Mala Rodríguez ha vuelto este año con el impactante single ‘Gitanas’, aunque especialmente sonadas han sido sus recientes colaboraciones con Juan Magán (‘Usted’), Beatriz Luengo (‘Caprichosa’) o Ibeyi (‘Me voy’), la primera de las cuales se ha convertido en el mayor éxito comercial de su carrera.
Ha habido más “featurings” de La Mala este año, por ejemplo el single propio, ‘Contigo’, compartido con el rapero inglés-jamaicano Stylo G, y su aparición, el pasado mes de octubre, en un “remix internacional” de ‘Quero que tu vá’ de la cantante brasileña Ananda con el productor Joker Beats, al que se sumaba también la cantante de Miami DaniLeigh, autora de singles como ‘Lil Bebe’ y ‘All I Know’ y a quien posiblemente recordarás por su aparición en el videoclip de ‘Breakfast Can Wait’ de Prince.
‘Quero que tu vá’ mezclaba un piano doo-wop con percusiones brasileiras y la voz de Ananda, llena de soul, parecía perfecta para el mensaje “quiero que te pires” de la canción, pero La Mala elevaba su impacto con una aportación llena de frases memorables como “te estás burlando de mi tolerancia, a ti no te queda ni un poquito de confianza” o “vete a tomar por culo”. El videoclip para ‘Quero que tu vá’ acaba de estrenarse y, aunque no es nada del otro mundo, sirve para recordarnos que esta canción -especialmente el remix en cuestión- no estaba nada mal.
Tras años y discos esperando algún tipo de esfuerzo de Muse por alejarse de ser una parodia de sí mismos cada vez más cansina, al fin parece que ha llegado la reinvención de los británicos que muchos deseaban. Aunque quizá, a tenor de los resultados de ‘Simulation Theory’, ahora aquellos quizá se arrepienten. No tanto por comprobar que los tiempos de gloria rock post-metal de ‘Absolution’ o ‘Black Hole and Revelations’ difícilmente volverán (a pesar de haber contado de nuevo con Rich Costey para su producción), sino por enfrentarles a los peores fantasmas que rodeaban al grupo. Como si dijeran “¿os incomodaba el rollo Queen? Pues aquello no era nada”.
En ‘Simulation Theory’ –una vez más, un álbum conceptual sobre la idea planteada por el filósofo sueco Nick Bostrom de que nuestra realidad podría ser una simulación informática; como si el mundo real fueran Los Simms, vaya–, Matt Bellamy, Chris Wolstenholme y Dominic Howard llevan hasta el paroxismo esa teatralidad que se había convertido casi en su seña y se aproximan no ya al rock sinfónico de Yes o King Crimson (que también). Sino que, directamente, parecen mirarse sin el más mínimo rubor en los Andrew Lloyd Webber y Tim Rice de ‘Jesucristo Superstar’ o ‘El fantasma de la ópera’. De hecho, la secuencia del disco parece establecida con una especie de guión, así que… ¿quién sabe si en esa gira que llega a Madrid el año que viene no veremos ‘Simulation Theory’ representado en una ópera rock retrofuturista? Capaces son.
El inicio del álbum, con ‘Algorithm’ y ‘The Dark Side’, son quizá los momentos que más claramente remiten al teatro musical, con una exagerada grandilocuencia que tiene mucho más que ver con Europe (o ‘Europa’ de Mónica Naranjo) o con los pasajes más rockeros de ‘Born This Way’ de Lady Gaga, que con Radiohead, y que regresa hacia el desenlace de la historia –en la que que el protagonista encuentra como única salida rebelarse contra el ente superior que domina la realidad para recuperar las riendas de su destino “et al”– con la “hardrockera” ‘Blockades’, el electro-gospel-rock de ‘Dig Down’ (con un giro melódico que remite a George Michael) y ‘The Void’, repletas de coros ampulosos y sintetizadores retro a lo John Carpenter/‘Stranger Things’/Italians Do It Better.
Por medio de todo ello, Muse muestran esa experimentación con el “hip hop” que también habían prometido como novedad de este álbum: a la cabeza, ‘Propaganda’ –a vueltas con las “fake news”–, una curiosa y seductora amalgama a medio camino entre Prince y el doom metal; y ‘Break It To Me’, con unos bajos que traen a la palestra a Flea y Red Hot Chili Peppers. Esos ritmos funk también se cuelan en una faceta abiertamente pop que ocupa parte del álbum, como el groove del single ‘Thought Contagion’ –más Imagine Dragons que los propios Imagine Dragons– o el pegajosísimo riff de ‘Pressure’, quizá el single más evidente del disco.
Aunque para pop-pop, lo del single ‘Something Human’, que pese al (quizá involuntario) guiño melódico a ‘Every Breath You Take’, está más cerca de ser un tema de Ed Sheeran que de los propios Muse, salvo por esos simpáticos coros vocoderizados del estribillo; o lo de ‘Get Up And Fight’ que, producida por Shellback (Taylor Swift, Adele, Britney Spears, Maroon 5), parece cercana a A-Ha (de no ser por el arrebato guitarra-doble bombo del gancho principal).
Como podéis deducir a estas alturas por la retahíla de nombres ligados al pop mainstream, ‘Simulation Theory’ parece constatar que Muse se alejan del todo del rock alternativo para alcanzar un estatus que, sí, les sitúa como los Queen del siglo XXI. Evidentemente, esto será un golpe bajo para muchos de sus fans más veteranos. Pero para los que les observamos desde una distancia prudencial, y aún flaqueando en su segunda mitad de manera ostensible, ‘Simulation Theory’ es un disco tan delirante en su rocambolesca mezcla de estilos que, asumiendo que está llena de sentido del humor (o así queremos entender su tendencia a la autoparodia), sólo cabe reconocer que es bastante divertido. Sólo por ver cómo sus seguidores más seriotes se rasgan las vestiduras, ya vale la pena el «viaje».
Muse presentan ‘Simulation Theory’ el próximo 26 de julio en el Estadio Metropolitano de Madrid. Las entradas salen a la venta este viernes para el público general con una preventa desde hoy jueves.
Calificación: 6,2/10 Lo mejor: ‘Pressure’, ‘Thought Contagion’, ‘The Dark Side’, ‘Propaganda’ Te gustará si te gustan: ‘El fantasma de la Ópera’, Europe, Imagine Dragons y ‘Born This Way’, todo a la vez. Escúchalo: Spotify
Los navarros Kokoshca publican esta semana en Sonido Muchacho su nuevo disco ‘El mal‘ tras habernos conquistado con álbumes anteriores como ‘Hay una luz’ o ‘Algo real’. ‘El mal’ no viene presentado por un single tan decidido como ‘La fuerza’ o ‘No volveré’, pero a cambio ofrece un discurso rico en cuanto a letras y estructuras, al tiempo que se mantiene la variedad estilística que les caracteriza, del bolero al rock. Hablamos con los co-líderes Amaia e Iñaki y con el batería, Álex, a su paso por Madrid durante una visita promocional. Hay tiempo para hablar sobre el fondo político de algunas letras, la moral de la izquierda y lo que es el underground. El 25 de enero el álbum se presenta en la Joy Eslava de Madrid en compañía de Hidrogenesse.
¿Cómo convenceríais a alguien que no os conoce de escuchar vuestro nuevo disco?
Amaia (A): «De buenas a primeras cuesta escucharlo entero. No es un disco inmediato, ahora que ya no se dedica una hora a escuchar cada disco. Yo les diría que lo hagan porque van a descubrir cosas».
Iñaki (I): «Gana con las escuchas, si te hacía gracia Kokoshca, es una versión más destilada, más densa a nivel concepto, sonido… Está todo lo de Kokoshca de siempre, pero con más ambición».
Álex: «En otros discos cada 3 o 4 canciones sale una con los ganchos clásicos de Kokoshca y en este no existe ese asidero, como eran ‘RBU’ o ‘No queda nada’. Es un poco más denso, más árido».
¿Por qué decís que cuesta escuchar entero?
A: «La gente está acostumbrada a letras sencillas, estructuras estudiadas para que algo se te meta en la cabeza. Y lo que hemos querido hacer es probar evoluciones distintas. A las letras tienes que darle vueltas hasta hacerlas tuyas. Es un esfuerzo para el oyente, pero se puede disfrutar más que ‘Suavecito'».
Bueno, justo ‘Despacito’ tenía una estructura compleja…
A: «Estudiada para que se te meta en la cabeza».
I: «Son canciones menos redondas, pero es un disco asequible».
¡Para mí que una canción sea redonda es bueno!
Álex: «Se refiere a la estructura».
I: «Me refiero a que son menos cortas, menos single. No es ni mejor ni peor. Requiere de más atención».
Decidme una canción nueva que sea representativa de esas estructuras más complejas.
A: «‘El rey’ son unos acordes raros, hay arreglos de viento que parecen de los Beatles, que no es lo que más se escucha ahora mismo. La letra tampoco es «te echo de menos, me acuerdo de ti»».
I: «También ‘Calle lloviendo'».
¿Quiénes son los niños que cantan en ‘El rey’?
A: «Son mis sobrinos (risas). Era representativo contar con niños para hablar de que estamos alienados desde que vamos al colegio, tus padres te dicen lo que tienes que pensar, el rey que te gobierna para no dejarte pensar… Tenía sentido que los niños cantaran que habían matado al rey».
‘Seguiremos en pie’ también tiene una lectura política.
I: «Es una canción de resistencia ante lo que sea, ante los fracasos vitales, el amor. Es como ‘Resistiré’ de Dúo Dinámico, pero nos parece peor nuestra canción (risas). Hay una referencia al chino de Tiananmén, pero la intención no era política».
