lujurioso primer adelanto (sus siglas esconden la expresión «slut me out», algo así como «hazme zorrear»), es una innovadora fusión de highlife ghanés y Detroit tecno que debería sonar en las discotecas de todo el mundo. Y ‘Girlie Pop‘ hace «pop pop pop» como la más refrescante limonada, llevando su ritmo de funk brasileño al futuro.
El futurismo forma parte intrínseca de la propuesta musical de Amaarae, y en ‘Black Star’ particularmente. Aunque la autora de ‘Fountain Baby‘ (2023) no olvida de dónde viene -ahí está la portada, donde posa frente a la bandera de Ghana- ni a quienes le preceden. ‘Black Star’, cuyo título es polisémico (Amaarae es una estrella negra, pero estrella negra también es el símbolo nacional de Ghana), es un disco de club que, como ‘Renaissance‘ (2022) de Beyoncé, utiliza la música de baile para imaginar un pop más global, consciente y liberador, que ponga la música africana en el lugar que merece, en toda su amplitud y diversidad.
No solo las percusiones de funk brasileño de ‘Stuck Up’ o los puñetazos digitales de ‘Dove Cameron’ recuerdan el origen africano de este estilo musical. ‘100DRUM’, por ejemplo, anima la fiesta construyéndose sobre un cántico en akan, un idioma ghanés. Y los ritmos del «asorkpor» ghanés se cuelan en ‘MS60’, otra de esas canciones opulentas de Amaarae que presumen de dinero y marcas, ahora con la participación de Naomi Campbell proclamándose la «estrella negra» por antonomasia. Le pegadiza ‘Fineshyt’ es representativa del álbum por su brillante fusión de afrobeat, house y tecno afilado.
Ciertas producciones son especialmente creativas, como ‘Kiss Me Thru the Phone Pt 2’, una composición creada junto a PinkPantheress que no solo interpola ‘The Aisle’ de la propia pantera rosa, sino que tiene la imaginación de samplear la pionera ‘Já é Sensação’ (2000) de Furacão 2000. El sample de ‘Believe’ de Cher en ‘She is My Drug’, que altera su estribillo por «Do you believe in life after drugs», está genialmente incorporado al paisaje sonoro del disco y nunca suena oportunista o forzado. La ligona ‘B2B’ es una de las más ambiciosas: irguiéndose sobre un beat de deep house veraniego, de repente es interrumpida por una guitarra acústica sampleada de ‘Best You Had’ (2019) de Don Toliver. La canción, entonces, se reconstruye desde ahí, ayudada por lujosas cuerdas.
Algo que no haría Beyoncé es trufar su disco de continuas referencias a las drogas, pero Amaarae presume de ellas en ‘Black Star’, particularmente en el ghettotech de ‘Starkilla‘, una espectacular coproducción de El Guincho que cuenta con la colaboración de la rapera británica Bree Runway. Aunque Runway aclara -de manera bastante cómica- al final de la canción que ella no es nada de eso, gracias a ‘Starkilla’ para siempre estará vinculada a un estribillo que repite «ketamine, coke and molly» como un mantra. La droga es un elemento más dentro del mundo entregado a la noche de ‘Black Star’ y, en ‘100DRUM’, Amaarae directamente se retrata «haciendo rayas más dulces que todos mis amantes».
Las menciones a las drogas responden coherentemente a la imagen artística de Amaarae, construida en torno a la figura de una mujer rica -muy rica- y poderosa que, en ‘Black Star’, ofrece un reflejo de la fiesta en toda su dimensión. Sin embargo, ‘Black Star’ evidencia, en cortes como el final ‘Free the Youth’, que su propósito va más allá de ofrecer una experiencia hedonista. Con ‘Black Star’, Amaarae no solo se libera de géneros, sino que se globaliza y ayuda a reconfigurar la imagen del pop actual. Ella es una pionera y está en su mejor momento.
Hayley Williams, líder de Paramore, ha sorprendido recientemente lanzando de golpe 17 canciones nuevas sin agruparlas en un disco. Sin embargo, Williams ha confirmado que esta tanda de temas se lanzará en formato físico próximamente: solo necesita que sus fans la ayuden a decidir el orden de las pistas.
Una que debería aparecer bien arriba en el repertorio es ‘Glum’, que no solo ha ejercido de «focus track» en el día de estreno de este no disco, sino que se cuenta entre las mejores composiciones jamás escritas por Williams, en Paramore o en solitario.
‘Glum’ es un tema sobre la soledad, probablemente sobre la depresión («en el amanecer de tu luz solar, nunca me he sentido más sombría»). Williams expresa esta idea con una frase impactante: «¿Te sientes a veces tan sola que podrías implosionar y nadie lo notaría?» En este estado de melancolía, Williams imagina un retorno a un lugar seguro, de origen, y transmite su necesidad de parar, detenerse y escuchar, «todo el día», una canción que la acompañe.
‘Glum’, sin embargo, no está exenta de humor. En el mejor verso de la canción, Williams comenta su desconcierto ante la edad adulta: «Estoy a punto de cumplir 37 años, y no sé, ni sé si alguna vez voy a saber, qué cojones estoy haciendo aquí, ¿alguien sabe si esto es normal?»
Williams entrega aquí una de sus mejores y más logradas baladas. La influencia del pop-rock alternativo se percibe en guitarras y melodías, pero pero lo que realmente destaca es su producción vocal, donde eleva el tono de su voz hasta crear un efecto casi alienígena. Esta técnica evoca mucho el estilo de producción de ‘Nikes’ (2016) de Frank Ocean, aplicada a una canción que podría haber escrito Natalie Imbruglia.
