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Mon Laferte / Carmen 1940

Mon Laferte ha entregado un nuevo álbum apenas seis meses después de ‘SEIS’. El postulado es muy personal, tal como indicaba la propia Laferte para ilustrar el lanzamiento de ‘Algo es mejor’, el primer single: “En marzo llegué a Los Angeles con la ilusión de quedar embarazada (llevábamos un año intentándolo con mi compañero) rentamos un airbnb y empezamos el tratamiento. Las hormonas me tenían muy sensible y los dolores de cabeza me estaban volviendo loca, entonces empecé a escribir canciones y me propuse hacer un disco para concentrarme en otra cosa y no sentir tanta ansiedad». Ese “Carmen 1940” que titula el disco es, de hecho, la dirección del apartamento que habitó durante los cuatro meses que estuvo en L.A.

‘Carmen 1940’ está muy apartado, al menos estilísticamente, de los parámetros de ‘SEIS’ o ‘Norma’. Si ahí brillaban torrenciales rancheras, canción mexicana y música popular centro y sudamericana, aquí ha borrado casi cualquier rastro de folklore y lo ha sustituido en parte por un indie pop luminoso y muy pulido pero, principalmente, de medios tiempos de rock a lo años cincuenta, género que ya había visitado en ‘La trenza’. Como si la estancia en Los Ángeles hubiera cristalizado en su propia idealización musical del paisaje que la ha acogido. El resultado es más ligero y menos dramático que en ‘SEIS’, aunque sin renunciar a la pasión ni a su punto de histrionismo. “Estoy tan feliz que hasta me da un poco de vergüenza”, relata Mon en esta entrevista. A pesar de la ansiedad y el malestar físico que referenciaba como espoleta del disco, esa felicidad brilla durante casi todo el minutaje, que se llena todo de alegría de vivir. Su sensualidad y desparpajo se tornan aún más luminosos de lo que es habitual en ella.

‘Placer Hollywood’, el arranque del disco, ya muestra ese júbilo, amor y voluptuosidad. Se trata de una pizpireta balada de girl group que es a su vez una desenfadada celebración de idilios y revolcones felices, entre citas en inglés y “Voulez-vous coucher avec moi?”, mientras Mon imposta su tono entre infantil y lánguido con mucha gracia, entre coros y palmas. ‘Algo es mejor’ es una pieza de pop fresca, sentimental y luminosa, con un estribillo redondo, en la línea de Julieta Venegas o Gepe. También en esa misma onda respira el estribillo desatado de ‘Supermercado’, un entorno ordinario y corriente en que Mon escenifica el fin de una pareja. Uno de los pocos momentos tristes del álbum… al menos líricamente, porque incluso este dechado de melancolía rezuma felicidad de alguna manera. El alborozo también se trasluce en los arreglos: resultan muy simpáticos los sintetizadores viejunos que destacan en la nana vintage ‘Niña’, donde Mon canta a la hija que vendrá, colgada sobre una guitarra acústica. O lo graciosas que son letras como la de ‘Química mayor’, entre la autoparodia y el arrebato amoroso más sentido: “Estamos tan enamorados / Solos en el mundo, como un par de adolescentes / Que se aman locamente”, quizás autobiográfica. Aunque la mejor de las baladas oldies es ‘No soy para ti’, desatada oda al desamor.

Otro hecho diferencial respecto a sus dos anteriores álbumes es la presencia de tres temas en inglés. De entrada, son los más contenidos, pero también tienen ocasión de desatarse. Véase si no el ambiente de “torch song” de ‘Beautiful Sadness’, con su estribillo arrebatado. La única pieza que rompe la línea de regocijo generalizado es la cinematográfica y tenebrosa ‘A Crying Diamond’, que a la postre también es la más hollywoodiana, tanto en el sentido narrativo como en el reivindicativo. Aquí Laferte narra el abuso sexual y la destrucción de una adolescente por parte de empresarios sin escrúpulos que les prometen el estrellato, haciéndose eco de las denuncias del movimiento “Me Too”.

‘Carmen 1940’ es aparentemente menos espectacular que ‘SEIS’ o ‘Norma’; quizás su secuencia está demasiado apelotonada y sobrevuela la sensación de que hay sobredosis de medios tiempos retro y almibarados. Pero es el encanto infalible de Mon Laferte a la hora de interpretarlos lo que hace que se vuelvan irresistibles. Y es precisamente la sensación de urgencia, de querer mostrar las canciones sin preocuparse en demasía del orden y el concierto, también lo bueno del disco. Mon Laferte nos ofrece estos temas como un exorcismo feliz.