A: «Es más como el junco que «siempre sigue en pie» del Dúo Dinámico».
¿Con el vídeo habéis intentado quitarle ese poso político, con esas túnicas sectarias?
I: «Los vídeos son espacios de surrealismo. A quien representa la canción es a ti o al público. Lo de las túnicas… es el primer vídeo en el que no hemos tenido control creativo. (La productora) lo ha entendido como algo sobre revivir, sobre esoterismo».
Álex: «Diego (Jiménez, director) nos dijo que venía con Kokoshca empollado, con aquello de «Únete a Kokoshca«. Quería algo de buscar la comunión o la secta, eran guiños a la historia de Kokoshca».
A tenor de la secta Kokoshca, ¿para vosotros es fundamental seguir siendo vosotros, no ceder a la industria? Por ejemplo, no habéis pensado en hacer una canción para las playlists de Spotify, ni siquiera tras haber colocado ‘Mi consentido’ en una con el disco anterior.
I: «La verdad es que no es premeditado, somos incapaces de hacerlo de manera premeditada».
A: «A mí me encantan las sectas y soy carne de secta, me captarían rápido (risas)».
¿Qué quieres decir?
A: «Me fascinan bastante. Si un día llega la secta adecuada me capta seguro».
I: «Pero no hay una militancia underground, si es lo que quieres decir».
A: «Hablamos de pertenencia, que seamos Kokoshca tocando y que haya gente a la que le mole. Que conecte con la música».
«No hay militancia underground (en Kokoshca), pero sí hay cierta incomprensión por lo que es el «overground»
Bueno, también hay sectas grandes.
A: «¡Hagamos una nueva secta que mole!».
Álex: «No hay militancia underground, pero sí hay cierta incomprensión (en Kokoshca) por lo que es el «overground». De nosotros hacia arriba: nos cuesta entender qué es ese arriba o los códigos que maneja la industria, los símbolos».
¿Te refieres al mainstream de Los 40, de Youtube…? Porque ahora hay varios mundos… Está el caso de Rosalía, que aún no está en la lista de Los 40…
Álex: «Hablamos mucho de lo que está pasando a nivel musical, del momento este tan apasionante. Todo se ha diluido, es verdad. Está el ejemplo de C. Tangana, que tocaba en salas en 2014. Está todo muy cerca. Me refería a las capas altas del espectro artístico en que nos encontramos, que sería el mundo indie. No somos Rosalía, algo que rompa transversalmente. Dentro de nuestra liga, nos cuesta entender qué es lo que hace que Izal o estas cosas sean lo que son o suenen aquí o allá».
Vosotros estáis siempre como a punto de dar ese salto, ¿no?
I: «Lo decís mucho (la prensa), ¿pero por qué? Permíteme entrevistarte».
«La militancia underground a veces es un refugio de no querer asumir ciertas cosas, y no me parece positivo. No somos así»
Porque voy a un festival y veo gente viéndoos, que se sabe las canciones.
I: «¿Entonces por qué no trascendemos…? No sé responderte».
A: «No tenemos la intención de no querer dar ese paso».
I: «La militancia underground a veces es un refugio de no querer asumir ciertas cosas, y no me parece positivo. No somos así».
Siempre me ha parecido que sí, por actitud y sonido…
I: «Lo sé… y por una parte sí, pero por otra no. Siempre lo decimos desde Birra y Perdiz, que no nos importaba tocar con los Jonas Brothers en aquel momento (risas). Lo que no nos gustaría sería sacrificar lo artístico».
A: «Si te dejan hacer lo que te da la gana…»
Álex: «A veces consigo separarme de Kokoshca, porque no empecé con ellos en el grupo desde el principio, y yo sí me pregunto por qué no termina de trascender».
«Aunque el autoboicot del underground existe, por nuestra parte no lo hay»
Mi impresión es que os conformáis con buenas críticas, con ir a los festivales, pero que tampoco os sentáis a organizar qué podríais hacer, como yo qué sé, Carolina Durante, que por ejemplo han tocado con Amaia Romero, pero ni siquiera sé si habéis visto OT.
I: «Nada de eso, es todo lo contrario a lo que acabas de decir».
Álex y A: «De hecho, teníamos idea de que Amaia cantara en el disco, su hermano Javi ha estado en conciertos».
I: «He visto clases de Guille Milkyway y me parece fenomenal. Pero no sé si por ignorancia o desidia…»
A: «Estaríamos encantados de ser Carolina Durante, tocar muchísimo y que nos conociera más gente».
I: «De hecho Carolina Durante dicen que les hemos influenciado».
A: «También, somos más viejos. La gente joven quiere gente joven».
I: «Quizá tenemos letras menos asequibles, tampoco tocamos o cantamos tan bien… hay ciertas cuestiones formales. Pero por nuestra parte no hay ningún boicot».
Álex: «Aunque el autoboicot del underground existe».
Ahora que decís lo de la edad, en ‘Calle lloviendo’ habláis de topar con unos millennials, aunque vosotros técnicamente lo sois también, si sois como del 83…
A: «Somos millennials, sí» (risas).
I: «Es una licencia sin más… Está girando la acepción, pero nos referimos a chavalitos de 20 años. Es una persona paseando por la calle que se encuentra a unos chavales escuchando unas canciones».
Esta canción, por cierto, empieza como ‘Venezia’ de Hombres G…
I: «Me lo ha dicho alguien, Pablo de Tremenda Trementina (risas)».
Habladme de la variedad estilística del disco: el single tiene un poso latino que no está en el álbum, volvéis un poco al bolero, sin renunciar al rock… ¿Cómo habéis trabajado el álbum como conjunto?
A: «Seleccionamos el single porque era la más diferente del disco, para descolocar, para que la gente se preguntara: «¿el disco va a ser así?». Para componerla, se me ocurrió la primera frase por la calle, empecé a tocarla, parecía una rumbita de Melendi horrible (risas), la cambié con un teclado y dije: «así, sí». La evolucionamos y quedó una canción para bailar».
Estética o técnicamente, ¿cuál es para ti la diferencia entre una rumba horrible de Melendi y algo que se parezca y a ti te suene bien?
A: «No sé, los arreglos hacen mucho, los teclados un poco cumbia… el ritmo es latino pero está hecho con un sintetizador. La frase «solo el sabor de la sangre me hace sentir mejor» es chunga. Y si solo fuera guitarra y voz, no tendría la misma fuerza. Así es más como tiene que ser (risas)».
I: «Antes tendíamos a meter muchas capas y aquí es mejor tener más espacio sonoro, lo que dice Amaia: tiene una base de teclado, una guitarra de vez en cuando y hay muchas percusiones. Eso es una novedad a nivel estético para nosotros».
A: «No llenarlo todo».
Álex: «Es la segunda vez que camuflamos una rumba de otra manera, como ‘Mi consentido'».
A: «Me encantan las buenas rumbas y me encanta el gitaneo totalmente».
Habéis vuelto a meter un par de pistas muy latinoamericanas también, ¿las sentís ya parte de vuestro estilo?
A: «Hay un bolero desgarrador de desamor, los boleros hablan de desamor más que de amor. Siempre he escuchado mucho a artistas latinoamericanos».
I: «Versionamos a Los Panchos como en 2010, era la conexión España-América que el rock anglosajón arrasó. Pero a nivel acordes, La menor, esa manera latina apasionada… siempre nos ha seducido».
¿Quién es Txomin Molina, el protagonista de ‘Txomin’?
I: «Es un personaje. Íñigo (el bajista), que es de Tafalla, nos habló de él, es un ejercicio de estilo. Es un arquetipo del rock loser. Salió muy inmediata».
A: «La persona se echa a perder y nos pareció guay dedicarle una canción».
Os interesa mucho esta temática de salir, la decadencia… como se vio en ‘La fuerza’ o ‘No queda nada’.
A: «Gran parte de la vida cuando eres joven se va en noches: llama la atención. ‘La fuerza’ habla de unas ganas locas de salir no sabes por qué, en ‘No queda nada’ estás de vuelta y te sientes solo en esos ambientes. Ahora vemos ya la parte del yonqui que acaba muriendo» (risas).
Álex: «Hay familiaridad en Pamplona con la resaca, hay un punto incluso kamikaze, nos ha dicho alguien».
I: «Me lo dijo un guipuzcoano, que nos diferencia a los navarros. Unos chavales me enseñaron un rap el otro día y era también «Vuelvo a casa»… Hay una cultura alcohólica, no jodida, del vino, de San Fermín».
A: «Y de salir».
I: «En Madrid también, ¿no? Yo qué sé…»
«La sociedad tiene miedo a los atentados y eso es un arma que tiene el poder para controlarnos»
En cambio ‘Alarma’ habla como del 11-M.
I: «Tiene un audio del 11-M. Es una crítica de la mediatización de los atentados terroristas. A veces son falsas alarmas, y a veces tenemos una visión voyeur de mirar información en Twitter todo el rato, también periodística, no solo morbosa. Y subyace un poco la doctrina del shock de Naomi Klein, la politóloga. La Escuela de Economía de Chicago de los años 50 y 60, tras el New Deal de Estados Unidos, con Milton Friedman, tenían miedo de las economías socialistas de Chile, Salvador o Argentina y fomentaron la doctrina del shock, crear ciertas acciones como una huelga, para hacer que esas economías derrocaran y luego se instaurara Pinochet. La doctrina del shock viene de cómo una persona puede ser más manipulable tras un electroshock. Trasladamos a ‘Alarma’ esa idea de que con los atentados se traslada el miedo a la población».
