El «sé que voy a morir pero quiéreme mientras viva» de Fiona Apple en ‘I Want You To Love Me’

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24 abril, 2020

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Hoy Maluma publica una canción muy especial, una balada sentida pues no tenía ganas de perrear debido a la covid-19. ‘ADMV’, acrónimo de «amor de mi vida», se presenta con un texto escrito -o dictado- por Maluma: «Es una canción que es muy especial para mí, esto es algo que me sale desde el corazón, me recuerda el motivo por el cual comencé mi carrera y me pone a pensar mucho sobre qué va a pasar en el futuro -si nos vamos a tomar el tiempo de amar al otro, abrazar al otro-. Hoy la entrego para que la puedan dedicar a todos los seres que amamos antes de que se nos vayan».

Cuenta Sony que el vídeo iba a ser grabado en Grecia en medio del «Maluma Word Tour», pero que «debido a la pandemia mundial se cambió de lugar y terminó en Miami, donde se grabó completamente en el pasado mes de marzo». La historia que vemos es la de amor entre un Maluma y una novia envejecidos, en lo que puede ser visto como un homenaje a la mayor población de riesgo durante esta pandemia.

El problema es que a alguien se le fue la mano durante las 5 horas de maquillaje que fueron requeridas, y es imposible atender a cualquier tipo de trama, porque el exceso de caracterización roba prácticamente todos los planos. Como la dentadura de Freddie Mercury en ‘Bohemian Rhapsody‘ o la calva postiza de Johnny Depp en ‘Black Mass‘. Cuánto daño puede llegar a hacer Hollywood…

Me gusta la nueva canción de Maluma, pero la caracterización de anciano es muy traumática, parece un moñeco. 🤣

— Princesa Papaya (@nereafontao) April 23, 2020

Cuando pensábamos que Verde podía ser el peor video del año, Maluma sale disfrazado como el viejito de JackAss https://t.co/9ZtAw7kTyK

— Random (@CareRandom) April 23, 2020

Que bonita la canción pero me da cringe Maluma de viejito

— La morra de los signos 🔮 (@vazpa_) April 24, 2020

Maluma con maquillaje de viejito es una de las cosas más traumatizantes que he visto.

— Antonio Campos. (@ALifeOfTony) April 23, 2020

¿Qué hace Madonna en los créditos de ‘Mamacita’, el último hit de Black Eyed Peas?

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24 abril, 2020

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Aunque cueste creerlo, Black Eyed Peas se han reinventado como adalides de lo latino y después de su pelotazo ‘RITMO’ con J Balvin, camino a los 500 millones de reproducciones en Spotify, se han sacado de la manga una canción llamada ‘Mamacita’. Ahora la idea ha sido contar con otro de los reyes del streaming a nivel mundial, Ozuna, y también con la cantante J. Rey Soul.

Algunos usuarios estaban apuntando en las redes sociales que les daban ganas de cantar ‘La Isla Bonita’, el gran éxito latino de Madonna, por encima de esta canción. Black Eyed Peas no son tontos y esta es, ni más ni menos, la canción de la artista preferida por el algoritmo de Youtube: todos los días suma 350.000 views treinta y cuatro años después de su edición.

Lo cierto es que Madonna y su co-autor de confianza de la época Patrick Leonard aparecen acreditados oficialmente, además de la ex de Patrick, Susan (se quedó la mitad de su música tras su divorcio), y Bruce Gaitsch, quien podría haber hecho parte de la base original, rechazada por Michael Jackson, y tocó el mítico solo de guitarra del tema. Más que por un sample que parece que no acaba de llegar, pues ‘Mamacita’ parece samplear más bien algo sampleado a su vez por Drake circa ‘One Dance’, el tema parece «contener elementos» de ‘La Isla Bonita’. Más de una vez parece que va a sonar aquello de «last night I dreamt of San Pedro» o «tropical the island breeze», sobre todo cuando J. Rey Soul abre la boca.

Aunque no existe información al respecto, parece que ante un parecido más que razonable, se ha optado por acreditar a Madonna y Leonard, al modo en que TLC terminaron acreditadas en ‘Shape of You’ de Ed Sheeran demasiado tarde y Dido en ‘Never Ending’ de Rihanna desde el principio. Como quiera que sea, ‘Mamacita’ ha logrado en poco más de 1 semana más reproducciones en Youtube que ‘Medellín’ en 1 año, por mucho que esta última sonara infinitamente más avanzada.

Fiona Apple / ‘When the Pawn…’

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24 abril, 2020

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Si no estás entendiendo la unanimidad de la crítica ante ‘Fetch the Bolt Cutters‘, si jamás entendiste el éxito en Estados Unidos de ‘Tidal’, si realmente es que no sabes muy bien quién es Fiona Apple, es su segundo álbum el lugar por el que empezar. De alguna manera, las reseñas excelentes de sus dos últimos discos implican entender quién es Fiona y esa es una pregunta que se responde sobre todo en este álbum a pesar de que su larguísimo título, que por un tiempo estuvo en el Libro Guinness de los Records por su longevidad, pueda tirar para atrás.

El álbum se llama ‘When the pawn hits the conflicts he thinks like a king
What he knows throws the blows when he goes to the fight
And he’ll win the whole thing ‘fore he enters the ring
There’s no body to batter when your mind is your might
So when you go solo, you hold your own hand
And remember that depth is the greatest of heights
And if you know where you stand, then you know where to land
And if you fall it won’t matter, cause you’ll know that you’re right’ y en este artículo repasamos las razones por las que es el mejor vehículo para llevarte al mundo Fiona Apple.

Yendo al grano, ‘When the Pawn…’ contiene la canción más pop de la artista. El primer single ‘Fast As You Can‘, con sus cambios de ritmo, sus extraños acordes, su destartalada percusión y su ritmo sincopado, impresionaba desde su primera aparición en MTV. Se trata de una composición ambigua en la que la «bestia» a la que se dirige en la primera frase puede ser o bien un amante problemático o bien sus propios problemas mentales. Una de las frases es «crees que sabes cuán loca estoy» y el estribillo propone: «tan rápido como puedas, corre, libérate de mí», sin esclarecer si ella misma es un peligro para los demás, se dirige a su yo interior o todas las anteriores son correctas.

La misma ambigüedad consiente el uso de la palabra «drogas»: «seré tu chica, si dices que es un don, y me das más de tus drogas», lo cual puede referirse a las ilegales o a las prescritas médicamente. Lo seguro es que no estamos ante la misma Fiona de ‘Tidal’. El tempo tan alto de la canción -en su parte más agitada, mayoritaria- expresa exactamente la inquietud de la que habla. A su vez es un aciertazo que la canción esté dominada por dos acordes tan extraños, casi disonantes, que se relajan cuando se acerca el estribillo: refuerzan la teoría de que Apple está conversando con su propia paranoia, pensando un segundo de una manera, y al siguiente de otra completamente diferente.

La elección del resto de sencillos, ‘Limp‘ y el famoso ‘Paper Bag’ (todos con vídeo dirigido por su novio en la época, Paul Thomas Anderson) se adivina más complicada, al menos porque en cuanto a inmediatez, tuvieron que competir con canciones como ‘On the Bound’ -con estribillo como recién salido de una banda sonora de ‘James Bond’-, la rockera ‘To Your Love’ y ‘A Mistake’, una canción en la que las guitarras eléctricas saludan en la intro y se desmelenan al cierre. Ninguna de ellas apuesta ya por la vena jazzy de ‘Tidal’, apenas superviviente en ‘Love Ridden’: esta Fiona es mucho más aventurera en lo musical y libre en lo lírico. La primera frase de ‘To Your Love’ es «aquí va otro discurso que te gustaría que me tragara». La de ‘A Mistake’, «voy a cometer un error y voy a hacerlo aposta», solo para advertir «voy a joderla otra vez» o repetir hasta la autoparodia «¿pero por qué no puedo cometer un error?».

La producción de ‘When the Pawn…’, a cargo de Jon Brion y con varias decisiones artísticas de Fiona Apple atribuidas a Jon Brion, es algo esclava de ese gusto de finales de los 90 por acercarse a la electrónica. En 1999 hace rato que los sintetizadores han tomado las carreras de Radiohead, U2 o The Cardigans, y se nota en cómo ciertos efectos asaltan ‘Limp’ o entran y salen de ‘A Mistake’. Entre juegos de palabras, trucos instrumentales y los falsos finales de varias pistas, el álbum resulta coqueto y travieso, lo que no impide que se cierre, como muchos álbumes de los 90, con una enorme canción de amor.

