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José González / Local Valley

En los seis años que han pasado desde que José González publicara su último disco han ocurrido muchas cosas. En lo personal ha sido padre y, en lo general, el auge de la extrema derecha ha colocado en importantes posiciones de poder a gente como Donald Trump o Jair Bolsonaro. En la calle los discursos de odio también han aumentado, como se está viendo estos días aunque algunas personas opten por ignorarlos. Ah, y ha habido una pandemia, casi lo olvidaba (no).

La música de José González permanece inalterada por las presiones de la vida y, en ‘Local Valley’, ofrece un cálido y reconfortante refugio en el que cobijar unas letras que abogan por la unidad de los seres humanos frente a sus diferencias. El título de ‘Valle Local’ hace referencia a la Tierra para expresar que esta no es más que una mota de polvo dentro de la inmensidad del universo y esta humildad impregna todas las canciones del disco desde que ‘El invento‘, la primera pista, reflexiona sobre «lo extraño de simplemente ser».

En ‘El invento’, José González canta por primera vez en español (él es sueco de origen argentino) para cuestionarse la existencia misma. Es una de esas canciones bonitas, nada ambiciosas en apariencia, que tan bien se le da hacer a González, una más que digna adición a su cancionero. Es, a su vez, representativa de un disco en el que la guitarra acústica vuelve a ser el eje central para admitir pinceladas de la música africana o caribeña. Las canciones son modestas pero siempre aparecen bien vestidas.

La ambición de ‘Valle Local’ vuelve a ubicarse en dos puntos: por un lado en sus intrincadas melodías de guitarra y, por el otro, en los mensajes que expresan las canciones. En ‘Valle Local’, la segunda canción en español del disco, la carnalidad de la guitarra amenaza con comerse una letra que filosofa sobre uno de los peores patrones de conducta humanos: «nos quedamos trabados en un valle local, señalando al grupo evitamos cambiar». Y ‘Horizons’ presenta una reflexión que suena especialmente relevante hoy: «¿quiénes somos nosotros para pretender que sabemos cosas que no sabemos?» Nicki, ¿estás prestando atención?

Muchísimo más sutil es la música de ‘Local Valley’ incluso cuando se acerca a lo bailable, como ‘Head On’ (de base rítmica de palmas) o ‘Lilla G’, donde González experimenta con los cánticos tradicionales africanos y una base programada. ‘Swing’ recoge influencias de la música afrocaribeña, pero su espíritu se mantiene firmemente tranquilo y sereno aunque su letra te anime a «mover el ritmo dentro de ti». Todo suena hecho con un gusto exquisito, desde los coros de ‘Visions’, buena canción con la que González ha intentado escribir su propio ‘Imagine’ sin obtener una melodía igual de universal; hasta los chasquidos de ‘Lasso In’ pasando por la nueva versión de ‘Line of Fire’ de Junip.

Con ‘Local Valley’ se nota que González no ha querido hacer un disco que dejara huella en los duros tiempos que vive la humanidad. Estos han quedado reflejados en los textos de manera más o menos vaga pero, en lo estrictamente musical, el autor que se diera a conocer con su versión de ‘Heartbeat’ de The Knife se ha conformado con que su nueva música dé un poquito de calor, que tampoco está mal.

‘Harleys in Hawaii’ de Katy Perry resucita

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‘Smile’ de Katy Perry acaba de cumplir 1 año. Fue un disco decepcionante tanto en lo comercial como en lo artístico, pero contenía algunas buenas canciones, como fue el caso de ‘Never Really Over’ o ‘Harleys in Hawaii’. Esta última, que nadie tiene muy claro si en su momento fue un single o no, pues tuvo su vídeo, pero no fue enviada a las radios, se ha viralizado durante todo este mes de septiembre, sin alcanzar aún cumbre clara.

Los seguidores de Katy Perry notaron que sus streamings empezaron a dispararse hace un par de semanas, hasta alcanzar las 500.000 reproducciones actuales diarias, algo que no lograba desde su lanzamiento a finales de 2019. Entonces el tema se quedó en el puesto 45 de Reino Unido y no entró en el Billboard Hot 100. Ahora no es que vaya a conseguirlo sin el apoyo de las radios ni de las playlists millonarias de Spotify, pero sus seguidores animan a la cantante a que aproveche el resurgimiento para interpretarla en algún programa o relanzarla de alguna manera.

Mientras en UK Mix apuntan a que el leve resurgimiento del tema se debe a TikTok, ninguna playlist de hits ha decidido readmitir el tema en su seno. Actualmente es la playlist Weekend Hangouts, con 1 millón de suscriptores, el mayor apoyo de ‘Harleys In Hawaii’, que ya se ha convertido en el tema más escuchado de Katy Perry este mes en su perfil de Spotify, de manera bastante orgánica. En la actualidad suma 113 millones de streamings en Spotify, nada mal para un «buzz single» de un largo que «flopeó».


Flores en el estiércol VII: de Manic Street Preachers jugando a ser ABBA al post-bolero de Dulce y Agraz

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Nueva cosecha de Flores en el Estiércol, perlas recopiladas en los últimos estertores de agosto mezcladas con la urgencia de una nueva “vueltaalcole”. Como siempre, procuro buscar un equilibrio entre nombres que van de vuelta y otros que apenas están comenzando sus caminos, con visos de un gran futuro. Entre los primeros, destacamos a Manic Street Preachers, que acaban de publicar su decimotercer largo. Un ‘The Ultra Vivid Scene’ que destaca por haber sido compuesto íntegramente al piano, con resultados sorprendentes: su rock se mueve entre la épica y el pop de ABBA (descartemos el oportunismo, pues dudo que supieran del regreso de los suecos). Y su mejor muestra es una ‘The Secret He Had Missed’, con Julia Cumming (Sunflower Bean) como atinado contrapunto femenino, que es fácilmente su mejor single en muchos, muchos años. Y si hablamos de grandes nombres del pasado aún en activo, la palma se la llevan The Stranglers: camino de su 50º aniversario como banda, acaban de lanzar ‘Dark Matters’, disco número 20 con Jean Jacques Burnel como único miembro original, tras las pérdidas de Jet Black (retirado) y Dave Greenfield (fallecido por COVID-19).

En el campo de las noveles, destacamos ‘Vida mía <3’, nuevo miniálbum de Dulce y Agraz, alias de la chilena Daniela González. Un disco en el que traduce a maneras contemporáneas, con más de fuente de inspiración que nostalgia, palos en la tradición pasional y sensual como el bolero. Algo parecido a lo que viene haciendo su coetánea Silvana Estrada. Tras un tiempo semidesaparecida después de su explosión de un par de años atrás, la joven mexicana reaparece con una ‘Marchita’ de exuberantes arreglos (cortesía de Gustavo Guerrero, colaborador de Natalia Lafourcade entre otras) que la alinea con las grandes voces del folclore latinoamericano. Sus compatriotas CLUBZ, en cambio, continúan en ‘Estadio estudio’ en su línea de sonidos sintéticos herederos de los 70 y 80, traducidos al lenguaje del pop contemporáneo.

Junto a los álbumes antes citados, en las últimas semanas hemos comenzado a disfrutar de nuevos trabajos tan interesantes como ‘Love Will Be Reborn’ de Martha Wainwright, ‘K Bay’ de Matthew E. White, ‘Saturday Night, Sunday Morning’ de Jake Bugg, History of a Feeling’ de Madi Diaz, ‘Untourable Album’ de Men I Trust (sardónico pero literal título para el cuarto disco del trío canadiense de softpop) u ‘OnlyL’ de TSHA (jovencísima productora británica, una gran promesa), además de dos de los trallazos rock de la temporada: ‘Glow On’ de Turnstile y ‘Comfort to Me’ de los australianos Amyl and The Sniffers. Y, en el panorama español, nos quedamos con los debuts del power trío mallorquín PELIGRO!, ‘Coronas y lamentos’, y Buenatarde (proyecto personal de Mané López, que militó en la última formación de Hazte Lapón), ‘La extrema belleza’, además de un ’N.S.C.A.L.H.’ de El Petit de Cal Eril, recién llegado de fábrica y cuyos adelantos nos tenían enganchados de antemano. Aunque de todos estos, ninguno sorprende tanto como ‘De película’, que plasma la insólita alianza del dúo de retrorock The Limiñanas con la electrónica de su compatriota Laurent Garnier. ‘Qué calor!’, con Edi Pistolas (de los chilenos afincados en Francia Pánico!) como maestro de ceremonias, es su mejor muestra, un vívido retrato de una persona de fiesta durante días.