Christina Aguilera, Swedish House Mafia con The Weeknd y Delaossa, en la lista española

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Ateo‘ de C. Tangana y Nathy Peluso continúa en el número 1 de la lista de singles española, seguido por el remix de ‘Mon Amour’ de zzoilo con Aitana y ‘Experimento’ de Myke Towers, que sigue sin escalar a la posición de honor aunque cada vez está más cerca.

Nathy Peluso es además noticia por partida doble porque ‘Pa Mis Muchachas‘, el nuevo single Christina Aguilera en el que aparece junto a Becky G y Nicki Nicole, entra en el número 68 de la lista de singles española. El tema no ha conseguido dar a Nathy su primer hit «crossover» en Estados Unidos, pues aunque sí ha aparecido en la lista latina de Billboard, en el número 37, no lo ha hecho en el Hot 100… ni tampoco en la lista de singles británica, lógicamente más reacia a las canciones cantadas en español. El regreso de Aguilera a la música latina parece no estar cuajando de momento, pero habrá que esperar para comprobar si su anunciada presentación en los Latin GRAMMYs le da un empujón.

En realidad, la entrada más fuerte de la semana en la lista de singles española es la de ‘Una vaina loca’ de Fuego, Manuel Turizo y Duki, la enésima revisión de este hit de Fuego de 2011 que debuta en el número 40 de la tabla, ahora en clave dancehall y afrobeat. Por otro lado, el reggaetón de ‘Salimo de noche’ de Tiago PZK y Trueno entra en el número 41 y ‘Cuando ella sale’ de Morad lo hace en el 49.

Ya en la parte baja de la tabla, Swedish House Mafia colocan su single con The Weeknd, ‘Moth to a Flame’, en el número 56; mientras ‘Tacones rojos’ de Sebastián Yatra aparece en el 70 y la versión orquestal de ‘Veneno’ de Delaossa lo hace en el 78. Precisamente la versión original de este tema protagoniza la más fuerte de la semana en la tabla, viajando del 45 al 38.





Sesión de Control: Alondra Bentley, Leo Mateos, Ghouljaboy, La Dani…

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Renovamos nuestra playlist sobre pop nacional y en castellano «Sesión de Control», comenzando con el single de Eterna Joventut, que nos lleva directamente a los tiempos en que empezaban Le Mans y La Buena Vida en este tercer tema que han compartido en plataformas de streaming. Continuamos con lo nuevo de Aiko El Grupo, que nos acaban de hablar de su obsesión por ‘Pesadilla en la cocina’ en la sección «Meister of the Week». En esa misma estela rock, está el tema del grupo garagero de moda, La Paloma; y también el debut de los malagueños Vis Viva. Los gaditanos Salvaje Lola conectan más bien con el sonido Ronaldos.

Entre los artistas que están dando sus primerísimos pasos, también hay que hablar de Lo siento Miguel, un grupo de jóvenes artistas interesados por el cine y la fotografía, en la línea de Cupido por el momento. MENTIRA es el proyecto de Miguel Blanes, descendiente lejano de Camilo Sesto. De momento tienen 6 canciones y ‘algo falla’ la definen como la más importante que han hecho hasta la fecha. En cuanto a Irenegarry, se trata del proyecto de la alicantina Irene Garrido, que presenta ‘Dime que me calle’ tras haber viralizado una versión de Lana del Rey adaptada como ‘Puto Normando’ (grande). Rorro, que nos conquistara con ‘Mi cabeza’, sube a plataformas su tercer tema.

Ya están en la calle los nuevos discos de Algora, Leo Mateos y The Parrots, y también hay nuevos temas de viejos conocidos del site como Alondra Bentley, Caliza, Ghouljaboy, Tú no existes y La Dani. Anticipa su trabajo largo de debut, ya para 2022, Yarea. Chico Blanco y Soto Asa unen fuerzas en un ‘3 Katas’ que ha sumado 60.000 reproducciones en muy pocos días; aunque si una canción de esta playlist lo está petando es la colaboración de Orslok con Rojuu, una locura industrial con notas de drum&bass llamada ‘Tofu Delivery’, que ha sumado en pocos días medio millón de streamings tanto en Youtube como en Spotify.