A: «La sociedad tiene miedo a los atentados y eso es un arma que tiene el poder para controlarnos».
I: «Los Planetas también lo dicen».
A: «En ‘Islamabad’. El miedo es el arma que tienen todos los poderes superiores para hacer lo que quieran. «Que invadan este país, que me da igual, que yo lo que quiero es estar sano y salvo»».
En ‘El mal’ llama también la atención la frase «he visto a la moral de la izquierda sostener el sistema». ¿Qué quiere decir?
I: (suspira o coge aire) «A veces la izquierda tiene un rollo políticamente correcto. Creo que la izquierda sostiene el sistema siendo cómplice con la propia moral que ellos se crean, con lo políticamente correcto. Por ejemplo usar la palabra «homosexual» en lugar de «marica», sin que se valore el trato igualitario o respetuoso que pueda tener».
«El ayuntamiento de Carmena se ha dejado marcar el paso por las guerrillas culturales de la derecha»
No sé si te estoy entendiendo. Ciudadanos, que tiene un cameo en esta canción, son también políticamente correctos, no es algo exclusivo de la izquierda… Está todo poseído por ello.
Álex: «Hay algo bueno en lo políticamente correcto, hay algo de voluntad y la voluntad cambia realidades, el uso del lenguaje. Esos cambios deliberados del lenguaje, como se ve en OT y esas polémicas livianas, más o menos todo el mundo está de acuerdo en que pueden ser livianos, pero es importante defenderlos».
I: «Estoy de acuerdo con lo que dices, y todo este cinismo ha creado un debate muy importante que te hace reflexionar, pero hablo de la izquierda porque ellos mismos se limitan, se ponen puertas».
Álex: «A nivel político, veo que más allá de hablar de lo políticamente correcto, en Madrid, el ayuntamiento de Carmena se ha dejado marcar el paso por las guerrillas culturales de la derecha, como con el caso de Guillermo Zapata y esos chistes hace nosecuánto. Cuando realmente lo interesante como ciudadano habría sido (tener) un representante que entendiera la confrontación de intereses políticos y vitales que hay».
I: «Es un gran ejemplo. O «Maxim Huerta dimite» ya no recuerdo ni por qué. Está bien que tengan que dar un mensaje, pero no lo ha hecho la derecha. ¿Quién filtró el vídeo de Cifuentes? Alguien del PP, estoy seguro…».
Esta canción de ‘El mal’ también habla del blanqueamiento anal. Por lo que veo estáis en contra.
(risas) I: «Empezó Paris Hilton y después se puso de moda. Me parece un gasto de dinero estúpido. Yo qué sé, ¡blanquéate los dientes!».
Sobre ‘Las chicas’, ¿está inspirada en la novela? Por unas frases me parecía y por otras no.
A: «¡Sí!».
I: “El inicio de la canción es el sample de ellas yendo a juicio”.
A: “Luis de Espanto la ha compuesto para nosotros. Nos ha ayudado con muchos de los arreglos. Un día cuando estábamos componiendo quedamos para comer todos en Pamplona, me llevó el libro, me lo leí, le dije que “muy guay, me ha molado” y a raíz del libro y de trabajar juntos, ha hecho esta canción para nosotros”.
I: «Cambiamos ciertas cosas pero la letra un 98% es suya».
¿A nivel sonido, cómo habéis hilvanado y trabajado la secuencia del disco?
I: «Quiero pensar que tenemos una línea sonora aunque suene a bolero o a rock. La secuencia la hicimos a posteriori».
Álex: «Tiene que ver con Luis. Se ha grabado en un estudio de la hostia, pero la forma de grabarlo ha sido espartana, no ha sido de experimentar. Él que es experto en guitarras ha hecho las guitarras, luego hay mucho sinte…».
A: «Fuimos al estudio con el orden casi hecho, y eso te permite hacer una unidad, qué sonido o qué nota va después. Por eso hay una unidad aunque una sea un bolero y otra un merengue».
Toundra han llegado a su quinto disco cuando se han cumplido 10 años del primero y justo después de haber entregado el álbum conjunto con Niño de Elche que firmaron como Exquirla. El cuerpo les pedía romper con lo anterior y han prescindido por tanto por primera vez de los títulos en orden cronológico y números romanos, cambiado de tipo de artwork y planteado otros enfoques a la hora de componer, en este caso volviendo a dar más protagonismo a los guitarrazos y dejando algo de lado las melodías prestas para dar shows con orquesta en el Palacio de los Deportes de su ciudad.
‘Vortex’, que debe su nombre a una sala de una pequeña ciudad alemana en la que les llevan tratando de lujo desde 2012, no se orquesta sobre ningún concepto en particular, incorporando temas que reciben su título de manera algo aleatoria. Si bien el particular y breve interludio de 2 minutos llamado ‘Cartavio’ se debe a la aldea de Asturias «con más vacas que personas» en la que uno de sus miembros se crió y pasó hasta los 18 años; ‘Cobra’ se llama así por «el malo de los G.I. Joes», ‘Kingston Falls’ por el pueblo de los Gremlins y ‘Roy Neary’ es el protagonista de ‘Encuentros en la tercera fase’.
En ese sentido y atendiendo al discurso tan politizado de sus incendiarias entrevistas («el indie huele a derechas» et al), se habría agradecido que el grupo contara algo tan interesante con su música como lo que cuentan cuando la están promocionando. Sobre todo porque no podía ser tan fácil encontrar un hilo conductor para canciones tan potentes como la que se iba a dejar caer por el programa de Buenafuente (‘Kingston Falls’), o la que iba a presentar un vídeo sobre los refugiados en el que se iban a implicar dos ilustres fans: el premio Pulitzer Manuel Brabo en cuanto a fotografía y Gonzo de El Intermedio. Fue el caso de ‘Cobra’.
Por lo demás, Toundra vuelven por supuesto a apabullar con sus guitarrazos provenientes del mundo del metal, siempre cercanos a los altibajos de intensidad encontrados en la carrera de leyendas del post-rock como Mogwai, e incorporando alguna novedad, como es el caso de la caja de ritmos de ‘Mojave’. Una anécdota entre remansos desérticos que vuelven a topar con todo el nervio y la agitación posibles. Porque sí, ‘Roy Neary’ es «nerviosa», pero no tanto como el final de ‘Mojave’, el desboque de ‘Cobra’ hacia la mitad, o esa misma batería loca que ataca ‘Tuareg’ en torno al minuto 2.
«Para los indies somos unos heavies, para los heavies somos unos indies, para los rockers somos unos punkis y para los punkis unos rockers», han dicho este año. Y suena a queja, pero la verdad es que todos han podido quedar más o menos contentos con muchos de los momentos de este disco, otra vez. Al menos los que después de Exquirla y de las mencionadas intenciones rupturistas, no esperaran un paso un poco más imaginativo o un concepto al que agarrarse.
Toundra actúan este jueves 15 de noviembre en La Riviera de Madrid, la semana que viene en Monkey Week y después les esperan Valencia, Granada o Huesca.
Calificación: 7/10 Lo mejor: ‘Kingstone Falls’, ‘Tuareg’, ‘Cartavio’, ‘Mojave’ Te gustará si te gustan: el metal y el post-rock y un poco las melodías a lo Slowdive Escúchalo: Spotify
Estados Unidos se enfrenta actualmente a los peores incendios de su historia en California, que ha producido cientos de muertos y la evacuación de miles de personas, entre ellas varias celebridades; y solo en el mes de noviembre ha sufrido dos masacres en forma de tiroteo en Tallahassee y Thousand Oaks, respectivamente, sumando 307 tiroteos en total de 365 días que tiene el año. Casi un tiroteo por día.
Con este panorama, es normal que algunas personas busquen evadirse lo máximo posible de tanta miseria a través del humor, y entre ellas está la actriz y cantante Juliette Lewis, que parece haber encontrado su vía de escape en la música de Britney Spears. En un divertido vídeo que se ha hecho viral, Lewis se ha grabado a sí misma abogando por “tiempos más sencillos” mientras suena ‘Work Bitch’ de Spears, que Lewis baila desenfrenadamente en el interior de su coche. Desesperada ante tantos males, Lewis pide entonces clemencia al mundo y se pregunta si no será Britney la última salvación que nos queda: “¿Puedes salvarnos, Britney Spears? ¿Podemos ser salvados? Dios, ¿es que está Satanás controlando el universo?”, se pregunta, antes de abandonarse al ritmo de la canción. Entre los amigos de Lewis que han aprobado el vídeo con comentarios y risas, Garbage, Natalie Imbruglia, Joan as Police Woman y Amber Coffman.
Para desmentir que sufra algún tipo de problema mental como algunas personas han dejado caer en las redes sociales, Lewis ha aclarado que su intención con el vídeo era “hacer reír a la gente mientras todos intentamos enfrentarnos a los horripilantes fuegos de California, entre otras calamidades”. “Siempre intento usar el humor en la medida de lo posible”, ha concluido. El vídeo, imperdible, bajo estas líneas.
Poco a poco, yaeji, una de las revelaciones internacionales de 2018, se está convirtiendo en una de las personas más “cool” del momento, como demuestra la estupenda recepción crítica de sus singles, entre ellos el infalible ‘raingurl’; las estilosas portadas que protagoniza para revistas como The FADER o Dazed o el hecho que la mismísima Charli XCX solicitara de ella un remix de su single ‘Focus’, que llegaba a las plataformas el pasado mes de septiembre.
