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Ms. Lauryn Hill, Erykah Badu, Missy Elliott… en el infinito tracklist de ‘The Album’ de Teyana Taylor

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Teyana Taylor sorprendía días atrás anunciando que su nuevo disco se llama ‘THE ALBUM’ –sí, casi como el último de Alejandro Sanz– y revelando su espectacular portada en el estilo de Grace Jones, a quien ya había emulado. Y, tras cierto misterio, por fin acaba de revelar que finalmente el disco sale este mismo viernes, 19 de junio.

Lo ha revelado al mostrar la imagen de contraportada del disco –de nuevo, con la intérprete de ‘Libertango’ en mente–, dando a conocer su extensísimo tracklist completo. Nada menos que 23 cortes contiene el disco, incluyendo los singles previos junto a Ms. Lauryn Hill (‘We Got Love‘), Kehlani (la tórrida ‘Morning’), King Combs (‘How You Want It?‘) más ‘Made It‘, ‘Bare Wit Me‘ y el reciente ‘Wake Up Love’, una balada de R&B clásica que Teyana interpreta junto a su marido, el jugador de baloncesto Iman Schumpert. Además, destaca también la presencia de Erykah Badu, Missy Elliott, Rick Ross, Quavo de Migos, Big Sean o el nigeriano Davido.

Teyana, que saltara a la fama mundial bailando en el vídeo de ‘Fade’ de Kanye West, quien después produciría su anterior disco, el notable ‘K.T.S.E.‘, buscará pasar página de su complicada relación profesional con el rapero editando este ‘THE ALBUM’. Os dejamos con el vídeo de ‘Wake Up Love’, que nos sitúa en un escenario celestial, con Teyana e Iman compartiendo cama o dándose un baño (la primera), revelando así su embarazo. Vuelve a ser un vídeo digno de ver a pesar de su sencillez narrativa.

Tracklist de ‘The Album’:
1. Intro
2. Come Back to Me ft. Rick Ross & Junie
3. Wake Up Love ft. Iman
4. Lowkey ft. Erykah Badu
5. Let’s Build ft. Quavo
6. 1-800-ONE-NITE
7. Mornin’ ft. Kehlani
8. Boomin’ ft. Missy Elliott & Future
9. 69
10. Killah ft. Davido
11. Bad
12. Wrong B****
13. Shoot It Up ft. Big Sean
14. Bare Wit Me
15. Lose Each Other
16. Concrete
17. Still
18. Ever Ever
19. Try Again
20. Friends
21. How You Want It ft. King Combs
22. Made It
23. We Got Love ft. Ms. Lauryn Hill

Lady A condena el cambio de nombre de Lady Antebellum y lo tacha de oportunista

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Lady Antebellum han anunciado esta semana cambio de nombre tras la revolución de Black Lives Matter surgida en los últimos días. El grupo pasa ahora a llamarse Lady A, ya que la palabra «Antebellum», por su significado histórico, esconde connotaciones racistas directamente relacionadas con la esclavitud.

El grupo autor de ‘Need You Now’ ha pedido disculpas en un comunicado por haber hecho daño a alguien por culpa de su nombre. Sin embargo, su nuevo nombre ya ha perjudicado a alguien, en concreto, a Lady A, una cantante de blues afroamericana que ha usado este mote artístico durante dos décadas. La artista, de nombre real Anitta White, está enfadada porque ya no va a ser tan fácil encontrarla en Spotify, pero sobre todo porque considera el cambio de nombre de Lady Antebellum oportunista. «Están usando el nombre por el incidente de Black Lives Matter que, para ellos, es solo un momento en el tiempo», ha declarado en una entrevista. «Si realmente les importa, les habría importado antes. No tendría que haber muerto George Floyd para que ellos se den cuenta de que su nombre contiene una referencia a la esclavitud. (El cambio de nombre) es una oportunidad para ellos de fingir que no son racistas o de fingir que todo esto les importa realmente. Si les hubiera preocupado de verdad habrían investigado lo que su nombre significa».

La artista ha dicho que no va a dejar de usar su nombre, pero a su vez sospecha que la banda de country pueda exigirle legalmente dejar de usarlo. «Que ni siquiera se hayan molestado en hablar conmigo es privilegio del bueno. Pero no voy a bajar la cabeza y permitir esto», ha insistido. «Ahora me pesa tener que demostrar que mi nombre es de hecho mío, y ni siquiera sé cuánto dinero tendré que gastar para quedármelo». La artista es autora de álbumes como ‘Doin’ Fine’, aunque un vistazo a Spotify descubre que no es la única persona que se hace llamar de esta manera.

Las versiones medievales de Lady Gaga, Radiohead o Haddaway que no son una broma de internet

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Que la nostalgia es uno de los motores más potentes de la música pop actual es innegable. Desde los experimentos fantasmales de The Caretaker hasta la consolidación de la música vaporwave a finales de la pasada década, pasando por supuesto por los multimillonarios discos de Adele, Lady Gaga o Bruno Mars o por aquellos collages sonoros presentes en los discos de «plunderphonics» que salieron mucho antes que YouTube existiera, la música del siglo XXI se está caracterizando por su actualización -o revisión- constante de los sonidos del pasado.

Estaba cantado que alguien iba a ir más lejos en el tiempo incluso que todos ellos, y es el caso de una youtuber cuyo trabajo está siendo bastante comentado en esta red social en los últimos días. Ella se hace llamar Hildegard von Blingin’, casi como la conocida compositora medieval Hildegard von Bingen (una de las primeras mujeres compositoras con obras escritas que se conocen), y se está dedicando a interpretar viejos éxitos pop en clave medieval. No es la primera persona en el mundo que lo hace ni mucho menos, todo el mundo ha ido a un bar y se ha encontrado con el típico grupo de versiones irlandés de turno, pero ella lo hace en internet y en plena era de los memes, por lo que la gente ya se está inventando etiquetas para describir su sonido, como «tavernwave» o «bardcore». Además, las «covers» son profesionales, son buenas de verdad, y el arte que las acompaña es una cucada.

De momento, Hildegard von Blingin’ ha publicado unas pocas versiones de canciones pop, entre ellas una de ‘Bad Romance’ de Lady Gaga cuyo mítico pasaje «I want your ugly, I want your disease» ha dejado un comentario para la historia: «quiero tu enfermedad: la plaga bubónica saluda». A otra persona le parece que la mujer de la imagen se está sacando un «selfie medieval». También existen curiosas versiones de ‘Creep’ de Radiohead, ‘Pumped Up Kicks’ de Foster the People y ‘What is Love’ de Haddaway. Toda una curiosidad de internet que «solo los nacidos en los 1400 recordarán».



Tomavistas 2021 confirma a JARV IS, Rolling Blackouts Coastal Fever, Novedades Carminha…

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Tomavistas anuncia nueva tanda de confirmaciones para su edición de 2021, la que no ha podido tener lugar este año por culpa del coronavirus. La gran noticia es que JARV IS, el nuevo proyecto musical de Jarvis Cocker, a través del que el ex integrante de Pulp publica nuevo disco el mes que viene, se mantiene como cabeza de cartel del festival madrileño. El festival confirma también en su programación a Rolling Blackouts Coastal Fever, Novedades Carminha, que presentarán ‘Ultraligero‘ y también «temas nuevos»; Axolotes Mexicanos, que presentarán nuevo disco; y la revelación Chaqueta de Chándal.

Todos ellos se suman a Suede, León Benavente, El Columpio Asesino, Anna Calvi, Sen Senra, Maika Makovski, Mujeres, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Jessy Lanza y Side Chick, nombres que también formaban parte de la programación original de Tomavistas 2020, y que el festival ha conseguido reubicar en la del año que viene. Cabe recordar que Tomavistas también va a anunciar nombres «completamente nuevos» en el cartel de esta futura edición.

Tomavistas 2021 se celebra los días 27, 28 y 29 de mayo de 2021 en el Parque Tierno Galván de Madrid. Recordamos la información proporcionada por el festival sobre la gestión de entradas: Todas las entradas adquiridas para 2020 son válidas para 2021 de manera automática. No obstante, aquellos que no quieran o no puedan conservar su ticket, tendrán dos opciones para gestionarlo: 1.- Cambiar la entrada por un vale por el valor del importe de la misma. 2.- Devolver tu entrada y recuperar el importe de la misma. Toda la información en su web«.