Siguiendo con la electrónica, en este caso instrumental pero emotiva, presentamos lo nuevo de La Résistance, el albaceteño Fran Milla. Hacia los territorios de DFA nos llevan Magnus Imperial Club (en la imagen principal). El EP de debut de este cuarteto apela a otro de los grandes de los sintetizadores, pues se llama ‘Jarre Michelle Jean’. Entre el folk y la electrónica, encontramos el proyecto de Safree, y entre el electrorrock y el hip hop, la peculiar voz de Grande Amore. Y hablando de proyectos de hip hop peculiares, Angela Pardal continúa exhibiendo su peculiar fraseo, y desde Sabadell, Santa Salut adelanta su disco con un rap romántico acompañado de saxo llamado ‘OASIS’.

En cuanto al folclore patrio, Antónimo presenta el single ‘La Psicodelia de la Virgen del Patrocinio’, «un guiño a la Sevilla contemporánea y de fusión», mientras Ruiz Bartolome -nuevo proyecto de Nine Stories- apela a la ‘Cruz de los Caídos’ de España. Completamos la playlist por el momento con Cala Vento, que ha versionado a Sr Chinarro para el proyecto de 20º aniversario de Mushroom Pillow, el post-punk de Nueve Desconocidos, Juárez anticipando otro single de su próximo disco, Conttra -proyecto ya solo de Albert Peiró a medio camino entre Miss Caffeina y Daft Punk-, los mallorquines Salvatge Cor que también planean nuevo álbum y Wild Honey, que tiene nuevo vídeo, dirigido por el artista de novela gráfica Felipe Almendros.

‘Homunculus’ de Sevdaliza recuerda a ‘La Novia de Frankenstein’, ‘Fargo’, ‘Ex_Machina’…

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“Si vis pacem, para bellum” (“Si quieres la paz, prepárate para la guerra”), con esta célebre máxima latina comienza el nuevo videoclip de Sevdaliza. El título, ‘Homunculus’, hace referencia al término “homúnculo”, un ser de pequeño tamaño creado de forma artificial, tradicionalmente con métodos alquímicos (el “arcanum sanguinis hominis” de Paracelso), que ha sido muy explorado en el género fantástico. Un ejemplo clásico son los “homúnculos” creados por el siniestro doctor Petrorius en ‘La novia de Frankenstein’ (1935).

El vídeo, muy cinematográfico, está construido como un thriller a lo Jason Bourne, con una fotografía de colores fríos y secuencias de acción con tiroteos, secuestros e interrogatorios bajo tortura. El elemento discordante es el embarazo de la agente protagonista. Una condición que, como ocurría en ‘Fargo’ (1996), contrasta con su profesión de alto riesgo, potenciando así los elementos dramáticos del personaje.

A partir de la mitad del metraje, cuando Sevdaliza agoniza, el clip se transforma en una oscura historia de ciencia ficción cyberpunk y transhumanista que conecta con el título del vídeo: el homúnculo como el antecesor simbólico de los actuales androides. Una androide femenina o “feminoide”, llamada Dahlia (un robot “especializado en atender las expectativas poco realistas de las mujeres en la sociedad moderna”, según la cantante), que recuerda al imaginado por Alex Garland en ‘Ex_Machina’ (2015).

Mueren dos personas en un concierto tributo a ABBA en Uppsala

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Dos personas han muerto y una persona ha resultado herida en los momentos previos a que tuviese lugar un concierto tributo a ABBA en Estocolmo, informa la BBC.

En la noche del 2 de noviembre, unas 1.000 personas se reunieron en el recinto Uppsala Konsert & Kongress de Uppsala cuando, media hora antes de que arrancara el espectáculo tributo a ABBA ‘Thank You for the Music’, un hombre de unos 80s años se precipitó desde una altura de siete pisos hasta el suelo del vestíbulo del recinto, con la consecuencia de que cayó encima de dos personas. Una de ellas, de unos 60 años de edad falleció y la otra sufrió heridas leves. La policía ha declarado no haber visto indicios de que haya ocurrido un crimen.

La trágica noticia tiene lugar precisamente en la semana en que ABBA publican su primer disco de material inédito en más de 40 años, ‘Voyage’, que sale este viernes. El cuarteto sueco iba a estrenar hoy el tráiler de su concierto ‘Voyage’ pero ha anunciado que, debido a la tragedia, el vídeo será lanzado el jueves.

