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Mujeres / Romance romántico

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¿Acaso van a beneficiarse solo los artistas de música urbana de la estrategia de ir sacando temas sueltos sin necesidad de llegar al minutaje de un disco entero? El formato del single de 7 pulgadas fue perfecto para el punk mucho antes que todo esto, pues permite reunir cómodamente pistas redondas de 2 minutos de duración y eso es lo que han hecho los catalanes Mujeres tras la consolidación vivida con su álbum ‘Un sentimiento importante’, con el que llegaron a actuar ya en salas tan grandes como Joy Eslava en Madrid y el Apolo de Barcelona.

La canción titular de ‘Un sentimiento importante’ era una de las más catárquicas de toda su carrera y no hacía sino alimentar un gran repertorio en el que también despuntaban pistas como ‘Aquellos ojos’ o la estupenda ‘Vivir sin ti’, en la que se recreaban en una melodía sesentera. En su nueva publicación han sido generosos y como es habitual en los singles de vinilo de Sonido Muchacho (Carolina Durante, La Plata, Los Nikis), no se han ceñido a una cara A y a una cara B, sino que han incluido hasta cuatro pistas, y a cual de todas mejor.

El nivel es tan alto en las nuevas canciones de Pol, Arnau y Yago que la mejor composición se han atrevido a dejarla como pista final. Se trata de la inmediata canción que da nombre a este ‘Romance romántico’, su típica composición que atrapa desde el arranque («Creo que se ha roto algo, siento que es algo dentro de mí / Sentémonos un rato hasta que estemos calmados») hasta la justificación final repetida hasta la saciedad pero no por ello más convincente («Fue una suerte tenerte, no creo que vuelva a suceder nunca más / No es nada, nada…»), pasando por otros momentos con tanto gancho como «tengo la foto en mi cartera / no es que estemos nada guapos / por lo menos sí que estamos». Sin duda, una de las mejores canciones del momento.

Las mismas dudas las siembra el cuestionable narrador de ‘Ya no queda nadie’, hablando de «egoísmo insultante» («Ya no queda nadie a quien pedir perdón / Ya no queda nadie a quien pedir otro favor») o el de ‘La huida’, una canción frenética como un tren de alta velocidad en la que la propuesta escapista «Dame tu mano con una condición / que luego escapemos, tengo una visión» termina resultando igualmente fallida cuando la frase final suena tan irónica como «en la huida lo resuelvo todo». ¿Seguros de que los problemas se han ido a algún sitio?

El EP, producido por Sergio Pérez, se completa con otra canción con aristas, ‘Junto a ti’, que habla sobre «apuestas ganadoras» y de «juegos que no se pueden perder» y que sonaba vertiginosa al menos hasta la llegada de ‘La huida’. Otro tema en el que brilla uno de esos punteos típicos de las canciones de Mujeres que sacan sus composiciones de la monotonía rockera para darles matices ligeramente más rockabilly, garajeros, punk pop, psicodélicos o tan retro como, efectivamente, una foto guardada en una cartera. No desprecies el formato single porque podemos estar ante lo mejor que editen en su carrera. Quizá por eso podemos leer en su portada «un disco (y no un single) de 4 canciones».

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Romance romántico’, ‘La huida’
Te gustará si te gustan: Ramones, Alaska y los Pegamoides, Los Nikis, Los Brincos
Escúchalo: Spotify

Two Door Cinema Club presentan el colorido y entretenido videoclip de ‘Talk’, a la vez “lyric video”

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Two Door Cinema Club están de vuelta con un nuevo single llamado ‘Talk’. El tema ha podido escucharse en primicia en el programa de Annie Mac en BBC Radio 1 y ya está disponible en las plataformas de streaming. También puede verse su colorido y entretenido videoclip, que hace las veces de “lyric video”.

‘Talk’ es el primer avance del cuarto álbum de Two Door Cinema Club y con él, Alex Trimble, Sam Halliday y Kevin Baird han ido claramente a por un tema bailable y discotequero que vuelva a la gente loca en sus próximos conciertos. Destacan en ‘Talk’ unos sintetizadores ochenteros y el uso de un efecto vocoder en las voces, pero en general estamos ante otro single divertido y festivalero de Two Door Cinema Club. Produce Jacknife Lee, que ha trabajado con The Killers, Robbie Williams o Weezer.

El próximo trabajo de Two Door Cinema Club, que los británicos anunciaban el pasado mes de febrero mediante un vídeo también muy colorido -parece que el color será el motor principal de esta campaña-, llegará tres años después de ‘Gameshow‘, que produjo el exitillo ‘Are We Ready? (Wreck)’.



Ariana Grande inicia la gira de ‘Sweetener’ y ‘thank u, next’ en Nueva York

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Ariana Grande se ha embarcado al fin en su anunciada gira mundial, que llega a Europa en agosto, aunque sin parada en España. Esta es la primera gira de Grande tras los atentados de Manchester acontecidos durante la gira de ‘Dangerous Woman’ y a pesar de su nombre, The Sweetener Tour, en ella tienen cabida tanto temas de ‘Sweetener’ como por supuesto de ‘thank u, next‘, anunciado de hecho durante la promoción del álbum anterior y que es el disco más vendido en estos momentos en el mundo.

El estreno de ‘The Sweetener Tour’ ha tenido lugar en Albany, Nueva York y el setlist ya está disponible, revelando varias ausencias notables, entre ellas dos de los mayores éxitos de Grande hasta la fecha, ‘Problem’ y ‘Bang Bang’, su single con Jessie J y Nicki Minaj. Tampoco está ‘imagine’ pese a ser uno de los temas más escuchados de ‘thank u, next’.

La gira empieza con ‘God is a woman’ y a lo largo del setlist se van repartiendo varios hits de Grande como ‘break up with your girlfriend, i’m bored’, ‘Side to Side’, ‘7 rings’, ‘Love Me Harder’, ‘Into You’, ‘Break Free’ o ‘no tears left to cry’ hasta concluir con ‘thank u, next’. Entre las curiosidades, dos interludios en forma de versiones de ‘Close to You’ de Frank Ocean (Grande ya versionó ‘Pink + White’ de Ocean en su gira anterior) y de ‘My Heart Belongs to Daddy’ de Marilyn Monroe.

‘The Sweetener Tour’:

1. raindrops (an angel cried)
2. God is a woman
3. bad idea
4. break up with your girlfriend, i’m bored

Interlude

5. R.E.M.
6. Be Alright
7. sweetener / successful*
8. Side to Side
9. bloodline
10. 7 rings

Interlude – Close to You (Frank Ocean cover)

11. Love Me Harder
12. breathin
13. needy
14. fake smile
15. make up
16. Right There* / You’ll Never Know* / Break Your Heart Right Back*
17. NASA
18. goodnight n go

Interlude – in my head

19. everytime
20. One Last Time
21. the light is coming
22. Into You

Interlude – My Heart Belongs to Daddy (Marilyn Monroe cover)

23. Dangerous Woman
24. Break Free
25. no tears left to cry

Encore
26. thank u, next


Especial Eurovisión 2019: Serhat te hará bailar pero se queda a medio gas con su propuesta para San Marino

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San Marino ha participado en Eurovisión 9 veces, aunque la mayoría de ellas no ha logrado llegar a la final. De hecho, solo lo había hecho una vez, en 2014, con Valentina Monetta -que ha representado a San Marino hasta en cuatro ocasiones en el festival, en 2012, 2013, 2014 y 2017- hasta que Serhat ha logrado clasificarse a la final con su tema ‘Say Na Na Na’.

El cantante, actor y productor turco Ahmet Serhat Hacıpaşalıoğlu ya había representado a San Marino en Eurovisión en 2016, con la bailable ‘I Didn’t Know’, pero de nuevo no sirvió para que viéramos a San Marino recibiendo “points”. Esta vez sí y la propuesta de Serhat vuelve a ser bailable, aunque más que dance como el tema anterior, es abiertamente disco, aunque en el sentido dosmilero del término. El tema es una celebración de la vida y dice algo así como: “Pareces triste y solo, las cosas irán bien, ¿a quién le importa que no tengas un amor? Ocurre cada día, ama todos los colores de esta vida, y no olvides mi número, llamame siempre que lo necesites, y te diré que la vida es hermosa”.