El debate sobre la presencia de niños y bebés en festivales suele animarse en verano, en la época de mayor actividad festivalera. Maluma, que se encuentra presentando su gira mundial +Pretty +Dirty World Tour, ha avivado la discusión de forma sorprendente, aunque razonable, después de ver a una madre en su concierto, quien había acudido con su bebé. Según Maluma, el infante estaba allí sin ningún tipo de protección auditiva, mientras su madre le zarandeaba «como si fuera un juguete».
Ha ocurrido en Ciudad de México este fin de semana y Maluma no ha dudado en detener su concierto para regañar a la madre y abochornarla en frente de toda la audiencia. «Con todo respeto… ¿cuántos años tiene? ¿Un año? ¿Menos? Un año. ¿Usted cree que es buena idea traer a un bebé de un año a un concierto donde los decibeles están en la puta mierda, donde el sonido está durísimo?», expresa el cantante. Aunque Maluma tenga razón, ¿no le fallan un poco las formas?
Maluma continúa con su reprimenda, exigiendo a la madre que sea más responsable. «Ese bebé ni siquiera sabe qué está haciendo aquí», comenta. «La próxima vez, protéjale los oídos o algo. Es tu responsabilidad. Lo estás moviendo como si fuera un juguete. Ese bebé no quiere estar aquí, de verdad. Te lo digo con todo el amor y respeto, ahora que soy padre… nunca llevaría a mí bebé a un concierto. Para la próxima, sé un poco más consciente”. Se desconoce la reacción de la madre.
En las últimas semanas el viral de Jet2 ha estado en boca de todos. ¿Y qué demonios es eso, te preguntarás? En enero de 2024, la aerolínea británica Jet2 lanzó un anuncio promocionando vacaciones con un descuento (“50 libras por persona…”) acompañado del tema de 2015 ‘Hold My Hand‘ de Jess Glynne y la voz de Zoë Lister diciendo “Nothing beats a Jet2 holiday”. Si te has enterado de este asunto, es posible que ahora mismo hayas leído esa frase con el mismo entusiasmo que la dobladora.
Un año después, el audio de este anuncio se ha viralizado en TikTok a raíz de que los usuarios lo han superpuesto a escenas de vacaciones desastrosas. El efecto cómico entre la música alegre, la entusiasta voz y las caóticas imágenes ha desencadenado el viral del verano en Reino Unido.
El asunto incluso tomó un inesperado giro político cuando la Casa Blanca utilizó el audio viral en un vídeo de deportación de inmigrantes por parte de ICE, acompañado del mensaje “When ICE books you a one-way Jet2 holiday to deportation. Nothing beats it!”. Jess Glynne respondió que el vídeo le hizo sentir “enferma” y recordó que su música trata de “amor, unidad y positividad”, no de división.
Jess Glynne y Zoë Lister, la voz detrás del eslogan, se conocieron por primera vez en directo, en el programa Capital Breakfast. Juntas reinterpretaron el anuncio, con Jess cantando y Zoë recitando la frase icónica. Después, Jess incluso se atrevió a recrear la frase, imitando el tono de Zoë.
‘Hold My Hand’, uno de los mayores éxitos de Glynne, no está viviendo exactamente un resurgimiento en listas a raíz del viral, como ha ocurrido en los últimos tiempos con otros temas asociados a series, películas o tendencias de TikTok. Sin embargo, Glynne se puede dar con un canto en los dientes porque actualmente, de hecho, tiene un hit dentro de la lista de singles británica.
Se trata de ‘Back to Me’, una producción de «liquid drum n’ bass» de Rudimental que cuenta con la voz invitada de Glynne. ‘Back to Me’ está siendo un éxito en las listas de dance británicas: actualmente ocupa el puesto 12 en el Official Dance Singles Chart, que se elabora a partir de descargas y ventas físicas en distintos formatos. Su impacto ha sido tal que ha logrado saltar a la clasificación general, donde acaba de escalar del puesto 94 al 43 tras cuatro semanas en lista.
Claramente se puede afirmar que Glynne -recordamos, la solista británica con más singles número 1 en Reino Unido- vive un nuevo resurgir comercial y de popularidad, por modesto que sea, tras el estrepitoso fracaso en listas de su último disco, ‘Jess‘, publicado en 2024.
“No ha pasado nada y eso es lo que mejor que puede pasar”, aseguró Javier Ajenjo, director del festival, durante la rueda de prensa de Carolina Durante el pasado viernes. Efectivamente, Sonorama Ribera ha estado libre de incidencias. Las grandísimas aglomeraciones no han dado problemas, los aseos y las barras han funcionado con normalidad y, como cada año, no se le ha escapado nada a la organización del festival. De hecho, nos regaló uno de los momentos que recordaremos de cara a futuras ediciones y que paralizó el festival por unos instantes.
Unas extrañas luces aparecieron en el cielo de Aranda de Duero. De repente, entraron en formación dibujando los logos del festival en lo alto ante la mirada de las decenas de miles de asistentes. Los drones pintaron la noche de importantes mensajes, como la denuncia del genocidio en Gaza, con el símbolo de la paz y la bandera de Palestina por igual, o el precioso recuerdo de un amigo y compañero que ahora tiene alas. Tampoco pudieron faltar las copas de vino Ribera del Duero o el adelanto del concierto más esperado del festival, con el logo de Arde Bogotá llenando la noche de rojo. Había una energía especial en el aire que fue abordada por Dorian durante su concierto, con Marc Gili asegurando que tanto él como sus compañeros estaban convencidos de estar viviendo una noche emocionante. En este sentido, los conciertos de Arde Bogotá y Amaia fueron de enmarcar.
