Trevor Powers ha anunciado que recuperará el proyecto de Youth Lagoon tras estar siete años retirado, y lo hará con un nuevo disco. ‘Heaven Is a Junkyard’ estará disponible el 9 de junio. El primer single, con vídeo incluido, ya ha sido lanzado en todas las plataformas bajo el nombre de ‘Idaho Alien’.
Tras los lanzamientos de ‘The Year of Hibernation’ (2011), ‘Wondrous Bughouse’ (2013) y ‘Savage Hills Ballroom’ (2015), Powers decidió que no había «nada más que decir a través de Youth Lagoon», por lo que abandonó el proyecto en 2016. El músico estadounidense entonces lanzó dos «cintas experimentales» firmadas con su nombre de pila: ‘Mulberry Violence’ en 2018 y ‘Capricorn’ en 2020.
Powers ha hablado sobre su decisión de terminar con Youth Lagoon hace siete años, contando que «en muchos sentidos, me perdí a mí mismo». También ha revelado que el regreso del proyecto surgió tras una reacción química causada por un medicamento sin receta que dañó la laringe del músico de 33 años durante ocho meses: «No sabía si sería capaz de volver a hablar, y mucho menos cantar», compartía Powers en un comunicado de prensa.
Sobre el contenido del disco, ha dicho que «‘Heaven Is a Junkyard’ trata de todos nosotros»: «Son historias sobre hermanos yendo a la guerra, padres borrachos aprendiendo a abrazar, madres enamorándose, vecinos robando el correo, vaqueros tomando drogas, colegas saltándose las clases, yo llorando en la bañera, perros persiguiendo conejos y niños jugando en la hierba alta», describía Powers.
Tracklist:
1 Rabbit
2 Idaho Alien
3 Prizefighter
4 The Sling
5 Lux Radio Theatre
6 Deep Red Sea
7 Trapeze Artist
8 Mercury
9 Little Devil From the Country
10 Helicopter Toy
En la víspera del lanzamiento de su tercer álbum, ‘Red Moon In Venus’, que va a ser nuestro «Disco de la Semana», Kali Uchis ha decidido cargar contra el consumo de alcohol en sus Stories de Instagram. La cantante de ‘telepatía’ ha pedido a sus seguidores que dejen de tomar bebidas alcohólicas, ya que pueden atraer «energías demoníacas».
Últimamente, la cantante colombiana ha estado compartiendo en redes su transformación hacia una vida más saludable. Esto culminaba ayer en una Story de Instagram que comenzaba con la petición de «por favor, parad de beber alcohol»: «Hay consecuencias espirituales y nadie me puede convencer de lo contrario», comenzaba de forma decidida Uchis. En las siguientes líneas, esta hablaba sobre el origen de la palabra «alcohol», que aseguraba que en árabe se traduciría como «licor comecuerpos» (en realidad se usaba para describir un cosmético de antimonio usado para pintarse los ojos).
Uchis continuaba explicando que al consumir la sustancia, esta «extrae la esencia del alma, haciendo que el cuerpo sea más susceptible a frecuencias bajas y energías demoníacas», y alejándonos de «nuestro yo más puro». El comunicado, de corte espiritual, terminaba con un giro conspiratorio: «Por eso mismo es legal, quieren que os convirtáis en alcohólicos, de verdad».
Unas horas después, Kali Uchis se abría en Twitter, revelando que lleva «10 meses sobria»: «Llevo fumando y bebiendo desde los 12 años, incluso tuve una intoxicación etílica y casi muero a los 17, así que es algo importante para mí, gracias», concluyó la cantante.
‘Red Moon In Venus’, el anticipado tercer LP de Kali Uchis, estará disponible este mismo viernes 3 de marzo en todas las plataformas y ya hay disponibles dos singles: la preciosa ‘I Wish You Roses’ y ‘Moonlight’, la más reciente.
Kali Uchis condemns the use of alcohol in new Instagram story:
“Please stop drinking liquor !!! by consuming it into the body, it extracts the very essence of the soul, allowing the body to be more susceptible to LOW frequencies & even demonic energies” pic.twitter.com/4IxxrwuPDh
Rorro ha sido una de las revelaciones del último par de años en nuestro país, sumando 300.000 oyentes mensuales. Exponente del «bedroom pop» con tan solo 20 años, ha sumado millones de streamings con temas apegados al R&B como ‘Míralo’ y otros que hemos recomendado alguna vez, como ‘Mi cabeza’ o ‘Me da igual’.
Esta semana la artista ha publicado un segundo EP. Y si el primero se llama ‘Rorro SAD :(‘, el nuevo recibe el nombre de ‘No tan Sad :)’. Aquí aparece su hit, el mencionado ‘Míralo’, revisitado con KYNE, Vivi K y el productor D3llano, recibiendo ahora el nombre de ‘Ojitos verdes’.
El nuevo EP se completa con 3 canciones más que se han ido dando a conocer en los últimos tiempos y que seguro que te suenan si estás suscrito a nuestra playlist de pop en castellano Sesión de Control. Está la synth-pop ‘J*der’, está la indie pop ‘Mucho más’ y destaca especialmente ‘Loop’. Y es que en esta era la artista ha querido dejar atrás su lado más «cortavenas», «aparcando las letras tristes y melodías con acordes menores, para dejar fluir una faceta mucho más alegre y optimista a través de ritmos upbeat, baterías indie pop y melodías pegadizas».
Esta vía más luminosa puede tener el efecto colateral de librarse de las comparaciones con Babi, a cuya voz recuerda muchísimo. Si ‘J*oder’ se puede bailar en las discotecas inspiradas por los beats de los años 80, este ‘Loop’ se levanta tras un inicio titubeante. El tema empieza apesadumbrado, con un «No está bien / No estamos bien» y una narración más bien plañidera, pues «ya no sonríes al verme como antes». Sin embargo, el estribillo presenta otra canción completamente diferente, entregada a la pista, y pese a que el estribillo es en verdad agridulce: «Tú-tú hacías que cambiase mi mood-mood / Pero ahora, con esa actitud, tú conviertes lo malo en loop-loop». Es como si sus textos quisieran seguir siendo tristes, pero la música escapar de ahí.
Rorro actúa gratis este jueves 2 de marzo en el Lula Club de Madrid, junto al ex freestyler Walls. Se trata de un evento conjunto entre Mahou y Mad Cool en el que se presenta una gira que recorre distintos espacios como Madrid, Valencia, Alicante, Gijón y Valladolid, con artistas como Sila Lua, Carlota, Bernarda, Ralphie Choo, AMORE, Israel B, WAX 960 e Irenegarry.
Esta última semana se ha publicado ‘El agua y el rayo’, un disco colaborativo entre La Prohibida y Algora que había de ser la obra definitiva para quienes anhelaran más composiciones de Víctor para la travesti más famosa del país, tras la buena aceptación de ‘Baloncesto’.
‘El agua y el rayo’ no es, en cambio, un disco de electro ni italo, lo cual tampoco será una sorpresa para quienes hayan escuchado todos los temas de Algora para La Prohibida, que son tan diferentes como ‘La colina luminosa’ o ‘Bouvet‘. Sí llama la atención lo ligeramente apegado a la copla que está, con colaboraciones como Estrella Morente o temas que se llaman de hecho ‘La copla más bella’.
El disco se promociona con el videosingle ‘Pirámide de rocío’, pero vamos a escoger como «Canción del Día» el corte titulado ‘Morfina’ por ser uno de los que mejor aúna ritmos italianos y españoletes. ‘Morfina’ se abre con una intro instrumental de 45 segundos, es decir, la antítesis de lo que se lleva hoy en día, concentrada en su apego por el italo. Pero las palmas y el tipo de métrica y de rimas apuntan más bien hacia el flamenco, desde que Algora pronuncia la primera frase de la letra: «Desde que probé de tu boca la droga aquel día / yo sabía que era veneno y que me mataría».
Algo que se confirma con la parte de La Prohibida: «Pero aunque me hieras de muerte, aunque fueras mi ruina / Yo te seguiría sin rumbo hasta el fin de mi vida». Y es que ‘Morfina’ habla, como tantas canciones de nuestra tradición, de un amor que engancha y te hace mal, en un estribillo que es puro contraste: «Dolor y morfina, placer y tormento / el cielo y el infierno, los dos al mismo tiempo».
‘Morfina’, que carece de «middle eight» o más puente que esa nueva parte instrumental con más italo y más palmas, es la 2ª canción más corta de ‘El agua y el rayo’, tan sólo por detrás de la canción de cierre, y se beneficia de su inmediatez. El álbum está a la venta a través de la web de Ultradiscos.
U.S. Girls llega a su octavo disco aún con cosas que decir. Su vida ha dado varios vuelcos: ha sido madre de gemelos, además durante la pandemia (su gira fue una de las primeras en cancelarse a principios de 2020) y sus prioridades han cambiado. La artista a la que conocimos denunciando los males del capitalismo, el patriarcado, el cambio climático, la cultura del dinero, incluso la hipocresía navideña (¿puede ser su mejor canción un villancico?) o las políticas del querido Barack Obama… ahora observa su vida y dice: «Dios bendiga este desastre».