La productora americano-coreana, cuyo nombre real es Kathy Lee, editaba recientemente un single llamado ‘One More’, confirmándose como uno de los talentos más exportables del denominado lo-fi house americano, mundillo en el que encontramos también a DJ Seinfield y el camaleónico Ross from Friends. El comedido manejo de la atmósfera de yaeji daba lugar en ‘One More’ a una nueva delicatessen deep-house, que además presentaba un punto pegadizo en su melodía perfecto para ser pinchado en cualquier fiesta.
Confirmando su creciente popularidad, yaeji presenta hoy para ‘One More’ su videoclip más currado y con mejor factura hasta la fecha. La artista se desdobla en varias versiones de sí misma en este sugerente vídeo dirigido por Alex Gvojic, en el que también destacan los psicodélicos efectos de post-producción, y que culmina naturalmente con una fiesta.
Con ‘Pidiendo a las puertas del infierno‘, Mucho daban un paso de gigante, endosando texturas de tecnopop, funky y hip hop al indie rock de sus inicios. Era el mejor disco de su carrera y contenía sus mejores canciones y, sin embargo, tras los conciertos de presentación de aquel disco de 2016, Martí Perarnau IV, ilustre como ex-miembro de The Sunday Drivers o Underwater Tea Party, se quedaba solo al frente del proyecto. Pero eso no ha acabado con sus ganas de hacer nuevas canciones, no. Más bien al contrario, el músico de origen catalán ya tiene listo su nuevo álbum, que se publicará el próximo enero y que se avanza con una canción que desarma ya desde su título, ‘Ahí te quedas, Perarnau’.
Como parece evidente, el que liderara una de las varias formaciones que acompañaron a Zahara presentando ‘Santa’ (y que por eso fue engañado convencido para encarnar a «la Bestia» en el último clip de la jienense) alude al hecho de que sus ex-compañeros de banda le hayan dejado solo (uno de ellos, Víctor Cabezuelo, felizmente embarcado en los cada vez más pujantes Rufus T. Firefly). Pero también traza un paralelismo con la soledad que nos autoinfligimos diariamente, extasiados ante la pantalla de un dispositivo electrónico y nuestra incapacidad para revertirlo.
«La canción trata de la desidia y de la desgana en la que vivo tan cómodamente mientras miro la pantalla del móvil, habla de indignarse con toda la injusticia que nos rodea pero no hacer nunca nada, habla de la soledad del compositor de música y de la soledad de nuestros tiempos, tanta exaltación del individuo nos hace estar más solos que nunca», según el propio Martí. Por ahí va su letra, que incluye una cita nada velada a Mariano Rajoy y es desgranada por él con una cadencia próxima a la del hip hop, pero con un elegante y atractivo fondo de pop rock encaramado al sonido de sintetizadores, que sólo aminoran en un minuto final en el que los coros toman protagonismo, con tono elegiaco: al fin y al cabo, en su estribillo Martí se pone cara a cara con la muerte. En todo caso, como apunta su sencillo vídeo oficial filmado en los Alpes, todo está enfocado con, sobre todo, sentido del humor.
El nuevo álbum de Mucho fue grabado la pasada primavera en La Casa Murada junto a Ricky Falkner (Standstill, Egon Soda) y Santos & Fluren (Love of Lesbian, Izal, nudozurdo), con guitarras de Emilio Saiz (Nothing Places, Oso Leone), y ya planea una gira de presentación a partir del mes de marzo de 2019.
Nueva edición de nuestra sección Sesión de Control, dedicada a las novedades más interesantes del panorama alternativo y/o independiente nacional y latinoamericano. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify dedicada a esta sección que se renueva quincenalmente, conservando las canciones incluidas en la anterior entrega. Hoy añadimos en ella nuevas canciones y lanzamientos de Bad Gyal, Jose Domingo, Mow, El Coleta, Mateo Kingman, Ganges, Kaixo, Perlita, Dreyma, Santi Araújo y GLAS. [Foto exterior: MOW, facilitada por Subterfuge]
Bad Gyal
Quizá haya pasado algo desapercibido, pero ‘Open The Door’ no es un single cualquiera de la barcelonesa Bad Gyal, sino que supone su fichaje por la división internacional de Universal Music. Se trata además de una colaboración con una de las nuevas estrellas de la escena dancehall jamaicana, Govana, y está interpretado casi al completo en inglés (salvo ese verso de “cuando yo bajo y don / se nos rompió el condón”), posiblemente buscando explotar la dimensión global alcanzada con su mixtape ‘Worldwide Angel‘ ( sin ir más lejos, estos días Alba Farelo está de gira por Asia). Y ojo a la sutil metáfora de su portada, a ver si la pilláis, LOL.
El Coleta
Además de publicar varios EPs temáticos a lo largo de este año (‘La Ruta’los Xes’, dedicado a la Ruta del Bakalao; ‘Rumbapop’, inspirado justo en eso…), Ramsés Gallego sigue desarrollando su faceta interpretativa tras haber aparecido como secundario de lujo en el clip de ‘Bien duro’ de C. Tangana (aunque luego se marcara una diss track contra Antón): ahora co-protagoniza junto con Bea Pelea, Daniel Guzmán y Mery Cuesta ‘Quinqui Stars’, una película de Juan Vicente Córdoba a caballo del documental y la ficción, con el objeto de indagar en la mitificación de la delincuencia juvenil en los suburbios de las grandes ciudades, a finales de los 70 y principios de los 80. Presentada en la SEMINCI de Valladolid, la película cuenta con una canción del propio El Coleta titulada como el film, y con un clip filmado en La Modelo de Barcelona. Es todo lo que cabe esperar de ella y más.
Jose Domingo
Vuelve el gerundense Jose Domingo tras ‘Vertical’, álbum con el que el autor del fantástico ‘Almería’ consolidaba su singular propuesta, a medio camino del rock psicodélico y el folclore español, con colaboraciones llamativas como la de Niño de Elche. Ahora avanza el que será su nuevo álbum, ‘Mientras dios no mira’, con ‘Un segundo más así’, una canción con cierto aroma de glam en ese bajo repleto de fuzz y una melodía directa e incisiva.
Dreyma
El dúo malagueño compuesto por Cris y Mel, seleccionado por los oyentes de Disco Grande como el mejor grupo maquetero de 2017, ha publicado al fin ‘Moonlight’, que más que un EP es un proyecto audiovisual dedicado a “la mujer y las emociones”. Así, el oscuro ‘Come Home’ presentado este verano suponía un capítulo oscuro de ese universo, contrapuesto a la euforia que desprende una canción tan certera como ‘Air’, próxima a las mejores Warpaint. El próximo 23 de Noviembre Dreyma presentan estas canciones en el Monkey Week de Sevilla.
Perlita
Pedro y Esteban Perles, además de formar parte de los extintos Ledatres, formaron parte de las bandas de apoyo de artistas como Bigott, Josh Rouse o Paco Loco. Desde 2016, junto con el también integrante de su anterior grupo Calde Ramírez, formaron Perlita, un singularísimo proyecto en el que se dan la mano la electrónica retro a lo Kraftwerk y la psicodelia andaluza de unos Pony Bravo. Después de su debut ‘Cangrejo Yeti’, vuelven a la carga con ‘Caballo rojo’, un nuevo trabajo que debe impulsar su insólita propuesta.
Mateo Kingman
El artista ecuatoriano, consolidado gracias a su debut ‘Respira’ como uno de los renovadores fundamentales del folclor latinoamericano acercándolo al hip hop y la electrónica, al que hemos visto en festivales como Río Babel o Paraíso. Kingman ultima ya el lanzamiento de su segundo trabajo de estudio y el tenebroso pero vibrante adelanto, ‘Religar’, es una buena muestra de lo interesante que se avecinan sus próximos pasos discográficos.
MOW
Gabriela Casero se ha convertido en una de las realidades del pop español más prometedoras pues, pese a militar en el sello independiente Subterfuge, muestra una gran proyección comercial incluso a nivel internacional, plano en el que canciones como ‘Grasiah’ y ‘Dr. Mike Alon’ han tenido gran repercusión. Por eso el debut de la madrileña, ‘Woman’, es un lanzamiento importante en esta recta final de año. En él no ha dejado fuera ninguno de aquellos avances y, a tenor de canciones como ’17’ (destacado como single), el disco persiste en el trip hop ambiental y seductor que la hace reconocible. MOW estará en concierto el 8 de diciembre en el Mercado de Diseño de Madrid, y el 14 de febrero presenta este álbum en la Sala Siroco de Madrid.
Kaixo
Tras la potente mixtape lanzada en 2017, ’Mallory’, este MC gallego afiliado al colectivo Bahia Banana Music ha seguido progresando en su camino sin prisas, lanzando este año algunos remixes, una explosiva colaboración con Mueveloreina y, ya a finales, avanzar con un par de singles una nueva obra aún más ambiciosa y radical. A este próximo movimiento parecen pertenecer tanto el reciente ‘Speedball’ (producida por su colega Royce Rolo –Agorazein–) como el tan seductor como potente ‘From Darkness With Love’.
GLAS
Tras haber lanzado, meses atrás, un miniálbum debut con temas tan destacables como ‘Hoy todo puede suceder‘, el grupo formado por ex-integrantes de Lovelife (Paco Ganga) y Varry Brava (Fede Gas) ya prepara un nuevo disco, que verá la luz en los próximos meses. Acaban de presentar su primer adelanto, un ‘Aquello en lo que creo’ que, autoproducido y con la colaboración de Jorge Guirao de Second en las guitarras, proyecta su tecnopop a un estadio superior que insinúa que estamos ante el próximo grupo procedente del Levante en copar carteles de festivales.