El mensaje de ‘Say Na Na Na’ está bien y aunque la canción empieza bien, pronto queda claro que como composición es bastante floja. A duras penas aguanta el tipo. Está claro que Serhat ha querido hacer un tema eufórico y feliz y por estilo ‘Say Na Na Na’ está llamada a destacar en el festival entre las baladas de Alemania, Austria, Eslovenia y más, pero esta no es la canción bailable que va a triunfar en Eurovisión.
Calificación: 5/10
En los foros de Eurovisión se dice: “Me gustaría que ganara esta canción, es retro y está llena de luz, que tanto necesitamos en estos tiempos oscuros”
En las apuestas: número 39

Marilyn Manson confirma que está terminando su nuevo disco

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Marilyn Manson ha confirmado en Instagram que está terminando su nuevo disco, el 11º de su carrera. Manson está trabajando en él junto al cantautor y productor Shooter Jennings, que ya trabajó con el rockero en su versión conjunta de ‘Cat People’ de David Bowie publicada en 2016, y para la que llegó a lanzarse un videoclip.

Heaven Upside Down‘, el último álbum de Manson hasta la fecha, volvió a ser un trabajo intranscendente en su carrera al menos para sus oyentes casuales, aunque ciertamente mantuvo al músico en los titulares por motivos diversos. Durante su promoción, el autor de ‘Antichrist Superstar’ protagonizó varias polémicas, también varios ridículos (uno de ellos en Madrid), realizó conciertos errantes y preocupó por su estado de salud. La verdad es que nuestra página de noticias de Marilyn Manson es un cuadro, aunque se salva con el titular más reciente: “Marilyn Manson saca un consolador con su cara”.

Cabe preguntarse qué disco puede tener dentro Marilyn Manson a estas alturas, pues no parece que sus últimos trabajos hayan despertado demasiado interés, aunque cabe mencionar que tres pistas de ‘Heaven Upside Down’ aparecen entre sus 10 canciones más escuchadas en Spotify dos años después. Manson sale de gira en verano con Rob Zombie, por lo que podríamos tener noticias sobre este nuevo trabajo pronto. El año pasado celebramos el 20º aniversario de ‘Mechanical Animals’ en un artículo especial.

MySpace pierde toda su música, fotos y vídeos subidos entre 2003 y 2015

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MySpace ha confirmado la pérdida de toda la música, fotos y vídeos subidos a sus servidores entre 2003 y 2015. La tragedia que supone esta noticia es relativa, pues MySpace es desde hace años una plataforma prácticamente desconocida, aunque en su momento de mayor popularidad, allá por 2006, fue una de las webs más visitadas en el mundo. Sin embargo, la cantidad de información borrada es colosal, pues equivale a 14 millones de usuarios. Entre toda la información, 50 millones de canciones han desaparecido de la plataforma para siempre.

La noticia se veía venir cuando, el año pasado, varios usuarios de Reddit advertían que los enlaces de MySpace habían dejado de funcionar. Algunos de ellos se ponían en contacto con MySpace para averiguar el problema y la plataforma contestaba que se encontraba buscando una solución. Sin embargo, el servicio ha confirmado ahora los peores presagios.

Llegada la confirmación de que toda su información con más de tres años de antigüedad ha desaparecido, el experto en tecnología y blogger estadounidense Andy Baio se ha mostrado escéptico ante el “error” de MySpace en Twitter, y opina que esta puede haber sido la manera de MySpace de evitar los “costes y el esfuerzo” que suponen migrar tal cantidad de información antigua de un servidor a otro.

Aunque ya nadie usa MySpace, a excepción de unos pocos nostálgicos (y en un momento dado Justin Timberlake), esta plataforma ha sido crucial en las carreras de muchísimos artistas que dieron a conocer sus primeras canciones en el servicio, entre ellos Adele, Arctic Monkeys y Lily Allen, cuyas demos en MySpace ya no vamos a poder escuchar. MySpace ha sido un precedente absoluto de Spotify, Soundcloud y en general de la era del streaming, aunque la pérdida de tantísima información plantea preguntas sobre el futuro de la nube y sobre todo recuerda la importancia de las copias de seguridad. Si esto ha ocurrido en MySpace, ¿no puede ocurrir también en Facebook, Instagram y Tumblr, por ejemplo? Algunos recomiendan usar Archive.org.

Gloria Trevi y Karol G hacen como Maluma y titulan ‘Hijoepu*#’ su single conjunto

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Una de las sorpresas musicales que nos ha dejado el pop este fin de semana ha sido la colaboración de la veterana estrella del pop mexicano Gloria Trevi con una de las jóvenes estrellas femeninas del pop latino, Karol G. Y si no veíamos venir este crossover, más patidifusos aún nos ha dejado el título de su single conjunto: se llama ‘Hijoepu*#’, expresión coloquial empleada en muchos países de América Latina para decir, con una mayor economía del lenguaje, el español «hijo de puta».

Es inevitable recordar que, apenas una semana atrás, Maluma empleaba la misma expresión para bautizar su nuevo single. Si bien en su caso su título era un poco más misterioso (‘HP‘) que el de la pareja femenina, la expresión era exactamente la misma cantan ellas en el estribillo de esta producción disfrutona de Ovy On The Drums (que ha trabajado profusamente con la artista colombiana, como en el hit ‘Secreto‘ con Anuel Aa o ‘Ahora me llama’, con Bad Bunny). Y el propósito, el mismo: afear el comportamiento (en aquel caso, hacia una tercera persona; en este, vivido en sus propias carnes) hacia una mujer por parte de un mal hombre.

Karol G y Trevi aparecen también juntas en el clip de ‘Hijoepu*#’ –palabra que, por cierto, también está autocensurada en su interpretación, en aras de esquivar la censura, aunque sí se dice explícitamente en una ocasión–, uniéndose para martirizar y torturar al hijoepu*# en cuestión. Tanto como referirse a Maluma, es inevitable recordar la buena jugada que Thalía llevó a cabo el año pasado con Natti Natasha y ‘No me acuerdo‘, buscando revitalizar la carrera de la controvertida Trevi de cara a un público más joven. ¿Funcionará igual de bien?

Lou Doillon / Soliloquy

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Aunque seguramente algunos de nuestros lectores sepan quién es Lou Doillon, muchos otros se lo estarán preguntando ahora mismo… pero sí empezarán a ubicarla si decimos que es la hermana de Charlotte Gainsbourg, e hija de Jane Birkin y Jacques Doillon. Con una evidente vinculación al mundo artístico desde pequeña, Lou se ha dedicado a escribir, a cantar, a actuar e incluso al mundo de la moda, habiendo sido la imagen de numerosas marcas. En lo que a nosotros nos ocupa, debutó en 2012 con un interesante ‘Places’ al que sucedería, tres años más tarde, ‘Lay Low’. Y, cuatro años después de este último, nos llega su tercer trabajo, este ‘Soliloquy’ con el que la francesa ha querido expresar un cambio respecto a algo que ha sido constante en su vida: aunque sus apellidos hayan podido ayudarle, también le han hecho sentirse condicionada: “de una forma u otra, te encuentras convirtiéndote en lo que esperan que seas… pero siempre he sido una compositora”, declaraba hace poco en cuanto al trabajo con productores, “así que aunque eran mis canciones, luego evolucionaban dentro de los sonidos de ellos”.

Para conseguir algo diferente en cuanto al sonido, Lou decidió que, en lugar de mandar demos con guitarra acústica a sus productores, iba a probar a mandárselas con guitarras eléctricas y baterías. Quizás eso explique el tinte distinto en canciones como el single ‘Burn‘: empieza como una canción de Regina Spektor, luego se le añaden unos guitarreos a lo The Cure (de hecho, ¿no hay, acreditado o no, un mini sample de ‘Lullaby’?), un toquecito de sintes, y finalmente aquello parece más un tema de The Pretenders… y, sí, toda esta mezcla acaba dando un resultado muy recomendable. No hay aquí tanta influencia de Joan Báez (‘Diamonds and Rust’ es la canción favorita de Doillon) como de la mencionada Regina, o de Fiona Apple, como puede verse en la muy reivindicable ‘Nothings’ o especialmente en ‘The Joke’.

