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Ya hay mash-up entre ‘Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)’ de Cher y ‘Hung Up’ de Madonna

Por
Raúl Guillén
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La internet “va espuni”, que diría el papá de Julio Iglesias. Hace sólo dos días que se estrenaba el primer adelanto de ‘Dancing Queen’, el disco de versiones de ABBA que ha grabado Cher para promocionar aún más la secuela de ‘Mamma Mia!’ en la que aparece. Se trataba del archiconocido ‘Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)’, single que los suecos lanzaron hace casi 39 años como bonus-track (!) del álbum ‘Voulez-Vous’ y que se mantiene fresco como una rosa.

Como todos sabemos, se trata de una canción que Madonna también contribuyó a popularizar entre otras generaciones construyendo su hit ‘Hung Up’ –que, de momento, no figura en este top 60 de canciones de la Ciccone que culmina con el cumpleaños de la diva la próxima semana– sobre su característico riff. Por eso parecía cuestión de tiempo que a alguien se le ocurriera hacer un mash-up de ambos temas. Lo que no esperábamos del todo es que fuera en menos de 48 horas. Como ha notado Billboard, un artista de Toronto llamado Alex Simpson ha mezclado ambos temas en uno y, evidentemente, todo encaja a la perfección.

No cabe duda que es algo que incluso podrían esperar las propias Cher y Madge y que hará bastante gracia cuando lo conozcan. Aunque en algún momento del pasado haya parecido que había algún tipo de beef entre ellas, es evidente que les unen ciertos posicionamientos ideológicos, como demostraron posando amigablemente en la Marcha de la Mujer de 2017.

Cuco, un Mac DeMarco latino empapado de rap, nuevo ídolo del underground en USA

Por
Raúl Guillén
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Omar Banos es uno de los millones de estadounidenses que, como descendiente de familia latinoamericana (mexicanas, en su caso), emplea indistintamente el español y el inglés para expresarse. Lo hace también en sus canciones bajo el alias Cuco, las que le han llevado a convertirse en un héroe del nuevo underground norteamericano. Uno que, como es el caso de Clairo –con la que acaba de colaborar, como no podía ser de otra manera– o el sueco Boy Pablo –con ambos comparte estética lo-fi y la misma edad–, ha alcanzado el plano internacional proyectándose desde la intimidad de su dormitorio, vía Youtube y autogestionando su música.

Cuco, que comenzó tocando la trompeta en la banda de marchas de su instituto (como demuestra en algunas de sus canciones), se presenta como una especie de Mac DeMarco –una sonoridad de guitarras muy parecida, reminiscente de los 80, los ambientes sintéticos que anegan sus temas– que ha tenido el hip hop como parte fundamental de su crecimiento personal y artístico. Ya en canciones de su EP debut oficial de 2016, ‘Wannabewithyou’, como ‘Lover Is a Day’ o ‘Amor de siempre’ –como decía, el español y el inglés fluyen indistintamente en títulos y letras de sus canciones, un poco a lo Devendra Banhart– su manera de cantar tiende a una rítmica de rap.

Pero fue el año pasado, con el EP ‘Songs4U’ –que contenía temas tan brillantes como ‘One and Only’ y ‘Lava Lamp’– y sobre todo con el single ‘Lo que siento’ –a día de hoy, su mayor hit con más de 15 millones de reproducciones sólo en Spotify–, cuando afianzó ese estilo a medio camino del pop rock romántico y el trap pop. Un estilo que en los últimos meses ha consolidado ese espacio con ‘Chiquito’, un nuevo EP en el que colabora también su amigo el MC J-Kwe$t, y que ya hace innegable que Cuco representa a toda una generación de chicanos –como el mismo se define– que están perfectamente arraigados en la sociedad yanqui y su arte es capaz de alcanzar a cualquiera de las múltiples etnias con las que convive. El perfecto ejemplo de la Norteamérica que Trump se empeña en negar, vaya.

Pero, independientemente de consideraciones sociopolíticas, lo importante en este caso es que canciones deslumbrantes como ‘Dontmakemefallinlove’, ‘Lucy’, ’Summer In The High Time’ o la preciosa ‘Drown’, su nuevo dueto con Clairo, invitan a depositar las mejores esperanzas en su pop post-millenial. Cuco, por cierto, traerá sus canciones a España el próximo otoño: el 30 de noviembre estará en la sala Gotham de Madrid, y el 1 de diciembre en La [2] de Apolo, en Barcelona. Las entradas están ya a la venta en Ticketmaster.

Bea Pelea / Reggaeton Romántico (Vol. 1)

Por
Raúl Guillén
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En una época y un ámbito del pop en los que la sobreexplotación de la imagen se ha convertido en una pieza fundamental, Bea Pelea no hace vídeos y mantiene un perfil discreto, alzando apenas la voz para posicionarse del lado de su amigo Yung Beef en su conflicto con el festival O Marisquiño y ha renunciado a actuar allí por lo que considera un acto de censura (el regidor de Vigo, Abel Caballero, aseguró que no permitiría al Seco actuar en su ciudad). La impresión es que esta trotamundos nacida en Málaga que pasó también su infancia en México, Guatemala y Granada opta por hacer, sencilla y llanamente, las mejores canciones para hacer bailar y emocionar a su propia generación. Y sin duda, como ha demostrado el éxito que, sin más promoción que el boca oreja, han logrado varios temas de su EP debut ‘Reggaeton Romántico (Vol. 1)’, su capacidad para llegar a aquellos que hemos aprendido a respetar y disfrutar el reggaeton como un género inclusivo y rico es enorme.

Tras el éxito de aquel lejano ‘Oye Papi’ junto a La Zowi y Ms Nina, este miniálbum resulta la confirmación del enorme magnetismo de Beatriz Constenla, de un flow carismático que se adapta con asombrosa versatilidad a cualquier deriva urban que le sirvan. Así, se monta con idéntica soltura en el perreo oscuro de F1ILTHY en ‘La gasolina’ (con La Favi), en el proto-dembow a lo Bad Gyal que plantea Pipo Beatz en ‘Si no te vuelvo a ver’ o en los palos más reggaetoneros que presentan los audaces y certeros Los Del Control. Suyas son las producciones de varios de los momentos más sorprendentes e inmediatos del disco, como la irresistible neo-cumbia ‘Sé que me buscas’ o ese picante dembow junto a El Mini y Kaydy Cain que es ‘A los dos’. Ningún palo se le resiste a la andaluza, ni siquiera un ritmo ponzoñoso y lento como el de ‘Arrecha’, dueto con Somadamantina y la gran joya de este disco: un reggaetón sexual catártico, en el que las dos cantantes se roban con descaro e impunidad al hombre que quieren, pasando por encima de su pareja. “Pegajosísimas”.

En toda ese abanico de estilos, la pauta y gran parte de los ganchos los domina Pelea, con un lenguaje que aunque bebe de las calles de Madrid, Granada y el DF no es descuidado, ni cutre. Y, sobre todo, destaca por verbalizar de manera precisa que las mujeres del reggaetón están lejos de ser sumisas o machistas, a las que por supuesto les encanta follar, pero que no dependen de un único hombre dominante, como acotan las letras de ‘La gasolina’ (“ando hangeando con mis gatas por ahí, tu tiempo ya pasó, anda olvídate de mí”), ‘Culona’ (“no me hagas más dramas, no soy tu mama”, canta Ms Nina) o ‘Sincera’ (“ya no vuelvo corazón, aunque extraño tu calor, (…) sé que tu juré mi amor, luego me fui con dos”). ‘Reggaeton Romántico (Vol. 1)’ es un estupendo muestrario de nuevo pop urbano latino que quizá no esté gozando de mucho predicamento mediático, pero su éxito entre los chavales de las plazas y calles de tu barrio es merecidísimo.

Tras cancelar su participación en O Marisquiño, Bea Pelea actuará junto a Yung Beef y MC Buseta en la Discoteca Clip de Cangas este domingo 12 de agosto.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Arrecha’, ‘A los dos’, ‘Sé que me buscas’, ‘La gasolina’
Te gustará si te gusta: Tomasa del Real, Bad Gyal, La Zowi
Escúchalo: Spotify

La canción del día: Nicki Minaj y Foxy Brown son las “número uno” en el reggaetón industrial de ‘Coco Chanel’

Por
Jordi Bardají
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Hay mucha tela que cortar en ‘Queen‘, el nuevo disco de Nicki Minaj, quizá tanto para bien como para mal. Mientras los fans y el resto del mundo degustan al fin el primer disco de la rapera en cuatro años, empiezan a despuntar en el tracklist algunas de sus canciones hasta ahora inéditas, entre ellas la penúltima pista, ‘Coco Chanel’, cuyo final se ha separado en la pista siguiente por alguna razón (¿o será un “glitch”?), dando lugar a un “outro” de 52 segundos totalmente inútil.

‘Coco Chanel’ es una de las varias colaboraciones que incluye ‘Queen’, en este caso con la rapera Foxy Brown, que triunfó en los 90 con éxitos como ‘Get Me Home’ o ‘I’ll Be’. Curiosamente, tanto Minaj como Brown son de Trinidad, y la autora de ‘Anaconda’ ha asegurado que Brown es una de sus mayores influencias (solo la portada de ‘Chyna Doll‘ parece una premonición de Minaj); de hecho, ambas han llegado a actuar juntas en directo.