El grupo de Murcia fueron tratados como el gran evento del festival, con una intervención de más de una hora y media de duración y un escenario especial construido solo para ellos, con pasarela incluida. Después, esta sería aprovechada de gran manera por la rave de Delaporte. El show estaba diseñado para tocarte la fibra y brilló totalmente en los momentos más lentos y acústicos. ‘Los Perros’ o ‘Antiaéreo’ son de las canciones más icónicas de la banda, pero anoche hubo un clímax emocional maravilloso que se desvaneció al sonar estos temas.
No soy especialmente fan de la banda murciana. Esto ha quedado claro en crónicas pasadas, pero es imposible sentirse atrapado por la pasión de sus fans, que tampoco son pocos precisamente. No es solo el mar de gente que congregan, sino cómo lo vive cada una de estas personas. ‘Virtud y Castigo’ y ‘La Salvación’, canción insignia de la banda, se hicieron inmensas gracias a un refrescante conjunto de cuerdas. Esta última emocionó al vocalista, Antonio García, y era difícil no querer formar parte de ese momentazo. La vena sofisticada le sienta como un guante a su icónica voz y creo que también son las canciones que sus fans más sienten. Las más energéticas, por otro lado, recuerdan tanto a otras bandas que se quedan un poco vacías. De todas formas, anoche Arde Bogotá dio seguramente el mejor concierto de su carrera. Al menos, que yo haya visto. La fotografía de ellos visitando la Plaza del Trigo por primera vez parece un espejismo. Antonio no tenía el pelazo que luce ahora y el resto de la banda parecen recién salidos de la universidad. Imposible no emocionarse, aunque sea un poquito, sabiendo que unos años después esos chavales, tan normales y anodinos de apariencia, cumplirían todos y cada uno de sus sueños.
GloriaNM
Lo de Amaia, por otro lado, es casi inexplicable. ¿Cómo es posible ver tantas veces el mismo show y que cada vez te guste más? Al igual que en los mejores discos, te vas dando cuentas de los pequeños detalles, o de momentos que no recordabas con tanta belleza. El final instrumental de ‘Auxiliar’, que Amaia se disfruta sentada en los escalones del escenario, es uno de ellos. Al mismo tiempo, fue un concierto de sorpresas. ‘Nanai’ empezó con complicaciones técnicas en el solo de piano de la artista pamplonesa, así que empezó a tararearlo ella misma. De repente, las pantallas se partieron a la mitad, con la parte inferior proyectando un clip de un videojuego de conducción, al puro estilo brainrot. Es lo mismo que esos reels en los que aparece un clip de un podcast y debajo un gameplay del Temple Run, por ejemplo. El objetivo es que la gente preste atención, pero con Amaia basta.
‘Ya Está’ y ‘Despedida’ siguen siendo las canciones más emocionantes del set. La primera siempre calla cualquier recinto en el que se toque, aunque a Amaia le guste hacerlo de forma explícita. La segunda fue acompañada por una de las lunas más bonitas que yo haya visto en un concierto suyo, naranja a rabiar y justo por encima del horizonte. Hablando de lunas, últimamente Amaia ha estado cantando ‘Nuevo Verano’ a petición de sus fans y en Sonorama tampoco faltó. Sí que es verdad que en esta ocasión se extendió un poco más. Ella avisa que no la va a cantar entera, pero es fácil dejarse llevar por un tema tan bonito.
GloriaNM
De las estrafalarias coreografías de Amaia pasamos al body horror de Judeline, que fue capaz de llenar los dos escenarios intermedios. Entre hits como ‘INRI’ o ‘mangata’, las bailarinas de la gaditana se contorsionaban a más no poder, a la vez que se proyectaban haciendo caras totalmente psicóticas en la pantalla. El show incluye unos pasajes totalmente únicos en este sentido, como en la parte durante ‘TÚ ET MOI’ en la que una de las bailarinas envuelve el cuello de Judeline con las piernas y se queda suspendida sobre su cabeza mientras ondea los brazos. Totalmente acorde a la sensualidad de la propia canción. A mitad de show, sin embargo, sientes que llevas viendo lo mismo demasiado tiempo. No es hasta el final del set, con ‘zarcillos de plata’ y ‘chica de cristal’, cuando vuelves a ser incapaz de despegar los ojos de la tarima.
Judeline, seguramente, podría haber llenado alguno de los escenarios principales. Lo mismo con Maestro Espada y Gara Durán, relegados al stage más pequeño del festival, pero merecedores de mucho más. La artista madrileña es uno de los nombres que, de seguro, irán escalando escenarios en los años venideros. La presencia de Ajenjo en el concierto lo corrobora. El pop ensoñador de Durán, combinado con su dulcísima voz, es una alegría para los oídos. Si además lo combinas con grandes canciones, como son ‘Robot’ o ‘Salvavidas’, el resultado solo podría quedar empañado por cuestiones técnicas: unos bajos un poco pasados y un escenario que no estaba preparado para albergar un show así. De fondo, y por desgracia, se podía oír ligeramente al grupo de Jordi Évole, Los Niños Jesús, que se ciñeron a versiones de temas tan trillados como ‘Escuela de Calor’ o ‘Pacto Entre Caballeros’. Esto contaminaba lo suficiente como para que las canciones más íntimas de su último EP no pegaran con la fuerza necesaria. En el futuro, seguro que se hace justicia.
La última jornada de Sonorama Ribera 2025 ha sido una despedida a la altura. El sorpresón de los esperadísimos Alcalá Norte en la Plaza del Trigo, que también ha dado lugar a infinidad de memes, adelantó una jornada perfecta de un festival que va creciendo cada año un poquito más y que, independientemente de lo que haya programado en el cartel o de la imposibilidad de conseguir alojamiento en Aranda, es siempre una experiencia que merece la pena.