La selección de este mes de Flores en el Estiércol se completa con adelantos de próximos trabajos de Parquet Courts (poseídos por los Primal Scream de los 90), Joy Crookes (su debut ‘skin’, a la venta el 15 de octubre, tiene una pinta espectacular para los huérfanos de Amy Winehouse), Porches, Amber Mark, Andy Shauf, Niña Polaca (‘Asumiré la muerte de Mufasa’, primer disco del grupo afincado en Madrid, promete mucho gracias a himnos como ‘Nora’), Kevin Abstract (el solista más brillante de BROCKHAMPTON parece a punto de dar continuidad a ‘Arizona Baby’), Bedouine, The Zephyr Bones, Miles Kane, bigott o Nightmares On Max. Por supuesto, no faltan nuevos nombres de los que estar muy pendientes en el futuro, como la francesa MUNYA (no confundir con el trío MUNA), las británicas Matilda Mann y Zuzu (la primera, ha dado el salto multinacional tras una etapa indie; justo al revés que la segunda) o el asturiano Santiago La Barca, mitad del dúo Autoescuela, imbuido aquí por la discografía del primer Dylan. Ni tampoco curiosidades de nombres consagrados del panorama alternativo: Future Island se sacan de la manga la preciosa ‘Peach’ como regalo a los fans que podrán verles en su primer tour norteamericano en muchos meses, mientras que Tennis publican oficialmente una ‘Borrowed Time’ que ha sonado en la última temporada de la tan destructiva como hilarante serie de animación ‘Rick y Morty’. Una alianza que seguramente pocos verían venir.

Tori Amos anuncia nuevo álbum, ‘Ocean to Ocean’, para el mes de octubre

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Tori Amos ha anunciado el lanzamiento de su nuevo disco para el próximo mes de octubre. La propia artista ha dado a conocer la noticia hace un par de horas a través de sus redes sociales. «Estoy muy feliz de haceros saber que mi nuevo álbum ‘Ocean To Ocean’ saldrá el 29 de octubre», ha escrito en su perfil de Instagram.

Amos ha señalado que escribió este disco en Cornwall durante «el tercer encierro del Reino Unido». Este será su primer álbum desde ‘Native Invader‘ en el año 2017. La cantante también ha explicado el significado de este nuevo trabajo discográfico: «Este es un disco sobre la pérdida y cómo afrontarla. Afortunadamente, cuando has vivido lo suficiente, puedes reconocer que no te sientes como la madre que quieres ser, la esposa que quieres ser, la artista que quieres ser».

«Me di cuenta de que para cambiar esto, tienes que escribir desde el lugar donde estás. Estaba en mi propio infierno privado, así que me dije a mí mismo, entonces es desde donde escribes, lo has hecho antes…», añade. Parece que el confinamiento y la pandemia en general han tenido gran influencia en la artista a la hora de crear. Por el momento no hay ningún adelanto oficial y tampoco se conoce el tracklist completo.

Y recuerda que su gira por Europa y el Reino Unido comienza en marzo del año que viene, puedes consultar fechas en su post de Instagram y comprar tus entradas aquí.

Lorena Álvarez se sube a «la nube» en su nuevo vídeo animado… y saca disco en otoño

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Lorena Álvarez ha estrenado el videoclip de ‘La nube’, desde el principio una de las canciones destacadas de su disco ‘Colección de canciones sencillas‘, publicado hace ya más de dos años. Con el vídeo de ‘La nube’ Lorena Álvarez cierra la etapa de «Canciones» y anuncia que su nuevo disco verá luz en otoño. De momento, la cantautora asturiana seguirá presentando ‘Colección de canciones sencillas’ el 7 de octubre en el NUSA Festival de Valencia junto a Tulsa, y el 23 de octubre en el Múseo do Pobo de Santiago de Compostela, en el marco del Festival Soa Bonaval.

Hoy la Canción Del Día, ‘La nube’ es el tema de empezó a dar forma a ‘Colección de canciones sencillas’ y está inspirado en la abuela de la artista. «Cuando era muy mayor y murió mi abuelo se vino a vivir con mi familia», contó Lorena a JENESAISPOP en agosto de 2019. «Ella no dibujaba ni nada, pero un día le dije que me regalara un dibujo y me dijo: «yo no sé dibujar». Un día de sorpresa con mi madre me regaló un dibujo en el que salía yo. Mi abuela murió, y es un dibujo que siempre llevo conmigo. En esos trazos veo a mi abuela, más que en cualquier foto».

La artista continúa: «Cuando estaba con este disco, como no tenía dinero para grabarlo, tenía muchísimas dudas, y un día me quedé mirando este dibujo y fue una revelación: no necesito dinero sino tocar mis canciones, que es lo que yo sé hacer. Para qué contar con un productor si yo sé producir. Para qué músicos para tocar, si yo sé tocar. La letra me vino como un rayo y decidí grabar el disco en casa y como pudiera. Ha sido una decisión importante porque es algo que siempre lo he puesto en valor, lo sabía de sobra y ese dibujo me lo recordó».

En ‘La nube’ Lorena expone esta misma historia desde un punto de vista cotidiano pero poético. «Y con este sencillo dibujo que lleva colgado en mi pared tanto tiempo me hizo abrir los ojos y entender lo que yo no entendía», canta antes de preguntarse «¿cómo pudo ella verme así, cuando ni ni yo lo veía? ¿y por qué llega hasta mi, en el día de hoy, tanta sabiduría?»

Al final de ‘La nube’ Lorena se cuestiona «¿cómo puede el amor de una persona viajar por el tiempo y el espacio y atravesarte el corazón de esta manera?», y eso es lo que hace la artista en el vídeo de ‘La nube’, viajar poe el tiempo y el espacio subida en su pequeña nube, pasando por bosques y desiertos hasta volver a casa y convertir en luz lo que antes era sombra.

Charli XCX no triunfa con ‘Good Ones’… pero sí con un sample de Stromae

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Good Ones‘, el tema que Charli XCX publicó a principios de mes y es lo más votado de JENESAISPOP por segunda semana consecutiva, se ha quedado fuera del top 40 británico, según The UK Singles Chart. La canción fue lanzada el pasado 2 de septiembre y ha estado en lista dos semanas de momento, alcanzando el top 44 como mayor posición. Sin embargo, actualmente se encuentra en el puesto 75 de una lista lidera en este momento por Ed Sheeran y su recién estrenado ‘Shivers’.

Sin embargo, no todo son malas noticias para la cantante, puesto que se sitúa dentro del top 10 en el puesto número 7 con su colaboración con Joel Corry y Jax Jones, ‘Out Out’. Está un puesto por debajo de ‘Fair Trade’, de Drake y Travis Scott, pero por encima de otros artistas como Lil Nas X o The Kid Laroi y Justin Bieber. El tema ha llegado a ser número 6 y está perfectamente asentado en el top 10, por lo que está consolidado como uno de los éxitos del final del verano.

‘Out Out’ se estrenó el 13 de agosto de este año. Con las voces de Charli XCX y la rapera Saweetie, el tema samplea ‘Alors on danse’, original de Stromae, del que Corry afirmó ser «un gran fan» y que por ello quería «darle un giro divertido para el verano de 2021». Joel ha llegado a ser top 1 en UK con ‘Heart and Heart’, su colaboración con MNEK.



‘The Crown’ lidera los Emmy 2021, ‘WandaVision’ queda por debajo de lo esperado

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Los premios Emmy regresaron anoche en su 73º edición en un acto presencial por primera vez desde el año 2019, época a.C., antes de coronavirus. Una gala en la que varias plataformas en streaming reafirmaron su liderazgo, Netflix, Apple TV+ y HBO en especial.

Empezando por Netflix, ‘The Crown‘, con un total de diez nominaciones, consiguió llevarse siete premios, mejor serie dramática, mejor actor principal de drama (Josh O’Connor), mejor actriz principal de drama (Olivia Colman), mejor actor secundario de drama (Tobias Menzies), mejor actriz secundaria de drama (Gillian Anderson), mejor guion en drama (Peter Morgan) y mejor dirección en drama (Jessica Hobbs). La mejor miniserie también ha sido para Netflix, desplazando a ‘Mare of Easttown‘ y a la aclamada ‘WandaVision’, la serie ganadora fue ‘Gambito de dama’. Serie que también obtuvo la mejor dirección en miniserie para Scott Frank. Ewan McGregor consiguió el mejor actor principal de miniserie por ‘Halston’.