El discurso de Meg Remy sigue ligeramente salpicado de política, de observaciones ácidas como la de ‘So Typically Now’, una de las Mejores Canciones de 2022, que reflexiona sobre las fugas urbanas de los ricos durante la pandemia. Sin embargo, la propia Remy reconoce que las desgracias del mundo ya no le afectan tanto porque ha dejado de obsesionarse con las noticias, con el «espectáculo del sufrimiento» al que asistimos diariamente en la televisión. De esto habla el slow jam-funk de ‘Futures Bet’. Por salud mental es lo mejor que cualquiera puede hacer: doy fe de que hasta los psicólogos lo recomiendan.
Ella tiene otras cosas de las que ocuparse, como dos bebés que requieren toda su atención. ‘Bless this Mess’, el tema titular, habla de la maternidad desde un punto de vista realista, retratándola en una gran frase como es «Es tu labor llevar agua todo el día en un jarro roto». Con un sonido típico de las baladas pop de los años 70, Remy escribe la canción por encargo para posible uso en una película de Hollywood: a la época dorada de la industria remite su bello arreglo de cuerdas y sintetizador, tan romántico.
El proyecto no llega a buen puerto, pero la canción sirve a Remy para salir de su zona de confort y probar algo distinto. Esta intención marca el transcurso del disco desde que Remy lo graba embarazada y después de haber dado a luz y, además, en remoto, durante el confinamiento, por correo electrónico… al contrario que el disco anterior, que se escribió específicamente para ser grabado con músicos en vivo.
Luego son las propias canciones las que nos informan del cambio: Remy reconoce que con ‘Bless this Mess’ ha intentado llegar a un número mayor de gente, hacer canciones que hasta a su madre le puedan gustar. La idea tiene sentido porque eso es exactamente lo que le ha pasado a U.S. Girls en los últimos tiempos: su canción ‘Red Comes in Many Shades’ ha sonado en la serie de Netflix ‘The Sandman‘ y hasta TikTok ha llamado a su puerta cuando un tema desconocido de su antepenúltimo disco, ‘L-Over’, se ha viralizado en la plataforma. Ahí también hay un cambio de paradigma, pues U.S. Girls ha solido hacer discos complicados. No es el caso de ‘Bless this Mess’, un trabajo en el que las canciones pueden ser tan accesibles como ‘So Typically Now’, un hit de electro-disco que está sonando en radios en un universo paralelo; o el funk inicial de ‘Only Daedalus’, que Remy quiso cantar con Julian Casablancas y que no por inspirarse en la mitología griega es menos ligero y pegadizo.
Tampoco se resiste Remy a sucumbir a algunas de sus influencias. Las guitarras acústicas de ‘St. James Way’ nos llevan a algún lugar entre Dido, Natalie Imbruglia y los Cardigans; sonando por tanto más a la última Lorde que a la U.S. Girls que conocemos; y en ‘R.I.P. Roy G. Biv’ (en inglés las siglas ROYGBIV deletrean cada uno de los colores que forman el arcoiris) Remy intenta directamente escribir una canción de Michael McDonald, por lo que le sale una sugerente pieza de soft-yacht-rock con vocoders que el último Calvin Harris habría podido confundir como propia. Solo que él, quizá, no habría escrito una letra sobre la inevitabilidad de la muerte, sobre el momento en que te das cuenta de que tus seres queridos, un día, ya no estarán, otro tema que ha obsesionado a Remy en los últimos años.
Pero hay dos facetas contradictorias que comentar de ‘Bless this Mess’. Por un lado, este no sería un disco de U.S. Girls si no siguiera huyendo de lo obvio y, por ejemplo, ‘Pump’ samplea un sacaleches. Mejor aún, la odisea disco-funk de ‘Tux (Your Body Fills Me, Boo’) nos presenta una historia de desamor escrita desde el punto de vista de un esmoquin enfadado con su dueño porque este ya no se lo pone. La letra puede provocar sonrojo… pero no tanto como la de ‘Screen Face’, que habla de un romance virtual en una letra llena de clichés («tu móvil se está muriendo, y yo me muero… por tocarte») que ni siquiera a su autora le gusta. De hecho, el título de ‘Bless this Mess’ está sacado de una expresión popular y la propia Remy reconoce que no es el más imaginativo que se la ha ocurrido, pero que era el que mejor resumía el contenido del disco.
Pero ‘Bless this Mess’ sí es un título acertado cuando descubres que el disco es un cajón «de-sastre» de todas las experiencias e influencias que han marcado la vida de Remy en los años posteriores a la pandemia y a su maternidad. Es su disco mejor producido, también uno de los más pop y accesibles por su variedad, pese a cerrarse con un monólogo que nadie va a querer escuchar dos veces. Se echan en falta más canciones como ‘So Typically Now’ que exhiban una evolución compositiva clara, pero hay que celebrar que una artista como U.S. Girls decida salir tan evidentemente de su propio terreno y huir de la familiaridad para buscar nuevos públicos, nuevas maneras de acercarnos a su universo.
Con motivo del estreno de ‘Los Fabelman‘, la película en la que Steven Spielberg revisita su infancia, dedicamos al director el nuevo episodio del podcast REVELACIÓN O TIMO con Jorge Loser como invitado. Dada la modesta recaudación de la película de momento (30 millones de dólares, sobre los 40 que ha costado), nos preguntamos cuándo Spielberg dejó de ser el «Rey Midas de Hollywood», sobrenombre con el que se le conocía, en un mundo en el que ya solo arrasa Marvel, las sagas y las películas de superhéroes. ¿Acaso puso el mismo Steven la primera piedra en la vía del éxito del cine palomitero?
Recordamos algunas de los films de Spielberg que construyeron su nombre, como ‘Tiburón’, ‘Encuentros en la tercera fase’, ‘ET’, ‘Parque Jurásico’, y algunas en las que se involucró como productor, como ‘Poltergeist’. ¿Cuáles han envejecido bien y cuáles han envejecido peor?
No pasamos por alto su vena más alternativa, con películas con el reconocimiento de ‘El color púrpura’ o ‘La lista de Schindler’, lo que nos lleva a plantear cuán serio tienes que ser para que los Oscar te tengan en cuenta. ¿Son estas realmente las películas más importantes e influyentes de Steven Spielberg? ¿Las que han marcado a Abrams, Bayona y la generación ‘Stranger Things‘? No pasamos por alto el trabajo de John Williams en las bandas sonoras ni tampoco las posibilidades de ‘Los Fabelman’ en los Oscar de este año, que parecen a su vez escasas.
Por primera vez un artista ha superado los 100 millones de oyentes mensuales en Spotify, y ese artista ha sido The Weeknd. El proyecto de Abel Tesfaye ha publicado esta semana un nuevo remix de ‘Die for You’ con Ariana Grande y su presencia abriendo la playlist Today’s Top Hits -que siguen 30 millones de personas- ha aupado definitivamente su número de oyentes hasta la mágica cifra de 100.450.642.
El remix de ‘Die for You’ llegó a ser top 2 del Global de Spotify el viernes pasado y en realidad está ya a la baja, en el puesto 4 (también es número 4 en las midweeks británicas), incapaz de destronar a ‘Flowers’ de Miley Cyrus, pero al menos ha servido para batir este récord histórico.
El segundo récord histórico de The Weeknd que comentamos hoy lo batió hace unas semanas pero merece la pena recuperarlo por su relevancia. El pasado 1 de enero ‘Blinding Lights’ se convirtió oficialmente en la canción más reproducida de la historia en Spotify, superando a ‘Shape of You’ de Ed Sheeran, ambas por encima de los 3.000 millones de streamings.
Bajo estas líneas podéis encontrar el top 10 de una lista que puedes consultar en la Wikipedia, y en el que llama la atención la mayoría absoluta masculina. La australiana Tones and I es la única artista principal mujer, y después podríamos añadir las voces de Kyla y Halsey como invitadas en temas de Drake y The Chainsmokers.
En el top 100 de lo más oído ya sí aparecen 4 temas de Dua Lipa, 2 de Billie Eilish, 2 de Ariana Grande, etcétera. The Weeknd sitúa 3 temas en el top 100: además de ‘Blinding Lights’, ‘Starboy’ en el #15 y ‘The Hills’ en el #48.
En cuanto a canciones de rock, llama la atención la presencia de ‘Bohemian Rhapsody’ de Queen (#24), ‘Mr Brightside’ de The Killers (68), ‘Do I Wanna Know?’ de Arctic Monkeys (#79) y ‘Wonderwall’ de Oasis (#84).