La natural de Neuilly-sur-Seine incluye además diversas sorpresas: desde los sintes de Dan Levy en ‘All These Nights’ o el pasaje electrónico en el cierre con ‘Snowed In’, a momentos más pausados como el tema homónimo o la colaboración con Cat Power, ‘It’s You‘. Doillon no descubre nada nuevo, pero sí deja claro que su talento no es su apellido –aunque indudablemente le haya podido ser útil–, entregando un agradable y cuidado álbum por el que merece la pena darse una vuelta si no sabías de ella y gustan las propuestas de gente como Fiona o Regina.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘Burn’, ‘Nothings’, ‘Soliloquy’, ‘The Joke’
Te gustará si te gusta: Fiona Apple, The Pretenders, The Cure, Anni B Sweet, Regina Spektor
Escúchalo: Spotify

Natalia Ferviú habla de su música favorita: Kate Bush, Camarón, Saâda Bonaire, Shuggie Otis, Nina Hagen…

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Natalia Ferviú es la chica del programa ese de la tele que ya no echan. Dio las Campanadas un año, en 2016, poco tiempo después de que muriese el último que había visto la Puerta del Sol cuando todavía era campo. La directora creativa, estilista, colaboradora de radio y televisión y DJ ocasional es la nueva invitada de nuestro Tipo Test, en el que habla sobre su música favorita, lo que incluye clásicos como Camarón y Kate Bush, pero también discos perdidos de De La Soul, Saâda Bonaire y una canción olvidadísima de Zanna. Dice que su máxima es mezclar sin escrúpulos, y puedes comprobarlo a través de sus respuestas, con las que hemos montado una playlist que no tiene ningún tipo de desperdicio, y con la que vas a llevarte más de una sorpresa.

¿Tienes canción favorita de todos los tiempos?
Uffff, tengo un ranking de favoritas que me cuesta muchísimo ordenar. A la cabeza ‘Babooshka’ de Kate Bush, ‘La leyenda del tiempo’ de Camarón, ‘Souvenir de Chine’ de Jean-Michel Jarre y ‘Strawberry Letter 23’ de Shuggie Otis. Ahí, ahí tengo varias de Ariel Pink, pero claro son más recientes.

¿Una canción que te haya obsesionado últimamente?
‘Disimulando’ de Novedades Carminha.
¿Recuerdas qué canción pinchaste por primera vez como DJ o una que fuera común en tus primeras sesiones?
‘No mires a los ojos de la gente’ de Golpes Bajos.
¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
‘We All Stand Together’ de Paul McCartney. Mi padre tenía el videoclip grabado y lo veía sin parar. Cada vez que la escucho me pongo blandita.
¿Qué canción desearías haber escrito?
‘Ave Lucifer’ de Os Mutantes.

¿Qué canción odias con toda tu alma?
Por lo general trato más de amar. Odiar es poco saludable y odiar una canción, un poco absurdo. Lo que sí me molesta, y mucho, es escuchar que hay géneros peores que otros. Ser defensor a ultranza de un solo género y por ello detestar otros me parece de fachas.

¿Sigues comprando discos? En caso afirmativo, ¿cuál fue el último y en qué formato?
Sí, compro discos de vinilo y en formato MP3. Mi último vinilo ha sido ‘3 Feet High and Rising’ de De La Soul y en digital, la reedición de todo el material de Saâda Bonaire por Captured Tracks.

¿Cuál es tu plataforma favorita para escuchar música ahora mismo? Por ejemplo, al margen de los Spotify/Apple Music, ¿escuchas discos enteros en Youtube?
Sí, de hecho es la plataforma que más utilizo. En Youtube suelo encontrar lo que busco, afinan bastante con las recomendaciones y me flipa ver videoclips, me inspiran muchísimo.

«Ser defensor a ultranza de un solo género y por ello detestar otros me parece de fachas»

¿Qué opinas del supuesto revival del vinilo o peor aún, del cassette? ¿Es puro postureo o te interesa especialmente?
A favor, colecciono vinilos. Primero hurgué, y más tarde heredé, los de mis padres y los que había en casa de mis abuelos. Y ya rozando la veintena empecé a comprar. El primero fue el single ‘Cars’ de Gary Numan. Cassettes conservo los que tuve o grabé pero no compraría más… creo. Es más una cuestión de romanticismo que otra cosa.

Actuación vocal que adores.
Nina Hagen interpretando ‘Unbeschreiblich Weiblich’.

¿Alguna canción que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure”?
Si algo me gusta lo reconozco, cero pudor. Sin embargo, hay canciones que por discurso se me han caído. ¿Cómo puedo defender hoy una canción que dice:
«Yo no sé qué es lo que me va a pasar
si no me dejas ni respirar
y es que le pones tanta pasión
que me rompes en dos
Me da igual que me engañes por ahí
si guardas un poco para mí
todo se olvida cuando tu cuerpo esta dentro de mí…»?

Pues eso: me gusta ‘Entra en mi cuerpo, sal de mi vida’ de Zanna, pero hoy por hoy afortunadamente esa letra me chirría.

¿Mejor secuencia de canciones en un disco que hayas oído?
No sé si la mejor, pero la de ‘Mother’s Earth Plantasia’ de Mort Garson me flipa. Y más reciente, que me guste mucho, la de ‘Gurú’ de Pony Bravo.

¿Algún disco que te encante pero cuya secuencia te parezca un desastre y lo escuches siempre en modo «shuffle»?
Para que me encante es imprescindible que la secuencia no me corte el rollo.

¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
En general, sentido y sensibilidad. Y en particular, acordes en menor, bombo, timbal, cencerro, guitarra con chorus, violines, palmadas, sintetizador…

Un remix que te haya vuelto loca.
‘Contort Yourself’ de James White & The Blacks por August Darnell.

Rosana despierta tanta alegría como cachondeo e ira al cantar con Juan Guaidó en Venezuela

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Rosana es esta mañana trending topic en Twitter, pero no por la gira que desempeña estos días por España –el próximo viernes, 22 de marzo, estará actuando en Manresa– con varios sold-outs presentando la edición Deluxe de ‘La memoria de la piel’ publicada la pasada Navidad –el disco originalmente se lanzó en 2016–. Lo es, en cambio, por una aparición sorpresa en una región de Venezuela, Vargas, donde se encontró con el líder opositor venezolano, Juan Guaidó, originario de ese estado, en plena gira por su país.

Numerosos vídeos y fotografías recogen el momento, en el que Rosana, aparentemente de manera improvisada, se unió al político en plena calle del barrio popular de La Guaira para cantar algunos de sus éxitos, ‘Pa ti no estoy’ y ‘Sin miedo’, con la complicidad de Guaidó, que daba palmas con los presentes e incluso se atrevió a cantar alguna línea, añadiendo de su cosecha «para los malos no estamos, para los buenos, sí».

Como suele ocurrir, en la red social hay comentarios de todo tipo, muchos que celebran su iniciativa, aunque parecen mayoría los que se muestran ofendidos por considerar que la cantante canaria se alinea con un «golpista». Otros tantos dudan, con guasa, que el «showcase» fuera improvisado, habida cuenta de la cantidad de prensa que había. Y otros, sencillamente, se meten con la autora de ‘El talismán’, la «autoproclamada cantante».

La Canción del Día: ‘Issues/Hold On’ ambienta en los 60 el matrimonio lleno de “issues” de Teyana Taylor y A$AP Rocky

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Teyana Taylor se ha quedado lejos de lograr el éxito y el reconocimiento que merecía (ni una nominación a los Grammy le ha caído) con su último trabajo producido por Kanye West, ‘K.T.S.E.‘, que contenía al menos una de las mejores canciones de 2018, ‘Gonna Love Me’. Por alguna razón, el estrellato se le resiste a Taylor pese a ir sobrada de talento -además de imagen-, y de buenas canciones como la que ha decidido apoyar ahora con un nuevo videoclip.

Y es que tras los clips para ‘Gonna Love Me’, por la que Taylor apostó lanzando un remix junto a los integrantes de Wu-Tang Clan Ghostface Killah, Method Man y Raekwon, en un ejercicio más 90s imposible; y la bailable ‘WTP‘, que la cantante presentaba no hace mucho con un visual que homenajeaba las ballrooms neoyorquinas de los 70; Taylor sigue retrocediendo en el tiempo en el vídeo de ‘Issues/Hold On’, el tema de su disco que samplea ‘I Do Love You’ de Clint Black & the Eastside Band, que fue un éxito en las listas de R&B americanas a mediados de los 60.

Y parece que concretamente en esa época, en medio de la eclosión hippy, está ambientado el vídeo de esta romántica composición en el que Taylor comparte protagonismo con el rapero A$AP Rocky, quien ya viajara a los 60 para casarse con otra mujer, en este caso con Lana Del Rey convertida en Jackie Kennedy, en el vídeo de ‘National Anthem’. La historia de Taylor va un poco peor en cualquier caso, en relación con la letra de esta canción que narra una relación llena de eso, “issues”. Sin embargo, el vídeo guarda cierto poso de humor en algunas escenas. En él hace un cameo Tyler, the Creator. La propia cantante lo firma con el nombre Teyana “Spike Lee” Taylor, pues el vídeo parece un homenaje a ‘Infiltrado en el KKKlan’.