La otra gran triunfadora, HBO. ‘Mare of Easttown’ se hizo con los galardones de mejor actriz principal de miniserie, mejor actor secundario de miniserie y mejor actriz secundaria de miniserie para Kate Winslet, Evan Peters y Julianne Nicholson, respectivamente. ‘Hacks’, de HBO Max, también tuvo bastante repercusión, logrando el premio a mejor actriz principal de comedia (Jean Smart), mejor guión en comedia (Lucia Aniello, Paul W. Downs y Jen Statsky) y mejor dirección en comedia (Lucia Aniello). La plataforma también se hizo con el mejor guion en miniserie (Michaela Coel por ‘Podría destruirle’) y con el mejor talk show con ‘Last Week Tonight with John Oliver’ y con la mejor actriz principal de comedia, Jean Smart por ‘Hacks’

Y en lo que respecta a la plataforma Apple TV+, su comedia ‘Ted Lasso’ fue la ganadora de la mejor serie de comedia, valga la redundancia. Dentro de su elenco, Jason Sudeikis, Brett Goldstein y Hannah Waddingham lograron los galardones de mejor actor principal de comedia, mejor actor secundario de comedia y mejor actriz secundaria de comedia, respectivamente.

A pesar de haberse convertido en uno de los mayores atractivos del Universo de Marvel, la miniserie ‘WandaVison’ o ‘Bruja Escarlata y Visión’, protagonizada por Elizabeth Olsen (Wanda) y Paul Bettany (Visión) no logró hacerse con ninguna de sus numerosas nominaciones, entre ellas, mejor miniserie, mejor actriz principal en miniserie y mejor actor principal en miniserie.

También hay que destacar al resto de ganadores en las siguientes categorías:

  1. Mejor serie de animación: ‘Primal’ (Adult Swim).
  2. Mejor especial de variedades (pregrabado): ‘Hamilton’ (Disney+).
  3. Mejor especial de variedades (en directo): ‘Stephen Colbert’s Election Night 2020: Democracy’s Last Stand Building Back America Great Again Better 2020’.
  4. Mejor reality concurso: ‘RuPaul’s Drag Race’ (VH1).

Rosalía y Tokischa estilizan la marginalidad y la escatología en ‘Linda’

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Tras exprimir las posibilidades estéticas y culturales del concepto barrio-lumpen-españolismo en sus clips para ‘El mal querer’, Rosalía se adentra ahora en los sórdidos y animados callejones de Santo Domingo. Y lo hace de la mano (y la cintura) de la rapera dominicana Tokischa.

El comienzo de ‘Linda’ no puede ser más elocuente sobre este gusto por la estilización de la pobreza, la marginalidad y la escatología: un plano convenientemente desenfocado de un váter, donde poner el culo equivale a compartir 300 jeringuillas con hepatitis B. La aparición de un pequeño altar en la tapa de la cisterna funciona como contrapunto visual y simbólico, añadiendo un toque excéntrico -¿blasfemo?- de religiosidad caribeña.

Tras esa introducción, vemos a las dos cantantes compartiendo bailes y arrumacos en una sudorosa celebración del hedonismo suburbano, la amistad femenina (en su acepción más integradora) y el perreo callejero (y clandestino) bajo la lluvia. Todo ello salpicado con unas estilizadas gotas de orgullo favelero y chirimiri lesbian chic.

Bomba Estéreo / Deja

La música ecologista es música futurista, al menos, según Bomba Estéreo. No les falta razón. En un contexto en el que el cambio climático ya ha dejado de ser una cosa que llegará tarde o temprano para ser una realidad del presente, el futuro de la civilización pasa necesariamente por hibridarse más si cabe con la naturaleza. Las ciudades necesitan menos, muchísimos menos coches, muchísima menos contaminación, más bicicletas, más árboles, más verde en general. ‘Deja’ defiende el cuidado del medioambiente sin que eso implique abandonar la ciudad y transmite su mensaje a través de dos vías que se fusionan en una, el folclor y la electrónica.

Llama la atención que Bomba Estéreo hayan titulado su nuevo disco con una palabra aparentemente tan inane como ‘Deja’. Al fin y al cabo, ‘Deja’ es prácticamente un disco conceptual sobre la necesidad de proteger al planeta que Li Saumet y Simón Mejía han dividido en cuatro secciones marcadas por los cuatro elementos presentes en la naturaleza: el agua, el aire, la tierra y el fuego. Sin embargo, ‘Deja’ apuesta por un mensaje más universal que político en el que las letras sobre todo nos invitan a dejarnos llevar, a vivir en el momento, y de esto hablan algunas de las canciones destacadas del disco, como la titular: “deja que llorar que no puedes más porque sí puedes / deja de vivir en esta soledad que esta en tu mente”.

La idea de que el ser humano debe recuperar la conexión con el mundo natural no es nueva en el mundo del pop, pero Bomba Estéreo encuentran maneras vibrantes de explorarla en el disco. Cuentan que ‘Deja’ versa sobre “la conexión y la desconexión de los humanos con el planeta, con uno mismo”, y “sobre lo conectados que estamos los seres humanos a los aparatos tecnológicos y a las cosas virtuales y lo mucho que ignoramos las cosas reales”. En la animada ‘Como lo pedí’ cantan que “cuando te olvidas de perder vuelves a ganar”, en la evocadora ‘Se acabó’ manifiestan el final de su tristeza y en el afrobeat de ‘Conexión total’ apuestan por el encuentro físico por encima del digital.

La fusión de folclore y electrónica tampoco es nueva, ni siquiera en la carrera de Bomba Estéreo, pero ‘Deja’ presenta un equilibrio interesante de sonidos tradicionales y mimados paisajes electrónicos que, en ocasiones, incorporan sonidos de ríos y pájaros, aprovechando que el dúo grabó el álbum en la Sierra Nevada de Santa Marta junto a su grupo de músicos. La cohesión de ‘Deja’ es tal que, en la secuencia, conviven el mellerengue de ‘Agua’, en la que Li Saumet interpreta a una Madre Tierra a la que le “corre agua por las venas”; con el estupendo dance-rock de ‘Deja’, los ritmos carnavalescos y cánticos afro-colombianos de ‘Tamborero’ o la densa cumbia de ‘Tierra’, interpretada por un planeta que advierte de su inminente extinción. Las nuevas canciones de Bomba Estéreo anteponen el mensaje y la coherencia a la búsqueda de un hit inmediato, lo cual convierte ‘Deja’ en un álbum mucho mejor que ‘Ayo’ y que suena pensado desde el principio hasta el final.

Aún así no hay que subestimar el poder de un disco como ‘Deja’. Bomba Estéreo han tomado la mejor decisión posible relajándose de las presiones de la industria y optando por regresar a la raíz y, de esta manera, les ha salido una serie de canciones en las que llevan su discurso sonoro más allá sin caer en lo mismo de siempre y sin traicionarse a sí mismos. Musical y emocionalmente esconden matices nuevos. ’Agua’ no puede sonar más vulnerable y desafiante al mismo tiempo cuando la protagonista de la grabación, la misma Madre Tierra, pasa de expresar “déjame sola, no me toques” a “cuídame, lo siento”; ‘Deja’ y ‘Se acabó’ logran transmitir con mucha fuerza la necesidad de seguir adelante a pesar de los problemas y el dúo tampoco se olvida de divertir con los ritmos caribeños de ‘Como lo pedí’ o ‘Soledad’, en las que insisten en la necesidad de vivir en el presente.

‘Deja’ se cierra con ‘Mamo Manuel Nieves’, una grabación en la que el líder espiritual defiende la importancia de combatir el cambio climático y de cuidar la naturaleza. Llegados a este punto da la sensación de que Bomba Estéreo se han ganado concluir el álbum con un mensaje tan explícito. No es que ‘Deja’ no sea explícito en ciertos puntos, pero su mensaje es inspirador, nunca aleccionador, y la música tampoco subestima al oyente en absoluto. Bomba Estéreo sabían que este es el disco que sus seguidores querían de ellos y han cumplido.

