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Pixies estrenan la popera ‘There’s A Moon On’ y anuncian disco

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Tom Oxley

Pixies anuncian disco y estrenan single, a tiempo de su inminente gira, que les traerá a Mad Cool. El octavo álbum del grupo, que sucede a ‘Beneath the Eyrie‘, se llama ‘Doggerel’ y se publicará el 30 de septiembre de 2022 con BMG. El single se llama ‘There’s A Moon On’ y es un pegadizo tema de 3 minutos de duración, perteneciente a su faceta más directa.

El guitarrista Joey Santiago dice sobre el tema: “Esta vez hemos crecido. Ya no tenemos canciones de menos de dos minutos. Tenemos pequeños descansos, arreglos más convencionales, pero aun así nuestra marca está ahí”. El vocalista y guitarrista Black Francis agrega: “Estamos tratando de hacer cosas que son muy grandes, curradas y orquestadas. Me gusta mucho tocar punk, pero no puedes crear punk artificialmente. Hay otra manera de hacer esto, hay otras cosas que podemos hacer con esta energía extra especial que estamos encontrando, en esto estamos”.

En cuanto al álbum, Black Francis se presentó en el estudio con 40 canciones preparadas y las trabajó junto al resto de la banda: Santiago por primera vez tiene créditos en 2 de los temas. Su sello avanza más pistas: «Será rock brutal, pop de salón y además folk irreverente. Como siempre, cuentos con fantasmas, fuerzas cósmicas o imaginar una vida futura digital y sin un Dios detrás. Y mientras tanto, allí mismo en las noticias, se acerca otra tormenta lejana». BMG define ‘Haunted House’ como «una mezcla enérgica de Pop de los 50 con miedos tanto literales como metafóricos», compara ‘Vault of Heaven’ con «Rock desértico a lo Morricone» y define ‘Pagan Man’ como «una alegre melodía de folk-rock».

El arranque del disco será «con la intensidad y el surrealismo de ‘Nomatterday’ y asegura que ‘Dregs of the Wine’ está influida por The Who. «Seguramente será la primera y última canción de Pixies en nombrar a Van Halen», bromea la compañía.

El tracklist del álbum queda como sigue:
01.Nomatterday
02.Vault of Heaven
03.Dregs of the Wine
04.Haunted House
05.Get Simulated
06.The Lord Has Come Back Today
07.Thunder and Lightning
08.There’s A Moon On
09.Pagan Man
10. Who’s More Sorry Now?
11.You’re Such A Sadducee
12.Doggerel

Karol G se une a Iggy Pop, Ozuna, Måneskin… en «Diversity»

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Tras tres años sin pisar España, Karol G actuará en el Diversity València Festival en un show único y exclusivo para toda Europa. El concierto tendrá lugar en la jornada del sábado 23 de julio, en la que también actuarán Black Eyed Peas, H.E.R., Don Diablo, LP, Rag’n’Bone Man, Cupido, Jimena Amarillo y más.

El último hit de Karol G, ‘PROVENZA’, era esta semana Nº1 en el Top Mundial de vídeos musicales. Karol G ha reemplazado con este single su propio récord en la lista Billboard Hot Latin Songs ocupando, simultáneamente, los dos primeros puestos de la misma.

El Diversity Valencia Festival posee un cartel que da la vuelta al mundo, con más de 50 actuaciones musicales y 3 shows exclusivos; con artistas entre los que figuran Måneskin, Christina Aguilera, Iggy Pop, Armin van Buuren, Black Eyed Peas, H.E.R., Martin Garrix, Nicki Nicole y Ozuna. El festival tendrá lugar del 21 al 23 de julio en la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia.

Cass McCombs anuncia la salida de ‘Heartmind’ con un nuevo single

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Shervin Lainez

El cantautor Cass McCombs ha anunciado hoy el lanzamiento de su nuevo álbum, ‘Heartmind’, para el 19 de agosto. Es el primer disco de McCombs en tres años, tras ‘Tip of the Sphere’ en 2019. ‘Mangy Love’, de 2016, y ‘Big Wheel And Others’, de 2013, son otros dos de sus discos más importantes.

‘Heartmind’ está producido por el propio Cass McCombs, junto con Shahzad Ismaily, Buddy Ross y Ariel Rechtshaid. El LP incluirá un total de ocho canciones, incluyendo los dos últimos singles. La melancólica ‘Belong To Heaven’, y la que tiene el día de hoy como fecha de salida, ‘Unproud Warrior’, con la colaboración de Wynonna Judd y Charlie Burnham.

Tracklist de Heartmind:
1. Music Is Blue
2. Karaoke
3. New Earth
4. Unproud Warrior
5. Krakatau
6. A Blue, Blue Band
7. Belong to Heaven
8. Heartmind

Tove Styrke / HARD

Extraño el cambio de Tove Styrke. La sueca hizo las mieles de la crítica especializada con un tercer disco, ‘Sway’, que era una colección de canciones de pop estupendas y un dechado de excelentes ideas a nivel de producción. Un disco tan adictivo, tan juguetón, que hacía tantas cosquillas a los oídos y a la vez contenía canciones tan redondas como ‘Say My Name’, ‘On the Low’ o la misma ‘Sway’, de emocionante videoclip, merecía una continuación que asentara el nombre de Tove en la industria. ¿Es el caso? Más o menos.

El regreso de Tove decepcionaba en ‘Mood Swings‘, canción que finalmente no se incluye en su cuarto álbum oficial, ‘HARD’. La sueca optaba por un trap-pop basicote que realmente no ha tenido ninguna repercusión en su carrera. El single siguiente era mucho mejor: ‘Start Walking‘ es una de sus mejores grabaciones. También es el enésimo remedo de ‘Blinding Lights’. Uno de los más atinados, eso sí.

La sensación de anonimato se confirma en el repertorio de ‘HARD’. No es un problema exactamente nuevo: en ‘Kiddo‘ ya asomaban muy claramente influencias de M.I.A., Robyn o Santigold. Sin embargo, el disco aún contenía producciones tan atrevidas y excitantes como ‘Ain’t Got No’, ‘Ego’ o ‘Number One’. Realmente sigue siendo un álbum de referencia en su discografía, algo a lo que ‘HARD’ parece no aspirar. Opta más bien por un sonido conformista, comercial y nostálgico que funciona, pero no sorprende.

YouYouYou‘, el tema de apertura, es otro single muy apañado, melódicamente espectacular, dedicado a un amor al que Tove no puede olvidar, y en el que los sintetizadores hacen pensar en los 80 de las hombreras y el pelo cardado. Más atrás en el tiempo viaja la súplica de ‘Show Me Love’ con su formato de torch song de los años 50. Es otra canción melódicamente muy conseguida que, además, pervierte la idea de la canción romántica en la que se inspira con frases como «susúrrame tus fetiches / mátame con tu ternura». ‘Bruises’, la pista final, es la más guitarrera y noventera. Para bien.

Después, ‘HARD’ tiene sus más y sus menos. El disco se llama así porque amar es duro, pero no es que sus producciones contengan demasiados dientes. ‘Lies’ propone un estilo de blues-rock-pop con poca marca y es la pista 2. En un estilo parecido, ‘Free’ aspira a himno góspel-pop pero se queda en el intento. Y tanto el afrobeat de ’24h’ como el blues de ‘Hardcore’ funcionarían en voces más aptas para registros tan altos y salvajes. La primera Björk los habría hecho funcionar, pero Tove resulta estridente. Apenas la cuca ‘Millenial Blues’, con sus referencias a la depresión y al año 1992, se acerca a la imaginación del disco anterior. Uno que se echa mucho de menos escuchando este disco.

Rae Sremmurd lanzan su primera canción en cuatro años, ‘Denial’

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El dúo de hip-hop formado por Swae Lee y Slim Jxmmi regresa con ‘Denial’, su primer lanzamiento en cuatro años. Para acompañar las vibras veraniegas de la canción, Rae Sremmurd han presentado también un videoclip ambientado en las playas y calles de Río de Janeiro. Lo último que escuchamos de ellos fue en la víspera navideña de 2018, con los singles ‘Christmas At Swae’s’ y ‘Nothing For Christmas’.

La salida de ‘Denial’ fue anunciada el 6 de junio y marca el comienzo del rollout para el cuarto álbum de los hermanos Shaman Brown, presuntamente titulado ‘SREMM4LIFE’, y que por el momento no tiene fecha ni portada.

El grupo tiene un historial un tanto infame en lo que respecta al anuncio de discos, ya que en octubre de 2020 ya anunciaron la salida próxima de su cuarto LP, sin llegar nunca a materializarse. Pero, esta vez parece ser diferente. ‘SREMM 4 CARGANDO’ es el mensaje que se puede leer en la biografía de Twitter de Rae Sremmurd, anticipando la inminente salida del proyecto. Adicionalmente, los hermanos han estado tentando a la audiencia mediante la publicación en redes de imágenes con el número 4 en llamas. A esta estrategia también se ha sumado el reputado productor Mike WiLL Made-It, quien ha compartido y designado como foto de perfil en redes una versión alternativa del número 4, también envuelto en fuego.

