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‘Killing Eve’: pros y contras de la segunda temporada

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‘Killing Eve’ fue una de las series revelación del año pasado, un estiloso thriller lleno de humor negro que confirmó el talento de su creadora, Phoebe Waller-Bridge, autora también de las dos temporadas de la muy recomendable ‘Fleabag’. En esta segunda temporada, Waller-Bridge, con problemas de agenda (es la guionista de la nueva película de James Bond), ha dejado su puesto a la actriz Emerald Fennell, conocida por ‘Llama a la comadrona’ y que prácticamente debuta como guionista en esta serie (había colaborado en algunos capítulos de ‘Drifters’).

¿Está la segunda temporada de ‘Killing Eve’ (disponible en HBO) a la altura de la primera?

Lo mejor de ‘Killing Eve: Temporada 2’
1. Villanelle. Sus miradas de chiflada, su repertorio de modelitos, sus comentarios sarcásticos, su creatividad criminal (atención al asesinato que imita el cuadro ‘Los cuerpos de los hermanos De Witt’, de Jan de Baen), ese “booooring” que suelta a grito pelado en el Rijksmuseum… El magnetismo del personaje interpretado por Jodie Comer sigue intacto. Cuando aparece en escena, sabes que algo –divertido, terrible, sugerente- va a pasar.

2. El giro argumental. Era más arriesgado que una cabalgata de reyes de Carmena, pero funciona. Otra cosa es cómo se desarrolla la trama a partir de ese momento (ver los contras). La solución es muy eficaz: el argumento de la serie se retuerce como una víctima de Villanelle, y deja al descubierto sugestivas líneas narrativas.

3. Su elegancia y fuerza audiovisual. Desde que aparece el estilizado título de la serie, a toda pantalla y con esas letras “sangrando”, y suena la envolvente música de Unloved, omnipresente durante las dos temporadas, cada capítulo de ‘Killing Eve’ ofrece una buena dosis de imaginativas soluciones de puesta en escena, en especial durante los asesinatos, y un variado repertorio de canciones: ‘Addicted To Love’ (Skylar Grey), ‘Opera House’ (Cigarettes After Sex), ‘Listen To Your Heart’ (Roxette), ‘Felt Mountain’ (Goldfrapp), ‘Baluba Shake’ (Brunetta)… Temas que construyen atmósferas, inyectan densidad dramática a las imágenes y, en algunos casos, proporcionan contrapuntos irónicos.

Lo peor de ‘Killing Eve: Temporada 2’
1. El flirteo. La base argumental en la que se sustentaba gran parte de la eficacia dramática de ‘Killing Eve’ estaba en la relación de atracción/repulsión que se establecía entre las dos protagonistas. En esta segunda temporada, ese vínculo erótico se estrecha al máximo. El resultado de este acercamiento es, paradójicamente, un distanciamiento con el espectador. Cuanto más sube la tensión sexual entre ellas, menos creíble resulta.

2. El final (ojo, spoilers). El (brusco) abandono de la subtrama de la Fantasma no presagiaba nada bueno. El desarrollo de la misión en Roma, plagada de trampas de guión poco sutiles, tampoco. Pero el final, que parece repetir, invirtiendo el orden de las protagonistas, el cliffhanger con el que terminó la primera temporada (la tercera ya está en marcha), ha sido la confirmación: el guión de esta segunda temporada tiene demasiados agujeros. ¡Phoebe, vuelve! 7.

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Cigarettes After Sex / Cigarettes After Sex

Discos de la década: Goldfrapp

Ed Sheeran en Barcelona: uno frente al mundo

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Ed Sheeran saca nuevo disco colaborativo el 12 de julio, pero sigue de gira presentando ‘÷‘, el disco más vendido de 2017 y uno de los más vendidos de 2018. Sheeran podría haber terminado de presentar su tercer disco el año pasado, pero por alguna razón ha decidido extender la gira otro año más, volviéndola a traer a países en los que ya había estado el año anterior, como España, y matándose a tocar por todo el mundo sin apenas descanso. Así, en septiembre se anunciaban dos fechas nuevas en macroestadios de Barcelona y Madrid que lograban vender 70.000 entradas en cuestión de horas, dando buena cuenta del espectacular nivel de popularidad en el que se encuentra el cantautor británico. La gira termina en agosto. [Foto del cartel promocional del European Tour 2019 de Ed Sheeran.]

La fecha barcelonesa ha tenido lugar esta noche del viernes 7 de junio en el Estadio Olímpico Lluís Companys, cuyo aforo es de 55.000 personas, y no ha producido sorpresas. Salvo alguna novedad esperable, como la inclusión en el setlist de una versión acústica de ‘I Don’t Care‘, el nuevo éxito de Sheeran junto a Justin Bieber, lo visto en Barcelona esta noche ha sido casi idéntico a lo visto hace dos años. De hecho, ha tenido que pasar todo este tiempo para que Sheeran recupere de su cajón de canciones guardadas para una mejor ocasión su himno a Barcelona con menciones a la sangría y a la «mamasita rica», aquel tema titulado precisamente ‘Barcelona‘ que iba a ser el primer single de ‘Divide’ antes de existir ‘Shape of You’. Parece que Sheeran todavía no se ha arrepentido de escribirla y ha querido «regalársela» a su público. ¿Gracias?

Para quien no haya visto en directo a Sheeran todavía, sí puede impactar que el cantante sea la única persona presente en el escenario en todo momento. Es realmente grotesco verle actuar solo frente a tanta gente. Ni bailarines, ni coristas aparecen en el escenario, solo él, sus guitarras y sus pedales, con los que graba tomas instrumentales –de guitarra, percusión, o incluso voz– que después reproduce en «loop» a modo de base (en otras palabras, lo que llevan tiempo haciendo Damien Rice o Dominique A, por citar dos ejemplos). Al principio del concierto, Sheeran explica el funcionamiento de estos pedales, añadiendo que la música es, por tanto, totalmente en directo. Durante el transcurso del mismo su uso de este mecanismo puede llegar a impresionar. ¿Cómo puede sonar así un concierto sin músicos más que uno? No deja de tener mérito que Sheeran cargue con el peso de actuar frente a aproximadamente 55.000 personas.

Se le ve cómodo, en cualquier caso, a Sheeran en su papel de superestrella, y no es de extrañar: Sheeran es un tipo sencillo que escribe canciones sencillas, y esta comodidad le ha reportado demasiado éxito como para dejarlo escapar. Uno atiende a la cantidad ingente de fechas que incluye su gira actual y alucina, pero después lo ve en directo y es como ver a un chaval tocando en el pub de la esquina. No, el chico no se desloma en el escenario ni lo necesita, de igual manera que tampoco necesita escribir mejores canciones: simplemente está surfeando la ola que a muchos les gustaría surfear, y lo está haciendo sin despeinarse y, a la vez, llenándose los bolsillos. No se le puede culpar por ello. Sí de escribir letras cuestionables como la de ‘New Man’ o demasiado cursis como la de ‘Perfect’, pero no de querer aprovechar su éxito al máximo.

Por lo menos, Sheeran sí demuestra ser un buen animador, y es curioso lo entretenido que se hace el concierto pese a contar solo con su presencia en el escenario. Sí hay hacia la mitad del set un tramo perfecto para ir al baño, devolver vasos de plástico antes de que se creen colas tremendas, comprar algo de cenar (por cierto, ¿opciones veganas pa cuándo?)… Pero en medio se producen momentos interesantes. Por ejemplo, Sheeran presenta ‘The A Team’ recordando los días en que tocaba «para 5 personas» en Londres, añadiendo que pese a su éxito, sigue tocando las mismas canciones de siempre. Sheeran anima al público tanto a cantar sus canciones a grito pelado como a mantener la calma y lo hace con profesionalidad y corrección, pero también con gusto. El único momento raro, cuando pide al público que mueva arriba y abajo el brazo en ‘Bloodstream’. Dice que queda bien, pero en realidad queda como cuando Marilyn Manson lo hacía en aquel concierto de Eminem en Razzmatazz hace años.