Santi Araújo
Este músico pontevedrés formó parte de La Familia, un grupo surgido a finales de la pasada década y que en 2011 publicó su canto de cisne, ‘Esto es normal’, en Ernie Records. El sello y agencia de Havalina o Julio de la Rosa acoge ahora el debut en solitario de Santi Araújo, un ‘Catedral’ que muestra en canciones como ‘Estallido’ una propuesta sólida con trasfondo de rock norteamericano pero bastante personal. El próximo 25 de noviembre presentará este trabajo en el auditorio municipal de su Ponteareas natal.
Ganges
Y si antes hablábamos del debut de Mow, también destacamos su flamante nueva colaboración con otra joven artista que está llamada a redefinir el panorama pop de nuestro país. Teresa Gutiérrez, al frente de Ganges, regresa con ‘Ashes’ tras el miniálbum homónimo que publicaban a principios de año. Una nueva muestra de su singular sensibilidad para el pop electrónico más emotivo, que les ha servido comparaciones con proyectos como London Grammar o The xx. En las próxima semanas Ganges actúan en A Coruña (Le Club, 22 de noviembre); con Marem Ladson en Santander (Sala Niágara, 30 de noviembre) y Oviedo (La Salvaje, 1 de diciembre); y con Cor Blanc en Zaragoza (La Lata de Bombillas, 22 de diciembre).
Rosalía ha cambiado Universal por Sony en la edición de su nuevo disco, y curiosamente un disco de Universal ha impedido que ‘El mal querer’ sea número 1 en ventas en su semana de salida. Se ha tratado de ‘Lo mejor 1ª parte’ de Operación Triunfo 2018, reabriendo de alguna manera el viejo debate de que el público prefiere el karaoke televisivo a la música original. Un tema sobre el que se escribieron ríos de tinta a principios de siglo cuando los artistas superventas nacionales se quejaban del excesivo protagonismo que tenían las grabaciones amateur que hacían en el programa Bisbal, Bustamante o Rosa.
Los concursantes de OT2018 firmaron discos en varias ciudades del país durante los días 2 y 3 de noviembre, lo que ha supuesto esta victoria para el programa. En cualquier caso, ambos discos aparecen certificados como disco de oro por la distribución de 20.000 unidades en sus primeros 7 días, y lógicamente ‘El mal querer’ arrasa en “streaming álbumes”, siendo número 1 directo. De hecho, ha batido el récord histórico de streamings para un disco al sumar 12 millones de reproducciones en España en su primera semana e introducir sus 11 pistas en el top 50 oficial de singles. Por otro lado, ‘Los Ángeles’, el primer disco de Rosalía, el editado por Universal, sube al top 9 en ventas, alcanzando su máximo histórico.
Destacan las entradas en ventas de The Prodigy, top 31 con ‘No Tourists’ (también top 75 en streaming álbumes); ‘Dead Can Dance’, top 33 con ‘Dionysus’; Charles Aznavour con ‘Mes meilleurs chansons’, top 67; y Marianne Faithful con ‘Negative Capability’, top 85.
El resto de entradas en ventas son Mago de Oz con ’30 años, 30 canciones’, top 3; Calamaro con ‘Cargar la suerte’, top 4 (y además número 50 en streaming); Bob Dylan con ‘More Blood, More Tracks’, top 8; Metallica con ‘And Justice for All’, top 15; Barbra Streisand con ‘Walls’, top 16; Javier Ruibal con ‘Paraísos mejores’, top 73; y Opeth con ‘Garden of the Titans’, top 86.
En cuanto a streaming aparecen en la lista, aparte de los mencionados, Metro Boomin con ‘Not All Heroes Wear Caps’, top 16; la gala 7 de OT2018, top 57; y Exo con ‘Don’t Mess Up My Tempo’, top 92.
Christina Aguilera está realizando una gira de presentación de ‘Liberation’, su álbum lanzado de este año, que no estaba nada mal pese a su nula repercusión comercial. La noche anterior a su presentación en Nueva Orleans, ha tenido lugar una simpática anécdota que no sabemos si interpretar como una metáfora sobre el estado de su popularidad.
La cantante se acercó a un lugar llamado Cafe Negril el jueves 8 de noviembre e intentó acercarse a la banda local de reggae Claude Bryant and All Stars, que toca cada jueves, para colaborar; pero estos la rechazaron. En un vídeo online se la ve diciendo: “Bueno, ¿no quieres que cante contigo? Bueno, no pasa nada, no tengo por qué cantar”. Eso sí, el rifirrafe dura varios segundos.
La propia Christina Aguilera comentaba los hechos durante un concierto el día siguiente, apuntando que el hombre al que le pidió cantar era “mayor” y que no estaba muy por la labor, también porque se pensaba que quería bailar, al estar acompañada por dos bailarines. Bryant ha tenido tiempo de disculparse: “Lo siento, Christina, ¡no te reconocí! No la reconocí porque llevaba una gorra cubriendo su cabeza y también sus ojos. Llevaba un jersey y no se presentó en ningún momento”. La gira de Aguilera acabó anoche 13 de noviembre en Florida.
My wife is in New Orleans and last night at the bar she was at, comes in @xtina!!! She asked the house band if she can sing a tune and… Nope! As if she was denied?! That would have been so cool to see her sing. More to the story Christina? pic.twitter.com/NoWTwkYfyL
Ahora, Harris, el DJ mejor pagado del mundo, ha explicado en Twitter tras una pregunta de un usuario por qué cree que ya no está vinculado con la EDM como en los tiempos de ‘We Found Love’ o el disco de 10 singles ’18 Months’. «La EDM lleva años siendo canciones tristes y lentas. No tiene nada que ver con la música que me gusta hacer. Entre 2010 y 2014, la EDM tenía una mayor influencia del house a mi modo de ver. Y de todas formas, ahora mismo estoy haciendo grandes grabaciones con cantantes increíbles que a mí al menos me suenan a house». Cuando un fan le pedía que volviera a la música de baile, respondía que sus 3 últimos singles lo son.
Harris también ha dicho que no hay disco de house en camino y que tampoco volverá su viejo formato de banda en vivo, como recoge NME, aunque casi la noticia es el tiempo que ha gastado en justificarse: ‘Promises’ con Sam Smith y ‘One Kiss’ con Dua Lipa han sido sendos tops 1 en Reino Unido, y si bien sus canciones con Normani o Benny Blanco han tenido menor impacto, tampoco se puede ser número 1 todos los días…
Ramón Rodríguez nos hablaba de su reciente paternidad, separada por muchos años con la de sus dos hijas mayores, Jazz y Leia de Mourn. Una paternidad que influye completamente en la temática y estética de este ‘Una canción de cuna entre tempestades’. Pero aquí no se refleja la alegría de una nueva vida, sino la visión, sombría, sobre el mundo que rodea al niño. ¿Es posible proteger la inocencia de tanta vileza? Por momentos, parece que no, que The New Raemon se deja vencer por la pesadumbre, a pesar de los destellos que, de vez en cuando, asoman. ‘Una canción de cuna entre tempestades’ es un título acertadísimo, un resumen perfecto de lo que vamos a escuchar.
Esta bruma se desarrolla en forma de canciones poéticas. El disco, que puede parecer lánguido, incluso plano, en la primera escucha, enseguida desvela una gran riqueza en tonos ocres. Frente al desparpajo, al nervio trotón que recorría ‘Oh, Rompehielos’, aquí todo es reconcentrado, con las arreglos de cuerda de Antonio Fernández puntualizando de manera precisa, otorgando un aire de drama quedo. Las letras son crípticas, como es habitual en él. Sólo que, en vez de estar dialogando, o hablar de relaciones de pareja, nos parece exponer sosegadamente, con su voz tan personal y característica, un panorama que le disgusta, pero por el que no hay más remedio que transitar.
‘Cíclope’ abre con la cadencia a lo Sunny Day Real Estate –uno de los mitos de Rodríguez-, marcando la senda melancólica, doliente, del disco, con las cuerdas señalando los crescendos del estribillo, mientras se mantiene en calma tensa durante los puentes, mientras la letra invoca imágenes de derrota personal. En ‘El centro del baile’ destacan la guitarra y las palmas, que dibujan la filigrana sobre la que se extiende la melodía, coronada con un gran estribillo que contiene la dosis justa de épica para subyugar: “Hechizados, encadenados a la sombra de nuestro pasado”. La voz de Ramón se eleva, como queriendo escapar.
Pero no todo es congoja. ‘Wittgenstein’ queda como una (levemente) alegre canción de cuna que recuerda a los R.E.M. de los primeros 80. O su prima hermana ‘Cielos Estrellados’ que, tras una loa al fracaso y las actos inservibles, “Ya de nada me sirve esperar algo extraordinario… y aun así lo hago”, estalla en “¡A la mierda con todo! A ver qué pasa”, un grito de auxilio que, a la vez, es una liberación, de todo eso que enumera que no le sirve para tirar para adelante. También hay cambios de humor de ‘Charlestón (flores y dolores)’, que pasa de acordes menores y de una línea de bajo denso a una guitarra traviesa, un estribillo que se alza jugando con el clásico de Marujita Díaz (“mama, cómprame unas botas”) y finaliza con una estupenda filigrana de cuerdas.
Aunque el cénit es ‘Un posible final’, con la maravillosa voz de Rocío Márquez dotando de belleza a toda la desolación de este himno ecologista. “Sangre, oro, poder y muerte, las bellezas ensombrecen”. Ramón y Rocío narran el Apocalipsis de la era Trump. La épica que suele revestir la obra de The New Raemon asoma en ‘La broma del tiempo’. Pero también hay algún alivio rítmico; ‘Signos de vida’ le acerca extrañamente a Radio Futura, hasta el timbre de Ramón recuerda al de Auserón. También hay mucho de Radio Futura en ‘Melodrama histórico’, aunque despiste el airecito Pixies con el que abre, y acabe derivando en un final intenso, con unas florituras estupendas. La voz infantil con que cierra la final ‘Tengo el As’ trata de mostrar algo de luz en un paisaje lúgubre, aunque cuesta ver la claridad entre tanta fatalidad asumida con resignación. Sin duda, su disco más oscuro y emo –de los emos buenos-.