«Ninguno como el BBK»: razones y recomendaciones

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Más de media vida yendo a festivales y últimamente parece que lo único que repito es esta frase. ¿Me he quedado tonta? ¿Me está afectando el txacolí? ¿Quiero ser vasca? ¿O es que el Bilbao BBK Live es una de las propuestas más interesantes de los festivales nacionales de estos tiempos?

El BBK, festival del que JENESAISPOP es medio oficial, no es solo ese cabeza de cartel que puede que lleves años (o toda una vida) queriendo ver en directo, tampoco sus siete escenarios o el fresquito de la noche bilbaína. Lo que se vive en Kobetamendi (parque natural que acoge el evento) y lo que rodea al propio festival vale la pena una y cien veces incluso cuando algún año el cartel haya flojeado. También cuando llueve y acabas embarrado ante el escenario principal. Allí está Bilbao que te acoge, te alimenta y te agota lo justo para que año tras año quieras volver.

No es el festival que cuente con más veteranía (arrancó en 2006) pero ha evolucionado adaptándose a una demanda real de música en directo en la que se mezclan estilos actuales y el pop-rock de siempre, bandas internacionales y nacionales, artistas con solera y noveles, además de una propuesta de música electrónica que lo convierte en puro caramelo. Se han ido añadiendo espacios que completan la oferta como Lasai (música tranquila con vistas increíbles a la ciudad) o Basoa (el bosque de la electrónica) donde lo mismo puedes bailar dubstep al caer la tarde o desfogarte con tecno hasta el cierre.

En realidad el BBK no ha cambiado tanto como algunos creen. ¿Sabíais que en su primera edición actuaron The Cardigans? Y también Placebo (que vuelven este año, por cierto). Y en todo este tiempo han sabido cuidar su marca, sus instalaciones y la decoración (que quien quiera fotos cuquis las tendrá también), sin parecer una franquicia festivalera más, integrando todos estos elementos en el parque natural y manteniendo su identidad. Los escenarios principales jamás se solapan y eso ayuda a no volverse muy loco con eso de “me pierdo la mitad de lo que quiero ver”. Los escenarios pequeños nos acercan a grupos más modestos o a propuestas más íntimas y la carpa siempre se convierte en una fiesta (o en resguardo cuando acecha el xirimiri). Además durante el día hay conciertos en varios puntos de Bilbao que amenizan la hora del vermú y al ser abiertos para todo el público hacen que cualquiera pueda formar parte del ambiente festivo que toma esos días la ciudad.

Tom Hagen

Mucha gente elige alojarse en el camping, del que he oído historias divertidísimas y que “no es tan chungo como los de otros festivales”. Aunque el alojamiento en la ciudad puede ser un problema. La alta demanda de apartamentos y hoteles eleva los precios sobremanera y de un tiempo a esta parte hay que estar preparado para este desembolso. Aunque lo más importante para elegir alojamiento tras el precio sería la zona. Si tiene metro cerca, aunque esté alejado de los puntos de llegada de las lanzaderas (San Mamés y BEC) puede ser un punto a favor, ya que Bilbao dispone de metro nocturno los fines de semana (tras la pandemia se ha ido restaurando este servicio para viernes, sábados y vísperas de festivos). Además, el servicio de taxis en la ciudad funciona bastante bien y aunque a ciertas horas toque hacer cola suele ser bastante fluido.

Sea donde sea que tengas tu lecho esos días, si se tiene tiempo, no dejéis de pasear por Bilbao y la Ría. Visitar el mercado de la Ribera y recrearse en sus puestos de gildas. La vermutería Promenade en Abando viene muy a mano tras los conciertos de Gran Vía (Sala BBK), vermús variados que te preparan al gusto. Y de ahí lo suyo es hacer una visita a la tienda de vinilos Power Records en el mismo Abando, y si nos quedamos con ganas de más tenemos Flamingo Records, cruzando la Ría, en la calle Esperanza.

Se puede visitar el Guggenheim o el museo de Bellas Artes, ir de pintxos por el Casco Viejo o perderte por otros barrios y descubrir comercios y restaurantes increíbles, con suerte no tan concurridos como en el centro. Comer bien es fácil en Bilbao y fundamental para aguantar el festival. También para subir con decencia la cuesta de Kobetamendi hasta el acceso. Las lanzaderas no pueden llegar hasta ahí y cuando ves el trecho que aún te queda solo consuela pensar que a las 4 o 6 am se hará mucho más ligera al bajar. Además puedes unirte a la gente que monta su fiesta fuera y hacer la subida más llevadera. Y tampoco hace falta lloriquear tanto, chica (esto va para mí, pero bienvenidos aludidos). Hay un truqui para no tener que subir la cuesta, se llama “transporte público” (aunque yo lo llamo “el festibús”) y hasta aquí puedo leer, que ya bastante concurrida va esa línea a media tarde #sorrynotsorry.

En cuanto al avituallamiento dentro del recinto, se dispone de un montón de opciones y muchas zonas de descanso donde poder comer a gusto tu comida favorita. Hay puestos de comida para todos los gustos más allá de la porción de pizza 4 quesos. Solo hay que tener en cuenta las largas colas que pueden darse, especialmente en hora punta. Pero te organizas y listo, ¿vosotros no incluís en vuestro planning conciertil “a esta hora se cena”?

Las barras, sin embargo, rara vez están saturadas y, en el caso de que toque esperar un poco más, siempre hay alguna no muy lejos que dispensa bebida al instante. Lo bueno de Bilbao es que nadie te mirará raro si pides un kalimotxo, ni querrán venderte el vino por un lado y el refresco por otro (esto me ha pasado demasiadas veces en otros festivales, pfff). Y si lo tuyo es el vino con limón o naranja tampoco tendrás problema; si das con camareros de la zona memoriza las palabras pitilingorri o txurrumuski que te facilitarán bastante la comanda.

Punto importante: los baños. Podría decir que el BBK es el festival en el que de media menos he esperado en mi vida para orinar. No pretendamos llegar y besar el santo en los baños de al lado del escenario donde acaba de actuar Rosalía. Pero hay tropecientas cabinas donde no se espera casi nada, búscalas. Otro punto importante: las pulseras no se canjean en el recinto del festival sino en puntos específicos en Barakaldo y Bilbao. Para algunos puede ser un fastidio, pero evita colas y aglomeraciones en la entrada y se agradece. Y sí, alguna vez han fallado las pulseras contactless de acceso y pago, pero desde mi experiencia siempre ha sido algo aislado, sin demasiado perjuicio.

Y sumando un punto y otro… y otro a favor, ¿cómo no vas a querer volver todos los años? Llegó la pandemia y en ningún momento me planteé solicitar el reembolso del abono comprado meses antes, porque sabía que iba a volver, aun con la certeza de que pasaría bastante tiempo (una pandemia es una pandemia, por mucho siglo XXI que nos acontezca). Lo tenía claro, mi abono del BBK 2020 se quedaba conmigo. Con las ganas contenidas de estos dos últimos años volveré al monte Cobetas con energía suficiente como para subir cada escalón que atraviesa el barrio Altamira en la ladera de Kobetamendi (negaré haber escrito esto, ¡claro está!). Y quizá este sea buen foro para agradecer la paciencia que tienen esos vecinos al aguantarnos cada año. ¡Larga vida al BBK!

C de Charli XCX: exhibición de hits e idas de olla en su ‘Crash Tour’

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Henry Redcliffe

Charli XCX agotaba las entradas para el cierre europeo de la gira ‘Crash‘ en La Riviera hace unos días, después de varios esfuerzos promocionales. Muy a menudo su estatus en la industria musical le produce disgustos, problemas de autoestima o cierta falta de seguridad. Pero eso lo sabemos por las entrevistas y por las redes sociales, sobre todo por lo que publica en ellas y después borra. Si fuese por lo visto en sus conciertos jamás lo adivinaríamos. Lo que vemos es a una cantante de pop apareciéndose en el escenario posando como una diosa y 2.000 personas vitoreando cada uno de sus gestos como si fuera la Virgen en la Semana Santa sevillana.

Hace unos días, Charli XCX preocupaba a sus fans aplazando un concierto por problemas de garganta. Por suerte, ha podido dejarse caer tanto por el Primavera Sound como por Madrid. También hay que decir que su show tiene mucho de lata: únicamente se acompaña de 2 bailarines de profesionalidad considerable. La música es pinchada -algo que cuadra con sus coqueteos con el hyperpop, ¿quién queréis que toque todo eso en directo?- y su voz recibe el constante refuerzo de una pista pregrabada que dialoga, hace coros o subraya. Y luego están los gritos de un público que chilla las letras de singles como ‘Gone’ y no singles como ‘Lightning’ como si hubieran sonado en radios, playlists de éxitos, supermercados y ascensores.