Tantísimos conciertos que incluye esta gira de ‘÷’, y quizá lo mejor que puede decirse de lo visto esta noche en Barcelona es que Sheeran no parece para nada cansado de tocar. Al contrario, pues incluso reconoce que su objetivo de la noche es cantar hasta perder la voz, pues le esperan varios días libres para recuperarse (hasta el 11 de junio, cuando visite Madrid). Puede que el ruido ensordecedor que provocan los primeros compases de ‘Shape of You’, ‘Thinking Out Loud’ o ‘Perfect‘ no sea suficiente para hacer comprender a muchos qué hace un tipo como Ed Sheeran actuando completamente solo frente a tantas decenas de miles de personas, pero la sensación que desprende el británico todo el tiempo es de agradecimiento, y eso hace que uno conecte más con la persona que está viendo en el escenario. La emoción sería la misma si Sheeran tocara todas estas canciones otra vez en Barcelona, pero en un garito con 50 personas.

Billie Eilish vuelve a ser número 1 meses después de la edición de su disco, Hozier no

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Hits


Por si había alguna duda de que el disco de Billie Eilish iba a ser uno de los más exitosos de 2019, ‘When We All Fall Asleep, Where Do We Go?‘ ha vuelto precisamente esta semana al número 1 del Billboard 200 vendiendo otras 60.000 unidades durante esos siete días. Ya había ocupado esa posición anteriormente, pero para mostrar que no es que sus fans compraran o escucharan el álbum durante la primera semana para después pasar a otra cosa, el álbum vuelve a subir. Además, el single ‘bad guy’ asciende al puesto 2 en la lista estadounidense de singles. Mediatraffic estima las ventas actuales del largo en 1,7 millones de unidades. A estas alturas no es que sea seguro que se rebasarán los 2 millones, sino que serán 3 fácilmente hacia finales de año.

El éxito de Billie Eilish no se ciñe a América y el álbum continúa en los lugares de cabeza en varios territorios. Es aún número 4 en Reino Unido (hoy baja desde el puesto 2), y en España sorprende mucho su pelotazo en streaming. ‘When We All Fall Asleep, Where Do We Go?’ ha sido número 1 en España en la tabla de los discos más oídos durante 6 semanas. Curiosamente es en verdad México DF la ciudad donde más la oyen y Billie Eilish es en general la 3ª artista más oída en el global de Spotify ahora mismo. Sin duda, uno de los personajes del año.

Flops


Quien no parece contar con un público tan fiel es Hozier, que sí lograba ser número 1 en Estados Unidos con su último disco ‘Wasteland, Baby!’, pero después desaparecía del top 100 de este país tan solo tras 6 semanas. Pese a ser irlandés, el álbum ha funcionado incluso peor en Reino Unido, donde el álbum solo alcanzaba el puesto 6 y un mes después abandonaba el top 100. ‘Almost (Sweet Music)’ tiene una presencia considerable en Spotify (60 millones de reproducciones), pero los casi 1000 millones de reproducciones del hit de su debut ‘Take Me to Church’ pesan demasiado, así como los 100 y los 200 millones de otros temas de ‘Hozier’ (2014)… ¿que quizá se editó hace demasiado tiempo? De momento no hay certificaciones para este nuevo álbum mientras el anterior sobrepasó el millón de unidades, y hay que preguntarse qué podría levantar su carrera si no lo ha hecho un temazo como ‘Nina Cried Power’.

Adiós a Chicho Ibáñez Serrador, el hombre detrás de ‘Quién puede matar a un niño’ y la Botilde

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Narciso «Chicho» Ibáñez Serrador ha muerto en Madrid a los 83 años, como informa RTVE, tras haber sido ingresado de urgencia este mismo viernes, y haber recibido el Goya de Honor hace tan solo unos meses.

Chicho será recordado por todos los que vieron algún tipo de televisión durante la década de los 80 por estar detrás del histórico ‘Un, dos, tres’, aquel concurso misteriosamente hipnótico que los espectadores veíamos los viernes por la noche y repetido los sábados por la mañana, y que dejó elementos tan vinculados a la cultura pop como la Botilde o las Tacañonas. Pero Chicho Ibáñez Serrador había sido antes cineasta, aunque gran parte del público no se molestara en averiguarlo. Gran seguidor de Hitchcock como se aprecia en su cinta ‘La residencia’ (1969), realizó también una serie a lo ‘La hora de…’, ‘Historias para no dormir’. Su gran obra maestra fue ‘¿Quién puede matar a un niño?’, uno de los mejores y más incómodos thrillers del cine español durante el siglo pasado. Desde entonces, muchos nunca volvimos a ver a los niños de igual manera.

Ibáñez Serrador había nacido en verdad en Montevideo (Uruguay) en 1935, llegando a nuestro país durante los años 50, trabajando en España como actor en la compañía de teatro de su madre. Después volvió a Argentina y finalmente se asentó en nuestro país en 1963 incorporándose a TVE.

Gang of Four sustituyen a Melvins en el Azkena Rock Festival

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Gang of Four se incorporan al Azkena Rock Festival tras la cancelación de Melvins. Un problema de salud de Dale Crover hace escasos dos días le impedirá realizar actuaciones y ha obligado a Melvins a cancelar la totalidad de su tour europeo.

En su lugar actuarán como decíamos Gang of Four, uno de los grupos más influyentes del post-punk, que además están de gira celebrando el 40 aniversario del seminal ‘Entertainment!’. Según la nota de prensa de Azkena, «Gang of Four regresan a Vitoria-Gasteiz para interpretar en el ARF el que será su primer concierto en Europa tocando íntegramente su legendario álbum ‘Entertainment!’, celebrando el 40 aniversario de su aparición en una ocasión más que histórica». Os recordamos que el festival se celebrará los próximos 21 y 22 de junio en Mendizabala, Vitoria-Gazteiz, y os dejamos con los horarios.

Viernes 21:
Plaza de la Virgen Blanca
13:30h TAMI NEILSON (Gratuito)

Mendizabala
17:00h Apertura de puertas

God
17:30 MICKY & THE BUZZ
19:15 THE LIVING END
21:45 STRAY CATS
00:40 THE B-52S

Respect
18:20 SURFBORT
20:35 DEADLAND RITUAL
23:20 BLACKBERRY SMOKE
02:00 GLASSJAW

Love
18:00 GIANTE
19:15 INGLORIOUS
20:45 LUCERO
23:15 TROPICAL FUCK STORM
02:00 THE HILLBILLY MOON EXPLOSION

Trashville- Trash a go-go!
19:00 DOLLAR BILL & HIS ONE MAN BAND
21:00 THE CHEATING HEARTS
23:00 LOS DUQUES DE MONTERREY
01:00 BLIND RAGE & VIOLENCE
02:30 DJ BOP HOP
04:30 CRISTINA SANDALIA

Trashville- Rat Hole
18:30 LUCHA EXTREMA MEXICANA
20:30 LUCHA EXTREMA MEXICANA
23:30 LUCHA EXTREMA MEXICANA
02:15 LAURA PREMINGER
04:15 DJ SEÑOR LOBO

Sábado 22

Plaza de la Virgen Blanca
13:30h DANNY & THE CHAMPIONS OF THE WORLD (Gratuito)

Mendizabala
17:00h Apertura de puertas

God
17:30 OUTGRAVITY
19:15 TESLA
21:45 WILCO
00:35 THE CULT ‘A SONIC TEMPLE’

Respect
18:20 MT. JOY
20:35 NEKO CASE
23:20 GANG OF FOUR
02:10 PHILIP H. ANSELMO & THE ILLEGALS

Love
18:00 GARBAYO
19:15 MEAT PUPPETS
20:45 CORROSION OF CONFORMITY
23:15 MORGAN
02:10 STARCRAWLER

Trashville- Trash a Go-Go!
19:00 THE COURETTES
21:00 DEADBEATZ
23:00 LOS TORONTOS
01:00 PUSSYCAT & THE DIRTY JOHNSONS
02:30 DEBORAH DEVOBOT
04:30 WOLF-A DJ

Trashville- Rat Hole
18:30 LUCHA EXTREMA MEXICANA
20:30 LUCHA EXTREMA MEXICANA
23:30 LUCHA EXTREMA MEXICANA
02:15 DJ ARBIS vs DJ GAUTXOS
04:15 HOLY CUERVO DJS

Honolulu / Honolulu

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Arranca a sonar ‘Weather Love’ y parece imposible que Honolulu, que para más inri son un dúo chico/chica –los hermanos Léa y Quentin Mével– de origen francés –como Victoria Legrand–, se libren de ser comparados con Beach House. Esto es a la vez una virtud –en tanto que define claramente a su público potencial– y una condena –las odiosas comparaciones, etcétera–. Pero al escuchar ‘Honolulu’, su disco debut, da la sensación de que a ellos no les importa un pimiento con quién se les compare, sino hacer las canciones más bonitas y evocadoras con las que puedan identificarse. Esa es su baza, y es ganadora.