Rush Week referencian a «la joven Mariah» (Carey) en su nuevo hit potencial, ‘Diva’

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Hoy sale a la venta a través de Elefant el segundo disco de Rush Week, el proyecto de Rachel K. Haines y el productor James Benjamin Thomas. Su primer álbum lo vinculábamos a gente como Lorde, The xx y Tennis e incluía temas como ‘Feelings’ o ‘Stranger Danger’, que les han llevado a sonar en ‘Elite’ con todo lo que eso implica: pese a proceder de Filadelfia, la mayor parte de sus seguidores se concentra en países latinos.

Mientras en la nota de prensa, su sello habla de influencias que van de Bryan Ferry y Tears for Fears en los dos primeros cortes del álbum, a Madonna -la primera, la de ‘Holiday’, entiendo- y Daft Punk (‘Faded Love’) pasando por Adele y Dua Lipa en el single ‘No Tag Backs’, que cuenta con vídeo pre-covid; hoy nos detenemos en otro de los sencillos principales del disco, que recibe el nombre de ‘Diva’. Oficialmente las referencias son Soft Cell y Electric Youth, por tanto ajustándose a «los mejores remodeladores del sonido ochentas como Chromatics y Twin Shadow», aunque curiosamente el tema extiende sus tentáculos para llevarnos a otro lado.

‘Diva’, que podría ser un hit en manos de The 1975, cuenta con una letra nostálgica que habla de los recuerdos de una noche lejana en el tiempo, concretamente sobre un amor que no pudo ser pese a que se quedó a las puertas de hacerse muy grande. De melodía dulce, en un fraseo entroncada con la Cyndi Lauper más pop, añade sorpresa en su estribillo, cuando creíamos que había una referencia bíblica en ese «joven María». Pero esa «joven Mariah» resulta ser evidentemente Mariah Carey, cuando el texto dice: «You’ll always be my baby, like Mariah said (Young Mariah said, young Mariah said)», en clara referencia al que fue uno de sus mayores éxitos, ‘Always Be My Baby’. Por si a alguien le cabe alguna duda, también hay una referencia a ‘Fantasy’ a continuación en esta composición que mira con tan buenos ojos tiempos pasados. Parece claro por qué el álbum recibe el nombre de ‘Past Lives’…

Lo mejor del mes:

Primavera Sound 2021 cuelga el cartel de «sold out» para abonos y entradas de día

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Primavera Sound Barcelona 2021 informa a través de nota de prensa de que ha conseguido agotar todos sus abonos y entradas en poco más de una semana desde que salieron a la venta el pasado 3 de junio. Hace unos días el festival había anunciado su edición «más multitudinaria». La organización informa de que logra así «un sold out histórico que nunca antes había sucedido con tanta rapidez en la historia del festival». Como todos recordamos, la edición 2020 era primero aplazada a agosto, y finalmente aplazada a 2021. La mayoría de la gente no ha devuelto sus tickets.

Indican: «Gracias a las 65.000 personas que, incluso en unos tiempos tan duros como los que estamos viviendo, han confiado en nosotros. Es este un agradecimiento por partida doble: a todos los que tenían su entrada para Primavera Sound Barcelona 2020 y han decidido conservar su ticket para el año que viene, que han sido la inmensa mayoría; y también a todos los recién llegados a nuestra familia: los nuevos compradores que han demostrado que hay esperanza para los grandes eventos de música en directo y han decidido que la pasión por la música es más fuerte que el miedo a la incertidumbre».

El festival quiere agradecer aparte de al público, a patrocinadores, colaboradores y partners por el apoyo incluso en el momento en «el que más lo necesitaban». Entre los artistas que actuarán están Bad Bunny, Tame Impala, Tyler the Creator, The Strokes, The National y Massive Attack, entre otras decenas.

Sondre Lerche / Patience

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Decía la nota de prensa con la que se anunciaba ‘Patience’ que la inspiración del décimo álbum de estudio de Sondre Lerche venía, en buena medida, de su nueva afición por correr y la música ambient que escuchaba durante sus ya rutinarias sesiones deportivas. En otro momento de su carrera hubiera sonado delirante imaginar al noruego emulando a Brian Eno, pero lo cierto es que, teniendo en cuenta el sonido synthpop arraigado en la darkwave de los 80 de ‘Pleasure’, su anterior trabajo de composiciones originales, ahora no parecería tan descabellado. Finalmente, como revelaban sus tres adelantos, nada (o casi) tiene eso que ver con este nuevo álbum. Lerche ha aclarado que a lo que se refería era, en realidad, a que sus canciones conformaran un espacio sensorial casi tangible al que transportarse y en el que quedarse. Y, escuchándolo, eso tiene perfecto sentido.

Con ‘Patience’, Sondre reconoce haber cerrado una trilogía conformada junto con el citado ‘Pleasure’ y su predecesor ‘Please‘, aunque nunca fue planeada como tal. Simplemente, iba escribiendo canciones que se iban agrupando casi a su voluntad, cohesionándose a medida que se alineaban unas con otras. De hecho, varias de estas canciones tienen más de cinco años y tratan los temas que movían por entonces a Sondre (su divorcio, explicitado en el disco de 2014, emerge de nuevo), pero no han sido publicadas hasta que han encontrado su forma y familia adecuadas. Y, pese a que cada uno de estos tres discos tenga una entidad y un sonido distintivos, ‘Patience’ parece una consecuencia directa de sus dos antecesores.

Se trata de un disco fascinante que, siguiendo la voluntad de su autor, invita a quedarse (diría incluso que colgado) en el espacio que genera su curiosa mezcla de melancolía, diversión, amargura y esperanza transformadas en sonido (o viceversa). De alguna manera, ‘Patience’ se construye sobre elementos que han definido la ecléctica e inquieta carrera de Lerche: ecos de los 60 y los 70, folk, electrónica, jazz, canción brasileña, música orquestal, funk, crooning, tecnopop… Sólo su lado más rockero, el de ‘Phantom Punch‘, queda al margen. Una diversidad que, no pocas veces, nos traslada a la de otro geniecillo nórdico, Jens Lekman.

Y lo hace de una manera cohesiva y madura, apoyado en el entendimiento con sus socios musicales desde hace años (Kato Ådland y Matias Tellez), con los que dispone una cuidada producción que alterna con gran acierto exuberancia y minimalismo, construyendo un auténtico carrusel que nos arrastra de manera inadvertida y siempre placentera. Podemos ir de la euforia luminosa del descomunal número glam-pop ‘You Are Not Who I Thought I Was’, el electropop saltarín de ‘That’s All There Is‘ o la gloria acústica con hechuras clásicas a lo Rufus Wainwright de ‘I Can’t See Myself Without You’ (que incluye lo que parece un guiño a ‘Loser’ de Beck), a la tristeza insondable vestida con suntuosos pero medidos arreglos en ‘I Love You Because It’s True’, ‘Are We Alone Now?’ o ‘Why Would I Let You Go‘.

Resulta especialmente fascinante cómo consigue alinear y hacer convivir armónicamente cierta experimentación contemporánea –la de ‘Patience’ o ‘Don’t Waste Your Time’, en las que se erige en una suerte de Sean Nicholas Savage sin (o con menos) disonancias, entre Gainsbourg y los últimos Arctic Monkeys– con un bien entendido clasicismo. El de Henry Mancini, en el maravilloso corte que cierra el trabajo, ‘My Love Is Hard to Explain’, un vals en el que conviven Nat King Cole, sintetizadores y sutiles metales; el de Jobim, en una ‘Why Did I Write the Book of Love’ que evoca el tropicalismo, aunque no sin cierta ironía aportada por unos arreglos deliberadamente kitsch; o el de Nat King Cole, en la fascinante ‘Put the Camera Down’ en la que ha contado con arreglos de nada menos que Van Dyke Parks (al parecer, ha establecido una amistad con el venerable músico) y Tim Fain (colaborador habitual de Phillip Glass) que han sido retorcidos de forma fascinante con una audaz postproducción.