¿Qué resulta de la colaboración entre quien fuera una de las raperas más importantes de los 90, y quien es una de las raperas más importantes de la actualidad? ‘Coco Chanel’ es una canción oscura, de ritmo reggaetón (se nota que las dos raperas tienen raíces caribeñas), pero fondo frío e industrial, en el que sin embargo Minaj y Brown despliegan versos con cierto carácter cómico, empezando por el estribillo chapurreado en “spanglish” “ellas quieren coco, y yo tampoco / número uno, me llaman Yoko”. Aunque el mejor verso lo pone Nicki al final, cuando rapea “they call me Mrs. Bitch, but I don’t miss, bitch” para luego preguntarse: “Who me? I’m physically fine / Who she? It’s like we know she dyin’ / Bitch ain’t see the board in 2017 / Had to drop Queen on ‘em like a guillotine”. Se desconoce a quién se refiere Nicki con tanta mala baba en ese “ella” y en ese “ellos”, pero mientras lo descubrimos deja un sonoro y memorable rap como solo los hace ella, perfecto para terminar ‘Queen’ en todo lo alto.

Lori Meyers: «Queríamos dar una vuelta a lo que es un recopilatorio»

Por
Sebas E. Alonso
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Lori Meyers han sacado un recopilatorio llamado ’20 años. 21 canciones’ en el que repasan su carrera desde su formación 1998 (su primer disco salió en 2004, pero la banda funcionaba desde antes mediante la edición de maquetas, conciertos, etcétera). El álbum recopila 21 temas escogidos por 21 amigos, colaboradores o fans famosos, lo que incluye gente como Dani Rovira, El Chino de Supersubmarina, Anni B Sweet o varios locutores de radio. Hablamos con la banda sobre este disco, su carrera o el concierto con el que se van a despedir de los escenarios durante un año, que se celebra el día 29 de diciembre en el WiZink Center de Madrid. Las entradas están disponibles en Ticketea.

Contadme por qué sacáis un recopilatorio cuando ya todo el mundo puede hacer una playlist con sus canciones favoritas de Lori Meyers. Veo que la edición física es espectacular…
Alejandro: «Por un lado, está la edición física y por otro que no es un «greatest hits». Nosotros no hemos confeccionado el setlist del CD1. Hemos pensado en 21 personas que tienen una relación personal o profesional importante en la carrera del grupo, y la gente ha ido escogiendo su canción favorita. Evidentemente hemos puesto pautas, como que hubiera canciones de todos los discos. Hay singles, pero también alguna cara B como ‘Vigilia’, que la ha escogido El Chino de Supersubmarina, y ha contado su experiencia personal. En el CD2 colaboramos más: hay maquetas y canciones inéditas de ‘Cronolánea’, de ‘Impronta’. El libreto tiene material pre-‘Viaje de estudios’, no del que está en las redes. Es para fans y para no fans. Es recopilación pero también tiene contenido extra. Es una forma de dar una vuelta a lo que es un recopilatorio. Nos resultaba más interesante que gente que le guste el grupo o haya sido importante para nosotros elija sus favoritas».

El problema es que se parece bastante a un «grandes éxitos»… sólo que faltan un par de temas de los más escuchados de Lori Meyers, ‘Zona de confort’ y ‘Luciérnagas y mariposas’.
Alejandro: «No hemos entrado dentro de la selección. Jon Sistiaga ha escogido ‘Luces de neón’ porque a lo mejor no conoce ‘Hostal Pimodan’, Carles Conesa ‘Ya lo sabes’ de ‘Viaje de estudios’ porque su relación con el grupo es más de la primera época… Claro que hay canciones que son hits, pero son ellos los que han diseñado el setlist».

Pero tampoco podía faltar ‘Mi realidad’, ‘Alta fidelidad’, supongo.
Noni: «La gracia era delegar en los demás».
Alejandro: «Sebastián (Krys), que ha sido una persona importante para la carrera del grupo, sin preguntarle, estaba claro que iba a escoger ‘Mi realidad’, conociéndole. En las maquetas la vio, la trabajamos, fue un punto de inflexión para el grupo. Virginia Díaz iba a escoger ‘Alta fidelidad’ porque es su canción favorita».

Oasis y Björk tienen recopilatorios imperfectos, en los que faltan temas muy famosos, ¿no teníais ese miedo?
Alfredo: «No, somos un grupo de canciones, más allá de los éxitos más populares o menos. Siempre hemos tratado cada canción como única. No queríamos un «greatest hits» sino que cada uno escogiera una canción a través de su experiencia personal. Nunca se nos ha planteado el miedo».

¿No os da rabia que haya quedado algo fuera?
Noni: «Ninguna y mogollón. Tampoco era el tema. El CD1 está guay para la gente que escribió, pero lo mejor para la gente que nos sigue desde hace tiempo, que es fan de Lori Meyers, es el CD2, con cosas que teníamos en cajas, rarecillas que están chulas».
Alejandro: «Sí nos hemos dado cuenta de que hay 4 canciones inéditas en el CD2, y el otro día encontramos una canción en un disco duro para ‘En la Espiral’. La canción habla del concepto de la espiral, la habríamos metido en este y, por lo que sea, ha quedado en la oscuridad».

¿Cómo ha sido bucear en los archivos viejunos del grupo?
Noni: «Me lo he pasado bien y me he reído mogollón. Hay cosas que dan vergüencilla, letras que hacía en plan lectura automática, pero nosotros ya estamos perdiendo la vergüenza. Lo más guay es que la gente escuche las cosas con sus fallos. Hay maquetas muy chulas porque guardaban el rollo nuestro de hacer cosas a nuestra manera. Con inéditas me he partido el culo».
Alejandro: «Te ves como otra persona».

¿Lo que hay en el CD es de risa guay o de risa no guay?
Alejandro: «Hay más risas escondidas (risas). Pero hay que ceñirse al formato».
Noni: «Ha quedado fuera alguna letra súper imbécil, cosas con errores, una versión de Miguel Ríos que se nos olvidó».
Alfredo: «‘Vuelvo a Granada'».
Noni: «Tenemos mucho boceto que está guay ir sacando, para los fans de Lori Meyers está guay».

¿Te habrá hecho ilusión que esté ‘Océanos’, ¿no, Alejandro?
Alejandro: «Sí, por qué voy a decir que no… Y ‘Explícame’ la hace Arturo (García) porque tuvo mucho relación conmigo, porque hicimos una gira con él con Cecilia Ann, con mi hermano Julián, que estaba al principio en Lori. Hay un componente sentimental».

Al final el que veo un poco infrarrepresentado es el último disco y ‘Océanos’ tampoco se promocionó.
Noni: «¿Y ‘No estoy solo’, que la compuse y no la hemos tocado ni una vez? Llevas cientos de canciones para un disco y al final tocas seis».
Alejandro: «El problema es que es difícil gestionar singles. La gente ha hecho singles canciones que no eran singles como tal. Estamos deseando tocar canciones que musicalmente son más gustosas de tocar, pero hay que atender al público, y con los discos pasa igual. ‘Océanos’ y ‘Vértigo 1’ son de mis favoritas del disco y no son de las más populares».

¿Estáis contentos con la recepción del último disco o esperabais más?
Alejandro: «El disco era necesario y el contenido que tiene es lo que había. No creo que hubiera ido de otra forma con otros singles. Es un disco fundamental en nuestra carrera, el sexto, con el que queríamos romper ciertas cosas que veníamos haciendo».
Noni: «Angel Carrión (Universal) inventó el concepto la canción cero, el tema cero (risas)».

Me comentabais que hay textos muy diferentes en el libreto, ¿verdad?
Alejandro: «Hay gente como El Monaguillo, que ha hecho un texto humorístico, textos más emotivos como de El Chino de Supersubmarina, porque ‘Vigilia’ fue importante para él para dedicarse a la música… El de Jon Sistiaga es diferente porque habla de una experiencia con su hija en la parte de atrás del coche en la que tuvieron una conversación y empezaron a cantar ‘Luces de neón’… Son experiencias personales.

¿Y el de Dani Rovira?
Alfredo: «Es curioso que en su texto y en el de El Monaguillo es llamativo que los dos son malagueños y hablan de una experiencia similar, de cómo les ayuda la música a desarrollarse en sus carreras al cambiarse de ciudad… Sin haber hablado entre ellos la experiencia que narran es parecida. Es lo guay de este formato. Son nuestras canciones pero vistas por otras personas. Es como si nos viéramos desde el público, desde fuera donde no podemos vernos».

¿Cómo los habéis organizado? ¿Quién se ha encargado de compilarlos y corregirlos? Porque no todo el mundo sabría escribir…
Alfredo: «Los textos han sido libres, y yo creo que los que lo mandaban ya pasaban un corte de estilo».
Noni: «Había un hilo de mails, con el sello en copia, íbamos recopilando y una persona se ha encargado de juntarlos».

