Tanxugueiras han anunciado oficialmente la fecha de salida de su tercer álbum, tras ‘Tanxugueiras’ en 2018 y ‘Contrapunto’ en 2019. El disco saldrá en pleno verano, el 29 de julio, y será presentado de forma oficial el 6 de agosto durante el festival SonRías Baixas. En los últimos meses, Tanxugueiras han lanzado los singles ‘Desidia’, ‘Pano Corado’, ‘Averno’, ‘Figa’, ‘Midas’, ‘Telo’, ‘Coda’ y ‘Terra’, siendo este último su single más exitoso.
Las candidatas de Eurovisión 2022, Olaia, Aida y Sabela, también han dado a conocer la «Plataforma de Afectadxs por el Nuevo Álbum de Tanxugueiras», que es otra forma de dar nombre a la campaña de preventa del álbum. Las artistas lo han promocionado de esta forma: «No tenemos la portada, no tenemos el nombre del disco y, como sigamos así, no tendremos vergüenza. Pero si crees que somos una inversión más segura que las criptomonedas, ya puedes apoyarnos con la preventa del disco”.
Esta plataforma contiene varios vídeos de amigos y conocidos alegando tener el llamado «tanxumono», con los síntomas correspondientes, como forma de animar a los fans mientras siguen esperando la salida del disco, y de paso promocionar el lanzamiento de este.
Ya solo por ese maravilloso piano que suena justo antes del segundo 20, ‘Caballitos de mar’ merecía toda nuestra atención, si bien también enriquece el tema la producción psicodélica que embadurna todo el disco ‘Burbuja cómoda y elefante inesperado’. La canción pasa del pop de cámara a lo saltarín, resultando al final casi bailable.
La Motown ha inspirado a Los Estanques y Anni B Sweet en el desarrollo de esta composición, que habla de “oportunidades fallidas” pero manteniendo “la esperanza y la ilusión”. Explica la nota de prensa: “Los caballitos de mar son el símbolo del amor fiel y eterno. El demonio es el mensajero del mal que pretende acabar con la felicidad y así se mezclan en una estrofa que respira -en principio- mucha melancolía y calma y que acaba con alegría y fuerza. Un bucle de caídas y vueltas a empezar que solo busca una nana que los calme. Cuando la terminas de escuchar tienes más sensación de haber festejado que de haber sufrido una pérdida. Quizá más que un fracaso o una victoria, sea una canción de rabia por lo que pudo ser y nunca fue”.
De ahí que el tono del tema pueda ser interpretado como festivo e incluso divertido, pese a que su frase más sonora sea el lamento de que “tuviste una oportunidad”. Los Estanques y Anni B Sweet actúan este 22 de junio en Madrid como parte de Noches del Botánico, y en un programa doble junto a León Benavente. También aguardan festivales como Santander Music, donde actúan el sábado 6 de agosto, el mismo día que El Columpio Asesino, Delaporte, Glassio, León Benavente y sus amigos Lori Meyers.
alt-J, a punto de visitar nuestro país como parte del Vida Festival y de Mad Cool, realizarán una gira por salas el próximo otoño. «Salas» o algo así, puesto que las fechas tendrán lugar en recintos bastante grandes.
A la fecha anunciada en el Sant Jordi Club de Barcelona el 14 de noviembre, se añade el Wizink Center de Madrid (suponemos que en uno de sus formatos reducidos, pero aun así enorme), un día después, el 15 de noviembre. Las entradas ya están a la venta en los puntos habituales, por 42 euros.
La banda está presentando su cuarto álbum ‘The Dream’, donde se incluían pequeñas maravillas como ‘Get Better’, con la que os dejamos.
Phoenix han publicado este mes un single, antes de su actuación en Primavera Sound, sin anunciar disco. Como escaldados por que todas sus canciones más escuchadas sean realmente anteriores a 2010, parece que han querido testear a sus seguidores o simplemente ofrecerles algo nuevo en lugar de sólo un «greatest hits» en vivo.
Sin ser una de esas producciones que reencauzan carreras, ‘Alpha Zulu’ tiene cierto encanto, como también era el caso de ‘Ti amo’, ‘J-Boy’ o ‘Entertainment’ de sus últimos discos. Aunque su título apela a la primera y última letra del abecedario, la letra del tema pulula libre y misteriosa, prueba de que Phoenix van a lo suyo y jamás a la caza de otro ‘If I Ever Feel Better’ o ‘1901’.
La pena es que no hay una referencia a esta última composición por los pelos. Entre citas a Dios y a la historia -lo que casa muy bien con ese vídeo bobalicón, un karaoke de obras de arte-, hay una frase que dice «debería haber muerto a los 51, en 1953», lo cual nos lleva de manera intrigante al año 1902.
Phoenix quisieron referenciar la Belle Époque parisina en su gran hit ‘1901’. Decían que entonces París molaba más. Desconozco por qué ahora nos llevan al año siguiente en esta canción que cuestiona también «por qué escoger el cuerpo por encima del tiempo», pero el tema se sostiene, dignamente, en unos teclados que primero repiten un riff de teclado bastante juguetón, en un ligero cambio de melodía en su recta final y en todos esos «Woo ha» con los que Thomas Mars parece estar ejerciendo algún tipo de lucha libre.
El Sónar celebró su tercera y última jornada más aireado: la ola de calor remitió ligeramente y por fin se podía estar a gusto al sol. Finalizado el Sónar, el festival ha confirmado la asistencia de 122.000 personas a lo largo de tres días: es el segundo mejor dato de su historia, solo por detrás de la edición 25 aniversario, que cerró con 128.000. Foto: Clara Orozco
Sentada frente su piano se encontraba La Chica en uno de los primeros conciertos de la jornada. La cantante franco-venezolana llenó el SonarPark con su aura mística y su espiritualidad, y también con sus aullidos imposibles y aporreos de piano. También interpeló a la audiencia de diversas maneras y por diferentes razones. Dedicó un tema a «todas las mujeres del planeta porque somos brujas y venceremos», cantó «para los muertos» y, después de explicar que ha lidiado con la pérdida de su hermano, invitó al público a sanar sus heridas emocionales con el poder de la música,. En la final ‘Agua’ animó a la audiencia a corear la melodía «del cielo cae agua, lluvia poderosa» y se creó un momento mágico de unión, mientras ella cantaba por encima acompañada por una leve percusión de cumbia.
Poco después a Morad se le quedó pequeño el mismo recinto. No esperaba menos ya que el cantante del Hospitalet está situado en el Olimpo del mainstream, pero aún así me impactó la cantidad de gente que había congregada para verle, de todos los estilos y todas las edades. Para que se entienda, los artistas que han actuado en el SonarPark han solido atraer a pequeñas masas de gente en las primeras filas. Sin embargo, las masas en el concierto de Morad ocuparon todo el largo y ancho del recinto.
El artista salió al escenario con intención de reivindicar la calle. Salió vestido con chándal, indumentaria a la que ha llegado a dedicar una canción, que cantó en directo, e incluso afirmó que «en todos sitios de Barcelona donde me veáis llevaré chándal». Durante el show de Morad quedó claro que es importante para él reafirmar su origen humilde desde su posición privilegiada en la industria porque su vida no ha sido precisamente un camino de rosas. De hecho, el cantante que, en todo momento, se mostró simpático y majo, no dudó en arremeter contra la policía, y con su comentario se ganó más aplausos.
En los momentos previos a que empezase el show de Maria Arnal i Marcel Bagès se palpaba un ambiente de intriga, el que suele generarse cuando el público está a punto de presenciar un espectáculo nuevo. ‘Hiperutopia’ representa la reinvención de las canciones de ‘Clamor‘ en un contexto más electrónico (‘Fiera de mí’ sonó remezclada) pero, sobre todo, supone un show mágico con la presencia del Coro de Chicas del Orfeón Catalán, compuesto por más de una veintena de personas. Sus voces atravesaron todas las canciones, de las más litúrgicas a las más bailables y viscerales, pues incluso la tralla trance del final quedó iluminada por sus voces. Eran un rayo de luz que perforaba la oscuridad.
Ataviada con un vestido blanco formado por harapos (o algo así), Maria Arnal pareció la líder de una comunidad pagana, lo cual se acrecentó a medida que avanzaba el concierto, cuando hasta las coristas salían a bailar el tecno como poseídas por el espíritu de ‘Midsommar‘. Las bases tectónicas de Marcel sonaron crespas y afiladas mientras el productor se bebía una cerveza, como consciente de que nadie le iba a prestar demasiada atención frente al espectáculo que montaban Maria y sus coristas.