Porque claro, las guitarras cristalinas de Alex Scally, los sintes lynchianos de Legrand y la voz rotunda y por momentos quebradiza de la misma Victoria –siempre es complicado medirse con ella, pero Léa es una solista muy digna– emergen en algunos momentos… como también lo hacen en otros ecos de Luna y Galaxie 500, The Fiery Furnaces (y no por ser otro grupo de hermanos) o incluso de Velvet Underground. Pero lo más destacable de Honolulu no es que hagan dream pop en ciertos cánones –de sonido limpio, no brumoso–, sino que lo hacen bien. Es decir, lo importante es que construyan un debut sólido a base de bonitas canciones capaces de encandilar a cualquiera.

Si ya eran seductoras ‘Sparrows’ y ‘Bats’, primeros adelantos del disco presentados hace meses, la confirmación de su agudeza para construir preciosas melodías y engalanarlas con un vestido musical misterioso y sugerente llega con nuevas piezas irresistibles como la terna ‘Boys In The Park’, ‘Not a Star’ y ‘Stop the Time’, un cogollo central rotundo. En torno a él gravitan cortes tan candorosos como ‘What It’s Like’ (de bonita línea vocal, con un punto soul) y ‘Weather Love’ u oscuros (también menos brillantes) como ‘Summer Danger’ o el ceñudo ‘Alfa’, conformando un buen conjunto que solo queda algo deslucido por una producción y una masterización algo básicas, que no sacan todo el partido que podrían al material.

Pero a veces, donde no llegan el presupuesto o la técnica, sí da con el romanticismo y la poesía, o la traslación de una buena historia personal: Honolulu es el resultado de la reunión de Léa y Quentin en Barcelona tras años separados (él continuó viviendo en su natal Rouen un largo tiempo mientras que ella se trasladó a la capital catalana) y probando suerte en distintas aventuras musicales. Con ‘Honolulu’ buscan su propia esencia, evocar la intimidad del dormitorio que compartieron de niños, como si abrieran una caja que contuviera los mejores tesoros cosechados durante su infancia y que, quizá, sean esos que vemos extendidos en la portada del disco. Una idea tan preciosa como muchos momentos musicales de su primer largo. Honolulu actúan mañana, 8 de junio, en la sala Heliogàbal de Barcelona, en el evento Denso d’Estiu. Luego, el 5 de julio estarán en Vida Festival, y el 15 del mismo mes en Festival Jardins Pedralbes, como teloneros de su compatriota LP.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Boys In The Park’, ‘Sparrows’, ‘Bats’, ‘Stop The Time’, ‘Not a Star’
Te gustará si te gusta: Beach House, Wye Oak, Luna, The Fiery Furnaces
Escúchalo: Spotify

Brian Wilson pospone sus conciertos de junio aludiendo a una «inseguridad mental» que padece

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Brian Wilson ha anunciado la postergación de su gira de junio por Estados Unidos aludiendo a una «inseguridad mental» que padece. El fundador de The Beach Boys, que sufre un trastorno esquizoafectivo, y cuyos problemas mentales son conocidos desde mediados de los años 60, llegando el propio Wilson a reconocer que sufre alucinaciones auditivas en forma de voces, ha publicado una honesta carta en su página web explicando la razón de la suspensión de esta gira y agradeciendo a sus fans el apoyo.

«No es ningún secreto que desde hace décadas vivo con una enfermedad mental», empieza la misiva de Wilson. «Ha habido veces en que ha sido insoportable pero gracias a los doctores y a los medicamentos he podido vivir una vida maravillosa, sana y productiva con el apoyo de mi familia, amigos y de mis fans. Todos ellos me han ayudado en este viaje. Como sabréis, en el último año me he sometido a tres operaciones de espalda. Las operaciones han sido exitosas y físicamente me siento más fuerte de lo que lo he hecho en mucho tiempo».

El texto continúa: «Sin embargo, después de mi última intervención, empecé a sentirme extraño y esto ha sido bastante aterrador durante un tiempo. No me he sentido como yo mismo. Mentalmente inseguro es como lo describiría. No estamos seguros de cuál es la causa pero lo que sí sé es que no seguir en la carretera no es bueno para mí, así que estoy de vuelta en Los Ángeles».

«Tenía toda la intención de hacer esto conciertos y estaba emocionado por volver a actuar», escribe Wilson. «He estado en el estudio grabando y ensayando con mi banda y me he estado sintiendo mejor. Pero entonces esta sensación se ha vuelto a adueñar de mí y he estado lidiando con cosas en mi cabeza y diciendo cosas que no quiero decir, y no sé por qué. Es algo que nunca me ha pasado y todavía no damos con la causa. Voy a descansar, recuperarme y trabajar en esto con mis doctores. Espero veros al final de año. La música y mis fans me dan la motivación que necesito para seguir adelante y sé que esto será algo que DE NUEVO voy a superar».

No es broma: se acerca ‘2099’ de Charli XCX y Troye Sivan; la primera publica de momento nuevo single con BTS

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El tabloide británico Metro publicaba hace unas semanas la exclusiva de que la boyband coreana BTS y la cantante británica Charli XCX habían colaborado en una nueva canción supuestamente llamada ‘Glow’. Se desconocía entonces cuál había sido el papel exacto de Charli en esta canción, pues además de firmar proyectos propios suele componer para otros artistas, por lo que su participación en ‘Glow’ podía ser meramente autoral… como la de Ed Sheeran en uno de los temas del último EP de BTS. Por otro lado, BTS vienen de triunfar con ‘Boy with Luv’ junto a Halsey, aunque la colaboración de esta se limitaba a cantar el estribillo en la versión de estudio de la canción (en el vídeo ni siquiera suena su voz o es a duras penas audible, aunque al menos la cantante sí aparece junto a la banda). En otras palabras, una colaboración entre BTS y Charli XCX podía ser desde un crédito de composición hasta unos coros pasando por un estribillo, nunca realmente un dueto. ¿Qué es ‘Glow’?

El tema acaba de llegar a las plataformas con el título de ‘Dream Glow’ y sí, es claramente un dueto de BTS y Charli, en el que ambos artistas se reparten de manera bastante justa el protagonismo. Aunque cabe mencionar un matiz, pues los únicos miembros de BTS presentes en la canción son Jin, Jimin y Jungkook. La canción tiene un ritmo trap, sintetizadores luminosos y una melodía memorable al instante, por lo que no extraña que BTS la hayan escogido para presentar la banda sonora de su nuevo videojuego para móviles, BTS World, que llega el 26 de junio.

‘Dream Glow’ es otra novedad de Charli XCX después de ‘Blame it On Your Love’, su single junto a Lizzo, y ‘Spicy’, su versión-chorra de ‘Wannabe’ de Spice Girls. Pero hay más, porque la artista está a punto de sacar tajada al éxito de ‘1999’, su single con Troye Sivan, publicando una nueva colaboración con el cantante australiano que será claramente una segunda parte de esta canción. Se titula, atención, ‘2099’. ¿Qué puede salir de esto? Pues un tema atiborrado de autotune que Charli y Troye ya han presentado durante un concierto en Go West Fest -un festival creados por ellos mismos con motivo del Orgullo en Los Ángeles-, confirmando su título tan pronto ha aparecido en el setlist.


MUNA anuncian nuevo disco de portada ultra 90s y presentan el vídeo de ‘Number One Fan’

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MUNA vuelven. El grupo estadounidense de synth-pop formado por Katie Gavin, Josette Maskin y Naomi McPherson, que despuntara allá por 2017 con su single ‘I Know a Place’ y después con su debut oficial ‘About U‘, en una línea próxima a Haim y sobre todo a Carly Rae Jepsen y similares proyectos de pop ochentero tipo Fickle Friends o Ralph, tiene un nuevo disco preparado para el 6 de septiembre llamado ‘Saves the World’, de portada ultra noventera y «cool».