No ha sido el caso, pero los seguidores de Charli XCX sí hemos asistido atónitos al modo en que iba sumando hits reales, en nuestro humilde top o en nuestros corazones con una facilidad pasmosa y sin haber cumplido los 30, algo que sucederá este verano.

Sin necesidad de recurrir a sus temas con Joel Corry, BTS ni tampoco Icona Pop, el repertorio se va desplegando insólito. Sobre todo cuando suenan seguidos el single actual ‘Used to Know Me’, el hit real ‘1999’ o su reciente top 40 en UK ‘Beg for You’. Tras este, se interpreta ‘Crash’, la canción titular de su último disco y esta gira, y a continuación otras 3 en la frente: ‘Boom Clap’, ‘Boys’ dedicada a los gays y ‘New Shapes’ con Christine and the Queens y Caroline Polachek proyectadas en la pantalla. Allí hasta quien más cansado estaba para ser laborable terminó dando botes. Casi que mejor que no sonaran ‘Blame It On Your Love’, ‘Doing It’, ‘Break the Rules’, ‘claws’ y tantas otras que faltaron en el repertorio, porque de lo contrario, lo mismo seguiríamos allí dentro.

Son pocos los trucos escénicos al margen de un vestuario sexy con su conexión S&M, un culo que pasa a primer plano durante la interpretación de ‘Constant Repeat’, una bandera LGTB+ que protagoniza el show en ‘Party 4 U’, un saludo a quien viajó desde Brasil para ver esto. El caso es que los 80 minutos de show no decaen provocando una entrega por parte de la gente realmente digna de estudio. ¿En qué momento Charli XCX se convirtió en una frontwoman tan importante para un sector de la población?

Quizá fue cuando se apartó del mainstream para acercarse a los sonidos más arriesgados. El concierto se cerró con ‘Unlock It’ y ‘Good Ones’, pero antes, también en el bis, destacaron dos producciones tan abrasivas como ‘Vroom Vroom’ y ‘Visions’. La sala se vino abajo con los beats de ambas. ‘Visions’, la canción que cerraba ‘how i’m feeling now‘, y una de las pocas recuperadas de dicho disco, fue más celebrada que la mismísima banda sonora de ‘Bajo la misma estrella’. Su inabarcable mezcla de techno, trance y hardcore en la última parte del set fue la mejor manera de levantarlo, salvo que jamás se había adormilado. En ese momento como extraído de una serie apocalíptica tipo ‘Lost’, hasta mi móvil dejó de funcionar, poniéndose en modo «emergencia». Exactamente lo que parecía estar sucediendo con esta ida de olla de tema.

Mucha gente se pregunta si en el disco de Rosalía, «C de Charli angelada» es por Charli XCX -cuyos fans reciben el nombre de «angels»- o por ‘Los Ángeles de Charlie’. En Genius no se aclaran: la grafía en el libreto oficial de «Charlie» en lugar de «Charli» apunta a la ficción; por otro lado Rosalía sigue a XCX en redes. No necesitamos la solución. Para cualquiera viviendo todo lo sucedido desde ‘Sucker‘ y ‘Pop 2‘, Charli solo hay una. 8,5.

Fotos: Henry Redcliffe

Sesión de Control: Junco y Diamante, Confeti de Odio, Airbag con J

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Joe Crepúsculo y La Estrella de David venían tiempo anunciando que habría continuación de su disco como Junco y Diamante. Tras ‘Las comarcas de Catalunya (vol.1)‘, han sacado dos canciones nuevas 9 años después, a cual más imperdible: ‘El tinto de verano’ (inspirada en el GARRAF) y ‘Dame tabaco’ (inspirada en los Rolling Stones y Andorra), ambas de exacta duración. Abrimos «Sesión de Control», nuestra playlist de pop nacional, con la primera, un tema tipo Georgie Dann, como su propio nombre indica.

Ciberchico tiene un nuevo disco, en el que aparecen colaboraciones con Leftee, Daniel Daniel, eurosanto o Megansito el Guapo. Compartimos el interludio ‘MARIPOSA’, que inspira la portada del álbum. Otra que ha publicado disco es la catalana Marta Knight, que debuta en largo con ‘Strange Times Forever’ tras haber pasado este año por Eurosonic (Holanda), SXSW (Estados Unidos) y Focus Wales (Reino Unido), a sus 23 años. El 10 de junio estará en Primavera Sound y a finales de mes, en Mallorca Live Festival.

interrogación amor ha lanzado disco de 9 canciones, del que despunta la industrial ‘MALA SUERTE’, pero en el que cabe casi cualquier estilo: hay folk, noise, avant-garde, trip-hop, synth-pop o punk.

Mira Paula, la cantante revelación de la que compartimos el tema ‘GODARD‘ hace poco, tiene un nuevo tema hispano-francés. Atención sobre todo a la segunda parte del tema, que se convierte al italo para hablarnos de cosas cotidianas como Tinder o su «no a las drogas».

Entre las curiosidades de la semana, Tú peleas como una vaca han convertido ‘Ateo’ de C. Tangana y Nathy Peluso en «Yo era hetero, pero ahora creo». Entre las novedades de hoy mismo, el segundo single del nuevo disco de Confeti de Odio. Otros que presentan álbum son Airbag y están nada menos que acompañados de Jota de Los Planetas.

‘x ti’ es una delicia de R&B de Paula Cendejas. También onírica es la 5ª canción que moren comparte en las plataformas de streaming, ‘de madrugada’. Completamos la playlist de momento con habituales de la sección o de la web como Samuraï o Julia Nar con Khotton Palm.



La TAAHLIAH de Glasgow busca ser una voz diferente

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TAAHLIAH -nada que ver con la mejicana- es el nombre de una artista de Glasgow conocida por tratar de aunar la electrónica pura y dura con el pop cristalino. FKA twigs, Zola Jesus, Purity Ring y también SOPHIE y Lady Gaga están en su radar, llevándola a la edición del EP ‘Angelica’ el año pasado.

En ‘Angelica’ reflexionaba sobre la realidad trans, tanto en el tema principal ‘Brave’, como con frases como “algunos de mis amigos han muerto por esto”, del tema ‘Never Lose’.

Curtida en espacios alternativos y queer de Glasgow como las fiestas Shoot Your Shot, TAAHLIAH lleva tiempo reflexionando sobre por qué la industria sigue dominada por artistas blancos. “Definitivamente es un problema enorme para la industria musical, especialmente para subgéneros como el hyperpop”, contaba en una entrevista el año pasado con Dazed Digital.

Esta semana os hemos presentado en “Ready for the Weekend” su nuevo single, ‘Fall Into Place’, que es nuestra “Canción del Día” hoy. Se trata de una producción más entregada a los ritmos 90’s, que realmente podría haber entonado Charli XCX en transición desde su etapa PC Music a la más agradable para su sello Warner.

El texto por su parte habla de “juguetes sexuales” y de algo “para disfrutar”, así como de devoción (“eres más alto de lo que imaginé (…) no sé si estoy preparada para ti”), justificando que entre quienes la siguen en España estén tanto LVL1 como PUTOCHINOMARICÓN.


Lil Nas X denuncia el ninguneo de los premios BET por «homofobia»

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Lil Nas X es uno de los artistas afrocamericanos más populares del momento, pero no hay manera de que los premios BET le reconozcan. Ni en 2021 ni en 2022, a los «Black Entertainment Awards» le ha parecido que Montero merezca su aprobación, pese a haber lanzado hits del tamaño ‘Industry Baby‘ con Jack Harlow (curiosamente, el autor de ‘First Class’ sí ha sido nominado, y es blanco) Lil Nas sí recibió una nominación a Artista revelación en los premios BET en 2020 y además ha actuado dos veces en la ceremonia.

El rapero ha llegado tan lejos de atacar a los BET en su nueva canción, ‘Late to da Party’, que está avanzando en TikTok y cuenta con la frase «que jodan a los BET». En la canción, Lil Nas recuerda los múltiples récords que tiene en su haber.

Los BET reconocen anualmente a los mejores músicos, actores o deportistas afroamericanos en Estados Unidos, y Lil Nas X está convencido de que los premios sufren un problema de homofobia interiorizada que le lleva a ningunearle año tras año pese a encontrarse en su mayor momento de popularidad. Montero no entiende por qué los GRAMMY sí le valoran (tiene dos gramófonos en su haber, y una nominación a Álbum del año) y los premios de la música negra, en cambio, hacen ver que no existe, o lo parece.

En Twitter, el autor de ‘MONTEROha explicado que sus críticas no tienen tanto que ver con el hecho de recibir nominaciones o premios, sino con que «las personas gays negras tenemos que luchar para que se nos reconozca porque, incluso cuando estamos en la cima, tenemos que fingir que somos invisibles». El artista se pregunta cómo es posible que «me reconozcan los premios más importantes del mundo» mientras «mi propia gente no me concede una sola nominación». Algunas personas han alzado la voz en contra de las declaraciones de Lil Nas para apuntar que él es un artista de pop y no de R&B o de hip-hop, pero los BET no valoran exclusivamente estos dos géneros, y de hecho cuentan con una categoría de pop en la que sí han estado nominados Drake o Doja Cat, entre otros.