Dice Lerche que, de alguna manera, entendía que no debía retrasar la salida de ‘Patience’ a pesar de las complicadas circunstancias actuales. Que algo le decía que este disco era especialmente relevante para este momento, más que ningún otro. Realmente no sé explicar por qué –quizá esa es la magia especial de los grandes discos, que no se puede trasladar únicamente con palabras–, pero tiene completo sentido para mí, que me encuentro atrapado en el adictivo bucle que este disco genera. Quizá sea porque su cuidado envoltorio sonoro potencia las emociones que transmite, incluso aunque sean algo intangibles, como la paradoja existencial de observarse a uno mismo desde otro espacio-tiempo paralelo en el single principal; o el corte titular, que habla de la creación musical y de la curiosa relación con el público, con un descacharrante spoken-word en el que narra cuando una mujer le aconsejó presentarse a ‘La Voz’ en USA… ignorando que él mismo ha sido juez del concurso en su país.

Pero la mayor parte de ‘Patience’ sobrecoge por lo que Sondre ha dado en llamar «sinceridad radical», siendo más literal de lo que haya sido nunca antes en su carrera. Y confiesa, con cierto cinismo pero también con una madurez envidiable y una poesía en muchos momentos desarmante, los errores que le han hecho apartar de su lado a personas perfectas para él. Las infidelidades, los reproches, las contradicciones… quizá sean solo un reflejo de su incapacidad de amar como es debido, como si estuviera destinado inexorablemente a la soledad. Uno de los momentos más espeluznantes del disco es el verso final de ‘Are We Alone Now’, que bien podría entenderse como las dificultades de una pareja con hijos para conseguir algo de intimidad. Pero, como una bomba de relojería, canta «Es una bendición, ser traído a este mundo en soledad / amar a alguien / y morir solo». Y duele, porque es verdad.

Calificación: 8,4/10
Lo mejor: ‘You Are Not Who I Thought I Was’, ‘Are We Alone Now’, ‘That’s All There Is’, ‘Why Would I Let You Go’, ‘Don’t Waste Your Time’
Te gustará si te gustan: Jens Lekman, Rufus Wainwright, Sean Nicholas Savage, Prefab Sprout.
Youtube: vídeo de ‘You Are Not Who I Thought I Was’

6ix9ine y Nicki Minaj, puro exhibicionismo y provocación en el vídeo de ’TROLLZ’

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Podríamos decir que 6ix9ine y Nicki Minaj estrenan su nuevo vídeo conjunto ajenos a las críticas por esta nueva colaboración: él acaba de salir de la cárcel por pertenencia a banda armada y también fue acusado de abusar de una menor, entre otras cosas. Sin embargo, ambos no estrenan el vídeo ajenos a la polémica, sino claramente recreándose en ella.

6ix9ine mira a cámara para decir «sé que no os gusto» -frase que repite Nicki- y aparece amontonando billetes (los «racks» del estribillo) en sus propios brazos, o abrazando inocentemente un gatito. Por su parte, Minaj aparece en paños menores, haciendo twerking o a punto con unas amigas. Entre sus fanfarrones versos, hay una referencia a Mary Poppins, en sintonía con los colores del clip, que parece una tienda de chucherías: ambos se dan de comer tarta, ella le baña en leche, etc. El vídeo se puede ver en Youtube aunque incrustado en algunas webs, no funciona.

Ambos raperos ya habían colaborado por ejemplo en ‘FEFE’, que fue un éxito masivo, y también ha funcionado bastante bien ‘GOOBA’, el reciente sencillo de 6ix9ine, que ha sido número 3 en Estados Unidos. Eso sí, un mes después ha caído al puesto 37 dada la falta de apoyo en radios.

Por otro lado, 6ix9ine acaba de ser denunciado por unos promotores por haber cancelado un concierto de 2018 sin avisar, después de haberse llevado 58.000 dólares de adelanto. Le reclaman ahora 5,3 millones de dólares, como informa NME.

Bob Dylan revela el tracklist de ‘Rough and Rowdy Ways’ a 7 días de su lanzamiento

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Bob Dylan se está beneficiando de los nuevos tiempos de la industria musical para sorprendernos y es tan sólo hoy, a 7 días de su lanzamiento, cuando nos revela la secuencia de su nuevo álbum, el primero con material inédito desde 2012, año en que se editaba ‘Tempest‘. Este nuevo trabajo lleva el título de ‘Rough and Rowdy Ways’ y verá la luz el 19 de junio, conteniendo los 3 sencillos que hemos conocido hasta ahora.

Eso incluye su miniéxito de 17 minutos sobre el asesinato de John F. Kennedy, que cerrará este largo de apenas 10 canciones; el single ‘I Contain Multitudes’, inspirado en Walt Whitman, que será el encargado de abrir; y el tema que sucede a este en la secuencia es ‘False Prophet’, que ya puede escucharse.

En este último corte de blues decadente, Dylan interpreta a un canalla con una historia que contar, a un alma en pena que, desde el «inframundo», recuerda su vida con desidia: «soy el enemigo de la traición y de la disputa, soy el enemigo de la vida vivida sin sentido y no vivida, y voy solo hacia donde los hombres solitarios van», canta antes de describir su «fantasmal aspecto» y sobre su deseo de cobrar a alguien venganza. Un entretenido poema por parte del ganador del Nobel de Literatura. Tracklist:

01 I Contain Multitudes
02 False Prophet
03 My Own Version of You
04 I’ve Made Up My Mind to Give Myself to You
05 Black Rider
06 Goodbye Jimmy Reed
07 Mother of Muses
08 Crossing the Rubicon
09 Key West
10 Murder Most Foul

Escucha lo nuevo de Jehnny Beth, Chloe x Halle, Bejo, Mon Laferte, Roosevelt, Kiesza, Gorillaz, Monterrosa, El Último de la Fila…

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Hoy en la playlist de novedades Ready for the Weekend nos enfrentamos a una nueva semana con cierta contención, pero reunimos, de nuevo, un buen puñado de lanzamientos muy interesantes: el debut en solitario de Jehnny Beth (Savages), el tercer disco de Chloe x Halle (protegidas de Beyoncé), un nuevo trabajo de Norah Jones, el debut de Naeem (colaborador frecuente de Bon Iver, que colabora en él), el rapero canario Bejo, el segundo disco en Elefant del dúo indie-discopop Rush Week, más nuevos álbumes de The Sounds, Bibio, Maren Morris, Example, Mr. Eazi, Kodaline, Larkin Poe, iann dior, The Architect, Silvio Rodríguez, Arde Bogotá y Edurne completan la lista. Además, en el apartado de EPs, destacamos uno del dúo Monterrosa en el que juegan con nuevos registros alternativos a su electropop, y el resultante de la unión de los grupos underground VVV [Trippin’ You] y Luz Futuro.

En cuanto a nuevos singles, destaca el regreso de Roosevelt, una nueva muestra de la serie «Song Machine» de Gorillaz (esta vez junto a Octavian), junto a temas de Kiesza, AlunaGeorge (junto a SG Lewis), JARV IS… (la nueva banda de Jarvis Cocker), Mon Laferte, Benjamin Biolay, Black Eyed Peas & El Alfa, Woodkid, Tricky, Ms Nina & Soto Asa, Burrito Panza, Ane Brun, Teyana Taylor, Surfaces & Elton John, Bully, Ozuna, Margo Price, Grant Lee-Phillips, ToteKing, Loquillo, Toots & The Maytals, Shamir, Perapertú, Mariah, Sean Paul, Ella Henderson… junto a un buen puñado de nuevos nombres interesantes del panorama independiente nacional como Mediapunta, La Claridad, MENTIRA, Ralphie Choo, Kiwis, Pol Batlle o Pablo Wilson. Por supuesto, no olvidamos los temas que a lo largo de los últimos días han presentado Lola Indigo, Leon Bridges y 6ix9ine & Nicki Minaj.