El primer avance de ‘Saves the World’ es un tema rítmico de título muy pop, ‘Number One Fan’. Es un retrato de la inseguridad juvenil con giro inesperado (o no tanto). La primera estrofa nos habla desde el tedio más absoluto: «he escuchado las malas noticias: nadie me quiere y voy a morir sola en mi habitación, mirando a desconocidos a través de mi teléfono», dejando una sentencia de muerte tamaño «he nacido para perder». Sin embargo, la narradora se mira entonces en el espejo y su actitud cambia en la segunda estrofa: «he escuchado las malas noticias: voy a por todas y más fuerte que nunca, tengo nuevo pelo y zapatos nuevos, consigo lo que quiero porque hago lo que quiero».

‘Number One Fan’ es por tanto un tema que MUNA se dedican a sí mismas y que está llamado a empoderar a sus fans. El mensaje está claro: no hay nada mejor que ser «fan número uno» de uno mismo. El videoclip para el tema juega con el sentido de la letra mostrándonos a Katie siendo perseguida por las varias personas que desearía ser. Aunque lo más destacable sea quizá su estética de peli indie de finales de los 90 o principios de los 2000, un poquito ‘Ghost World’.

Liam Gallagher se siente «libre» en ‘Shockwave’, el primer single de su próximo álbum

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Liam Gallagher firma uno de los lanzamientos destacados de hoy viernes 7 de junio. ‘Shockwave’ llega poco menos de dos años después de ‘As You Were‘, el último álbum en solitario de Gallagher hasta la fecha, y es el primer single oficial extraído de su próximo disco de título tan propio de él como siempre, ‘Why Me? Why Not?’.

De momento no se ha concretado la fecha de lanzamiento de ‘Why Me? Why Not?’, pero lo que confirma ‘Shockwave’ es que el disco mantendrá el sonido de rock añejo y épico que tanto gusta al ex componente de Oasis. De hecho, Gallagher ha reconocido explícitamente a NME que su nuevo trabajo será una «continuación» del anterior, usando una analogía con Oasis: «si escuchas ‘Definitely Maybe’ y ‘‘What’s The Story (Morning Glory)?’, un disco es más punk y el otro es más épico, ¿entiendes lo que quiero decir? Eso es progresión. Es alguien en la cima de su arte. A la gente no le va a decepcionar. Creo que la gente va a flipar con el disco».

En este sonido, ‘Shockwave’ hace uso de una letra que clama a la «libertad» después de un periodo de oscuridad, y que parece dirigirse a un enemigo de manera desafiante: «recoges lo que siembras, traicionaste a todos tus amigos, así que no te atrevas a mirar hacia otro lado, para hacerte llorar no tengo que hacerte nada, porque ya viene hacia ti desde el cielo estrellado». Por si no fuera suficiente humillación, Liam añade: «eres una serpiente, una comadreja, un guijarro en el mar». Gallagher presentará este y otros temas el mes que viene en Bilbao BBK Live y en Festival de Cap Roig.

Fallece Dr. John, el hombre que convirtió el rock en un espectáculo vudú

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Mac Rebennack, el artista de R&B, rock y blues más conocido como Dr. John, ha fallecido a los 77 años a causa de un infarto, ha confirmado su familia tal y como recoge Rolling Stone.

Toda una institución en Nueva Orleans y de la música americana, Dr. John era conocido sobre todo por los álbumes que publicó entre finales de los 60 y principios de los 70 y por sus espectáculos teatrales inspirados en el Mardi Gras, las ceremonias de vudú y los «medicine shows». ‘Gris-Gris’, su debut de 1968, y los álbumes ‘Dr. John’s Gumbo’ (1972) e ‘In the Right Place’ (1974) se consideran sus obras maestras, mientras el músico incluso llegó a colocar un hit en el top 10 de Billboard, ‘Right Place, Wrong Time’, en 1973.

Nacido en 1941, Rebennack empezó su carrera en los 50 como músico de sesión, labor que jamás abandonaría, llegando a tocar tanto en grabaciones de Sonny & Cher, Frank Zappa and the Mothers of Invention o en el musical sobre los Beatles ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’, como en ‘Ladies and Gentlemen… We Are Floating into Space‘, el celebrado álbum de Spiritualized de 1997. A mediados de los 60, Rebbenack inventó a Dr. John, un personaje inspirado en la vida de un príncipe senegalés llamado Dr. John que viene de Haití a Nueva Orleans, creando un icono gracias a sus estrambóticos atuendos y directos.

Aunque discográficamente, Dr. John no obtuvo demasiado éxito comercial en los últimos años de su carrera (su último éxito significativo, ‘(Everybody Wanna Get Rich) Rite Away’, data de 1974), el artista no dejó de tocar, colaborar con otros artistas, aparecer en películas (él canta la canción de apertura de la película de Disney de 2009 ‘La princesa y el sapo’) ni mucho menos de publicar discos, como un ‘Locked Down’ producido por Dan Auerbach de The Black Keys que vio la luz en 2012. En total, Dr. John ganó 6 Grammys y fue incluido el Paseo de la Fama del Rock ‘N Roll en 2011.

Alfred García, astronauta caído, se enfrenta a sí mismo en el vídeo de ‘Wonder’ con Pavvla

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Alfred García ha estrenado el videoclip de ‘Wonder’, el tema de su disco que se parecía un poquito a Bon Iver, y que incluye la colaboración de su colega Pavvla. La autora de ‘Secretly Hoping You Catch Me Looking‘ hace de mano salvadora para el astronauta caído en esta superproducción de CraneoMedia, responsable de los primeros vídeos de Nathy Peluso, entre otros, aunque el vídeo presenta más símbolos.

El más impactante es el que parece aludir a la fama, en una escena en la que vemos a Alfred crucificado cual Jesucristo mientras es fotografiado por varios paparazzi. Es una de las dos versiones de sí mismo con las que el astronauta caído -que viene ‘De la Tierra hasta Marte‘- se encuentra durante su duro periplo marcial. Más adelante le espera un Alfred ataviado con un esmóquin… quemando una montaña de vinilos de ‘1016‘.

Al final, Pavvla rescata a Alfred y ambos se cobijan en el interior de un coche futurista camino a… ¿Madrid? ¿Londres? Sí, parece que el próximo vídeo de Alfred volverá a estar conectado con los anteriores. Cabe preguntarse si volverá a tardar seis meses en llegar, pero no se puede decir que la demora no haya valido la pena: el vídeo gustará más o menos pero memorable es un rato.

Mykki Blanco protagoniza el vídeo de ‘Dark Ballet’, uno de los más enigmáticos de Madonna

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¿Recordáis a Mykki Blanco? Yo sí. Le vi actuar en el FIB hace dos años y decidí otorgarle el titular del día pese a actuar en la misma jornada que Los Planetas, La Casa Azul, Foals o Deadmau5. Madonna también se ha fijado en Mykki y, sin que nadie lo adivinara, lo ha situado en el ojo del huracán en su nuevo vídeo, ‘Dark Ballet’, otro de los temas de ‘Madame X’.

Emmanuel Adjei, que se ha popularizado por su trabajo con Sevdaliza, dirige este videoclip, una actualización de la quema en la hoguera de Juana de Arco (Madonna ya tenía una canción clave así llamada), con la clásica iconografía religiosa de alguien que al fin y al cabo se llama Madonna, y un montaje vertiginoso en la línea de los últimos DVD’s de la artista. El fondo es una canción dividida en actos como el ‘Cascanueces’ de Tchaikovsky, al cual referencia, algo perjudicada por el enorme hype que la prensa británica ha montado en torno a ella esta semana, pero definitivamente más excitante de lo que se entrevió en su avance en la gala MET hace más de un año.

‘Dark Ballet’ sucederá a ‘Medellín‘ en la secuencia de ‘Madame X’ como pista 2, lo cual viene a certificar que Madonna no está nada desesperada por el éxito popular como algunos piensan: tal y como están los ritmos hoy, la mayoría desertará en cuanto suene esto, quizá para no volver al disco jamás. Una crítica de 1958 del ballet ‘El Cascanueces’ consideró que «la transición entre el mundo rutinario de la primera escena y el mundo fantástico de la segunda es demasiado abrupto», y eso es exactamente lo que sucede con ‘Dark Ballet’.

Y sin embargo, sí es una canción enigmática y llena de dobles sentidos que según Madonna habla sobre las redes sociales (su toxicidad, su narcisismo, su criticismo), pero también lo hace sobre la libertad en general y los estigmas en particular. Al final del vídeo se recuerda que Mykki Blanco es VIH-positivo, y si crees que el siglo XXI es el de la información y la ausencia de estigmas, baja a la calle y pregunta a la primera persona que encuentres qué es ser VIH-positivo, haber desarrollado el sida y ser indetectable… y luego déjanos un comentario sobre desinformación y estigmas.