De manera clave, Montero puntualiza que lo que a los BET le puede causar rechazo de él no es su música, ni siquiera el hecho que sea gay, sino su expresión de género. Cuando un tuitero le recuerda que Tyler, the Creator y Frank Ocean sí han recibido nominaciones en los premios de la música negra, Lil Nas X plantea: «amo a Frank y Tyler hasta la muerte pero ¿podemos admitir que a los hombres queer se les respeta más cuando hacen cosas menos femeninas? ¿O me lo estoy inventando?» Cuando otra persona le dice que debería dejar de convertir su orientación sexual en «toda su personalidad», Lil Nas responde que los «hombres negros deberían seguir haciendo que ser gay es toda su personalidad mientras sigan siendo encarcelados o asesinados en varios países por ello».

En otro mensaje, el autor de ‘Old Town Road’ cuenta que recientemente acudió con su familia a un club gay por primera vez, y que se sintió «aliviado». «Una cosa es que tu familia sepa que eres gay y otra es que realmente lo reconozcan e intenten desaprender el odio hacia ello», añade. Una historia que se puede extrapolar a lo que está pasando con los BET.

En respuesta a las declaraciones de Lil Nas X, los BET han contestado que «aman» a Lil Nas X y han recordado las veces que ha actuado en la gala , así como su única nominación, y han puntualizado que el rapero no ha recibido nominación alguna porque ninguno de los «500 profesionales que conforman la Academia de los BET» le ha propuesto. Es la Academia, y no el propio programa, el que se encarga de elaborar las nominaciones.

Bruce Springsteen añade segunda fecha en Barcelona en 2023

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Bruce Springsteen and The E Street Band vuelven a los escenarios en febrero de 2023, con una serie de conciertos en Estados Unidos que se anunciará próximamente, y a la que seguirá una gira europea de estadios que dará comienzo el viernes 28 de abril de 2023 en el Estadi Olímpic de Barcelona. A esta fecha se ha sumado una segunda el día 30 de abril, en el mismo recinto.

Barcelona se suma hoy a la lista de ciudades que han ampliado el número de shows debido a la gran demanda de entradas. Doctor Music informa que esta es la única fecha adicional posible en España y que no existe posibilidad de añadir nuevos conciertos. Más adelante se anunciarán ciudades y fechas adicionales en el Reino Unido y Bélgica.

Las entradas para los dos conciertos de Bruce Springsteen and The E Street Band el 28 y 30 de abril de 2023 en Barcelona se pueden adquirir desde hoy 8 de junio. El precio de las entradas será de 65, 70, 78, 90, 105 y 125 euros para las entradas de asiento reservado en grada, de 125 euros para Pista Delantera y 82 euros para Pista Trasera (gastos de distribución no incluidos). Se podrán adquirir un máximo de 6 entradas por compra.

La banda volverá a Norte América para una segunda parte de la gira a partir de agosto. Barcelona será la única ciudad donde actuará Bruce Springsteen en España, estando totalmente descartada la adición de más ciudades en nuestro país en esta gira de 2023.

La gira de 2023 significa el regreso de Bruce Springsteen and The E Street Band en directo, desde que en febrero de 2017 finalizara en Australia su gira mundial de 14 meses ‘The River Tour’.

Bruce Springsteen and The E Street Band se volvieron a reunir para actuar en el programa de televisión Saturday Night Live en diciembre de 2020, donde tocaron en directo dos canciones de su último álbum de estudio, ‘Letter To You‘.

April 28, 2023 – Barcelona, Spain – Estadi Olímpic
May 5, 2023 – Dublin, Ireland – RDS Arena
May 7, 2023 – Dublin, Ireland – RDS Arena
May 13, 2023 – Paris, France – La Défense Arena
May 18, 2023 – Ferrara, Italy – Parco Urbano G. Bassani
May 21, 2023 – Rome, Italy – Circo Massimo
May 25, 2023 – Amsterdam, The Netherlands – Johan Cruijff ArenA
June 11, 2023 – Landgraaf, The Netherlands – Megaland
June 13, 2023 – Zurich, Switzerland – Stadion Letzigrund
June 21, 2023 – Düsseldorf, Germany – Merkur Spiel Arena
June 24, 2023 – Gothenburg, Sweden – Ullevi
June 26, 2023 – Gothenburg, Sweden – Ullevi
June 30, 2023- Oslo, Norway – Voldsløkka
July 11, 2023 – Copenhagen, Denmark – Parken
July 13, 2023 – Copenhagen, Denmark – Parken
July 15, 2023 – Hamburg, Germany – Volksparkstadion
July 18, 2023 – Vienna, Austria – Ernst Happel Stadion
July 23, 2023 – Munich, Germany – Olympiastadion
July 25, 2023 – Monza, Italy – Prato della Gerascia, Autodromo di Monza

Julia Garner ya tiene sobre la mesa el papel protagonista de Madonna

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Julia Garner ya tiene sobre la mesa la oferta de Universal Pictures para interpretar a Madonna en el biopic sobre la cantante que prepara la propia autora de ‘Ray of Light’. Variety confirma que la actriz ha superado el cásting frente a una docena de candidatas -entre las cuales se encontraban Florence Pugh o Sky Ferreira- y que «se espera» que acepte la oferta. Garner era una de las opciones más comentadas antes incluso que se confirmara el biopic.

El parecido físico de Garner con Madonna es evidente, aunque no es el requerimiento más importante para que un actor o actriz consiga un papel en una película de estas características. De hecho, los cástings para conseguir el papel de Madonna han sido tan duros que algunas personas bromeaban ya con preparar un «thriller psicológico» sobre la experiencia. Garner y sus compañeras de cásting se han enfrentado a 11 horas diarias de sesiones coreográficas con y sin la propia Madonna de cuerpo presente, porque la actriz que la interprete debe saber bailar y cantar con destreza.

El biopic de Madonna relatará los primeros años de su carrera, presumiblemente los situados entre los años 1982 y 1983, a la manera de ‘8 Miles‘ de Eminem. Será la propia Madonna quien dirija la cinta con guion de Donna Langley y producción de Amy Pascal. En entrevistas, Madonna ha priorizado trabajar con mujeres en su biopic ha sido importante para ella porque, a lo largo de los años, han sido hombres quien han contado su vida sin conocerla realmente.

Curiosamente, al tiempo que Variety ha dado a conocer la noticia sobre la casi confirmación de Garner en el biopic de Madonna, la cantante ha publicado un extraño story en el que ha ofrecido a sus seguidores elegir entre dos opciones, sacar una película o irse de gira mundial. Sus fans entienden que está troleando al personal. ¿Será que baraja ambas opciones al mismo tiempo?

Sin ser una actriz de primerísima plana, Garner es conocida por sus papeles en series tan reconocidas como ‘Ozark’ o en películas de prestigio como ‘Martha Marcy May Marlene’, ‘Electrick Children‘ o ‘Grandma’. Últimamente ha protagonizado en ‘The Assistant’ y la miniserie ‘Inventing Anna’, sobre el caso de la estafadora Anna Delvey.

Estos días, Madonna ha anunciado su recopilatorio de remixes ‘Finally Enough Love’, con el que celebra sus 50 números 1 obtenidos en el chart dance de Billboard. El último single publicado del recopilatorio ha sido un remix de ‘Deeper and Deeper’.

Qué fue de Simply Red

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Simply Red llegan este jueves 9 de junio a Madrid para actuar como parte del ciclo Madrid Escena, por el que ya han pasado Love of Lesbian, hoy miércoles lo hace James Blunt, y próximamente lo hará Robe con las entradas agotadas, Diego El Cigala y Jason Derulo. Simply Red también actúan hoy en Barcelona (Jardines Pedralbes), en ese caso con las localidades agotadas.

A veces la prensa olvida documentar el éxito de ciertas bandas: diarios, semanarios y mensuales no han sido muy generosos con Simply Red, cuando son, en contra de lo que creen algunos, uno de los grupos más vendedores de la historia, muy especialmente en Reino Unido. Por allí fue 12 veces platino ‘Stars’ (1991), el disco que contenía la canción titular y otros éxitos como ‘For Your Babies’ y ‘Something Got Me Started’.

Y eso fue después de los 5 platinos de ‘Picture Book’ (1985), los 3 platinos de ‘Men and Women’ (1987) y los 7 platinos de ‘A New Flame’. Aquellos tres primeros discos de Simply Red dejaron hits como ’Money’s Too Tight (To Mention)’ y ‘Holding Back the Years’; ‘The Right Thing’ o la versión de ‘If You Don’t Know Me By Now’. Todo ello se traduce en una pasmosa colección de hits. El típico caso «conoces más canciones de Simply Red» de las que crees.