Aun así, ‘I Know’ no representa un «día perfecto» como el de Lou Reed, pues se inspira en las dudas al inicio de una relación en la que se interpone una tercera persona. Elvis Costello terminará por versionar esta composición en la que Fiona quiere demostrar que sabe callar por amor, si bien reservándose la última palabra: «fingiré que no sé de tus pecados / hasta que estés listo para confesarlos / pero durante todo ese tiempo… los sabré».

El poema que da nombre al álbum, inspirado por unas cartas de los lectores a Spin con críticas a Fiona que le sentaron como una patada en el culo, nos habla de un «peón» que vence «un conflicto» cuando se comporta «como un rey». Deja dentro del mismo un par de frases tan relevantes como «no existe nadie a quien derribar cuando tu mente es tu fortaleza» o la final «si pierdes tampoco importa, porque sabrás que tienes razón». No es la forma más manida de autoayuda que puede venir a la mente, ¿verdad? La Fiona de ‘When the Pawn…’ es aguda en lo musical y también con la palabra, titulando con cosas como «Limp» (es «cojear», pero también «flácido», «pusilánime») y ‘On the Bound’ («on the rebound» significa «despechado»), afirmando que se siente «llena como una garrapata» cuando se pega un atracón de hacer el mal (‘A Mistake’) o sintiéndose tan fuerte «que sus dedos se convierten en puños». Aquí hay humor, no solo empoderamiento, y solo hay sarcasmo en ese paralelismo de ‘Paper Bag’ que confunde a un bello «pájaro» con una «bolsa de papel», y después a un «hombre» de verdad con un «crío».

‘Fetch the Bolt Cutters‘ es nuestro Disco de la Semana.

Califcación: 8,8/10
Lo mejor: ‘Fast As You Can’, ‘A Mistake’, ‘Limp’, ‘I Know’, ‘Paper Bag’
Te gustará si te gusta: Radiohead, PJ Harvey, Björk
Youtube: vídeo de ‘Fast As You Can’

No solo rock vasco: Belako apoyan la diversidad de su escena local

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24 abril, 2020

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Las siempre inquietas Belako vuelven este año con un nuevo disco que se llama ‘Plastic Drama’ y va a ser su álbum «más reivindicativo». Salía el 8 de mayo, aunque acaban de comunicar que queda pospuesto hasta que pueda distribuido adecuadamente. Ya han presentado hasta 5 singles, como son ‘Tie Me Up’, ‘The Craft’, ‘marinela2017’, ‘Truce’ -atención a los autocoros tipo años 40 del final- y esta misma semana una ‘All Nerve’ que, sí, hace honor a su nombre.

Al mismo tiempo, han participado de una nueva iniciativa de TIDAL en la que varios artistas realizan playlists en apoyo de su propia escena local. Por ejemplo, Paula Cendejas ha realizado una lista muy actual en la que incluye a Sen Senra, el tema de Recycled J y Selecta, un par de Cupido, un par propios con Alizzz y otros descubrimientos; y también han participado en la iniciativa Eva Ruiz y Albany. Es especialmente interesante la selección de Belako, por lo desconocida que es la escena vasca para el resto del país.

La idea es descubrir nuevos talentos sean del género que sean, en la estela de otras playlists editoriales sobre escena local y underground de la plataforma de streaming como Spanish Beats o La Escena, y Belako han cumplido a lo grande. Entre nombres ya conocidos de la escena vasca como Willis Drummond o NIÑA COYOTE eta CHICO TORNADO, aparecen Vulk; el trío de Vizcaya Lukiek, que publicaba su debut a finales del año pasado; la melódica canción de Sua, a quien quizá conozcas por haber ganado recientemente el concurso de Bilbao BBK Live; los donostiarras Madeleine, entre el indie pop y el rock en ’Hura’; o sus paisanos de Grande Days (tipo slowcore y rock experimental, en principio presentes en Mad Cool 2020).

La sorpresa viene cuando Belako se alejan de su propio sonido fiero para mostrarnos que también escuchan otras cosas y que diferentes estilos se están desarrollando obviamente en el País Vasco. Su propia música es más versátil de lo que parece pero quizá no los hacías escuchando a la cantautora bilbaína Maren o a Sara Zozaya, que huye del bedroom pop más rudimentario para revestir sus canciones de una deliciosa mezcla de piano y electrónica. En esa línea más inesperada, la playlist se completa con Serrulla, en ‘Bonds’ entre la radiofórmula pop-rock ochentera y el elegante revival de la misma perpetrado por gente como Destroyer y The War on Drugs.

Becky G es mecánica de corazón en el vídeo de la festiva ‘MUCHACHA’ con Gente de Zona

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24 abril, 2020

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Becky G sigue alternando su lado R&B con su lado latino, baladas como ‘They Ain’t Ready’ con los ritmos de reggaetón de ‘Perdiendo la cabeza’, y sobre todo sigue con su carrera al margen de ‘Mala Santa‘, su primer disco largo, que veía la luz el año pasado con el reclamo de incluir los tres mayores macrohits de su carrera, ‘Sin pijama’ con Natti Natasha, ‘Mayores’ con Bad Bunny y ‘Cuando te besé’ con Paulo Londra.

La novedad que presenta Becky G hoy pertenece a su lado latino, y es un single compartido con el dúo cubano de salsa y reggaetón Gente de Zona que suena de hecho totalmente cubano. ‘MUCHACHA’ recibe su nombre de un patrón rítmico cubano («mu-cha-cha») y es un tema bailable y festivo desde el segundo cero que suena incluso más feliz que aquella infravalorada colaboración de Gente de Zona y Kylie Minogue incluida en el último disco de la segunda, y que de hecho también fue single.

‘MUCHACHA’ nos deja rimas de Becky G marca de la casa como «azúcar morena pa’ ti / con las curvitas que me dio mami» o «quieres esta boca magnética / pa’ que ponga en duda tu ética», y un videoclip que actualiza la historia de ‘Cenicienta’ para transformar a «Becky from the Block» en una mecánica profesional que no cambiaría su profesión ni por la mejor fiesta del barrio.

Confeti de Odio / Tragedia Española

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La primera canción de ‘Tragedia Española’, el primer disco largo de Confeti de Odio, habla de una «epidemia universal», profetiza que «morirán todos los americanos» y que «no habrá nada en televisión» y declara que «hay sold-out en el hospital». Escuchada en plena pandemia, ‘Todo muere’ plantea una de esas coincidencias escalofriantes capaces de producir un ataque de risa… que puede convertirse en llanto en cualquier momento. Reír por no llorar. Toda la filosofía de Confeti de Odio resumida en una expresión.

Desde su mismo título, ‘Tragedia Española’ plantea un escenario de desolación absoluta ante el hostil mundo que rodea a su autor, y los títulos de las mismas canciones incluyen palabras como «ansiedad», «guillotinas» u «hospital», cuando no imaginan directamente el «funeral» propio. Sin embargo, y como ya sucedía en ‘Llorar de fiesta‘ o en singles recientes de Lucas de Laiglesia como ‘Si me quiero’ (posiblemente su mejor canción), la desgracia siempre va ligada al humor en su imaginario. Solo con humor, ironía y con mucha conciencia propia puede elevarse un drama personal a la categoría de «tragedia española». Cuando en ‘Todo muere’ el artista va tan lejos de adivinar que padecerá «cáncer, sida y depresión», todo a la vez, uno no sabe si ofenderse o soltar una carcajada. Y en ‘Ansiedad (has vuelto a mí)‘ la reprenda a uno mismo es tal que Lucas se supera cantando «salgo por la noche medio arreglado, en el cuerpo raro que me ha tocado» antes de concluir patéticamente: “y el problema aquí soy yo, que no tengo solución, ¿dónde me devuelvo?, mándame la ubicación”.

Las historias de desconsuelo de Confeti de Odio suenan en ‘Tragedia Española’ decididas a la afición del artista por el noise-pop de los años 90, como demuestran abiertamente las guitarras del single ‘Muchísimo‘, que habla sobre una noche de fiesta después de la cual solo puedes pensar en esa persona con la que has compartido noche, o ‘Todas las guillotinas van al cielo’, otra de esas canciones de Confeti de Odio marcadas por el desprecio a uno mismo («yo vendo mi alma por ti»). Sí hay sutiles novedades en el sonido del también integrante de Axolotes Mexicanos en cuanto a ciertos estilos explorados, ninguna de las cuales tiene que ver con el reggaetón de ‘Hasta romper el móvil‘. Las guitarras eléctricas priman en un trabajo que alterna temas enérgicos con baladas de manera recurrente y que, cuando no incorpora pianos muy Brill Building en temas como ‘Todo muere’ o ‘Minuto de ruido’, se atreve con unas palmas muy girl-group en ‘Dale una oportunidad al amor’ o con el doo-wop en una ‘Triste de verdad’ que suena inspirada en ‘Tears On My Pillow’ de Little Anthony & the Imperials. El hallazgo más emocionante pueden ser los fantasmagóricos teclados de ‘Ansiedad (has vuelto a mí’), que por momentos funcionan como la sombra de la voz de Lucas, como esa ansiedad que parece acompañarle a todas partes.