Mientras la letra no está exenta de humor («¿can’t you hear outside of your supreme hoodie?»), musicalmente, la co-producción de Mirwais está caracterizada por la aparición de unos sintetizadores que, en la parte central, dejan a un lado el mejor piano grabado de toda la carrera de Madonna (probablemente lo ha ejecutado João Ventura) para dar protagonismo a un modulador vocal. Sobre el papel, esa parte parecía la de un papanatas que defendía frases ininteligibles pero ya encontrables en Genius como «Dios está de mi lado». Nada más lejos: en el vídeo, es Mykki Blanco quien recita esa parte a la desesperada, enriqueciendo el doble sentido del diálogo de la grabación, desdibujando su sentido autocrítico o irónico. Oyes el final del tema, con varias bocanadas de aire animando el fuego destructivo al que alude la letra, primero en un sentido, luego en otro; y no sabes quién ha terminado de arder. ¿Ha sido «una vida hermosa»? Permitidme que lo dude, y qué pena…

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Muy fuerte la que está liando @_mykki_ en el #fib2017

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Rosalía firma con Universal Publishing, pero seguirá distribuyendo su música en Sony

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Rosalía es hoy noticia en el Billboard tras su fichaje por Universal Publishing, la editorial del gigante discográfico. La noticia puede ser algo confusa pues la cantante barcelonesa acababa de firmar un contrato con Sony Internacional en septiembre y, de hecho, su reciente single ‘Aute Cuture’ ha sido lanzado, como ‘Con altura’ y ‘El mal querer‘, a través de Columbia Records, una de las subdivisiones de Sony.

El fichaje de Rosalía por Universal Publishing significa que la cantante firma con la parte editorial de Universal, no la distribuidora que se encargó de llevar al mercado ‘Los ángeles‘. En otras palabras: los derechos de autor de las canciones de Rosalía de aquí en adelante serán cosa de Universal, que es además la discográfica en la que Rosalía licenció su debut con Refree auto-editado antes de fichar por Sony, solo unos meses antes del lanzamiento de ‘El mal querer’. Sin embargo, la venta y promoción de los álbumes y la distribución de los mismos en las tiendas de todo el trabajo de Rosalía de aquí en adelante -excluyendo ‘Los ángeles’- seguirán estando a cargo de Sony.

Jody Gerson, CEO de Universal, ha celebrado el fichaje de Rosalía: «Como artista, Rosalía tiene total control de su propio destino. Más allá de su forma de componer, producir e interpretar, ha creado un nuevo híbrido de flamenco y está rompiendo sus fronteras culturales. Reconozco la grandeza en cuanto la veo, y cuando veo a Rosalía, sé que es una voz importante. Ella tendrá sin duda una gran carrera y UMPG está deseando acompañarla en ese viaje». Por su parte, la autora de ‘Di mi nombre’ ha expresado su ilusión por esta nueva aventura en sus redes: «Gracias Jody Gerson por confiar en mí, como compositora es un honor haber firmado con @UMPG y me siento muy feliz al formar parte de esta casa que cuenta con tantos artistas a los que admiro!!!»

ionnalee / REMEMBER THE FUTURE

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No fue ningún espejismo la desazón y el desencanto con el mundo de la música que Jonna Lee dejaba ver en ‘EVERYONE AFRAID TO BE FORGOTTEN’, su primer disco sola tras la aventura iamamiwhoami. Especialmente con parte de su fandom, que la tildaba de “diosa” y autogeneraba unas expectativas exageradas para ella –algo de lo que ha hablado públicamente Marina Diamandis, por ejemplo–. Hasta el punto, según ha confesado en redes sociales, de llegar a plantearse “tirar la toalla creativamente” el pasado año. Sin embargo, todo ha cambiado en pocos meses: ha recapacitado, recobrado la excitación por la música y publicado un nuevo disco, este ‘REMEMBER THE FUTURE’. Y todo gracias a… sus fans.

Esos fans que contribuyeron a financiar a través de crowdfunding una gira mundial, el entusiasmo y energía que le transmitían en sus conciertos, explica ahora, fueron cruciales para recuperar la ilusión y animarse a escribir un nuevo disco. Pero en realidad, según explica en Genius, muchas de estas canciones no son nuevas: varias de ellas pertenecían a un álbum titulado ‘Mouth of a River’ que planeaba publicar como Jonna Lee en 2012, cuando el huracán iamamiwhoami se llevó a aquella cantante de folk pop por delante. Una de ellas es ‘OPEN SEA’ que, según Lee, fue el germen de ‘blue’, segundo disco de su proyecto paralelo junto a Claes Björklund. Pero resultaba tan profundamente personal, que decidió guardarla para el momento propicio.

El momento propicio es este ‘REMEMBER THE FUTURE’: es el single principal y abre simbólicamente el álbum, estableciendo el tono de esta obra. Como vimos en su vídeo oficial, ‘OPEN SEA’ puede ser una metáfora de la deriva destructiva de la Humanidad. Una temática que también subyace en las letras de ‘SOME BODY’ y ‘REMEMBER THE FUTURE’, los otros dos temas destacados del álbum como singles y que conforman con aquella una trilogía musical –son las tres únicas canciones creadas junto a su compañero en iamamiwhoami– y estética –cuidada al detalle, pese a su limitación de medios– que configuran la cúspide de este trabajo. En todos ellos habla de la necesidad de un faro, una guía en tiempos oscuros que nos impulse y nos dé esperanza. Pero, como ha confesado Jonna, esa lectura no sólo puede ser universal sino también íntima: en realidad, el impulso de escribir estas canciones fue servir de asidero para alguien muy cercano a ella –quizá ella misma– que estaba pasando por dificultades personales.

Sea cual sea la interpretación que elijamos, lo cierto es que sobre todo ‘REMEMBER THE FUTURE’ sobrevuela esa sensación de esperanza, no sin cierta tristeza pero sin la oscuridad fangosa y asfixiante de su anterior trabajo como ionnalee. Lo hace de manera muy clara en el corte titular que, como ‘OPEN SEA’, es una cuidada construcción instrumental que pasa por distintas formas y fases en torno a su melodía con ínfulas de himno, rematado con ese inspirador “this is not the ending”: esa coletilla al final de cada estribillo resume la idea de que vivir en un mundo de mentira dispuesto por una artista pop es también una manera de vivir con esperanza. De manera análoga, ‘SOME BODY’ habla de la nostalgia como escondite ante un futuro que, aunque pueda traer sufrimiento (“¿Por qué no me dejas hablar de la tristeza del mañana?”), es tan inevitable como excitante.

Esas tres canciones, como decía, conforman la cumbre del disco y este está construido en torno a ella. Pero eso no significa que sea despreciable, ni mucho menos. De hecho, en general ‘REMEMBER THE FUTURE’ es una obra más consistente que ‘EATBF’ y que, sobre todo, consolida a Jonna como autora y productora. Porque aunque canciones como ‘WIPE IT OFF’ –sutil hasta ese final un tanto TR/ST–, ‘SILENCE MY DRUM’ y el precioso final de ‘i KEEP’ brillen un poco menos, son mucho más que meros “fillers”. Pero, sobre todo, porque Lee se crece en los dos duetos del disco: la exquisita transición de la quietud a la épica de ‘MATTERS’, interpretada junto a Zola Jesus (el featuring no podía ser más ideal: ambas parecen unas Zipi y Zape del dark pop separadas al nacer), es uno de los mejores momentos del disco; como también lo es ‘CRYSTAL’, un insólito coqueteo con texturas de R&B que nos regala una preciosa interpretación a dos voces junto a la también sueca Jennie Abrahamson.