Porque a todo esto hay que sumar por ejemplo los singles de ‘Life’ (1995), que también fue 5 veces platino en UK. Allí estaban ‘Remembering the First Time’ (we made love!), ‘Fairground’ y un tema que suena a vida adulta y que recuerdo con gran cariño de adolescente, ‘Never Never Love’. “Ahora que hemos conseguido nuestra independencia, ¿qué vamos a hacer con ella?”, se preguntaba en la primera línea Mick Hucknall.

En España tenemos un especial apego hacia ‘Men and Women’, pues el disco fue top 3 por aquí (contenido por ‘The Joshua Tree’ de U2) y su primer disco de platino, de varios que lo lograrían inmediatamente después. ‘The Right Thing’ no pudo ser más explotada en Los 40 Principales, y por suerte es una canción que Simply Red no han dejado de interpretar en vivo.

Aunque el camino a veces ha sido tumultuoso. Para sorpresa de nadie, Mick Hucknall terminó siendo el único miembro de Simply Red ya a la altura de 1996. Tras las obligadas concesiones electrónicas de 1999 en ‘Love and the Russian Winter’, el grupo se quedó sin sello. En la autoedición primero, continuaron sobreviviendo en las listas aunque ya de peor manera. En 2010 Simply Red anunciaban su separación y una gira de despedida, que al final no fue tal. En aquellos tiempos Mick fue noticia por comentar que las críticas por apropiación cultural venían «de la ignorancia». Que el inventor del saxo era «blanco y belga». Que él estaba en la música para unir a la gente y no para dividirla.

Tan solo 5 años después de decir adiós, el grupo volvía con ‘Big Love’ (2015), dándole continuidad con otro disco llamado ‘Blue Eyed Soul’ (2019). No han de temer quienes no estén familiarizados con este, pues la gira actual de Simply Red viene a ser un «greatest hits» en el que únicamente suenan un par de canciones de ese último trabajo. De hecho, todos aquellos que encontraron confort en el soul blanco y amable de Mick Hucknall no es que vayan a sufrir mucho durante la interpretación de cosas como ‘Thinking of You’. Esta parece creada expresamente para el directo.



‘Top Gun: Maverick’ y Tom Cruise resucitan el blockbuster adulto

El poder cada vez mayor de los gigantes de streaming es una realidad. Por poner solo un par de ejemplos, Netflix lleva tiempo sin permitir carteles para las películas que produce: ni créditos del equipo ni incluso para el director, que muchas veces hay que intuir bajo el “una película de Netflix”. Solo algunas vacas sagradas podían permitirse ser las (costosas) excepciones, pero parece que ya ni eso, en un paso más de la compañía en la homogeneización de todos sus productos de ficción.

Este poder se ha disparado con la pandemia, y raro es que una superproducción se estrene solo en cines, mucho menos si es por la intuición/cabezonería de su protagonista. Claro que, si hay en la actualidad un actor al que se le pueda permitir el “capricho” de estrenar solo en cines y no en plataformas de streaming una película con un presupuesto de 200 millones de dólares, ese es Tom Cruise. Alguien que lleva más de cuarenta años siendo una estrella de cine, un valor (casi) seguro en taquilla, y respetado tanto por la crítica como por sus propios compañeros. Algo que, como apunta Nicole Sterling en una interesantísima pieza para el NY Times que os recomiendo casi como complemento a ‘Top Gun: Maverick’, es casi una especie en extinción – no en vano se lo dicen al propio Cruise en el momento más meta de la película.

Que Cruise represente esa estrella de cine que ya no se ve en este “mundo distinto” tiene un coste, y es que lleva la última década sin protagonizar un éxito de verdad… hasta ahora. Pocos apostaban por que ‘Top Gun: Maverick’ llegase siquiera a cubrir gastos: una secuela estrenada tres años después de su rodaje, y siendo además más recordada la original hoy día por su tema central, el tremendo ‘Take My Breath Away’ de Berlin, que por la película en sí.

Pues bien, ‘Maverick’ no solo es mucho mejor que la original de Tony Scott -tampoco era difícil- sino que ha superado en solo dos semanas los 500 millones de dólares, siendo el mejor estreno de la Historia en el Memorial Day, la cinta más taquillera en EEUU de toda la carrera de Cruise, y llevándose varios récords más, entre ellos el menor descenso en su segunda semana para una película que debuta con más de 100 millones de dólares, superando la marca de ‘Shrek 2’. Esto último es importante porque, como veis, no es una marca reciente: las pelis de Marvel y demás taquillazos de sagas actuales acostumbran a que la mayoría de su público acuda en masa en los primeros días. Es más una marca de esa época de la que habla Sterling en su artículo, una marca propia de los espectadores adultos de blockbuster. Esos que los cines creían haber perdido. Y es clave para entender por qué ‘Top Gun: Maverick’ funciona tan bien.

‘Maverick’ consigue que incluso el espectador cero atraído por los avatares testosterónico-patrióticos (si no existe eso, inventado queda) de unos pilotos de guerra acabe viviendo intensamente con ellos su misión, incluso emocionándose. Joseph Kosinski, su director, ya había demostrado su capacidad para blockbusters de gran calidad como ‘Tron Legacy’ o la estupenda e infravalorada ‘Oblivion’ (con banda sonora de M83), y en el guión echa un capote Christopher McQuarrie, ganador de un Oscar por el guión de ‘Sospechosos habituales’, y presente en las últimas entregas de ‘Misión Imposible’.

Ambos apuestan por eliminar varios elementos del pasado (de las cuestionables ausencias de Meg Ryan y Kelly McGillis a la presencia testimonial de Val Kilmer) e introducir novedades que a su vez conectan con él: Miles Teller como el hijo del mítico Goose, Jennifer Connelly como un interés amoroso de Maverick que le aprieta las tuercas como hacía Charlie, o un escuadrón de pilotos con perfiles parecidos a los originales (¡ahora con extra de diversidad!). Y ojo porque otra constante es la interpretación marica de esta historia: ya no hay frases y escenas homoeróticas tan parodiables, pero esta secuela da aún más motivo a quienes defienden esta teoría, y la forma en que se habla de Goose, los recuerdos del protagonista, todo ello se plantea en unos códigos que no son los usados en Hollywood para una amistad precisamente. Maverick parece un viudo.

La nostalgia sobrevuela (jé) esta película, pero lo hace de una forma que resuena tanto en quienes bailaron ‘Take My Breath Away‘ en las discotecas como en quienes en estos meses nos hemos puesto la original en Netflix/HBO Max. ‘Maverick’ cuida y respeta a sus personajes, les da personalidad sin confundirla con gags, y cree en la historia que te está contando de tal modo que, por muy penca que ésta pueda tornarse (puedes acordarte de aquel “el país de Abu Fayed” de ’24’ con las no-menciones a ese “peligroso estado”), te importa por las implicaciones que tiene en sus protagonistas.

Una vez tienen esta base de mínimos, se preocupan de que ‘Maverick’ sea un espectáculo visual para ver en el cine. Cuenta Kosinski que vio con Cruise vídeos de pilotos de la Marina que pusieron GoPros en sus cabinas y ambos estuvieron de acuerdo en que “si está en Internet de forma gratuita y nosotros no podemos superar esto, no tiene sentido hacer la película”… Os podéis hacer una idea del resultado. El periodista de cine Javier P. Martín dijo para bien que ‘Maverick’ es “el tipo de película en que Tom Cruise le da la mano a Jennifer Connelly mientras Gaga dice “hold my hand””, y la verdad es que resume un poco su espíritu. Por cierto que el tema de Gaga no es ‘Take My Breath Away’ (ni tampoco ‘Shallow’), sí, pero porque su cometido en la película no es el de representar un clímax, sino el de cerrarla.

Cuando, en aquel pollo que montó en pandemia, Tom Cruise decía de sí mismo y su equipo que eran “el espejo en que los demás se miraban”, no era un ejercicio de egocentrismo sino la verdad: Cruise defiende con uñas y dientes a Hollywood porque Cruise es Hollywood. Ese ideal que nunca fue real, pero que con la velocidad de consumo actual es, ahora más que nunca, poco más que (breve) fama y franquicias. Y una de las frases más repetidas de ‘Top Gun: Maverick’ puede entenderse también como una reivindicación del actor-estrella frente al personaje-franquicia: “no es el avión, es el piloto”.

Rigoberta Bandini hace funcionar la balada estival ‘A todos mis amantes’

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Rigoberta Bandini ha publicado su nuevo single, ‘A todos mis amantes’. Se trata de una canción acústica de cierto aroma portugués, una melodía de nuevo un tanto Mecano, y una producción aderezada con procesadores vocales que podrían haber realizado Hidrogenesse. La letra se dirige, como el nombre indica, a las personas a las que ha roto el corazón, y referencia ‘Perra‘.

Puede que no sea un tema llamado a suceder el pelotazo de ‘Ay mamá’, ni lo que esperabas para este verano, pero qué duda cabe de que sí asentará una base de fans que se cuenta ya por cientos de miles: la canción resulta preciosa en su equilibrio entre libertad y culpa, entre dramatismo y humor, muy presente en esa mención -y con esa forma- a los años 90.