Lo preguntaba por si habíais comentado alguno en el hilo de mails o por WhatsApp más que otro.
Alfredo: «Todos tienen su punto especial, unos son más emotivos, otros cuentan su experiencia y ves hasta dónde puede llegar la música. Jesús Gallego ha hecho ‘Zen’ porque la ponía su mujer y era su favorita».
Noni: «Hay uno que es totalmente especial, el de Paco Méndez, el padre de Álex, es el más largo y cuenta los inicios del grupo porque él fue quien nos introdujo en la música. Anni es mi pareja, es súper amiga, pero en realidad uno de los más importantes es el de Paco Méndez porque resume nuestros inicios».

Ya que mencionas a Anni, el disco en español que graba, ¿dónde está metido?
Noni: «Va a estar muy guay y poco tengo que ver. Lo está haciendo todo sola. Va por su camino, hay un cambio difícil al cambiar al español, en la voz, en muchas cosas. Está siendo guay el cambio. Espero que le mole a la peña».

Os lo estarán preguntando mucho, pero no me he enterado de por qué hay 21 canciones para celebrar los 20 años.
Alejandro: «Mejor dejar propina que quedarse corto».
Noni: «Al final recibimos un comentario más. Los números no nos importan, pero no queríamos dejar fuera a nadie».
Alejandro: «Contamos mal».
Noni: «Ya hemos dicho en alguna entrevista que las matemáticas no son lo nuestro».

En la nota de prensa habláis de las disidencias y los momentos malos, ¿lo consideráis importante también en la historia del grupo?
Alejandro: «Totalmente, quizá en el libro no viene, pero en las entrevistas sí estamos contando que tuvimos un momento malo en ‘Hostal Pimodán’, cuando se fue Julián. Hemos contado con muchos músicos, pero lo suyo fue más doloroso porque era fundador. Hubo un problema, no solo porque se fuera él, pero de eso nos hicimos más fuerte los tres».

¿Tenéis contacto con él?
Es mi hermano.

Yo qué sé, mira Mecano.
Noni: «Se fue a Los Planetas y Miguel se vino de Los Planetas, a Jota no le gustó al principio pero luego le gustó más (risas)».
Alejandro: «Cambio de cromos».

¿Cómo va a ser el formato del WiZink Center? ¿Es The Ring?
Alfredo: «The Ring con el fondo entero, aún quedan 6 meses».
Alejandro: «Vamos a ir abriendo en función de cómo vaya».
Noni: «Todo lo que se pueda. Si ves muchas personas en cartón-piedra… (risas)».

Amaral lo hicieron así también, ¿no?
Alejandro: «Todos los grupos lo hacen así, a menos que vendan 10.000 entradas en dos días».
Noni: «Para nosotros el último empujón suele ser muy importante, y llevamos un año anunciándolo porque WiZink tiene dos años de fechas reservado» .
Alfredo: «Nos preocupa más que sea especial que que haya 2.000, 3.000 o 15.000 personas. Estamos más en lo artístico».

¿Estáis mirando invitados, sorpresas…
Noni: «Invitados especiales no, porque es lo típico y tenemos un montón de amigos. Tendríamos que llamar a todos, y tendrían que entrar 3 músicos por canción. Sí va a haber algo especial de formato artístico. Vamos a intentar que la gente entre en nuestra historia nada más entrar al WiZink Center. Nos vamos a permitir varios lujos. Es un hasta luego porque no vamos a tocar en año y pico, mínimo, y tenemos preparadas cosas para que esa noche sea especial. Es un reflejo de toda la carrera, con cosas que en un festival por tiempo no puedes hacer».

¿Y necesitáis un año y medio para hacer un disco? Normalmente, no se necesita tanto…
Noni: «Nosotros sí, ¡hazlo tú! Vente a casa conmigo y te voy viendo cómo lo haces, llamamos a Guille Mostaza…» (risas).
Alejandro: «Teniendo en cuenta cómo ha sido con el último, queremos decir de antemano que un año y medio, y si viene antes, pues vendrá antes. Hay ya 7 canciones…»
Noni: «No sabemos ni si va a haber productor. Si empiezas a tocar, los festivales ya no empiezan en junio, sino en marzo, mayo, abril. Con la «Espiral», fuimos a México, en España no teníamos productor… y al final pasaron 2 años».
Alfredo: «Lo que nos apetece es centrarnos en el ensayo. ¿Que es un año? ¿que es medio? Lo que queremos es dejar un barbecho».
Noni: «Luego Mariño (mánager) cerrará 3 bolos, JENESAISPOP dirá que no hemos cumplido lo de no tocar… (risas) Me da igual, me das el WhatsApp y yo te lo chivo. Si alguien paga, tenemos a la crew detrás diciendo: «¡¡hay que trabajar!!». Pero vamos a intentar que no».

Habéis mencionado 7 maquetas, ¿en qué punto están?
Alejando: «Está ya ensayadas. No terminadas. Son bocetos y maquetas».
Alfredo: «Hay que parar la gira, meterse, acabar, centrarnos en el próximo disco…».

¿Y a qué suenan?
Alfredo: «reggaeton, trap, rap…» (risas)

Oye, no sé, mira la canción del verano de Sidonie…
Alejandro: «Lo oí ayer con Virginia (Díaz)».
Alfredo: «Le dijo el padre de Marc a Marc que parecía de Georgie Dann».

Creo que lo llega a poner en la nota de prensa oficial. ¿Y este contrato que ha pululado por aquí durante la entrevista? ¿Sólo tenéis un disco más firmado con Universal?
Alejandro (risas): «Es el contrato para este porque canciones que no estaban registradas, maquetas… es el contrato de obra».

Twenty One Pilots, entre lo más visto de Youtube España con su nuevo single, ‘Levitate’

Por
Jordi Bardají
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El 5 de octubre se publica ‘Trench’, el nuevo álbum de Twenty One Pilots, uno de los grupos más populares de la actualidad gracias a canciones como ‘Stressed Out’, ‘Ride’, ‘Heathens’ o ‘Tear in My Heart’ que, fusionando géneros como el rock, el pop, la electrónica y el hip-hop, han logrado conquistar a cientos y cientos y cientos de millones de personas en todo el mundo, y solo hay que observar sus espectaculares cifras en las plataformas de streaming para comprobarlo (solo ‘Stressed Out’ suma más de 800 millones de reproducciones en Spotify).

Tras lanzar ‘Jumpsuit’ y ‘Nico and the Niners’, el dúo de Columbus, Ohio compuesto por Tyler Joseph y Josh Dun es actualmente número 12 en la lista de vídeos más vistos en Youtube España con el videoclip de su nuevo single, ‘Levitate’. Dirigido por Andrew Donoho, el vídeo halla a Joseph y Dun en un bosque poblado por campistas con antorchas, y en el que parece haberse instalado una anarquía. De hecho, Joseph y Dun llegan a actuar frente a un coche en llamas. Por otro lado, parece importante en el vídeo la presencia de los buitres y, de hecho, en la letra de la canción, Joseph declara ser un “buitre que se alimenta del dolor”.

Como os contamos, Twenty One Pilots presentarán ‘Trench’ el año que viene en España, primero en el BEC! de Barakaldo, el 15 de marzo, y después en el WiZink Center de Madrid, el 16 de marzo. Las entradas están disponibles en Ticketmaster.

Demi Lovato cancela el resto de su gira para entrar en rehabilitación

Por
Jordi Bardají
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Demi Lovato ha cancelado el resto de su gira para entrar en rehabilitación, ha confirmado en declaraciones a Variety Live Nation, que confirman Lovato desea “concentrarse en su recuperación”. Quedan canceladas seis fechas en América Latina, concretamente en Chile, Argentina y Brasil, que debían de tener lugar en noviembre. La cantante presentaba ‘Tell Me You Love Me‘, su último disco, en una gira que sí llegó a España a finales del mes de junio.

Lovato se recupera actualmente de una sobredosis (se comprende que de algún tipo de opiáceo), por la que fue hospitalizada en Los Ángeles el pasado 24 de julio. La cantante permaneció ingresada una semana, tras lo cual publicaba un comunicado en Instagram agradeciendo a su familia, a su equipo, al personal médico que la atendió y a sus fans el apoyo recibido y la preocupación, e indicando que “seguirá luchando” para superar sus adicciones. “Lo que he aprendido es que esta enfermedad no es algo que desaparezca o se diluya con el tiempo. Es algo que debo seguir superando y todavía no lo he hecho”, apuntaba. Sobre su recaída en las adicciones cantó Lovato en ‘Sober‘, la canción que estrenó solo un mes antes de su hospitalización.

Ready for the Weekend: Nicki Minaj, Troye Sivan, Pedrina, Twenty One Pilots, Miles Kane, Lykke Li…

Por
Raúl Guillén
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Sacudido por la inesperada rectificación de Nicki Minaj que ha decidido sí publicar hoy su nuevo álbum ‘Queen’, tal cual estaba previsto inicialmente, este viernes se preveía tranquilo en lanzamientos, pero a lo tonto hay un buen montón de novedades. En cuanto a álbumes, por ejemplo, destaca el primer disco en solitario de Pedrina (del dúo Pedrina & Río), los nuevos discos de Jake Shears (Scissor Sisters), The Coral, Miles Kane, Jason Mraz, un álbum con invitados tamaño Diplo del prometedor Trippie Red y los debuts del productor británico Ben Khan y Tirzah, producida por Micah Levi. También se publican EPs de Moses Sumney, Son Lux y Folly Rae, además de un disco del audaz productor español $kyhook.