¿Será ’45 revoluciones’ una auténtica serie musical o sólo un nuevo melodrama con decoración retro?

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Cuando se anunció ’45 revoluciones’, no era difícil sospechar que quizá tuvo algo que ver el por entonces cacareado estreno de ‘Vynil‘, la serie co-producida para HBO por Martin Scorsese y Mick Jagger (entre otros) ambientada en la industria musical norteamericana de los años 70. Ahora, sabiendo de la corta vida de aquella serie protagonizada por el director de un sello en horas bajas, también cabe pensar qué será de esta nueva serie televisiva producida por Bambú para Antena 3. ¿De verdad logrará triunfar un proyecto así en una televisión generalista española en la que hasta hace muy poco –cuando han comenzado a proliferar los programas con actuaciones en directo e incluso los documentales– la música era una mera anécdota, si no un chiste?

Lo principal, al menos para esta web, es saber si realmente será una serie sobre música o si esto es sólo un recurso coyuntural como en su día lo fueron el mundo de la moda, el hospedaje de lujo o los albores de las telecomunicaciones para los autores de ‘Velvet‘, ‘Gran Hotel‘ y ‘Las chicas del cable‘. El punto de partida, de entrada, parece interesante, ya que el argumento de ’45 revoluciones’ está inspirada en dos interesantisimos personajes de la historia musical de nuestro país: el productor Luis Sartorius, que dirigió Novola, subsello de Discos Zafiro dedicado a propuestas novedosas (cobijó a Los Relámpagos, Los Brincos y, años más tarde, a Juan Pardo en solitario y a Joan Manuel Serrat) y Mariní Callejo, una de las primeras directoras artísticas y arreglistas musicales del pop español, con un papel muy relevante en trabajos de Fórmula V o los propios Brincos.

Sin embargo, un repaso a la mayor parte de las referencias de prensa a la serie, incluido su espacio en la web de Atresmedia, no son nada halagüeñas. Apenas encontramos referencias a la música de los 60 –algún artículo de la casa reúne canciones de Los Brincos, Dúo Dinámico y Micky y Los Tonys dando supuesto contexto a la serie–, centrándose sobre todo en la coyuntura social: el músico que quiere triunfar (Carlos Cuevas, conocido por su papel en ‘Cuéntame cómo pasó’), un melenudo al que se tilda de «maricón» por su aspecto; un mánager (Iván Marcos interpreta a Guillermo Rojas, el que emula a Sartorius) que ve en ese chico atrevido la oportunidad para modernizar la anquilosada industria discográfica española; una secretaria que quiere ser tomada en cuenta, no ser sólo un florero a la espera de que un hombre le proponga matrimonio para escándalo de su familia…

El tráiler tampoco invita al optimismo: apenas se menciona –en boca de Maribel Campoy, el personaje inspirado en Callejo, interpretado por Guiomar Puerta– a Los Relámpagos, Los Mustang y Los Pekenikes, si bien lo peor es que la música que suena es una suerte de sucedáneo del soul de la Motown con una producción teóricamente moderna que, quizá, podría parecerlo en 1999. Para colmo, en lugar de recurrir a canciones de la época o a compositores actuales que sepan captar la esencia de aquellos años (sin pensar mucho, se nos ocurren varios: Guille Milkyway, Francisco Nixon, los Tachenko…), lo que vamos a escuchar por parte de los protagonistas son canciones de Lady Gaga, R.E.M., The Killers o Coldplay adaptadas a los códigos musicales de aquel tiempo, al estilo ‘Moulin Rouge’.

Por otra parte, la ambientación (una carrera delante de los grises invita a pensar que no estará ambientada en el mundo de fantasía de ‘Velvet’) y la apariencia de que temas espinosos como el sexismo o la homofobia tendrán protagonismo, unidos al hecho de que en el haber reciente de Bambú también está una buena serie como ‘Fariña‘, obligan a dar un voto de confianza a ’45 revoluciones’… al menos hasta que esta noche veamos su primer episodio.

Fallece Dick Dale, pionero del surf-rock y autor de la célebre ‘Miserlou’

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Dick Dale, pionero de la música surf, llamado el “Rey de la guitarra surf”, ha fallecido a los 81 años, ha confirmado a The Guardian su bajista Sam Bolle. La causa de su muerte no ha sido revelada por el momento, aunque Dale sufrió varios problemas de salud en los últimos años de su vida y en 2015 llegó a declarar en una entrevista que, si seguía dando conciertos, era para pagar sus facturas médicas.

Dale fue autor de la célebre ‘Miserlou’, en la que en realidad trasladó al surf-rock -entonces un género incipiente en Estados Unidos- una melodía tradicional griega que se remonta a finales de los años 20. La música surf se caracterizaba por fusionar ritmos del rock con melodías de Oriente Medio, el uso del reverb y punteos rápidos. ‘Miserlou’ ha ganado gran popularidad en años posteriores al ser empleada por Quentin Tarantino en su película de 1995 ‘Pulp Fiction’ (nada menos que al comienzo de la cinta) y sampleada más tarde por Black Eyed Peas en su éxito de 2005 ‘Pump It’.

Nacido en Boston en 1937, Dale fue hijo de un inmigrante libanés, quien le enseñó las escalas musicales orientales que él más tarde usaría en sus canciones, dando lugar al género de la música surf y a uno de los estilos más reconocibles del “sonido californiano”, que tanto se asocia en la actualidad a artistas indie como Best Coast o Wavves. El propio Dale se aficionó a surfear tras su llegada al sur de California a mediados de los años 50. En 1961 firmaría junto a The Del-Tones ‘Let’s Go Trippin’, considerada la primera canción de surf-rock y que fue versionada por Beach Boys en 1963.


Las Mejores Canciones del Momento: marzo 2019

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Anni B Sweet / Buen viaje: Primer single, psicodélico pero inmediato, del disco en castellano que lleva años preparando Anni B Sweet. La espera ha merecido la pena.
Mujeres / Romance romántico: Otra gran píldora pop de los garajeros Mujeres, que acaban de sacar EP en Sonido Muchacho, el sello de Carolina Durante, Los Nikis, La Plata o Airbag.
Cupido / Autoestima: Aparte de ‘No sabes mentir’, el primer disco de los exitosos Cupido incluía esta maravilla de R&B en la que Pimp Flaco canta sobre ser demasiado guapo.
Confeti de Odio / Hasta romper el móvil: Contagioso tema de urban el que se ha marcado el proyecto de Lucas de Laiglesia, normalmente más anclado en el indie pop.
One Path, KICKBOMBO / Rompe: Bailable primer adelanto del que se considera el primer disco oficial de One Path, tras varios años entregado a la mixtape y el tema suelto dentro de la música urbana.
Novio Caballo / Jesús es negro: Desde Castellón y Mushroom Pillow, Novio Caballo gustará a los seguidores de León Benavente o El Columpio Asesino.
Carly Rae Jepsen / Now That I Found You: Nueva entrega electropop de la intérprete de ‘Call Me Maybe’, ahora con una serie de beats noventeros que Dua Lipa ya habría convertido en macrohit.
Miss Caffeina / Prende: Segundo single oficial de ‘Oh Long Johnson‘, actual número 1 de ventas en nuestro país, con guiños a la música de baile de los 70, los 80 y los 90.
Carolina Durante / Joder, no sé: Primer sencillo oficial del que será el disco de debut de Carolina Durante en Sonido Muchacho, con distribución de Universal.
The Cranberries / All Over Now: Primer single del disco póstumo de Dolores O’Riordan, en el que tanto funcionan pre-estribillo y estribillo como el riff de guitarra de Noel Hogan.