Nacho Cano responde a Más Madrid y reta a Mónica García a escribir una canción

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Nacho Cano ha contestado a la polémica suscitada por el teatro que levantará en el distrito madrileño de Hortaleza. Con Europa Press, Cano ha hablado sobre la construcción, su amistad con Isabel Díaz Ayuso o la importancia de ofrecer cultura a la ciudadanía y se ha dirigido directamente a Mónica García para retarle a escribir una canción para que descubra que es «más difícil que escribir un tuit». La portavoz de Más Madrid había declarado que «la pirámide de Nacho Cano demuestra que en Madrid no hay nada mejor que ser amigo del PP para conseguir favores y chanchullos».

En la breve charla, Cano confirma que el teatro no tendrá forma de pirámide, al contrario de lo que informó en exclusiva El Periódico de Hortaleza, que compartió imágenes con recreaciones del edificio; sino que «va a ser una estructura de carpa». Cano explica que, durante la pandemia, el precio del acero aumentó y que la idea original de la pirámide finalmente no ha podido llevarse a cabo debido a su elevado coste.

El co-fundador de Mecano defiende su apoyo a Isabel Díaz Ayuso y tilda de «manipulación» la idea de que ha recibido el solar por compartir una amistad con la presidenta de la Comunidad de Madrid, si bien no desarrolla este argumento. Además asegura que se le está usando de chivo expiatorio para «arremeter» contra Ayuso y que a los artistas no se les permite «salirse del pensamiento habitual». El artista lamenta que se le critique por inclinarse ideológicamente hacia la derecha cuando Mecano fue un grupo tan progresista que escribió una canción como ‘Fallo positivo’, que denunciaba el acoso hacia las personas homosexuales que padecían sida durante los 80.

Cano insiste en su rol de proveedor de cultura, señalando en la entrevista que «yo tengo 165 puestos de trabajo directos y 500 indirectos», a lo que añade que «el movimiento del turismo» que visite el teatro hará a su vez que «suban los negocios» de alrededor. El músico defiende, como ya hizo en su momento, la gestión de Ayuso de la pandemia porque «mantuvo los teatros abiertos, hizo hospitales y conservó la esencia de la ciudad» y señala que si «lo hubiera hecho Podemos también les habría apoyado». En el vídeo indica que varios de los miembros de su equipo votan a Más Madrid e incluso invita a uno de ellos a entrar en plano.

‘keep lookin’ up’ es la joya perdida del disco de Kacey Musgraves

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Puede que Kacey Musgraves no haya sido capaz de igualar o superar la calidad de su anterior disco, ‘Golden Hour‘, con ‘star-crossed‘, su nuevo álbum recién publicado. Quizá era demasiado difícil. Sin embargo, ‘star-crossed’ contiene una serie de canciones tan bien compuestas como cualquiera espera de Kacey, como ‘good wife’ o ‘if this was a movie’, llenas de melodías sublimes que solo pueden ser escuchadas en bucle y letras sabias sobre la vida que marcarse a fuego en el cerebro.

Vuelve a no ser demasiado country este ‘star-crossed’ donde manda un folk-pop de guitarras amable que admite influencias del pop de cantautor, el indie-pop o el «pop blanco» tipo Dido. ‘keep lookin’ up’ es la única pista de ‘star-crossed’ que encajaría en los dos primeros disco de Kacey, pues es country en un sentido bastante puro del término, y también es la joya perdida de este nuevo trabajo de la cantautora tejana, pues no es de las que el público más está escuchando.

El sonido country apacible de ‘keep lookin’ up’ es el mismo explorado por Kacey en cortes como ‘Merry Go ‘Round’ o ‘Silver Lining’. Sin embargo, ‘keep lookin’ up’ presenta un fondo ligeramente más abatido en lo musical, como si se le hubiera posado una nube gris encima, y a pesar de que la letra propone todo lo contrario: «mantén la cabeza alta, no dejes que el mundo te derribe, mantén la cabeza en las nubes y los pies en el suelo» es el mensaje que Kacey deja en esta canción, aprendido de su padre.

El secreto de ‘keep lookin’ up’ se encuentra en su aparente sencillez. Nada nuevo bajo el sol cuando se habla de Kacey Musgraves, pero la artista hace gala de una gran sutileza especialmente en esta composición donde un simple «keep lookin’ up» sostenido en el estribillo se convierte en uno de los momentos más adictivos de todo el disco. La canción es un paseíto en el mejor de los sentidos.

‘DONDA’, el primer traspiés del genio Kanye West

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En el nuevo episodio de REVELACIÓN O TIMO, el podcast de JENESAISPOP, Sebas y Claudio de JENESAISPOP debaten sobre el decepcionante ‘DONDA’, el esperado disco de Kanye West que no ha cumplido las expectativas para la crítica musical. Acude como invitada la periodista y compañera en Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Madrid Eva F. Cortés. Algunos de los temas tratados son:

-Por qué ‘DONDA’ ha resultado tan decepcionante: qué podría haber sido pero no termina de ser. ¿Realmente es un álbum sobre la madre de Kanye?
-El significado de llamar a colaborar a personas canceladas como DaBaby, Marilyn Manson y Chris Brown (que aparece para cantar «gracias por tu misericordia, haz de mí un hombre nuevo»).
-Las presentaciones de ‘DONDA’ en las «listening parties» y la presencia de Kim Kardashian tras su divorcio de Kanye.
-La competencia con Drake y el éxito comercial del disco.
-La bipolaridad de Kanye West y la relación de su enfermedad con su obra.
-Kanye West como «artista 360».
-Las grandes obras maestras de Kanye y las más infravaloradas. ¿Cuándo fue la última vez que realmente nos sorprendió en lo artístico?
-La presentación de Kanye a las elecciones presidenciales de Estados Unidos y otras meadas fuera del tiesto.
-Os recordamos que ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy’ y ‘Yeezus’ aparecen en el libro autoeditado por JENESAISPOP ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI‘.

The Vaccines / Back In Love City

The Vaccines han querido hacer algo diferente en su quinto disco, el primero desde ‘Combat Sports‘. En su cabeza, se han ido a grabar a El Paso para trabajar en un álbum que querían que sonara a Texas, inspirado por Ennio Morricone, y con un concepto en mente: «Love City» es una ciudad imaginaria sita en el futuro distópico que nos han mostrado obras como ‘Blade Runner’ y ‘Cowboy Beebop’. En mente tenían escenarios de Las Vegas y los hoteles del amor de Tokio. Lo que percibimos, en cambio, es un álbum kitsch y estridente, en el que caben hasta mariachis y castañuelas, en el que parece rellenarse con mucho volumen y muro de sonido los huecos vacíos de escritura.

Todo empezó cuando escribieron en Los Ángeles el tema ahora llamado ‘El Paso’, un apañado medio tiempo, junto al productor Daniel Ledinski, conocido por su trabajo junto a Tove Lo, TV On the Radio y Rihanna. Las historias que Daniel les contó sobre los estudios llamados Sonic Ranch sedujeron a The Vaccines, que se encontraban en El Paso de camino a dar un concierto en Juárez (México). Todo salió tan bien que 6 meses después estaban todos allí para trabajar en un disco que ya habían decidido que tenía que sonar a «indie-rock a lo Morricone» desde antes de poner un pie allí.

La elegancia y el misterio del desaparecido autor de bandas sonoras no se termina de encontrar en ‘Back In Love City’, que prefiere aproximarse a los territorios disco de Raffaella Carrà (el tema titular e inicial), desde luego sin la sobriedad de ‘AM’ de Arctic Monkeys, en un confuso terreno entre el humor voluntario e involuntario. En un tema canta Justin Young que «para exorcizar sus demonios, los lleva al gimnasio». ‘Bandit’ nos hace pensar instantáneamente en Azúcar Moreno porque su letra, nada 2021, no dista tanto de «tus ojos, bandida, robaron con cuento». Lo mismo ‘Paranormal Romance’ se arrima a los territorios de Fleet Foxes, que ‘Heart Land’, un sentido homenaje a América con citas a las «hamburguesas», «Spider-Man» y muchas «bandas favoritas», te hace suspirar por su melodía por los Blur de ‘Coffee & TV’.