‘Hiperutopia’ dejó un momento curioso cuando Maria «invitó» al escenario a Holly+, el alter ego digital de Holly Herndon. De la nada apareció en el escenario un extraño instrumento que parecía un órgano que se tocaba solo. No se entendió el funcionamiento del instrumento, ni su relación con Holly, ni siquiera quién era Holly+, y si se puede reprochar algo a Maria Arnal y Marcel Bagès es que no explicaran mejor esta parte del concierto. Por lo demás, ‘Hiperutopia’ fue un show mágico y emocionante. Foto: Roncca
El descubrimiento de Sónar de Día llegó claramente con Nu Genea. La banda napolitana montó una auténtica fiesta de ritmos funk y disco clásicos que no dio tregua y que podría haber durado una hora más sin problema. La gracia de Nu Genea es que su música contiene un claro poso mediterráneo o veraniego, y si algunas de sus melodías vocales suenan inspiradas en la bossa nova, las de sintetizador acarician el aire con una sensibilidad arábiga. Sin ir más lejos, su disco se llama ‘Bar Mediterraneo’ y sus canciones están hechas para sonar durante una puesta de sol en verano. A la hora que tocaron, a eso de las 8 de la tarde, no podía apetecer más un concierto suyo. Y qué concierto: la banda de músicos demostró una musicalidad apabullante, y la vocalista cantó con suma fuerza y expresividad. A veces incluso buscaba las notas operísticas de una Yma Sumac. Fue una gozada presenciar la sinergia de la banda cuando armonizaba la misma melodía con diferentes instrumentos (incluida la voz). El momento álgido llegó con un solo de saxofón que atravesó la atmósfera. Y la vivacidad de canciones como ‘Tienaté’ o ‘Merechià’ contagió al público.
Que Dios me perdone por dedicar a una jam band napolitana más palabras que a los Chemical Brothers pero poco nuevo (por no decir nada) se puede decir de su show, el mismo que hemos presenciado varias veces en otros festivales. Yo he estado en presencia de sus robots gigantes tanto en el Low Festival como en el Bilbao BBK Live, y en ambos casos el de los Chemical Brothers me ha parecido uno de los mejores shows musicales que he visto en mi vida. También es verdad que el factor sorpresa ayuda y que, sin él, se convierte en un show más predecible, aunque no por ello menos impactante. Los espectaculares visuales, llenos de color y de personajes desquiciados, que huyen desesperadamente hacia algún lado o caen al abismo; los disparos lumínicos que amenazan con fusilar a los presentes, los mencionados robots y otros humanoides gigantes que dan el mismo terror… refuerzan el impacto de los pepinazos de los Chemical Brothers, que por poco hicieron colapsar el recinto de La Fira, ya en Sónar de Noche. ¿Alguien en las primeras filas sobrevivió acaso? Foto: Nerea Coll
El siguiente reclamo del sábado era Arca, que ofreció un espectáculo decadente centrado en los ritmos del reggaetón y otros más electrónicos. La venezolana o bien pinchaba detrás de la mesa, o bien cantaba delante de la misma. Bailaba un poco, pero no mucho, que diría Amaia, y se la veía bastante estática en el escenario, quizá porque iba embutida en un corpiño metálico que le descubría las tetas, y no le permitía moverse demasiado. El momento en que más se movió, la productora se agachó, enseñó su culo cubierto por un tanga, y a continuación descubrió el ano, proyectado en primerísimo plano a través de las pantallas. Foto: Clara Orozco
La energía en el show de Arca fue extraña. A la productora le faltó recibir más energía de su público, al que se percibió cansado después de varios días de festival. Sin embargo, su set avivó el ambiente con sus ritmos reggaetoneros y los beats destructores que la caracterizan. Nadie entendió por qué decidió acabar el show con un solo de piano distorsionado y desafinado que a nadie le apetecía escuchar. Nada que no pudieran solver las siguientes sesiones de electrónica que se avecinaban, como la de Eric Prydz, con las que el público del Sónar descendió definitivamente a lo más hondo de la noche. Y con los ritmos de The Blessed Madonna amaneció un nuevo día.
Nevver son uno de esos grupos nacionales que no conocen límites a la hora de afrontar géneros. El trío de Getafe compuesto por Javier Aparicio (voz), Borja Aranda (teclados y guitarras) y Raúl Serrano (bajo) busca los puntos en común entre la introversión inherente al post-punk y el ensimismamiento del trap en un disco de debut que comienza hablándonos de «las veces que nos han hecho daño». Tanto en ‘Amaneciendo y anocheciendo’ como en ‘Tu boca mordiéndome el labio’.
El poeta canario Félix Francisco Casanova, fallecido a los 19 años a principios de 1976, es quien inspira los títulos de las composiciones de ‘999’, un lanzamiento que sucede a su EP ‘Disforia’, que ya incluía temas como ‘Malos hábitos’ y ‘Varsovia’.
En ellos podíamos encontrar influencias como Joy Division y Agorazein, lo cual es quizá lo mismo que decir que la banda madrileña podría ser prima hermana de VVV[Trippin’You] o Depresión sonora. ‘Cuando la noche me aprisiona’ comienza como una producción de pop sintético medio italo, en la que irrumpe una batería desbocada. ‘Te veo en cada vaso de agua’ incluye un rapeado/recitado de Claudio Montana, y se acelera también en última instancia.
Respecto a esta última pista, no es -o no solía ser- tan común ver editado en Elefant un álbum con su punto de rap, donde caben versos como «Getafe, Madrid, Moratalaz / Ciudad hueca, matar a alguien». Ni una canción como ‘Atrapando olores en el aire’ en la que lo mismo se repite hasta la saciedad una frase tan Alejandro Sanz como «sólo cuando tú me miras» como esto: «Tienes sábanas blancas, pensamientos impuros / El diamante lo parto, como parto tu culo».
En esta misma canción, a continuación la frase «dicen que voy de duro, contigo soy un blando» vendría a resumir el universo de desamor, inseguridad y el lirismo que encontramos en las canciones de Nevver. Un universo que encuentra su mejor expresión en el reciente single ‘Amaneciendo y anocheciendo’, de producción ondulante, de bucle hipnótico; o en ‘Tiernos maullidos eléctricos’, en la que podemos hallar restos de indietrónica y de la impredecibilidad de Fuck Buttons. Canciones que pululan entre el trap y el pop-rock como ‘Siempre triste y azul’; que se atreven a ser instrumentales, como ‘Hacemos el amor con la ropa puesta’; o que citan a Lola Flores como ‘Espero que nos crucemos al doblar una vida’; y en las que es indispensable el acabado de los productores Leftee y Rare, del colectivo valenciano Toxic Pop.
La jornada del viernes en Azkena prometía ser muy feliz. Qué más daba que mi note book hubiera decidido morir esa misma mañana y hubiera tenido que escribir la crónica del jueves con el móvil. Salí a comprarme otro. Y, en la puerta del hotel, me encontré a Greg Dulli, cantante de los Afghan Whigs: uno de mis mitos. Le pedí fotos y le di brevemente la tabarra en modo fan locaza. Luego encontré un note book baratito, lo dejé en el hotel y fui a la Virgen Blanca.
La Virgen Blanca es la plaza principal de Vitoria-Gasteiz, donde se celebran conciertos en formato vermut. Uno de esos sitios mágicos donde no haces más que encontrarte amigos. El sol era abrasador y pocos se aventuraban a ver el soul de Alexis Evans en frente del escenario. Los demás seguimos la jugada desde la sombra de las terrazas. Todo eran risas, encuentros, reencuentros con amigos que pensabas que ya no volverías a ver, hablar de música, especular con qué bandas podría traer la organización de cara a próximas ediciones, evaluar qué artistas son o no “azkenables”…
Jordi Vidal
Me dirigía a la comida pensando si no era todo eso que estaba viviendo la felicidad. La comida deliciosa. Y el vino. Y el calor de la calle… Tanta felicidad, ay, tuvo consecuencias. En el recinto se discutía si los Drive By Truckers habían resultado aburridos o si habían acabado remontando, si el sonido era malo o increíblemente bueno en las primeras filas. Pero mi objetivo era, claro, The Afghan Whigs. El mejor grupo de rock de los 90. La banda sonaba como un tiro, Dulli derrochaba voz, carisma, pasión. Cayeron seguidos ‘Gentleman’ y ‘Algiers’, temazos de la vida. También hubo un recuerdo para Mark Lanegan, cuya efigie se dibujaba en la lona izquierda. Pero para entonces toda la felicidad del mediodía me había llevado a un fundido en negro.
Oscar L Tejeda
El sábado se repitió la liturgia. Virgen blanca, amigos, terraza y concierto. Pero esta vez, sólo agua. Y el country cortavenas de Theo Lawrence and The Possums. El aire al mediodía y a primera hora de la tarde abrasa. Pero en el interín de descansar, ducharse y volver al recinto, ocurre el milagro: refresca. Llueve. Queda una tarde-noche ideal para presenciar el gran triunfo de las mujeres en el Azkena. Si hace algunos años se criticó que el cartel fuera prácticamente masculino, en esta edición se ha demostrado que las mujeres rockean más y mejor, con tres conciertos para enmarcar de tres clásicas mayúscula: Emmylou Harris, Patti Smith y Suzi Quatro.