Jens Lekman, el querido cantautor sueco autor del único e inigualable ‘Night Falls Over Kortedala‘, uno de los mejores discos de 2007, y de otras obras igualmente recomendables como ‘Life Will Save You Now’ (2017) o la reciente serie ‘Correspondence‘ (2019), vuelve con un peculiar disco conceptual que se pondrá a la venta el 12 de septiembre.
‘Songs For Other People’s Weddings’ es la historia de un músico indie que toca en bodas para ganarse el pan, escribiendo canciones originales para cada pareja que solicita sus servicios, pero que, a su vez, ha de lidiar con una relación a distancia. Lekman ha creado el proyecto junto al escritor David Levithan, quien ha escrito una novela ad hoc. Es decir, ‘Songs For Other People’s Weddings’ es un lanzamiento musical y literario, a la vez. El libro, de hecho, ya está disponible.
La gracia de ‘Songs For Other People’s Weddings’ es que está basado en la propia vida de Lekman, que ha desarrollado por accidente una carrera paralela como cantante nupcial después de que, en 2004, lanzara la canción ‘If You Ever Need A Stranger (To Sing At Your Wedding)‘, y le llovieran propuestas de cantar en bodas. Lekman dice que, sobre todo desde que el streaming se ha consolidado en la industria, este trabajo le ha permitido sacarse las castañas del fuego.
‘Songs For Other People’s Weddings’ se ha presentado con dos singles, el segundo de ellos, un ambicioso corte de más de 10 minutos llamado ‘Wedding in Leipzig’. Sin embargo, hoy elegimos como Canción Del Día el sencillo principal, ‘Candy from a Stranger’.
‘Candy from a Stranger’ es la tierna historia de dos enamorados que se rencuentran en una fiesta de disfraces basados en canciones. El narrador viste de ‘Rasperry Beret’ de Prince. Ella, de ‘Crazy in Love’ de Beyoncé. El reencuentro sirve a ambos para recordar momentos del pasado que reavivan la chispa de su relación en el presente, creando una mezcla agridulce de esperanza para el futuro y melancolía por el tiempo perdido. Sin embargo, lo que prevalece es la sensación de una nueva oportunidad. Una misteriosa pastilla «con sabor a laca de pelo» funciona como catalizador de esta unión.
Por supuesto, el sonido de ‘Candy from a Stranger’ es eufórico y feliz, similar al de los Cure the ‘Friday I’m In Love’ o ‘Why Can’t I Be You?’. Lekman se vale de trompetas, pianos y coros femeninos para construir una de sus edificantes composiciones. Solo este estribillo puede encapsular toda la ilusion romántica del mundo.
Cuán grandiosamente masivo puede llegar a ser un grupo de pop en la era de la música global, aún no lo hemos comprobado del todo, pues queda mucho siglo XXI por delante. Pero el alcance de BLACKPINK da una idea muy cercana. El girl group surcoreano, compuesto por Jisoo, Rosé, Jennie y Lisa, es junto a BTS el gran embajador del k-pop en el mundo y su concierto en el Estadi Olímpic de Barcelona de este sábado se celebra con todo agotado. 50.000 personas acuden al Deadline Tour en una de las pocas paradas europeas de esta gira de BLACKPINK que también es, de alguna manera, una gira de reunión, pues es la primera tras las incursiones de sus integrantes en solitario.
El concepto del Deadline Tour es sumamente inusual para un concierto de un grupo de pop, aunque quizá no tanto dentro de su contexto específico, donde es común que grupos con decenas de integrantes se dividan en proyectos subalternos. Jamás vimos a los integrantes de Take That, Spice Girls, Backstreet Boys o ‘N SYNC desarrollar carreras solistas exitosas mientras las formaciones originales seguían activas, sin haberse separado temporal o definitivamente. BLACKPINK es un triunfo del márketing, por esta y otras razones.
El Deadline Tour ni siquiera es un show especialmente impactante a nivel visual. Una gigantesca pantalla rectangular, que se curva en su parte inferior -y que ha sido reestructurada por problemas técnicos- preside el escenario, el cual se bifurca en dos pasarelas que se juntan en la punta, formando una especie de V.
El espectáculo no escatima en efectos especiales -fuegos artificiales, chorros de fuego y explosiones de confeti- ni en bailarines, pero sus ideas escénicas (bailes con sillas, marcos a lo Beyoncé) son básicas. La pista se inunda con un océano de luces rosas, ya que al público se le ha entregado una especie de mazo con los cabezales con forma de corazón. Como ese corazón que las integrantes de BLACKPINK reproducen continuamente con las manos, enviando su amor a los fans. Las interacciones con el público abundan, y Rosé dedicará un minuto a pedir calma, dado el calor, y que los asistentes eviten dar golpes y empujones.
El concierto del Deadline Tour se divide en cinco actos y un bis. De esas secciones, la 2 y la 4 se usan para que cada integrante de BLACKPINK presente su material en solitario: Jisoo y Lisa actúan en el Acto 2 y Jennie y Rosé en el Acto 4. Cada solista está integrada conforme el peso de su propio repertorio: Lisa, que canta ‘Thunder’ y ‘Fuck Up the World’, pero no ‘New Woman‘ -no puedo ser el único que fantasea con una aparición de Rosalía-, equilibra la actuación de Jisoo, cuyo setlist en solitario es el más flojo; Rosé, que se trasladará al escenario comiendo churros con chocolate desde la pasarela inferior, se presenta sola la última porque ‘APT‘ es la canción más masiva del set.