En el apartado sencillos, a las novedades presentadas a lo largo de la semana por Aphex Twin, Cher, Troye Sivan, Ciara, Matthew Dear (con dos adelantos de su álbum de regreso), Art Brut (también anuncian disco, 7 años después del último) o Alex Winston (primera canción propia en muchos años, tras la aventura en formato dúo de Post Precious), hoy hemos amanecido con nuevas canciones de Twenty One Pilots, LSD (Labrinth, Sia, Diplo), Cecilio G. (desatado), Paul Simon, Big Red Machine (proyecto de Justin Vernon –Bon Iver– y Aaron Dessner –The National–), Quavo, Elle King (la del hit neosoul ‘Ex’s & Oh’s‘), Wild Nothing, Mitski, Gepe, Marissa Nadler, Gallant, Soap&Skin, Ten Fé, Hello Seahorse!, Maluma, Jesse Reyez, Example, Danny Ocean, Broods, Anteros…

En cuanto a remixes, inéditos y otras zarandajas similares, LCD Soundsystem presentan un EP de remixes, emerge un tema inédito de Vampire Weekend de la era ‘Contra’ (una versión alternativa de ‘California English’ que aparecía en la cara B de ‘Cousins’), Fall Out Boy presentan un remix de un single de su último disco junto a Princess Nokia, una nueva versión de ‘Zeroes’ de David Bowie (imaginamos que se aproxima una reedición de ‘Never Let Me Down’), Kacey Musgraves versiona a Roger Miller para un álbum tributo y Lykke Li hace lo propio con ‘U Got It Bad’ de Usher en una sesión para Spotify. Aunque la palma se la llevan Toto, que devuelven la ¿broma? a Weezer versionando su ‘Hash Pipe’.

Iggy Azalea / Survive The Summer

Por
Pablo Tocino
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Probablemente Iggy Azalea no se imaginaba, cuando lanzó ‘Ignorant Art’ en 2012, hasta dónde llegaría su éxito dos años después… pero menos aún se imaginaría lo efímero que iba a ser. Con ‘The New Classic’ y después de ‘Work’ y sobre todo ‘Black Widow’ y ‘Fancy’ parecía claro que iba a ser una nueva superestrella, con las ya superestrellas peleándose por colaborar con ella: ¿os acordáis de ‘Problem’ de Ariana Grande? ¿De ‘Pretty Girls’ de Britney? ¿Del segundo ‘Booty’ de J. Lo (mucho mejor que la original con Pitbull, por cierto)? También Selena Gomez, Ellie Goulding, MØ, Demi Lovato, Pusha T, Tinashe, Katy B… Iggy estaba en todas partes. Hasta que se convirtió en una de las personas más odiadas de la industria musical –y en la enemiga número uno, y mira que la lista es larga, de Azealia Banks–. Mil polémicas, sumadas a desvaríos varios en lo musical y problemas con su discográfica, hicieron que su supuesto segundo álbum ‘Digital Distortion’ nunca llegase, y que Iggy haya dejado de intentar ser una superestrella pop (o que hayan dejado de intentar convertirla en eso), y se haya centrado en hacer lo que le gusta. O eso parece a juzgar por el EP que acaba de lanzar.

En una entrevista reciente, Iggy reconocía que cometió muchos errores en el pasado, y que verse atacada por todas partes hizo que respondiese a la defensiva y no tanto reflexionando sobre lo que le decían, aunque también considera que hubo mucho machismo en el hecho de que a ella se le crucificara, y con tantísimos raperos blancos no hubiese habido tanto problema. Luego, preguntada por si había considerado abandonar la música después de todo lo ocurrido, Iggy responde que no, y añade “tampoco es que tenga una elección en realidad… es mi pasión”. Quizás por eso este EP parece más auténtico que la mayoría de lo que había ido sacando hasta ahora: el sonido recuerda a sus inicios, aunque con un punto más oscuro -sobre todo en ‘Tokyo Snow Trip‘, con unos susurros que funcionan especialmente bien-, y la sensación de que ha tenido más control sobre este EP se simboliza también con las intervenciones de su amiga Alejandra Hernández, encargada de abrir el EP en el tema homónimo y cerrarlo en la repetitiva pero divertida ‘OMG’. Además de Hernández, Iggy se ha rodeado en la producción de Ljay Currie (con quien ya trabajó previamente con su EP gratis ‘4 My Ratz’), Ronny J (colaborador de XXXTentacion y Lil Pump), Wallis Lane (Drake, el último de Travis Scott), Bedrock, GT of Ear Drummers (Mike wiLL Made-It) o Smash David (Khalid, Big Sean).

El resultado de todo esto es una colección de seis temas que evidentemente abordan su controversia y sus haters, a veces de forma más facilona (“nosey hoes askin’ bout my brand new nose / but my bank account, got some brand new 0’s”), otras más conseguida (“he love the white chocolate, I’m ticker than a Snicker”, “they tellin me be humble but they know I’m cocky”), otras con shade, como el que le lanza con “lemme drop a lil wisdom / crack kills, you a victim” a Halsey (recordemos que ésta dijo estar fascinada al ver “cómo la carrera de esa puta idiota se disolvía”) y, en general, con una producción y un ambiente en el que se ve más cómoda a la rapera, que no en vano entrega aquí con ‘Kream’ su mejor tema desde la época de ‘Work’ (aunque ‘Mo Bounce’ y -sobre todo- ‘Switch’ son dos buenos placeres culpables). Si ‘Survive The Summer’ es el preludio de un futuro segundo disco –esta vez sí– de la australiana, son buenas noticias, porque éste es el camino a seguir. Y, a juzgar por lo bien que le está yendo a ‘Kream‘ en streamings, es bastante probable que Iggy sobreviva a su metafórico verano de mierda. Green light, switch!

Calificación: 6,3/10
Lo mejor: ‘Kream’, pero también ‘OMG’ y ‘Tokyo Snow Trip’
Te gustará si te gusta: la primera Iggy, Cardi B, Brooke Candy, Nicki Minaj, Bad Gyal
Escúchalo: Spotify

La canción del día: Sia, Diplo y Labrinth (LSD) facturan gran soul pop en ‘Thunderclouds’

Por
Raúl Guillén
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Meses después de que LSD, el proyecto conjunto de Labrinth, Sia y Diplo bautizado con sus iniciales en lisérgica combinación, se presentaran en sociedad con sus dos primeros singles, hoy llega el tercero. Se trata de ‘Thunderclouds’, un tema basado en un ritmo de medio tiempo soul, con arreglos doo-wop en los coros que respiran cierto clasicismo.

También en su estructura, que pone en primer plano su estribillo, cantado alternativamente por la australiana y el británico la melodía más certera que el trío haya lanzado hasta el momento. Por su parte, la letra retrata una relación de pareja en la que las inseguridades hacen mella, pero finalmente uno presta confianza al otro para que “no tema esas nubes tormentosas”.

En el mes de mayo este más o menos inesperado (Labrinth y Sia ya habían colaborado en el pasado) trío publicaba primero ‘Genius’, encabezada por aquellos dramáticos arreglos orquestales, y luego ‘Audio’, un tema más contemporáneo en fondo y forma. Tras este ‘Thunderclouds’ casi clásico, parece aclararse que el leitmotiv de LSD es no casarse con ningún estilo concreto o con todos al mismo tiempo. También se intuye, dado el esmero de la parte gráfica y las imágenes promocionales, que se trata de un proyecto muy serio y con visos de continuidad, quién sabe si incluso de un álbum completo. Estaremos muy atentos, sin duda.

Kanye West se queda sin palabras cuando Jimmy Kimmel le pregunta por Trump y su política migratoria

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Raúl Guillén
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Kanye West concedía anoche a Jimmy Kimmel (al que una vez llamó “cabrón manipulador” tras un enfrentamiento dialéctico) su primera entrevista televisiva en directo en mucho tiempo. Serio y algo nervioso, West acudía para hablar de su nuevo disco, ‘ye’, y de hecho lo hizo: Kimmel le cuestionó en particular sobre ‘I Thought About Killing You’, lo cual derivó en hablar de suicidio y su bipolaridad (“Es importante que tengamos conversaciones abiertas sobre salud mental. En la comunidad negra no tenemos terapeutas”, dijo), y ‘Violent Crimes’.

En ella, una de las mejores canciones del disco, su letra le sitúa en el punto de vista de padre ante los hombres que quizá podrían tratar con machismo o incluso abusar de su hija North en un futuro. “¿Tener una hija ha cambiado tu percepción hacia la mujer?”, le cuestionaba el presentador. “No. Sigo viendo Pornhub”, contestó West tajante e hilarante a la vez. Su categoría favorita es «negro sobre blanco, obviamente». También hubo espacio sobre esa teoría suya de que en las escuelas se enseña mucha historia pero no se enseña a proyectarse en el futuro (aquello que le llevó a aseverar que «la esclavitud fue optativa»), y a hablar del amor de una gran fuerza.