Pero la jornada la empiezo en el Trashville, una coquetona carpa que remeda un Saloon del Oeste. Allá tocan las Tiburona, pero no se las ve, entre el gentío, el humo y lo bajito que es el escenario. Este parece el espacio ideal para su garage surf ibérico. Pero los 45° que hace en el interior me empujan afuera, a Israel Nash. Con la bajada de temperatura su concierto sabe delicioso. Además, se escucha tan bien… Como teletransportado de Texas, Israel nos gana por su neulyounguismo, sus pintas genuinas y su melena al viento.
El primer gran concierto de la jornada es el de la gran dama del country y la canción americana Emmylou Harris. La del Azkena es fecha única en Europa. Todo un tanto para el festival. La elegancia, la clase, la presencia, y la voz de Emmylou, todo eso está casi intacto. Abre con ‘Here I Am’ y se va virando hacia las baladas. Emmylou está especialmente comunicativa. Explica la invención de bluegrass antes de tocar un ‘Get Up John’ muy divertido. Luego nos pone la piel de gallina con ‘My Name Is Emmett Till’. Y Emmylou nos explica que la canción versa sobre el brutal asesinato de un chico negro en 1955, que arrancó el camino de los derechos civiles. “Aún queda mucho, pero soy optimista”, exclama Emmylou.
Oscar L Tejeda
Emmylou recupera la fiesta en ‘Ooh Las Vegas’ de Gram Parsons. A continuación bromea: “Ahora voy a hacer un a capella, para dar un descanso a vuestros oídos y los míos”. La gente pide silencio a todo aquel que ose charlar. Se siente una emoción genuina en el ambiente. Un show delicado y hermoso.
Emmylou Harris ha sido un tanto. Pero el de Patti Smith es un concierto histórico. Sí, usamos el adjetivo “histórico” con demasiada frecuencia. Pero el de anoche pasará a los anales no solo del festival, sino a los míos. Patti está en una forma superlativa, de voz y de todo. Y el concierto fue un derroche de emotividad, pasión, fiereza, alegría y comunión, con una banda en estado de gracia, que incluía a su hijo Jackson y a Lenny Kaye. El inicio no puede ser más colosal: ‘Redondo Beach’. La emoción ya empieza a dispararse con un ‘Grateful’ precioso. Patti bromea sobre el tiempo y la bajada de temperaturas: “El tiempo ha sido bueno con nosotros. ¡Gracias cielo!”. Más chula que un ocho, bailando risueña ‘Dancing Barefoot’. Ay, qué maravillosa la guitarra, esos “Oh God!” finales.
Patti recuerda que este año se cumplen 25 años de la muerte de Allen Ginsberg antes de recitar con tremenda fuerza el poema ‘Holy’. Canta la canción, se exalta, nos arenga. Salta la fabulosa ‘Free Money’ de ‘Horses’. Patti nos arenga de nuevo. Y es tal la energía que recorre Mendizabala que Patti se emociona y rompe a llorar, aplaudimos locamente. Y nos arenga de nuevo: “Raise your hands, feel your blood, feel your freedom, you’re the future, the future is now!”
Es tanta la emoción, que Patti descansa por dos temas. La banda se dedica a hacer dos versiones de aúpa: ‘Helter Skelter’, que dedican a Paul McCartney, aprovechando que es su 80 cumpleaños (y presentada como “la primera canción punk”). Y una fiera ‘I Wanna Be Your Dog’ de los Stooges. Enloquecemos. Patti baila por detrás. El único momento en que tuerzo el morro es cuando le dedica una pequeña canción al capitán Jack Sparrow, que también, dice, es su cumpleaños. Pero aun así, una canción muy bonita. Como bonita es ‘One Too Many Mornings’ de Bob Dylan, que Patti dedica a Emmylou Harris.
El final del concierto ya es celebración y euforia desatados. Un ‘Pissing a River’ arrebatado y emocionantísimo. Un ‘Gloria’ estratosférico, en el que la comunión, el éxtasis colectivo, todo se desata. Chillo, canto, bailo casi histérica. Y como colofón, ‘People Have the Power’, con Emmylou haciendo coros. Lo dicho. Histórico.
El bolo de Patti me deja tan anonadada que, durante unos cuantos minutos ando como pollo sin cabeza por el recinto, hasta que aterrizo en el divertido concierto de Robyn Hitchcock, en el que aparece Lenny Kaye a la Stratocaster para cantar el ‘I Wanna Destroy You’ de los Soft Boys.
Jordi Vidal
Suzie Quatro se marca el concierto con más actitud y poses rockeras por minuto de todo el festival. Viene con una bandaza que incluye a dos coristas y tres vientos. Y es todo una pura verbena rock, muy al estilo americano, pero divertidísima. Suzie tiene el desparpajo y la clase, sabe cómo dominar al público. Ella está tremenda, de voz y de forma. Va vestida de tejano, camiseta negra transparente, gargantilla de cuero y muchas, muchas tachuelas. Una reina del rock total. Arranca con ‘The Wild One’, sigue con ‘Stumblin’ In’, que presenta como “su mayor éxito”, a dúo con el guitarrista, hay felicidad y cantes entre el respetable. Pone el recinto patas arriba con su versión del ‘Rockin’ in the Free World’ de Neil Young. La alarga, pide palmas, juega con el público, hay pausa dramática y remontada. Tiene un emotivo recuerdo para su madre, nos explica que lleva ya 60 años en el negocio y que ahora es oficialmente “la doctora Quatro”. Hay una larga presentación de la banda, cada una mostrando su talento etc. Se hace luego una exhibición al bajo, otra a la batería… Canta ‘Can the Can’, que presenta como su primer número uno en 1973. Y el cierre felicísimo con ‘If You Can’t Give Me Love’: brazos agitándose, felicidad, saxos, parejas poniéndose tiernas… Verbena, sí. Exhibicionista, también. Pero qué clase y qué empaque. Y qué maravilla poder disfrutar a tantas diosas del rock que, pasados los setenta, patean culos y cierran bocas con su arte. Un espectacular colofón para el 20 aniversario del Azkena Rock Festival. Y que dure así muchos años más.
Phoebe Bridgers ha anunciado que va a sacar una única canción durante todo el año 2022. Se trata de ‘Sidelines’, realizada para la serie ‘Conversations with Friends’ que puede verse en Hulu.
‘Sidelines’ es otra producción de bedroom pop, aderezada con arreglos de cuerda, pero tan bedroom pop que la línea de teclado en un momento resulta un tanto autoparódica. La melodía de las estrofas recuerda a ‘Some Might Say’ de Oasis.
Sin embargo, es la letra la que eleva ‘Sidelines’, consistiendo en una serie de tiernas enumeraciones como “ya no tengo miedo a volver al colegio”, “ya no tengo miedo a nada, ni a morir en un incendio, ni a la bancarrota (…) nada me hace llorar, ni un avión que se estrella, ni ahogarme en el océano”.
Por un lado, el estribillo destaca que no merece la pena ver el mundo pasar desde los márgenes y se postula entonces como canción de amor: “desde que viniste a mi vida, me diste algo que perder”. El tema termina diciendo: “antes solía pensar que podía oír el mar en una caracola, qué infantil”, como animando a oírlo en la vida real.
Phoebe Bridgers, que lanzaba este tema hace un par de meses de manera despreocupada, se ha preocupado después de hacerle un vídeo o esta semana de presentarlo en la tele, en el show de Jimmy Fallon, dándole entidad. Es finalmente nuestra “Canción del Día” hoy.
La canción ha sido escrita por Phoebe Bridgers junto a Marshall Vore y Ruby Henley, y existe una maqueta de la misma subida a Soundcloud, con la que también os dejamos.
Un comunicado informa a través de la página web de Sinéad O’Connor de la cancelación de todas sus actuaciones este año. La cantante espera poder llevarlas a cabo en 2023. El texto se refiere sin mencionarlo a la muerte de uno de sus hijos el pasado mes de enero.
Dice el texto firmado por 67 Management: “Con todo nuestro respeto nos gustaría anunciar que debido al proceso de duelo actual, se ha informado a Sinéad de que sería lo mejor para su salud que se tomara el resto de este año libre. Esperamos reprogramar los shows para 2023 cuando se sienta más fuerte”.
Continúa: “no ha sido una decisión fácil para Sinéad pero, tras haber sido aconsejada, es una decisión que ha tenido que tomar por su propia salud y bienestar”. A continuación, se agradece el trabajo de la agencia de la cantante y a promotores nacionales e internacionales.
La cantante tenía 3 conciertos agendados este mes de julio, que aún continúan apareciendo en su página web. El 17 del mes que viene actuaba en Dublín, el 24 en Galway y el 29 en el festival All Together Now de Portlaw, también en Irlanda.