Stacey Morales
Aunque, de las propuestas solistas, la de Lisa es -junto a su misma figura- la más ovacionada, la de Jennie es la más sorprendente y mi favorita personal. En BLACKPINK no se hace notar demasiado, incluso hay momentos en que parece distraída. Sin embargo, cuando le toca salir sola con chaqueta de cuero y gafas de sol, lo peta. Las canciones en solitario de Jennie, sencillamente, son las mejores de todas; y la mezcla de ritmos urbanos y coreografía convierten ‘Handlebars‘, ‘Like Jennie’ o ‘In the IE (way up)’ en tres momentazos.
El resto de actos se dedican al catálogo conjunto de BLACKPINK y absolutamente todas las canciones son recibidas con gritos ensordecedores. Lo mismo cada vez que la pantalla proyecta el rostro de una de ellas, o el nombre.
Casi más ensordecedores que la propia música de BLACKPINK, porque si algo son canciones como ‘Kill this Love‘, ‘Pink Venom’, ‘Shut Down’ o ‘Jump‘, es chillonas a más no poder. El éxito de BLACKPINK reside también en que sus canciones están diseñadas para producir un impacto inmediato: apelan a las emociones de manera directa e implacable; incluyen drops épicos, estribillos pegadizos y producciones estruendosas que tiran de pop, hip-pop y EDM y letras que transmiten una actitud confiada y envalentonada, de chicas que se comen el mundo.
El «producto» detrás de BLACKPINK, sin embargo, es evidente en directo y expone que en BLACKPINK importa, sobre todo, el todo. Aunque Jisoo, Rosé, Lisa y Jennie han triunfado en solitario, es obvio que ninguna de ellas es una cantante o bailarina extraordinaria. Las coreografías se ejecutan de forma bastante rutinaria, las voces alternan pregrabados e interpretaciones en vivo, como las de Rosé, que canta las baladas, correctas aunque mejorables, y tampoco son las cuatro grandes oradoras: Jisoo directamente no habla inglés. Jennie reconoce no saber «qué decir». Rosé dejará una frase para la posteridad: «Barcelona siempre es Barcelona». ¡Claro!
Y, sin embargo, el pack completo de BLACKPINK funciona gracias a una combinación de factores: es la marca más poderosa, junto a BTS, porque mezcla una imagen impactante, canciones pegadizas diseñadas para un público masivo, cuatro integrantes con personalidades bien definidas y un proyecto que llega en el momento justo, en 2016, cuando los gustos culturales empiezan a consolidar la presencia del k-pop en el mundo. Este mismo 8 de agosto se han cumplido nueve años desde el lanzamiento de ‘Whistle’, el single de debut de BLACKPINK, presente en el repertorio, y las chicas lo celebran dándose un tierno abrazo proyectado en las pantallas.
Spice Girls a los 6 años ya estaban separadas, pero la perfectamente engrasada maquinaria del k-pop no iba a permitir que peligre la integridad de BLACKPINK. No sé cuál es el futuro de BLACKPINK o si pueden llegar a ser incluso más masivas de lo que ya son. Pero en esta parada del Deadline Tour en Barcelona, estos cuatro iconos surcoreanos ofrecen una celebración sin pausa de la unidad y un ideal de lo que el k-pop puede ser, cuando se hace bien.
Doja Cat lleva días avanzando en redes el sonido de su nuevo single, ‘Jealous Type’. Este tema formará parte de su nuevo disco, ‘Vie’, que promete ser su regreso al pop tras la inmersión hip-hopera -y decepcionante- de su anterior trabajo, ‘Scarlet‘ (2023).
Esta noche, Doja Cat ha presentado ‘Jealous Type’ al completo en el festival Outside Lands de San Francisco, y la vuelta al pop es evidente. Y no solo porque Doja Cat haya estrenado un look ochentero que remite al de Jem & the Holograms. ‘Jealous Type’ avanza un sonido claramente influenciado por aquellas producciones rítmicas y sofisticadas que Jimmy Jam & Terry Lewis crearon para Janet Jackson y Alexander O’Neal en los 80. La comparación no es casual, ya que Doja Cat ha llegado a subir una imagen promocional de ‘Vie’ acompañada de un audio de ‘Saturday Love’ de Alexander o’Neal y Cherrelle.
Sin embargo, todavía habrá que esperar para escuchar la grabación de ‘Jealous Type’, ya que el single se lanza el 21 de agosto.
En otro orden de cosas, Doja Cat ha coincidido en el mismo festival con Pablo Tamayo, el fan que el pasado mes de junio la incomodó durante una extraña interacción que acabó con el fan regalándole su camiseta a la cantante. En un vídeo publicado por Tamayo, se veía a la cantante sonriendo mientras él la abrazaba y besaba de forma insistente. Sin embargo, una semana después, Doja Cat acudió a X para declarar que aquel momento le había resultado incómodo y que Tamayo se había excedido al tocarla y besarla, llegando a “manosearla”.
“Creo que a veces debería defenderme en el momento, porque ese chico no me conoce en absoluto para tocarme y besarme de manera”, comentó Doja, añadiendo que había tirado “esa camiseta sudada a la basura”. Sin embargo, parece que ambos han limado asperezas.
Sofia Kourtesis, autora de uno de los mejores discos de 2023, ‘Madres‘, y de himnos de electrónica pop sublimes como ‘Si te portas bonito’ o la titular ‘Madres’, ha vuelto este año con nuevo EP, ‘Volver’. Este trabajo está dedicado a su madre y también a la comunidad LGBTQ+ «por la fortaleza que encontramos al unirnos, no importa el género o el estatus social».
‘Volver’, que obtiene su título de la película del mismo nombre de Pedro Almodóvar de 2006, incluye los singles ‘Canela pura’ y ‘Unidos’ con Daphni (proyecto paralelo de Caribou), pero hoy elegimos como Canción Del Día su sencillo actual, ‘Corazón’.