The New Raemon actúa este jueves 15 de noviembre en la Sala Apolo de Barcelona junto a Invisible Harvey.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘En el centro del baile’, ‘Wittgenstein’, ‘Charlestón (flores y dolores)’, ‘Un posible final’, ‘Melodrama histórico’ Te gustará si te gusta: McEnroe, Maria Rodés, Sunny Day Real Estate
Kanye West y Kid Cudi han realizado este fin de semana su primer concierto juntos como KIDS SEE GHOSTS. Ha sido en el festival Camp Flog Gnaw de Tyler, the Creator en Los Ángeles, en el que los raperos han usado una llamativa puesta en escena presidida por una caja de cristal suspendida en el aire, dentro de la cual han actuado.
El diseño de escenario de KIDS SEE GHOST ha llamado la atención de Lorde y no para bien, pues le ha recordado sospechosamente a la puesta en escena que presentó para su gira ‘Melodrama‘ y también en su concierto de 2017 en Coachella. En ambos la cantante neozelandesa usó una caja de cristal similar a la de Kanye West y Kid Cudi. Por ello, Lorde ha acudido a Instagram para acusar a los raperos de “robar”, exactamente con estas palabras, su escenografía. “Estoy orgullosa del trabajo que hago y me halaga que otros artistas se sientan inspirados por él, hasta el punto que decidan probarlo por sí mismos”, ha escrito. “Pero no robéis, no a las mujeres ni a ninguna otra persona, ni en 2018 ni nunca”.
Como recuerda el blog estadounidense Brooklyn Vegan, Kanye West y Lorde han llegado a compartir escenógrafa, Es Devlin, quien ha trabajado con Kanye al menos desde 2006. Además, el rapero usó una idea similar durante su última gira de 2016, ‘Saint Pablo Tour’, que incluía un escenario flotante. Devlin ha acudido posteriormente a Instagram para indicar que aunque sí trabajó con Lorde en Coachella y no ahora con KIDS SEE GHOST, no cree que el escenario de Kanye West esté inspirado en el de Lorde. Cree que «la geometría nos precede» y ha subido una representación de ‘Carmen’ en la que ella misma participó en 2007 en Londres, de estética similar. Kanye no ha respondido a las acusaciones de Lorde en Twitter, aunque sí ha hablado de su concierto con Kid Cudi para anunciar que ha vuelto a retrasar su disco. ‘Yandhi’ iba a salir primero a finales de septiembre, después en noviembre… y ahora no se sabe.
Como estaba previsto, Ariana Grande ha logrado el top 1 directo en el competitivo Billboard Hot 100 con su nuevo single ‘thank u, next’. La canción desplaza a ‘Girls Like You’ de Maroon 5 con Cardi B, que llevaba 7 semanas en la cima. Ariana ha podido llegar a esta posición gracias a su exitazo en streaming y descargas, liderando ambas listas, si bien no lógicamente la de la radio, que suele adaptarse a las novedades lentamente.
Esta es la 35ª entrada de Ariana Grande en el Billboard, pero es tan solo su primer número 1 en singles (sí lo había sido en álbumes). Hasta ahora su mejor marca era ‘Problem’ junto a Iggy Azalea, que había sido top 2. Este mismo año ‘no tears left to cry’ se quedaba en el puesto 3 mientras que ‘Side to Side’ junto a Nicki Minaj había sido número 4. Varias canciones de su discografía también habían sido top 10, como ‘Dangerous Woman’, ‘Bang Bang’ o ‘Break Free’, pero lo cierto es que el número 1 se le había resistido hasta ahora. De hecho, ‘Into You’ incluso quedó fuera del top 10, en el número 13.
Número 1 también en Reino Unido, Irlanda o Canadá, ‘thank u, next’ está llamado a ser el mayor éxito de la carrera de Ariana Grande, pues sus streamings mundiales son realmente monstruosos: 88 millones en Spotify en tan solo 10 días, todo ello sin que siquiera haya vídeo para la canción.
Como ya informamos hace unos días, el pasado 24 de octubre falleció el cantante y compositor Tony Joe White. A sus 75 años seguía siendo uno de los exponentes principales de eso que se dio en llamar swamp rock: una mezcolanza de rock sureño, funk de Nueva Orleans, blues y soul que practicaron sobre todo varones (Dale Hawkins, Dr John, Jerry Reed…). Pero White -que lo mezclaba con estampas costumbristas de ambiente gótico sureño- no fue sino un discípulo directo de la gran Bobbie Gentry: hasta que no oyó la legendaria ‘Ode to Billie Joe’ a este músico nativo de Louisiana no se le había pasado por la cabeza la posibilidad escribir sus propias canciones. Ese sensacional mini-relato de suave folk funk y personajes sureños fascinó enormemente a White y le hizo pensar que él podía muy bien también inspirarse en historias y ambientes del sur rural de los Estados Unidos para crear su propia música. Así nacieron algunas de sus primeras (y mejores) canciones, como ‘Polk Salad Annie’, ‘Willie and Laura Mae Jones’ o la excelsa ‘Rainy Night in Georgia’.
White contaba en 2004 que la escribió inspirándose en los meses que pasó en Georgia trabajando de camionero para el servicio de autopistas, poco después de haber acabado el instituto. Las noches que llovía le liberaban de trabajar, y podía pasarlas en casa tocando la guitarra placenteramente. “Tres meses después me mudé a Texas y oí ‘Ode to Billie Joe’ en la radio y pensé «¡qué real es!», porque era como si yo fuese Billie Joe, conocía esa vida. Había trabajado en los campos de algodón. Desde entonces fue como una guía para mí, el tratar de escribir sobre las cosas que conozco”.
Con la añadidura en las letras de una misteriosa figura añorada, la estampa romántica de esa lluviosa noche en Georgia quedaba completa: “Dando vueltas con mi maleta, tratando de encontrar un sitio donde pasar la noche / Llueve mucho y me parece oír tu voz diciendo «no pasa nada» (…) / encuentro sitio en un vagón vacío y saco mi guitarra para matar el tiempo / Por la noche, cuando me cuesta descansar, aprieto tu foto contra mi pecho y todo está bien.”
Sin desmerecer la versión de Brook Benton de 1970 (que fue un enorme éxito comercial) o cualquiera de las más de 100 versiones que se han grabado desde entonces, la original vence en encanto, en todos y cada uno de sus elementos: la batería sutil pero que en los estribillos impulsa la canción con un suave funk, el atmosférico órgano, el exquisito vibráfono, o esos dibujos de guitarra, instrumento que Tony Joe tocaba excelentemente y que aquí exploraba de forma casi cercana al jazz, alejándose de su habitual estilo más blues-rock. Pero la auténtica clave de tanta belleza es sin duda esa voz de barítono, lacónica pero brutalmente sugerente, un néctar áspero y dulce a la vez que reviste ese sencillo cuadro costumbrista de pura verdad.
Los éxitos de ‘Polk Salad Annie’ en solitario y de ‘Rainy Night in Georgia’ en la voz de Brook Benton garantizarían royalties suficientes en las siguientes décadas para que su producción discográfica resistiese los vaivenes que otros compañeros de generación acusarían mucho más. A diferencia de la mayoría de ellos, sobreviviría a los marcianos años 80 como colaborador de éxito de Tina Turner y produciendo no-éxitos tan bizarros como el singular ‘Swamp Rap’ creado en 1980 al hilo de la enorme onda expansiva del ‘Rapper’s Delght’ del año anterior, y precursor -posiblemente apócrifo- del italo-rap barítono de Pino D’angio. Incluso su recreación de 1983 mantiene una dignidad rara en experimentos de este tipo.
Las décadas posteriores verían a White seguir editando discos fiel a su estilo -ya desde la independencia- y girando con regularidad. En sus conciertos, hasta los más recientes, nunca faltó ‘Rainy Night in Georgia’ en el repertorio, que interpretaba ya últimamente sólo junto a un baterista: la magia de la canción, sin embargo, permanecía intacta.
Tony Joe White suena en el último Popcasting de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.
Rosalía logra su primer número 1 de singles en España, pero no es con la canción que promocionó en los EMA’s y que parece su canción más icónica, sino con el tercer single de ‘El mal querer‘, ‘Di mi nombre’, que avanza desde el puesto 19 hasta la posición de honor en la que es la subida más fuerte de la semana. ‘Di mi nombre’ ha sido durante días lo más escuchado en Spotify o Apple Music y por ello ha podido tomar la delantera a la propia ‘Malamente’, que ha de conformarse con el puesto 2, un nuevo máximo tras medio año en lista y un doble platino. Sony había promocionado ‘Malamente’ también con un descuento en iTunes que la había alzado al número 1 en descargas, pero la plataforma ha perdido su relevancia -si es que alguna vez la tuvo- en nuestro país.