Las letras siguen siendo el punto fuerte de Confeti de Odio y las canciones de ‘Tragedia Española’ vuelven a versar sobre existir con la angustia por las nubes, el autoestima por los suelos y una sensación de abatimiento constante ante el desamor, la tristeza y la inseguridad, todo ello expresado desde una honestidad madura y otras veces brutal, pero que nunca admite filtros ni artificios ni ocasiones para edulcorar lo vivido. Sin embargo, Lucas siempre encuentra en ellas ese pequeño rayo de luz en la oscuridad que le permite salir adelante. ‘Triste de verdad’ parece hablar en pasado de una depresión, y la importancia del amor en la vida de Confeti de Odio es subrayada en ‘Ansiedad (has vuelto a mí)’ o ‘Minuto de ruido’, en las que la angustia siempre deja paso a la esperanza: “si no hay nada feliz en tu mundo, podemos ser infelices los dos juntos» es el lema con el que termina la primera, y la segunda se supera con un subidón escalofriante que sirve al artista para clamar que no le importa «ni el arte, ni los discos ni la ropa», solo la compañía de esa persona amada.

‘Tragedia Española’ se quita de terminar con una balada con ‘Mi funeral’, la pizpireta canción que ha sido seleccionada para representar al disco en las novedades de Spotify de hoy, pero antes este nos presenta una historia en la que Lucas solo es un personaje secundario. Nunca es desvelado quién es la persona ingresada en ‘Última visita al hospital’, pero la ternura expresada en este corte no puede ser más propia de su autor: «todo sabe mal en la cafetería y contamos tus historias, las malas se obvian, pero las que existen se te han perdonado porque este castigo es desmesurado». Como todo el álbum, la canción es amor puro, ese tipo de amor que se impone a cualquier tragedia.

Viva Suecia, Izal, Miss Caffeina, Carolina Durante, Fuel Fandango… cantarán desde casa en ‘Sesiones Movistar In Da House’

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JNSP

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24 abril, 2020

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Hoy viernes 24 de abril se estrena en Movistar+ ‘Sesiones Movistar+ In Da House’, una adaptación de ‘Sesiones Movistar+’ hecha para estos días en los que hay que quedarse en casa. El periodista Arturo Paniagua conducirá esta serie de programas desde su domicilio y conversará con los artistas que participan en estas sesiones caseras. Hablarán de la música que están escuchando, de la que están creando y también contarán algunas anécdotas personales.

Viva Suecia, Lori Meyers, Varry Brava, Carlos Tarque y Ricardo Ruipérez (M Clan), Rozalén, Litus, La La Love You y Shinova serán los primeros invitados que desde sus estudios improvisados interpretarán temas especiales, incluso inéditos y recién compuestos, relacionados con estos días raros. Como broche final, Rufus T. Firefly, Mikel Izal (Izal), Anni B Sweet, Rafa Val (Viva Suecia), Alberto Jiménez (Miss Caffeina), Bely Basarte, Carlos Tarque, Óscar Ferrer (Varry Brava), Vega y Rebeca Jiménez versionarán ‘Here Comes the Sun’, una de las canciones más recordadas y luminosas de los Beatles.

Los próximos programas contarán con la participación de Andrés Suárez, Miss Caffeina, Carolina Durante, Fuel Fandango, Niños Mutantes, La Habitación Roja, Stay Homas, Bely Basarte, Ele o Izal, entre otros. Además, los músicos Iván Ferreiro y Coque Malla también conversarán con Arturo Paniagua desde la distancia.

Escucha lo nuevo de The 1975, Charli XCX, James Blake, Jessie Ware, Rusos Blancos, Missy Elliott, The Rolling Stones, Lucinda Williams…

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24 abril, 2020

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Una semana de confinamiento más, y una semana más con una «Ready for the Weekend» cargada de novedades. Nos congratula, además, celebrar que esta playlist acaba de superar los 4.000 suscriptores en Spotify. Agredecidos a los más veteranos seguidores y dando la bienvenida los nuevos, esperamos cumplir con sus expectativas. En este último viernes de abril de 2020, son varios los lanzamientos previstos que se han pospuesto (Rufus Wainwright –que avanza otro tema a cambio–, LA Priest, Indigo Girls, Braids…). Pero a cambio, otros artistas y grupos han adelantado los suyos una semana (como Viva Belgrado) o se han sacado de la manga discos que nadie esperaba, como Kali Uchis o la actriz Rose McGowan. Y otros, se han mantenido fieles a lo anunciado: Lucinda Williams, Confeti de Odio, Other Lives, Clams Casino, Lennon Stella (álbum debut de esta interesante solista), Tom Misch & Yussef Dayes, Roger O’Donnell (teclista de The Cure), Chisme o Hayley Williams (la vocalista de Paramore completa con un segundo EP su álbum debut, ‘Petals for Armor’) no han fallado. Además, el nuevo héroe del rap en español Morad publica EP, al igual que Robie, que debuta en este formato apadrinada por Alizzz.

Un Alizzz presente por partida doble esta semana, ya que co-produce con el reputado Nineteen85 el flamente nuevo single de C. Tangana, nuestra Canción del Día. Un single que, junto a los temas de Kelly Lee Owens y Jónsi (Sigur Rós) avanzados días atrás, comanda la selección de hoy, en la que también incluimos lo nuevo de The 1975, Charli XCX, Travis Scott –un tema con Kid Cudi que ha estrenado dentro del popular videojuego Fortnite–, The Killers, Alanis Morissette, James Blake, Jessie Ware, Missy Elliott, The Rolling Stones (su primer tema nuevo en 7 años), Bright Eyes, Rusos Blancos, Rita Indiana (¡ha vuelto!), Woodkid, No Age, Lolo Zouaï, Everything Everything, Evanescence, Maluma, LP & Ximena Sariñana, Cher Lloyd, Siloé & Miss Caffeina, Maya Jane Coles, Los Estanques, The Psychedelic Furs, YUNGBLUD, Nasty Cherry, Los Vinagres, Alice Wonder, PVRIS, Ab-Soul, Centauros & Soledad Vélez, Regard & RAYE, Jake Bugg, Los Del Control & Dellafuente, Sondre Lerche, Samantha (la concursante de OT 2020 debuta con un single producido por Carlos Sadness)… junto a nuevos nombres del panorama independiente como Chill Chicos, La Gracia, CASETES, The Low Flying Panic Attack o Go Roneo, entre otros.

Nuevamente, son varios los artistas que publican canciones creadas en el confinamiento por la pandemia y/o para recaudar fondos en la lucha contra la Covid-19. Por ejemplo, pueden escucharse reunidas todas las actuaciones que ofrecieron el pasado fin de semana Lady Gaga, Stevie Wonder, Billie Eilish, Taylor Swift, Sam Smith, J Lo… en ‘One World: Together at Home’. También está disponible el tema benéfico instigado por Foo Fighters, ‘Times Like These’, con la participación de Dua Lipa, Chris Martin de Coldplay, Ellie Goulding y un largo etcétera. Además, Avril Lavigne ha regrabado (y rebautizado) ‘Warriors’, de su último disco ‘Head Above Water’, destinando sus beneficios a la asociación Project Hope, que vela por la seguridad de los sanitarios de todo el mundo. Y por último, Kacey Musgraves ha lanzado una nueva versión de su ‘Oh, What a World’ para recordar el Día de la Tierra y recaudar fondos para la lucha contra el cambio climático.

Escucha la playlist «Ready for the Weekend»

The Killers estrenan la funky ‘Fire in Bone’ y posponen su disco

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24 abril, 2020

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The Killers se suman a la larga lista de artistas que han decidido posponer el lanzamiento de sus discos durante la pandemia. La nota de prensa oficial explica que el lanzamiento de ‘Imploding the Mirage’, que salía el 29 de mayo, ha sido postergado «debido a retrasos en su finalización» según la nota de prensa oficial. The Killers son uno de los grupos confirmados en el cartel de Bilbao BBK Live, uno de varios festivales españoles que no han aplazado ni cancelado por el coronavirus, al menos de momento.

De momento, The Killers al menos sí presentan novedades en forma de una canción nueva que ya puede escucharse en las plataformas de streaming. Se trata de ‘Fire in Bone’, una composición extraña para la que los de Las Vegas han vuelto a colaborar con Stuart Price, que antes de participar en el exitoso nuevo disco de Dua Lipa, produjo ‘Human’. Guitarras acústicas y teclados cósmicos se funden en esta canción de ritmillo funky que vuelve a plantear un panorama muy interesante de cara al sonido de este nuevo largo ahora aplazado.