1.-The Weekend / Blinding Lights 3.433.000.000
2.-Ed Sheeran / Shape of You 3.389.000.000
3.-Tones and I / Dance Monkey 2.764.000.000
4.-Lewis Capaldi / Someone You Loved 2.668.000.000
5.-Post Malone, 21 Savage / Rockstar 2.614.000.000
6.-Post Malone, Swae Lee / Sunflower 2.566.000.000
7.-Drake, Wizkid, Kyla / One Dance 2.547.000.000
8.-The Chainsmokers, Halsey / Closer 2.475.000.000
9.-The Kid Leroi, Justin Bieber / Stay 2.417.000.000
10.-Imagine Dragons / Believer 2.401.000.000
El Top 5 de la lista de Discos española sigue prácticamente igual una semana más, con Quevedo, Bad Bunny, Rauw Alejandro y Feid ocupando los puestos más altos, en este orden. Sin embargo, la sorpresa se ha dado en el número 5, en el que Tini ha desplazado a Mora gracias a la subida en ventas de su último disco, ‘Cupido’, que pasaba del puesto 28 al 5.
La entrada más fuerte de la semana es para Carlos Rivera, que ha debutado en el número 6 con su disco ‘Sincerándome’. En la primera mitad de la lista también han entrado ‘Trustfall’ de P!nk (#9) ‘La vida es de los que arriesgan’ de Loquillo y Sopeña (#13), ‘_BCN747’ de _juno (#36) -que llega a ser nº4 en vinilos- y ‘Nordisko’ de Italoconnection (#39).
A partir del Top 50 encontramos la entrada del primero de los dos últimos discos de Skrillex, ‘Quest For Fire’, que ha entrado en la posición 71 del ranking.
Por otro lado, la última entrada es para Caroline Polachek y su aclamado ‘Desire, I Want To Turn Into You’, debutando justo al límite, en el número 100. Polachek se cuela por los pelos en la lista española, cosa que no ha logrado en las listas británicas ni estadounidenses, pero sí en Bélgica (#59).
La llegada de Caroline al top 100 español tiene doble mérito porque no hay edición física -sus puntos vienen de unas pocas ventas en iTunes y el streaming- y además el disco no salió en viernes, sino por el Día de San Valentín. Estos puntos proceden de la lista entre el viernes 17 de febrero y el jueves 23 de febrero, varios días después del lanzamiento.
Miley Cyrus acaba de desvelar la tracklist y los colaboradores que intervendrán en su próximo álbum de estudio, ‘Endless Summer Vacation’. La cantante de ‘Flowers’ informaba ayer en Instagram de que hoy iba a realizar un anuncio, que ha resultado ser la lista de canciones de su nuevo disco, que incluirá las colaboraciones de Brandi Carlile y Sia.
El mes pasado nos fijamos en un misterioso comentario de Kylie Minogue en el post en el que Miley anunciaba el disco, el cual podría haber sido una pista adelantando una colaboración entre las dos popstars. Sin embargo, no ha resultado ser así. ‘Endless Summer Vacation’ está compuesto por 13 canciones, de las cuales ‘Flowers’ aparece como la primera, y presenta a Brandi Carlile y Sia como artistas invitadas.
Será la primera vez que Miley Cyrus colabore con Brandi Carlile y Sia en un trabajo de estudio. Por otro lado, podíamos ver recientemente a la natural de Tennessee cantando ‘Stars Are Blind’ junto a Paris Hilton y Sia en un especial de fin de año de la NBC. Además, para dar la bienvenida a 2022, Carlile y Cyrus realizaban un medley de ‘The Story’ y ‘The Climb’.
El décimo disco de Miley Cyrus estará disponible el 10 de marzo e incluirá la presencia de Kid Harpoon, Greg Kurstin, Tyler Johnson y Mike WiLL Made-It en la producción.
Tracklist:
1. Flowers
2. Jaded
3. Rose Colored Lenses
4. Thousand Miles (featuring Brandi Carlile)
5. You
6. Handstand
7. River
8. Violet Chemistry
9. Muddy Feet (featuring Sia)
10. Wildcard
11. Island
12. Wonder Woman
13. Flowers (Demo)
Inhaler ha anunciado dos conciertos en nuestro país, en Madrid y Barcelona. La banda de rock irlandesa liderada por Elijah Hewson, hijo de Bono, acaba de lanzar su segundo álbum. ‘Cuts & Bruises’ será presentado el 27 de octubre en la sala Apolo de Barcelona y el 28 de octubre en La Paqui de Madrid.
Tras ser Top 1 en Reino Unido con el lanzamiento de su LP debut, ‘It Won’t Always Be Like This’, los irlandeses han regresado a lo alto de las listas al conseguir el Top 2 con ‘Cuts & Bruises’. El nuevo disco está producido por Antony Genn (Robbie Williams, Brian Eno, The Stone Roses) y Hewson, principal letrista del grupo, indica que las canciones «tratan menos del mundo que nos rodea y más de lo que ocurre dentro de Inhaler».
Ya fuimos testigos de la potencia del rock alternativo de Inhaler el año pasado en el Bilbao BBK Live, en el que ya se postulaban como una de las nuevas sensaciones del rock anglosajón. Las entradas para ambas fechas estarán disponibles a partir del 3 de marzo a las 9:30h en Live Nation y Ticketmaster, desde 25€. Además, las personas registradas en Live Nation tendrán acceso a una preventa el 2 de marzo, también a las 9:30h.
Enrique Bunbury ha regresado a la música tras la cancelación de su gira en 2022 por problemas de garganta. Ha lanzado ‘Invulnerables’, el primer adelanto de su próximo disco, y ha hecho una interesante propuesta a sus fans a través de una «carta» en Instagram: «Quiero comenzar una conversación directa con vosotros», empezaba el comunicado.
Tras dedicar el año pasado principalmente a la composición de nuevas canciones, Bunbury ya ha publicado el primer single de su nueva etapa. ‘Invulnerables’ es un tema de rock clásico en el que el aragonés se niega a explicárnoslo todo, porque sería como «no haber dicho casi nada». Grabado a las afueras de México y producido por Adán Jodorowsky, hijo de Alejandro Jodorowsky, el nuevo tema nos devuelve al Bunbury de siempre.
Este también ha recurrido a sus redes para «comenzar una conversación directa» con sus fans, permitiendo a los seguidores que lo deseen preguntarle cuestiones «sobre cualquier tema que consideréis», recalcando que «cualquier cuestión será bienvenida», siempre que se realicen con «educación y respeto». Bunbury apunta que irá contestando semanalmente a las peticiones a través de una newsletter en esta página web. Ya se pueden ir enviando las preguntas a la dirección de correo lacartaeb@gmail.com.
Bunbury también revelaba recientemente en una entrevista a Associated Press que la causa de sus problemas de salud, por los que tuvo que cancelar su gira de 2022, era el glicol, una sustancia que se utiliza en el humo de los conciertos y a la que Bunbury es intolerante.
El FIB ha anunciado una nueva tanda de confirmaciones. The Offspring es el nuevo headliner del festival que, junto a Viva Suecia, Regard, Jimena Amarillo, y Rusowsky, conforman los nuevos nombres del Festival Internacional de Benicássim.
Estos artistas se suman a un cartel liderado por Franz Ferdinand, Bastille, Vetusta Morla, Crystal Fighters, Zara Larsson y Tom Odell, entre muchos otros más. En su nueva remesa de artistas, el FIB sigue apostando claramente por el público internacional y el nacional. Las entradas para los cuatro días, del 13 al 16 de julio, están disponibles desde 49,99€ en la web del evento.
Además de estas confirmaciones, el festival tiene abierto un concurso que dará la oportunidad a 3 artistas y 3 DJs a actuar en Benicássim, gracias al Heineken Silver Rising Stars Contest. Las inscripciones y votaciones ya se encuentran abiertas en FIB Rising Stars.
Sabrina Carpenter ha sido la última invitada en el Live Lounge de la BBC. La cantante, que apareció entre las Mejores Canciones de 2022 con ‘Read Your Mind‘, y últimamente ha viralizado el tema ‘Nonsense‘ del mismo disco ‘emails i can’t send‘, acaba de ganarse nuestros corazones para siempre con sus elecciones.
Por un lado, ha interpretado una versión de Harry Styles, y la canción escogida no ha sido ‘As It Was’ sino ‘Late Night Talking’. Por otro, ha realizado una versión en vivo del hit ‘Nonsense’ que está dando mucho que hablar. Primero se compartió su versión en Youtube como suele hacerse, pero después la BBC ha decidido borrarla. El problema es que el final de la canción contenía una pequeña improvisación -en sintonía con la grabación de estudio- que parecía inofensiva pero no lo era. El añadido, como se puede escuchar en un tuit bajo estas líneas, fue: “How quickly can you take your clothes off, pop quiz / I’m American I am not British / so BBC it stands for something different / This live lounge just so lit because I’m in it”.
Lo cual podríamos traducir así: «¿Cómo de rápido podrías quitarte la ropa? / Soy americana, no británica, así que para mí BBC significa otra cosa / Este Live Lounge prende solo porque yo estoy dentro».