Violeta hablan sobre su «canción pueril tranquila», que viaja a la Generación del 98

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Violeta es un trío de pop-punk de Madrid formado por Gabriela Casero, Cristina Manuela y Paula Ruiz y uno de los grupos que has podido descubrir en la edición más reciente de «Sesión de Control». Gabriela y Paula vienen de Casero y Fatal Tiger, respectivamente, y junto a Cristina presentan un proyecto que cruza música, literatura (del siglo XIX) y feminismo. Ellas dicen estar «sobreviviendo a los 2000 con métodos de 1800».

El trabajo de Violeta se centra en la obra de mujeres poetas que pertenecieron a la Generación del 98, y su primer single, ‘Canción pueril tranquila’, se compone de fragmentos de dos poemas de Carmen de Baroja y Carmen de Burgos en los que se trata el tema de las tareas del hogar.

‘Canción pueril tranquila’, hoy la Canción Del Día, aplica sendos poemas a una composición de punk-pop pegadiza y rica en percusiones que bordea el sonido Sleigh Bells en el sonido de sus guitarrazos y en el de su beat programado. Hablamos con Violeta sobre la banda y su primera canción.

Algunas venís de Fatal Tiger y Casero. ¿Es la primera vez que Cristina forma parte de una banda? ¿Cómo surge el grupo?
Nos conocíamos, teníamos ganas de trabajar juntas y entonces surgió la oportunidad con la residencia de Matadero. En Madrid no hay personas que no hayan formado parte de una banda, aunque sea para tocar tres veces en un bareto jaja.

Reivindicáis a las poetas de la generación del 98, olvidadas por la historia… o ya en su momento. Ellas fueron las primeras autoras feministas en lengua castellana. ¿Cómo habéis llegado a la decisión de trabajar su obra?
En realidad no fueron las primeras feministas, ya había escritos de mujeres mucho anteriores, con mucho nos referimos a siglos; lo que ocurría es que eran personas aisladas (aunque dudamos de que supiesen lo que es el feminismo).

Teníamos interés por textos de mujeres en general, pero tratamos de acotar la época para centrarnos más. Además la generación del 98 era la más próxima a la nuestra sin entrar en conflictos de derechos de autor.

¿Diríais que internet más que otra cosa os ha permitido bucear en el trabajo de estas autoras semi olvidadas?
Al ser semi olvidadas no siempre ha sido posible encontrar sus textos en internet, ha habido varias visitas a la biblioteca nacional y regional. Pero sí, hemos partido de un trabajo en internet porque hay bastante material digitalizado.

‘Canción pueril tranquila’ se compone de frases de poemas de Carmen de Baroja y Carmen de Burgos sobre las tareas del hogar. La empezáis componiendo al ukulele pero termina sonando muy punk, un poco Sleigh Bells. ¿Por qué es vuestro primer single? ¿Cómo llegáis a su sonido final?
Cuando nos sentamos a escuchar todas las que habíamos grabado consideramos que era la ideal para lanzar como primer single. Se distingue mucho del resto. El sonido y el estilo los elegimos para contrastar con el contenido y mandar un mensaje mas irónico y reivindicativo.

¿Qué temas tratan en general la obra de las mujeres con la que habéis trabajado? ¿Os sentís identificadas con el espíritu de estas canciones o las veis más desde la distancia?
Empezamos a clasificar las canciones por temas para entender mejor lo que estábamos investigando y encontramos la idea de la libertad, el amor, la naturaleza, la muerte, el exilio… Siempre de una manera muy personal. También muchos textos dedicados a Dios y a España. Al final escogimos aquellos escritos con los que nos sentíamos más cercanas. Desde luego hemos sido conscientes de que existía una distancia, pero hay temas del ser humano que nunca pierden su vigencia.

¿Cómo es vuestro trabajo de adaptar poemas a canciones? Es decir, ¿la métrica supone un reto o más bien al contrario?
Ha sido más complicado de lo que es crear unos textos desde cero expresamente para una canción. Hemos utilizado diferentes métodos como el collage, transformación de frases, o incluso textos de cosecha propia. Además queríamos trabajar con compases y ritmos más complejos y esto obligaba a repensar texto y verso.

¿Cómo fue vuestra actuación en el festival literario Capítulo Uno?
Fue nuestro primer concierto, así que un poco caótico. Queríamos plantearlo desde un punto más performativo, pero el espacio aunque bonito y un poco peculiar, nos limitaba bastante. Así que acabamos simplificando todo. En general la gente salió contenta y las valoraciones fueron positivas.