‘REMEMBER THE FUTURE’ es algo árido en las primeras escuchas y no es intachable: a diferencia de ’ISLANDER’ –magnífica transición instrumental–, ‘RACE AGAINST’ no aporta nada significativo, mientras que la versión de ‘Mysteries of Love’ de Julee Cruise no termina de encajar en el desarrollo pese a ser una auténtica fantasía (Jonna, Röyksopp, David Lynch y Badalamenti, ¡juntos en la misma canción!). Pero eso no empaña el hecho de que ionnalee logra en este segundo disco bajo ese nombre consolidarse como una creadora única, capaz de idear todo un maravilloso universo artístico. Y no lo olvidemos, desde la autogestión. Sólo Odín sabe de lo que sería capaz de contar con el apoyo financiero y promocional de una multinacional.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘OPEN SEA’, ‘REMEMBER THE FUTURE’, ‘SOME BODY’, ‘MATTERS’, ‘CRYSTAL’
Te gustará si te gusta: Robyn meets Depeche Mode, Austra, TR/ST
Escúchalo: Spotify

Escucha lo nuevo de Liam Gallagher, Mabel, The Divine Comedy, Cecilio G., Madonna, Jonas Brothers, Aitana, Avicii, Kase.O…

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Una semana más renovamos nuestra playlist Ready for the Weekend con las novedades más destacadas. Junto al álbum de La Prohibida lanzado en las postrimerías de la pasada semana, este viernes llegan los nuevos discos de The Divine Comedy, Yeasayer, Virginia Maestro (acaba de posponerse), Jonas Brothers, Aitana, Jamie Cullum, AURORA, Lust For Youth, Silversun Pickups, Peter Perrett, Ruiseñora, Scott Mannion (neozelandés afincado en Valencia en cuyo debut colaboran tanto Lawrence Arabia como Renaldo & Clara), Tyga, Plaid, Vicente Navarro y Pixx, además de históricos como Gloria Gaynor y Santana o el disco póstumo de Avicii, que se ha adelantado a esta misma tarde e incluye colaboraciones de Chris Martin (Coldplay), Imagine Dragons o Noonie Bao. También se han lanzado EPs de Future, el joven rapero TTY y la promesa británica Swimming Girls, mientras que Cecilio G. ha presentado nueva mixtape, ‘Todos presos’.

Desde el pasado fin de semana hemos ido descubriendo adelantos de los próximos álbumes de Bon Iver, Pîxies, Róisín Murphy, Daphni, DORA (Salvatore, la hija de Bimba Bosé, producida por Pional), Mariana Montenegro (ex-Dënver), Girl Band o Ty Segall, además de la ya inesperada reaparición de Jai Paul. Pero no son las únicas novedades que se han ido desvelando estos días: los británicos Temples, el dúo de candoroso folk pop Whitney, Jay Som, (Sandy) Alex G, Blanck Mass (proyecto de la mitad de Fuck Buttons), Ozuna, Delaporte & John Grvy, Brisa Fenoy o The Futureheads han lanzado canciones, muchas de ellas avances de inminentes álbumes.

Ya este viernes se han presentado nuevos singles de Madonna, Liam Gallagher, Mabel, Keane, Betacam, MUNA, Kase.O, Sheryl Crow feat. Stevie Nicks & Maren Morris (nada menos), GoldLink feat. Tyler, the Creator & Jay Prince, CamelPhat & Jake Bugg, Cassius, Paula Cendejas & Alizzz, Labrinth, Amber Mark, Sampa The Great, Elettra Lamboghini feat. Pitbull, The Levitants, ILOVEMAKONNEN, Chlöe Howl, Natos y Waor,

También hay espacio para curiosidades como ese himno al Granada Club de Fútbol que Los Planetas, Lori Meyers, Niño de Elche y Apartamentos Acapulco han presentado para celebrar el regreso a Primera División del equipo de su ciudad. O una remezcla de ‘Poderes extraños’ de La Bien Querida que Triángulo de Amor Bizarro han hecho para la BSO de la película ‘Lejos del fuego’. Además, Japanese Breakfast presenta una preciosa versión de Tears For Fears con fines benéficos y Erykah Badu hace lo mismo, de manera insólita, con ‘Tempted’ de Squeeze. Aunque nada de esto es tan bizarro como la toma en directo de Lou Reed y Luciano Pavarotti cantando ‘Perfect Day’ que anticipa un nuevo recopilatorio del tenor italiano.

Publicado en Spotify ‘TIM’, el nuevo disco de Avicii, con colaboraciones de Chris Martin, Imagine Dragons…

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El disco póstumo de Avicii, ‘TIM’, está desde la tarde del jueves disponible en Spotify, adelantándose unas horas al día oficial de lanzamientos. ‘TIM’ incluye el éxito ‘SOS’ con Aloe Blacc, el single ‘Tough Love’ con Agnes y Vargas & Lagola y las colaboraciones destacadas de Chris Martin de Coldplay en ‘Heaven’ -que actualmente no aparece acreditado como vocalista en Spotify pero sí es el intérprete de la canción- e Imagine Dragons en ‘Heart Upon My Sleeve’.

Antes del lanzamiento oficial de ‘TIM’, en los días 1 y 2 de junio, algunos fans de Avicii habían podido escuchar el disco en primicia a través de un cubo situado en varias ciudades del mundo, en este caso Estocolmo, Londres, Nueva York, San Paulo, Tokio y Sidney. En el cubo, la música empezaba a sonar cuando dos de estos cubos se activaban al mismo tiempo, lo que provocaba que «dos extraños a miles de kilómetros de distancia escucharan una canción juntos». La idea ha buscado celebrar «el poder de la música para conectar a la gente».

‘TIM’ llega poco más de un año después desde el triste fallecimiento del DJ y productor sueco, cuyo nombre real era Tim Bergling, quien fuera autor de algunas de las canciones más masivas de los últimos tiempos, como ‘Wake Me Up’ o ‘Hey Brother’, muy influyentes además por su fusión de EDM y country. En este caso, el álbum póstumo de Avicii incluye influencias de la música árabe o caribeña.

No te pierdas el arrollador regreso de Girl Band tras 4 años, ‘Shoulderblades’

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Girl Band vuelve tras cuatro años. Es el tiempo que ha pasado entre la actualidad y su notable debut de 2015, un ‘Holding Hands with Jamie‘ que parecía el principio de algo grande para la banda irlandesa de noise-rock, pero que por alguna razón ha sido lo último que hemos escuchado de ella en este largo lapso de tiempo.

Probablemente la banda de noise más visceral y completamente ida de la olla que hay actualmente, Girl Band ha anunciado que tiene un nuevo disco preparado para el 27 de septiembre. Se titula ‘The Talkies’ y ha sido grabado en una vieja casa señorial situada en las afueras de Dublín. El grupo ha dicho que su objetivo con este nuevo álbum ha sido «crear una representación sonora de la casa».

El edificio en cuestión, que responde al nombre de casa Ballintubbert, se construyó durante el periodo georgiano en Irlanda en 1725, y debe imponer o incluso dar un poco de miedo, porque lo que le ha salido al grupo parece producto de una psicosis. Claro, es su estilo, pero con canciones como ‘Shadowblades’ Girl Band tiene asegurada la sorpresa del público: otro tema arrollador, en este caso de 6 minutos, que se presenta con un videoclip dirigido por Bob Gallagher y protagonizado por la bailarina Oona Doherty.

Madonna anticipa ‘Dark Ballet’, con vídeo con Mykki Blanco, y critica su entrevista en The New York Times

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Madonna estrena esta medianoche el quinto tema de ‘Madame X’, el experimental ‘Dark Ballet’, dividido en tres partes, la primera de las cuales se dio a conocer en la MET Gala y la tercera en Eurovisión. Un teaser del vídeo ya puede verse en Apple (y bajo estas líneas), revelando que estará protagonizado por el artista y activista queer Mykki Blanco, que tanto ha dado que hablar en los últimos años.

Por otro lado, Madonna ha concedido una extensa entrevista a The New York Times. El artículo, firmado por la periodista Vanessa Grigoriadis, se titula «Madonna a los 60» y es una reflexión, desde el punto de vista subjetivo de la autora, que es fan de la artista desde su juventud, de toda la carrera de Madonna, atravesando temas como la sexualidad, el feminismo, la maternidad, su estancia en Portugal, las filtraciones de ‘Rebel Heart’, por las que Madonna asegura se sintió «violada» -término cuyo uso por parte de Madonna la periodista cuestiona en el artículo-; o por supuesto la edad. Sin embargo, el texto ha decepcionado profundamente a la misma Madonna, como la cantante ha expresado en un durísimo post de Instagram en el que también sale mal parado el propio periódico.