Kero Kero Bonito / Swimming: Rescate del último álbum de Kero Kero Bonito en el que no parecía ser una de las mejores composiciones del largo, pero finalmente sí.
Spellling / Under the Sun: La californiana Tia Cabral («la bruja del pop») llega a su segundo disco, que incluye canciones tan magnéticas como esta, todo un grower que se acerca a los 6 minutos de duración.
KH, Four Tet / Only Human: Fascinante revisión del tema que abría ‘Loose’ de Nelly Furtado a cargo del siempre acertadísimo Four Tet.
Monterrosa / Fauna: Gran tema electropop del dúo revelación Monterrosa, en el que cantan contra las manadas, constituyendo un himno feminista y LGTB+.
Novedades Carminha / Obsesionada: Top 20 de ventas en España y top 40 de streaming, ‘Ultraligero’ de Novedades Carminha, aparte de 6 singles ya conocidos, esconde joyas como esta dedicada a alguien «obsesionada por la unidad de España».
Solange / Stay Flo: En el complicado nuevo disco de Solange encontramos algún tema instantáneo como ‘Stay Flo’, sobre el que debatíamos recientemente.
MARINA / Superstar: Primer single verdadero del próximo disco de MARINA, una canción de devoción en el que un piano convive con un bajo más urban de lo que aparenta.
Jessie Ware / Adore You: Aunque no sea su hit más obvio, embriagador nuevo tema de Jessie Ware en el que se ha hecho acompañar por el líder de Metronomy.
DORA / Saving Star: Tema de debut de DORA, la hija de Bimba Bosé que ya despuntara en Youtube antes de que falleciese su madre.
Hayden Thorpe / Diviner: Separados Wild Beasts, uno de los grupos más influidos por el legado de Talk Talk, Hayden Thorpe destaca en este primer adelanto de su nuevo disco.

Robert Forster / Inferno (Brisbane in Summer): Rockero tema incluido en el nuevo álbum del ex Go-Between, que ha pasado por nuestra sección de Discos Recomendados.
Rocío Márquez / Luz de luna: Adelanto de ‘Visto en el Jueves’, lo nuevo de Rocío Márquez, sobre el que hemos charlado con la artista en una entrevista que publicaremos durante los próximos días.
Hatchie / Without a Blush: Siouxsie o My Bloody Valentine continúan siendo las referencias de Hatchie, que tiene ultimada ya finalmente su puesta de largo.
Hidrogenesse / Se malogró: Segundo adelanto del inminente disco de Hidrogenesse, del que también se ha conocido el tema ‘Claro que sí’.
Dido / Hell After This: Sorpresa incluida en el nuevo álbum de Dido, que se ha presentado con temas como ‘Hurricanes’ o ‘Give You Up’.
Rex Orange County / New House: El artista que quedara segundo en el BBC Sound of 2018 tan solo por detrás de Sigrid se muestra aquí entre Randy Newman y Frank Ocean.
Holly Herndon / Eternal: Experimental tema de Herndon con el que se presenta su próximo álbum, a la venta en mayo.
Xiu Xiu / Girl With Basket of Fruit: Tribal y experimental pero medio pegadizo tema de Xiu Xiu, incluido en el disco homónimo que acaban de publicar este invierno.
Don Patricio, Cruz Cafuné / Contando lunares: Uno de los mayores éxitos en España ahora mismo es este tema que bebe de la tradición cubana como lo hacía ‘I Like It’ de Cardi B.
Sean Paul, J Balvin / Contra la pared: Inminente hit recién salido del horno de estos dos magnates del pop internacional, con toda la pinta de arrasar el próximo verano.

Billie Eilish podría superar las ventas de Ariana Grande y lograr el mayor debut de 2019

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Billie Eilish lanza su esperado debut el 29 de marzo, y las predicciones de ventas en Estados Unidos son espectaculares tal y como informa HITS Daily Double, hasta el punto que ya amenazan las cifras en su primera semana logradas por ‘thank u, next‘, de la mismísima Ariana Grande.

Según el portal americano, ‘WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?’ “se prepara para desafiar el mayor braguetazo del año” hasta el momento, el de ‘thank u, next’, que debutaba el pasado 17 de febrero en el número 1 del Billboard con lo equivalente a 360.000 copias vendidas en una semana. Hasta la fecha, el álbum ha despachado ya lo equivalente a 1 millón de copias solo en tres semanas, lo que convierte a Grande en la artista más importante del momento.

‘thank u, next’ está arrasando en ventas pero sobre todo en streaming, y este es precisamente el punto fuerte de Eilish. Para que os hagáis una idea, el mayor éxito de la cantante en las plataformas de streaming, ‘lovely’ con Khalid, suma cerca de 700 millones de reproducciones entre Spotify y Youtube, pero solo ha ido top 64 en el Billboard. El resto de singles de Eilish ha registrado un recorrido más o menos similar en Estados Unidos a excepción de ‘bury a friend’, que ha sido top 14, aunque cabe mencionar que la música de Eilish parece funcionar especialmente bien en Australia y Nueva Zelanda y también en algunos mercados europeos, más minoritarios.

Eilish es uno de los mayores fenómenos pop del momento (pese a su imagen y sonido alternativos) y su disco será uno de los más exitosos de 2019 casi con toda seguridad. Si efectivamente su primer disco alcanza, iguala o incluso supera las cifras en su primera semana de ‘thank u, next’ en USA, cabe preguntarse si se mantendrá en listas sin la ayuda de un hit potente a la altura de ‘7 rings’ o si, por el contrario, terminará confirmando a Eilish como una artista de álbumes. Esta segunda opción parece la más probable.

Dido / Still on My Mind

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Dido ha sorprendido a propios y extraños (por decirlo de alguna manera) publicando no solo un quinto disco cuando ya nadie parecía necesitarlo, sino también una de las mejores canciones de su carrera cuando ya nadie parecía esperarlo. Aunque ‘Hurricanes’ ha pasado desapercibida por las plataformas de streaming, mientras por las listas de éxitos directamente ni ha pasado -la británica luego declaraba que era un “buzz single”, pero no cuela- este tema que empieza simplemente poco más que con la voz de Dido y una guitarra acústica para, poco a poco, desenvolver una melodía preciosa, y evoluciona poco a poco hacia el trip-hop, desde donde el ritmo despega para terminar en los cielos, es la prueba inequívoca de que Dido sigue siendo capaz de componer canciones tan emocionantes como sus primeros éxitos. Lo cual no estaba nada claro con su anterior álbum, ‘Girl Who Got Away’, que por lo menos sí nos dejó un pequeño clásico como ha terminado siendo ‘No Freedom’, aunque parte de su reconocimiento se deba a la versión de Miley Cyrus. Me atrevo a decir que he escuchado ‘Hurricanes’ más veces en 3 meses que todo el disco anterior de Dido en 5 años.

Si ‘Hurricanes’ ha sido un “grower” -la especialidad de Dido-, también lo ha sido el verdadero sencillo principal de ‘Still on My Mind’, un álbum llamado así porque, dice la autora de ‘White Flag’, la música “sigue en su mente” pese a lo mucho que suele tardar en sacar álbum. ‘Give You Up’ parecía la típica balada llorica que tanto gusta a los británicos, y aunque puede que lo sea, también es una de las canciones de Dido que mejor ha logrado equilibrar su elegancia habitual con el dramatismo asequible de una Adele. En la letra, la artista no se ve con fuerzas para tirar una relación para adelante, pero lo que termina llevando el tema a un lugar mágico es su coro masculino, que suena espiritual y parece acompañar a Dido en su aflicción.

‘Still on My Mind’ encierra más sorpresas. La incursión latina de ‘Hell After This’, que incluye trompetas (!), es adictiva, un verdadero caramelo pop en una discografía que, si se ha caracterizado por algo, es por un repertorio de canciones que han buscado el ensueño, el elemento hipnótico, mediante coqueteos no solo con el folk-pop de ‘Thank You’, sino también con el new age, el hip-hop o varios tipos de electrónica. ‘Stoned’, la canción dance de ‘Life for Rent’, que destacaba por sus ambientes intoxicados y urbanos, conformando una de las grandes obras maestras de Dido, parece una influencia en las dos canciones bailables del álbum, ‘Take You Home’ y ‘Friends’. Ambas, con ritmos de pop-house ligero, demuestran que no hay nada de malo en que Dido no termine de dejar atrás los 90.

‘Some Kind of Love’ es otro de los momentos cumbre de este disco que Dido ha vuelto a producir junto a su hermano Rollo Armstrong, quien durante un tiempo fuera más famoso que ella como miembro de Faithless. Estamos ante una conmovedora balada acústica, adornada con las ambientaciones oníricas de rigor, en la que Dido se reencuentra con su juventud mediante los viejos discos de vinilo que sigue guardando en su habitación. Por otro lado, ‘You Don’t Need a God’ es otra buena balada próxima al new age, que en este caso habla sobre hallar transcendencia en las cosas mundanas.