Flores en el estiércol VIII: St Vincent, Self Esteem, Josef Salvat, L Devine…

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En la última edición de FLORES EN EL ESTIÉRCOL uno de los editores de JENESAISPOP acotaba esta playlist como “música en los márgenes de la más rabiosa actualidad”. Aunque certero, puesto que la frecuencia de publicación a menudo supone una zancadilla para los amantes de la inmediatez noticiera, esto me ha dado que pensar que, en realidad, no es la ubicación temporal lo que distingue a FLORES EN EL ESTIÉRCOL, sino más bien la intención de escapar del hype, mostrar la cara menos sobada de la actualidad musical. Disgresiones que quizá solo me importen a mí mismo aparte, de lo que viene cargada la nueva edición de esta esquiva sección es de discos que se están publicando en el siempre agitado Q4. Entre estos, hay literalmente para todos los gustos: desde el rock americano más genuino, como el de la eminente Brandi Carlile en ‘In These Silent Days’ (que se abre, en varios sentidos, con la emocionante ‘Right On Time’) o el de hábiles revisionistas del pasado como My Morning Jacket y The War On Drugs, pasando por la irrupción de figuras de futuro como Alexa Rose; al pop divertido y bailable pero profuso en matices como el de Self Esteem (Rebecca Lucy Taylor deja ya muy atrás su carrera como batería de Slow Club), junto a noveles de enorme interés como Joy Crookes, Maisie Peters, L Devine y Matilda Mann.

Entra ambos aparentes extremos, un mundo. O muchos, mejor dicho: el post-emocore del grupo de nombre inacabable The World Is A Beautiful Place & I Am No Longer Afraid To Die (ojo a una ‘Queen Sophie for President’ capaz de poner de acuerdo a fans de The Cranberries y American Football), el pisco-funk-soul de Mild High Club, la fiereza melódica de Church Girls, el pop de guitarras heredero del C-86 de The Lathums, la primera ‘M1xtape’ de Larry Pink The Human (proyecto de la mitad de Slaves con el reputado productor Joylon Thomas) o, claro, la BSO del falso documental protagonizado por St. Vincent. El maravilloso e impredecible corte titular de ‘The Nowhere Inn’ hacen que su score sea mucho más que una mera anécdota.

Y, como siempre, no nos olvidamos de lo que pasa en España: ‘Pódium’ -el autocalificado “disco raro” de Algora-, ‘Rumba o nada’ -confirmación del talento único de Paco Moreno (entre la rumba y el garaje)-, ‘Canciones’ -regreso en largo que glorifica la militancia indie de Carlos Gasca (con joyas a lo Family como ‘Cuando vengas’)-, ‘Lo que te pide el cuerpo’ -consagración de la frescura y juventud desbordantes de Las Dianas-, ‘Golden’, -ambicioso debut con efluvios de trip hop y electrónica elegante de la barcelonesa Iris Deco-, ‘Deseo querer’ -ansiado álbum del desencorsetado trío barcelonés Diamante Negro– y ‘Autoerótica’ -puesta al día del folclore del interesante Ronroneo– son trabajos que dan cuenta de lo interesante que sigue siendo nuestra escena.

Y por si no era del todo evidente, los avances de próximos discos de Rufus T. Firefly (casi bailables en la audaz ‘Polvo de diamantes’) y Summer Spree (aliado a una Cabiria que refrenda el gran nivel de ‘Ciudad de las dos lunas’) o el acercamiento a la rumba quinquillera de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba para la BSO de ‘Las leyes de la frontera’, sumados a soberbios singles de mujeres talentosas como Valdivia, El Momento Incómodo y François, dan cuenta del nivelazo. Y no olvidemos Latinoamérica, siempre estimulante, que esta vez nos invita a traer de vuelta dos nombres que ya cupieron entre estas Flores recientemente: Silvana Estrada y Ximena Sariñana, en este caso de la mano de Camilo Séptimo.

En el ámbito anglosajón, rescatamos de un posible olvido maravillas como recientes singles de Curtis Harding (rememorando a la legendaria Motown en ‘Can’t Hide It’, Portugal.The Man (con la voz invitada de Cherry Glazerr), Holly Humberstone (maravillas como ’Scarlett’ deberían llevarla muy alto), Josef Salvat (últimamente inspiradísimo), Ari Lennox, Snail Mail (a punto de editar su esperado segundo largo), Miles Kane y tres diferentes pero venerables compositoras norteamericanas: Aimee Mann, Julie Doiron y nuestra debilidad A Girl Called Eddy, en este caso en su alianza con Fugu bajo el apelativo de The Last Detail. Mucha crema que degustar.