«Después de muchas horas de trabajo, me quedo corta si digo que estoy decepcionada con el artículo», empieza el post de Madonna. «Parece que no tiene arreglo la sociedad y su necesidad imperiosa de hacer de menos, menospreciar o degradar a aquellos que sabe son buenos. Sobre todo si son mujeres fuertes e independientes. La periodista que ha escrito este artículo pasó horas, días y meses conmigo y tuvo acceso a un mundo que mucha gente no ve. Sin embargo, ha preferido centrarse en temas tan superficiales y triviales como la etnia de mi doble [en los ensayos de los premios Billboard], el tejido de mis cortinas o los comentarios sin fin sobre mi edad, la cual nunca habría sido mencionada si yo hubiera sido un hombre». El texto sigue: «A las mujeres les cuesta apoyar a otras mujeres aunque se las den de feministas intelectuales. Me arrepiento de haber pasado incluso cinco minutos con ella. Me hace sentir violada. Y sí, se me permite usar esta analogía pues yo misma fui violada a los 19 años. Esto es una prueba más de que The New York Times es uno de los padres fundadores del Patriarcado, y yo digo: MUERTE AL PATRIARCADO que tan profundamente arraigado está en el tejido de nuestra sociedad. Jamás dejaré de luchar por erradicarlo».

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Mafame ❌ on the cover of N.Y.T. Magazine photographed by my dear friend @jr……….Also sharing my fav photo that never made it in, along with pre-shoot chat and a celebratory glass of wine 🍷 after many hours of work! To say that I was disappointed in the article would be an understatement- It seems. You cant fix society And its endless need to diminish, Disparage or degrade that which they know is good. Especially string independent women. The journalist who wrote this article spent days and hours and months with me and was invited into a world which many people dont get to see, but chose to focus on trivial and superficial matters like the ethnicity of my stand in or the fabric of my curtains and never ending comments on. my age which would never have been mentioned had I been a MAN! Women have a really hard time being the champions of other women even it they are posing as intellectual feminists. Im just sorry i spent 5 minutes with her. It makes me feel raped. And yes I’m allowed to use that analogy having been raped at the age of 19. Further proof that the N.Y.T. Is one of the founding fathers of the Patriarchy. And I say—-DEATH TO THE PATRIARCHY woven deep into the fabric of Society. And I will never stop fighting to eradicate it. 💔

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Tarana Burke, creadora de #MeToo, entre las participantes en el nuevo Cruïlla Talks

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El festival Cruïlla de Barcelona ha presentado este mediodía en el Ateneu Barcelonès Cruïlla Talks, su nuevo programa de charlas y conferencias centradas en la reflexión social. La temática de esta primera edición de Cruïlla Talks, que abarcará cerca de un mes, del 11 de junio al 6 de julio, serán las redes sociales y su impacto en la sociedad, tanto en la creación de nuevos líderes progresistas como Greta Thunberg como en su papel en la propagación de la extrema derecha y en el éxito electoral de políticos como Jair Bolsonaro.

Entre las invitadas destacadas en Cruïlla Talks se encuentra la activista Tarana Burke, conocida por crear, en 2006, el movimiento #MeToo, que eclosionaría en 2017, precisamente a través de las redes sociales, a propósito del escándalo Harvey Weinstein y gracias a la ayuda cataclísmica de actrices como Alyssa Milano. También estará presente en el programa, el 2 de julio, la activista afgana Khalida Popal, creadora de la organización Girl Power; el 4 de julio, la ilustradora Paula Bonet hablando sobre el aborto natural; o el 6 de julio, el cantante brasileño Marcelo D2, muy conocido por su activismo contra Bolsonaro.

En Cruïlla Talks estarán también, entre otros, el cantante de reggae marfileño Tiken Jah Fakoly, que se sentará a hablar, el 5 de julio, con el experto en África de La Vanguardia Xavier Aldekoa y Óscar Camps, fundador de Proactiva Open Arms; o la cantante Beth, que participará en una lectura de libros infantiles enfocados en personajes femeninos históricos. Más información sobre Cruïlla Talks, en la web del festival.

Aitana no descarta publicar su tema con C. Tangana, que no aparece en ‘Spoiler’

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Aitana ha presentado ‘Spoiler’ esta mañana en la Sala Equis, uno de los bares y cines de Madrid más reivindicables en este momento, aunque solo sea porque NO está en Malasaña y porque cines, quedan pocos. La cantante ha concedido una entrevista a Tony Aguilar, que la ha presentado como «la estrella del pop más importante del país» y ha respondido una serie de preguntas a otros medios sobre el álbum, la fama y las colaboraciones que nos aguardan al margen del disco que sale este viernes 7 de junio.

La cantante, que ha reconocido no saber muy bien cómo pronunciar el nombre de Zayn pese a haber colaborado con él hace poco en el tema de la banda sonora de ‘Aladdin’, ha indicado que han quedado excluidas del disco colaboraciones con Vanesa Martín y Dani Martín, pues no considera que haya llegado su momento. Lo mismo ha dicho sobre C. Tangana cuando en el turno de preguntas se lo hemos cuestionado. Aitana había indicado que ‘Me quedo’, junto a «productores increíbles» como El Guincho y Alizzz había sido «un reto» que había «disfrutado muchísimo». Pero no había mencionado a su colega Puchito. Sin desvelar el título del tema, respondía que se reunieron sin saber si estaban grabando algo más bien para la discografía de él o de ella. «Salió algo guay, pero de momento se queda ahí. Me gustó mucho esa sesión, recuerdo perfectamente que fue en enero«.

Sí está en el álbum el mencionado ‘Me quedo’, que además de estar co-escrito y producido por El Guincho y Alizzz, es el tema en el que colabora Lola Indigo. De hecho, Aitana ha revelado que empezó esta canción en junio del año pasado, pasando 3 días con los productores, pero siendo descartada del EP ‘Tráiler’ porque notaba que le faltaba algo. «Le dimos vueltas y hace solo dos meses se la enseñé a Mimi, que añadió unos versos. Ha sido a última hora».

Ocaña también ha hablado de los créditos de Guille Galván de Vetusta Morla y Pional en dos de los temas, ‘Barrio y hielo’ y ‘Cristal’, el último de los cuales también cuenta con Henry Saiz. Aunque sitúa ‘Con la miel en los labios’ como uno de sus cortes favoritos, también ha hablado especialmente de ‘Cristal’, si bien puntualizando que todas las canciones son como «sus hijas». «‘Cristal’ es un tema que me costó porque quería reflejar cómo me sentía a veces. La gente te intenta proteger y opina, pero una es como un cristal. Necesitas caerte para ver el error y seguir adelante».

Aitana ha indicado que el disco es «versátil dentro de que es todo pop» y ha reivindicado su implicación como autora o en el diseño. «Es lo importante, es mi proyecto. Hay un equipo de gente detrás que hace que todo sea realidad, pero yo tengo que ser la más implicada, llegando hasta sitios que ni siquiera sabía que pudiera implicarme». Y ahí ha hablado del diseño del álbum, influido por su descubrimiento del trabajo editado por Recycled J & Selecta.

En cuanto a su ascenso a la fama, Ocaña, que hasta finales de este mes no cumplirá los 20 años, ha revelado que no se podía creer la de gente que ha encontrado esperándola en el aeropuerto en Ecuador, Argentina o México, definiéndolo como «golpes de realidad» que ha ido recibiendo. Sobre su paso por Operación Triunfo ha hablado con cierta melancolía: «Me daba rabia que acabara todo. Te conoce la gente y es ideal, pero quien diga que [la popularidad] no es un choque, miente. ¿Cómo no va a ser un choque? (…) Me da nostalgia, nunca podré volver ahí, pero pasé momentos bonitos». Al respecto y sobre cómo ha cambiado, ha dejado el simpático titular «Soy la misma, pero he evolucionado. Como un pokémon».

Tan confiada en sí misma como para eludir lo que no quería responder pero hacer parecer que está respondiendo (¿cómo se llama su tema con C. Tangana? ¿con quién ha querido colaborar pero no ha podido?), Aitana ha contado que mudarse de Barcelona a Madrid le ha ayudado muchísimo para asentar la cabeza. «Me ayudó mudarme a Madrid porque estaba viviendo en un hotel, me daban regalos, los perdía, iba siempre con una maleta, no podía organizarme… Me ayudó establecerme. Desde que me mudé estoy más calmada». Tras reconocer que afronta su larga gira sin haber estado «sola en un escenario durante una hora y media», se ha despedido diciendo: «Espero que os guste el disco y, si no, no pasa nada».