¿Se han enfadado los directivos de la BBC porque ha hecho una referencia a la decadencia del formato? Para nada. Lo que parece haberles mosqueado es el significado americano de BBC. Hay mucho cachondeo en Twitter sobre a qué corresponden las siglas BBC en Estados Unidos, y según el Urban Dictionary, la palma se la lleva «big black cock», lo que podemos traducir como «negro rabazo». Si escuchas la versión en directo, seguramente te dé la risa, porque además Sabrina Carpenter repite la última frase hasta dos veces: «porque estoy dentro».
Sin esperanza para la cadena por que la gente recuerde a partir de ahora que la BBC es una «British Broadcasting Corporation», su decisión de borrar el vídeo va a dar la vuelta al mundo, cuando de otra forma seguramente hubiera pasado desapercibido. Un nuevo caso de «efecto Barbra Streisand» de los que tanto gustan de estudiar las Universidades.
‘Trustfall’ de P!nk es el nuevo número 1 de las listas británicas, al superar las 37.000 copias durante su primera semana. Es la 4ª ocasión en que la cantante consigue llegar a la cima de álbumes en UK. No ha habido la misma suerte en Estados Unidos, donde ‘SOS’ de SZA sigue intratable en el top 1 por 10ª semana. P!nk ha tenido que conformarse con el puesto 2 en su país por la venta de 75.000 copias.
Lo nuevo de P!nk también ha sido número 1 en Alemania, Australia, Nueva Zelanda y Suiza, además de número 2 en Bélgica, Holanda, Francia, Irlanda… por lo que podríamos estar ante uno de los discos más vendidos del año, otra vez. De momento no hay demasiado entusiasmo en las listas de streaming hacia sus singles principales, ‘Trustfall’ y ‘Never Gonna Not Dance Again’, pero ya hemos visto a P!nk demasiadas veces salvar los muebles con un tercer, cuarto y quinto single. Así lo contamos hace 10 años en una columna llamada «P!nk, corredora de fondo» y así lo ha continuado demostrando desde entonces.
Recientemente, varias decenas de comentarios en nuestra web debatían sobre el éxito de los discos de P!nk, con algunos usuarios comentando muy acertadamente que en España tenemos una visión distorsionada de su alcance, porque España nunca ha sido un mercado clave para la cantante. Por este motivo, dedicamos este artículo a esclarecer cuáles han sido los méritos de cada álbum de P!nk, aunque por aquí no nos hayamos enterado.
‘Can’t Take Me Home’: un digno debut
Sin llegar a ser top 10 en Reino Unido ni en Estados Unidos, el debut de P!nk publicado en el año 2000 ha conseguido vender más de 4 millones de copias por varios motivos: el pelotazo que dio el segundo disco, que hizo a mucha gente asomarse «al primero»; el éxito del single ’There You Go’ y en menor medida ‘Most Girls’, la buena época que fueron los primeros 2000 para la venta de CD’s y los buenos datos de P!nk en los países angloparlantes. El doble platino para el disco en Estados Unidos y Australia -su bastión- y el platino en Reino Unido ya suman 3 millones. En España el álbum no llegó a listas. Estábamos muy ocupados con Operación Triunfo.
Missundaztood: su gran macrohit
El segundo disco de P!nk, publicado a finales del 2001, unos meses después del pelotazo de ‘Lady Marmalade’, todavía polémico 20 años después, permanece como su gran éxito. Ha superado los 13 millones de copias vendidas, 5,6 de los cuales proceden de Estados Unidos. También destacan los 6 discos de platino obtenidos en Reino Unido, los 5 logrados en Canadá o los 4 logrados en Australia. De nuevo las cifras son mucho menores en países no angloparlantes, y el álbum no lograría pasarse por listas españolas en una época realmente competitiva, pero los singles ‘Get The Party Started’ o ‘Just Like a Pill’ sí se asentaban como éxitos internacionales sin peros y se acercan a día de hoy a los 200 millones de streamings en Spotify.
Try This: el tropezón
El tercer disco de P!nk es el principal responsable de que tengamos la percepción de que P!nk alguna vez ha flopeado. Después del enorme éxito de ‘Missundaztood’, su fanbase no pareció tan sólida cuando ‘Try This’ (2003) no logró llegar al millón de copias en Estados Unidos (aunque sí ha sido finalmente certificado como platino en 2019), superando por poco el medio millón en UK. El single ‘Trouble’ era tan solo número 68 en el Billboard Hot 100, el resto quedaban fuera del top 100. Aun sí, en los foros de UK Mix se estima que el disco ha vendido 3,5 millones de unidades. Una cifra por la que otros matarían.
I’m Not Dead: la resurrección
El título del cuarto disco de P!nk ‘I’m Not Dead’ (2006) fue una declaración de intenciones: la cantante decidió irse de Arista, describió la era anterior como un infierno y se decidió a renacer. Sobre todo el 2º single ‘Who Knew’ y el 3º ‘U + Ur Hand’ lo consiguieron y se duplicaron las cifras del anterior disco. Se vendieron 6 millones de copias en todo el mundo, 2 de ellos en Estados Unidos y 1,4 en Reino Unido. A destacar los 11 platinos en Australia, y hasta en España por primera vez nos enteramos de algo: ‘I’m Not Dead’ fue top 73 en nuestro país en aquel 2006.
Funhouse: su 2º mayor éxito
El público permaneció para el 5º álbum de P!nk y hasta podemos decir que esta vez su éxito fue un poco más internacional. En ‘Funhouse’ (2008) estaba ‘So What’, que fue número 1 en medio mundo, y permanece como una de sus canciones más escuchadas con 500 millones de streamings en Spoti. El disco tiene cifras muy parecidas al anterior pese a que cada vez era más difícil vender millones de discos a causa de la piratería: se pudieron sumar 7 millones de copias. Además, el álbum fue número 43 en España: su público por aquí seguía siendo insignificante, pero al menos era creciente.
The Truth About Love: P!nk se mantiene
En 2012, cuando ya no era nada fácil vender 7 millones de copias, P!nk logra bordear esa cifra (6 millones en las estimaciones de UK Mix, 7 millones mencionados en AllAccess.com) gracias al poder de 2º y 3º single. Tras un ‘Blow Me (One Last Kiss)’ que funcionó de manera correcta, sumó un ‘Try’ que compite por ser la mejor composición de su carrera y sobre todo ‘Just Give Me a Reason’, que contó con la participación de Nate Ruess de fun. Este último tema suma 1.000 millones de streamings en Spotify y 1.500 en Youtube, resultando su canción más popular. El disco fue de nuevo multiplatino en Estados Unidos y Reino Unido, llegando a los 9 platinos en Australia. Fue el 7º disco más vendido de 2012 según la IFPI, además del primer top 10 de P!nk en España. Incluso fue el 40º álbum más vendido del año por aquí.
Beautiful Trauma: la resistencia
En 2017 vender 7 millones de copias no es una opción para la superestrella media. Solo Ed Sheeran logra rebasar esa cifra en este periodo. Pero P!nk repite entre los 10 discos más vendidos del año a nivel mundial con ‘Beautiful Trauma’, que termina sumando otros 3 millones de copias. Lo consigue sobre todo gracias a otra balada a piano que busca el medio tiempo, ‘What About Us’. Se alcanza un espectacular doble platino -para los tiempos que corren- en Reino Unido, el platino en Estados Unidos, el triple platino en Canadá, el cuádruple en Australia y el verdadero milagro: un número 4 en España.
Hurts 2B Human: un lanzamiento menor
El medio millón escaso para ‘Hurts 2B Human’ puede excusarse con la idea de que ‘Hurts 2B Human’ (2019) tan solo iba a ser en principio un EP que luego se completó debido a lo «bien» que iban la sesiones de estudio. El disco solo consiguió ser platino en Australia y Canadá, y lo que sí logró P!nk fue arañar varias canciones por encima de los 100 millones de reproducciones: ‘Walk Me Home’, la colaboración con Cash Cash ‘Can We Pretend’ o la titular colaboración con Khalid.
La mala recepción de los últimos singles P!nk pueden ser indicativas de que -ahora sí- la popularidad de la artista podría estar tocada, por lo que, para dejar un buen sabor de boca, recordemos que P!nk editaba un «greatest hits» en 2010 que ha sumado 5 millones de unidades para sus arcas.
Apenas dos años después de ‘KG0516‘, precedido de un buen puñado de singles y unos cuantos titulares más dignos de la prensa rosa que de la musical, llega el nuevo trabajo de Karol G. Y sí, por fin, parece que estamos ante el disco que esperábamos, con más de un hit potencial además de los singles que ya conocíamos, ritmos bien bailables, unas cuantas colaboraciones estelares y muchas autoreferencias.
A estas alturas a nadie sorprenderá que ‘Mañana será bonito’ tenga como tema central la ruptura y todo lo que implica la soltería, desde tirar de “chorboagenda” a salir con las amigas para olvidar (‘Besties’) a la nostalgia (‘Amargura’) o hasta el volver a ilusionarse (‘Cairo’), pasando por esos mensajes que todos hemos mandado con un par de copas de más y de los que nos arrepentimos poco después, situación inmortalizada en uno de los mejores momentos del disco: ‘Kármica’, con Bad Gyal y Sean Paul, que tiran de ritmos jamaicanos en un tema con muchas papeletas para aparecer en las listas de lo mejor del año y sonar en toda fiesta que se precie.