Halloween 2021: The Weeknd, Katy Perry, Justin Bieber, Doja Cat, Shakira y Piqué…

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El primer Halloween post-pandemia iba a dar de sí y así ha sido. The Weeknd, aficionado a las prótesis, ha encarnado a ‘El padrino’, Doja Cat a Sara Bellum de ‘Las supernenas’ y Justin Bieber al ‘Free Guy’ de Ryan Reynolds. Otros disfraces nostálgicos han sido los de Shakira y Gerard Piqué, que han hecho referencia a ‘Sé lo que hiciste el último verano’; Harry Styles, que se ha disfrazado de Dorothy Gale, Billie Eilish, que ha ido de Sally de ‘Pesadilla antes de Navidad’; o Madonna, que se ha puesto las coletas de Harley Quinn, y uno de los más actuales ha sido el de Britney Spears, que ha ido de mujer secuestrada, es decir, de sí misma.

Algunos artistas han realizado auténticas sesiones de fotos editoriales, como Ariana Grande, que se ha puesto la máscara del monstruo de la película de 1954 ‘Creature from the Black Lagoon‘, o Lil Nas X, que ha presentado dos disfraces, el de jugador de baloncesto de ‘Manual de supervivencia escolar de Ned’ y el de Voldemort. Tampoco se han quedado cortas Cardi B, que se ha enfundado el disfraz de Morticia Adams, o Janelle Monáe, que ha confirmado tener dos caras, en concreto las de Mr. Jekyll y Mr. Hyde.

Más «modestos» pero más humorísticos han sido otros atuendos vistos por la red. Katy Perry, en su salsa, se ha disfrazado de vacuna de la covid mientras su pareja Orlando Bloom se ha vestido de médico, y el atleta Adam Rippon ha tenido la ocurrencia de acordarse del amigo del primo de Nicki Minaj al que supuestamente se le hincharon los testículos tras recibir la dosis. Caroline Polachek, Charli XCX O Shawn Mendes y Camila Cabello tampoco han perdido la oportunidad de celebrar Halloween con sus respectivos «looks».

ABBA / The Album

En 1977 ABBA no quieren ser vistos estrictamente como un grupo de pop. En esas entrevistas sobrias y solemnes que les gusta hacer cuentan que les seduce el concepto de «ópera pop». ‘Waterloo’ queda ya demasiado lejos en el tiempo, no se conforman con haber arrasado con singles como ‘Dancing Queen’, y buscan contar una historia.

Ajenos al éxito monstruoso que será en el futuro ‘Mamma Mia’, suceden ‘Arrival‘ con un disco llamado secamente ‘The Album’ que viene acompañado de una película que se llama secamente ‘The Movie’. Tras haber convertido en directo temas como ‘Tiger’ en un número guitarrero que no tenía nada que ver con la música disco, deciden empaparse de rock progresivo comenzando este nuevo proyecto con un crote llamado ‘Eagle’ que resultará el más extenso de su discografía. A lo largo de casi 6 minutos donde caben desarrollos en homenaje expreso a los Eagles, letras que son pura fantasía (“sueño que soy un águila y sueño que extiendo mis alas”) y flautas, ABBA entregan uno de sus temas más polisémicos inspirándose en la novela ‘Jonathan Livingston Seagull’ de Richard Bach, cuya adaptación cinematográfica había musicado Neil Diamond.

‘Hole In Your Soul’, con cierta inspiración melódica en Paul McCartney, mantiene esas vibraciones rockeras, si bien el grupo no renuncia a entregar tampoco números tan pop como ‘Take a Chance On Me’, aún con cierto resquicio disco y salido de las sesiones de jogging de Bjorn Ulvaeus, en las que solía correr tarareando un ritmillo “tck-a-ch” que le llevarían hacia la idea principal del tema. Y si MGMT aseguran que ‘Dancing Queen’ nutrió en algo ‘Time to Pretend’ esperad a escuchar las diferentes melodías que se esconden detrás de este nuevo número 1 en Reino Unido.