Pero los esfuerzos de Kimmel por sacar a colación a Trump, al que West ha alabado repetidamente causando no poca controversia, repetidamente no terminaron de dar fruto: primero le preguntó si por un momento le molestó ver que su esposa, Kim Kardashian, se reunía a solas con el Presidente en el famoso despacho oval. Ye eludía la respuesta diciendo que Trump es un “casanova” (“a player”, dijo); más tarde, y de forma bastante incisiva y dura, el conductor atacó el asunto de la política migratoria de Trump. Tras mencionar cómo está separando a niños de sus padres cuando estos intentan atravesar ilegalmente la frontera con Estados Unidos, cuestionó “nos guste o no su personalidad, sus acciones son lo que importan. De forma célebre y poderosa dijiste una vez que a George Bush no le importaba la gente negra [Nde: lo dijo por su gestión de la tragedia del huracán Katrina]. Me hace preguntarme ¿qué te hace pensar que a Donald Trump sí le importa?”. Ante la contundencia de la pregunta, West guardó un visiblemente incómodo silencio (probablemente madurando su respuesta), pero tras unos segundos Kimmel dio paso a publicidad y la cuestión quedó en el aire, salvándole de mojarse, como puede verse en este vídeo con la entrevista completa.

Nicki Minaj publica ‘Queen’, con featurings de Eminem, Future, The Weeknd…

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Raúl Guillén
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Pese a que la pasada semana se dio por confirmado que ‘Queen’, el nuevo disco de Nicki Minaj, se publicaría el próximo 17 de agosto, finalmente será hoy, justo como estaba previsto inicialmente, cuando vea la luz. Aunque la decisión ha sido tomada in extremis: el anuncio lo realizaba esta madrugada la propia Minajen su nuevo programa de radio en la emisora Beats 1, explicando que había terminado apenas 3 horas antes de entrar en antena. Sobre la bocina, vaya. De hecho, aunque pensaba radiar algunas de sus canciones durante la emisión, tuvo que desistir por problemas burocráticos o administrativos de su sello: “Iba a poner el álbum ahora mismo, pero alguien la ha cagado. Ahora mismo hay mucho drama corporativo por aquí”, dijo según Pitchfork.

Como recordaréis, el teórico motivo de la demora sería un problema para legalizar un sample de Tracy Chapman, para lo cual Minaj hizo un llamamiento directo a la autora de ‘Fast Car’. La repentina noticia del lanzamiento “prematuro” no deja claro si finalmente Tracy ha dado su consentimiento o no, pero lo que es seguro es que, de aparecer, no será como un featuring. Así lo comprobamos en el tracklist final que ha presentado la rapera en sus redes sociales. Al margen de la inclusión de singles previos como ‘Bed’, con Ariana Grande, y ‘Rich Sex’, con Lil Wayne, otros artistas invitados son The Weeknd, Eminem (en ‘Majesty’, que también cuenta con Labrinth), Future, Foxy Brown y Swae Lee. Sorprende la ausencia de ‘Barbie Tingz’, que incluso tuvo su vídeo oficial cuando fue lanzada con ‘Chun-Li’ (en este caso sí figura en el tracklist final).

Por el momento ’Queen’ no está disponible en las plataformas digitales, puesto que el lanzamiento oficial tendrá lugar a las 12:00h PM de la Costa Este norteamericana, que serán las 18:00h PM en Europa. Aunque Nicki ha asegurado que en una hora realizará una nueva emisión de ‘Queen Radio’ para anticipar el álbum completo. Actualización: ‘Queen’ ya está disponible en Apple Music y en el resto de plataformas de streaming.

#Queen 9AMPST/12EST

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4 cosas que convierten ‘Los Increíbles 2’ en una digna secuela y 2 que podrían haberla hecho incluso mejor

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Raúl Guillén
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14 añazos después de que se estrenara la oscarizada ‘Los Increíbles’, el maravilloso acercamiento de la factoría Pixar al universo de los superhéroes, tenemos entre manos su secuela, ese filón que ha encontrado la subsidiaria de Disney para alimentar sus finanzas a base de bien: tras ‘Buscando a Dory‘, ‘Cars 3’ y esta, próximamente veremos una segunda aventura de Rompe Ralph y ‘Toy Story 4’. ‘Los Increíbles 2’ es un nuevo exitazo rotundo de taquilla en sus primeros días de estreno y lo cierto es que no por esperable deja de estar totalmente justificado en varios aspectos. 4, en concreto.

La acción

Curiosamente, para la familia Parr, superpoderosos protagonistas de estos filmes de Brad Bird (director de films tan distintos como ‘Ratatouille’ y ‘Misión Imposible: Protocolo Fantasma’), apenas han transcurrido unos días desde que les veíamos tratando de salvar su ciudad de un villano. Y así, una vez más, comienza ‘Los Increíbles 2’, con una vibrante escena de acción. Una de las docenas que contiene la película, tanto corales como individuales, nocturnas, diurnas, tecnológicas, domésticas, por mar, aire y tierra… Un auténtico carrusel que se convierte en el leitmotiv de esta secuela y que la convierten en un desenfreno visual total, una auténtica gozada que apenas da respiro.

El humor

Sin duda, las escenas de Mr. Increíble superando obstáculos cotidianos como si se tratase de robots asesinos en la isla de Síndrome es uno de los grandes aciertos de Bird y su equipo en ‘Los Increíbles 2’. Aunque sin duda el gran descubrimiento de esta secuela está en Jack-Jack, una mina de situaciones desquiciadas, inesperadas y trepidantes –sus escenas con el mapache y con Edna son de lo más hilarante de la factoría de animación en un mucho tiempo– en las que el bebé no está tratado como una cosa cuqui y que da risa per se. Lástima que ese toque humorístico se vaya diluyendo disimuladamente hasta prácticamente desaparecer como la adolescente Violeta cuando emplea sus poderes.

La estética

Técnicamente, ‘Los Increíbles 2’ es una nueva maravilla de Pixar en la que la realidad de los efectos de iluminación y los elementos naturales es verdaderamente alucinante. Una ultrarrealidad que está sorprendentemente bien equilibrada con la estética 50s –un bonito homenaje a los orígenes del cómic de superhéroes que se hace explícito en la cabecera y créditos–, el toque de exageración caricaturesca de los héroes adultos y, sobre todo, los escenarios, donde se alterna arquitectura a lo Frank Lloyd Wright con futurismo y oscuridad al más puro estilo Gotham City de forma siempre elegante.

El mensaje

Sin desvelar demasiado la trama, diremos que el foco deja definitivamente de ser para Bob Parr, Mr. Increíble, y se reparte a partes iguales con toda su familia. Especialmente con su esposa, ElastiGirl, pero también con sus hijos, Violeta, Dash y Jack-Jack, que terminan siendo más que cruciales en la historia. Así, nos encontramos con el poderoso equivalente a Superman del universo Disney cediendo “los pantalones” a la capaz Helen y asumiendo su faceta de padre. El mensaje de igualdad y paridad de roles familiares que esto presenta a los niños es fantástico, como también lo es el hecho de que los pequeños descubran que no deben temer asumir responsabilidades en la vida, y que no son el centro del universo sino la parte fundamental de un engranaje vital y emocional.

Hasta aquí los puntos fuertes de ‘Los Increíbles 2’ que, de haber mejorado en 2 factores en particular, incluso podríamos aseverar que esta segunda parte es una excepción a la regla y mejoraría a la primera. Pero…

El guión

Pese a disponer una historia lo bastante compleja como para mantener la atención de adultos y niños por igual, Bird abre tantos frentes que el resultado final termina por ser algo deslavazado. Una trama que se va revelando en lo fundamental algo predecible, con demasiados superhéroes invitados que en realidad no aportan tanto a una historia que se va haciendo cada vez más previsible conforme avanza, especial y curiosamente donde no se debe fallar: en el redoble final. Da la sensación de que la historia ha sido cerrada como una maleta demasiado llena cuya cremallera se resiste: a empujones. Con el riesgo de que algún calcetín se nos queden colgando. claro.

La moraleja

Y es que, pese a lo bien encaminada que parecía esa intrahistoria familiar, la lectura secundaria y adulta que ofrece Pixar en muchas de sus mejores películas queda desplazada con un trazo grueso, a puñetazos, carreras, rayos y bofetones, en aras de la acción. ¿Dónde queda, mediada la primera hora, esa potencial llamada a la igualdad de roles de madres y padres? ¿Y dónde ese rompedor discurso del villano Raptapantallas, anticapitalista e inconformista, que denuncia la idiotización de la sociedad? Hechos cenizas, sepultados bajo el mar… Quién sabe… Quizá Bird se dio cuenta de que si seguían dejando al malvado explicar bien sus ideas, acabaría despertando cierta empatía. 7.

Cher aúna ABBA y ‘Believe’ en su versión de ‘Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)’

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Jordi Bardají
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Cher había anunciado que publicaría un disco de versiones de ABBA este mismo año, tras grabar una versión de ‘Fernando’ para el musical ‘Mamma Mia! Here We Go Again’. El disco acaba de anunciarse, se titula ‘Dancing Queen’ y la imagen que ilustra este post es su inenarrable portada. Sale ya, el 28 de septiembre.