Otra cosa que llama la atención del álbum es lo sexual que es: aunque ‘Gatúbela’ y ‘X si volvemos’ son las más obvias, el sexo está mucho más presente que en ‘KG0516’ y desde luego le sienta mucho mejor que canciones tan olvidables como ese ‘Ay, DiOs Mío!’ que dedicó a Anuel en su anterior trabajo.
Buena parte del éxito de Karol G se debe al trabajo Ovy on the Drums en la producción, a quien la propia artista da las gracias en ese ‘Mientras me curo del cora’ que abre el disco y que toma el estribillo del ‘Don’t Worry, Be Happy’ de Bobby McFerrin. Con Ovy, la colombiana parece haber encontrado la horma de su zapato -basta con pensar en el éxito global que ha sido ‘Provenza’– y no es de extrañar que cada vez ocupe más espacio en los créditos.
En ‘Mañana será bonito’ Karol G sigue empeñada en mostrar su versatilidad, y no faltan los cambios estilísticos. Aunque predomina el reggaeton, también hay pop (‘Tus gafitas’), el corrido de ‘Gucci los paños’ (que recoge el testigo de ‘200 copas’ y que borda tan bien que sabe a poco) o la gamberra ‘Ojos Ferrari’, que nos habla de una Karol G abierta a experimentar y que, guardando las distancias, causa la misma sorpresa que ‘El Apagón’ en ‘Un verano sin ti’ de Bad Bunny.
De todo el plantel de colaboraciones que desfilan por ‘Mañana será bonito’, una de las más flojas es, contra todo pronóstico, la de Shakira en ‘TQG’, tal vez porque esperábamos más del dúo de las colombianas, tal vez porque no hemos superado la sesión con Bizarrap, o tal vez por agotamiento del salseo pop. ‘Pero tú’, aunque coescrita con Quevedo e interpretada por ambos, prácticamente se la apropia él. Entre las colaboraciones más acertadas, en cambio, están las canciones con Sech (‘Dañamos la amistad’), la de Romeo Santos (‘X si volvemos’) y la ya mencionada ‘Kármica’ con Bad Gyal y Sean Paul.
Pese a la duración de ‘Mañana será bonito’ (casi una hora), no se hace largo y es el disco con el que por fin parece que Karol G pega el salto de artista de hits sueltos a autora de álbumes sólidos y coherentes. Le ha faltado publicarlo un par de meses más tarde para convertirse en un buen candidato a disco del verano.
Alba Morena nos dejó helados como telonera de Kae Tempest. Sobre todo gracias a su preciosa voz procesada en una serie de juegos impresionantes en vivo. Digamos que no es la típica telonera que pasa desapercibida: hubo hasta quien la estaba escuchando atentamente. Un verdadero milagro en la historia de los teloneros. Estaban allí acompañándola Marcel Bagès, recién separado de María Arnal, y su colega David Soler.
En verdad, la cantante de Salou ya había publicado un primer disco llamado ‘Las dos edades’ en 2021. Y este año leeréis mucho que el segundo álbum de Alba Morena lo han producido Bagès y Soler, pero aquí la noticia es que el debut ya lo parecía por momentos, siendo una autoproducción de Alba Morena. En cualquier caso, el primer adelanto de ese segundo disco está disponible desde este viernes, se llama ‘Nadie’ y es nuestra «Canción del Día» hoy.
‘Nadie’ es una canción post-ruptura muy particular. Como asegura la misma nota promocional, tiene un simpático «trasfondo tragicómico». Eso es lo que la diferencia de Maria Arnal, que no es tan sublime, es más llana y también más divertida. Alba Morena ha cambiado el nombre de su ex por «Nadie» en el móvil para que cuando haya algún tipo de interactuación, esa sea la palabra que aparezca en la pantalla, y en base a ello ha desarrollado toda la composición.
“Los de tu especie deberían desaparecer” es el gran gancho lírico del tema, ante alguien que circula por el mundo «sin saber a quién hacer daño». Las labores de producción se han depurado en un tema que cambia de tono, añade capas, se acelera o vuelve al minimalismo sin llegar a explotar en lo que resulta una producción ciertamente impredecible y, sí, divertida. En sus propias palabras, «es un single que, desde el sarcasmo y la celebración, habla de una ruptura algo compleja». El vídeo, en formato loop, muestra a la artista destripando peluches y destrozando tartas.
Alba Morena actúa el 3 de marzo a Barcelona (Upload) y el 13 de marzo a Madrid (Sala El Sol), presentando ese segundo disco que saldrá a lo largo de 2023.
Este mes de febrero se han celebrado las 4 primeras semifinales del Melodifestivalen, el icónico proceso clasificatorio que busca al representante de Suecia en Eurovisión. 50 años después de ABBA, Suecia continúa siendo el país que más en serio se toma el certamen y las expectativas vuelven a ser máximas.
Sobre todo después de la actuación de este sábado 25 de febrero de Loreen. La cantante que ganara Eurovisión con ‘Euphoria’, además recuperando el prestigio del festival gracias a su minimalista puesta en escena y a su canción pop, se ha presentado varias veces al Melodifestivalen. Un total de 4. Evidentemente lo ganó con ‘Euphoria’ y ahora puede volver a ganarlo con ‘Tattoo’.
Loreen sufrió la invasión del escenario durante su actuación, por parte de un activista ecologista, pero eso no fue impedimento para la cantante, que pudo repetir su show y clavarlo. ‘Tattoo’ presenta a Loreen en una nueva puesta en escena minimalista, en un espacio claustrofóbico del que consigue huir, mientras la canción, de corte parecido a ‘Euphoria’, tiene algún retazo más trance. Destacan también las uñas a lo Rosalía de toda la campaña.
‘Tattoo’ arrasó, clasificándose directamente para la final de Melodifestivalen, mientras otras canciones tienen que pelear en la semifinal del 4 de marzo. Suecia decidirá su canción definitivamente en menos de 15 días, el 11 de marzo, pero por si acaso ya se ha disparado en las apuestas. Hay quien ve aquí un ganador de Eurovisión y Suecia ya está en el número 1 de las apuestas por delante de Ucrania. España, por cierto, sube al 8º lugar por encima de Italia.
En nuestro foro de Eurovisión 2023, ya hay diversidad de opiniones. Svampita está entusiasmado: «La actuación de Loreen ha sido impresionante. Yo creo que es la ganadora de Eurovisión». AdriEv concuerda: «Menudo temazo, winner alert total». LaBecaria no tanto: «La canción no me dice nada, repetitiva a más no poder. La puesta en escena, en cambio, sí me parece una pasada, pero para mí, no es alerta winner». VdeSantos equilibra las cosas: «Tattoo no es tan buen tema como Euphoria, pero si hubiese aparecido ahora de la nada (sin existir su predecesora) diríamos lo que es: es una canción muy potente (que sí, hecha con de aquí y de allá), y con una puesta en escena increíble».
Entro en las oficinas de G.O.Z.Z. RECORDS, el sello de Zahara, con ganas de hablar del segundo disco de _juno. He entrevistado a la artista una decena de veces entre discos, conciertos, podcasts y grupos paralelos; también a Martí Perarnau IV, su compañero en esta aventura. Pero siempre hay nuevas inquietudes en su música: en este caso el capitalismo, sus propias contradicciones, el concepto viajero de este ‘_BCN747‘.
Pero un calendario en la sala termina robando mi atención: se trata de un plan a varios años vista en el que ya aparece encajado el tercer disco de _juno, además del siguiente disco de Zahara junto con su (bonito) nombre, entre otros lanzamientos del sello y editoriales.
Quien esperara que Zahara se tomara un descanso después de la repercusión de ‘PUTA’ es que no la conoce. No solo no parará sino que en su cabeza ya toman forma conceptualmente sus próximas ideas. Un nervio que de momento podréis ver en la gira de _juno por toda España que empieza el martes 28 de febrero en Alicante y pasa por Granada, Madrid, Sevilla, Barcelona y un largo etcétera.
Tenía entendido que vuestro proyecto paralelo _juno era de electrónica recogida, intimista… pero por lo que se ve en vuestro segundo disco, no es el caso.
Zahara: «Una vez que hicimos el primero, no tenía sentido repetir la fórmula de volver a una habitación. Cuando salió ‘_BCN626’, antes de la pandemia, teníamos planificado un viaje a Japón, que no se pudo hacer y cambiamos por San Francisco, y nuestra idea era pasar 15 días allí, haciendo un disco sobre la costa oeste».
Martí Perarnau IV: «Alquilar un estudio en una escuela de música. Teníamos los billetes y todo, pero llegó la pandemia. Se trasladó la idea a viajes que hicimos de verdad, tras la pandemia, la grabación del disco de ‘PUTA’…»
¿Pero cómo podéis tener todo esto planeado desde hace tanto tiempo?