Antes del estreno de ‘Fire in Bone’ había sido el turno de ‘Caution‘, un primer single lleno de energía que recordaba tanto a The War on Drugs que el mismo Adam Granduciel aparece en los créditos. Por otro lado, The Killers acaban de participar en ‘One World: Together at Home’, el macroconcierto solidario organizado por Global Citizen, la Organización Mundial de la Salud y comisariado por Lady Gaga, y donde han cantado su éxito ‘Mr. Brightside’.

La industria musical se reúne con el gobierno: «queremos medidas concretas para que toda la cadena pueda subsistir»

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23 abril, 2020

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La falta de medidas específicas desde el Ministerio de Cultura para paliar los efectos que la crisis sanitaria está produciendo en el sector musical ha provocado diversas reacciones a lo largo de los últimas semanas. La polémica iniciativa del «Apagón Cultural» tomaba hace unos días las redes sociales, mientras entidades como la Academia Catalana de la Música pedían la dimisión al ministro José Manuel Rodríguez Uribes por su inacción. Foto: Crudo Pimento.

Asumido ya que la industria musical se enfrenta a meses durísimos debido a la mencionada crisis empiezan a ponerse sobre la mesa planes de acción. JENESAISPOP ha hablado recientemente con Mark Kitcatt, presidente de IMPALA, la asociación europea de las discográficas independientes y responsable de la distribuidora Popstock! / Everlasting; y con Sonia Durán, gerente en la Unión Fonográfica Independiente (UFI) y portavoz de la Federación de Música de España (EsMúsica), para conocer su perspectiva ante esta situación y los hilos que desde sus entidades se están moviendo para ayudar a uno de los sectores históricamente más desprotegidos de la industria cultural.

Desde IMPALA, Mark Kitcatt coordina la respuesta de la industria musical española a la crisis: «Intentamos dar con medidas para ayudar a los artistas, discográficas y a toda la cadena de la industria sobre todo desde el punto de vista de los productores, porque el sector del directo ya tiene muchas organizaciones para hacerlo». El jefe de Popstock afirma que, desde su asociación, se está intentando remarcar la necesidad de que las tiendas de discos abran en la primera fase de reapertura de comercios durante la crisis para mantener activa la economía de un sector que depende sobre todo la música en directo: «En la parte de pedir ayudas al gobierno nosotros estamos acentuando el papel de las tiendas de discos y de la venta de discos porque las salas de conciertos y las giras, que son la fuente de ingresos más inmediata para la mayoría de artistas, van a estar cerradas mucho tiempo. Este problema ya está creando un drama a muchos artistas, por ejemplo a grupos de Everlasting, como Guadalupe Plata o Crudo Pimento, que suelen girar mucho. Es muy inmediato el efecto que está crisis está teniendo sobre esos artistas. Por eso, una de las cosas que proponemos es que, entre los primeros negocios en abrir, se cuente a las tiendas de discos porque son un sitio donde el fan puede ir y comprar. No puedes ir a un concierto pero al menos puedes ir a una tienda de discos».

«Mark: Buscamos propuestas para abrir partes de la economía sin que esto afecte a la propagación del virus. Queremos que abran lugares de cultura lo antes posible porque es más fácil abrir una tienda de discos que una sala de fútbol»

Por supuesto, la crisis en el sector musical va más allá de que se aplacen o cancelen conciertos: el problema es estructural. La cultura no es considerada bien de primera necesidad, luego es dejada de lado por el gobierno a pesar de su importancia social. Kitcatt reconoce que «la gente no está para obsesionarse con los problemas de los músicos» pero también que el gobierno español está alimentando la incertidumbre de un sector que -como tantos otros- no sabe cuándo podrá volver a la normalidad. «Todas las semanas tenemos una reunión con todos los países de Europa y la impresión que tengo yo es que hay países como Francia que están diciendo ya que no va a haber giras internacionales durante este año, de lo cual se puede adivinar que en España va a suceder lo mismo». Kitcatt resalta la respuesta británica a la crisis, desde la cual ha surgido, por ejemplo, la iniciativa #loverecordstores: «La asociación británica ha conseguido que la gente haga donaciones a los sellos, a los tour managers, a la gente que monta los escenarios… Hay grupos que están haciendo conciertos en la web para conseguir dinero para sus técnicos de sonido».

Recientemente, el alcalde de Madrid, José Luis Martínez-Almeida, ha afirmado ver muy improbable que se celebren eventos multitudinarios incluso en otoño. Por eso, Kitcatt insiste en la importancia de cuidar los pequeños comercios de música en lo que dure la emergencia sanitaria: «Cada país tiene su propio drama. Nosotros somos un país que depende mucho del turismo y de los servicios, y vamos a tener un problema por ahí. Por un lado la gente no va a poder venir, y por otro, tampoco va a tener dinero para gastar en estas cosas. No sabemos el impacto económico que esta crisis va a producir en el sector musical porque no nos hemos enfrentado a una crisis de este tipo en 100 años, pero se puede imaginar que va a ser bastante dramático. En la parte que nos toca buscamos propuestas para abrir partes de la economía sin que esto afecte a la propagación de virus. Nosotros solo queremos que se nos haga caso y que abran lugares de cultura lo antes posible porque es más fácil abrir una tienda de discos que una sala de fútbol».

«Los grupos se están dando cuenta de que el streaming no genera nada, que de un tiempo a esta parte básicamente ha funcionado como publicidad para sus giras. Miran las liquidaciones y no dan ni para grabar»

Además de los conciertos, la música grabada también se está viendo profundamente afectada por la pandemia: no solo se han quedado discos preparados para salir en un cajón, es que en los próximos meses no van a poder realizarse grabaciones de cara al futuro. Los grupos que venden más discos en las giras ya no van a tener ingresos por esa vía. «De momento nadie puede grabar porque no se puede quedar para ir a un estudio», explica. «Nosotros tenemos discos ya grabados que pensábamos sacar en mayo. En los sellos nacionales tenemos grupos que necesitan salir de gira para promocionar y vender sus discos. Muchos de los discos que venden los venden en el directo. Esto pasa mucho con grupos nacionales».

Otro asunto es la música en streaming, cuya reproducción ha bajado durante la pandemia porque la gente ya no escucha música para ir al trabajo o en la oficina. Esta problemática afecta especialmente a los artistas, cuyos ingresos procedentes del streaming son realmente nimios, lo cual a su vez remarca la importancia de la música en directo como activador social y de la música grabada como producto cultural. «Grupos de mayor tamaño nos dicen que se están dando cuenta de que el streaming no genera nada, que de un tiempo a esta parte básicamente ha funcionado como publicidad para sus giras», indica Mark. «Miran de cerca las liquidaciones que han generado a través de estos servicios y no da ni para grabar. Esto es una situación de precariedad que surge de muchos años en los que se ha asumido que la música grabada es publicidad para el directo. Hemos regalado la música durante demasiado tiempo. Cuando hay conciencia de esto entre los grupos te da esperanza para que la situación cambie, pero va a ser una larga pelea como viene siendo el caso desde hace muchos años».

«Sonia: Queremos que se apliquen medidas concretas para que toda la cadena de valor pueda subsistir, que se cree un comité especialista en pandemias y que el gobierno haga una estimación de cuándo va a poder hacerse todo esto»

EsMúsica, la Federación de la Música en España, que aglutina todas las entidades del sector (UFI, SGAE, Promusicae, etc.) se reúne este mismo viernes 24 de abril con el gobierno para presentar una por una las 15 medidas que la Federación ha ideado para proteger al sector, entre las que se incluye la bajada del IVA del 21% al 10% de «todos los servicios relacionados con la música en vivo y música grabada» y del 10% al 4% de las entradas de conciertos, así como el lanzamiento de un bono cultural que fomente el consumo de estos bienes. Sonia Durán, vocal de EsMúsica, celebra esta reunión porque de hecho es específica a su gremio: «(Hace días) tuvimos una primera reunión con el Ministro de Cultura por vía telemática junto a otros sectores de la cultura como el cine o el teatro. Cada sector tuvo 10 minutos para presentar sus propuestas. Esto sucedió al tiempo que el Apagón Cultural, con el que nosotros no estábamos de acuerdo, pero que al menos sirvió para que se nos hiciera más caso». La gerente de la UFI añade: «Desde la Federación queremos que se hagan medidas aplicadas a la realidad de la música, y hemos conseguido programar una reunión para este viernes 24 de abril en la que vamos a presentar las 15 medidas más urgentes para ayudar al sector. No se trata de pedir dinero porque obviamente no hay dinero para todos, pero sí pedimos que haya cambio de leyes».