‘A todos mis amantes’ es el primer tema de Rigoberta desde que ‘Ay mamá‘ alcanzara el número 1 de singles en España tras el fenómeno de Benidorm Fest. Desde que la catapultara a otra liga.

Previamente al anuncio de ‘A todos mis amantes’, un título más Julio Iglesias imposible, por parte de una artista que cuenta con un single llamado tal cual ‘Julio Iglesias’, Rigoberta había compartido un pequeño adelanto de la letra.

Esta semana, ‘Ay mamá’ ocupa el puesto 67 de la lista de singles española. Es el único tema de Paula Ribó en la tabla a día de hoy, después que el éxito de ‘Ay mamá’ provoca un efecto dominó en su repertorio con las entradas de ‘Perra’, ‘Too Many Drugs’, ‘In Spain We Call it Soledad’ y ‘A ver qué pasa’. Recientemente, Rigoberta estrenaba la versión primigenia de ‘Ay mamá’, que está formando parte de sus conciertos, y también el videoclip de la versión final, que trajo polémica.

Por otro lado, recientemente también reseñamos el libro ‘Vértigo‘ de Rigoberta. Joric valora que «funciona perfectamente como retrato generacional». Un texto en el que Paula «refleja muy bien la angustia, desorientación e incertidumbre vital de una veinteañera en plena ruptura sentimental y a punto de llegar a la treintena».

Estos días, Rigoberta sigue de gira con su «Rigotour», y entre los meses de junio y julio realizará una gira por festivales que le llevará a Primavera Sound, Bilbao BBK Live, Mallorca Live, o L’Scala Itaca Festival de Girona, Sónica de Cantabria o Cruïlla de Barcelona, entre otros. La gira seguirá en agosto por Castellón, Almería o Logroño y concluirá en Granada en septiembre.

¿Qué te parece 'A todos mis amantes' de Rigoberta Bandini?

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FernandoCosta, top 5 en España; entran Liam, Cupido, Márquez…

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‘Un verano sin ti’ de Bad Bunny vuelve a ser el disco más popular en España y pasa una nueva semana en el número 1, pasado el paréntesis ‘Harry’s House’, que cae al 2. Rosalía y C. Tangana se mantienen en el #3 y en el #4 con ‘Motomami’ y ‘El Madrileño’ respectivamente, mientras la sorpresa la da en el número 5 FernandoCosta.

‘Tirititando’, el nuevo disco de FernandoCosta, es la entrada más fuerte en la lista de éxitos. El artista ibicenco da la sorpresa con su segundo álbum de estudio, y el primero desde ‘Yipiyou’ en 2018. Este incluyó éxitos como ‘Narcolepsia’ o ‘Pa que lo gocen’ y superó los 100 millones de escuchas en Spotify sumando todas sus pistas.

Con singles como ‘Hasta Cuando’ o ‘Fumando Serio’, y colaboraciones con artistas como Delaossa o Ayax y Prok, ‘Tirititando’ supone el regreso de uno de los raperos de referencia de la escena actual española.

Aunque en posición más modesta, también llega a la lista el nuevo álbum de Liam Gallagher, ‘C’mon You Know’. Eso sí, su puesto 21 sabe a poco en comparación con sus cifracas en Reino Unido (un número 1 por encima de las 70.000 unidades). El directo de Liam Gallagher ‘Down by the River Thames’ también aparece en el puesto 73 en nuestro país.

Dos entradas muy destacables en el pop nacional son la de Cupido en el #31 con ‘Sobredosis de amor’; y la de Rocío Márquez y Bronquio en el #77 con ‘Tercer cielo’. Son nuestros dos últimos «Discos de la Semana». Cupido no tienen soporte físico aún y el vinilo de ‘Tercer cielo’ no llegará hasta septiembre.

También entran Def Leppard con su nuevo disco, ’Diamond Star Halos’, en el puesto 16; Marta Soto en el 22 con ‘Todo lo que tengo’; Tate McRae en el 43 con ‘I Used to Think I Could Fly’; Michael Schenker Group en el 50 con ‘Universal’; la banda sonora de ‘Top Gun: Maverick’ en el 57; Kany Garcia en el 74 con ‘El amor que merecemos’; y Emilia en el 75 con ‘Tú crees en mí?’.



Cardi B recibe críticas por incluir ‘WAP’ y ‘Up’ en su próximo álbum

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Cardi B ha sido acusada en redes sociales de intentar impulsar las ventas de su segundo álbum tras confirmar que los singles ‘WAP’ y ‘Up’, de 2020 y 2021 respectivamente, formarán parte del disco. El proyecto, aún sin nombre ni fecha de lanzamiento, será el primero de Cardi B desde ‘Invasion of Privacy‘ en 2018.

La chispa de la polémica fue una entrevista de la artista con Centerfold en la que confirmaba la presencia de ambos singles en el álbum. Tras llegar la noticia a Twitter, un usuario escribió que la culpa de esto la tenía «la era del streaming» y que «los artistas solo hacen esto para recibir certificaciones por su disco».

Antes de borrarse el tweet, Cardi B respondió recriminando al usuario: «¿Por qué no has dicho nada sobre otros artistas que han puesto recientemente canciones previas a la pandemia en sus discos, o sobre gente que ponen canciones de otros en lo suyo…? Imagina mi canción más grande no estando en ningún álbum».

El usuario aclaró más tarde que el mensaje «no era un tweet de odio para Cardi», sino «una crítica a la industria musical y cómo esta afecta a la creación de un tracklist».

Finalmente, no todo fueron críticas, ya que algunos fans defendieron la decisión de Cardi B. Un usuario en concreto apuntaba que «el segundo disco siempre se suponía que iba a ser el hogar de WAP y Up», matizando que Cardi «se quedó embarazada y entonces las cosas se retrasaron».

«Tigini» y ‘La prendo’ de Bad Gyal, nuevos hits en España

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’Tití me preguntó’ de Bad Bunny continúa en el número 1 de la lista española de singles, con la novedad de que ahora mismo Bad Bunny ocupa el top 3 al completo. ‘Me porto bonito’ con Chencho Corleone sube al puesto 2 y ‘Ojitos lindos’ con Bomba Estéreo cae al puesto 3. Además, el álbum de Bad Bunny vuelve al número 1 de discos.

Pasando a algo que no sea Bad Bunny, la subida más fuerte de la semana es ‘Tigini’ de Rvfv y Kikimoteleba, que pasa del número 6 al puesto 4 con el mayor aumento de streamings. Y la entrada más fuerte de estos días es ‘La prendo’ de Bad Gyal, que llega directamente hasta el puesto 28. Actualmente este tema es puesto 39 en Spotify España, por lo que parece que tendrá cierta estabilidad en su segunda semana.

El resto de entradas oficiales al top 100 español son ‘Qué nos pasó’ de Anuel AA (#61), ‘Noche de teteo’ de Sech (#89), ‘Llueve’ de Wisin & Yandel, Sech y Jhay Cortez (#92) y ‘Meneito’ de Nil Moliner y Yera (#96). De todas ellas, la que mejor sobrevive en Spotify España y por tanto la que parece que tendrá algo más de recorrido es ‘Qué nos pasó’, la única ya en el top 100.

Otros movimientos interesantes de la semana son ‘Te felicito’ de Shakira y Rauw Alejandro, que sube al top 10 como previmos; y ‘Coronamos’ de JC Reyes, que asciende al número 22, consiguiendo un nuevo máximo.

Disco de la Semana: Cupido / Sobredosis de amor

El amor duele. Ya se nos había olvidado. Cupido -gran nombre de banda- se valen de esa máxima y otra igual de improbable en 2022 para diferenciarse. En un mundo en el que todo artista joven tiene que hablar de las maldades del amor tóxico, de que es mejor no regodearse en el sufrimiento en pos de cuidar la salud mental y la autoestima; Cupido cantan al desamor sin descanso ni miedo a resultar ñoños.

La otra diferencia es que lo hacen con una banda de pop-rock con bajo, batería, guitarra y teclados. La fórmula que les dio el éxito con su debut ‘Préstame un sentimiento‘, esto es, la suma de la voz procesada de Pimp Flaco con el grupo Solo Astra, sigue vigente un par de años después en ‘Sobredosis de amor’, el segundo disco que hoy celebramos.

Cupido tuvieron dos grandes éxitos en sus inicios: ‘No sabes mentir‘ y ‘Autoestima‘, el cual complementaron con la ayuda de Alizzz y Lola Indigo. Los singles que han venido presentando desde entonces no tienen aparentemente tanta pegada. A cambio, ofrecen un mayor nivel de introspección que encanta a sus seguidores, y sirva ‘La pared‘ como ejemplo, pues ha igualado los números de sus mayores hits.