Era una manera muy gratuita de complicarse la vida, pues The Vaccines, lo mejor que siguen haciendo, es entregar cañonazos como los de su debut. ‘Jump Off the Top’, 100% Ramones, es uno de los pocos aciertos decididos del álbum. El resto es complicado, entre guitarras stoner y tarantinescas (‘Wanderlust’), cánticos western (‘Paranormal Romance’), cajas de ritmo (‘Jump Off the Top’), arreglos bigger than life y letras que apelan a Hércules y a Conan (de nuevo ‘Paranormal Romance’), y a documentales de niños en China (‘People’s Republic of Desire’). ¿Más es más? Si querían hacer algo diferente, la vía del olvidado ‘Melody Calling’, aquel gran maxi suelto que sacaron en 2013, continúa abierta. En un mundo en el que tanto se habla de «vacunas» y de rock por la vía de Måneskin, The Vaccines tenían que haber aprovechado la coyuntura muchísimo mejor.

‘Maligno’ es el mayor despropósito de James Wan hasta la fecha

Después de haberse alejado del terror con la franquicia ‘Fast and Furious’ y más tarde con ‘Aquaman’, James Wan –que entre ambas dirigió la segunda parte de ‘Expediente Warren’- regresa a su género predilecto con un guion original en el que una mujer que sufre visiones de horribles asesinatos se da cuenta de que no son producto de su imaginación sino una realidad espeluznante.

Wan se deja influir por las atmósferas juguetonas y violentas propias del giallo y de los thrillers de Brian De Palma, pero su admiración por ellas nunca se traslada a la pantalla con la pasión adecuada. El director, que normalmente imprime en todas sus películas su estilo personal aquí parece estar continuamente buscando una manera de hacer que la propuesta se sostenga por algún lado, renunciando a cualquier solidez narrativa o visual. Desde el principio sorprende por su desganada puesta en escena, que simplemente utiliza la violencia como un recurso para camuflar su falta de ideas a través de la búsqueda del impacto fácil y vacuo en lugar de recurrir a ella para construir algo interesante.

La película resulta durante la mayor parte de su metraje un pastiche aburrido y confuso que no decide hacia donde ir hasta prácticamente el último acto, donde se presenta como un ejercicio de cine de género desatado que pretende ser tan alocado y sangriento como divertido, pero que a lo que más se acerca es al despropósito, traspasando sobradamente la línea de la vergüenza ajena en múltiples ocasiones. El cine de Wan, en sus mejores momentos (‘Expediente Warren’, ‘Saw’), consigue atrapar al espectador gracias a su inteligencia detrás de las cámaras, pero en sus peores (‘Dead Silence’), esa habilidad parece irreconocible. ‘Maligno’ claramente entra en el segundo grupo, tratándose de una de sus obras menos inspiradas.

Llama especialmente la atención su deslucido apartado visual, cuya fotografía destaca por su falta de personalidad e ideas, más propia de un telefilm de bajo presupuesto que de una producción de sus características. Además, el argumento es un completo disparate, cuya lógica interna brilla por su ausencia, y se entrega sin ningún pudor al puro efectismo en pos de una presunta espectacularidad que nunca se materializa en ningún aspecto. Y es particularmente frustrante ver cómo esa indecisión sobre qué es lo que realmente su director quiere contar afecta también a cada uno de los intérpretes, que se muestran perdidos y sin absolutamente nada a lo que agarrarse que evite que caigan en la sobreactuación.

Puede que en el corazón de ‘Maligno’ se encuentre una película que valga la pena, pero es prácticamente imposible verla entre tanto caos narrativo y tantas promesas efímeras que no llegan a nada. Wan ha creado una película que, aunque los apasionados del cine de terror se empeñen en bancar como relevante, es realmente difícil de defender.

This is a story about a girl named Isabel

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Entre el anuncio de su compromiso, la desactivación de su cuenta de Instagram y toda la repercusión del movimiento #FreeBritney que se ha alargado un año, 2021 parece de repente 1999. O 2007. Otro día más, Britney Spears es uno de los temas más comentados de las últimas horas en España pero, esta vez, la culpa no la tiene ella (o su padre).

Este jueves, la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, ha visitado la Universidad CEU San Pablo para ofrecer una charla a sus estudiantes y ha sido recibida entre ovaciones, vítores y gritos de «¡Viva Ayuso! ¡Viva España!» por una masa de pupilos que la esperaba como si fuera Jesucristo. O Michael Jackson. O Britney Spears, porque Isabel ha declarado precisamente sentirse como la princesa del pop a su llegada a la Aula Magna. «Parezco Britney Spears, se ha liado una aquí en la puerta», ha dicho, lozana.

El comentario tiene todo el sentido del mundo: rara vez una dirigente política provoca este fervor entre las masas, sobre todo porque estamos en 2021 y no en 1939, pero, si ya hemos analizado en profundidad los motivos por los que Isabel Díaz Ayuso ha tratado de venderse como un icono pop, mientras luego «mejora las leyes LGTB+» (sic) de Madrid con Rocío Monasterio de VOX, solo faltaba que ella misma se comparara con uno, como ha sucedido.

Eso sí, la noticia tiene trampa porque la Universidad CEU San Pablo es católica y privada. Como ha dicho Cristina Pardo en Más vale tarde, Ayuso estaba en «campo amigo», aunque tampoco ha obviado la realidad de que la presidenta es «bastante aclamada» en general. Podríamos comernos la cabeza intentando encontrar similitudes entre Britney Spears e Isabel Díaz Ayuso -Dios nos libre- pero si el tema está dando que hablar es por lo «atrevido» de la comparación. Y no porque Britney sea un icono gay y Isabel quiera «descolectivizar» a la comunidad. En última instancia, Britney es admirada por bastante más gente la que cabe en el centro que ha visitado Ayuso. Digamos que es más universal. Ahora bien, a ambas les une su afán por perseguir la «libertad» a su manera.

Esta fue la palabra favorita de Ayuso durante su última campaña electoral y sigue siendo la gran meta de Britney, ahora mismo atrapada en el vídeo de ‘Lucky‘ hasta nuevo aviso. Aunque, para cada una de ellas, probablemente la libertad signifique algo muy distinto…

Taylor Swift se pica y publica la nueva versión de ‘Wildest Dreams’ por sorpresa

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Taylor Swift publica la nueva versión de su cuarto disco ‘Red’ el 24 de noviembre pero, ajena a los dictámenes de la industria, ha estrenado ya el primer adelanto de la nueva versión de ‘1989‘, cuya fecha de edición de momento se desconoce.

‘Wildest Dreams (Taylor’s Version)’ ha llegado a las plataformas de streaming después de que un avance de la canción apareciera en el tráiler de la película de animación de DreamWorks ‘Spirit Untamed’, estrenada el pasado verano. Sin embargo, la razón de que la versión regrabada de ‘Wildest Dreams’ pueda escucharse aparentemente tan pronto es otra: la versión original de ‘Wildest Dreams’ se estaba viralizando en TikTok y Taylor ha decidido dar un golpe sobre la mesa para robarle toda la atención. Taylor 1, Scooter Braun 0.

‘Wildest Dreams’, que ya era una de las mejores canciones de ‘1989’ gracias a su sonido 100% Lana Del Rey, recibe ahora una versión muy fiel a la original, si bien con matices que la hacen diferente, sobre todo a nivel de melodía (en el estribillo) pero también de producción. La voz madurada de Taylor suena incluso mejor en el contexto de esta apasionada balada de amor producida por Max Martin y Shellback que fue un gran éxito en Estados Unidos pero que no llegó a calar en España.

’24’ es la canción de misa moderna de Kanye West

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Kanye West, a su bola, como merece ir un artista de su categoría, por otro lado, no está sacando videoclips para los temas de ‘Donda‘ que verdaderamente están arrasando, como ‘Jail’ o ‘Hurricane’, sino para los que se presume que son sus favoritos o, como mínimo, los que presentan un componente más espiritual desde el punto de vista sonoro, además de lírico.

Tanto ‘Come to Life’ como ’24’ son dos de las mejores canciones de ‘Donda’ y Kanye parece opinar lo mismo. Por su sonido minimalista, sin beats e inspirado en la música religiosa, pero sin llegar a encajar únicamente dentro de dicha categoría, ambas canciones representan el camino que, en mi opinión, ‘Donda’ debería haber recorrido de manera exclusiva. Especialmente ’24’ ha sido, desde el principio, la mejor canción de ‘Donda’ para quien esto escribe, por lo que verla representada con un videoclip resulta una muy buena noticia.