Cecilio G fue detenido en el Sónar el pasado jueves, tras protagonizar varios altercados, lo que incluyó bajarse los pantalones y masturbarse delante de una chica, junto a una cafetería, o resistirse a las autoridades.
El autor de ‘Million Dollar Baby‘ ha pedido perdón al Sónar, como recoge El País: “Pido perdón a los trabajadores del Sónar que tuvieron que aguantarme, lo siento de corazón”. Sobre el acoso, explica: “No fue ningún tema de acoso sexual, simplemente estaba donde no me dejaban estar y me volví loco”.
Además, ha subido a Instagram un tema llamado ‘Starbucks’, que dura menos de 2 minutos. En él se refiere a su foto con la alcaldesa Ada Colau (“estuve borracho con la alcaldesa”), explica que se coló «en el backstage del Rojuu», justifica que le «han cancelado» por «tocarse en un Starbucks» y bromea sobre su cancelación: «Me han cancelado de la música, voy a echar currículum en el Día / Cada vez que voy al Sónar se lía, cincuenta seguratas encima mía».
Se refiere al «tonto de C. Tangana» y justifica: “dicen que iba drogado, estoy drogado todos los días”. En una de sus frases más sonoras, indica: “no me hables del Sónar 2022, estoy en 2027”. La letra completa está en Genius.
Dedicamos el nuevo episodio de «Revelación o Timo», el podcast de JENESAISPOP, a Bad Bunny. Hablamos de la carrera discográfica de Benito Antonio Martínez Ocasio, de su mejor álbum, del regreso del formato álbum en sí, de si su fórmula empieza a estar agotada por lo escuchado en ‘Un verano sin ti‘, o más bien todo lo contrario si nos fijamos en sus cifras de streaming… y del odio que genera entre los comentaristas de nuestra web. Orden del día:
-Bad Bunny como creador de ganchos: ¿por qué la crítica especializada le venera?
-El machismo en el reggaetón y el racismo/clasismo en el público a la hora de juzgarlo.
-¿Por qué le pusisteis un 8 a Bad Bunny y un 6 a [inserte aquí el nombre de su artista favorito]?
-Postureo y edadismo: ¿fingís que os gusta Bad Bunny para haceros los jóvenes?
-Cuándo descubrimos al artista: de ‘Soy peor’ a la crítica de ‘X100PRE’ de Raúl Guillén.
-Bad Bunny como cronista de los tiempos que vivimos.
-La sensibilidad en las letras de Bad Bunny: sus canciones más bonitas.
-La relación de Bad Bunny con la cultura queer: Alexa no era un hombre con falda.
-Pinchamos algunas de nuestras canciones favoritas del artista.
-Bad Bunny en el cine: de Marvel a Brad Pitt.
Foo Fighters han informado a través de sus redes sociales de la celebración de un par de conciertos en homenaje a su batería Taylor Hawkins, fallecido a los 50 años recientemente.
El 3 de septiembre estarán en el homenaje de Londres Mark Ronson, Josh Homme, Krist Novoselic de Nirvana, Greg Kurstin, Liam Gallagher, Supergrass y Nile Rodgers, entre muchos otros que podéis ver en el cartel bajo estas líneas.
El día 27 de septiembre en California repetirán Mark Ronson, Josh Homme, Krist Novoselic y Greg Kurstin, junto a otros nombres como Alanis Morissette, Joan Jett y Miley Cyrus. Los beneficios de ambos conciertos se entregarán a ONG’s seleccionadas por la familia de Taylor Hawkins.
Welcome newly added guest artists to The Taylor Hawkins Tribute Concert in London! Tickets are on sale today at 9AM local time. https://t.co/F6EhPQQIUw
The Taylor Hawkins Tribute Concerts will benefit charities in both the US & UK chosen by the Hawkins family. Details to follow. pic.twitter.com/iVrKkSpC96
Welcome newly added guest artists to The Taylor Hawkins Tribute Concert in LA! Tickets are on sale today at 9AM local time. https://t.co/vUleYXceoQ
The Taylor Hawkins Tribute Concerts will benefit charities in both the US & UK chosen by the Hawkins family. Details to follow. pic.twitter.com/ML9i3YoEn4
«La cosa está mal de tanto tiempo lo mismo / Parece normal, pero no es normal». Lo dice la propia Christina Aguilera en una de las canciones de ‘La Tormenta’, el 2º de los 3 EP’s que lanza este 2022 y que terminarán conformando su nuevo disco de estudio, ‘Aguilera’. Se refiere a una relación sexual en plena decadencia, pero podría referirse también al tipo de música latina que lleva años poblando las listas, ajena a las reinvenciones estilísticas de pioneros como Bad Bunny.
Solo que no lo hace en absoluto. Christina Aguilera ha llegado tarde y mal a la «moda latina» (nótense las comillas), cuando las tenía todas consigo para reclamar lo suyo, dado su origen ecuatoriano y su música editada en español hace décadas. Pero en este proyecto se ha rodeado de nombres tan sobados como los autores de ‘Despacito‘ y las producciones suenan tan viejas como la expresión «arrimar cebolleta», que es lo que parecen buscar aquí las producciones estelares, como el single ‘Suéltame’ con Tini.
Canciones como ‘Traguito’ comienzan en plan minimalista con una guitarrita, solo para después ir incorporando los beats típicos y esperables. Las sorpresas, los giros, brillan por su ausencia haciendo parecer la maravillosa ‘Accelerate’ -la mejor canción de Christina Aguilera, de largo- un sueño que nos imaginamos.
Peor aún, la música latina está en este mundo para bailar, para divertir, para hacernos llorar de risa con sus referencias al cerdeo, al bellaqueo, y estas letras carecen por completo de la picardía de una Becky G o una Karol G. «La cosa está muy mal», sí, cuando lo mejor son las múltiples referencias etílicas, a su vez tan poco imaginativas como «y por tu culpa abrí una de vino / la cuarta copa a nombre de lo que hicimos» o «vamos a borrar todo lo tóxico, con un tequila desde México».
Una cosa buena puede decirse de todo este proyecto y es que al menos está bien amalgamado. En ‘La Fuerza‘ había una ranchera, y en ‘La Tormenta’ hay otra, en este caso en 2 versiones: con y sin Christian Nodal. El efecto sorpresa se ha diluido, pero cuando su voz no es excesiva, qué duda cabe de que sí es tan poderosa para el género como Paquita la del Barrio. Ojalá hubiera sabido encauzarla para desatar esa «Tormenta» que en este EP no termina de estallar. Ni chispea, siquiera.
La jornada del viernes en el Sónar arranca con el tecnazo de LSDXOXO, que convierte el SónarHall en una rave cuando aún no son ni las 5 de la tarde. Mayoría de público queer en las primeras filas de este show de música de club deconstruida, por el que asoma un remix de ‘Milkshake’ de Kelis. Poco después, la sudafricana Kamo Mphela alegra el ambiente con un concierto centrado en el baile y en los ritmos del amapiano que resulta un descubrimiento para quien busque bailar ritmos diferentes y atípicos.
El show de ‘Liquidación total’ de Samantha Hudson es todo lo que esperas y más. La artista sale al escenario con un look situado a medio camino entre la Madonna del ‘Blond Ambition Tour’ y el cardado electrocutado de Bonnie Tyler. Samantha proclama que es el «puto anticristo» y se sube a la barra de striptease para reproducir la forma de un crucifijo mientras canta ‘Dulce y bautizada’. El show es un delirio de coreografías entre el voguing, la ruta del bakalao y el desnuque de «Lola Indigo», todo hecho con cara de susto, y el rap de ‘Por España’ es gloria bendita coreado por el público. Son varios los momentos del concierto con los que te partes de risa -incluida una pullita a Arca- y salgo del SónarHall convencido de que la irreverencia de Samantha Hudson no puede ser más necesaria.
Tener expectativas no debería ser un aliciente que fomentar. Niño de Elche había dejado en pasadas ediciones el listón muy alto. Sus propuestas en directo no caben en dispositivos digitales, o las ves en persona o no hay nada que hacer. Para la ocasión la excusa era un homenaje a su tierra, Valencia, y al arraigo de la músika fiestera. Paco Contreras actuó junto a Ylia y 40 músicos de la banda “La Valenciana”. A pesar de un retraso de 20 minutos, el arranque no pudo ser más excitante: los músicos que parecían sacados de una película de Berlanga salieron del extremo opuesto al escenario, y para sorpresa, cruzaron todo el aforo tocando. La excitación era total y ahí se quedó todo. Una vez instalados en el escenario apenas tocaron. Niño actuó bajo bases electrónicas difusas, llegamos a identificar ‘Machine Gun’ de Portishead y, tras innumerables cortes que, en principio parecían hechos a propósito para pasar a ser un martirio sin venir a cuento, nos advertía hablando más que Lady Gaga sobre el estado de diversión al que llegaríamos los allí presentes. Nada más lejos de realidad. Y eso que ‘Paquito Chocolatero’ tuvo su momento entre el público. Al final el globo se desinfló, la fiesta no fue tanta y gran parte de los asistentes abandonaron. Sr. John
Debo reconocer que no las tenía todas conmigo de que C. Tangana fuera a presentar en el Sónar el show de ‘El Madrileño‘ tal cual se está viendo estos días a lo largo y ancho de la geografía española. No me terminaba de encajar un espectáculo tan cañí en un festival de música avanzada. Pero sí, lo que se vio el viernes en Sónar fue exactamente lo que presenciamos hace semanas en Madrid: el espectáculo-película de El Madrileño se desarrolló en todo su esplendor. Con matices.