Al margen de todo esto, una de las grandes noticias de la semana es la llegada a plataformas de streaming de la primera parte de la discografía –previa a su fichaje por Warner Music– de El Último de la Fila, que muchos esperábamos. Además, tenemos un nuevo álbum póstumo de Lil Peep, un disco en el que Built To Spill homenajean el repertorio de Daniel Johnston y el ‘MTV Unplugged’ de Liam Gallagher. Hay un buen puñado de versiones curiosas: Arlo Parks haciendo ‘Creep’ de Radiohead; Jorja Smith con ‘Rose Rouge’ de St. Germain; Black Pumas con ‘Fast Car’ de Tracy Chapman, Laura Marling con ‘Red Right Hand’ de Nick Cave & The Bad Seeds… También un remix de Aya Nakamura con Maluma y a Chancha Via Circuito rehaciendo temas de Fuel Fandango y Lido Pimienta. Por último, destaca otro avance del disco perdido de Neil Young, que por fin será publicado, y el último tema grabado por el legendario John Prine antes de su muerte.

Escucha la playlist «Ready for the Weekend»

Lady Antebellum se cambian de nombre por las connotaciones racistas que conlleva

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En medio del clima social generado por la muerte de George Floyd y tras la retirada de ‘Little Britain’ y de ‘Lo que el viento se llevó’ de plataformas por su contenido racista, Lady Antebellum han decidido cambiarse de nombre. El grupo va a ser ahora conocido simplemente como Lady A, que es como según ellos mismos les han llamado sus fans desde el principio de manera cariñosa.

La razón que dan en un comunicado difundido a través de Instagram es que quieren ser más inclusivos. «Hemos observado y escuchado más que nunca durante estas semanas (…) hemos abierto los ojos a las injusticias, a la desigualdad y a los prejuicios que han sufrido los hombres y las mujeres negros, y continúan afrontando cada día». Continúan: «Cuando nos formamos hace casi 14 años, llamamos a nuestra banda en honor del estilo sureño «Antebellum», por el lugar donde tomamos nuestras primeras fotos. Como músicos, nos recordaba toda la música nacida en el sur que nos ha influido: rock sureño, blues, R&B, gospel y, por supuesto, country. Pero lamentamos y nos avergonzamos de decir que no tuvimos en cuenta las asociaciones de esta palabra con el período de la historia anterior a la Guerra Civil, que incluye la esclavitud. Lamentamos profundamente el daño que esto ha causado y cualquier persona que se haya sentido insegura, invisible o no valorada. Causar dolor nunca fue nuestra intención, pero eso no cambia el hecho de que, de hecho, lo hizo. Así que hoy alzamos la voz y promovemos el cambio». El periodo del que habla el grupo está documentado en Wikipedia, desde 1783 a 1861, cuando comenzaba dicha Guerra Civil.

Aunque como grupo de country, nunca ha llegado demasiado a España, Lady Antebellum han sido este siglo uno de los conjuntos más exitosos de Estados Unidos, siendo número 1 del Billboard 200 hasta en tres ocasiones, todas ellas concentradas entre 2010 y 2013, alcanzando varias veces el estatus de platino o multiplatino. También es posible que te suenen de los Grammy, pues sobre todo en 2011 fueron los grandes ganadores de la noche, al hacerse con 5 estatuillas, incluidas canción y grabación del año por ’Need You Now’.

El inesperado exitillo que Rihanna se ha apuntado en cuarentena

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El nuevo disco de Rihanna, más conocido por sus fans como RH9, no ha llegado a nuestras vidas como agua de mayo. Pero las listas sí han dejado un pequeño minihit para la cantante esta primavera de confinamiento. Un tema que, contra todo pronóstico, no termina de morir con el paso de las semanas, ya los meses.

Corría el mes de marzo cuando os presentábamos una canción del nuevo disco de PARTYNEXTDOOR en la que Rihanna se encargaba del estribillo, ‘BELIEVE IT’. RiRi no era la única invitada estelar del álbum, pues en el largo ‘PARTYMOBILE’ encontrábamos nada menos que a Drake, pero ha sido el tema con la voz de la de Barbados el que se está llevando el gato al agua. Aunque en principio ‘LOYAL’ empezó más fuerte, es ‘BELIEVE IT’ el que se mantiene en las listas tres meses después, aparentemente con cuerda para rato, al menos hasta que Rihanna mueva ficha.

Llegando al puesto 23 en Estados Unidos y al puesto 12 en Reino Unido, ‘BELIEVE IT’ es el mayor éxito en singles de la carrera discográfica de PARTYNEXTDOOR, además de sumar un par de top 40’s para la otrora churrera de hits. Fue comprensible la buena entrada por el ansia de novedades que el público tenía de Rihanna, pero lo bueno es que no hay manera de que el tema se termine de desmoronar: en pleno mes de junio el tema se mantiene esta semana en el puesto 40 de las listas británicas y de hecho recupera posiciones en Estados Unidos estos días, donde en la última lista sube del puesto 74 al 63.

Un sleeper, en definitiva, que se acerca a los 100 millones de reproducciones en Spotify sin vídeo, ni grandes apoyos de las radios, ni tampoco de las playlists multimillonarias de Spotify, donde no ha sido promocionado: la playlist más popular en que se encuentra es una con solo 475.000 suscriptores, frente a los 26 millones de Today’s Top Hits; y encima ocupa en ella modestamente la posición 64. Traducimos: el tema ha gustado finalmente por sí mismo. Y el cálido estribillo de Rihanna por supuesto tiene mucho que ver.

Revelación o timo: el «dueto» entre Leire Martínez y Amaia Montero por fin existe gracias a Mario Jefferson

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Mario Jefferson es un cantante malagueño que ha concursado en varios programas de talentos de España como Operación Triunfo, ‘Factor X’ u ‘Objetivo Eurovisión 2017’. Su imitación clavada de Rosalía publicada hace unas semanas en Instagram se hacía viral en las redes, y hoy estrena otra imitación que hay que ver para creer… y ni aún así terminas de creértela del todo.

El artista se ha colocado frente al micrófono para versionar ‘El último vals’ de La Oreja de Van Gogh imitando las voces de Leire Martínez, actual cantante de la formación, y Amaia Montero, su vocalista original. El «sueño» de los fans de La Oreja de presenciar un dueto entre ambas cantantes por fin se hace realidad más o menos, pues la imitación es tan acertada que da hasta miedo. De hecho, la misma Leire la ha aprobado: «Eres un grande y me impresiona, de verdad, lo bien pillado que tienes mi timbre y mi forma de cantar!!! Enhorabuena crack!!», ha escrito.

La imitación de Mario Jefferson de La Oreja de Van Gogh o, mejor dicho, de sus vocalistas, no sorprenderá a los seguidores de los talents españoles: Jefferson ya imitó a Amaia en ‘Tu cara me suena’ en 2015, cuando interpretó ‘Cuídate’.

Coachella, cancelado por primera vez en su historia por el coronavirus

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Coachella anuncia su cancelación debido a la pandemia del coronavirus. El festival había sido previamente pospuesto de abril a octubre, pero como otros tantos este año, ha optado por cancelar. Es la primera vez que Coachella cancela una edición en sus 20 años de historia.

El line-up de este año del famoso festival californiano contaba con tres cabezas de cartel como eran Rage Against the Machine, Travis Scott y Frank Ocean (que presumiblemente presentaba nuevo disco, del que siguen sin haber noticias), así como con la presencia de Lana Del Rey, Lil Uzi Vert, Thom Yorke, Run the Jewels, Calvin Harris, FKA twigs, Charli XCX, Megan Thee Stallion, Caribou, Lil Nas X, Hot Chip, Anitta, Flume, Carly Rae Jepsen, Floating Points, Nilüfer Yanya, girl in red, Fontaines DC o Sleaford Mods, entre muchísimos otros.

La cancelación de Coachella significa que tampoco podremos ver en su escenario a tres nombres españoles que habían sido confirmados en su cartel de manera sorprendente. Cariño, la argentina afincada en Madrid Nathy Peluso, y el DJ barcelonés Paco Osuna eran otros de los artistas programados en esta edición de Coachella que ya no tendrá lugar, si bien es posible que el festival decida clonar -en la medida de lo posible- el cartel de cara al año que viene, como otros festivales han hecho.

Kanye West vetaría todo «documental» que manche el nombre de su héroe, Michael Jackson

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La revista i-D ha publicado una de esas entrevistas en la que dos famosos charlan y se hacen la pelota mutuamente, y la última está protagonizada por Kanye West y Pharrell Williams. Los dos artistas hablan de sus inicios, de la influencia que ambos han ejercido en la música y también de la importancia de mantenernos unidos en tiempos de coronavirus.