M: «El día de ‘_La canción…’ salimos a cenar y Zahara me dijo ya cómo va a ser el tercer disco de _juno. La admiro y me produce terror a partes iguales» (risas)
El caso es que vuestro dúo no es tipo Nancy & Lee, She & Him…
Z: «En este disco _juno salen de la habitación del primer disco y ven el mundo, ya no se miran solo a los ojos. Lo que ven es que el mundo es un asco y se está yendo a la mierda. Que ellos mismos generan aquello que tanto detestan»
M: «Hemos hecho este disco en una misma habitación, muy influidos por el documental de los Beatles de Peter Jackson. Lo pasamos muy bien haciéndolo y nos dejamos ir. Lo hicimos de manera recreativa…»
Z: «Es un retrato del fin del mundo, pero de manera recreativa» (risas)
«En este disco _juno salen de la habitación y ven que el mundo es un asco y está yéndose a la mierda»
Fuera de bromas, dais una visión del mundo muy pesimista.
Z: «Puede ser por el contraste con lo que esperábamos de los viajes. Sabíamos que teníamos por delante viajes a México, San Francisco… Teníamos la imagen de Estados Unidos que nos han vendido en las películas, y al llegar allí pasamos de ver Los Ángeles con la mejor luz, a ver cómo a las 5 de la tarde estaba todo cerrado; gente gritándose y una sensación de inseguridad muy bestia. Todo lo contrario que en México, a pesar de todas esas voces que te dicen que es un lugar peligroso y que cómo has estado en sus calles. Y es un lugar increíble. Hay una xenofobia y un eurocentrismo que juzga todo sin saber…
Marcó mucho ese pesimismo que el primer viaje habla de Santiago de Chile, y fue la época de las barricadas, las revueltas en las calles, los comercios tapiados… El primer viaje post-pandemia fue a Londres, cuando aquí aún había restricciones y allí nos encontramos en una rave a miles de personas sin mascarillas. Luego ver Londres paseando tan vacío nos marcó mucho de manera inconsciente. Sabíamos que estábamos haciendo canciones sobre viajes, pero no que iban a ser tan tristes».
Aun así vosotros estáis criticando el capitalismo pero no dejáis de ser dos personas de viaje por todo el mundo, pasándoselo pipa.
M: «Es la contradicción del disco. Habla de quejarse del mundo capitalista, pero somos dos blanquitos europeos y hay un sentimiento de culpabilidad respecto al sistema al que pertenecemos. Es como esa sensación de «Odio a la gente, vamos a acabar con todo»… y la gente eres tú. Esa dicotomía de formar parte del problema. El capitalismo no es un ente que hace el mal sino que formamos parte del sistema, y eso está en las letras. Nos vemos reflejados en el espejo».
«El capitalismo no es un ente que hace el mal sino que formamos parte del sistema»
¿En qué canciones se refleja?
M: «_Anikillación’, ‘_La Biblioteca Nacional’, ‘_SCLHR’…»
Z: «Cuando decimos «no quiero ser la especie invasora», hablamos de «antepasados», de «la carga que traemos»… ‘_SCLHR’ viene de todo lo que vimos en México. ‘_Anikillación’ dice que somos una pieza más, pero todo el disco juega a eso, como las fotos. Somos nosotros haciéndonos fotos a nosotros mismos en un espejo. Estamos criticando algo de lo que formamos parte».
¿Pero por qué os metéis en esa parte del sistema si no os apetece? Hay artistas que no se hacen selfies, como PJ Harvey. ¿En el fondo os gusta, la gozáis?
M: «No la gozamos nada, lo de las fotos surgió por hacer las fotos de nuestro viaje con una cámara de mi padre, otra que ella se compró en Londres… Ella a mí y yo a ella, en plan «egotrip». Algo había de que estamos haciendo un disco nosotros, escrito por nosotros, producido por nosotros, mezclado por nosotros. No sé si es una realidad de la que no puedes escapar».
Z: «El espíritu de «junito» en «626» era hablar de ellos desde la habitación y aquí compararse con el resto del mundo. Pero el proyecto está muy volcado hacia sí mismo».
Sobre todo tu carrera, Zahara, autoeditada e independiente, no sé si se podría imaginar sin redes sociales. ¿Te gusta esa parte?
Z: «Ahora no. Me ha gustado muchísimo. Ahora cada vez me aburre más, consumirlo y sobre todo producirlo. Pero me lo tomo como un lugar en el que hay que estar y que hay que conocer. Es un reto profesional, no un estímulo personal. Para mí la gracia es ver a Martí en este proyecto. Aquí nos hacemos fotos que nunca estarían en nuestro Instagram personal».
M: «¡Bajo ningún concepto!».
Z: «Medio en bolas. Esa intimidad se puede mostrar en _juno. Es guay tener un lugar de recreo sin pensar mucho en nada».
«Cada año que pasa este sistema funciona peor para todos los seres humanos»
Criticáis el capitalismo, ¿qué alternativa planteáis?
M «A mí se me escapa, no tengo los estudios o conocimiento suficientes para dar una solución. Mi comprensión humana llega hasta decirme que este sistema no funciona. Cada vez la sanidad está peor, cada vez la precariedad es más latente en todos los oficios: sanidad, música, educación… Cada año que pasa este sistema funciona peor para todos los seres humanos».
Z: «Yo creía en el anarquismo, estuve en un proyecto de creación de ciudades autosuficientes de no más de 100.000 personas. Luego lo abandoné porque el capitalismo siempre gana. Me repugna pero me permite hacer las cosas que hacemos. El pesimismo viene de que cada vez el consumo es de manera más inmediata, hay más grupos de música que público, más gente que quiera hacer cosas que gente que quiera consumirlas. El sistema te obliga a hacer discos, giras, singles, cada vez más de todo hasta la extenuación. Igual el capitalismos termina ahogándose. Yo pensé que no vería lo de las inteligencias artificiales y ya estamos ahí».
¿Qué pasó concretamente con tu proyecto anarquista?
Z: «Fue cuando fui novia de Sergio Sastre, que es economista ecologista. Me fascinó, aprendí muchísimo con él, vivíamos en Barcelona y existían estos proyectos de ciudades, intentos de generar un sistema controlado, siendo la máxima población de 100.000 personas, creando microeconomías. Buscamos el pueblo, era una época en la que hablar de una placa solar no era lo más normal. Pero con la ruptura de la relación se acabó mi sueño anarquista (risas)».
Dorian también hablan en las entrevistas contra del capitalismo, pero luego enciendes la tele y parece que ya estamos en un sistema «comunista» y «bolivariano». ¿No estaremos en una economía mixta, en la que la RENFE es gratis y ha bajado el IVA de los alimentos básicos?
M: «Cuando estudiábamos en el cole, el capitalismo era un sistema de libre mercado en el que interviene el estado: «El estado se ocupará de que no haya averías, de que no se toque la sanidad». A lo mejor es que eso que nos decían en el cole tendría que ser real, y no un invento. Es verdad que se puede hacer lo de la RENFE gratis, pero antes era impensable que se pudiera privatizar la Sanidad. Se han ido regalando cosas públicas al libre mercado. A lo mejor solo habría que hacer una intervención estatal, como decían los fundadores del capitalismo. Pero ahora se dice que es de comunistas. A mí me parecía lógico, no ninguna locura».
Tengo la sensación de que habéis hecho un tipo de letras muy diferentes.
M: «Hemos descubierto un nuevo método. En el disco anterior, cada uno veníamos con ideas. Ahora cada uno escribimos un texto durante media hora con un disco bonito de fondo y luego lo leemos sin juzgar al otro».
Z: «En los viajes cada uno escribía algo. Yo funciono más por impulsos, pero lo importante es que al mostrarnos los textos no juzgáramos al otro: si había repeticiones, si se había ido por las ramas… A mí me encanta tener un texto en bruto muy largo y salvaje y luego elegir las frases más bonitas. Hemos respetado la melodía y lo que queríamos cantar. Ha ido encajando con fraseos muy diferentes: se ve en ‘_SCLHR’ en el modo de terminar las frases, pero la melodía iba así y queríamos respetarla. Ha sido muy bonito mostrarlo al otro sin pudor. El documental ‘Get Back’ nos marcó mucho porque vimos a Paul McCartney intentando componer ‘Get Back’ y John Lennon diciendo frases sin preocuparse de si eran graciosas o pegaban. ¡Qué confianza y qué falta de pudor más útil! En el disco anterior queríamos enseñarnos algo digno, pero en este ha sido más bien: «no te voy a juzgar, no voy a pensar que eres mal escritor». Nos despreocupamos de la excelencia de que lo que te enseño tiene que estar guay».
M: «Te pone en un sitio especial con el otro en la habitación. Ver a Zahara en el sofá, riéndose porque hace algo bonito, me daba ganas de escribir algo guapo».
En ‘_La canción que no vas a hacer hoy’ hay un ejercicio de filosofía o de lógica proposicional… Está todo en negativo.