A pesar de que Kanye dedica ‘Donda’ a su madre, son varios los temas que tratan los textos a lo largo de una hora de duración. ’24’ está dedicada al jugador de baloncesto Kobe Bryant, fallecido en 2019 tras un accidente de helicóptero que se llevó también la vida de una de sus hijas y otros pasajeros. Sin embargo, la letra es lo suficientemente ambigua como para no pensar en Kobe todo el tiempo cuando los coros del Sunday Service Choir ruegan a Dios que «todo vaya a salir bien» y cuando Kanye canta que «nunca es el momento adecuado para irse» pero que «Dios no ha terminado» y «sé que sigues vivo».

La música de ’24’ es simple pero poderosa. Los coros del Sunday Service Choir suenan sampleados de una grabación tomada en directo (en el estudio) y ligeramente distorsionados para hacerlos sonar más graves, lo cual añade peso emocional a la canción. Su melodía cantada al unísono es profundamente conmovedora y catártica, especialmente cuando nos pide que «alcemos las manos al cielo». A su lado, Kanye sigue cantando sobre su fe en Dios y lo hace mejor que nunca (sí, Kanye canta bien), acompañado de un arreglo de órgano eclesiástico que suena puro. El resultado es, a efectos prácticos, una canción de misa moderna, un góspel del siglo XXI.

’24’ termina definitivamente de tocar la fibra sensible cuando Kanye y el coro repiten juntos que «todo va a ir bien» y el videoclip que Nick Knight ha dirigido para la canción no puede desprender más serenidad y tranquilidad. A través de una esfera perfecta, el espectador observa a Kanye dejarse llevar a través del cielo, flotando sobre nubes atravesadas por los rayos del sol.

Charli XCX sigue top 1 en JNSP, entran Lana del Rey, Troye Sivan, Little Simz, YEBBA…

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Charli XCX se mantiene como lo más votado de JENESAISPOP con ‘Good Ones’, mientras Lana del Rey produce la entrada más fuerte con ‘Arcadia’, el nuevo single del disco que publica el mes que viene. Poco más abajo llega ‘Angel Baby’, la balada de Troye Sivan.

Otras entradas en posiciones más modestas son Big Red Machine, Little Simz, Yebba y en el farolillo rojo MUNA con Phoebe Bridgers.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 2 Good Ones Charli XCX Vota
2 2 1 Arcadia Lana del Rey Vota
3 4 3 2 I Still Have Faith In You ABBA Vota
4 4 1 Angel Baby Troye Sivan Vota
5 2 2 3 Hot N Heavy Jessie Ware Vota
6 3 3 3 I am not a woman, I’m a god Halsey Vota
7 7 7 2 Future Starts Now Kim Petras Vota
8 6 6 2 Good Girls CHVRCHES Vota
9 8 8 3 brutal Olivia Rodrigo Vota
10 9 9 2 Linda Tokischa, Rosalía Vota
11 10 1 4 Mood Ring Lorde Vota
12 12 2 5 Happier than Ever Billie Eilish Vota
13 5 5 3 justified Kacey Musgraves Vota
14 11 1 6 Take My Breath The Weeknd Vota
15 15 1 Renegade Big Red Machine, Taylor Swift Vota
16 14 4 4 Runaway Horses The Killers, Phoebe Bridgers Vota
17 RE 17 7 Via Torino Cabiria Vota
18 27 15 6 Sex on the Beach Iggy Azalea, Sophia Scott Vota
19 13 13 2 Burning Bridges Sigrid Vota
20 19 1 8 Don’t Go Yet Camila Cabello Vota
21 31 2 15 Love Again Dua Lipa Vota
22 30 18 4 More Low Vota
23 20 5 5 Bouncin Tinashe Vota
24 16 16 2 Jail Kanye West Vota
25 33 1 50 Levitating Dua Lipa Vota
26 26 1 I Love You, I Hate You Little Simz Vota
27 23 2 8 INDUSTRY BABY Lil Nas X, Jack Harlow Vota
28 21 2 18 Please Jessie Ware Vota
29 36 2 9 Don’t Wait Up Shakira Vota
30 40 4 9 Cure for Me AURORA Vota
31 15 10 3 You Can Do It Caribou Vota
32 28 28 3 Little Deer Spellling Vota
33 33 1 Boomerang Yebba Vota
34 24 2 15 How Not to Drown CHVRCHES, Robert Smith Vota
35 18 4 8 Say What You Will James Blake Vota
36 22 22 3 In My Arms Disclosure Vota
37 32 20 5 Little Things Big Thief Vota
38 34 7 5 Yate C. Tangana Vota
39 39 1 14 Solar Power Lorde Vota
40 40 1 Silk Chiffon MUNA, Phoebe Bridgers Vota
Candidatos Canción Artista
Ya no vales Alizzz, C. Tangana Vota
THATS WHAT I WANT Lil Nas X Vota
Malamute La Oreja de Van Gogh Vota
Beautiful James Placebo Vota
Only Seeing God When Sega Bodega Vota
Algoritmo Laura Sam y Juan Escribano Vota
Sin mí Sebastián Cortés Vota
Gay Dreams Do Come True Planningtorock Vota
We Love Each Other So Much Sparks, Adam Driver, Marion Cotillard Vota
Lockdown Priya Ragu Vota

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‘Jóvenes altezas (Young Royals)’: Los princesos con granos de Netflix y la esperanza

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Viendo los primeros avances, e incluso leyendo las informaciones que se venían publicando sobre ‘Jóvenes Altezas (Young Royals)’, uno se imaginaba una serie muy distinta, así que la sorpresa es mayúscula (y muy positiva) cuando decides darle una oportunidad. Hay titulares como “un cruce entre ‘Élite‘ y ‘The Crown‘”, y las comparaciones que se vienen a la cabeza sin verla son a otras series como ‘Riverdale’, la citada ‘Élite’ o ‘Euphoria‘, pero, de nuevo: nada que ver. ¿Y dónde está la diferencia? Pues ni en la familia real ni en el hecho de que sea una historia LGBT, sino en el cómo. Probablemente la combinación “monarquía + instituto + maricas” fuese lo necesario para que les dijesen que sí al pitch, pero al final no es la vuelta de tuerca de poner a un príncipe con un plebeyO -con “o”- lo más distinto que ofrece ‘Jóvenes Altezas’, sino su retrato tan natural como (voy a decirlo mucho en este texto, aviso) bonito que se hace del primer amor queer.

Creada por Camilla Holter, Lars Beckung y Lisa Ambjörn (quien también escribe los guiones junto a Pia Gradvall, Sofie Forman y Tove Forman, y dirige junto a Roja Sekersöz y Erika Calmeyer), la serie se convirtió rápidamente en un fenómeno en Suecia, y poco a poco el resto del globo -incluyendo nuestro país durante este verano- fue rindiéndose al encanto de sus protagonistas, encarnados por Edvin Ryding y Omar Rudberg (curiosidad: Omar es toda una estrella musical en Suecia, donde lleva cantando desde los 10 años, ahora solista después de pasar por la boyband FO&O). Pero no solo sus protagonistas (de quienes ahora hablaremos) están bien escogidos: la reconocida Pernilla August (‘The Investigation’) encarna a la mismísima Reina de Suecia, y también destacan la forma de (no) tratar el cuerpo lejos del canon de Felice (Nikita Uggla), la Sara de Frida Argento (también Asperger fuera de la ficción), el análisis de masculinidad y clase que se hace con August (Malte Gardinger) y la mirada a la migración de anterior generación a través de Linda (Carmen Gloria Pérez). Todos ellos se enfrentaron a un rodaje duro en plena primavera de 2020, con brote de COVID entre el reparto incluido.

La historia de amor entre Willhelm, príncipe heredero de Suecia, y Simón, un chico de su internado que está allí becado, plebeyo y pelín rojo (“sossen”, como le dicen sus compañeros) es la principal baza de la serie, pero, como decíamos antes, no por el componente monárquico ni por lo subversivo que pueda ser juntar al príncipe con un chico. La subversión, en todo caso, viene de otro lado: de mostrar una naturalidad entre sus personajes en general, y entre sus protagonistas en particular, que echamos en falta en las series adolescentes. Para empezar porque éstos SON adolescentes, y porque la diversidad en sus físicos no recuerda a un catálogo de Benetton sino a la calle y a la realidad: hay granos, hay dientes torcidos, hay pesos más y menos normativos, y ni siquiera el príncipe protagonista es ese ideal guapísimo que se nos puede venir a la cabeza a la hora de pensar en el líder de una serie teen de Netflix (¡y encima siendo un príncipe azul!). A la paradoja de que sea una serie con protagonistas de la realeza la que ponga más los pies en la tierra, hay que sumarle otra: la forma en que se trata el enamoramiento entre Willhelm y Simón, que huye de la grandilocuencia (¡justo la que va sobre un monarca!) y de lo morboso para ofrecer un retrato tímido, natural, y, sí, bonito. Aunque pueda chirriar el uso de la palabra “bonito”, es algo en lo que coincidirá la vasta mayoría de espectadores seducidos por ‘Young Royals’.