Ante la inquietud que vive el sector de la música en España debido a la ausencia de medidas concretas por parte del gobierno, la cual está obligando a artistas y festivales a aplazar eventos «a ciegas», Sonia enumera tres propuestas. «Todo se está aplazando por la posibilidad de no cancelar pero la situación es de mucha incertidumbre. Para aliviar esa situación de incertidumbre pedimos, primero, que se apliquen medidas concretas para que toda la cadena de valor pueda subsistir. Por ejemplo, en relación a las salas de conciertos que no están pudiendo pagar alquileres. En segundo lugar se debería hacer, como se está haciendo en el resto de sectores, un comité especialista en pandemias, una serie de normativas que permita al sector saber cómo actuar en el futuro, por ejemplo si se van a poder hacer conciertos, si se va a poder ir a un festival con mascarillas, o si todo va a estar cerrado hasta 2021. Necesitamos un plan para no ir a ciegas una vez esto se reactive. Y en tercer lugar nos gustaría que el Gobierno pudiese hacer una estimación de cuándo se va a poder hacer todo esto porque hay muchísimos promotores y sellos que están esperando a hacer lanzamientos y/o conciertos de presentación que, por esta situación, no se están pudiendo hacer». Sonia opina que «lo ideal es tener un plan y una estimación», pero reconoce que «nada de esto se puede saber a ciencia cierta porque la industria solo puede actuar en función de cómo evolucione el virus».

«Los festivales necesitan la cláusula de fuerza mayor para subsistir. Están posponiendo fechas para no devolver entradas por un tema de liquidez»

La primera medida de las 15 presentadas por la UFI defiende «aplicar el concepto por causa de fuerza mayor para permitir la posibilidad de suspensión o aplazamiento de los eventos musicales programados antes del Estado de Alarma cuya celebración esté prevista en el año 2020». Como ha informado recientemente El Mundo, muchos festivales de nuestros país están esperando a anunciar su cancelación este año para poder ampararse en esta medida que les protege económicamente. Festivales como Primavera Sound han sido criticados por no permitir la devolución de entradas tras el aplazamiento de sus fechas a agosto, y Sonia aclara que esto responde obviamente a una razón económica y de supervivencia. «Los festivales necesitan la cláusula para reorganizarse y subsistir. Y no están devolviendo el dinero de las entradas porque si las devuelven no van a tener liquidez precisamente para subsistir. Están posponiendo fechas para no devolver esas entradas por un tema de liquidez. Con el dinero ingresado por las entradas se paga a todo el personal que hay detrás de los festivales, y si todo ese dinero se devuelve obligatoriamente porque el festival ha cancelado, estos entonces no subsisten. Es un ciclo. Por ejemplo, la venta de entradas por anticipado permite a los festivales realizar todo el montaje. Por eso se está hablando de hacer un bono, se están buscando alternativas para que los festivales no mueran. También se ha hecho campaña para que la gente no devuelva entradas, también a nivel de conciertos se está animando a la gente a que las mantengan para ir cuando se pueda, porque eso significa una contribución a que se pueda seguir haciendo música».

Al fin y al cabo es posible que algunas de las dificultades a las que se ha enfrentado siempre el sector de la música en España no existieran si la cultura fuera tratada con mayor dignidad, como en Alemania, donde ha sido asignada bien de primera necesidad. Sonia ve el problema de fondo, el cual no es nuevo: «Para nosotros la música siempre es un bien de primera necesidad y se va a vender como tal cuando pidamos las medidas. Otra cosa es como lo quiera percibir el gobierno. Hay países que están mucho mas mentalizados con la cultura que nosotros. El problema es los gobiernos que tenemos, desde mi punto de vista».

C. Tangana une a Alejandro Sanz, Rosario y a un productor de Drake en la extraña ‘Nunca estoy’

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23 abril, 2020

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Tal y como ha registrado con una serie de vídeos en Instagram, C. Tangana ha padecido algunos avatares para poder regresar a España desde Norteamérica, forzado por la crisis del Covid-19. Su periplo culminaba con su vuelta a Madrid sin que su novia, de origen chileno, pudiera acompañarle. Y eso parece haber inspirado en parte el nuevo single con el que retoma su carrera en solitario esta semana. Se titula ‘Nunca estoy’, ya puede escucharse y marca un nuevo hito en su carrera al contar en él con la co-producción –junto al habitual Alizzz y él mismo– de Nineteen85.

Tras ese nombre no se esconde otro que el productor de ‘Hotline Bling‘, ‘One Dance‘, ‘Hold On, We’re Going Home’, ‘Too Good’ y, en fin, buena parte de los mayores éxitos en la carrera de Drake (además de trabajos para Travis Scott, Mariah Carey o Future, entre otros). Cierra así Puchito un círculo que comenzó a trazar cuando en 2015 daba un volantazo a su carrera con ’10/15′, claramente inspirado en la deriva del artista canadiense.

De ‘Nunca estoy’ llamaba la atención que en su portada, junto a los créditos, figurase la frase «cómo quieres que te quiera si no estás aquí», que podía interpretarse como un guiño a Rosario y su éxito de 2001 ‘Cómo quieres que te quiera’. La canción, una vez publicada, confirma esa referencia y descubre otra igualmente explícita a ‘Corazón partío’ de Alejandro Sanz. Ambos artistas aparecen en los créditos de composición, pero al margen de ellos, ‘Nunca estoy’ introduce novedades interesantes en el repertorio de C. Tangana. La canción es muy melódica, pero sobre todo su estructura parece pensada para contradecir los requerimientos comerciales de las playlists actuales. El primer minuto de la canción plantea la melodía («cómo quieres que te quiera») sin más elementos que Antón y una nube de teclado ambiental, y a partir de ese minuto aparece el primer patrón rítmico, que toma el protagonismo más adelante de manera más contundente primero para acompañar a C. Tangana y después para sustituirle por completo, llevando el tema a su final.

También es novedosa la perspectiva esta canción que C. Tangana interpreta desde el punto de vista de su chica. Así, el artista parece desplegar sus problemas de pareja de manera bastante personal, pues la canción empieza con el sample de lo que parece un audio de Whatsapp privado. La canción habla de mensajes sin contestar, aviones perdidos y de una persona que está «enferma de sí misma», por lo que vuelve a poner sobre la mesa la problemática de la fama que ha acompañado a C. Tangana a lo largo de toda su carrera.

También llama la atención que, justo cuando acaban de cumplirse dos años del lanzamiento de su última mixtape ‘Avida Dollars’, en la imagen con que se presenta el single figure un «01» que bien podría interpretarse como su orden en un teórico tracklist. Comprobado queda que ‘Nunca estoy’ no tiene nada que ver ni con las recientes colaboraciones de C. Tangana con Tainy & Lauren Jauregui y con Lau Ra, ni con la estupenda ‘Yelo‘ ni tampoco con la muy sobada línea latina en la que insistía con ‘Viene y va‘, mano a mano con Natti Natasha.

Lo mejor del mes:

Nuevo «quién es quién» musical con la versión «todo estrellas» de ‘Times Like These’ Foo Fighters

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23 abril, 2020

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‘Times Like These’ no es uno de los singles más escuchados de Foo Fighters a día de hoy en las plataformas de streaming, pero su mensaje de unión ante la adversidad ha servido a la BBC para reunir a una serie de artistas en una versión de la canción que acaba de ver la luz, y que sale con fines solidarios.

La versión ha sido producida por Fraser T. Smith y ha contado con la participación de los mismos Foo Fighters y también de la reina del pop del momento, Dua Lipa, así como de Chris Martin, Ellie Goulding, Sean Paul, Sigrid, Biffy Clyro, Rita Ora, Zara Larsson, Hailee Steinfeld o 5 Seconds Of Summer. También han aportado su parte a la canción YUNGBLUD, Bastille, Royal Blood (sí, siguen en activo aunque no lo parezca), Anne-Marie, Sam Fender, Rag N’ Bone Man, Paloma Faith, Jess Glynne, Grace Carter, Dermot Kennedy, AJ Tracey, Celeste (merecida ganadora del BBC Sound of 2020) y Mabel.

Esta noche, la BBC ha emitido un teletón recaudatorio durante el que se ha estrenado el videoclip de la canción. Si el audio era un «quién es quién» musical que fascinaría especialmente a fans del pop británico, el vídeo pone caras (mediante vídeollamada) a todos estos nombres.

Hamilton Leithauser presenta su «versión coronavirus» de ‘The greatest’ de Lana Del Rey

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23 abril, 2020

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Hamilton Leithauser, que acaba de publicar su segundo disco en solitario, ha versionado ‘The greatest‘ de Lana Del Rey en la radio. Se trata de la mejor canción de 2019 para la redacción de JENESAISPOP. La elección está muy bien traída no solo por la calidad de la canción sino porque esta contenía un mensaje apocalíptico que parece muy apto en días de pandemia. En concreto hablaba de los incendios de California y de la simpatía de Kanye West por Trump y referenciaba ‘Life on Mars’ de David Bowie para expresar indirectamente el mensaje último de que el fin del mundo puede haber llegado.