Rosalía no solo sitúa todo el disco ‘El mal querer’ en el top 100, sino en el top 50. Tras 12 millones de streamings durante los primeros 7 días, ha batido el récord de streaming de nuestro país para un disco, según informa Sony. Así, ‘Di mi nombre’ es número 1, ‘Malamente’ top 2, ‘Pienso en tu mirá’ top 6, ‘Bagdad’ top 7, ‘Que no salga la luna’ top 15, ‘De aquí no sales’ top 22, ‘Nana’ top 26, ‘Maldición’ top 30, ‘A ningún hombre’ top 35, ‘Reniego’ top 36 y ‘Preso’ top 48 en la lista oficial española. Siguen en lista ‘Antes de morirme’ con C. Tangana en el puesto 62 y ‘Brillo’ con J Balvin en el 80. Eso sí, el número 1 se ha escapado a ‘El mal querer’ de Rosalía (y a Sony) en venta de álbumes… a causa de un recopilatorio de OT2018, irónicamente editado al mismo tiempo que ‘El mal querer’ por el antiguo sello de Rosalía, Universal.
El resto de entradas en la lista de singles en España son para Anuel AA y Romeo Santos con ‘Ella quiere beber’ (top 16), ‘Créeme’ de Karol G y Maluma (top 43), ‘thank u, next’ de Ariana Grande (top 49, entrada mucho más modesta que en otros países), ’La llorona’ de Alba Reche (top 61), ‘Me dijeron de pequeño’ de Manuel Carrasco (top 72) y ‘Adán y Eva’ de Paulo Londra al 92.
Finalmente, con motivo del estreno de la película ‘Bohemian Rhapsody’, este tema de Queen llega al puesto 51, ‘I Want To Break Free’ al 87 y ‘Another One Bites the Dust’ al 88.
Agotadas las entradas para Airbag en Caracol esta semana (si bien actúan en La Riviera el próximo año), continúa la nueva gira de Dorian que acaba de pasar por la capital (este finde en Pamplona, Bilbao y Vitoria) y a través de entrevistas o críticas en los próximos días os recordaremos estos días los inminentes shows de Roosevelt, Teleman, Elastic Band, The New Raemon o Joe Crepúsculo. En este artículo van otras 10 citas imprescindibles para la música en directo en sala. Os emplazamos a dejar vuestra sugerencia en la sección de comentarios.
La gira de The Coral
The Coral pueden ser una de las bandas más infravaloradas en el mundo del pop independiente. El grupo autor de un disco homónimo que fue platino en Reino Unido y de ‘Magic and Medicine’ poco después ha publicado este año un ‘Move Through the Dawn‘ que no estaba nada mal y lo presentan el martes 13 en Barna, el 15 en Zaragoza, el 16 en Madrid y el 17 de noviembre en León. Las entradas para Madrid y León están a la venta en Ticketea.
PUTOCHINOMARICÓN en Matadero
Este fin de semana se celebra en Matadero, Madrid, La Plaza en Invierno, con conciertos gratuitos de gente como Putochinomaricón. Es un Festival de Palabra, Acción y Sonido con cuyos horarios os dejamos:
Sábado 17
12 h. Narcoléptica
13 h. Agnes Pe
14 h. Aurelia Dinamita DJ
16 h. Beton Brut
17 h. PutochinoMaricón
18 h. Tami T
19 h. Potochkine
Domingo 18
12 h. Bye Papi Nazareth
13 h. Ursidae (EMI RAP)
14 h. Somadamantina
16 h. Trapani
17 h. James Massiah
18 h. Flohio
19 h. Chegbos
La gira de Eleanor Friedberger
Eleanor Friedberger llega esta semana a nuestro país para actuar el jueves 15 en Barcelona, el viernes 16 de noviembre en Madrid y el 17 de noviembre en Zaragoza. Alguna vez suele tocar una canción de The Fiery Furnaces por concierto, pero ya sabéis que viene sobre todo a presentar su obra en solitario, la última de las cuales fue ‘Rebound‘, inspirada en Grecia. Las entradas de Madrid están disponibles en Ticketea.
Bejo en Sevilla
Precisamente antes de que el huracán Monkey Week inunde Sevilla la semana que viene, Bejo, que acaba de actuar en Bilbao, llevará su desparpajo urban o inclasificable a la Sala Custom el viernes 16 de noviembre. Las entradas están a la venta en Ticketmaster.
David Caraben de Mishima casi solo
A la espera de los conciertos que Mishima hará en diciembre, su líder David Carabén ha reclutado al guitarrista de la banda Dani Vega para tres conciertos acústicos en apoyo de las pequeñas salas. Los shows serán el día 16 en L’Oncle Jack (Hospitalet de Llobregat), el 17 en Milenio (Sant Feliu de Llobregat) y el 18 en El Cafè del Casal (Calaf).
El Último Vecino, por 8 euros en BCN y gratis en Madrid
Este viernes 16 de noviembre se celebra el 5º aniversario de la sala Tarantos en Barcelona y lo hará con un concierto de El Último Vecino para el que las entradas tienen un precio especial de 8 euros en Ticketea. Patrocina Jägermusic. El sábado 17 estará actuando gratis en el Mercado de Chamberí hacia las 21.00.
The Parrots, por 7 euros
En la sección gangas hay que destacar también el show que The Parrots harán en la Sala Pícaro de Toledo el mismo viernes 16 de noviembre. Las entradas también están disponibles en Ticketea.
Sigue la gira de Rufus T. Firefly
La amplia gira de los exitosos Rufus T. Firefly no implica solo festivales, sino también salas pequeñas. El grupo estará el 16 de noviembre en Salamanca, el 17 de noviembre en Toledo, el 23 de noviembre en Palencia y el 24 de noviembre en Pontevedra.
Villagers en Bilbao
Llega el momento de disfrutar de uno de los discos más bonitos de este año en vivo. Se trata de ‘The Art of Pretending to Swim’ de Villagers, quien estará el domingo 18 de noviembre en Bilbao y la semana que viene el lunes en Madrid y el martes 20 en Barcelona. Las entradas están a la venta en Ticketmaster.
Cycle ahora con Cintia Lund
En un momento de este otoño Cintia Lund se ha convertido en la cantante de Cycle en sustitución de La China Patino, desde septiembre liada con «Uñas Chung Lee Night Club». Tras actuar en Galicia o Valladolid, este viernes 16 de noviembre será el turno de Valencia. Las entradas están disponibles en Ticketea. También estarán el 23 de noviembre en Castellón.
Monterrosa, el proyecto de Enrique F. Aparicio (Esnórquel DJ) y Rocío Saiz (líder de Las Chillers), presenta su segundo tema tras su primer single ‘Parálisis’, que suma 20.000 reproducciones en las plataformas de streaming. ‘Me manipulaste’, que será incluido en su primer EP, presenta una melodía más clásica, evolucionando desde la canción melódica española más tristona (atención a la pegatina «1000 pesetas» de la portada, referenciando a las tiendas de vinilo de segunda mano), que de vez en cuando tiene su protagonismo en sus sesiones de dj’s, a los esperanzadores territorios de La Casa Azul en su estribillo y franja final. L-kan, Objetivo Birmania, Paloma San Basilio o Carlos Berlanga pueden ser también una referencia en esta contagiosa producción de Pau Paredes (ElyElla) y Tomás Virgós (Amaral, Najwa Nimri).
El dúo celebra este lanzamiento con una playlist para JENESAISPOP que han llamado ‘Despechos fuera’ (con foto no en vano de Rocío Jurado como portada) y que nos presentan ellos mismos con un texto: «‘Despechos fuera’ es una playlist para cantar a voz en cuello, para rasgarse las vestiduras; para perder el norte y para reencontrarse después con una misma. Porque igual que ‘Me manipulaste’, lo que empieza como un desgarro con quien has amado se vuelve una oportunidad para reconciliarte con quien eres. 15 canciones que desbordan el rencor y el odio, porque gritar “se acabó porque yo me lo propuse”, “se nos rompió el amor de tanto usarlo” o “¿qué hago ahora con estas ganas de matar?” son momentos catárticos para expulsar cosas que de otra manera se nos quedarían encerradas dentro».
Continúan: «Al despecho han cantado sobre todo grandes mujeres, decididas a que su voz se oiga y a enfrentarse a los hombres, a la sociedad o a lo que han aprendido que se espera de ellas. En ese proceso de reapropiación y en esa toma de la palabra descarnada, ‘Me manipulaste’ abre la veda a las más grandes (Rocío Jurado, Marifé de Triana, Massiel) y a las más nuevas (La Prohibida, La bien querida) con alguna concesión a otras voces que se suman pizpiretas a este golpe sobre la mesa (Papá topo, Rusos blancos, La oreja de Van Gogh etapa Amaia). Como ellas, Monterrosa estamos cansadas de que nos impongan qué, a quién y cómo desear; hartas de poner nuestro empeño en conseguir cosas que no son para nosotras. Y se nos va a escuchar».
Tras anunciar que ofrecerá uno de los conciertos más importantes de su carrera en el prestigioso Madison Square Garden de Nueva York el próximo 8 de marzo, Robyn ha desvelado finalmente que tras ‘Honey‘ realizará más que un solo concierto: la sueca prepara una gira mundial y ha revelado en sus redes sociales las “primeras fechas” de la misma, que de momento cita ciudades en Estados Unidos, Canadá y Europa.
Alemania, Francia y Países Bajos, además de por supuesto Suecia, pero no España son algunos de los países europeos citados en esta primera tanda de fechas, que va de febrero a abril. Sin embargo, existen razones para pensar que Robyn pueda aunciar al menos un concierto en España próximamente, empezando por que la gira no incluye fechas de verano todavía. Además, la sueca actuó junto a Röyksopp en el festival Sónar de Barcelona (que se celebra en junio) en 2014 para presentar su EP conjunto, ‘Do it Again‘, y está bastante vinculada a España dado su amor por Ibiza, donde ha grabado parte de su nuevo álbum y de hecho estrenó en directo ‘Missing U’.