El show de ‘El Madrileño’ arrancó 20 minutos tarde. Y el inicio decepcionó: después de los redobles de Joselito no tenía ningunas ganas de escuchar ‘Still Rapping’ y menos como canción inaugural del concierto. Después, ‘Comerte entera’ no dio el pego. C. Tangana salió tarde y cuando el show arrancó pareció que lo hizo en el tramo medio del concierto, no en el inicio. La aparición de Nathy Peluso para ‘Ateo’ fue tan temprana que casi no dio tiempo a emocionarse. Eso sí, el público la cantó como si se le fuese la vida en ello. Ensordecedor es poco. Otra crítica: Pucho cortó ‘Nunca estoy’ en la mejor parte, el final.
No sé si a C. Tangana le pilló el toro y decidió cortar canciones in situ. Lo pareció, pero también salvó los muebles enseguida. El concierto-película está tan logrado que ni siquiera vale la pena mirar al escenario. Es mejor mirar la pantalla. La cinematografia es espectacular. Encima del escenario sucede básicamente una obra de teatro ambientada en una taberna española. La Húngara, Niño de Elche, Antonio Carmona… todos ellos se sientan en la mesa de El Madrileño, todos ellos viven su momento de gloria. Ante el fervor del público, a Pucho se le dibuja una sonrisa en la cara que le debe doler y todo. Se bebe una copa, baila encima de la mesa, dialoga con el barista… El Madrileño es maravillosamente feliz, y esa energía se contagia.
Entre recuperaciones traperas tipo ‘Llorando en la limo’ y la dedicación a ‘El Madrileño’, el setlist de C. Tangana me resulta extrañamente caótico. Sin embargo, llega un punto en que los momentos álgidos se suceden uno detrás del otro: ‘Demasiadas mujeres’, ‘Ingobernable’, ‘Los tontos’, ‘Tú me dejaste de querer’… Y cuando ya estás deseando que C. Tangana chape el concierto porque te estás derritiendo de calor y necesitas respirar, se saca de la manga ‘Un veneno’, invita a su cantaor a dejarse los pulmones, y termina cogido a hombros por sus músicos. Realmente, el show de ‘El Madrileño’ se parece a presenciar el rodaje de una película en directo, y te hace preguntarte si C. Tangana será capaz de superarlo. El concierto de El Madrileño compensó la tardanza, compensó el calor… lo compensó todo.
El calor es realmente insoportable en el Sónar durante el concierto de C. Tangana. Terminas con la ropa empapada de sudor. Es un alivio que termine aunque sea para meterse a continuación en el horno de Nathy Peluso. Ni cabe decir que Peluso es un terremoto encima del escenario. Casi no pasa un segundo sin que haga un paso de baile, y en un punto del concierto hasta se pone a saltar la comba. Subida en una tarima o situada a pie de escenario, donde baila junto a sus músicos, Nathy presenta un show de banda bastante clásico, en el que ella se lleva todas las miradas gracias a su poderío. Canta ‘Ateo’ sola, pone a todo el mundo a vibrar con ‘Puro veneno’, y simplemente es imposible dejar de mirarla.
La medianoche queda inaugurada con el espectacular show de Moderat. Puede que su nuevo disco ‘MORE D4TA’ no haya cumplido expectativas, pero escuchado en directo la cosa cambia. El grupo compuesto por Sascha Ring de Apparat, y por Gernot Bronsert y Sebastian Szary de Modeselektor, vuelca sobre el escenario todo un océano de ritmos y atmósferas electrónicas que te hacen sentir en el fin del mundo, en el mejor de los sentidos. El sonido es imponente, parece que va a derribar el recinto en cualquier momento, y cuando Apparat canta canciones como ‘DOOM HYPE’ o ‘FAST LAND’ con todo el poder que le sale del pecho te parece estar viendo la mejor reencarnación posible de Depeche Mode.
Estos días hemos comentado cuál puede ser el siguiente single de ‘MOTOMAMI’ de Rosalía ahora que la promoción del álbum parece haber llegado a una pausa mientras la cantante catalana se centra en la preparación de su gira mundial. En realidad la respuesta la ha dado el público: ‘BIZCOCHITO’ es la tercera canción más escuchada de Rosalía en Spotify solo por detrás de ‘LA NOCHE DE ANOCHE’ y ‘LA FAMA‘, y por delante del resto de singles. ¿Por qué?
Puede ser por varias razones. En primer lugar ‘BIZCOCHITO’ es una de las canciones más pegadizas de ‘MOTOMAMI’, sino la que más. También es una de las más divertidas. Pero, de manera inesperada, también es una de las pistas del disco que los DJs más están pinchando.
Solo en el Primavera Sound ha pasado por la sesión electro de 2manydj’s (a través de un remix que ya está tardando en salir), por la sesión de clausura de DJ Coco, y por la sesión house que Peggy Gou ofrecía en el Brunch on the Beach del domingo. Antes que esto, el DJ Paco Lumiere pinchó ‘BIZCOCHITO’ durante la actuación de la drag queen Astra Bomb en el bar IMPRFCTO de Barcelona. Y seguro que existen muchos más casos.
Tanto público como estrellas de los platos parecen haber decidido que, si hay una canción de ‘MOTOMAMI’ que se puede convertir en un auténtico hit popular, incluso por delante de ‘LA FAMA’ (que ya suma 7 meses de vida) o ‘SAOKO’, es ‘BIZCOCHITO’. Su depurado ritmo de reggaetón clásico la emparenta con ‘CHICKEN TERIYAKI‘ pero, a diferencia de esta, ‘BIZCOCHITO’ incorpora varios ganchos melódicos muy claros como son la melodía de sintetizador tipo politono de móvil (ya hay una versión no oficial tipo móvil de juguete subida a Youtube) y el «taratatá» coreado. ‘BIZCOCHITO’ es tan bobalicona que la gente se entretiene imaginando que es un tono de Tamagotchi o que está cantada en el «idioma de los Minions».
Al componente pegadizo de ‘BIZCOCHITO’ contribuye precisamente una letra divertida y absurda que, por indescifrable que parezca al principio (y después), se pega. Toda la canción parece acelerada, y rimas como «yo no soy ni via’ se’ tu bizcochito / porque tengo to’ lo que tiene delito» o «tú ere’ el que pimpea o te pimpean a ti / yo elegí mi lao desde el día en que nací» pasan por la boca como un trabalenguas. Esa que dice «habla bullshit, to’ lo que dice falsea / Y mi make-up en la ola de Corea» (no, no la he transcrito de memoria) suena ya apitufada, y termina llevando la canción al lugar más absurdo posible.
Curiosamente, la letra de ‘BIZCOCHITO’ responde a la de ‘Saoco‘ de Wisin & Yandel, en la que los reggaetoneros se dirigen a una chica por este término que la convierte en un mero objeto de deseo. Rosalía desafía así el machismo tan habitual en el reggaetón. Por otro lado, en la letra, la artista alude por primera vez a su éxito e influencia: «No basé mi carrera en tener hits / Tengo hits porque yo senté las base’ / Ya no tengo nada más que decir / Pa’ decirlo hace falta mucha clase» es una frase que en absoluto habría tenido cabida en ‘El mal querer‘, pero que la Rosalía de ‘MOTOMAMI’ expresa con dignidad, pero también con humor. El sonido de ‘BIZCOCHITO’ demuestra que no vale la pena tomarse nada de esto TAN en serio.
El 29 de julio Netflix estrena una breve serie de temática musical, y la plataforma se va a encargar de que no quede nadie sin enterarse. Se trata de un proyecto llamado ‘Fanático’, sobre la historia de un cantante que se quita la vida ante sus fans en el primer concierto de su gira mundial.
La sinopsis oficial habla de «la historia de Quimera, el mayor Ídolo musical de España que muere delante de sus fans durante un concierto. Lázaro, un fan incondicional, ve la oportunidad de escapar de su monótona y precaria vida y se convierte de la noche a la mañana en aquello que lleva admirando mucho tiempo: su propio ídolo». Serán tan sólo 5 episodios de 20 minutos cada uno.
En promoción de la serie, se ha subido a plataformas como Spotify el tema ‘Rebelión’ firmado por Quimera, el tercer tema asociado a este artista. Y al mismo tiempo se ha compartido un vídeo de excelente factura en el que aparecen algunos de los actores de la serie, como Fernando Valdivieso, Dollar Selmouni o Carlota Urdiales.