En un curioso punto de la conversación, Kanye compara a Pharrell con Michael Jackson por haber «derribado muchas puertas» en el mundo de la música. Esto da pie a Kanye a defender al autor de ‘Thriller’ de la polémica suscitada en torno a su figura tras el estreno del documental ‘Leaving Neverland‘, en el que Wade Robson y James Safesuck, que acusan a Michael de haber abusado sexualmente de ellos cuando eran niños, relatan sus experiencias con el músico. Kanye no menciona el documental explícitamente en la entrevista, pero sí defiende su derecho a admirar a Michael Jackson a pesar de lo que el documental pueda haber dicho. «Tendríamos que tener algo que diga que no podemos permitir que ninguna empresa derribe a nuestros héroes. Ni The Shade Room ni ni ninguna red social, y especialmente ningún documental».

El autor de ‘Jesus is King‘ sabe de primera mano lo que significa la cultura de la cancelación para un artista: muchos de sus seguidores siguen sin dar crédito a su defensa de Donald Trump o a algunos de los disparates que ha soltado en los medios en tiempos recientes, como que la «esclavitud fue una elección». Lo hemos visto recientemente con el accidente de coche a cámara lenta que han sido las declaraciones de Lana Del Rey sobre feminismo y lo seguiremos viendo en el pop hasta que el mundo acabe: las estrellas del pop son personas complejas e imperfectas, los héroes no existen y en ellos solo cree quien quiere.

Hinds / The Prettiest Curse

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Malos tiempos para ser «hater» de Hinds: mientras tantos grupos se hunden tras el hype de sus primeros dos discos, ellas llegan al tercero con novedades y más cosas que decir. ‘The Prettiest Curse’ está recibiendo internacionalmente las mejores críticas de su carrera y, aunque finalmente caerá por el peso del streaming, siempre podrán contar que con él volvieron al top 25 de las «midweeks» británicas. Y lo han conseguido sin ceder a los argumentos habituales de la críticas ni a los lugares comunes de estas, siendo ellas mismas, y a su puta bola.

‘The Prettiest Curse’ ha sido una sorpresa por varias razones. En primer lugar, la ampliación de su paleta sonora. La banda co-liderada por Carlota Cossials y Ana Perrote no se ha codeado con los Strokes por admiración o postureo. Además de tocar con los de Julian Casablancas en Nueva York la pasada Nochevieja, contrataron a Jennifer Decilveo, quien ha trabajado con Albert Hammond Jr, para producir este álbum. Los Strokes siempre han sido un referente para Hinds y tantas otras bandas de rock del siglo XXI, pero habría sido aburrido tratar de ir a la caza del nuevo ‘Last Nite’ si no te ha venido en una tarde cualquiera. La banda madrileña parece haberse mirado más en la evolución de la banda o incluso en algún proyecto paralelo como Little Joy para añadir por un lado un punto decididamente sintético en ‘Good Bad Times’, que suena tan sensual que hasta intuyes por qué ahora se declaran fans de Kali Uchis; o para explorar su vena latina en ‘Come Back and Love Me’. Ajena al reggaetón, género por otro lado citado en ‘Burn’, «Come Back» es igualmente sexy en su aproximación a España o Latinoamérica: «come back and love me / me evitas, me excitas de más / come back to love me / te lo juro que me duele si te vas», cantan en un delicioso Spanglish que nos lleva lo mismo a los Pixies que a Mon Laferte.

Los voladores efectos de producción de ‘Riding Solo’ sugieren un vínculo con Mercury Rev o con alguna otra cosa maquinada por Dave Fridmann, y jamás pensaría que me vendrían a la cabeza el jolgorio, la sensación de fiesta que transmiten The Go! Team, escuchando a Hinds, como sucede en los coros de ‘Boy’, un tema de final catárquico que ni siquiera ha sido uno de los cuatro singles de adelanto. Y lo mejor es que, y aquí llegamos al segundo punto, Hinds no se han dejado mangonear por una producción externa. Pese a la visible evolución, ‘The Prettiest Curse’ es un álbum 100% fiel al estilo de su debut, a través de canciones como ‘Burn’, más en la estela canalla de Black Lips; o ‘Waiting for You’, que presenta un pedazo de estribillo. Esto no es un conjunto de maquetas de Hinds revestidas de toques sintéticos o exóticos, por el mero capricho o la mera impostura de hacer algo diferente, sino un disco del grupo en el que es evidente que el uso creciente del castellano o un mayor uso de los teclados, tenían toda la razón de ser.

En tercer lugar están los textos. La sintaxis en castellano en algún caso es rara, como si hubieran utilizado de traductor a Devendra Banhart pero este hubiera olvidado ya algunas construcciones del español. Pero en general el Spanglish fluye con toda la naturalidad posible en un mundo dominado por el mismo, de Nueva York a Madrid, y desde luego no solo ceñido al reggaetón. Simplemente por la letra de ‘Just Like Kids (Miau)’, todo el álbum merece la pena: una composición en la que las frases entrecomilladas, en inglés, retratan algunas de las críticas que ha recibido la banda, casi todas puro paternalismo y mansplaining. «¿Puedo decirte algo sobre ti y tu banda? Porque estoy seguro de que os encantaría escuchar mi consejo: siempre desafináis y no hay lugar para vosotras», comienza diciendo, antes de lidiar con su pronunciación del inglés, de las erres u osar: «sois demasiado rosas para ser admiradas, y demasiado punk para ser deseadas».

En un disco vigoroso -y para muestra la parte instrumental de ‘The Play’- que decide cerrarse con la balada ‘This Moment Forever’, hay que elogiar también el modo en que han buscado que el todo sea más que la suma de las partes. Siempre han meditado un poco más de lo que parece qué hacer en cada vídeo y de qué manera posar en cada foto, y esta es su obra más ambiciosa en ese sentido. La fotógrafa Ouka Leele ha reflejado en la portada ese tono más colorido que ahora presenta su música y, adaptando a esta gran gloria de los 80 a los nuevos tiempos, existe una versión en su página web en la que se explica qué relación tienen los objetos con cada una de las canciones del álbum.

Calificación: 7,9/10
Lo mejor: ‘Riding Solo’, ‘Good Bad Times’, ‘Come Back and Love Me’, ‘Waiting for You’
Te gustará si te gustan: los últimos Strokes, Black Lips, Little Joy, The Go! Team
Youtube: vídeo de ‘Riding Solo’

Adiós a Rosa María Sardà, de la anti-diva de ‘Ahí te quiero ver’ a «Yo no como entre bebidas»

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Rosa María Sardà ha fallecido hoy jueves a los 78 años a consecuencia de un cáncer. Academia de Cine ha comunicado la noticia. La veterana actriz, que en los últimos años había sido noticia por su activismo político -en 2017 renunciaba a la Cruz de Sant Jordi que le había otorgado la Generalitat en los años 90 por oposición al independentismo-, ganó dos premios Goya por ‘¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo?’ de Manuel Gómez Pereira y ‘Sin vergüenza’ de Joaquín Oristrell. Además, presentó la ceremonia de los premios hasta en tres ocasiones.

El pasado mes de abril, Sardà conversaba con Jordi Évole sobre su enfermedad y dejaba unas declaraciones lapidarias sobre un hermano suyo que había fallecido con sida en los 80. «La gente lo rehuía. Fue horroroso lo que se hizo con los enfermos de sida, fue vergonzoso (…) Yo no soy creyente, gracias a Dios, no creo en Dios, pero yo ya no puedo ir al infierno, porque yo ya he estado allí». La actriz nos había calado hondo desde que en aquella década la viéramos presentar ‘Ahí te quiero ver’, en cuya cabecera improvisaba proyectándose como la anti-diva (gloriosa su muletilla «Honorato, ¿ponemos la tele un rato?»). También fue hilarante aquel momento en que, Azcona mediante, en ‘La niña de tus ojos’ pronunciaba una frase para el recuerdo: «gracias, pero yo no como entre bebidas».