El peor aspecto de ‘Still on My Mind’ es que sufre el clásico síndrome de disco cuya primera mitad es mucho mejor que la segunda, pese a que ‘Friends’ aparece hacia el final. Por ejemplo, alguien parece haber convencido a Dido de que haga una canción tropical y le ha salido una cosa bastante mediocre llamada ‘Mad Love’, mientras se vuelve a echar de menos un poco más de brío en algunas de las composiciones incluidas en esta “cara B”, como el tema titular o ‘Chances’. Un disco más que digno de Dido en cualquier caso, que confirma lo que ya sospechábamos, que aquel “greatest hits” de 2013 llegó demasiado pronto.

Calificación: 7,1/10
Lo mejor: ‘Hurricanes’, ‘Give You Up’, ‘Hell After This’, ‘Take You Home’
Te gustará si te gusta: tanto el pop alternativo tipo Lorde como el pop comercial tipo Adele
Escúchalo: Spotify

La Canción del Día: Four Tet hace maravillas con un tema olvidado de Nelly Furtado

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‘Loose’ fue el gran éxito de Nelly Furtado, llegando a despachar según las fuentes más optimistas 10 millones de copias. Las grandes triunfadoras del disco fueron ‘Promiscuous’, ‘Maneater’, ‘Say It Right’ o en España ‘Te busqué’ con Juanes, aunque lo cierto es que se llegaron a extraer 8 singles entre las 12 canciones que tuvo el disco. Eso quiere decir que tan solo 4 temas no fueron sencillo de aquel álbum y uno de esos 4 es el que acaba de ser rescatado del olvido por el bueno de Four Tet.

Se trata de ‘Afraid’, el tema que abría ‘Loose’. Era una colaboración con el rapero Attitude marcada por un repetitivo riff de guitarra, sobre el que Furtado hablaba sobre cuánto condicionaba sus acciones el «qué dirán». La co-producción de Timbaland, Danja y Jim Beanz decía repetidamente que «tienes miedo de lo que la gente pueda decir, pero no importa, porque eres humana», e iba incorporando un coro tipo tribal repitiendo esa misma frase, terminando este conjunto de personas entonando esta frase a capella en los últimos segundos de grabación.

Esa es la parte que Four Tet con su alias KH ha escogido para transformarla en rompepistas. ‘Afraid’ se transforma en un potentísimo ‘Only Human’ de base techno y ritmo frenético en el que las citadas voces se van abriendo paso hasta conformar una especie de estribillo. Kieran Hebden ya había pinchado su adaptación del tema, así como otros dj’s, propiciando que esta fuera una de las remezclas más buscadas de 2018, y finalmente ha sido este mes de marzo cuando se ha subido a las plataformas de streaming para nuestro deleite, tanto en todo su esplendor como en forma de «radio edit». Una nueva delicia bajo la producción de un Four Tet, donde el artista se permite juguetear de nuevo con la «world music» en sintonía con algunas de sus penúltimas inquietudes artísticas, centradas en la India.

‘Los crímenes de Alicia’: el enigma de Lewis Carroll y su obsesión con las niñas

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En 2004, el escritor argentino Guillermo Martínez publicó ‘Los crímenes de Oxford’, una estupenda novela de detectives que mezclaba de forma muy hábil el estilo, los personajes y los ambientes británicos de los clásicos del género (Conan Doyle, Agatha Christie), con la erudición y las reflexiones filosóficas (en este caso Wittgenstein y las matemáticas) de un Borges o un Umberto Eco. La novela, que fue adaptada al cine por Álex de la Iglesia con mucho oficio pero sin demasiada personalidad, nació de la experiencia del novelista en la universidad de Oxford, donde estudió matemáticas. De hecho, detrás del alumno protagonista, llamado G., no era difícil ver al propio Guillermo.

‘Los crímenes de Alicia’ (premio Nadal de este año) retoma los escenarios y personajes de la primera novela (aunque se puede leer de forma independiente), y sitúa la acción un año después, en 1994. En esta ocasión, G. y su profesor de Lógica Arthur Seldon (un trasunto de Watson y Holmes), se verán envueltos en una trama criminal que gira alrededor de un hecho real: el descubrimiento en 1994 por parte de la escritora Karoline Leach, de un documento en el que se revelaba cierta información sobre el contenido de las páginas del diario de Lewis Carroll que sus herederos habían arrancado tras su muerte.

¿Qué escribió el autor de ‘Alicia en el país de las maravillas’ en esas páginas para que fueran arrancadas? ¿Algún sentimiento comprometedor? ¿Algo que dejara traslucir su presunta pedofilia? Martínez tira del hilo interpretativo de este enigma para tejer una absorbente intriga criminal, llena de sorprendentes pespuntes, en la que se verán enredados los miembros de una sociedad de estudiosos del escritor y también matemático británico. Un misterio que avanza en paralelo a otro: el del propio Lewis Carroll. Martínez cita a L. P. Hartley -“El pasado es un país extranjero”- para reflexionar sobre cómo acercarse desde la época actual a la figura del victoriano Carroll, cómo asomarse desde nuestros códigos morales a un mundo donde la edad legal para casarse eran los doce años y la desnudez infantil el símbolo de un ideal edénico.

Crímenes que parecen seguir la (i)lógica de Alicia en el país de las maravillas, profesores que intentan aplicar la lógica matemática a la investigación policial, referencias a John Frankenheimer (el hoy algo olvidado director de maravillas como ‘El mensajero del miedo’, ‘El tren’ o ‘Plan diabólico’), y una historia de amor que, como en el caso de ‘Los crímenes de Oxford’, es la parte más floja de la novela. Guillermo Martínez ha vuelto a resucitar el subgénero del whodunit y le ha aplicado la lógica de Wittgenstein: después de 2, 4, 8, 16, puede venir el número 31. 7,5. Disponible en Amazon.

Red Hot Chili Peppers cantan ‘Pyramid Song’ de Radiohead frente a las pirámides de Egipto

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Red Hot Chili Peppers han llevado a cabo su plan de actuar frente a las famosas pirámides de Egipto en Giza. Los estadounidenses se suman así a la lista de artistas que han actuado en tan preciado lugar, entre los que se encuentran Frank Sinatra, Mariah Carey, Jean-Michel Jarre, Shakira, Kylie Minogue o Sting, según Setlist.fm.

La anécodta de concierto es que Red Hot Chili Peppers no han dejado pasar la oportunidad de tocar frente a las pirámides ‘Pyramid Song’, una de las mejores canciones de Radiohead. La elección no es casual, pues Flea -guitarrista de Red Hot Chilli Peppers- es a su vez miembro de Atoms for Peace junto a Thom Yorke -líder de Radiohead-, Joey Waronker, Mauro Refoscoel y el productor Nigel Godrich, quien de hecho produjo ‘The Getaway‘, el último trabajo de los Red Hot hasta la fecha.

El repertorio de Red Hot en las pirámides está disponible en Setlist.fm e incluye también sus habituales versiones de ‘I Wanna Be Your Dog’ de The Stooges y ‘Higher Ground’ de Stevie Wonder, además de los éxitos ‘Californication’, ‘By the Way’, ‘Give it Away’ o ‘Under the Bridge’. El vídeo completo, bajo estas líneas. ‘Pyramid Song’ empieza en torno a 1:59:50.

Rocío Márquez renueva el mítico bolero ‘Luz de luna’ y lo eleva a los cielos

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Hay versiones y versiones: están las que sirven como homenaje, otras que simplemente imitan de pe a pa el original y otras, no demasiadas, que reinventan lo escuchado y, partiendo de una grabación anterior como referencia, la convierten en una nueva canción. Es el caso de lo que ha hecho Rocío Márquez con ‘Luz de luna’, el clásico bolero de Álvaro Carrillo que se presentó como single de ‘Visto en El Jueves’, el nuevo álbum de la cantaora de Huelva. Y mira que hay interpretaciones míticas de esta canción: Rocío Durcal, Chavela Vargas, María Dolores Pradera, El Cabrero… Pero la de la onubense la lleva a un espacio propio, reconocible y nuevo.

Precisamente de la adaptación a bulería que hacía el cantaor sevillano es de la que parte la autora de ‘Firmamento‘, como nos ha explicado en una profusa entrevista que publicamos en los próximos días. Esa versión comenzaba incorporando un fragmento de la ‘Vidala del nombrador‘ –una canción de Jaime Dávalos, en ese estilo tradicional de La Pampa que dio lugar a la vidalita, un palo flamenco de los llamados «de ida y vuelta»–, antes de atacar el bolero tal y como se conoce más popularmente. Rocío, además, difiere de la versión de El Cabrero en que conserva un último verso del original de Carrillo que el cantaor omitía –el verso que comienza «Si ya no vuelves nunca, provincianito mío»– y que ella ha recompuesto como una suerte de outro.