‘Honey’ ha sido el primer álbum de Robyn en solitario en ocho años. El álbum ha sido top 21 en Reino Unido, top 40 en Estados Unidos y top 48 en España. En otras palabras, el sucesor de ‘Body Talk’ no está siendo un éxito de ventas, aunque sí de crítica. Según Metacritic es el cuarto álbum mejor valorado de 2018.
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El Palacio de Linares se mantiene como lo más votado de la semana en JNSP con la simpática ‘Ciervo y erizo’, seguida de dos temas de Rosalía. Entre las subidas destacadas cabe mencionar a Robyn, Ariana Grande o Amaral con Najwa. La entrada más fuerte es lo nuevo de Clean Bandit con Luis Fonsi y Marina, seguida por Carly Rae Jepsen con ‘Party for One’; y más de lejos por dos temas nacionales interesantísimos, los de Exnovios y Nos miran. Toca despedirse de ‘Electricity’ de Dua Lipa y de ‘Feels Like Summer’ de Childish Gambino, en la mitad baja de la tabla con 10 semanas de permanencia. Ya podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.
La cuarta silla del jurado de Operación Triunfo, compuesta por los jueces fijos Ana Torroja, Manuel Martos y Joe Pérez-Orive, cambia cada semana y en ella se ha visto a cantantes como David Otero (El Pescao) o Brisa Fenoy, en este último caso con polémica mediante.
Operación Triunfo celebra este miércoles su gala 8 y ha confirmado que el cuarto jurado del programa será Ruth Lorenzo, confirma Vertele. La autora de ‘Loveaholic‘ sabe lo que es ser valorada por los jueces de un talent show, ya que en 2008 fue concursante del X Factor británico. Por cierto, Lorenzo ya estaba vinculada a Operación Triunfo debido a su co-autoría de ‘Drinking Like I’m Sober’, el single de Marina, quien concursó en la pasada edición del programa.
El espacio de TVE ha confirmado también los artistas que actuarán en la gala de este miércoles. Si la semana pasada la estrella internacional fue Vance Joy, en esta será James Arthur, autor de las exitosísimas ‘Say You Won’t Let Go’ e ‘Impossible’, que presentará su nuevo single, ‘Empty Space’. El plató de Operación Triunfo acogerá también los duetos de Marta Sánchez y Carlos Baute, que se han reunido de nuevo en ‘Te sigo pensando’, y David Bisbal y Greeicy Rendón, que presentan su single conjunto ‘Perdón’.
SanSan sigue confirmando nombres para su cartel de 2019, y desvela una tercera tanda de confirmaciones en la que encontramos a Xoel López, autor este año de ‘Sueños y pan‘; Triángulo de Amor Bizarro, Varry Brava, que también han publicado álbum este 2018, ‘Furor‘; Los Punsetes, Carolina Durante, The Parrots, Ramon Mirabet, La Sonrisa De Julia y Bocho. Todos ellos actuarán en el festival valenciano, que tendrá lugar los días 18, 19 y 20 de abril en Benicàssim, y se suman a los ya confirmados C. Tangana, Izal, La Casa Azul, La Pegatina, Auténticos Decadentes, La Plata, Nerabe, Fuel Fandango, Rozalén, Morgan, EUT, Zeas Mays, The Crab Apples y Las Chillers.
Además, Sansan Festival informa volverá a contará con zona de acampada “ubicada en la zona de Teresetes, junto al casco urbano de Benicàssim, con el objetivo de acercar el ambiente festivalero a la población y comercios de Benicàssim”. También “se facilitará varias opciones de alojamiento que incluyen check-in bienvenida a la llegada” y “se ofrecerá la posibilidad de viajar desde varias ciudades en autobuses oficiales del festival, así como servicio de lanzadera desde y hacia el festival”.
Las entradas y abonos para SanSan 2019 ya están a la venta. En concreto, los abonos mantendrán su precio actual hasta el próximo domingo 18 de noviembre a las 23.59 horas.
En un panorama nacional en el que un altísimo porcentaje de los proyectos que emergen y se consolidan son altamente deudores de otros, es prácticamente una rareza encontrar algo que suene nuevo, fresco y propio. Por eso es digno de celebrar que un proyecto como Elastic Band no sólo no haya tirado la toalla sino que, tras 7 años, se hayan desmarcado con un nuevo giro estilístico que sumar a su carrera.
Si ‘Boogie Beach Days’ –que cumple ahora 10 años– era una amalgama de retro rock delirante –un poco a la manera que, ojo, años después hemos encontrado en proyectos como Foxygen o The Lemon Twigs– y ‘MooD’ se escoraba hacia el italodisco, el synthpop y otros sonidos electrónicos, en ‘Fun Fun Fun’ el dúo formado por Pablo Román y María Sánchez amplía su paleta estilística con guiños a al jazz latino (el bugalú de ‘Tiger!’), el soul (‘Brand New Thing’, ‘Fun Fun Fun’), el easy listening (‘Barry W.’) o el country (‘Stay There’). Leído así puede hasta sonar convencional, pero ese es un epíteto que, precisamente, está en las antípodas de lo que ofrecen Elastic Band.
Y es que Román y Sánchez erigen un universo propio partiendo de esos referentes, un poco a la manera en que proyectos como The Avalanches, los grupos del colectivo Elefant 6 (The Olivia Tremor Control saltan a la mente cuando suena ‘La La La’), Animal Collective o los High Llamas de Sean O’Hagan enfocan la música del pasado: a medio camino de lo escrupulosamente respetuoso y lo experimental, como si un alienígena tratara de deglutir la música de los años 50, 60 y 70 para explicársela resumida a los de su raza (en esta imagen tiene mucho que ver la peculiar manera de mezclar la voz de Pablo, filtrada, doblada y retorcida hasta hacerla parecer inhumana e ininteligible en ocasiones –’All It’s Done‘).
‘Fun Fun Fun’ está lleno de giros inesperados (‘Funzzy’), cortes abruptos que casi cabrean (con lo que prometía ‘Here We Go’…) y, en fin, un carrusel de sorpresas en el delicioso e inclasificable collage cuyo objetivo es insuflar un espíritu positivo y buen humor. Sin duda lo logran, si bien, entre tanto giro, en la recta final uno termine algo mareado, desorientado y confuso. Pero es un mareo de esos de después de la primera calada o la primera copa, que embriagan y dejan con ganas de repetir.
Elastic Band presentan esta semana ‘Fun Fun Fun’ en su Granada natal –el viernes, 16 de noviembre en Lemon Rock Bar– y en Madrid: el sábado 17 de noviembre encabezan en el Café La Palma un cartel del ciclo Vibra Mahou, con Igeldo abriendo para ellos–.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘La La La’, ‘Barry W.’, ‘Brand New Thing’, ‘Tiger!’ Te gustará si te gustan: Foxygen, The Avalanches, The Olivia Tremor Control, The High Llamas Escúchalo: Spotify
Cruïlla celebra su próxima edición los días 4, 5 y 6 de julio en el Parc del Fòrum de Barcelona. Hoy, el festival barcelonés revela los primeros nombres de su cartel, entre los que destaca Kylie Minogue. La cantante australiana actuó en Barcelona el pasado mes de marzo para presentar ‘Golden‘, su último disco, y hace poco anunció nuevas fechas de la gira, aunque sin parada en España. Parece que se reservaba esta fecha en Cruïlla, de manera un tanto inesperada, por otro lado, dado su perfil ultra pop.
En la programación de Cruïlla se han autoconfirmado esta semana Garbage, adelantándose al propio festival. Ellos están presentes, claro, en esta primera tanda de confirmaciones, como también los británicos Bastille, que hace poco anunciaban gira de salas en España y publican nuevo álbum el año que viene, auspiciado por el exitazo de su single con Marshmello, ‘Happier’.
Completan estas primeras confirmaciones de Cruïlla 2019 los habituales en las listas de éxito de nuestro país Natos y Waor y Ayax y Prok (ambos dúos son dos de los mayores representantes actuales del rap español), así como los australianos Gang of Youths, autores de ‘Let Me Down Easy’; DJ Amable i Lildami. Las entradas salen a la venta a las 12.00 horas en la web de Cruïlla.
Mala Rodríguez ha vuelto este año con el impactante single ‘Gitanas’, aunque especialmente sonadas han sido sus recientes colaboraciones con Juan Magán (‘Usted’), Beatriz Luengo (‘Caprichosa’) o Ibeyi (‘Me voy’), la primera de las cuales se ha convertido en el mayor éxito comercial de su carrera. 
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Monterrosa, el proyecto de Enrique F. Aparicio (Esnórquel DJ) y Rocío Saiz (líder de Las Chillers), presenta su segundo tema tras su primer single ‘Parálisis’, que suma 20.000 reproducciones en las plataformas de streaming. ‘Me manipulaste’, que será incluido en su primer EP, presenta una melodía más clásica, evolucionando desde la canción melódica española más tristona (atención a la pegatina «1000 pesetas» de la portada, referenciando a las tiendas de vinilo de segunda mano), que de vez en cuando tiene su protagonismo en sus sesiones de dj’s, a los esperanzadores territorios de La Casa Azul en su estribillo y franja final. L-kan, Objetivo Birmania, Paloma San Basilio o Carlos Berlanga pueden ser también una referencia en esta contagiosa producción de Pau Paredes (ElyElla) y Tomás Virgós (Amaral, Najwa Nimri).
Tras anunciar que ofrecerá uno de los conciertos más importantes de su carrera en el prestigioso Madison Square Garden de Nueva York el próximo 8 de marzo, Robyn ha desvelado finalmente que tras ‘
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