Porque en ‘Young Royals’ no hay retratos del bullying homófobo (que, ojo, son necesarios) ni sets con Arón Piper y Manu Ríos haciendo remakes de Bel Ami (que, ojo, son bienvenidos), aquí hay otra cosa. Hay algo que quizás no vemos con tanta asiduidad, acostumbrados como estamos a saltar de la violencia al sexo hasta llegar a confundirlos. La serie huye de lo artificioso y de ese predominio de lo estilístico que hay en ficciones como ‘Élite’, la nueva ‘Gossip Girl’, o incluso ‘Euphoria’ y ‘Genera+ion’, valorando aquí la intimidad por encima de lo demás. Un ejemplo es el primer intento de acercamiento que tienen los personajes, o el cruce de dedos mientras toda la clase ve una película, o la escena de sexo en la que también podemos percibir la naturalidad, la tensión, las mariposas en el estómago (la química entre Ryding y Rudberg es increíble) y la intimidad. Se echa en falta la inexperiencia y la torpeza de esa “primera vez”, que lo haría todo más auténtico, pero aceptamos barco, todo sea por el objetivo final de conseguir esa “historia Disney”. No es, ojo, una “historia Disney” en el sentido tóxico que podemos tener en la cabeza, pero sí en el sentido ñoño. Para qué mentir, ‘Young Royals’ es ñoña, pero es ñoña de un modo que nos encanta, y que es bastante necesario.

Porque si los cuentos de hadas siempre estaban reservados a las parejas heterosexuales, si la palabra “princeso” ha sido durante mucho tiempo usada para gracietas homófobas, es reconfortante pensar que hay chavales de trece años viendo una historia así en los protagonistas de una serie mainstream, y pudiendo verse a sí mismos en ellos. Es bonito pensar eso, hasta tal punto que me ha costado escribir este texto en un momento como éste, porque tanto mi texto como la serie parecían un poco naíf al lado de una realidad que se está volviendo cada vez más oscura, en un verano donde no hemos dejado de hablar de agresiones homófobas (y poco hemos hablado). Pero, sin olvidar lo que tenemos enfrente, o PRECISAMENTE por lo que tenemos enfrente, necesitamos la esperanza (un chiquito llamado Harvey Milk habló sobre esto mucho mejor que yo). Como he dicho, hay una generación que con trece años está viendo una serie como ésta y unos protagonistas como éstos a nivel mainstream. Es quizás la primera generación que puede hacerlo. Y nos va a tocar luchar para asegurarnos no solo de que no sea la última, sino de que sea la primera de muchas.

Imagine Dragons / Mercury – Act 1

Casi todas las críticas que Juan Sanguino comenta en su excelente análisis sobre la percepción que tenemos de Coldplay aplica a Imagine Dragons también: las emociones inmensas, las melodías hechas para llenar estadios, el despojo del rock de la rebeldía… y aquello de «la consistencia de una espinaca marchita». Hasta en algún momento Dan Reynolds parece imitar la voz de Chris Martin. Añadiría también esa sensación de Operación Frankenstein que en su caso hace su música válida para seguidores de Queen, Miley Cyrus y U2 indistintamente.

‘Mercury – Act 1’, el quinto álbum de la banda autora de hits tan pornográficamente millonarios como ‘Believer’, ‘Thunder’ o ‘Radioactive‘, pretende ser uno de esos discos a flor de piel, en este caso influido por la muerte de amigos y familiares, por diversas causas. Comenzando por el principio, el primer tema ‘My Life’ estalla en un estribillo tipo ‘Wrecking Ball’ para al final transformarse en ‘Where The Streets Have No Name’. La letra incluye frases tan explícitas como «me reconozco como consumidor / me despierto cada día con adicciones que alimentar».

Las canciones de Imagine Dragons son capaces de llamarse ‘Lonely’ y repetir en ellas «lonely» 20 veces, aseverar «soy un despojo sin ti, soy un despojo desde que te has ido» (‘Wrecked’) y consolarse del daño que nos hace la sociedad con frases tan adultas como «cada día es mi cumpleaños, espero que te hayas enterado» (‘No Time for Toxic People’). ¿No cabría esperar un poco más de «imaginación» de un grupo que se llama Imagine Dragons? Una de las canciones de ‘Mercury – Act 1’ habla explícitamente del «cáncer de huesos» y de la «quimioterapia», y es loable que lo haga sin disfraces ni metáforas, inspirada por la muerte de la cuñada de Reynolds, pero el grupo renuncia a construir una obra tan emocionante y sublime sobre la enfermedad, como fue por ejemplo ‘Hospice’ de The Antlers, con un título tan liviano como ‘Easy Come Easy Go’, y una melodía que recuerda a Red Hot Chili Peppers.

Toda su psicología carpetera sobre una base melódica bastante contagiosa -todo hay que decirlo, de ahí su éxito, sin duda- no opta por ningún estilo artístico definido. El disco parece apelar a los Muse más cabreados en ‘Dull Knives’, chilla a lo loco en ‘Giants’, mira hacia los ritmos africanistas o jamaicanos en ‘No Time for Toxic People’ y se decanta definitivamente por el «todo vale» en ese single llamado ‘Follow You’ cuyo vídeo han querido convertir en un capítulo de sitcom americana. El tema narra cómo Dan Reynolds y su esposa se libraron del divorcio gracias a un WhatsApp, todo ello con las mismas miras artísticas que una peli escrita y producida por Adam Sandler.

‘Monday’, un tema en el que se afirma «Eres mi lunes, eres mi mejor día de la semana, el más infravalorado, un nuevo comienzo», parece ser el más avanzado en tanto sus referentes podrían ser David Bowie, Talking Heads y los U2 de ‘Zooropa’. Cuando termina, uno solo puede preguntarse si nadie les habrá regalado un disco de St Vincent. ¿Ni después del Grammy? Entre canciones como improvisadas por adolescentes en un campamento de verano como ‘It’s OK’, en verdad la llegada de la final ‘One Day’ es un alivio. No porque el disco se acabe, sino porque es una canción sencilla, y las cosas tienden a salir mejor cuando no se intentan demasiado.

Hnos Munoz: «Hoy en día hacer un feat es casi obligatorio»

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El dúo Hnos Munoz, desde Andalucía, ha contribuido al R&B moderno de nuestro país desde que publicaran un debut homónimo hace casi 5 años. Desde entonces, han continuado renovando su sonido (en 2019 estrenábamos su tema ‘Ya estás así‘), y tras un disco publicado en 2020 llamado ‘Nuevo Romance’, ahora acaban de publicar un EP de 3 temas llamado ‘Amarre’. En él se incluyen un par de colaboraciones con rusowsky y BLNCO, aunque la gran sorpresa es el tema sin featuring. Un ‘Se me olvida’ en el que han dejado pasar la influencia del flamenco.

Hablamos con Hnos Munoz sobre este lanzamiento y sus planes de futuro aprovechando que este sábado 18 de septiembre actúan en el Café La Palma de Madrid como parte del ciclo Vibra Mahou. Vibra Mahou presenta, en septiembre, en Madrid y dentro de su programación Escenarios, hasta 13 conciertos que van del pop alternativo a stoner-rock, pasando por el jazz o la canción de autor. Puedes consultar la programación completa aquí.

Este año habéis publicado un EP llamado ‘Amarre’. ¿Qué significa para vosotros, respecto a vuestra carrera anterior o lo que queda por venir? ¿Es un punto de inflexión?
‘Amarre’ es un punto de inflexión en el sentido de que ha surgido de una temporada larga inactivos. No hemos dado conciertos, hemos pensado qué queríamos hacer con el proyecto después de lanzar ‘Nuevo Romance’, que era el culmen de una etapa. ‘Amarre’ es un trabajo pequeño que significa un nuevo comienzo, porque tiene un sistema bastante más elaborado respecto a los temas anteriores y también cuenta con novedades respecto hasta ahora, por ejemplo contar con productores ajenos como BLNCO, que hizo ‘Lo Tuyo’, o rusowsky, que hizo ‘Solo Voy Voy’. Hemos vuelto con las ideas renovadas en este periodo para abrirnos a gente que nos mola y hace cosas bastante guay.