Ya había un clásico de nada menos que Bambino con este nombre. ‘La pared’ de Cupido sirve como refugio a todos aquellos que sufren por amor, para que se desgañiten como Pimp Flaco lo hace cantando que:
«Voy a hacer una pareeeeeeeed
Entre tu vida y la míaaaaaa
Para no volverte a veeeeeer
Por lo menos cada díaaaaaa
Pero si quieres veniiiiir
También le pondré una puertaaaaaa
Y por si quiero moriiiir
Una ventanita abiertaaaaa»

Además de este momento «sing along», la música se para casi por completo para que la letra concluya que «la vida es una mierda», lo cual está rimado con que «voy a ahogarme con una cuerda». Hacía tiempo que un grupo -y encima underground-, no apostaba por estos niveles de recreación en el fango. Algunos lo llamarán «romántico», otros lo llamarán «emo», pero lo mejor de todo es que Cupido no es un proyecto cortavenas. Lo evitan sin aburridos manuales de «consejos vendo para mí no tengo», sino de otras dos maneras.

La primera es el humor, presente en muchas frases del disco, con demasiados puntos divertidos como para resultar deprimente. Comenzando con el juego de «loser» de Pimp Flaco como frontman, que ha de ser una broma, al menos en parte. En ‘Santa‘, se postula como «un creador como Tyler, jejé», además de proclamar derrotas y victorias con la rima «Caí en la trampa, tu sonrisa me encanta / Y la carita que pones cuando te atragantas». ‘Wallapop’ contiene un bobísimo juego de palabras entre «sentir» y «sentar» que contra todo pronóstico funciona. Ya el título se las trae, y viene de que Cupido van a vender todas sus sillas en esta APP: «Voy a tirar todas las sillas que tengo por el balcón / Porque total, a ti ya te da igual cómo me siento yo».

La segunda es que toda esta poesía carpetera y sencilla, tan asociable a los tiempos del instituto, se crece entre unas guitarras ahijadas del indie-rock que pueden recordar a los Smiths (‘Sobredosis de amor’, ‘Un cabrón con suerte’), The Cure (‘Dios no existe’) o el pop-rock de pega de Aitana (‘Wallapop’). A veces rugen y se distorsionan, pero nunca llegan a ensuciar demasiado el primer plano, manteniendo un punto de accesibilidad que explica perfectamente el éxito de Cupido. Y no, no son deprimentes. Es el trabajo de Al García, Toni D, Dannel y Luichi Boy levantarlas con sus instrumentos como logran con la misma ‘Dios no existe’, que resulta revitalizante pese a su título.

Son muchas las grandes canciones que encontramos en ‘Sobredosis de amor’ y cuando estas se les van acabando, la banda muy hábilmente va precipitando el final del álbum. La antepenúltima canción dura 3 minutos, la penúltima 2, y la última 1 en su parte cantada. Temen Cupido, todo el tiempo, que otro cabrón se meta dentro de la habitación de su chica. Ellos, más listos que el hambre, se meten mientras tanto en la de todos.

Alizzz, 2manydj’s, Mujeres… entre las confirmaciones del Low

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Low Festival, que se celebra entre los días 29 y 31 de julio y ya había anunciado la presencia de nombres tan destacados como Nathy Peluso, Fangoria, Primal Scream, Izal, !!!, Metronomy, Amaia, Carolina Durante, León Benavente y Dorian, entre muchos otros, tiene nuevas confirmaciones.

2manydjs (live), Alizzz, los franceses La Femme, Mujeres, VVV [Trippin’ You], Jimena Amarillo, Shego, Paco Moreno y Veintiuno son los nueve artistas que cierran hoy el cartel. JENESAISPOP vuelve a ser medio colaborador del evento, como podéis observar en la cartelería.

A falta de un anunciar una última sorpresa -muy esperada por los lowers- en el recinto y una última tanda de djs, con estos nueve nombres nuevos el cartel de Low Festival 2022 supera ya los 50 artistas confirmados. Los abonos de tres días y las entradas de día están a la venta desde solo 38€ hasta el domingo a medianoche, cuando subirá el precio en lowfestival.es. Como informamos en un podcast reciente, seguimos recomendando encarecidamente la experiencia del abono VIP POOL, con acceso a una piscina olímpica.

Podcast: A qué festival ir este verano

Vi de Born se inspira en Kanye, Calderón, Violeta Parra… ¿y Parade?

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Vi de Born, definido como un «poeta digital», es un artista originario de Chile actualmente asentado en Barcelona. Le inspiran el arte callejero, la música urbana y la poesía popular; lo que se traduce en unas letras que referencian la política y la literatura, como sucede en la canción que acaba de subir a las plataformas de streaming, ‘Por si alguna vez soñamos’.

Inspirada en ‘La vida es sueño’ de Calderón de la Barca, nos habla de inmigración a través de un mantero africano, mientras la producción musical se mueve entre proyectos como Gepe, Espaldamaceta y Parade. En su lista de influencias están indistintamente «la poesía de Violeta Parra y la imaginación de Kanye West», como indica su web en la comunidad de artistas Acqustic.

Vi de Born se formó cantando en los autobuses de Santiago de Chile, dejándose empapar después por el folclore y los estilos de varios territorios (pasó por Francia o Italia), como la música urbana y la electrónica de Barcelona.

Así se justifica que canciones como ‘Pequeña + Rubia’ comiencen como una acústica costumbrista y lofi tipo Tronco, que luego se deja decorar con varios tipos de arreglos electrónicos o incluso palmas flamencas. Palmas que también aparecen en la que es su canción más popular de momento, ‘La frontera’, de momento sin adivinar si serán indicativas de lo que está por venir.

Demi Lovato anticipa el proyecto favorito de su carrera, ‘Holy Fvck’

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Demi Lovato continúa dando los detalles de su nuevo disco. Hasta ahora sabíamos que habría cambio de sonido hacia el pop-rock, que barajaba un single llamado ‘Skin of My Teeth’… y ahora tenemos más detalles al respecto.

El largo que sucede al malogradillo ‘Dancing With the Devil… The Art of Starting Over‘ (todavía estamos esperando el vídeo con Ariana Grande) saldrá el 19 de agosto bajo el nombre de ‘Holy Fvck’, casi como el grupo. Incluirá 16 pistas, aunque aún no se han revelado sus títulos. Hoy se revela la portada del disco y también un tráiler.

En cuanto al single del que se venía hablando, ‘Skin of My Teeth’, saldrá este mismo viernes 10 de junio, presentándose en el show de Jimmy Fallon en la noche de este jueves 9 de junio, a tiempo para llegar a medianoche a las plataformas. Produce Warren “Oak” Felder, quien ha trabajado en el pasado con Alessia Cara, Nicki Minaj, Alicia Keys o la misma Demi Lovato, por ejemplo en gran parte de su último disco.

Demi Lovato ha declarado que «el proceso de hacer este álbum ha sido el que más me ha llenado de momento, y estoy agradecida a mis fans y colaboradores por haber hecho este viaje conmigo. Nunca había estado más segura de mí misma ni de mi música, y este disco habla por sí mismo». Además, tiene unas palabras de agradecimiento extra para sus fans, los «Lovatics»: «este disco es para vosotros».

‘Drag Race España 2’: ¿cómo demonios vais a superar esto?

La segunda temporada de ‘Drag Race España’ terminó anoche con cierta polémica. No tanto por su ganadora, que se venía adivinando desde hace tiempo, como por las formas. Y es que alguien tuvo la feliz idea de que hubiera 4 finalistas en lugar de 3… solo para impedir en el último momento que una de las drags más singulares, Marina, una de la que mejores momentos nos ha dado, comenzando por su homenaje a La Ocaña, no realizara el lip-sync final porque estaba eliminada (?).

Sharonne se hizo con la victoria, más que por algún as en la manga que tuviera reservado, por su constancia, demostrando que la experiencia y la edad -esa palabra misteriosamente peyorativa- pueden ser gigantes virtudes. Pero aquí quien ha ganado ha sido el espectador. Pocas veces un programa nocturno dominical ha hecho tan feliz a su target. En un momento de la semana delicado, casi abiertamente deprimente para la población, ‘Drag Race España’ ha acudido a nuestro rescate arrancando más que una sonrisa, una carcajada detrás de otra.

Mientras Nadal ocupaba todos los titulares de la prensa por su nueva victoria en Roland Garros, que bien por él, yo no podía dejar de pensar en lo estupendamente que se nos ha dado esto del Drag en nuestro país. Desde luego, teníamos las maneras. Lo teníamos todo realmente. La base: la pasión, el dramaqueenismo, el humor, la pluma que nos ha dado la copla, el flamenco, nuestro folclore. Mucho se ha tardado en dedicar un programa a Almodóvar, que el director manchego agradecía mediante un vídeo. Era imposible que no hubiera correspondencia entre Drag Race y el creador de ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’, personajes como La Agrado o escenas tan icónicas como las de Miguel Bosé cantando por Luz Casal. Todo esto era historia del pop, también; como ahora sus réplicas en drag.