M: «Fue horrible y muy difícil (risas)»
Z: «Para este disco nos planteamos hacer sesiones de composición: cada canción se gestaba en un día, por ejemplo, el día de hablar de Santiago de Chile y el viaje de Londres. ‘_La canción que no vas a hacer hoy’ se llama así porque es la única que cada vez que quedábamos, no la podíamos hacer, que si COVID, que si el padre de Martí le llamaba para presentar su libro porque el editor había perdido el AVE o lo que fuera… Entonces pensamos en el viaje a Japón que no hicimos, en un hotel precioso de Zestoa de 4 o 5 plantas que se vendía por 200.000 euros en una subasta, y pensamos en comprar, pero ya se había vendido… Era cantar en negativo sobre cosas que se quedaron por hacer y que son reales, como pasar la Nochevieja en Londres porque aquí estábamos mega confinados».
Comprar hoteles a 200.000 suena bastante capitalista, ¿no?
Ambos: «¡Sí!» (risas)
He leído que habéis hecho casi todo el disco a piano, pero habladme de la parte de menos piano. ¿Hay samples, por ejemplo en ‘_Los Feliz’?
M: «En ‘_Por algo será’ hay un sample de Rufus T Firefly. Estábamos escuchando su vinilo borrachos, e incluía un single que no nos dimos cuenta de que iba a otra velocidad. Como veníamos escuchando el disco grande, pusimos el single de 45rpm. El vinilo estaba desafinado, lentísimo… y nosotros pensando que era el mejor sonido de la historia. Sampleamos ese trozo de magia sónica e intentamos hacer una canción solo con ese sonido sampleado. Como hacía Beck al principio.
Curiosamente suena a Roxy Music o Human League, más que a Rufus T. Firefly.
M: «Es un ejercicio hip hopero».
Z: «Lo único que hay grabado después es un bajo y cajas de ritmos. Lo demás es Rufus».
M: «Hemos aprendido a ser productores e incluso hemos mezclado este disco. Me ha volado la cabeza. Ya podemos manejar el acto de hacer un disco hasta la entrega final. Es la verdadera independencia, de principio a fin. No solo producir que era imposible hace unos años. Estamos orgullosos, nos sentimos muy poderosos».
Me imaginaba el disco como el principio de ‘_Los Feliz’, pero también hay guitarras, en el mismísimo primer tema del disco. ¿Para vosotros va todo junto?
M: «Lo une el sidechain»
Z: «Yo iba a decir otra cosa. Sea una máquina o un piano, lo tratamos de la misma manera: tocándolo. No pensamos en hacer esto con piano, con Prophet, o en loopear una rueda. Está la canción y usamos todos los instrumentos a nuestra disposición. Y luego está lo del sidechain».
M: «Queríamos usar pocos elementos y que toda la producción surgiera de los mismos procesos. Si la primera canción es una guitarra, todas las reverbs que suenen tienen que venir de procesar esa guitarra. ‘_Los Feliz’, que la hizo Zahara y le salió tipo Angelo Badalamenti, viene de hacer capas generadas a partir de ese sonido. El «sidechain» es cómo algo que no está sonando está afectando a lo que sí suena. Como en ‘Double Negative’ de Low».
¿Por qué no queríais sacar un single propiamente dicho? A mí enseguida me entró «_La canción», aunque es verdad que ‘_Anikillación’ resume el disco mejor.
Z: «Hemos dado muchas vueltas porque tenemos a _juno para no tener que hacer las cosas que hay que hacer con el resto de proyectos. Como sacar 3 o 4 adelantos. ¿Que la gente ya no escucha discos? Pues que no lo escuchen. No tenemos que llenar el Wizink Center ni que nos conozcan millones de personas. Quien le guste, genial. Que no, no pasa nada. Pero había una presión externa de vender entradas, y cómo íbamos a vender música sin que haya música. Si hay que sacar un single, pensamos en ‘_Anikillación’, porque al terminarla sentimos que habíamos hecho un hit. «¡Es más hit que todas las de Zahara!» (risas) Nos enamoramos. Es muy representativa del disco pero no del espíritu de _juno, que está en otro sitio. Porque aquí _juno está muy cabreado. No es al 100%, no lo podíamos sacar de adelanto. No queremos. Y cuando hemos pensado en sacar ‘_La canción’ es porque nos ha apetecido, no es seguir un criterio comercial. No representa el disco, no cuenta nada de la parte política del disco, es continuista del anterior pero tiene la amabilidad de _juno, de los viajes, es en negativo y esto sí nos hacía gracia».
¿Estás diciendo que a _juno no le pega este disco?
Z: «¡No! _juno son muchas cosas y ‘_Anikillación’ está en un extremo. Habría sido mostrar un extremo».
M: «Es un temazo, habría caído bien. Pero creemos que no explica el disco, ninguna es representativa del disco. Pensamos que era una manera de llevar a escuchar el disco entero, que sabíamos que era imposible, pero a lo mejor era una sorpresa muy bonita para el oyente que prestara atención».
¿Mucho ya ha muerto?
M: «Lo tengo parado, porque tengo ganas de hacer el technazo con Perarnau IV. Igual en unos años me apetece reunirme con mis amigos en la Casa Murada y volver a cantar, pero ahora mismo se me hacía mucha bola».
No es habitual en la industria que los artistas publiquen dos o más discos en el mismo año. Algunos lo han hecho, de Beach House a por supuesto Bad Bunny o Lana Del Rey. Skrillex, que llevaba casi una década sin lanzar álbum, se ha quitado de en medio dos en dos días: ‘Quest for Fire‘ llegaba el viernes y, el sábado, como buscando que nadie se entere, fue el turno de ‘Don’t Get Too Close’.
El disco incluye algunos de los singles más populares que Danny Moore ha firmado en tiempos recientes, en concreto dos: ‘Don’t Go‘, que escuchamos ya en 2021, se acerca a los 100 millones de streamings naturalmente gracias a la colaboración de Justin Bieber, que hace apetecible escuchar cualquier cosa (el otro artista invitado es Don Toliver); y ‘Way Back’ es una de las 500 colaboraciones en la que podemos encontrar estos días a la reina de TikTok, PinkPantheress (el otro artista invitado es Trippie Red).
Ambos cortes son de lo mejor de ‘Don’t Get Too Close’, un disco atiborrado de colaboraciones pero que carece dirección artística y canciones a la altura de artistas invitados como Kid Cudi, que aparece en la anodina ‘Summertime’. Este no es un disco de electrónica de baile como el anterior, y la mayoría de beats se centran en lo que se conoce como cloud rap o emo rap, esto es, un tipo de hip-hop digitalizado, creado desde un ordenador, en el que prevalece un acabado de improvisación. Esto puede producir canciones tan frescas como las que le conocemos a meat computer o Bladee, pero no es el caso de las de ‘Don’t Get Too Close’, y eso que el propio Bladee aparece hasta en dos pistas.
No tiene por qué ser malo que ‘Real Spring’ nos llegue sonando a maqueta. Quizás sí tendría más sentido escucharla en Soundcloud y no en el tercer álbum oficial de Skrillex. Lo mismo sucede en ‘Ceremony’: la sensación de ensayo es tal que Yung Lean ni siquiera suena interesado en estar ahí. En el peor de los casos, las canciones parecen encerrar un potencial frustrado, como la mencionada ‘Summertime’, o hacerte cuestionar su misma inclusión en el álbum: ‘Don’t Get Too Close’ mezcla el sonido del hang (pensábamos que solo a Björk le interesaba este instrumento) con una toma vocal de Bibi Bourelly (co-autora de ‘Bitch Better Have My Money‘) que se debería haber quedado en nota de voz.
Sí tiene cierto gancho ‘3am’, un gancho que no viene solo de los «vocal chops» del final, sino también de la melodía vocal del artista invitado, un tiktokero de 15 años llamado Prentiss que canta como los querubines que dan la lotería cada Navidad. Tampoco es una canción que merezca escuchas obsesivas, pero sí demuestra que el acercamiento de Skrillex a este sonido, ahora que básicamente ha decidido dejar de sonar a él mismo, podría haber estado más logrado.
‘Don’t Get Too Close’ sí incluye una aproximación OK al house (‘Selecta’ con BEAM), pero vuelve a confundir cuando cierra con ‘Painting Rainbows’, una canción tan radio-friendly que parece de la Sia… de 2015 (Bibi canta parecido a ella), pero que suena desubicada dentro de este proyecto. Cualquier canción mínimamente inspirada lo haría, en este trabajo que es a todas luces un apéndice del primero, un pie de página que escuchar si echabas de menos a Skrillex. Aunque, si realmente le añorabas, harás mejor en recuperar su discografía anterior. A este disco mejor «no acercarse demasiado».
Jimena Amarillo ha lanzado hoy el primer adelanto de su esperado segundo LP, ‘LA PENA NO ES CÓMODA’, que estará disponible en algún momento de esta primavera. ‘Porque tú lo sabrías’ es el nuevo single de Jimena Amarillo y su primera incursión en el rock, alejándose de la «moñería bedroom» a la que nos tenía acostumbrados.