‘Corazón’ es uno de esos maravillosos himnos de electrónica pop de Sofia Kourtesis. Esta vez, una emotiva producción de estilo ambient-house, guiada por un pulso rítmico hipnótico que se entrelaza con melodías sintéticas de textura líquida, envuelve una historia de amor que resiste la distancia.
Para Kourtesis, esa distancia “le come el cora y le duele”, pero la fuerza de ‘Corazón’ reside en su convicción de que “nada nos va a separar”. Aunque la artista puede estar hablando de su propia vida como artista radicada en Berlín que viaja a Perú -su tierra natal- por lazos familiares, la letra es lo suficientemente universal como para resonar en cualquier oyente que viva una situación similar, de distancia romántica, familiar o de amistad.
‘Corazón’ elige para contar esta historia una melodía preciosa, de las mejores jamás escritas por Kourtesis, e interpretada además con más convicción que nunca. Ningún viaje en «altamar», por turbulento que sea, podría tumbar esta canción.
Un cartel puede tener sus más y sus menos, pero siempre se puede arreglar. Lo difícil es conseguir que, pese a todo, haya magia en el ambiente. Sonorama Ribera siempre lo hace. Puede que venga en forma de sorpresa, como la de Antonio García (Arde Bogotá) y David Ruiz (La M.O.D.A.) en el concierto de Sanguijuelas del Guadiana en la Plaza del Trigo. Puede que tome la forma de un clásico que hacía años que no escuchabas, como ese ‘Tenía Tanto Que Darte’ con el que Nena Daconte comenzó su set, directa al grano. O puede que venga en forma de un sentimiento inexplicable. Uno que incluso te puede invadir en los momentos menos pensados. Por ejemplo, durante un concierto de La Raíz.
La banda valenciana se encuentra en mitad de una gira de reencuentro después de 6 años que a la vez conmemora sus 20 años como formación. Esto los ha llevado a protagonizar el primer macroconcierto de la jornada del viernes, que a la vez se trataba de su primera vez en el festival arandino. Ellos mismos no se creían el llenazo que estaban presenciando, comparable a lo que había ocurrido con Viva Suecia la noche anterior: “No podemos explicar lo que estamos viendo”. Sin quitarle mérito a La Raíz, pero esto también prueba que la magia muchas veces la pone el público y, en concreto, el de Sonorama debe ser uno de los mejores que haya. Disfrutan lo que sea, a la hora que sea, y lo hacen saber. Lo hacen saber bailando, cantando cada palabra, formando grandes pogos de amor y aplaudiendo lo que hay que aplaudir. Como las palabras que pronunció Panxo de Zoo Posse: “Tenemos las redes y las calles llenas de cryptobros, nazis y subnormales de todas las clases”, aseguró.
Rodrigo Mena Ruiz
El mismo describió el grupo como “orgullo de barrio y pueblo”, que es lo mismo que decir que La Raíz es para todo el mundo, sin exclusiones. Yo mismo pensaba que no era para mí, pero me equivocaba, porque fue uno de los conciertos que más disfruté en toda la jornada. Tiene mucho de experiencia colectiva, pero también de viaje musical. El ska, el rap, el rock, el reggae y hasta el jazz se mezclan en el escenario gracias a una gran banda en la que los vientos y los coros reinan, sobre todo. Los estados de ánimo también fluctúan, pasando de la fiesta ebria de ‘Borracha y Callejera’ a ese sentimiento inexplicable que mencionaba previamente con ‘El tren Huracán’. Mientras me movía al escenario contiguo, intentando sortear el mar de gente que tenía por delante, solo encontraba personas que, o estaban bailando, o estaban ensimismadas de alegría. Lo mismo no ocurrió con Franz Ferdinand. El «mood» de los escoceses era lineal: hits.
La jornada del viernes era de pillar un buen sitio en los escenarios principales y no moverse en toda la noche, porque todo lo que venía merecía la pena. Después de una impresión un tanto fría en el Warm Up, Franz Ferdinand consiguieron remontar en Sonorama. El público del festival siempre recibe bien a cualquier artista, pero también tiene una tendencia a volcarse más con los nombres nacionales que con los internacionales. Ya lo vimos con Wilco hace dos años y ayer mismo con Supergrass. Para los fans de estos grupos, genial. Para la energía del show, no tanto. Sin embargo, los de Alex Kapranos sufrieron esto a medias y en parte se debe a su propio frontman, que desde luego sabe mover una multitud: “Me encanta el sonido que estáis haciendo esta noche”, apuntó. Así que sí, el público cumplió, pero no tanto como en Carolina Durante.
Rodrigo Mena Ruiz
Diego Ibáñez dijo dos cosas importantes en la rueda de prensa que dio unas horas antes del concierto, en el mismo recinto del festival. La primera es que se encontraba un poco resfriado. No se notó. La segunda iba dirigida a la energía del público: “No me apetece ver al elenco de ‘The Walking Dead’”, aseguró. Al principio, parecía que La Raíz iba a mover más a los asistentes que el terremoto Carolina, pero las revoluciones fueron subiendo poco a poco durante todo el show hasta convertir todos los recovecos de la pista en una jungla, incluso la periferia.
El grupo madrileño tiene una facilidad brutal para convertir la imperfección en un motivo para quererlos. Ya ocurrió en su último Movistar Arena. Y volvió a ocurrir al empezar la canción ‘San Juan’, en la que claramente algo iba mal. “A veces, la primera sensación que te da una persona no es la mejor y esos es lo que ha sucedido con esta canción. Vamos a empezar de nuevo. Mario no había afinado la guitarra… Es nuestra primera vez en el Sonorama y estamos un poco nerviosos”, contó Ibáñez. Una trola piadosa en toda regla. Los chavales estuvieron tanto en el Trigo en 2018 como en el recinto principal en 2023, cuando compartieron cartel con Jorge Drexler y Vetusta Morla. Los fallos técnicos aparecen frecuentemente en sus shows, sí, pero las canciones son tan buenas que compensa.