En 2020, la pandemia ha sumido al mundo en un escenario no apocalíptico, pero sí bastante distópico según donde mires. Así que cualquier artista que va a versionar ‘The greatest’ de Lana Del Rey lo tiene a huevo para hacerlo con referencias al coronavirus. Así, además de transformarla en una canción country, Leithauser canta en ella cosas como: «la cultura es una pasada y yo me lo he pasado bomba, si esto es todo, yo me largo, lo que más echo de menos es no hacer nada, supongo que este virus nos va a pillar a todos».

El ex-integrante de The Walkmen es incluso más explícito en otro de los versos: «todos mis conciertos han sido pospuestos, todos mis amigos están haciendo directos en mi teléfono, toda mi tarifa de datos está a punto de agotarse», canta antes de introducir la capa política de rigor: «papá (Mike) Pence dice que estarás bien, ya no hay colegio, las semanas se han esfumado». Una pequeña curiosidad.

Jónsi de Sigur Rós se suma al sonido PC Music pero lo lleva a su terreno en ‘Exhale’

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23 abril, 2020

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Jónsi, cantante de Sigur Rós, vuelve con su primer single en solitario en más de una década. ‘Exhale’ no tiene nada que ver con el éxito de Whitney Houston… ni tampoco demasiado que ver con el sonido que caracteriza a su productor, el británico A.G. Cook, miembro del colectivo de productores PC Music y mano derecha de Charli XCX en sus últimos pasos artísticos, también en su inminente nuevo disco.

Porque no, el regreso de Jónsi no supone una transformación radical respecto a los últimos trabajos de Sigur Rós ni tampoco respecto a los trabajos de música ambiental que el cantante islandés ha publicado junto a su pareja, Alex Sommers, el último de los cuales data del año pasado. Jónsi no se ha hecho un Charli XCX ni un Carly Rae Jepsen… ni siquiera un «Jónsi» (su debut era bastante pop) y lo que presenta en ‘Exhale’ es un tema ambiental, tenebroso y fragmentado que se desarrolla pacientemente mediante sonidos misteriosos y gorgoritos, y en el que solo al final se percibe la mano de PC Music gracias a la entrada de una base rítmica que lleva el tema a su cumbre emocional.

No hay más detalles sobre el próximo álbum en solitario de Jónsi, pero el cantante ha sido noticia recientemente por haber superado el COVID-19.

Lido Pimienta / Miss Colombia

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23 abril, 2020

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Recibir el Polaris Music Prize (el equivalente al Mercury canadiense, imponiéndose a Leonard Cohen y Feist, nada menos) en 2017 por ‘La Papessa’, convirtiéndose el primer disco de habla hispana en lograrlo en su historia, supuso un vuelco en la carrera de Lido Pimienta. No cabe duda de que la colombiana de nacimiento habría logrado, tras años de esfuerzos en el ámbito independiente (recordemos que comenzó colaborando con los mexicanos Capullo o la propia Javiera Mena), que su talento sobresaliera igualmente en algún otro momento. Pero ese empujón ha afianzado su propuesta artística, dedicada a crear música contemporánea y pop partiendo de la tradición de su país natal: aunque es ciudadana canadiense, nació en Barranquilla (como Shakira) en una familia mestiza descendiente de indígenas, de la etnia afro-colombiana Wayuu.

Explica Lido que el concepto en torno a este álbum y su título surgió cuando, en la final de Miss Universo de 2015, el presentador Steve Harvey entregó la banda de ganadora a la representante del país sudamericano por error, arrebatándosela después para colocársela a la auténtica ganadora, la representante de Filipinas. La ola de odio racial que aquello despertó en su país llevó a pensar a Pimienta en todo lo que le distanciaba de sus compatriotas. Si no se identificaba con esa oleada de odio, ¿seguía siendo realmente colombiana? Eso la llevó a reflexionar sobre su doble condición de expatriada, y a establecer un diálogo consigo misma, sobre cómo, pese a amar Colombia, su cultura y su folclore, dándole además difusión en el hemisferio norte, se sentía mucho más identificada con los valores morales de su nuevo país. Rechaza el racismo –que ella mismo, con sangre indígena y africana, había experimentado–, la violencia indiscriminada y como modo de vida, el sexismo, la LGTBI-fobia y la desafección de la clase política colombiana para con los más desfavorecidos –que el año pasado generó numerosas protestas–… y aun así, está visceralmente unida a él.

Plasmada en la contradicción de esa “miss queer” con la pose de una virgen –en entrevistas evoca cómo, al hacer la comunión como católica, se le impuso también, junto con su traje y su “alma cristiana”, el blanqueamiento racial– que ocupa su portada, ‘Miss Colombia’ parece ser una carta de amor/desamor a su país natal también en lo musical. Algo que se refleja en unas letras con tanta nostalgia como amargura –sin renunciar a la sensualidad y el cariño–, que pueden ser leídas como los reproches hacia un amante que no la trató con el debido respeto (e incluso la maltrató, como hace pensar ‘Eso que tú haces’) y por eso quedó atrás. Pero hay una evidente doble lectura en cada una de ellas, que ya explicitó al presentar ‘No pude’ –“No pude verte / no pude darte más / Aún no quiero verte ahora / no te quiero más”, llega a cantar– y que subyace en versos como “Y aunque fui tal vez / un poco ignorante / fui muy lista / y es para no volver” (‘Para transcribir’) o “Si tú a mí nunca me querías / ¿yo por qué tengo darte perlas?” (‘Te quería’).

Pero, contra esa amargura, su amor por Colombia se hace evidente en su música, mucho más orgánica y cálida que la de ‘La Papessa’, integrando y dando protagonismo a ritmos caribeños originarios del país, como la cumbia, el porro o el bullerengue, y sonoridades propias de esa tradición. En eso es fundamental señalar que Lido compuso las canciones en un primer momento con arreglos de viento y percusión y las grabó en la zona del Palenque colombiano con músicos locales, para más tarde añadir la pátina electrónica con su socio musical Matt Smith, Prince Nifty–. En ese plano, ‘Miss Colombia’ es un fabuloso disco de neo-folk latinoamericano, situándose a la cabeza de un movimiento en el que participan también artistas como Nicola Cruz, Rita Indiana, Chancha Vía Circuito o iLe. El equilibrio y la naturalidad que alcanzan singles como ‘Eso que tú haces’, ‘Nada’ –su dueto con su compatriota Li Saumet, de Bomba Estéreo–, la bailable desde la tradición ’Te quería’ (con guiño al hit reggatonero ‘Te boté’ incluido), la más electrónica (mal que le pese, evocando a Björk) ‘No pude’, sin renunciar a cautivar con cierta euforia, muestran la fantástica madurez del proyecto de Lido Pimienta.

Y si hay un gesto que salda deudas con su patria es en el giro de ‘Miss Colombia’ tras la transicional (y menor) ‘Coming Thru’: da voz, literal y virtualmente, al Sexteto Tabalá de la histórica población de San Basilio del Palenque, un colectivo artístico con casi un siglo de historia que amalgama y transmite la tradición musical afro-colombiana. Un colectivo en el que Lido dio sus primeros pasos como cantante (antes se dedicaba a la danza, en el Grupo Kumbé, al que también ha reclutado para el clip de ‘Eso que tú haces’) y aprendió lo que sabe de folclore. Con ellos grabó en directo la hipnótica y tribal ‘Quiero que me salves’, a la que sucede otro canto folclórico, una ‘Pelo cucu’ que reivindica, no sin humor, su cabello rizado como símbolo de orgullo racial. Aunque es un lapso emotivo y enriquecedor, ese paréntesis perjudica un tanto el ritmo de la secuencia, si bien, con mucho ingenio, Pimienta se reserva en la manga la atractiva pseudo-champeta de ‘Resisto y ya’ (con una letra que viene a decir a los que le exigen gestos políticos que su mera existencia como mujer, queer y de una etnia minoritaria ya es bastante resistencia), que eleva el tono de un gran álbum que la confirma como una figura, ya a nivel internacional.

Califcación: 7,7/10
Lo mejor: ‘Te quería’, ‘Eso que tú haces’, ‘Nada’, ‘Resisto y ya’, ‘No pude’
Te gustará si te gusta: Nicola Cruz, Bomba Estéreo, Rita Indiana
Youtube: vídeo de ‘Nada’

5 recomendaciones para celebrar el Día del Libro 2020

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Joric

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23 abril, 2020

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La singular autobiografía inconclusa de Lucia Berlin, un original retrato de una banda de rock, el misterioso crimen de Rambal, un thriller histórico superventas y la edición aniversario de una de las mejores novelas españolas de la historia. Cinco recomendaciones para celebrar este atípico Día del Libro.