Hermana del presentador Javier Sardà, Rosa María Sardà empezó en el mundo de la actuación en los años 60, época en que interpretó varios papeles de teatro, y en los 70 dio el salto a la televisión en la serie ‘Una vella, coneguda olo’ y en la película ‘El vicario de Olot’. En los 80 apareció en ‘Moros y cristianos’ de Luis García Berlanga, y en los 90 en ‘El efecto mariposa’ de Fernando Colomo, y en ‘La niña de tus ojos’ de Fernando Trueba. También participó en ‘Todo sobre mi madre’ de Pedro Almodóvar, ‘Te doy mis ojos’ de Icíar Bollaín y ‘Ocho apellidos catalanes’ de Emilio Martínez-Lázaro.

El breve instante de paz sin dismorfia sostiene a Perfume Genius en ‘Without You’

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Perfume Genius ha vuelto este año con otro gran disco que sumar a su carrera, un ‘Set My Heart on Fire Immediately‘ en el que el contraste entre la ternura de la voz de Mike Hadreas y la robustez de la instrumentación vuelve a ser el protagonista. Sin embargo, el álbum también incluye canciones tan abiertamente pop como ‘On the Floor‘ o ‘Without You’.

Si la primera hablaba sobre un «crush», y sobre los conflictos emocionales que conlleva enamorarse de alguien inalcanzable, la segunda es más introspectiva todavía. Es una composición abiertamente country, pues Hadreas se reconoce seguidor del género por el modo en que este ha producido canciones llenas de historias duras escritas sin segundas interpretaciones. «(En el country) existe una resignación hacia aceptar que las cosas son una mierda que me atrae», ha declarado el músico. Sin embargo, ‘Without You’ sí admite varias interpretaciones, pues aunque puede entenderse como una simple canción de amor hacia una persona ausente, la canción trata la dismorfia corporal que sufre el músico, un tema, ni cabe decir, nada habitual ni en el country ni realmente en ningún otro estilo.

«Esta canción va sobre la época en que me gustaba lo que veía en el espejo tal y como era, pero fue un momento corto», ha dicho el artista. «No fue un sentimiento duradero. A veces, cuando me miro en el espejo, siento confusión. Es dismorfia. Pero me aferro en aquel breve instante en el que todo tenía sentido, y saber que este está a mano me reconforta. Poder hacer una canción de country sobre dismorfia corporal me parece increíble». ‘Without You’ expresa este sentimiento mediante el empleo de un ritmo trotón y de un mágico teclado que parecen querer capturar ese momento de felicidad efímera, y también de una letra fijada en esos pequeños instantes de realidad. El artista se mira en el espejo y ve una «forma borrosa» en la que a duras penas puede encontrar tu propio rostro. Pero «es suficiente», «desconocido» y «casi bueno».

Nia gana un Operación Triunfo 2020 con máxima igualdad en bajo nivel de carisma

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La que probablemente ha sido la edición más anómala (sin que haya faltado la polémica) de la historia de Operación Triunfo, toca esta noche a su fin. Anaju, Eva, Flavio, Hugo y Nia son los finalistas que optan a ganar el premio de 100.000 euros y quién sabe qué contrato y con quién, habida cuenta de que en la edición 2020, por primera vez, ninguno de los concursantes del talent-show tienen asegurada su carrera y se abre a subasta su contratación. Aunque los cinco candidatos tienen propuestas, la verdad es que las circunstancias de la industria se antojan de lo más inciertas y ninguno ha mostrado un carisma rotundo.

Pero alguien tiene que ganar, en una proto-gala –lo del público virtual sigue siendo raruno– que comenzaba de forma muy dinámica, con un vídeo introductorio que daba paso a las primeras actuaciones, todas seguiditas, de los finalistas. Cantaban las canciones que interpretaron en la gala inaugural de la edición en modo medley… y realmente no hemos podido apreciar un salto destacable en ninguno de ellos. Ni siquiera en Nia, que estuvo tan bien como el primer día con ‘I Like It’. Parecía que el programa iría a todo pasto… y no, pronto empezó el relleno con vídeos de escaso interés, con especial mención a una especie de promos bancarias con charlas supuestamente profundas, pero llenas de topicazos en realidad. También amenizó (es un decir) la noche el tema que han compuesto todos en común, ‘Sal de mí‘, que cantaron todos los concursantes a coro. Y, ya que estaban, se quedaron como figurantes, dando juego a Roberto Leal, eso sí.

Y, obvio, cantaron los presumibles ganadores de esta edición. Comenzó Anaju, que fue muy valiente escogiendo ‘7 Rings’ de Ariana Grande. Es de admirar su apertura de miras, habiendo cantado por C. Tangana, María José Llergo y ahora la diva pop en los últimos tres programas, pero lo cierto es que en los primeros compases se vio que no era una canción para lucirse vocalmente. Pero sí como artista de una manera más global, mostrando presencia y yendo de menos a más, culminando muy arriba y abriendo las piernas en un plano frontal muy poderoso. Eva en cambio fue más hábil, y escogió una ‘People Help The People’ de Birdy más apta para lucirse. Y lo aprovechó: estuvo particularmente bien, aunque sin grandes alardes de emoción. Con una canción tirando a random, era complicado ir más allá.

Flavio fue de los que mostró una mayor evolución desde el inicio del programa, básicamente porque se mostró más vivo y enérgico que nunca antes en el concurso con ‘Death Of a Bachelor’ de Panic! At The Disco. Lo cual no era muy difícil, porque pese a su bonita y singular voz, había venido mostrando una languidez muy cansina. Por suerte, sus 19 años hacen pensar que, si tiene personalidad como intérprete como artista, tiene tiempo de sobra para formarla y crecer. El simpaticón (léase con todo el retintín del mundo) de Hugo, en cambio, acapara todo el desparpajo y el morro que le falta al murciano. Eso le ha hecho crecer como posible ganador. Defendió ‘Radioactive’ de Imagine Dragons con solvencia, mostrando que se desenvuelve con cualquier palo. Si da con el adecuado una vez salga de la academia, puede que le vaya bien. Si no, puede seguir mirando en las tapas de los yogures, a ver qué pasa.

Y Nia ha cerrado por fin la ronda de actuaciones. Desde el primer minuto del programa ha mostrado un poderío en todas las lides muy por encima de todos sus compañeros, y lo ha sostenido muy bien. Tiene un don para el pop, capaz de cantar y bailar simultáneamente con una soltura digna de una profesional. Y sin embargo, ella (o alguien a su alrededor) está empeñada en hacer boleros, ritmos latinos… o baladas como ‘Say Something’. De los cinco finalistas, la canaria fue la que sacó menos partido a sus cualidades (quizá por todas las que tiene) con este insulsísimo tema de A Great Big World y Christina Aguilera. Y puede haberle costado el triunfo.

Tras una actuación en directo de La Oreja de Van Gogh interpretando su último single, ‘Abrázame’, y adelantando que el álbum que la incluye saldrá en septiembre (antes Famous, ganador de la edición 2018, estrenó nuevo single), se han cerrado las líneas para dar a conocer los dos concursantes menos votados y que, por tanto, quedan sin opción de ganar el concurso. Hugo, con un 13% de los votos, ha sido el primero en escuchar su nombre, y Anaju, con un 16% de apoyos, la segunda, siendo por tanto quinto y cuarta en esta edición.

Y a partir de este momento, llega ese absurdo momento de OT en el que el ritmo televisivo se torna agonía, con vídeos y rellenos insufribles. Entre ellos, los tres «superfinalistas» (?) han tenido la oportunidad de volver a cantar otra canción, los singles en solitario compuestos por ellos que cada uno ha sacado en estos meses. Eva sacaba partido a su faceta interpretativa con ‘Dumb’, que por lo visto la ha inspirado el Jim Carrey de ‘La Máscara’; Flavio cantó esa ‘Calma’ que le ha producido Nacho Mañó de Presuntos Implicados de una manera demasiado ortodoxa (que alguien le presente a Vic Mirallas, por favor); y Nia, con la que la dirección echó el resto en cuanto a realización y producción (está claro que en Gestmusic apostaban por ella), aprovechó la plataforma para hacer que su pobre single salsero ‘Ocho maravillas’ pareciera algo más de lo que es gracias a una (otra) fantástica interpretación.