Pero más allá de su estructura e historia, lo que consigue que esta ‘Luz de luna’ suene del todo nueva es la interpretación que hace Márquez, yendo de la mano del tocaor Juan Antonio Suárez “Canito” y las percusiones de Agustín Diassera, sus únicos cómplices musicales en esta aventura. Con esta escueta formación, Canito demuestra una imaginación asombrosa, con un toque de guitarra que en muchos pasajes es tan iconoclasta que ni siquiera parece flamenco (aunque no deja de serlo en ningún instante), mientras Diassera emplea triángulo, maracas y cajón casi como si fueran pinceladas, muy leves pero imprescindibles. E impulsada por ambos, la voz de Rocío nos agarra por el pecho y nos zarandea, especialmente en ese verso final antes citado.

‘Luz de luna’ ha sido el primer adelanto de ‘Visto en El Jueves‘, el nuevo trabajo de Rocío Márquez, publicado hace un par de semanas, y que está inspirado en hallazgos hechos por la artista en EL Jueves, un conocido mercadillo de segunda mano que se celebra ese día de la semana en la capital andaluza. Con ello, Márquez y su equipo quieren hacer reflexionar sobre la memoria, lo antiguo en un mundo tan fugaz en el que las cosas nuevas dejan de serlo de manera casi instantánea. Esa imagen también parece inspirar el vídeo de la canción recién estrenado: en un precioso trabajo visual de Vampire Films, Márquez, «Canito» y el bailaor Rubén Olmo se desdibujan en líneas digitales, junto con bodegones de cacharros y discos viejos que bien podrían haber sido hallados en El Jueves, como si pugnaran por que lo crudo y lo real no sucumbiera a lo digital.

Nasty Cherry, el grupo entre Spice Girls y The Runaways que amadrina Charli XCX

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En el fondo, Charli XCX debe añorar (como nosotros) su etapa punk-popera, la de ‘Sucker‘. Y por eso ahora se ha implicado al máximo en apoyar Nasty Cherry, un grupo formado por cuatro chicas que Noisey ya ha definido con bastante tino como unas Spice Girls que hubieran nacido en Los Ángeles y hubieran flipado con The Runaways. Son referentes dispares pero que, extrañamente, cobran bastante sentido al escuchar ‘Win’, el recién estrenado primer single del proyecto.

Y es que, efectivamente, esta canción tiene algo de pop y algo de punk, aunque no esté protagonizado por guitarras sino por teclados que más bien recuerdan a MUNA o The Pale Waves, y un bajo muy Peter Hook. Y es que, tal y como están hoy las cosas, ya es bastante punk no caer en los tópicos del pop actual y no hacer estallar la canción a la primera de cambio, reservándose el gancho hasta el minuto 2, para comenzar a repetirlo hasta el final. Una estructura bastante llamativa en la que también colabora la propia Charlotte Aitchison junto al productor, Justin Raisen, que además de a Charli ha producido a Sky Ferreira (no en vano ‘Win’ también remite a ella), Angel Olsen, Ariel Pink o Marissa Nadler. El single ha sido publicado en Vroom Vroom Recordings (así se llama el sello de la autora de ‘Vroom Vroom‘), para que todo quede en casa.

El cuarteto es de Los Ángeles, y su formación es muy reciente. La conexión con Aitchison parece estar en Debbie Knox-Hewson, la batería del grupo que ejerció como tal en los directos de la británica precisamente en la era ‘Sucker’. Completan Nasty Cherry la vocalista Gabby Bechtel, la guitarrista Chloe Chaidez (que también pertenece a una banda angelina llamada Kitten), y la bajista Georgia Somary, que se han ido presentando al más puro estilo revista teen (diciendo su horóscopo y comida favorita, movidas así) en su perfil de Instagram. Y es que, pese a que de momento ‘Win’ no cuenta con un videoclip, en Nasty Cherry parece muy importante la imagen: no hay más que ver el portadón de su single, con las miembros formando un cuadrado sujetando los pechos de sus compañeras a cada lado. El tiempo dirá si esto es sólo una curiosidad o algo más consistente, o si resistirán sin la implicación de Charli XCX en el proyecto, pero de momento el juego les está quedando, como poco, llamativo.

Escucha la playlist «Revelación o Timo»

Lola Indigo canta (y baila) ‘Corazón partío’ y revela el título de su disco en ‘La mejor canción jamás cantada’

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Esta noche se ha emitido en TVE la nueva edición de ‘La mejor canción jamás cantada’ (suspendida la semana pasada por la huelga general del 8 de marzo). El programa se ha centrado en la década de los 90 y ha contado con la participación, entre otros, de Miki Núñez, Carlos Sadness, David Otero, Lola Indigo, Sweet California, Carlos Baute y Alba Reche.

Lola Indigo ha hecho una versión de ‘Corazón partío’ de Alejandro Sanz, quien casualmente acaba de anunciar un nuevo disco llamado “el disco”, aunque la noticia es que ha aprovechado su visita al plató de ‘La mejor canción jamás cantada’ para anunciar que su disco se llama ‘Akelarre’ -sí, con K– y que sale “en primavera” (aunque esto ya lo había confirmado). Puedes comprobarlo tú mismo en el vídeo completo del programa, a partir del minuto 59.40. Mimi Doblas confirma que “pronto” sale nuevo single.

En cuanto a su actuación, la artista granadina tampoco ha dejado pasar la oportunidad de marcarse unos pasos de baile, sumando otra estupenda performance a su carrera televisiva. En Twitter ha escrito: “para mí ‘Corazón partío’ siempre ha sido la canción mas bonita en nuestro idioma, gracias a Gestmusic por invitarme a cantarla, a Ferrara por hacerme bailar con esta version y al maestro Alejandro Sanz por su obra y su inspiración infinita”.

Nena Daconte / suerte…

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6 años fuera de la industria musical es una eternidad. Lo era en los 60, cuando era lo normal que los Beatles sacaran un disco todos los años; lo era en los 70, cuando era lo normal que David Bowie sacara un disco o más todos los años; y lo es desde luego ahora, cuando lo normal es que un artista pruebe «suerte» con un single cada dos meses, sin contar «featurings». Nena Daconte va a necesitar mucha de esa «suerte» de la que habla en el título de su regreso para volver a conectar como pretende con el público que canturreó ‘Tenía tanto que darte’, ‘El aleph’, ‘En qué estrella estará’ o ‘Disparé’, máxime después de unas controvertidas declaraciones sobre religión y el aborto que ni la han acercado al target comercial de Taburete, ni han conectado obviamente con sus seguidores más progresistas o LGTB+.

Pero ciñéndonos a lo musical como ha de ser, ‘Mi mala suerte‘ sí es el single perfecto que puede servir para reconducir una carrera, pues es fiel a la esencia de la artista, conecta en espíritu con su mayor hit pero es independiente de él y no puede sonar más fresco y original en medio del huracán de música urbana y latina que suena en Youtube y otras plataformas de streaming. Recuerda a ‘Tenía tanto que darte’ no solo en el uso de voces infantiles, sino por ese gusto tan Mai Meneses de hacer sonar una canción triste, un sentimiento de rabia, como una grabación paradójicamente eufórica y optimista. La letra dice «Maldigo aquella vez y mi mala suerte», pero la sensación dejada es de desahogo, de dejar todas las malas vibraciones fuera, a lo que ha contribuido un simpático vídeo en el que la artista se pasea por Madrid y Barcelona acompañada de un bombo que marca el contagioso ritmo de la canción.

El resto de ‘suerte…’, 7 canciones que se verán complementadas por pistas sueltas durante los próximos meses, se compone de baladas como ‘Amanecí’ o la final ‘Ya sé’, esta última salpicada por los celos; y canciones de pop-rock como ‘Ya no somos niños’ o ‘Y qué’, con Nena Daconte intentando «recomponerse» de alguien a quien «no ha conseguido olvidar jamás». Otro gran estribillo. Las más interesantes son ‘En otra dimensión’, una acústica en la que Meneses sueña con una vida ajena a la maternidad («Me encantaría llegar a ser imprudente contigo, ser temeraria y vacía»); y muy especialmente ‘La llama’, en la que un precioso banjo aportado por el productor Paco Salazar y un pequeño cambio de acordes en el estribillo, construyen una canción con nada que envidiar al catálogo de Emeli Sandé, que habla sobre renacimiento (“He tropezado tanto y tantos fracasos / pero me sigo levantando y aún sigo aquí”) y resistencia («soy un barco en mitad del mar que ninguna ola consigue volcar»). Con un nivel compositivo infinitamente superior al de, por decir algo, los discos de Taburete o ‘Tráiler’ de Aitana, es un verdadero misterio por qué este disco no está logrando mayor repercusión. ¿Serán sus ideas políticas? ¿Será su edad? ¿Serán los años de silencio? Pero sobre todo, ¿está siendo justa la industria musical con esta autora? ¿No debería Meneses como mínimo estar componiendo para otros artistas de pop?