Pero además en el vídeo aparecen algunos de los talentos más conocidos de la escena nacional, como Amaia, Bad Gyal, La Mala Rodríguez o Samantha Hudson. Hay o habrá también apariciones especiales de Luna Ki, Bea Pelea, Albany, Fernando Costa, Hinds, Natos, Don Patricio, Recycled J, Selecta, Afrojuice y muchos más.
Entre los créditos que vemos en este vídeo se adivina también un papel especial para Santa Salut, que este año ha debutado en formato largo, ‘Discordia‘.
Los Estanques y Anni B Sweet conservan su top 1 en JENESAISPOP con ‘Caballitos de mar’, uno de los temas de su disco conjunto. La entrada más fuerte la protagoniza Sharon Van Etten, seguida de Cupido, Rigoberta Bandini y Demi Lovato. En la parte más baja de la tabla aparece por primera vez lo nuevo de Bronquio, Lava La Rue, TAAHLIAH y Pixies.
Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 2 Caballitos de mar Los Estanques, Anni B Sweet Vota
2 2 1 5 La canción que no quiero cantarte Amaia, Aitana Vota
3 – 3 1 Mistakes Sharon Van Etten Vota
4 – 4 1 Un cabrón con suerte Cupido Vota
5 4 2 5 SloMo Chanel Vota
6 – 6 1 A todos mis amantes Rigoberta Bandini Vota
7 3 3 2 Un ala rota (garrotín) Rocío Márquez, Bronquio Vota
8 5 5 2 Te felicito Shakira, Rauw Alejandro Vota
9 15 9 2 Febrero Luna Ki Vota
10 9 5 3 Potion Calvin Harris, Dua Lipa Vota
11 30 11 5 Talk to Me, Talk to Me Belle & Sebastian Vota
12 6 6 2 Spitting off the Edge of the World Yeah Yeah Yeahs, Perfume Genius Vota
13 10 1 6 No One Dies from Love Tove Lo Vota
14 – 14 1 SKIN OF MY TEETH Demi Lovato Vota
15 16 2 8 Used to Know Me Charli XCX Vota
16 37 4 7 I Love You Fontaines D.C. Vota
17 11 6 6 Domingo especialmente triste Biznaga, Triángulo de Amor Bizarro Vota
18 8 5 4 Late Night Talking Harry Styles Vota
19 22 1 8 Free Florence + the Machine Vota
20 31 1 13 My Love Florence + the Machine Vota
21 14 8 6 Noche iluminada Adiós Amores Vota
22 7 3 2 La prendo Bad Gyal Vota
23 19 3 11 As It Was Harry Styles Vota
24 32 3 19 Beg for You Charli XCX, Rina Sawayama Vota
25 18 1 19 SAOKO Rosalía Vota
26 20 1 25 Ay Mama Rigoberta Bandini Vota
27 28 1 13 Candy Rosalía Vota
28 24 3 13 The Lightning II Arcade Fire Vota
29 26 1 34 Yo invito Amaia Vota
30 27 5 10 No hay futuro La Casa Azul Vota
31 – 31 1 Fui a comprar a la cárcel BRONQUIO, 41V1L Vota
32 – 32 1 Hi-Fidelity Lava La Rue, Biig Piig Vota
33 – 33 1 Fall Into Place TAAHLIAH Vota
34 – 34 1 There’s A Moon On Pixies Vota
35 21 9 5 N95 Kendrick Lamar Vota
36 29 10 5 Bailé con mi ex Becky G Vota
37 36 1 16 King Florence + the Machine Vota
38 17 10 3 Don’t Forget Sky Ferreira Vota
39 23 7 8 llorando en la acera Cariño Vota
40 13 13 4 Things Will Be Fine Metronomy Vota
Candidatos Canción Artista
– Glimpse of Us Joji Vota
– American Teenager Ethel Cain Vota
– Sad, I’m Blue Remix PayByChance Vota
– Luna de Diseño Rojuu, Steve Lean Vota
– Holiday Confidence Man Vota
– Talk Omar Apollo Vota
– Too Dead Inside yeule Vota
– Poisonous Storytelling Hercules & Love Affair, ANOHNI Vota
– Giving Up TSHA, Mafro Vota
– Sidelines Phoebe Bridgers Vota
La Unión Europea de Radiodifusión emite hoy finalmente un comunicado en el que explica que, como era de prever, Eurovisión no podrá celebrarse en Ucrania. Existe una tradición según la que el país ganador de cada edición celebra el festival al año siguiente, y por tanto Ucrania lo celebró, por ejemplo, en 2005 y 2017, pero esta vez no será posible.
Explica el comunicado que “Eurovisión es una de las producción de televisión más complejas de todo el mundo, con miles de personas trabajando y acudiendo al evento, por lo que se requieren de 12 meses de preparación». Dada “la invasión rusa al país ganador de este año”, palabras textuales, la UER se ha tomado un tiempo para estudiar la viabilidad de la producción de Eurovisión en Ucrania, desestimándola por “razones de seguridad”.
El comunicado concluye que la UER está en conversaciones con la BBC, pues Reino Unido quedó en 2º lugar, para acoger Eurovisión 2023. Se da por hecho que aceptará, pero la noticia ha despertado gran expectación en España, pues nuestro país quedó 3º y RTVE ya se había ofrecido a organizar el evento.
The @EBU_HQ has issued the statement below regarding the hosting of next year’s #Eurovision Song Contest.
«¡Al Azkena se va, y punto!». Ese es el grito de guerra de los asiduos al Azkena Rock Festival, el festival de rock por antonomasia. Un sentimiento, un lugar de encuentro, más que un festival, que este año celebra su 20 aniversario. Y tras el parón de la pandemia, había ganas locas de volver.
La fiesta ya empieza en la estación de Sants. Montones de rockeros de mediana edad que se dirigen al mismo destino: Vitòria-Gasteiz. Ya dentro del tren empiezan los encuentros con amigos y conocidos. Este es gran parte del encanto del festival.
El calor en Vitoria, pero, es inhumano. Los que veníamos a recibir el fresquito del norte, nos encontramos con una buena bofetada térmica. Dentro del recinto, muchas camisetas del Psycho y del desaparecido (snif) Rocksound. Entrar al ARF es como entrar a una versión extendida de ambos garitos. La media de edad de los asistentes es elevada (y yo no ayudo a bajarla, precisamente), hay bastantes familias con niños.
El recinto es fantástico. Una zona de aparcamiento arbolada, escenarios cómodos y cercanos. No hay que ir con tiempo para ver un bolo. Simplemente, basta con dar unos pasos. Hay un detalle precioso, que es dedicar las lonas de los escenarios a artistas que han tocado en el ARF muertos en el último año: Mark Lanegan, Rachel Nagy de Detroit Cobras, Dusty Hill de ZZ Top y Hank von Hell de Turbonegro.
El calor a las 19h es insoportable, y nos parapetamos en la sombra para seguir el bolo de Morgan Wade, que también parece afectada por la temperatura. Su «americana» se muestra bastante aplatanada (no así su voz), pero resucita al personal tocando un ‘Suspicious Mind’, sincopado.
Para Hiss Golden Messenger el calor empieza a dar tregua. Además, hay rica y abundante agua disponible, que apetece más que la cerveza con la que está cayendo. El suyo es un rock americano clasicote y elegante, en la línea de The Band, tocado con precisión y muy buen sonido. Su pianista es un crack y le da al bolo un fantástico ambiente tabernario. Pero cuando le da al Hammond, otorga un empaque y una magia maravillosos. Las jams instrumentales son estupendas, y dejan en el ambiente la sensación de haber visto el mejor concierto de la jornada.
Óscar Tejeda
En Morgan brilla el carisma tranquilo de Nina de Juan, tras los teclados, en un lateral. No quiere ser el centro, pero lo es gracias a su fantástica voz. Es gracioso verla virvirlo tanto (mueve los brazos, se agita, se toca el corazón) pero sin moverse de su sitio. Es conmovedor escucharle esos «eskerrik asko» tan sentidos que suelta tras cada tema, esa risa franca e infantil con que los acompaña. Brillan las baladas. ‘Home’, pero sobre todo ‘Sargento de Hierro’. Nina abandona al final el piano y se pone a cantar en el centro del escenario. Incluso ella misma bromea con que no es fácil verla moverse por el escenario: “no es mi mejor faceta”. Pero es que es una ocasión especial. Como cierre, una versión acústica de ‘Marry You’ con la que Nina se desata del todo.