La suerte estaba echada, y la gala, como dijo el propio Iván Labanda desde la academia, estaba siendo larguísima… y más que iba a ser, porque quedaba la despedida de Roberto Leal –oficiada por Samantha con bastante soltura– los alegatos finales y un repaso a las actuaciones de los tres últimos participantes, que despertaron (por increíble que pareciera casi a la una y media de la mañana) unas ganas difíciles de contener de tirar el televisor por la ventana o, como poco, apagarlo. Pero, llegados a ese punto, había que aguantar. Un poco por asistir al show en el que Lola Indigo ha hecho un medley de ‘Mala cara‘, su nuevo single, y ‘4 besos’, cuyo disco de platino le entregaba Roberto Leal. Pero sobre todo por ver de una vez cómo acababa este concurso del demonio: Nia (con un 45% de los votos) se confirmaba como la esperada y esperable ganadora de Operación Triunfo 2020 por delante de Flavio (32% de votos) y Eva (tercera clasificada con un 23% de los votos). ¿Habemus estrella del futuro u otro cesto?

Iggy Azalea revela que ha sido madre de un niño

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Iggy Azalea es noticia después de revelar que ha sido madre de un niño, y no de un autómata con nombre de cohete espacial. La buena nueva ha sorprendido a sus seguidores porque la rapera no había revelado previamente su embarazo. Katy Perry, si no nos fallan las cuentas, es la siguiente irresponsable.

La autora de ‘In My Defense‘ ha comunicado la noticia en un escueto mensaje publicado en sus stories de Instagram. «Tengo un hijo», ha anunciado. «He estado esperando el momento adecuado para decir algo pero parece que, cuando más tiempo pasa, más me doy cuenta de que siempre voy a sentir ansiedad por compartir estas gigantescas noticias con el mundo. Quiero mantener su privacidad pero también dejar claro que él no es un secreto y que le amo más allá de lo que las palabras puedan expresar».

El padre del hijo de Iggy Azalea no es otro que Playboi Carti, un conocido rapero estadounidense de 24 años que ha triunfado masivamente en las plataformas de streaming con éxitos como ‘Magnolia’, ‘wokeuplikethis*’ o ‘Shoota’ con Lil Uzi Vert. Además, su álbum de 2018 ‘Die Lit’ recibió muy buenas críticas por parte de la crítica especializada. Por su parte, Iggy Azalea «parió» el año pasado el EP ‘Wicked Lips‘ y actualmente se encuentra trabajando en su próximo trabajo, que será más «experimental». Si se parece un poco a ‘Kream’, va a molar.

Amaral, Bunbury, Luz Casal, Alfred… y Loquillo a su manera despiden a Pau Donés

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La muerte de Pau Donés de Jarabe de Palo a los 53 años, a consecuencia del cáncer que padecía y que le fue diagnosticado en agosto de 2015, ha conmocionado al mundo de la música. Tras conocerse la noticia, colegas y seguidores del músico se han volcado en las redes sociales para despedirle.

Entre los mensajes más bonitos dejados en redes para despedir a Donés se encuentra el de Amaral, que han recordado la época en que telonearon a Jarabe de Palo: «Conocimos a Pau Donés al poco tiempo de llegar a Madrid y compartimos escenario una divertida noche en Libertad 8. La generosidad de Pau hizo que volviéramos a compartir escenario muchas veces más como teloneros de Jarabe de Palo. Nadie nos conocía, así que Pau salía a presentarnos para que la gente nos recibiera con más cariño. ¡Y vaya si lo hacían!» Por su parte, Bunbury ha recordado las veces que se reencontró con Pau Donés en otros lugares del mundo y ha revelado que le dejó prestado a su amigo el bajo con el que ha grabado todas las maquetas de ‘Tragas o escupes’, el último trabajo de Jarabe de Palo.

También Luz Casal, que ha compartido un precioso mensaje dirigido directamente a Donés («supe, cuando hablamos por teléfono, que te estabas despidiendo de mí»), o Alfred García, que era amigo del músico, entre otras personalidades del mundo de la música como Alejandro Sanz, Pablo Alborán o Rozalén, han lamentado la muerte del músico en las redes. También Loquillo lo ha hecho, aunque a su manera y ganándose algunas críticas por su egocentrismo: «Recuerdo la primera vez que conocí a Pau Donés. Guardaba un autógrafo mío que le había firmado yo cuando aún no se dedicaba a la música» han sido sus palabras.

Nicki Minaj y 6ix9ine vuelven a provocar anunciando single conjunto, ‘TROLLZ’

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Nicki Minaj, que este año ha triunfado masivamente (en América Latina y España sobre todo) con ‘Tusa’ con Karol G, y que acaba de conseguir su primer single número 1 en Estados Unidos gracias al remix de ‘Say So’ de Doja Cat, anuncia nuevo single junto al polémico rapero 6ix9ine, quien también acaba de arrasar con su primer single publicado después de salir de prisión.

La unión entre Nicki Minaj y Takeshi no es nueva, ya que ambos triunfaron hace un par de años con su tema ‘FEFE’, que suma 570 millones de reproducciones en Spotify. El tema que junta a los dos artistas en 2020 se llama ‘TROLLZ’ y podrá escucharse a partir de este jueves, cuando también se estrenará su videoclip. En las fotos promocionales priman por supuesto los colores chillones, que fascinan a los dos artistas, aunque lo que más ha llamado la atención de ellas es la tobillera de vigilancia que 6ix9ine presume abiertamente en una de sus piernas.

Parte de los beneficios de ‘TROLLZ’ serán donados a The Bail Project, organización que ayuda a presos con bajos recursos económicos a salir de prisión. A los seguidores de Nicki no se les ha escapado la ironía que la rapera busque apoyar el movimiento Black Lives Matter con un single en el que participa una persona que ha sido condenada por haber abusado sexualmente de una menor, pero ya se sabe que donde va la corriente de opinión, Nicki Minaj toma el camino contrario.

Por qué el término «música urbana» se ha pasado de moda

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La organización de los Grammy ha anunciado cambios en la denominación de algunas de sus categorías de nominaciones con el propósito de adaptarse a los nuevos tiempos y de mejorar su imagen de cara a las nuevas generaciones (esto segundo lo decimos nosotros). El más destacable es que la categoría de «Mejor álbum de urban contemporáneo» pasa a llamarse «Mejor álbum de R&B progresivo». La decisión de los Grammy llega un día después que el sello Republic Records declarara su propósito de dejar de usar el término «urbano» para describir a artistas o géneros, al considerarlo racista y anticuado.

El término de música urbana fue acuñado en los años 70 por un DJ de Nueva York que buscaba aglomerar en una sola categoría todos los estilos de la denominada «música negra» contemporánea, como el hip-hop o el nuevo R&B. A día de hoy es un término que incomoda a muchos artistas por promover estereotipos hacia las personas negras relacionados con su estatus social o su educación frente a los de las personas blancas. «Urbano» significa procedente «de la ciudad», de la calle, e históricamente ha sido sinónimo de música que ha solido estar asociada a la población negra, como el hip-hop o el trap, y actualmente de música hecha por personas latinas como el reggaetón, otro género venido del underground. Pero incluso estas subcategorías están racializadas: memorables fueron aquellas declaraciones de FKA twigs en las que atacaba a los medios por hablar de su música en términos de «R&B alternativo» solo por ser negra, cuando ella no se considera una artista de R&B en absoluto. Y el mismo Tyler, the Creator no se cortaba un pelo en denunciar el racismo inherente en el término «música urbana» al mismo tiempo que recogía un premio por esta categoría, frente a un montón de periodistas.