Matthew Koma destruye a Zedd en una carta pública: «La toxicidad no genera felicidad»

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A día de hoy, Zedd es una de las mayores estrellas mundiales del pop electrónico que aprovechó la ola del EDM. Sin ir más lejos, su reciente single ‘365‘ cuenta con Katy Perry como vocalista invitada, tema que presentó con él en Coachella 2019. Sin embargo, hay quien sostiene que ese imperio que ha construido –o al menos parte de él– se la debe a otros artistas de los que se ha aprovechado sin reconocerles su crédito. Así lo afirma Matthew Koma, compositor, productor y cantante que ha trabajado a lo largo de esta década con artistas tan dispares como Giorgio Moroder, Carly Rae Jepsen, Tiestö, Kelly Clarkson y hasta Bruce Sprignsteen (ha hecho coros en su reciente single ‘There Goes My Miracle’). Él mismo ha reunido su obra en esta playlist.

El también marido de Hilary Duff y padre de su segunda hija ha acudido hoy a las redes sociales para responder a la pregunta recurrente sobre qué les ocurrió a él y a Zedd, cuando era público que trabajaron juntos durante años. Según él, la relación con Anton Zaslavski en sus inicios se comenzó a truncar cuando vio que este le negaba el crédito de autoría e interpretación que, asegura, tuvo. En concreto habla de sus dos primeros éxitos, ‘Clarity‘ –cantada por Foxes a sugerencia suya, al parecer– y ‘Spectrum‘ –que sí le acredita como intérprete, pero no como autor de melodía y letra–, en los que trabajaron codo con codo por encargo, antes de que el ruso firmara por Interscope. De hecho, en fuentes como Wikipedia aparece como co-autor de ambas, pero no en Spotify, por ejemplo. Pero no es el único episodio desagradable o gravoso que narra Koma: también cuenta cómo trató de arrebatarle los derechos de una canción que había escrito para su primer trabajo en solitario y que le costó años recuperar. O que sólo accedió a publicar una versión de ‘Find You’ con su voz, que había compuesto y grabado él, porque tenía un tiempo límite marcado por la discográfica y no consiguió otra voz. Además, el norteamericano destaca que evitó su aparición y reconocimiento en entrevistas, entregas de premios –’Clarity’ ganó un Grammy, pero él no fue convocado– y documentales.

Koma asegura que cree que todo es fruto de la gran inseguridad que, al menos entonces, tenía Zaslavski, y narra episodios en los que pone en entredicho la supuesta pericia del productor –una de las cosas que más está dando que hablar es cuando se negó a cambiar el tono de una canción porque sólo sabía tocar el piano en clave de Do–. También afirma que a lo largo de los años se ha encontrado con numerosos artistas, compositores y productores que le han contado episodios similares relacionados con Zedd (es célebre su enemistad con Diplo, pero de hecho en los comentarios del Instagram de Koma ya le apoyan nombres como el ya citado Tiestö o Rukes). «Ahora», continúa, «tiene mucha gente que escribe sus canciones y le ayudan a producirlas. Pero yo preferiría trabajar en un Starbucks o limpiar retretes que experimentar esa dinámica abusiva de nuevo». «La toxicidad no genera felicidad», concluye antes de bromear al pedir a Alexa que ponga la canción de Zedd ‘Happy Now’. «En realidad, por favor no, no la pongas». Zedd no ha respondido nada en absoluto, por el momento, pero un tuit suyo de ayer que decía «hoy es un buen día» no podía haber sido más oportuno/inoportuno.

Bebe, liberada de un «régimen de semiesclavitud artística», en una sentencia histórica

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Bebe firmó, cuando empezó a ser conocida allá por 2003, un contrato por 5 discos en un máximo de 10 años con Trovador Ediciones S.L., del que se acaba de poder deshacer mediante una sentencia que puede resultar histórica. Un juez de Madrid ha considerado el contrato que firmó «nulo de pleno derecho» por su excesiva duración mientras el abogado de Bebe lo ha tildado como “leonino y comparable a un régimen de semiesclavitud artística”, según informa el diario El País.

¿Por qué puede ser histórica esta sentencia? Según dicho abogado, esta es la primera sentencia que se dicta en España en la que un juez considera “nulo de pleno derecho” un contrato entre un artista y su compañía. La sentencia dice que, debido a su duración, el contrato podía afectar “a toda la obra musical de la cantante” hasta durante «40 años». Además, se impone a Trovador el pago de las costas del proceso judicial. ¿Por qué se habla de semiesclavitud artística? La empresa se reservaba la potestad de retirar de cada uno de los discos las canciones que no le gustasen. Curiosamente, fue Trovador quien presentó la demanda en 2015 al comprobar que solo habían salido 3 de los 5 discos pactados, en un plazo de 11 años: ‘Pafuera telarañas’, ‘Y.’ y ‘Un pokito de rocanrol’.

La sentencia, de 21 folios, dice exactamente, entre otras cosas: “Se trata de un encargo que excede en mucho de la creación de una obra concreta o de una pluralidad de obras […]. Debe entenderse que el encargo formalizado entre las partes en el año 2003 es nulo de pleno derecho en cuanto es contrario al orden público constitucional y a las normas imperativas reguladoras de los límites de la cesión de derechos (…) El encargo genera una vinculación por contrato de obra excesivamente amplia tanto en el tiempo como el objeto, al tiempo que se adicionan condiciones potestativas dependientes de la voluntad de terceros (…) No puede resultar admisible que por la vía del precontrato de edición la autora / creadora —unido de modo indisoluble y causalmente al de creación musical o encargo de obra— quede vinculada indefinidamente, o por un tiempo excesivo a la cesión obligatoria de los derechos de explotación de las obras creadas, se incorporen o no a producciones musicales de larga duración”. El País recuerda que esta sentencia puede ser recurrida ante una instancia superior.

Bebe no ha publicado más singles en solitario desde ‘Corazón’, pese a que prometió una lluvia de lanzamientos tras el mismo el verano pasado. Desconocemos si este proceso tiene algo que ver con el punto muerto por el que parece atravesar su carrera. De momento no ha comentado nada en redes sociales: en Instagram lo último que encontramos es una foto con el desaparecido Eduard Punset.

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Gracias mi querido señor Punset,por mostrarnos y enseñarnos a ver belleza de la ciencia,por hacerla màs accesible a nuestra comprensión mundana. Gracias por aquel encuentro,aquellos dias juntos en su tierra y en la mía,paseando,charlando, descubriendo…por su cariño y por su ilusión,por su capacidad de escucha y Por no dejar de querer emocionarse,sorprenderse y enamorarse de la vida y sus instantes mágicos…Buen viaje a las estrellas…a ese magnifico Universo que con tanto entusiasmo nos acercó al corazón. Gracias con todo amor,mi querido señor Punset…🚀✨❤️✨❤️✨ #eduardpunset #sinpalabras @sinsentido10 #elviajealafelicidad 🌬💋✨

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David Otero, Chelsea Boots, Ana Mena… se acercarán a sus fans en el ciclo Yellow Plans

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Esta semana se ha presentado en el Fortuny Restaurant & Club de Madrid un nuevo ciclo que ofrecerá conciertos especiales de artistas como David Otero y los interesantes Chelsea Boots y gente con tantos millones de streamings como Arnau Griso, Ana Mena o Despistaos, entre otros. Desde la última vez que os hablamos de los madrileños Chelsea Boots, por cierto, han reunido una buena base de fans en Francia gracias a su inclusión en un par de playlists de este país. Así, en París les escucha 8 veces más gente que en Madrid.

El ciclo se llama Yellow Plans y, bajo el paraguas de Wegow y Schweppes, se presenta como una oportunidad de acercar a los artistas con su público. Según la nota de prensa, «los fans tendrán la oportunidad de conocer a los artistas como nunca lo habían hecho antes, a través de charlas íntimas y cercanas en las que desvelarán los secretos de sus últimas canciones, y que tendrán lugar al comienzo de cada encuentro». La información se dará a través de esta página web, donde habrá premios como cenas, reservados, meet&greets, abonos para todo el ciclo, etcétera.

Así queda el calendario de fechas junto a las salas:
25 de junio – Arnau Griso – Fortuny
2 de julio – Pol Granch – Fortuny
9 de julio – Bombai – Fortuny
16 de julio – David Otero – Fortuny
24 de julio – Modo Avión – Perrachica
31 de julio – Ana Mena – Perrachica
4 de septiembre – Artista por confirmar – Marabú
11 de septiembre – Pol 3.14 – Marabú
18 de septiembre – Chelsea Boots – Perrachica
25 de septiembre – Despistaos – Perrachica