Se puede señalar la canción exacta con la que el público empezó a volverse loco, y es claramente ‘Yo pensaba que me había tocado Dios’. Anoche, sonó dos veces, en dos escenarios diferentes. Ibáñez propuso una batalla contra Barry B para ver quién la hacía mejor. Para cuando llega el final del redondísimo show de Gabriel Barriuso, estaba muy claro quién había salido ganador. Y estoy seguro de que Diego también estaría de acuerdo después de ver la pista partiéndose en dos.
Rodrigo Mena Ruiz
Primera vez del artista arandino en uno de los escenarios principales de Sonorama. Probablemente, el concierto más importante de la carrera de Barry, al menos a nivel personal. Es algo que no llega ni muy tarde, ni muy pronto. ‘Perfect timing’. El público sigue estando familiarizado con los temas del principio de su carrera, de los que no se olvida, tales como ‘Taj Mahal’ o ‘Soleá’. Esta y ‘SWISH’ son revitalizadas con un toque de funk que ya vimos en la Sala But, pero que aquí cobra otra magnitud. Barry también tiene a su disposición las canciones más grandes de su carrera. Nunca pensé que una canción con Aitana quedase tan bien en su set, pero ahí está ‘TRANKIS’. A la vez, temas como ‘Chocolate Axe’ o ‘Monster Truck’, recién salidas del horno, son recibidas por los presentes con los brazos abiertos. El cóctel perfecto para que surja la magia.
Mencionaba antes que esta era algo inexplicable, pero no en el caso de Barry. Estás viendo a alguien cumplir un sueño en tiempo real, que no se puede quitar la sonrisa de la cara y que está tan suelto que frases como “esta es la mejor ciudad del mundo y este es el mejor festival del mundo” no le parecen una exageración. Estás viendo a una pareja, artística y sentimental, cantar una canción que escribieron en memoria de un amigo fallecido. Por supuesto, me refiero a ‘El lago de mi pena’ y a Gara Durán, que siempre es aplaudida a más no poder en los conciertos de Barriuso. También estás viendo uno de los momentazos de lo que llevamos de festival, que a la vez se trata de una necesaria reivindicación. Barry lo anuncia como un “paréntesis”. “Hace un año, mi prima salió del hospital, por leucemia, y esta canción le hace ilusión porque la cantaba siempre y ahora la va a cantar conmigo”. La letra de ‘40K’ dice que “la vida son etapas diseñadas para crecer”. Al terminar, Barry ya ha hecho magia: “Todo en favor de la investigación. Aquí está ella”.
Chappell Roan y Reneé Rapp son las dos primeras mujeres abiertamente lesbianas que logran ocupar los primeros puestos de las listas de éxitos británicas de forma simultánea. Un hito para la representación queer global. ‘The Subway‘, el nuevo single de Roan, entra directo al top 1 de singles en Reino Unido, y ‘Bite Me’, el segundo álbum de Rapp, abre en el top 1 de álbumes.
‘Bite Me’, que desbanca de la primera posición un recopilatorio de Oasis, ha registrado exactamente 15.643 unidades en Reino Unido. De ese total, 5.821 corresponden a CDs, 4.541 a vinilos, 340 a casetes, 205 a descargas digitales y 4.736 a ventas equivalentes generadas por streaming. ‘Snow Angel‘, el debut de Rapp, publicado en 2023, no pasó del 7º puesto en las islas.
El caso de Rapp es curioso, ya que la artista de Carolina del Norte no cuenta actualmente con ningún tema en la lista de singles británica, ni entre los más radiados. ‘Leave Me Alone‘ no pasó del puesto 69 y ni ‘Mad’ ni ‘Why Are You Still Here?’ han registrado entrada alguna. Ningún corte de ‘Bite Me’ aparece tampoco entre los más reproducidos en el top 200 de Spotify en Reino Unido.
El éxito de Rapp probablemente se deba al poder del fenómeno fan, como sucede a menudo con los artistas de k-pop. Su base de fans, formada a lo largo de los años gracias a sus apariciones en televisión y teatro, y consolidada después con su carrera musical, ha acudido en masa -ya sea a tiendas físicas o virtuales- para comprar el disco. Sin embargo, por ahora, el fenómeno todavía no es transversal.
En Estados Unidos, país de nacimiento de Reneé Rapp, y por tanto su mercado principal, la situación es la misma: el portal HITS Daily Double estima que ‘Bite Me’ abrirá en torno al top 3 del Billboard Hot 100 con aproximadamente 64.000 unidades equivalentes. Sin embargo, ningún single de ‘Bite Me’ figura entre los más exitosos del país ni entre los más reproducidos en streaming.
‘Bite Me’ incluye temas tan pintones como ‘Leave Me Alone’ o la reciente Canción Del Día ‘Kiss It Kiss It‘. Os dejamos con una actuación en directo del nuevo single, ‘Shy’.
En cuanto a Chappell Roan, ella es además la primera artista que logra dos números 1 de singles en Reino Unido en 2025: el primero con ‘Pink Pony Club‘, el segundo con ‘The Subway’. Los streamings globales de este tema superan ya los 40 millones.
Shinova ha emitido un comunicado en el que niega algunas de las acusaciones vertidas hacia la banda vizcaína por su ex-bajista, Ander Cabello, despedido el pasado mes de febrero, en su comunicado de hoy. Ander acusa a Shinova de, entre otras cosas, expulsarle «injustamente» de la banda y de advertirle de que «no hiciera ruido» tras su despido de la formación.