El supuesto género «urbano» admite música que fusiona todos estos estilos (el R&B contemporáneo ya es una fusión de este género con el hip-hop, el trap u otros estilos electrónicos), pero no comunica nada sobre el contenido de la música en sí mismo. Muchos artistas de pop electrónico o de rock también viven en las grandes ciudades y no por ello se dice que hacen pop urbano o rock urbano. Hoy en día el hip-hop no ha de estar asociado al «street cred», ni el R&B al blues clásico, ni ninguno de estos estilos a las personas negras sin más: Chance the Rapper ha triunfado con sus «mixtapes» hechas en su casa, Jessie Ware ha llevado el R&B a nuevos lugares y es blanca, y Kanye West grabó su disco ‘ye‘ en su rancho de Wyoming sin que a nadie se le ocurriera decir que es un disco de «hip-hop rural». Si ya las etiquetas son un caos, hablar de música empleando términos geográficos es simplemente inútil. ¿Acaso se dice que Post Malone hace pop y Rihanna simplemente música urbana? ¿O que Ed Sheeran hace pop blanco solo por ser blanco? Bueno, se compara su música con el pan blanco por ser blanda y sosa, pero ese es otro tema.

El término de música urbana es racista hasta el punto que es mucho más probable que Kelly Clarkson reciba una nominación en una categoría de pop que Beyoncé, por mucho que la segunda venda más y la primera haya sacado discos de música soul o experimentado con el hip-hop. La mayoría de artistas ganadores en la categoría de «Mejor álbum de pop vocal» son blancos y la mayoría de artistas ganadores en la categoría de «Mejor álbum de urban contemporáneo» son negros, cuando por ejemplo un disco ganador de la primera categoría, ‘Sweetener‘ de Ariana Grande, por estilo encajaría más en el segundo. Otro tema es la categoría de Álbum del año en los Grammys: la que se armó cuando Adele supuestamente le «arrebató» este Grammy a Beyoncé fue buena, la misma Adele salió a recoger el premio avergonzada, pero con las cifras de ventas sobre la mesa, nadie puede discutir esta decisión. En todo caso habría que sentarse a averiguar qué factores impiden a Beyoncé vender la misma cantidad de discos que Adele con un álbum que habla sobre racismo y que ha sido mejor valorado por la critica que el de la británica.

Cuando antaño se hablaba de músicas del mundo o de música exótica para describir la existencia de música popular (no culta o religiosa) que no era típicamente occidental, es decir, que estaba hecha por «otros» que no éramos nosotros, los blancos, como si Asia no cubriera el 60% de la población de todo el mundo; se reincidía en el mismo error de analizar la música popular desde una perspectiva blanca y anglocentrista, y con la música urbana pasa lo mismo: con esta categoría, toda música hecha por personas blancas pasa a ser pop, y toda música hecha por personas no blancas pasa a ser urbana. Es una categoría racista desde su fundamento que nos impide hacernos ver más allá del origen geográfico de los artistas, como si eso fuera relevante en absoluto a la hora de analizar ciertas músicas. Pero si hay un artista popular hoy en día es Bad Bunny. ¿Y quién merece más a día de hoy una nominación a Mejor álbum de pop vocal, Lewis Capaldi o el conejo malo? Al final las etiquetas son lenguaje y el lenguaje, por su propia naturaleza, muta con el sentir del pueblo.

Sonic Boom / All Things Being Equal

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30 años, 30 (31, en realidad), han tenido que transcurrir para que Pete Kember, más conocido en el mundo de la música como Sonic Boom, haya dado continuidad al primer y único disco bajo ese alias (llamado ‘Spectrum’, otro sobrenombre que alternó después con el del proyecto Experimental Audio Research, cada uno con su enfoque) del que fuera miembro de los cruciales Spacemen 3. Un disco que resultó tremendamente influyente para artistas que, años más tarde, tuvieron la ocasión de grabar con el británico, como MGMT, Beach House, Triángulo de Amor Bizarro o Panda Bear. Precisamente Noah Lennox tiene mucha «culpa» de que hoy estemos escuchando este ‘All Things Being Equal’: si bien Tim Gane de Stereolab había insistido a Kember en editar las versiones primigenias, instrumentales, de estas canciones, su bio explica cómo el miembro de Animal Collective (que vive en Lisboa) le inspiró para abandonar Rugby y mudarse a un paraje perdido cerca de Sintra, Portugal, donde vive entre vegetación y cultivando su propio huerto. Allí, explica Pete, conectó lo bastante con la Naturaleza como para inspirar una singular filosofía que ahora da otro sentido a su vida y a su música.

A lo largo de ‘All Things Being Equal’, Sonic Boom plantea una curiosa visión del ecologismo: la Naturaleza como un elemento ajeno al tiempo y con potencial mágico, la vegetación como auténtica fuente de la vida y eco de esta tras la muerte y su resiliencia como ejemplo para desarrollar la capacidad de la (y aquí viene la parte medio magufa) «autocuración». ‘Just Imagine‘, magnética overtura del disco, se inspira, efectivamente, en una historia que leyó sobre un chico que curó su cáncer soñando que era una una nube y que liberaba su enfermedad con cada descarga de lluvia.

Si bien las declaraciones de Kember le retratan como un hombre místico y algo desconectado de la realidad más común, queremos entender que esa narración es ficticia y poética, como buena parte de las imágenes no demasiado rebuscadas que emplea en ‘All Things Being Equal’: ideas sobre un hombre que desea ser enterrado junto a un árbol para que le invadan sus raíces y en el futuro formar parte de algo que pueda ver todo el mundo (‘Just a Little Piece of Me’, con coros del propio Lennox); los efectos que puede tener en nuestro bienestar relacionarnos de una forma saludable con el medio ambiente (‘Things Like This (A Little Bit Deeper)‘) y con los demás (‘The Way That You Live‘); sueños sobre las leyes de la física retorciéndose que, cree él, podrían ser vaticinios de nuevos campos de conocimiento (‘My Echo, My Shadow and Me’, ‘I Can See Liight Bend’); e incluso, de manera nada disparatada, cómo el mal trato que inflige el Hombre al medio ambiente podría llegar a generar en el futuro nuevas especies, en lugar de, simplemente, muerte y destrucción. (‘I Feel a Change Coming On’).

Damos a sus textos importancia porque, primero, de no ser por ellos ni siquiera podemos saber si este disco hubiera llegado a ver la luz; y segundo, porque son lo bastante atípicos y personales como para escapar las convenciones. Algo que refuerza su figura como una clave en el underground de las últimas tres décadas, lo que viene apuntalado por el envoltorio musical. La fascinación por el drone, los mantras y la electrónica analógica ya figuraban en el ADN del grupo que compartía con Jason Pierce (y, de hecho, la conexión musical con Spiritualized, salvando las diferencias estéticas, es evidente), y se erigen en la esencia sonora de este trabajo.

El universo que Kember construye interactuando con sintetizadores que, según él, reaccionan y «piensan» casi como si fueran IAs (los aparatos figuran especificados en los créditos como si de músicos humanos se trataran) es del todo fascinante. Sobre todo cuando consigue introducirnos en esas marañas sonoras de las que parece imposible escapar y que, en sus mejores momentos, ni siquiera desearíamos abandonar nunca. Con la cadencia de la banda sonora de un plano astral ajeno a la realidad, el álbum resulta enormemente seductor si uno tiene el tiempo de abandonarse y no pensar en nada más. Es placentero en su faceta más amable, que además del brillante trío inicial incluye ‘Tawkin Tekno‘ y ‘On a Summer’s Day’, homenajes a los primeros maestros de la electrónica vocal –Kraftwerk, Silver Apples, Delia Derbyshire, Suicide– y Beach Boys. Pero es igualmente fascinante en sus momentos menos complacientes. No tanto en los momentos de spoken-word (hipnóticos, pero que se hacen un poco de bola), como en el tándem que cierra el disco magníficamente: la asfixiante ‘I Can See Light Bend’ seguida de los ocho minutos, obnubilados, rítmicos (con Britta Phillips al bajo eléctrico) y crepitantes, casi humanos, de ‘I Feel a Change Coming On’, incitando al trance hasta el trueno final. El ageism, la tiranía de las modas y otros factores incontrolables quizá impedirán que ‘All Things Being Equal’ influya en tantos artistas del futuro, pero sí es suficientemente aclaratorio de cuán importante y vigente es la figura de Sonic Boom.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘Just Imagine’, ‘Things Like This (A Little Bit Deeper)’, ‘The Way That You Live’, ‘Just a Little Piece of Me’, ‘I Feel a Change Coming On’
Te gustará si te gustan: Panda Bear, Spiritualized, Silver Apples, Kraftwerk y Beach Boys.
Youtube: vídeo de ‘Just Imagine’