Bienvenida a casa (Lucia Berlin)

Lucia Berlin va a ser “chica Almodóvar”. Como ya apuntamos cuando hablamos de los libros que aparecían en ‘Dolor y gloria’, el director va a adaptar en su próxima película cinco de los relatos que componen el volumen ‘Manual para mujeres de la limpieza’. Pero si los cuentos de Berlin son fascinantes (en 2018 se publicó el segundo volumen, ‘Una noche en el paraíso’), no lo es menos su biografía. ‘Bienvenida a casa’ (Alfaguara) es una recopilación de cartas, fotografías y textos autobiográficos en los que estuvo trabajando la escritora antes de su muerte en 2004. Tras un prólogo de Jeff Berlin, uno de sus cuatro hijos, la novelista narra su vida desde 1936, año en que nació en Alaska, hasta 1966, cuando vivía en el sur de México. Treinta años de agitada existencia, llena de mudanzas, trabajos precarios, matrimonios fracasados y lucha contra el alcoholismo y la escoliosis. Unas experiencias que luego reflejará en sus relatos. Unos cuentos escritos, como explica su hijo, “en la mesa de la cocina con un vaso de bourbon en la mano”. 8,5. Encárgalo en Amazon para después del confinamiento o en tu librería de barrio favorita.

Todos quieren a Daisy Jones (Taylor Jenkins Reid)

El argumento de la exitosa novela de Taylor Jenkins Reid da más pereza que un famoso dando ánimos sobre el coronavirus en Instagram (menos si es Paulina Rubio, claro). ‘Todos quieren a Daisy Jones’ (Blackie Books) narra el ascenso y caída de una ficticia banda de rock -Daisy Jones & The Six, inspirada en Fleetwood Mac– durante los años setenta en Los Angeles. Nada nuevo: otra historia de sexo, drogas y rock & roll. La diferencia estriba en cómo está contada esa historia. La autora utiliza una estructura de (falso) reportaje periodístico. Imita con mucha habilidad la biografía oral, compuesta por testimonios diversos, muchas veces contradictorios, muy utilizada en el ámbito de la no ficción anglosajona. El resultado de esta afortunada decisión estilística (hasta incluye las letras de las canciones al final) es una novela tremendamente amena, que se lee como si estuvieras viendo un documental sobre rock. Como era de esperar, su adaptación ya está en marcha: una serie financiada por Amazon, producida por Reese Witherspoon y protagonizada por Riley Keough, la nieta de Elvis Presley. 7. Web de Blackie Books (entrega al fin del confinamiento).

La tinta del calamar. Tragedia y mito de Rambal (Miguel Barrero)

Rambal está de actualidad. El popular transformista gijonés, asesinado a puñaladas en 1976 (un crimen aún no resuelto), ha sido protagonista de dos recientes (y estupendas) canciones: ‘Gijón’, de Pablo und Destruktion, y ‘Rambalín’, de Rodrigo Cuevas. El completo ensayo ‘La tinta del calamar. Tragedia y mito de Rambal’ (Trea) explica muy bien quién fue este icono de Cimadevilla, el antiguo barrio pesquero y cabaretero de Xixón. Como dice su título, el libro trata sobre los aspectos trágicos de la existencia de Alberto Alonso Blanco “Rambal”: su difícil vida en la España franquista condicionada por su abierta homosexualidad, su misterioso asesinato, la fracasada investigación policial, las teorías que circulan sobre el crimen… Y también sobre su mito, acerca de la pervivencia de su figura en la memoria colectiva del barrio y de cómo su desaparición se ha convertido también en un símbolo de su transformación, de su gentrificación. 8.

1793 (Niklas Natt Och Dag)

El debut literario del aristócrata Niklas Natt Och Dag está ambientado precisamente en el año en que cortaron la cabeza a Luis XVI. Los ecos de la revolución francesa llegan hasta la hedionda Estocolmo, donde en las pútridas aguas que la rodean aparecerá flotando un cadáver al que le faltan los ojos, dientes, lengua y extremidades. Este es el punto de partida del último fenómeno de la novela negra nórdica. ‘1793’ (Salamandra) es un thriller histórico que ha sido comparado con ‘El nombre de la rosa’ y ‘El perfume’. La primera referencia le queda demasiado grande, pero la segunda sí es más adecuada. Natt Och Dag pone especial énfasis en la reconstrucción histórica del Estocolmo de 1793 (incluye un mapa de la época), y en la creación de una atmósfera oscura y malsana, llena de pobreza, corrupción moral y poblada por seres alcoholizados y enfermos. Entre ellos la pareja protagonista, unos nuevos Holmes/Watson formados por un investigador tuberculoso, y un veterano de guerra mutilado y borracho. A partir de ese encuentro comenzará una investigación que se verá perturbada por múltiples incidentes y dos sorprendentes subtramas. El autor sueco no ha revolucionado el género, pero sí lo ha revivido de forma muy eficaz y gozosa. La segunda parte, ‘1794’, llegará el año que viene. 7,5. Versión Kindle.

Nada (Carmen Laforet)

No hacen falta muchas excusas para (re)leer el deslumbrante debut de Carmen Laforet. Pero si alguien las necesita, aquí van dos: se ha publicado una nueva edición (Destino) coincidiendo con el 75 aniversario del Premio Nadal -que ganó la autora de forma inesperada-, y se está preparando una adaptación en forma de miniserie que va a dirigir Paula Ortiz (‘La novia’, ‘De tu ventana a la mía’). ‘Nada’ es una novela única de la España franquista de posguerra. Un extraordinario relato autobiográfico y existencialista, lleno de segundas y terceras lecturas (su pulsión lésbica y denuncia de la violencia de género asoman ahora más que nunca), que encumbró a su autora con solo 23 años y la paralizó para siempre. Laforet, insegura y depresiva, apenas volvió a escribir. Se casó, tuvo cinco hijos, se divorció, y buscó en la religión, el tarot y las anfetaminas el consuelo que no encontraba en su vida diaria. Además, ‘Nada’ es una de esas novelas que invita a hacer turismo literario, a visitar las calles de Barcelona que recorrió el personaje de Andrea cuando salía del tétrico y ya mítico piso familiar de la calle Aribau. 9,5. Versión Kindle, por 3,32 euros.

Marianne Faithfull, dada de alta, agradece a los sanitarios públicos «salvarle la vida»

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23 abril, 2020

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Marianne Faithfull ha sido finalmente dada de alta después de haber pasado hasta 22 días hospitalizada en Londres tras haber dado positivo por coronavirus. La cantante descansa ya en su hogar. El comunicado indica que «Marianne os agradece todos vuestros amables mensajes de preocupación, lo que ha significado muchísimo a través de estos momentos tan difíciles para muchos. También está muy agradecida al Servicio Nacional de Salud (NHS), que la ha cuidado y, sin ninguna duda, le han salvado la vida».

El día 1 de abril trascendía que Marianne Faithfull estaba ingresada en Londres aquejada de Covid-19. Su manager François Ravard aseguraba escuetamente a una agencia de noticias que Faithfull, que en diciembre cumplía 73 años, estaba «bien» y respondiendo al tratamiento, mientras que una amiga íntima de la artista, Penny Arcade, daba más explicaciones sobre su situación en su página de Facebook. Arcade explicaba que probablemente una de las personas que la asisten la contagió. También reproducía unas palabras que recibió de su marido, John Dunbar: «Está bastante bien. Pero apenas puede hablar ni recibe visitas». Arcade apostillaba que Faithfull ha sobrevivido a tantas cosas que, «que fuera abatida por un virus sería una tragedia».

Otra artista célebre que explicaba que había sido diagnosticada con Covid-19 en las mismas fechas era P!nk. La autora e intérprete de ‘What About Us’ indicó en las redes sociales que ella y su hijo se sometieron a un test de diagnóstico dos semanas atrás, y que dio positivo. También que días atrás se volvieron a someter ambos al mismo test y que, en ese caso, dieron negativo, indicando que habían superado la enfermedad. Esto ha servido a la artista estadounidense para acusar a la administración de Donald Trump de cometer un error al no permitir el acceso masivo a los tests de detección. Y, de paso, hacía un alegato en favor de los profesionales de salud, haciendo una donación de medio millón de dólares al hospital de Philadelphia en el que su propia madre trabajó durante casi 20 años. También ha hecho una donación de otro medio millón a un fondo municipal de Los Ángeles dedicado a combatir el coronavirus.