Shinova aclara que Ander «no fue expulsado injustamente, sino que su salida fue una decisión consensuada por el resto del grupo, tras meses de conflictos internos y comportamientos incompatibles con un proyecto común». Durante estos meses, Shinova explica que hubo «tensión, faltas de respeto y agresiones verbales hacia miembros del equipo técnico, las oficinas y hacia los propios miembros del grupo» y que, después de intentar «en numerosas ocasiones solucionar esta situación», se decidió por la expulsión.
En cuanto a la supuesto aviso de silencio, el grupo explica que a Ander «no se le impidió hablar ni se le presionó, se le ofreció un acuerdo justo y respetuoso», e indica que «la afirmación de que recibió advertencias para no hacer ruido es falsa».
Shinova asegura, además, que Ander «inició acciones legales» contra la banda «en plena negociación y sin previo aviso, presentando una reclamación laboral que no se ajusta a la realidad de su vínculo con Shinova».
Ander Cabello, exbajista de Shinova, había comentado su expulsión «injusta» de la banda vizcaína en un comunicado de Instagram, meses después de que Shinova anunciara la marcha del músico en abril. En realidad, comunicaban que Cabello no formaba parte de Shinova «desde febrero».
Cabello respondió entonces publicando un fragmento de un documental sobre buitres, lanzando así una indirecta a los miembros de la banda que cofundó en 2008. Poco después, compartió un vídeo de un concierto de Shinova, grabado «un día antes» de que el grupo «le echara».
Se intuía que la salida de Cabello de Shinova no había sido de mutuo acuerdo, y Cabello confirmaba las sospechas, e incluso anunciaba que tomaría medidas legales contra Shinova para «defender sus derechos». Sin embargo, no explicaba el motivo de su expulsión -algo que ahora sí ha hecho Shinova-, pero sí acusaba a los integrantes de Shinova de advertirle de que «no hiciera ruido» y «aceptase lo que quisieran darme».
Cabello, que ha tomado la decisión de «no seguir más tiempo callado en esta situación», afirma que «nadie tiene derecho a borrar mi trabajo, el compromiso y la visión que he aportado desde el primer día, hace ya 17 años», defiende «no va a aceptar decisiones arbitrarias» y anuncia que acudirá a los juzgados para defenderse «porque creo en la justicia, en la transparencia y en hacer las cosas bien, aunque incomoden».
Casi dos años después de publicar su sorprendentemente bueno último disco, ‘Isn’t It Now?‘, y el mismo año en que Panda Bear ha lanzado su aclamado último trabajo, ‘Sinister Grift‘, que pudimos ver en directo en marzo en Barcelona, Animal Collective han lanzado material nuevo en estos días intensos de verano. En concreto, dos singles sueltos, que quizá formen parte de un proyecto mayor, o quizá no.
Como mínimo, ambos temas muestran a Animal Collective en buena forma. ‘Love on the Big Screen’ es el single principal, un pildorazo de pop psicodélico que recupera la inmediatez de ‘Merriweather Post Pavilion‘ (2009) o ‘Centipede Hz‘ (2012). Esta vez, sin embargo, la producción de Adam McDaniel y Avey Tare -integrante de Animal Collective- elige una textura particularmente rugosa y distorsionada. Pero la melodía soleada, imaginada en la escuela de Brian Wilson, prevalece. Hay quien bromea con que ‘Love on the Big Screen’ está inspirada en la pillada de la pareja de Coldplay, pero en realidad el lanzamiento del single se adelanta un mes al escándalo.
Igualmente un mes después, Animal Collective ha revelado la prometida cara b de ‘Love on the Big Screen’, ‘Buddies on the Blackboard’. En este caso, percusiones, texturas e hipnóticas melodías construyen una auténtico fiesta psych-pop que remite a los exuberantes viajes sonoros de ‘Strawberry Jam‘ (2007). De alguna manera vuelve a ser evidente que Dave Portner (Avey Tare), Noah Lennox (Panda Bear), Brian Weitz (Geologist) y Josh Dibb (Deakin) siguen solo su propio e inconfundible camino. Entonces conviene preguntar: ¿son igual de buenos que siempre, o simplemente ya no son cool?
Brian Eno, pionero y leyenda de la música electrónica y el ambient, ha hecho una llamada a los artistas para que se unan en el concierto benéfico que ha organizado en Wembley. El evento Together for Palestine tendrá lugar el próximo 17 de septiembre y se encargará de recaudar fondos para las familias de Gaza. Figuras como Khaled Ziada, Khalid Abdalla y Tracey Seaward tamién han contribuido a la organización.
«He tenido la suerte de trabajar con algunos de los artistas más importantes del mundo durante más de 50 años, pero uno de mis mayores lamentos es que durante ese tiempo todos nosotros hemos guardado silencio por Palestina», asegura Eno en su comunicado a la vez que convoca abiertamente a cualquier artista que quiera unirse a la causa.
El line-up de Together for Palestine se ha dado a conocer este viernes e incluye nombres como James Blake, Paloma Faith, Jamie xx, Rachel Chinouriri, Bastille o Mabel, entre otros.
El anuncio coincide con la reciente polémica entre Rosalía y el diseñador Miguel Adrover, que acusaba a la cantante de no haber apoyado públicamente a Palestina. La artista catalana respondió asegurando sentirse «triste» y opinando que «el señalamiento debería ir hacia arriba».
Brian Eno parece dar su punto de vista: «La mayoría de las veces, el silencio se debe al miedo y a que hablar abiertamente pueda provocar reacciones violentas, el cierre de puertas o el fin de una carrera», asegura. Sin embargo, también piensa que «esto está cambiando» porque «la verdad de lo que está sucediendo se ha vuelto imposible de ignorar».
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