El primer adelanto de ‘Dancing Queen’ es ‘Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)’, como no podía ser de otra manera debido al reconocible gancho principal de la canción, que como casi todo el mundo recordará sampleó Madonna más tarde en ‘Hung Up’. La idea de Cher también ha sido “modernizar” la canción, aunque en este caso la modernización se lleva a cabo mediante el uso de una base dance más contemporánea y a través de la presencia de un efecto de autotune extremo / vocoder que no puede si no recordar a ‘Believe’ de la propia Cher. El tema pasa en manos de Cher a ser un hit dance donde el original era un hit disco. Y funciona. El nuevo hilo de Cher en nuestros foros sentencia: Cher vuelve más que gay que nunca.

‘Dancing Queen’:

01 Dancing Queen
02 Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)
03 The Name Of The Game
04 SOS
05 Waterloo
06 Mamma Mia
07 Chiquitita
08 Fernando
09 The Winner Takes It All
10 One Of Us

Nacho Vegas defiende a Pau Donés por sus declaraciones sobre presos políticos… pero no todos le entienden

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Raúl Guillén
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El Diario publicaba el pasado martes una entrevista con Pau Donés, conocido por su proyecto musical Jarabe de Palo y hits como ‘La flaca’ o ‘Depende’, que ha dado mucho que hablar. Sobre todo por su opinión sobre la situación política en Cataluña, muy especialmente por el titular que la web ha optado por destacar: «No soy independentista, pero que haya presos políticos en el siglo XXI es de vergüenza”. Su crítica al independentismo –en la misma entrevista dice “Yo no soy independentista porque no creo en el individualismo” o “Los políticos han utilizado el independentismo como arma política, tanto los del PP como los de Catalunya, y eso es lo que ha hecho a la gente polarizarse”– ha quedado en un segundo plano para muchos tuiteros que se centran en su opinión sobre los presos políticos para insultarle a él y a su música –aquí podéis encontrar algunos, si es que merecen algún interés– y, aún peor, sacar a colación el cáncer de colon que padece y por el que está siendo tratado desde hace unos años.

Muchos se han indignado ante esos repulsivos mensajes –casualmente, esta semana se ha encausado a tres tuiteros por mensajes similares hacia un niño enfermo de cáncer amante del toreo–, entre ellos Nacho Vegas. El cantante, que recientemente publicaba el excelente ‘Violética’, escribía en Twitter un mensaje en asturiano que dice “El presidente corrupto del partido al que acaban de echar del gobierno por corrupto demostrando su racismo de mierda: no problem” –en referencia a las declaraciones de Pablo Casado contra la inmigración–. Y sigue “Pau Donés avergonzándose de que haya presos políticos: que se muera ya de cáncer. No sé si me produce más cabreo Twitter o España. Yo creo que ambos”.

Sin embargo, como muestra algún tuit aquí reflejado, algunos tuiteros no se esforzaron mucho por leer el mensaje completo y entendieron que era Nacho el que deseaba la muerte a Donés. Por eso Vegas ha escrito esta mañana un nuevo mensaje, ya en castellano (no vaya a ser…), aclaraba que su intención era solidarizarse con Pau Donés “ante los insultos y las barbaridades que está recibiendo por parte de un sector del facherío españolista, valga la redundancia”. Imaginamos que así ya sí se ha captado la idea, ¿verdad?

Mimi aparca Lola Indigo para medirse a Brays Efe o Soraya Arnelas en ‘Tu cara me suena’

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Raúl Guillén
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Visto y no visto. Tras dar la campanada con ‘Ya no quiero ná’, su single de debut al frente de la girl-band Lola Índigo, la granadina Mimi Doblas tendrá que aparcar ese proyecto personal. Si no por completo, al menos sí en parte, puesto que según Vertele se ha anunciado su nombre como el que cierra el elenco de celebrities que participan en la nueva edición de ‘Tu cara me suena’, que comienza en unas semanas. Como sabe todo perry dado el gran éxito del formato a medio camino del talent-show y el espectáculo de variedades, los concursantes encarnan a un cantante famoso en cada programa y deben imitarle a la perfección, para ser valorados por el jurado.

La artista conocida por ser la primera expulsada de la última edición de Operación Triunfo se medirá en esta nueva temporada del programa a otros cantantes profesionales, como Carlos Baute, Soraya Arnelas o María Villalón (ganadora de la primera edición de Factor X España, allá por 2007). Junto a estos estarán los actores Anabel Alonso, José Corbacho, Jordi Coll (‘El secreto de Puenteviejo’), el humorista Manu Sánchez y Brays Efe, el ahora popular intérprete de Paquita Salas en la serie de Netflix.

Dado el ascendente pop de Doblas, damos por seguro que la veremos interpretar a su admirada Lady Gaga, además de otros artistas del pop contemporáneo. Adele, Beyoncé, Dua Lipa, Rihanna, y Katy Perry han “pasado” por el programa de Antena 3 presentado por Manel Fuentes. Ahora queda ver si esto ralentiza la ascensión de Lola Indigo, debido a los constantes ensayos que requiere el programa, o si la potencia, vete a saber.

Daddy Yankee denuncia el robo de joyas por valor de 2 millones en su hotel de Valencia

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Raúl Guillén
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Según informa el diario Las Provincias, el exitoso artista de reggaetón Daddy Yankee habría sufrido un robo por valor de más de 2 millones de euros durante su estancia el pasado fin de semana en Valencia. Al parecer, un ladrón se hizo pasar por el artista puertorriqueño y logró que uno de los empleados del hotel le abriera la caja fuerte de sus dos habitaciones, lo que aprovechó para llevarse diamantes, colgantes de oro y dinero efectivo que portaba el rapero y su séquito. Estos denunciaron el robo y el Grupo de Robos de la Brigada Provincial de Policía Judicial de Valencia  ya está investigando el caso, interrogando al personal del hotel y recabando pistas de las grabaciones de las cámaras de seguridad, que están ayudando a reconstruir el robo.

El autor de ‘Gasolina’ vive uno de los mejores momentos de popularidad de su carrera, después de la campanada que diera el pasado año junto a Luis Fonsi con ‘Despacito’ y lanzar, este mismo año, ‘Dura’, cuyo vídeo alcanzaba días atrás los 1.000 millones de reproducciones. Con este estatus de estrella internacional, Daddy Yankee está de gira por Europa en estas fechas: hoy mismo, 9 de agosto, actúa en París y mañana en Londres, antes de regresar a nuestro país de nuevo para actuar en El Puerto de Santa María (Cádiz) el próximo día 14 de agosto. Apostamos a que será mucho más cuidadoso con sus objetos personales esta vez.

Os dejamos con ‘Buena Vida’, su nueva colaboración con Natti Natasha en la que se alejan del reggaetón puro y duro y se aproximan al pop rock latino más ortodoxo y que forma parte de la BSO de la telenovela ‘La piloto 2’.

¿Se equivocan los Oscar al incluir un premio a la película más popular?

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Raúl Guillén
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Según ha anunciado la Academia de Cine de Hollywood en un escueto y algo confuso (por su falta de detalle, sobre todo) comunicado, la próxima edición de los Oscar –que se celebra el 24 de febrero de 2019– incluirá un nuevo premio otorgado a la “película más popular”. “Los requerimientos de la elección (para este premio) y otros detalles clave serán revelados próximamente”, dice en una carta John Bailey, reelegido como presidente de la Academia.

Esta decisión tiene un único e innegable propósito: hacer que el público se interese de nuevo por la gala de los Oscar, que han visto cómo su audiencia se reducía drásticamente en los últimos años (el número de televidentes que siguió la gala de este año cayó en un 19% con respecto a la de 2017, siendo la gala con menor cuota de pantalla desde que se miden audiencias). Parte de esos malos resultados podrían deberse a la decisión de ampliar su duración hasta más de cuatro horas. Algo que será enmendado de inmediato por la Academia, puesto que en la misma carta Bailey anuncia que la gala volverá a contar con un máximo de 3 horas, obligando a entregar algunos premios –presumiblemente los técnicos– durante las pausas publicitarias.

Pero, ¿será suficiente? Ahí es donde entra este nuevo premio. Tras la fallida estratagema de ampliar los nominados a Mejor Película hasta a 10 títulos para que taquillazos como ‘Avatar’, ‘Mad Max: Furia en la carretera’ u ‘Origen’ pudieran optar al premio no ha colado… básicamente porque esas películas siempre han quedado fuera de los grandes premios, en los que la Academia se ha inclinado claramente por un criterio más próximo al de la crítica, con premios para ‘Moonlight’, ‘Spotlight’ y ‘La forma del agua’. Una manera de premiar e impulsar el buen –a su juicio– cine como forma de arte, al margen del entretenimiento.