Kelly Lee Owens prueba por qué «de noche» siempre es mejor

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23 abril, 2020

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Lo nuevo de Kelly Lee Owens está en esa lista de discos que nos aguardan a la vuelta de la cuarentena, aunque este se va a hacer de rogar un poco: ‘Inner Song’ no se publicará hasta el próximo día 28 de agosto. Foto: Kim Hiorthøy.

Si en semanas pasadas la artista autora de ‘Bird’ y ‘Lucy’ nos dejaba oír su tema ‘Melt!’, en este caso se decanta por un «banger» mucho más accesible que recibe el nombre de ‘Night’. Y es «accesible» y se llama «noche» porque ambos conceptos están presentes en la propia descripción que ha hecho sobre la producción la misma artista, según informa su distribuidora en España, Everlasting.

Dice Kelly Lee Owens: «Esta canción va sobre cómo las sensaciones y las percepciones nos resultan más accesibles de noche: cómo los velos son más finos de alguna manera y cómo somos más capaces de conectar nuestro corazón a nuestros verdaderos deseos». Además, indica que quería compartir esta pista como regalo por los tiempos locos en que nos ha tocado vivir (en referencia a la covid-19), como «parte de su corazón».

En este contexto su exquisita producción habitual cuenta con su registro vocal más angelical (casi dream pop) repitiendo sobre una base tecno «sienta tan bien estar sola»… solo para que la apostilla final («contigo») dote de un nuevo sentido a toda la composición.

Lo mejor del mes:

«Solo sobreviven quienes permanecen en sus casas»: cómics que parecían hablar de esta pandemia

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Sr. John

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22 abril, 2020

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‘El Eternauta’, por H.G. Oesterheld y Francisco Solano López

Un fenómeno silencioso e invisible, el mismo que nos tiene recluidos estas semanas, barre la ciudad de Buenos Aires. No deja de nevar, los transeúntes caen fulminados al suelo y los accidentes de coche no dejan de sucederse. Solo sobreviven los habitantes que permanecen en sus casas. Este escenario tan reconocible hoy, ya fue creado a finales de los años 50 en la cabeza de Oesterheld como guionista y con las manos de Solano como dibujante. A pesar del paso de las décadas, sigue siendo uno de los relatos de ciencia ficción más apasionantes del género, alimentado por lo imperecedero que es el miedo a lo desconocido: Netflix prepara una serie sobre ‘El Eternauta’.

Publicado por entregas entre 1957 y 1959 -de ahí su uso de la repetición en algunas partes-, ‘El Eternauta’ ha sido reeditado en numerosas ocasiones, siendo la más sonada por su repercusión en Estados Unidos la de su 50º aniversario. El tono de producción cinematográfica incluye una ardua dialéctica entre sus protagonistas para llegar a acuerdos y tomar en grupo las decisiones que afectan al colectivo. La raza humana tiene que unirse, dejando patente que la política tiene que quedar fuera, y que ha de ser el sentido común o la ciencia, dependiendo del emplazamiento, lo que ha de tomar el relevo. Oesterheld desapareció en Argentina en 1977, siendo ejecutado en 1978 por los militares. En este libro aparecen algunas de sus agudas observaciones.

‘Un adiós especial’, por Joyce Farmer

Quien más, quien menos tiene unos abuelos o unos padres aislados en su domicilio o, para mayor incertidumbre, en una residencia. ‘Un adiós especial’, de la norteamericana Joyce Farmer, muestra los pormenores diarios de un matrimonio de ancianos. Una etapa de dependencia y pérdida de facultades que se agrava por el alejamiento del resto del mundo en primer término, para después acentuarse el de la propia familia.

Farmer retrata esa cuenta atrás con la precisión del tic-tac de un reloj, conmovedora en las tareas del día a día pero feroz en episodios como el de los disturbios de abril de 1992 en Los Ángeles. Entonces, la absolución de cuatro agentes de la policía tras propinar una paliza a un taxista negro supuso el confinamiento de su población durante una semana, con cortes de luz y teléfono por la oleada de incendios durante las protestas. Un silencio informativo tanto de la familia como de las revueltas que se suceden en la calle, que poco o nada tiene que ver con el desconcierto de estos meses de 2020.

Pero no todo son tristezas. El humor, la conexión interior de la pareja, la resistencia a la adversidad unidos complementando uno las deficiencias del otro, la complicidad ante lo inesperado y la ocultación de sucesos para no preocupar producen un torrente de sensaciones más curativas que la explosión de consejos y memes que recibimos en nuestro móvil desde que estamos en esta crisis del coronavirus.

‘La Casa’, por Daniel Torres

Hace cinco años Daniel Torres coincidía en título con una obra de Paco Roca, y aunque ambos fueron habituales en las listas de lo mejor de 2015, Roca arrambló con el Premio Nacional al Mejor Cómic del Año y arrasó entre el público. En verdad, solo comparten el nombre de un espacio vital que se ha convertido esta primavera, sin nadie esperarlo, en un lugar de reconciliación con nuestro tiempo. El trabajo de Torres excava, en sentido literal aunque sin extenderse cual tratado de arquitectura, en esa propiedad privada que nos cuesta tanto mantener desde el Neolítico.

Estructurado en 26 capítulos, compagina ilustración, la labor enciclopédica y el cómic con un manto costumbrista para todos los públicos, siendo sus protagonistas personas anónimas que se funden generación tras generación. Abarcando de manera cronológica períodos que van desde la Edad de Hierro, la Antigua Grecia y Roma, La Edad Media, el Renacimiento, la Revolución Industrial, los rascacielos y la casa del siglo XXI, entre otros, con recursos que cambian en cada etapa de estilo gráfico, ‘La Casa’ hace de su autor otro con identidad en sus casi 600 páginas, con un formato que no escatima en esfuerzos. Aun administrado en pequeñas dosis, faltarán días de encierro para el disfrute de este trabajo de investigación.

Adiós a El Príncipe Gitano, un modernizador del flamenco y la copla más allá de su anecdótica versión de ‘In The Ghetto’

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22 abril, 2020

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Según ha confirmado su hija Lola Calderón a Europa Press, ha fallecido Enrique Vargas Calderón, más conocido como El Príncipe Gitano. Tenía 88 años y ha perecido en la residencia donde pasaba sus últimos años, aquejado de coronavirus. Era hermano de la famosa bailaora Dolores Vargas «La Terremoto» –que fallecía algo menos de 4 años atrás–, a la que impulsó en su carrera y acompañó al cante durante años con su alias musical –que le pusieron en su Valencia natal porque era rubio y de ojos verdes, y su madre le llevaba hecho un pincel solo porque sí–. Se hizo especialmente popular a su lado en los años 60 y 70, gracias sobre todo a la célebre rumba ‘Obí obá, cada día te quiero más’ –popularizada internacionalmente por los Gipsy Kings, años después–. Y tuvo un algo mezquino revival a mediados de los 90, ¿gracias? a su versión de ‘In The Ghetto’ de Elvis Presley, que le convirtió en un hazmerreír para las nuevas generaciones. Pero ese sería un bagaje injusto con la carrera de El Príncipe Gitano.

Siendo apenas un adolescente, comenzó a hacer sus primeras actuaciones en el mismo teatro que nada menos que Lola Flores, en los primeros años 50. Y de hecho, pronto fue protagonista de su propio espectáculo de copla y flamenco, que llevó por varios países e incluía en su elenco a unos por entonces solo prometedores Carmen Sevilla, Manolo Escobar y Rocío Jurado, nada menos. Pero estos tuvieron más suerte y vista que su por entonces patrón: él fue el primero en cantar ‘El porompompero’ y ‘Tengo miedo’, pero decidió cedérselas a sus colegas… que luego las convertirían en éxitos descomunales. Su compañía fue también el trampolín de su hermana, donde estrenó su mítico ‘Achilipú’.

Vargas fue un visionario que atinó a modernizar el flamenco y la copla y acercarla a públicos jóvenes, como muestra su adaptación psico-funk de la misma ‘Tengo miedo’, las fusiones rumberas de grandes canciones latinamericanas como ‘Los ejes de mi carreta’ o ‘Cartagenera’ y, también, otras versiones de temas anglosajones –menos esperpénticos– como ‘Delilah’ de Tom Jones u ‘Ob-La-Di, Ob-La-Da’ de The Beatles. Por supuesto tuvo sus años de estrella cinematográfica, como todo cantante de la época que se precie. Pero, como una constante en su carrera, tampoco le fue especialmente bien como actor. Esa especie de malditismo fue casi una constante en su carrera, como cuando estuvo a punto de ir a Eurovisión en 1974 con su hermana y ‘Macarrones’. Al final fue Peret. Pero indudablemente, y pese a careciera de la fortuna indispensable (se dice también que de más cabeza y más voz), sin duda El Príncipe Gitano tiene un espacio significativo en la música popular española.

Fiona Apple / Tidal

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