El tema está compuesto por un riff, muy a lo ‘Where Is My Mind?’, que se repite durante toda la canción, un bajo y una batería: una fórmula clásica de rock. Sin embargo, para Jimena Amarillo todo esto es algo nuevo: «Había una necesidad de romper tanta moñería bedroom que eso ya pasó de moda», escribía Jimena en su Instagram. Además, asegura que «es la primera vez que venzo mi miedo y grabo baterías». A todo esto se le suma las melodías vocales características de Jimena Amarillo y una letra que va en consonancia con sus trabajos anteriores.
Esta habla sobre cenar «gazpacho y sandía», sobre la noche haciéndose «dura como masa» y sobre anhelar el «privilegio» de la tranquilidad. Todo para describir un romance fallido que culmina con el estribillo final, en el que Jimena canta: «Esta ciudad no es la mía / Ya no paso por donde vivías / Porque tú lo sabrías / Esta ciudad no es la mía», inspirado en la mudanza de la artista valenciana a la capital.
‘LA PENA NO ES CÓMODA’ saldrá esta primavera y será el sucesor de ‘Cómo decirte, mi amor’, su LP debut lanzado en 2021. Sobre ‘Porque tú lo sabrías’, Jimena ha contado que es el track 9 del disco y que, pese a representar un cambio estilístico en su carrera, «no tiene nada que ver con el disco». A Jimena Amarillo le gusta «jugar a los contrastes».
Benito nos regaló este videoclip para celebrar el día de San Valentín. ‘Ojitos lindos’, dirigido como siempre por Stillz siguiendo una historia del propio Bunny, comienza con el cantante despertándose en la “casita” de la playa. Tras dar una voltereta como hacemos todos por la mañana, ¡hop!, se toma un cafetito mirando al mar. “¿Habrá buena pesca?”, parece pensar.
Le dejamos abismado en sus pensamientos mientras comienza un carrusel de escenas de pareja: Bunny de picnic, Bunny pescando (¡lo sabía!), Bunny viéndose a sí mismo en la tele, cenando, viendo un western clásico en un autocine (y preguntando algo del argumento, ¿quién se pierde en una peli de vaqueros?), cenando, cenando otra vez. Y otra. Siempre con una mujer distinta. Siempre con la gorra hacia atrás. Pero no es feliz.
Benito se monta en su deportivo y, con la salida de la luna llena, se vuelve loco. “Hunde el acelerador” -como dice en la letra- y “pierde el control”. Fundido a negro. El clip termina con un volantazo de guión. Esos “ojito lindo”, esos con los que quiere ir a la playa a buscar “caracole”, a regalarle “girasole”, no son los de su última conquista: son los de su beagle Sansa, la única que va a visitarlo al hospital. La única que se preocupa por él. Ay, los perretes.
Ice Spice llegó al panorama del rap estadounidense como una mezcla entre una ola de frescura y un meme encubierto. ‘Munch (Feelin’ U)’ fue, y es, su gran pelotazo y, hasta un punto, sorprendió que pegara tan fuerte. En retrospectiva, y tras la salida de su EP debut, ‘Munch’ solo era la punta del iceberg Ice Spice. Un iceberg compuesto por decenas de líneas citables, refrescantes flows, memorables ganchos y la reivindicación del poder femenino en el rap.
Spice venía de poner de moda un nuevo término en el imaginario social, como es «munch», cuando lanzó su EP el pasado enero. Este está compuesto por seis canciones, de las cuales tres de ellas se erigen como exitosos singles. Producido en su totalidad por RIOTUSA, identificado por el tag más hot del momento («Stop playin’ with them, RIOT»), ‘Like..?’ es principalmente una colección de temas del drill característico de Nueva York, con algunas singularidades.
‘Bikini Bottom’, ‘In Ha Mood’ y ‘Actin A Smoochie’ presentan los beats más diferentes del proyecto. En el caso de las dos últimas, diferente sí significa bueno. Sin embargo, el sample de ‘Bikini Bottom’ es tan exagerado que suena demasiado como algo sacado de Bob Esponja. Aun así, es una de las más pegadizas del EP y tiene montones de líneas memorables, desde la declaración de intenciones que abre el tema («How can I lose if I’m already chose?») hasta los numerosos dardos a la competencia («If she feeling hot, then I make that bitch froze»).
En ‘Like..?’, cuando Isis Gaston no se está riendo en la cara de sus detractores, está celebrando los cuerpos naturales («I be thick cause I be eatin’ oats») o invirtiendo el papel hegemónico de los hombres como ‘womanizers’ («Got a man but I hope he don’t care») en el rap, tal y como hacía recientemente Coi Leray en el tema ‘Players’.
«Ice Spice siempre usa el mismo flow» es una crítica que está en boca de todos, y es viable hasta un punto. Puede que suela usar un esquema parecido en sus temas, pero es igual que Pop Smoke cuando usaba su característico flow y nadie le menospreciaba por ello. También es parte del género. Aunque Spice suene de forma similar en muchos temas, no es tan malo si es así de original, carismático y pegadizo. ‘Like..?’ es un minúsculo EP de 13 minutos que, pese a no tener una gran profundidad, anticipa un gran futuro para Ice Spice.
CHVRCHES acaban de firmar un contrato discográfico con Island Records, por lo que pasan a compartir sello con artistas como The Killers, Shawn Mendes o Angèle, o previamente Amy Winehouse (el paraguas sigue siendo Universal).
Para celebrar este nuevo paso en su carrera, el trío escocés compuesto por Iain Cook, Martin Doherty y Lauren Mayberry ha estrenado nuevo single, anunciado hace unos días y que abre la playlist de novedades de esta semana.
‘Over’ es un tema 100% CHVRCHES o casi, pues a cargo de la producción encontramos al sueco Oscar Holter, uno de los responsables de ‘Blinding Lights’ de The Weeknd y de otros éxitos de Katy Perry, Taylor Swift o el propio Abel Tesfaye (Holter trabaja con el todopoderoso Max Martin). La base rítmica de ‘Over’ recuerda a la de ‘Blinding Lights’, si bien CHVRCHES escriben ‘Over’ unos años antes, en 2017, pero la reservan porque no les encaja dentro de la secuencia de ‘Screen Violence‘, un disco que producen ellos solos, como los dos primeros, a diferencia del tercero, que fue algo decepcionante.
‘Over’ no es decepcionante. Es, otra vez, un estupendo tema de CHVRCHES en el que la estética synth-pop de la banda suena especialmente pulida y corpulenta, más «blockbuster», quizá. La melodía nos dice que Holter ha metido poca mano, pues no puede sonar más a los CHVRCHES de siempre, como esa Mayberry que nos canta sobre huir de la realidad.
Mayberry ha sido muy crítica con el machismo que ha sufrido, y en la Canción Del Día de hoy la vemos conduciendo de noche e intentando no pensar en la realidad a la que se enfrenta en el día a día. «Intento apagar el ruido, me digo a mí misma que los chicos son así», canta mientras finge una sonrisa de «oreja a oreja» e intenta «no sentir nada», aunque en realidad lo «sienta todo».
En el estribillo, Mayberry imagina que se sumerge en un sueño profundo. «Despiértame cuando todo haya acabado, dime que todo ha sido un sueño», insiste. Su experiencia se acerca más a la pesadilla. El sonido, eso sí, aún admite esa luz y ese color que vemos en la portada del single.
Parecía que el 24 de febrero podía ser una fecha clave para los fans de Kylie Minogue, pues la cantante australiana se presentaba en el macroevento WorldPride en Sídney, y se sabe que ha estado trabajando en su nuevo álbum de estudio, el cual se presume terminado o casi.
Finalmente, Kylie ha actuado en el evento, y su regreso a los escenarios puede marcar el inicio de una nueva era. Sin embargo, Minogue no ha presentado nueva música, sino que ha cantado un repertorio de clásicos. En él le han cabido también dos joyas perdidas, ‘Light Years‘ (el tema que titulaba su disco de 2000), y ‘Supernova’, una de las pistas de ‘DISCO‘ que no fueron single.
El resto del setlist no ha incluido grandes sorpresas: ‘Spinning Around’ ha sido el tema inaugural y por supuesto ‘Your Disco Needs You’, la canción más gay de toda la carrera de Kylie Minogue, y ya es decir, no ha faltado. Lo que nadie esperaba es que la hermana de Kylie, Dannii, aparecería por allí para cantar a dueto con ella ‘All the Lovers’.
En Youtube pueden verse dos vídeos oficiales de la performance de Kylie, en concreto, de las actuaciones de ‘Your Disco Needs You’ y ‘All the Lovers’. Algún otro lo podéis ver en Twitter.
Por otro lado, la información acerca del nuevo álbum de Minogue siendo escasa. Sabemos que será un disco «feel good», ¿pero no lo son todos? Seguiremos informando.
Setlist:
Spinning Around
Get Outta My Way
Light Years
Supernova
Your Disco Needs You
Slow / Love To Love You Baby
Can’t Get You Out Of My Head
All The Lovers» (con Dannii Minogue)