A priori y a falta de conocer en base a qué se entregará ese premio que, muy probablemente, contaría entre sus nominados con películas como ‘Black Panther’ o ‘Vengadores: Infinity War’, parece una buena decisión para suscitar interés en el público masivo y, de hecho, no habría mejor fórmula para determinar este galardón que ponerlo en manos de una votación popular, aunque resulta más que dudoso pensar que vayan a correr tal riesgo. El mayor problema de esa decisión es que abre otra crisis: una de identidad. ¿Deben los Oscar premiar el arte, como ya esgrimen muchos críticos, o la caja? En todo caso, hay una tercera vía que, quizá, no sea descabellada: retroceder 20 años y premiar masivamente a las películas más populares, como sucediera con ‘Titanic’, ‘Gladiator’ o ‘El Señor de los Anillos’. Prestigio o popularidad, esa es la cuestión.

Alberto Montero / La catedral sumergida

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Mireia Pería
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Cuando se publicó la crítica de ‘Arco mediterráneo’, me llamó mucho la atención uno de los comentarios. Víctor Vilà nos escribía que “el autor estuvo la semana pasada en la radio y comentó que para él, Serrat no es una influencia. Que a él le va un rollo más oscuro, no tan luminoso”. En gran parte de mi texto yo trazaba una relación, que para mí era clara, entre Serrat y Alberto Montero. También me extrañó lo de oscuridad. ¿Cómo, en alguien capaz de componer un disco tan luminoso?

La respuesta a mis dudas se encuentra en esta ‘Catedral Sumergida’. Esa oscuridad de la que hace gala Alberto se ha materializado en un disco difícil, con pocos asideros. Resulta interesantísimo leer los artículos que el propio Montero escribió para la Fonoteca sobre la génesis y materialización de este álbum. “Mi nuevo disco iba a ser un ritual (…) una misa de autoconocimiento, donde pueda llegar a ver quien soy, con todas mis miserias y mis virtudes, y aceptarme”, escribe, esclarecedor. Es curioso que Alberto nos confiese ahí su miedo ante el juicio ajeno y, sin embargo, nos ofrezca un disco tan complicado, tan deliberadamente alejado de esa pulsión pop, ejemplificada en ‘Madera muerta’, que lo tenía atrapado según él (¿y por qué creer que un álbum pop sería peor recibido?). ‘La catedral sumergida’ es un disco muy ambicioso pero… ¿fallido? Más que atraer al oyente, parece querer retarlo; huye de lo fácil y de lo ligero, lo suntuoso se ha apoderado del minutaje. Alberto exprime hasta el final la vena más ceremoniosa de su música, la cadencia morosa se convierte en exasperantemente lenta. Parece que haya querido borrar todo rastro de luz marítima, dejarnos solo con lo antipático del mar y lo severo de su música. Si el título ‘Arco Mediterráneo’ remitía directamente a lo que sonaba el álbum, ‘La catedral sumergida’ también se ajusta completamente al contenido. Pero yo diría que más bien suena a catedral sepultada, donde cada vez falta más el aire, donde todo se torna sofocante y cada movimiento es pesado. Los títulos de las canciones indican claramente la temática religiosa: ‘Confesión’, ‘Oración’, ‘Credo’, etc. Como si Alberto fuera el sacerdote de un culto antiguo y olvidado, del que nos faltan las claves para poder participar.

Musicalmente, el álbum roza el manierismo instrumental. “Es la primera vez que en un disco mío el protagonismo lo tiene el piano y un cuarteto de cuerdas”, explica también Montero en los artículos. La guitarra, tan propia del cantautor, se margina a favor de estos instrumentos más solemnes, mientras la voz se engola, pierde naturalidad, llegando casi a la tesitura del abad que canta misa. Suena antiguo, a liturgia y a prog setentero. Para hacerse una idea, es como si se dedicara a hacer una reinterpretación, ceremoniosa, del ‘Famous Blue Raincoat’ de Leonard Cohen, pero sin el gancho de los estribillos o las melodías reconocibles.

El principio es bastante prometedor. ‘La llamada’, muy acid-folk, con inicio a chelo, piano y coros eclesiásticos, deja paso a la guitarra y la voz en falsete de Alberto. Pero a partir de aquí empieza lo más cargante. La acumulación de canciones muy similares y sonoridades homogéneas (litúrgicas, lentas) hace que su conjunto resulte pesado. Por ejemplo, en ‘Confesión’, construida con cuerdas y voz, entonado de modo ritual. Alberto abusa de su garganta, quizás no tan presta a esos malabarismos vocales y añade una coda final que se hace interminable. Parece que recupera la gracia del mar en ‘Poseidón’, una dulce romanza con guitarra, aunque enseguida resbala hacia la gravedad.

De este marasmo tan severo se salvan y se agradecen ‘Credo’, gracias a su onirismo, a su piano conjugado con teclados espaciales y sus requiebros dramáticos; la brevísima y marcial ‘Intención’, complemento de la anterior. También hay chispazos en el corazón de otras canciones; en el desvarío sinfónico de la también escueta ‘Devoción’; en el tramo final de ‘Te veo Alberto’, el momento más pop y luminoso, alternado con otra ración de solemnidad pastoral. O ‘La catedral sumergida’, todo un momento de puro prog hispánico. Quizás el tema que mejor resume la dualidad de este álbum (oscuridad vs ráfagas de luz) es ‘Transfiguración’, la pieza más ambiciosa, que sube en espiral y alterna hermosura y gravedad, momentos emocionantes, casi místicos (el acordeón), con otros plúmbeos (la avalancha de voces enfáticas).

Uno de mis mayores temores al escribir críticas es resultar injusta. No valorar adecuadamente el trabajo del artista, no entenderlo. O peor aún, malinterpretarlo. Sospecho que es lo que me está sucediendo con ‘La catedral sumergida’. No me ha gustado. No es un mal disco y no dudo que ha sido fruto de un esfuerzo descomunal. Hay que agradecerle a Alberto Montero que sea capaz de construir un discurso tan personal, tan alejado de modas y tan fuera del tiempo. Pero, tristemente, ‘La catedral sumergida’ me ha resultado imposible.

Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘La llamada’, ‘Credo’, ‘Devoción’, ‘Te veo Alberto’
Te gustará si te gusta: Luis Eduardo Aute, Leonard Cohen, Sant Miquel
Escúchalo: Spotify

La canción del día: Francisca Valenzuela vuelve con el toque Prince de la ultrasexual ‘Tómame’

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Raúl Guillén
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De haberse publicado un mes antes de su lanzamiento oficial –que fue el pasado 20 de julio–, no me cabe la menor duda de que el nuevo single de la chilena Francisca Valenzuela hubiera tenido cabida en nuestra selección anual ‘Lo + Sabrosón’, con canciones que representan una alternativa jugosa a las canciones del verano más radiadas. Y es que ‘Tómame’ es, en sí misma, la esencia misma de ese concepto, lo sabrosón.

En ella Valenzuela apuesta por un sonido que, aún perfectamente contemporáneo, condensa influencias de la edad dorada de Prince (es palpable cierto deje ‘Kiss’) y también recurre a la tradición latinoamericana (algo hay de ella en los “uy ayayay” algo asincopados del estribillo, como si cierto espíritu cumbiero se entrelazara en su funk pop. Casi igual de llamativa que lo musical es, en este caso, lo lírico, que juguetea con ese “tómame” (aquí en España lo entendemos como “bébeme”) que podía leerse en los frascos que Alicia encontraba en la madriguera del conejo.

Sólo que en este caso la que desea ser bebida y tomada (sí, ambas cosas) es la propia artista, en una sucesión de imágenes ultrasexuales, unas más poéticas (“quiero ser el espacio entre tu piel y tu ropa”) y otras que se andan mucho menos por las ramas (“(quiero) que me tires del pelo y que me chupes las tetas”). Esta auténtica chuchería pop está redondeada por un estupendo y colorido vídeo que, al margen de algún recurso demasiado recurrente (la papaya como metáfora visual y frutal del coño), es una auténtica delicia. ‘Tómame’ supone el regreso de Valenzuela al pop tras sorprender muy gratamente con la sofisticación de ‘Tajo abierto’, un disco que contaba con varias colaboraciones de David Sitek (Yeah Yeah Yeahs, TV On The Radio) en temas como ‘Almost Superstars‘.

Hit de ayer: el sorprendente origen de ‘The Warmth of the Sun’ (1963) de The Beach Boys

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Jaime Cristóbal
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Que me perdonen los lectores si la ola de calor de estos días sigue torturándonos cuando este artículo salga publicado: lo de “La calidez del sol” no va con segundas, y a fin de cuentas ¿qué mejor mes para recuperar este clásico de Brian Wilson y Mike Love que agosto?

No hace mucho me encontré una vieja cinta con un programa de ‘Flor de Pasión’ de 1996 (un documento histórico convenientemente subido a Youtube aquí). En ella Juan de Pablos celebraba el comienzo del verano como solía por aquella época, con una andanada de maravillas veraniegas como el ‘Here Comes Summer’ de Jerry Keller, el ‘El bello verano’ de Family, ‘A Swingin’ Summer’ de Carol Connors o la imponente ‘La Madrague’ de Brigitte Bardot. Pero como casi todos los años, la joya de la corona era esa piedra preciosa de pop titulada ‘The Warmth of the Sun’: los Beach Boys en la cumbre, con una balada veraniega melancólica de sonido surf pero que eleva su habitual formato de simples y previsibles acordes a una complejidad sublime de modulaciones y armonías, conducidas por el fenomenal falsete de Brian Wilson, que canta la voz principal.