Lo de Offspring es una verbena. Mi móvil bulle de WhatsApps de amigos y conocidos criticando lo malos que son. Offspring despliegan su arsenal de punk noventero con el piñón fijo. Están justos de volumen y de potencia, Dexter Holland está aún más justo de voz. Pero miro a mi alrededor y no veo mucha queja. Es el grupo que más público ha congregado, el más esperado. Todo el mundo bota, baila y se desgañita. El setlist sigue a rajatabla el de conciertos anteriores. Todo el rato parece que canten la misma canción. Por supuesto, me las conozco todas. Hay un concurso de decir «fuck yoouus» y otras muchas chorradas, antes de atacar ‘Pretty Fly (for a White Guy)’ y la recta final con todos sus hits noventeros. Y tremenda botadera se arma con ‘Self Steem’, claro. La alegría de la gente es contagiosa. Acaba el concierto, truena el ‘Sweet Caroline’ de Neil Diamond y la gente rompe a cantarla, como diciéndose «¡Feliz fin de la pandemia!». Y aunque sobre el papel (y en el escenario), los Fu Manchu se comen con patatas a Offspring con su contundente stoner rock, la gente prefiere verles desde los márgenes, comentando, bebiendo, extenuados y contentos.
Tal y como anunciaron en sus redes sociales estos tres gigantes de la música, Black Eyed Peas, Shakira y David Guetta han lanzado hoy el single ‘DON’T YOU WORRY’, y es un viaje total a 2009. Pero, esto es un arma de doble filo.
Por un lado, el aspecto musical está totalmente desfasado, haciendo a los artistas parecer más desfasados de lo que en verdad estaban. Y es que todos han tenido sus éxitos recientes como ‘Te Felicito’, de la colombiana con Rauw Alejandro, o el ‘Heartbreak Anthem’, de Guetta junto con Galantis y Little Mix.
Por no hablar de los Black Eyed Peas, con exitazos como ‘RITMO (Bad Boys For Life)’ o ‘GIRL LIKE ME’, también con Shakira, pero igualmente muy distantes de lo que fueron en un momento, y no porque ahora sean un trío. En ‘DON’T YOU WORRY’ incluso utilizan el viejo truco de contar números en medio de la canción, y encima en español. Dos por uno. Solo les ha faltado enumerar capitales del mundo.
Por otro lado, es una canción positiva, fácil de escuchar y que es nostalgia pura para aquellos que hayan crecido con la música de estos artistas en su peak. ‘I Gotta Feeling’ y ‘Titanium’ son las primeras que se me vienen a la cabeza. Es ese tipo de canción. Que sea nostalgia pura significa que a toda esa gente este nuevo tema les va a transportar a tiempos mejores, y se puede acabar convirtiendo en un gran guilty pleasure. Por el momento, no me atrevo a decir si esto será un hit o no. Pero si hubiese salido una década antes, me atrevería a decir que, sin duda, sí.
En cuanto al vídeo de la canción, presenta una estética futurista -al menos lo que se entendía por «futurista» el siglo pasado-, entregándose a la temática intergaláctica. Sin duda, el videoclip más kitsch que te puedas echar a la cara en la tarde de hoy.
Ethel Cain es una de esas artistas con la que es fácil confundir persona y personaje. Su nombre de pila público es Hayden Silas Anhedönia, es decir, es improbable que sea real («anhedonia» es un término psicológico que alude a la incapacidad para experimentar placer) y su alias artístico se compone de dos nombres vinculados a la Biblia como son «noble» y «Caín». A día de hoy vive en una casa de la Alabama rural. No es una pop star al uso ni pretende serlo.
La estética del gótico americano (el llamado «Southern gothic«) y la religión forman dos de las bases del proyecto de Ethel Cain, que la artista pretende expandir con más discos, libros e incluso películas. Ethel Cain no es solo un personaje, es una saga. Un universo. Y dentro de este universo, Ethel Cain es la protagonista de ‘Preacher’s Daughter’, la primera entrega de una trilogía de álbumes que pretende narrar la historia de tres generaciones de mujeres.
El contexto en el cual se desarrolla la historia es la América profunda. El año es 1991. El padre de Ethel, el pastor más querido del pueblo, muere cuando ella cuenta tan solo 10 años. Una década después, Ethel se desencanta con la idea del sueño Americano cuando un vecino de su edad se suicida. Dispuesta a cambiar de vida, huye de casa y se enamora de un hombre que resulta ser caníbal y la asesina.
La vida de Hayden informa necesariamente la historia de ‘Preacher’s Daughter’. La artista se cría en el seno de una familia profundamente religiosa en un conservador pueblo de Florida, y vive una infancia «simple» hasta que, en la adolescencia, descubre que es gay y sufre el rechazo de sus convecinos. En torno a los 20 años, Hayden sale del armario como mujer trans y empieza a crear música coral experimental a través de los alias White Silas y Atlas. Finalmente se decanta por el de Ethel Cain porque representa la «intersección entre mis experiencias en el profundamente religioso sur de Estados Unidos y mis sueños por un Oeste americano salvaje y libre».
Las ideas de Hayden sobre la América profunda, el sueño americano, y sus experiencias con el lado oscuro de la religión o el abuso sexual, quedan plasmadas en un disco épico, que supera la hora de duración, y que Ethel compone y produce ella sola en su casa. Todas las canciones están bañadas en un reverb eclesiástico, muchas de ellas superan los seis minutos de duración, las baterías pretenden hacer vibrar a las montañas, y los diversos solos de guitarra eléctrica que se escuchan en ‘Preacher’s Daughter’ nos recuerdan que este no es un disco hecho para los tiempos de hoy.
‘Preacher’s Daughter’ trae a la mente discos como ‘Born in the U.S.A.’ de Bruce Springsteen o ‘Ultraviolence’ de Lana Del Rey, también el espíritu de Florence Welch sobrevuela las melodías porque precisamente Florence es la artista que empuja a Ethel Cain a crear música cuando escucha una canción de ella por primera vez en internet. El álbum habita los mundos del dream-pop, el rock gótico, el rock de estadios y el slowcore, entre otros, y lo hace sin que los códigos del pop comercial le interesen a Ethel lo más mínimo. La artista está fichada en Prescription Songs, la editorial de Dr. Luke, pero ella dice que cuando firmó no sabía a quien pertenecía el sello ni pretendía buscarlo porque «en la pandemia no estaba en condiciones de rechazar dinero». Hoy habla de Dr. Luke en términos no demasiado halagüeños. Y es clara: «no necesito a Dr. Luke para crear mi música, pero es que no necesito a nadie».
En ‘Preacher’s Daughter’, Ethel Cain se basta y se sobra para levantar una obra enorme en envergadura y calado emocional. Muchas de las canciones más emotivas que escucharás este año se encuentran en este disco. Sumida en una profunda soledad, Ethel recuerda con nostalgia un amor pasado en ‘A House in Nebraska’, uno de varios títulos ultra-americanos que contiene el elepé. En ‘Western Nights’ pone los pelos de punta su composición a piano y su historia sobre otro amor pasado que era violento con ella. ‘Hard Times’ relata los abusos sexuales que sufre de pequeña a manos de su padre, a quien se dirige para expresar que «estoy harta de que sigas atada a mí». En el melancólico country de ‘Thoroughfare’ conoce a Isaiah, quien será su último amor. Y ‘Sun Bleached Flies’ encoge el corazón hacia el final de la secuencia con una melodía sobrecogedora que apela a la iglesia y a Dios solo para concluir: «Dios te ama pero no lo suficiente como para salvarte».
La protagonista de ‘Preacher’s Daughter’ termina descuartizada, y sus restos conservados en una nevera. En la rockera ‘Strangers’, la última pista del álbum, de influencias metaleras y grunge, Ethel transmite desde el más allá un último mensaje de amor a su madre.
‘Preacher’s Daughter’ puede ser un trabajo difícil de digerir, poco estomagante, y lo es especialmente en sus momentos más crudos y oscuros, como el doom metal de ‘Ptolemaea’ que, entre susurros diabólicos y el zumbido de moscas, recuerda a cosas tan grotescas como la película ‘Begotten’. Por supuesto, el fondo de todo esto es que ‘Preacher’s Daughter’ es un disco necesariamente incómodo y espeluznante, tanto como esa distorsión de cinta de casete que se escucha en una de las pistas instrumentales. ‘Gibson Girl’, el primer single, es un tema sensual pero también siniestro que remite a la PJ Harvey más pantanosa, y ‘American Teenager’, el single POP del álbum, narra un suicidio, y traslada a un sonido muy Taylor Swift onda ‘1989’ una historia de decepción profunda con el sueño americano.
‘Preacher’s Daughter’ es otra obra de arte morbosa dedicada a la peor cara de América. No es la primera ni será la última. Sin embargo, en el disco ante todo se sobrepone un talento descomunal para escribir canciones capaces de encoger el alma y ponerte un dudo en la garganta. Si no te emocionas con ‘Preacher’s Daughter’ debe ser porque estás congelado en una nevera.