Justo la canción que más me gusta de las 3, ‘Se me olvida’, es la menos escuchada de las 3 nuevas, no sé si por las cosas de los featurings o no, ¿pero no creéis que el mundo ha enloquecido un poco con los featurings y con las colaboraciones? Muchas veces en los últimos años parece que sin featuring no llegarás a ningún sitio…
Probablemente tenga que ver con los featuring, aunque creemos que tiene que ver más con cómo lo colocan los editores y las playlists algorítmicas. Es interesante analizar que hoy en día hacer un feat es casi obligatorio. Las ventajas son evidentes, no solo atraes al público del otro artista, sino que creas ese impacto de un hype de «¿con quién será esto?». Y luego «¿con quién saldrá?». Porque ya no estás solo trabajando con tu música.

En esta canción hay una ligera influencia flamenca, ¿cuál es vuestro primer contacto con ella?
Es algo que nos han comentado en muchas ocasiones. Creemos que es algo por lo que nosotros siempre hemos tenido cierta querencia. No solo en lo musical sino en lo estético o en cuanto al aura. Nosotros, por nuestro contexto, crecidos en Andalucía, hemos tenido mucho inputs externos relacionados con el flamenco o la copla, y es algo de lo que rescatar matices. Nos mola que estés escuchando una canción y digas “hostia, una copla”. O «un fandango». Es algo interesante y no renegamos de ello, pero no hacemos bandera de eso. Es fruto de haber nacido en un contexto determinado como el nuestro.

¿Qué opináis de la deriva del R&B de los últimos años? ¿Algún artista o disco que para vosotros haya sido un punto de inflexión?
Hablando del R&B tal y como lo estamos entendiendo en este contexto y no siendo estrictos con la movida clásica de los años 2000, que también nos mola y que tiene cosas superguapas, nos mola señalar ciertos artistas que han influido en cuanto a sonido, en cuanto a melodías y en cuanto formas de cantar. Evidentemente, en los últimos 10 años nos hemos fijado mucho en Canadá, con Drake o PARTYNEXTDOOR o en español, por ejemplo, Jesse Baez nos ha gustado mucho siempre.

¿Qué podemos esperar de vuestro concierto de este finde o de vuestras próximas actuaciones en general? ¿Qué formato lleváis? Hemos visto que hacéis 2 pases.
El concierto de este fin de semana para nosotros es bastante especial, porque hacemos un set que será un recorrido por temas que no se han cantado en directo, así como trabajos antiguos que nos apetecía mucho presentar y que la gente tuviera la oportunidad de escucharlos en directo. Los hemos preparado con mucha ilusión y esperamos que guste.

Y sobre vuestro futuro, ¿habrá alguna vez nuevo disco largo? ¿Algo que nos podáis avanzar sobre vuestros próximos pasos?
En un futuro, si bien no tenemos planteado sacar un trabajo largo en una fecha próxima, seguimos produciendo, que es lo que nos gusta y, seguramente, en algún momento veremos que tenemos el material suficiente con la forma adecuada para presentarlo en largo.

Los Jonas Brothers se ponen intensos con su nuevo tema, ‘Who’s In Your Head’

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Los Jonas Brothers han vuelto con ‘Who’s In Your Head’. Una canción que fue presentada inicialmente en una actuación en el Anfiteatro Red Rocks en Morrison (Colorado) el cinco de este mes. También publicaron un fragmento en su perfil TikTok, que acumuló casi 180 mil reproducciones.

‘Who’s In Your Head’ es el cuarto lanzamiento de los hermanos Jonas en lo que va de año después de ‘Remember This’, ‘Leave Before You Love Me’ y si lo tenemos en cuenta, de ‘Mercy’, que forma parte de la banda sonora de la película ‘Space Jam: Nuevas Leyendas’. La canción ha sido coescrita con Max Martin y Rami Yacoub, compositores de temas de gran éxito como ‘It’s Gonna Be Me’ de NSYNC, ‘Oops … I Did It Again’ de Britney Spears o ‘Shape of My Heart’ de Backstreet Boys.

La canción «se desliza con una guitarra fanfarrona y un ritmo aleatorio puntuado por un golpe de bajo listo para la pista de baile y un atrevido falsete», según un comunicado de prensa. Aunque la melodía expresa el mal de amores, «quiero saber quién está en tu cabeza robando tu corazón mientras todavía estoy sangrando, quién está en tu cama envuelto en tus brazos mientras no duermo», se muestra bastante rítmica y animada.

Por su parte, la gira ‘Remember This Tour’, que cuenta con la cantante de country Kelsea Ballerini como telonera, acabará el próximo octubre, pero aún quedan actuaciones para este mes. La parada de hoy es en Nashville y mañana pasarán por Atlanta con motivo del festival Music Midtown. Puedes consultar el resto de fechas y comprar las entradas aquíFoto de Katia Temkin.



Elton John aplaza su gira en Europa y UK hasta 2023 por problemas en la cadera

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Elton John ha aplazado los conciertos programados para su gira por Europa y Reino Unido, ‘Farewell Yellow Brick Road’, hasta el año 2023 por problemas de salud que tienen que ver con su cadera, así lo ha hecho saber mediante de un comunicado oficial a través de sus redes sociales. La decisión afecta a España, pues la gira pasaba por Barcelona los días 22 y 23 de octubre.

«Es con gran tristeza y un gran pesar que me veo obligado a reprogramar las fechas de 2021 de mi gira», así empieza su comunicado, que puedes leer al completo aquí. Según el cantante, al final de sus vacaciones de verano se golpeó la cadera y desde entonces ha tenido «un dolor y una incomodidad considerables».

Elton ha estado en tratamiento desde entonces, pero aun así está teniendo «dificultades para moverse» y le han aconsejado operarse «lo antes posible» para que no haya «complicaciones a largo plazo». También ha confirmado en ese mismo comunicado que realizará «un programa de fisioterapia intensiva que garantizará una recuperación completa y un retorno a la movilidad total sin dolor».

A pesar de estas complicaciones, sí ha confirmado que actuará en el evento benéfico de Global Critizan el próximo 25 de septiembre porque dice no querer «defraudar a una organización benéfica» y porque actuar con solo cinco canciones es una «tarea física muy diferente a las demandas de tocar durante casi tres horas todas las noches de gira y viajar durante la noche».

La gira ‘Farewell Yellow Brick Road’ ya sufrió un retraso el año pasado por culpa de la COVID-19 y es por ello que Elton ha agradecido la paciencia de sus fans. «Os prometo que los espectáculos volverán a la carretera el próximo año y me aseguraré de que valga la pena la espera», concluye en su comunicado.

C. Tangana y Alizzz hablan de fama y edadismo en ‘Ya no vales’, con María León

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Alizzz se ha dejado caer hoy por YouTube con el videoclip de su nuevo tema, ‘Ya no vales’, en colaboración con «el madrileño» C. Tangana, una canción que manda un mensaje sobre la «insostenibilidad de la fama», según un comunicado de prensa.

El videoclip, dirigido por Felix Bollain de Franceschi, producido por CANADA y protagonizado por María León junto a los propios Alizzz y Tangana, muestra el estado de fracaso en el que ha quedado «la estrella» que interpreta León con una serie de flashbacks y destellos tanto de sus excesos como de los mejores momentos de su carrera. Recuerda un poco a la serie ‘Veneno’ cuando el personaje de Cristina sale de fiesta intentando recordar tiempos que nunca volverán.

«Consigue trasladar a la pantalla el concepto de la canción de una manera enormemente dinámica y controvertida, poniendo el foco en el trauma psicológico de estas realidades tan presentes y de las que raramente se habla», explica el mismo comunicado de prensa. La letra incluye frases tan polémicas como «hay una más joven y más guapa que tú» u «opérate la cara hasta que no seas tú», conectando con la temática de películas como ‘Eva al desnudo’ o ‘Sunset Boulevard’.

Alizzz ha trabajado con artistas como Lola Indigo, Rosalía, Becky G o Aitana y también ha hecho sus cositas en solitario. Su trabajo con C. Tangana se lleva produciendo desde 2014 y al cantante no le ha ido nada mal, ha cosechado numerosos discos platino y varios números 1, tanto en disco como en singles.