Nuestro compañero iFar nos comentaba en un podcast que el segundo episodio de esta segunda temporada de Drag Race España era uno de los mejor valorados de la saga en todo el mundo. Tiene un 9,8 sobre 10 en imdb y merece la pena rescatar algunos comentarios en inglés: «la española es la mejor franquicia de Drag Race porque todo ocurre de manera natural». «El mini challenge, el maxi challenge y el runway han sido literalmente un 10. El talent show ha sido sin duda el mejor talent show de toda la franquicia Drag Race: saca los colores a la edición americana. Incluso las drags que han quedado en el bottom habrían ganado fácilmente el All Stars 5. No podría ni elegir mi favorita. Y me encanta cómo las reinas de la temporada 1 estaban alucinando y dijeron ellas mismas que no podrían haber hecho nada de esto el año pasado».

Porque un día desconfiamos de lo bien que lo podía hacer Supremme Deluxe, porque la gente se quejaba de tener a Los Javis hasta en la sopa y porque alguien no quiso ver lo divertida, inteligente y guapísima que es Ana Locking merece la pena volver a ver aquel «talent show» del 2º episodio de la 2ª temporada, y sí… qué grande fue. Sethlas lanzándose al vacío abierta de piernas después de haber sido un Transformer, Marina bordando un tango, Estrella Xtravaganza tirando ketchup, mostaza, mayonesa o todo a la vez desde unas tetas tipo Lady Gaga, Onyx dando a luz sobre el escenario, Sharonne haciendo de ventrílocua, Venedita aupada como Virgen María, Juriji entregada al canto lírico… Y yo pensando que el programa iba a apoyarse demasiado en las maldades de Jota Carajota.

La cosa no se quedó ahí, y ha habido otros momentos delirantes, como un homenaje a Raffaella Carrá que ya hubiera querido Eurovisión Turín para sí. A destacar Juriji, que ha terminado ganándose a todo el mundo riéndose de sí misma y del hervor que según ella misma le falta, sacándose el mítico teléfono de la Carrá de su mismísimo coño. Recordando que la imaginación es inteligencia también. O la pinta de Onyx haciendo de cuadro en el musical ‘La llamadrag’. O el día en que Estrella Extravaganza se liberó de una faja y espetó: «¡liberad a Willy!». O aquel en que Marina trató de derribarla en el ring de sumo jugando a la guerra psicológica. O cómo Marina consiguió una buena valoración en el Drag de la Comedia, cuando nadie habría dado un duro por ella. O el día en que alguien emuló una penetración anal y salpicó un chorrazo de sangre.

Pero mi momento favorito de todo el desarrollo del concurso ha sido el spot ‘Vente a España’ en el capítulo 7. Fue un acierto invitar a una persona tan ajena a la cultura drag como Ruth Lorenzo para comprobar cómo el programa puede parecer igual de tronchante a una persona heterocis. Sus caras eran un poema. «¡No, no, no, no!» y «¡sois muy fuertas!», terminó chillando descojonada al tiempo que se preguntaba qué demonios sería un glory hole. Las reinas habían ofrecido 3 spots en patrocinio de España con cerdeo, tetas fuera, mierda de pájaro y otros momentos inenarrables, pasando del estupor absoluto al delirio.

Aquello fue un no parar. Juriji y Veneditta querían representar a «una pareja de mujeres maduras que no asumen su edad y van a sitios de jóvenes» en un «chiringuirigay». Ana Locking las interrumpió para levantar la mano y exclamar, entre carcajadas: «¿¡no seré yo!?». Otro de los números terminaba asegurando que «en España nieva popper». Ni el Ministerio de Turismo del «gobierno de radicales» de Pedro Sánchez habría aprobado semejante eslogan o el de «las 3 emes: mar, maricas y mamadas». En un primer momento, el guión preparado por las drags generaba vergüenza ajena, desconcierto y extrañeza en su surrealismo y su carácter amateur. Demasiado zafio: hasta Los Javis se tapaban la cara como para ni ver ni oír. Tres minutos después te estabas perdiendo detalle porque estabas ahogado en tu propia risa, incapaz de asumir estar viendo nada de esto en tu televisor. ¿No sería, más bien, un sueño tras una fumada?

‘Drag Race España’ no se emite en abierto. A veces me pregunto qué pasaría si la audiencia casual más conservadora topara por casualidad con un fragmento de este show de A3Media patrocinado por pollofres de chocolate «con lactosa». Tiene sus partes bestias, pero en general pone en primera plana que la cultura drag está entre nosotros para hacer del mundo un lugar mejor: durante un rato nos hace olvidar nuestros problemas al tiempo que representa un espacio seguro para todas aquellas personas que no lo han encontrado. Y ahí tan emocionante ha sido el capítulo dedicado a las personas LGTB+ en su jubilación, como el relato de Marina de que sus padres siempre la han aceptado como persona no binaria. Hay esperanza para el siglo XXI.

Esta segunda temporada no se ha despedido con su mejor cara: un especial un tanto aburrido la semana pasada, y una final demasiado larga para lo que poco que había que contar, en la que además se ha hecho un feo a una concursante sin venir a cuento. Pero sin duda pasará a la historia por lo bueno, porque es el mismo formato el que nos ha enseñado a olvidar lo malo. Ayer Javier Calvo, que ha estado sembradísimo con sus juegos de palabras como jurado, compartía esta galería de fotos y yo al menos no podía parar de hacer Zooms sobre las reinas para reírme. ¿Cómo demonios piensan los responsables del cásting superar esto?

Angel Olsen presenta ‘Big Time’ este mes en España

Angel Olsen es una de las artistas más prolíficas de los últimos tiempos: no sólo va a disco por año desde 2019, sino que para la presentación de este ‘Big Time’ también ha rodado una minipelícula homónima inspirada en una serie de sueños que tuvo (que se estrenó con un directo en Twitch con participación de la propia Olsen) y además ya tiene preparada la gira de presentación.

Tampoco sorprende el cambio de registro de Olsen, que nos ha acostumbrado a no saber si debemos esperar un álbum con un grandilocuente “wall of sound”, como hizo en ‘All Mirrors‘, un trabajo de indie como ‘MY WOMAN‘ o un irreverente disco de versiones, como ese ‘Aisles‘ con el que nos sorprendió el pasado verano. Porque si de algo no se puede acusar a Olsen es de causar indiferencia: en cada nuevo trabajo podemos acampanarla en la búsqueda del sonido que la defina en ese momento. Incluso podemos apreciar con qué registros se siente cómoda o su querencia por la sencillez en álbumes como ‘Whole New Mess‘ o este ‘Big Time’ que nos ocupa.

Este nuevo trabajo se ha grabado en un momento clave en la vida personal de la artista: cambió de pareja, salió del armario ante sus padres y poco después, ambos fallecían con tan solo dos meses de separación. Esa colisión de acontecimientos tan dispares son el material con el que ‘Big Time’ está tejido, desde la euforia del tema que da nombre al disco y en el que canta al amor y a la vida (“And I’m living, I’m loving, I’ve loved long before / And I’m loving you big time, I’m loving you more”) a la tristeza y búsqueda de interlocutores de ‘This Is How It Works’ donde busca un hombro en que apoyarse (“I know you can’t talk long / But I’m barely hanging on / I’m so tired of telling you /It’s a hard time again”).

“No puedes planear el dolor, organizarlo o agendarlo ni saber cómo te sentirás cuando llegue, simplemente sucede”, contaba Olsen al sello con motivo del lanzamiento del álbum, y es precisamente esa impresión la que da el disco, la de tratar de colocar y asimilar dos emociones simultáneas y a la vez tan antagónicas como son el amor y el duelo.

Una de las cosas que más llama la atención del álbum es su acercamiento al country. Aunque no faltan los arreglos que ya son marca de la artista (‘Go Home’ podría haber formado parte del cancionero de ‘Song of the Lark and Other Far Memories’ o de ‘All Mirrors’, sin ir más lejos), aquí se lanza de cabeza a melodías y estructuras propias del country y que podrían haber firmado Dolly Parton o Loretta Lynn: ‘All the Good Times’, ‘Right Now’ o ‘This Is How it Works’ podrían sonar tanto en un festival europeo como en una sala de Nashville. Son canciones en las que se intuye el dolor, pero en vez de optar por el desgarro o la pornografía emocional, Olsen lo muestra de forma contenida pero profunda en baladas atemporales. Especialmente emocionante es ‘All the Flowers’, en la que habla de la búsqueda de la identidad, de la soledad y de la fugacidad del amor y la vida.

Angel Olsen suele facturar trabajos honestos en los que habla de emociones a flor de piel, y ‘Big Time’ no es la excepción, pero aquí lo hace con una profundidad y una madurez que emocionan más precisamente por la sobriedad de la que hace gala. Es un álbum tremendamente introspectivo y con unas letras y melodías que a ratos pesan, en las que no resulta tan fácil entrar como en las de otros trabajos, pero en el que es fácil acomodarse si se le dedica un poco de tiempo.

Angel Olsen actúa el 29 de septiembre en Madrid y el 30 de septiembre en Barcelona presentando ‘Big Time’, por lo que este será nuestro nuevo Disco de la Semana. Entradas, aquí.