“¿De que sirve el amanecer que se convierte en día? / ¿El ocaso por la noche o vivir de esta manera / Si tengo el calor del solo conmigo por las noches? / El amor de mi vida me dejó un día / Llore cuando dijo “no siento lo mismo” / Sin embargo tengo el calor del sol conmigo esta noche…” A pesar de esa letra de desamor veraniego, el origen de su profunda melancolía es sorprendente: según Brian Wilson, la compuso junto a Mike Love el mismo día que el presidente Kennedy fue asesinado, y musicalmente era una elegía dedicada a él.

La fórmula musical de los Beach Boys era combinar sonidos surf con armonías vocales a lo Four Freshmen y acordes jazz-pop un poco al estilo de Burt Bacharach. La enorme capacidad musical de Brian Wilson unida a su habilidad en el estudio haría que refinase dicha fórmula hasta momentos cumbre como el álbum ‘Pet Sounds’ o canciones aisladas como ésta. En un programa de la BBC emitido precisamente hace diez veranos –titulado ‘The Producers’ y dedicado a algunos de los productores más destacados de la historia del pop– dedicaron dos episodios a su obra. En uno de ellos el vocalista Jeffrey Foskett (colaborador habitual de Wilson) diseccionaba magistralmente las cinco voces de la armonía de ‘The Warmth of the Sun’. El fragmento, que no tiene desperdicio se puede escuchar aquí, y sirve como ejemplo de lo bello y complejo que era cada detalle en las grabaciones de los Beach Boys de su época dorada.

No toca hoy entrar en detalles sobre los “villanos” de la historia vital de Brian Wilson: Mike Love es uno de ellos, pero después de todo ayudó a Wilson a componer este clásico. El otro es Murry, padre de los hermanos Wilson, quien los manejó y manipuló, dejó sordo a Brian de un golpe y malvendió los derechos del repertorio del grupo. Y sin embargo hay que hacer notar que en su disco orquestal de 1967 (otro de sus intentos de reivindicar un supuesto talento musical que en realidad tenían sus hijos) hizo una preciosa versión instrumental de ‘The Warmth of the Sun’.

‘The Warmth of the Sun’ sonó en Popcasting #075 de Jaime Cristóbal, un especial de música veraniega disponible en este enlace.

La canción del día: ‘Perogrullo’ enmarca en clave reggae la poesía absurda de Bejo

Por
Jordi Bardají
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Choriqueso. Gurififlai. Onomeatropella. A Bejo le gustan las palabras raras (como demuestran también sus letras). A ellas se ha sumado ‘Perogrullo’, uno de los varios singles que el rapero canario ha publicado en 2018 y, tras ‘Sirope’ con el rapero venezolano Akapellah, el segundo producido por Nico Miseria, conocido por su trabajo en ‘Golden Boy‘ de Sandro Jeeawock y sobre todo en ‘Banzai‘, el debut de la tristemente fallecida Gata Cattana.

Miseria ofrece a Bejo una elegante base que se aproxima al reggae, y en la que se va intuyendo un elemento bailable -en el modo en que el ritmo se acentúa en puntos concretos de la canción- que se confirma entorno al minuto 1.46. El rapero canario aprovecha este sofisticado beat para construir una bonita canción de amor (“tú me miraste con esos ojitos lindos”, dice el gancho principal) como solo puede hacerla él, y en la que se suceden rimas tan características como “si te me empegostas me escabullo, pero si arrancas la caña voy detrás tuyo, esto a mí me pasa por perogrullo” o “déjalo en calma, tú eres como aceite de palma, me gusta pero me dañas, qué bonitas pestañas”.

Hipnotiza como siempre en ‘Perogrullo’ el magistral “flow” de un Bejo que domina como nadie el arte de rapear en castellano, y de hecho, como sucede en mi opinión también con C. Tangana y Nathy Peluso, el personalísimo vocabulario y el carisma vocal de Bejo es tal que en su voz el español suena siempre como nuevo, como cuando en ‘Perogrullo’ rapea eso de “ahueca el ala, yo no soy un parrala, yo no me chupo el dedo, soy noticias malas”. Las palabras de Bejo, por muy absurdas que parezcan (“fumando raggamuffin, catafinfunflin”), se clavan en el cerebro con un único disparo, y en ‘Perogrullo’ la belleza de la base y la personalidad de las líneas construyen una canción cómica y a la vez extrañamente poética, realzada por cierto por un surrealista videoclip dirigido por Cachi Richi que tampoco os podéis perder.

Fantasmamidi / Fantasmamidi

Por
Jordi Bardají
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Discos de Kirlian ha publicado este verano el debut de Fantasmamidi, un trío de power-pop y post-punk afincado en Murcia y compuesto por Borja Martínez Cebrián, vocalista y letrista del grupo y conocido por otro lado por su trabajo como ilustrador (él es naturalmente autor de la portada del disco que nos ocupa); Carmen Espín, conocida por haber formado parte de Iluminados (publicados por Jabalina allá por finales de los 90), que toca el bajo, la guitarra y el sintetizador, y Pedro Bayona, que se ocupa de los teclados.

El debut del grupo se abre con ‘Mortal’, el enternecedor retrato de Cebrián de un hombre que vaga por los bares de la ciudad en busca de droga, y que “entre la vida y la muerte siempre va”, dibujando en su letra una viñeta urbana desoladora pero también dotada de cierto carácter cómico, que representa perfectamente el estilo del grupo. En ‘De estrellas y neones’, en la que destacan unos teclados centelleantes, Cebrián canta con confianza pero también con cierto abatimiento, evocando en la letra imágenes de un “pinchadiscos de provincias en la inmensidad”, mientras en ‘Un cirio gigante’ ataca “¿no veis que estoy muerto? Venid a mi entierro”, y en la fanstasmal ‘La instrucción’, que presenta lo que parece el sonido de una guitarra española, eso sí, como si procediera del más allá, menciona “máscaras de gas” y “correas”. ¿A alguien le extraña el nombre del grupo?

Caracterizado por un sonido que recuerda al de Golpes Bajos y Parálisis Permanente en los 80 -si bien Cebrián reconoce más bien la influencia de bandas anglosajonas como Television Personalities o Pulp-, la secuencia del disco se mueve entre la melancolía de su canción estrella, ‘Conventos Afterhours’ -ojo a ese órgano que se incorpora en el primer minuto- y la oscuridad de temas como ‘Persona’, sumando dinamismo con guiños a la música disco (‘La belleza de la langosta’) o incluso al pop mediterráneo (¿no son muy italianos los rasgueos de guitarra de ‘Delicias de mar’?). Con alguna letra un tanto boba -adivinad de qué es metáfora ‘La belleza de la langosta’- y alguna fallida incursión en la electrónica (‘Mitad ideología’), el debut de Fantasmamidi enriquecerá los 20 minutos de tu vida que dura, y presenta a un grupo con promesa que, de momento, ya tiene lo que tantos grupos pasan años buscando, canciones y estilo.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘Mortal’, ‘Conventos Afterhours’, ‘La instrucción’
Te gustará si te gusta: Pan Total, Nuevos Hobbies, Perapertú, Caliza
Escúchalo: Spotify

Rosalía alcanza una nueva cumbre con ‘Los ángeles’ en la lista de álbumes

Por
Jordi Bardají
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Pocas novedades esta semana en la lista de álbumes española, que sigue coronada por ‘Principios’, el debut de Cepeda, por cierto también un éxito en streaming (top 6). La entrada más fuerte en la tabla de álbumes clásica la protagoniza ‘Vicious’ de la banda estadounidense de hard rock Halestorm ya en el puesto 63, mientras en streaming es Bryant Meyers quien registra la entrada más fuerte con ‘La oscuridad’, en el puesto 52, y Aitana la subida más fuerte con su recopilatorio de canciones para Operación Triunfo (29).

Si bien la subida más fuerte en la tabla de álbumes es ‘Stereo’, el nuevo disco de Gemeliers (sube del 10 al 4, aunque el disco está ausente en la lista de streaming), hay que destacar la nueva cumbre alcanzada por Rosalía con ‘Los ángeles‘, que sube del 16 al 13, acercándose más que nunca al top 10 y confirmándose como el mayor “sleeper” del año 2017-2018. ¿Habrá efecto cadena para ‘Los ángeles’ tras la publicación del próximo álbum de Rosalía, ‘El mal querer’, llevándolo finalmente al top 10?

El resto de novedades en la lista está plagado de re-entradas. Destaca la de ‘Tell Me You Love Me’ de Demi Lovato, que vuelve a la lista desde el top 75 tras la hospitalización de la cantante. El resto de re-ingresos son ‘Esencial Estopa’ de Estopa (81), ‘OT 2017 Sus canciones’ de Miriam Rodríguez (86), ‘?’ de XXXTENTACION (91), ‘0T 2017 Sus canciones’ de Amaia Romero (93), ‘Hijos del mar’ de David Bisbal (95), ‘Keep Me Singing Caroline’ de Van Morrison (96), ‘Hardwired to Self Destruct’ de Metallica (97) y ‘Cuerpo y alma’ de Beatriz Luengo (99).

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