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Mi mala suerte’, ‘Y qué’, ‘La llama’, ‘En otra dimensión’
Te gustará si te gustan: Vega, La Sonrisa de Julia, Amaral
Escúchalo: Spotify

Hit de ayer: ‘God Give Me Strength’ de Kristen Vigard, un tema perdido de… ¿la mejor peli musical de la historia?

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En un reciente episodio de su podcast, el crítico de cine inglés Mark Kermode entrevistaba a la directora de cine Allison Anders con motivo de la reciente edición en DVD en el Reino Unido de su película de 1996 ‘Grace of My Heart’. Producida por Martin Scorsese y protagonizada por Illeana Douglas, John Turturro y Matt Dillon, narra la vida ficticia (pero inspirada parcialmente en Carole King) de una cantante y compositora de canciones del Edificio Brill durante la era dorada del pop en los EE.UU.

Durante el programa Kermode -que es un enorme fan de la película- alababa la obra de Anders y juntos departían sobre cómo se originó la idea y cómo se planteó quizá el elemento más crucial de la misma: la música. Anders explicaba cómo desde el principio quiso juntar a artistas contemporáneos de los 90 con compositores de éxitos de los 60 y que colaborasen componiendo. Así, Burt Bacharach, Joni Mitchell, Gerry Goffin o Lesley Gore se acabaron codeando -literal o metafóricamente según el caso- con Elvis Costello, J Mascis de Dinosaur Jr, Shawn Colvin, Dave Stewart de Eurythmics o Los Lobos. Las canciones, que recreaban los sonidos de la época bastante respetuosamente, se grabaron en el estudio B de Capitol Records en Nueva York -uno de los pocos que en los noventa mantenía su configuración y equipo originales- con la ayuda de gente como el arreglista Jimmy Haskell (The Everly Brothers, The Beach Boys) o el legendario bajista Chuck Berhofer (el de ‘These Boots Are Made For Walking’).

El sonido de la banda sonora va a la par con la calidad de recreación visual: la fotografía, ambientación y vestuario de ‘Grace of my Heart’ eran impecables, y vista veinte años después está a la altura de obras maestras de la resurrección visual más recientes como ‘Mad Men’ o la película ‘Love & Mercy’. Pero no es el único aspecto en el que film y banda sonora van parejos. Ambos comparten una constante que se resume en la palabra “emoción”. Si la historia de Edna Buxton de constante lucha (vital, sentimental, de género) está llena de triunfos y decepciones que llegan directamente al corazón, las canciones tienen una magia extraña que potencia todo ese caudal de sentimientos. Lo mismo ocurre con la trayectoria del personaje Jay Phillips (inspirado en parte en Brian Wilson) y las canciones que le rodean.

Los temas que elevan a los cielos a la película son varias, y de enorme calidad: desde los caprichos de pop recreado (‘Born To Love That Boy’) a la extraña-mezcla-que-sin-embargo-funciona de pop de guitarras 90s mirando a los 60 (las extraordinarias ‘Take A Run At The Sun’ y ‘Don’t You Think Is Time’ de J Mascis). Pero son las de corte más emocional las que coronan esta banda sonora, y a ‘Grace of my Heart’ por extensión: mención especial para la canción sobre amor lésbico en la sombra que Lesley Gore no pudo escribir en los 60 pero sí en los 90: ‘My Secret Love’, además de ser parte de una de las mejores escenas de ‘Grace of my Heart’, es un monumental himno y una composición que debería citarse más a menudo como una de las mejores de su obra.

Y sin embargo nuestro ‘Hit’ de esta quincena va dedicado a otra canción, interpretada por Kristen Vigard. Aunque no muy conocida, se trataba de una actriz y cantante que había debutado de niña en 1976 como la primera ‘Annie’ de la historia de Broadway y ya de adulta editó un único disco en solitario (‘Kirsten Vigard’, 1990) sin demasiado éxito (aunque incluso en España se vio bastante el vídeo de ‘Paint My Head’ en los canales satélite). A mediados de lo 90, mientras se estaba replanteando sus dos carreras, fue fichada para poner voz al personaje Edna Buxton en las escenas cantadas de ‘Grace of my Heart’. Tres son los temas que interpreta Vigard a voz y piano, y los tres son espectaculares. ‘A Boat on the Sea’, de Larry Klein, es de una melancolía difícil de explicar. La canción escrita por Joni Mitchell, ‘Man from Mars’, es estremecedoramente bonita también… y habría conseguido más fama de no ser por el impacto que deparó ‘God Give me Strength’, la colaboración entre Costello y Bacharach. Dos músicos que se juntaron simplemente para llevar a cabo el experimento propuesto por Allison Anders pero que para sorpresa de todos compusieron una canción tan exquisita, tan desarmante, tan colosal, que acabaron componiendo un álbum entero (‘Painted from Memory’, 1998).

Quizá por esa razón cuando se publicó la banda sonora la discográfica maniobró para que la versión que apareciese de ‘God Give Me Strength’ fuese la que grabaron ellos, una versión con gran pompa orquestal y sin duda excelente, pero que dejaba fuera del disco la interpretación más íntima e impactante: la de la película. En una de sus escenas más icónicas, Edna se la canta a Jay, quien va a producir su primer disco en solitario. Representa un momento de meta alcanzada, de etapa cumplida y también de expresión de dolor por un desamor que la canción expresaba magistralmente, en la doble interpretación de Illeana Douglas y Kristen Vigard:

“Ahora no tengo nada, así que Dios dame fuerza / Porque me siento débil después de su partida / Y aunque esté fuerte aún podría romperme (…) / Esa canción ya la hemos acabado / el sonido de esa campana ya se ha agotado / Él fue la luz que yo bendecía / Y se llevó mi última oportunidad de ser feliz”.

Conforme Kristen desgrana tan tristes versos con su voz cristalina, la canción va ascendiendo en una progresión de acordes y melodía a lo largo de unas estrofas, post-estrofas, pre-estribillos y estribillos que compiten entre sí en elegancia y emoción, con matices y detalles de los que hicieron de Bacharach el genio que en los 60 no sólo cambió el pop para adultos sino que influenció a figuras del pop futuro como Brian Wilson. Para cuando llegan el puente y el post-puente la tensión es máxima, extática. Y en ellos las letras de Costello son pura poesía sobre la necesidad del duelo cuando el amor muere:

“Aunque también podría borrarle de mi memoria / Romper el hechizo, mientras se vuelve mi enemigo / Quizá desaparecí como se borra una marca de labios en su camisa / Verás, soy de carne y hueso, y quiero que él duela / Quiero que él duela”.

¿Es hiperbólico declarar ‘God Give Me Strength’ la canción la más bella, compleja y emocionante de todos los 90? ¿O añadir que pertenece a la mejor película musical de la historia? Pues en ‘Hit de ayer’ lo afirmamos.

La ausencia de esta versión en la banda sonora decepcionó a muchos fans del film, hasta el punto de que a finales de 1996 Allison Anders acabó yendo al legendario programa de música de Los Angeles ‘Morning Becomes Eclectic’ (todavía en antena en la actualidad) para ser entrevistada y regalarles un DAT con la canción, que en la emisora se radiaba a menudo a petición de los oyentes. Un lustro después, la canción era una búsqueda habitual en Audiogalaxy, eMule, Soulseek y demás por parte de sus fans. Gracias a la llegada de Youtube, desde hace casi una década se ha podido ya acceder de manera normalizada a ‘God Give Me Strength’ (incluso la versión completa y en estéreo, aunque siempre gracias a canales no oficiales de los que afortunadamente la plataforma de momento tolera. Pero sigue siendo bastante inaudito que ni siquiera a día de hoy se pueda escuchar la canción (o la banda sonora) en Spotify ni plataformas similares. O ver la película en streaming. Quizá el destino de esta maravilla era simplemente ser un tesoro escondido, uno verdaderamente bello.

‘God Give Me Strength’ suena en la última entrega del podcast de Jaime Cristóbal, Popcasting, disponible en este enlace.