Cecilio G fue detenido la noche de ayer en el Sónar de Barcelona tras haberse «bajado los pantalones y masturbado» ante una joven y posteriormente agredido a un agente de seguridad y a un agente de los Mossos d’Esquadra, según cuenta el medio Metrópoli. Los Mossos no eran conscientes del incidente con la chica y acudieron al lugar porque el artista catalán estaba provocando altercados en una zona restringida del festival.
Según cuenta Metrópoli siguiendo las declaraciones de los vigilantes presentes, el altercado ha sucedido en la zona de Plaza de Espanya, donde Cecilio G «se ha bajado los pantalones delante de una chica», la cual posteriormente ha llamado a seguridad. Al llegar la ayuda, el trapero ha pegado «un puñetazo a un miembro de seguridad» y ha intentado dar un «cabezazo» a otro, para ser reducido después.
Durante su detención y entrega a los Mossos, el artista no paraba de lanzar «amenazas» y en el proceso ha agredido a un agente de la policía catalana. Según la información de Metrópoli, los técnicos del Servicio de Emergencias Médicas determinaron que este «debía ingresar en un centro hospitalario» ya que iba «bajo los efectos de la droga».
Actualmente, lo único que se sabe es que el artista está bajo disposición de los Mossos d’Esquadra. Esa misma tarde, a Cecilio se le había visto acompañado de la alcaldesa de Barcelona, Ada Colau, quien ahora probablemente esté tirándose de los pelos.
Samuraï, el proyecto de la joven madrileña Aroa Lorente, ha debutando con dos EP’s. El primero, ‘Lo bonito’, incluía un hit tan resplandeciente como ‘Sin freno’. En el segundo, ‘Lo que no cuentan’, que acaba de editar, conviven producciones de pop-rock, con sintetizadores y efectos como sacados de ‘Stranger Things’ (‘Entre tejados’) y ‘Lost’ (‘Tóxico’) y guiños al drum&bass sin abandonar el guitarreo (‘Como Me Voy A Olvidar’).
Tras el viral de ‘Tirando balas’, que supera los 3 millones de reproducciones, Samuraï comienza este finde una gira por Madrid -en concreto el sábado 18 de junio en Clamores- tras lo que aguardan festivales como FanFutura y Cooltural Fest, entre otros; y ciudades como Barcelona (14 de octubre), Valencia (18 de octubre), Córdoba (13 de enero), Granada (14 de enero), 20 de enero (Málaga) y Sevilla (21 de enero). Samuraï es la nueva invitada de nuestra sección «Meister of the Week», comisariada por Jägermusic, en la que un artista nos habla de una pasión oculta. En su caso son los gatos.
¿Por qué has elegido hablar de gatos para la entrevista?
Tengo una obsesión bastante linda con los gatos. Me siento identificada con ellos y, aunque no quiero parecer una loca, tengo un don con ellos. Fuera bromas, por la calle los gatos vienen a mí. Es una movida súper fuerte.
¿Por qué gatos frente a perros?
Supongo que porque me siento muy identificada, son seres a la par independientes y cariñosos. Amo a los perros igualmente, tengo cuatro (risas), pero creo que los gatos y yo tenemos una relación más profunda ¿Gatos o humanos?
Gatos. Siempre gatos.
Tenías un gato que también se llamaba Samurai. ¿Nos explicas por qué elegiste ese nombre y cómo terminó siendo el tuyo a su vez?
Era un gatito negro precioso que adopté y me hacía sentir muy bruja. Le llamé como a mí porque me pareció bonito el sentirme conectada de alguna manera con él. En realidad el origen de mi nombre es una anécdota súper básica (risas) Desde pequeña siempre mi mamá me hacía el típico peinado DE medio pelo suelto y arriba la otra mitad en un moño: muy parecido al que llevan los samurais. Un día fui al instituto con ese mismo peinado pero súper exagerado y mis amigas me empezaron a vacilar con que si parecía un samurai (risas) Desde entonces me han llamado Samu, supongo. Y por alguna extraña razón me pareció buenísima idea llamar así a mi gato, como si en verdad él fuera un formato físico de un alter ego mío (risas).
‘Tal para cual’, ‘Otro rollo’, ‘Te quiero’… Muchas de tus canciones hablan de amor. ¿Hay alguna que hayas dedicado a Samurai?
(risas) Hasta ahí no llego, pero vamos, que seguro que se las hubiera cantado alguna vez. Sí que recuerdo, el día que se perdió, ponerme a cantar súper dramáticamente a la nada llorando un montón
Recuerdo los primeros años de YouTube. Yo me pasaba horas viendo recopilaciones de gatos. Ahora me da la sensación de que no había otra cosa en YouTube. ¿Cuánto es el mayor tiempo que te has pasado viendo vídeos de estos y cuál es tu favorito/s?
Pues la verdad es que tiempo indefinido (risas) No sé cómo el algoritmo de instagram de los reels se me ha configurado para que me salgan solo vídeos de gatitos. Es increíble. Justo esta mañana he visto un video en el que un gato se metía en una pompa de jabón. INCREÍBLE. Es más, cuando estoy triste mi chico me envía vídeos de gatitos para que sonría. Y es inevitable (risas) soy una bebé con los gatos.
Seguro que tienes el móvil lleno de stickers de gatos pero, ¿cuál es el que más usas? ¡Ojalá puedas adjuntar alguna imagen favorita!
INCREÍBLE. Adjunto foto de mis stickers más usados. Literalmente increíble. Además, mi sticker más usado es el del gatito negro.
¿El gato negro trae mala suerte?
¡¡¡Para nada!!! Eso es un dicho super feo y discriminatorio de los gatos (risas) De hecho, son mis favoritos.
Los gatos son uno de los animales más elegantes. Tú, si pudieras quedarte con una cualidad de los gatos, ¿cuál sería?
La mirada gatuna. Sin duda. Esque te atraviesa. Intimidante e hipnótica
¿Te han inspirado de alguna manera en tu música?
No sé si el término es inspirar, pero sí que hago mucha referencia a los gatos en mis canciones, me gusta usarlos en metáforas o como manera de referirme a los enamorados. Justo creo que no han salido todavía ninguna de las canciones en las que utilizo ese término pero os puedo adelantar frasecillas sueltas: “Gatos con callejón propio, obvio que se notaba la tensión” y “Dos gatos entre copas”.
Bad Gyal ha lanzado hoy el segundo capítulo de su nueva etapa, ‘Tremendo Culón’. A finales de mayo la catalana lanzó ‘La Prendo’, a la que ‘Tremendo Culón’ sigue los pasos, tanto musicalmente como en dirección de arte. Solo hay que fijarse en la portada de los singles y en el estilo de los videoclips para saber que Bad Gyal tiene algo entre manos que, con suerte, podremos escuchar en su totalidad en no mucho tiempo.
Este nuevo tema está producido por El Guincho y Fakeguido, y prueba lo mucho que ha evolucionado artísticamente Bad Gyal desde su gran hit ‘Fiebre’ en 2016. La base de ‘Tremendo Culón’ es adictiva, el flow de Bad Gyal es adictivo y vaticino que no vamos a poder parar de bailarla este verano.
Bad Gyal ha acompañado el release del single con un videoclip que empieza justo donde acaba el de ‘La Prendo’, con Alba posando al lado del coche quemado de los capos que la estafaron en el primer vídeo, y que no acabaron muy bien. En esta nueva entrega de la Bad Gyal más gangster, ella y sus compinches se cuelan en una mansión en clave de strippers para robar el dinero de todos los que en ella están usando una bebida misteriosa, a medio camino entre un veneno y una poción del sueño.
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El siguiente reclamo del sábado era Arca, que ofreció un espectáculo decadente centrado en los ritmos del reggaetón y otros más electrónicos. La venezolana o bien pinchaba detrás de la mesa, o bien cantaba delante de la misma. Bailaba un poco, pero no mucho, que diría Amaia, y se la veía bastante estática en el escenario, quizá porque iba embutida en un corpiño metálico que le descubría las tetas, y no le permitía moverse demasiado. El momento en que más se movió, la productora se agachó, enseñó su culo cubierto por un tanga, y a continuación descubrió el ano, proyectado en primerísimo plano a través de las pantallas. Foto: Clara Orozco
NUEVO CANAL DE TDPES (@ceegeecarieshoe)
No sé si a C. Tangana le pilló el toro y decidió cortar canciones in situ. Lo pareció, pero también salvó los muebles enseguida. El concierto-película está tan logrado que ni siquiera vale la pena mirar al escenario. Es mejor mirar la pantalla. La cinematografia es espectacular. Encima del escenario sucede básicamente una obra de teatro ambientada en una taberna española. La Húngara, Niño de Elche, Antonio Carmona… todos ellos se sientan en la mesa de El Madrileño, todos ellos viven su momento de gloria. Ante el fervor del público, a Pucho se le dibuja una sonrisa en la cara que le debe doler y todo. Se bebe una copa, baila encima de la mesa, dialoga con el barista… El Madrileño es maravillosamente feliz, y esa energía se contagia.