Hay cierta vocación experimental en ‘Take a Chance On Me’ que suma en el camino de construir su álbum más ambicioso -atención, por ejemplo, al «spoken word» que se marca en un momento Agnetha-, aunque extrañamente el disco suena un tanto desconectado para tratar de contener tal vocación conceptual. La película ‘Abba, The Movie’ no tiene más fondo que el de mostrar a ABBA en un enorme momento de popularidad, promocionando cómo suenan una veintena de sus canciones en vivo post-producidas, todo ello sobre un vago argumento de minúscula vocación cómica, en el cual un locutor de radio experto en country, tiene que hacerles un reportaje, pero resulta ser un tanto desastre. En ‘Abba, The Movie’ aparecen unas canciones del disco y otras no junto a algunos de sus «grandes éxitos», mientras ‘Abba, The Album’ decide cerrarse con 3 canciones que habían formado parte de un pequeño musical que el grupo había venido interpretando en vivo. Lo llamaron ‘The Girl with the Golden Hair’ y es ahí donde desarrollan su vocación más teatral y más Broadway con ‘Thank You for The Music’, ‘I Wonder’ y ‘I’m a Marionette’.

Realmente es una pena que ABBA no quisieran extender este último concepto al resto del álbum que estaban llamando ‘The Album’, pues ahí encontramos algunas de sus ideas más brillantes esta vez. Aunque misteriosamente no fue un single sino una cara B, ‘Thank You for the Music’ es una de las mayores exhibiciones de talento melódico por parte de ABBA. Los volantazos en la melodía del estribillo son puro virtuosismo e inspiración para media carrera de La Oreja de Van Gogh, mientras la letra como ejercicio metamusical nos está hablando sobre la función que cumple la música en la vida de las personas que viven para ella, es decir, cualquier persona escuchando o leyendo esto. «Mamá dice que quería ser bailarina desde antes de saber andar / Dice que empecé a cantar antes de saber hablar (…) ¿Quién se dio cuenta de que nada puede capturar un corazón como una buena melodía?». Ellos mismos, parecen autocontestarse con esta nueva canción de 20 sobre 10.

A continuación, en ‘I Wonder’ Anni-Frid Lyngstad parece recordar sus primeros pasos, inseguros, hacia la independencia, preguntándose con miedo si está haciendo lo correcto al dejar su vida pasada atrás; y cierra el álbum otro prodigio llamado ‘I’m a Marionette’ con más influencias glam y de Broadway, y cierta reflexión sobre la función de los artistas en el entramado de la industria musical, y el daño que produce en la salud mental de los mismos. «Algo está mal, tengo la sensación de no pertenecer aquí / como si viniera del espacio exterior, fuera de lugar, como King Kong», plantea con un ritmo agitado y terrorífico, avanzada a su tiempo.

‘The Album’ se completaba con una balada sobre una pareja tratando de salvar su matrimonio (‘One Man, One Woman’), un cuasi himno religioso un tanto Simon & Garfunkel llamado ‘Move On’ que comenzaba con otro «spoken word» a cargo de Björn de corte espiritual y autoafirmativo, y el que en verdad fue el primer single y que hasta hay quien pasará por alto teniendo en cuenta lo que han significado a la larga ‘Take a Chance On Me’ y ‘Thank You for the Music’. ‘The Name of the Game’ presentaba cierto ritmo funky, un arreglo un tanto beatliano, cierto poso soul e incluso doo-wop, específicamente inspirado en ‘I Wish’ de Stevie Wonder, anticipo de un nuevo buen álbum que únicamente pudo haberse dibujado mejor como musical con presentación, nudo y desenlace.

Lorde abraza sus contradicciones en el vídeo de ‘Fallen Fruit’

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Lorde ha publicado otro de los vídeos promocionales de la era ‘Solar Power’, su álbum de este año, que no ha cumplido las enormes expectativas tras ‘Melodrama’, como mínimo desde el punto de vista comercial. El vídeo para ‘Fallen Fruit’ se sitúa en la misma playa que nos mostraba ya el adelanto homónimo del álbum, en la que es una de las canciones que más abiertamente nos hablaban sobre el cambio climático.

Sobre una base de corte hippie que nos llevaba de la mano a los años 60, ‘Fallen Fruit’ nos invitaba a “marcharnos” tras habernos hablado de “aviones”, nos hablaba de “bolsillos lleno de semillas” y de “desaparecer al amparo de la lluvia”.

El videoclip es casi literal en su aproximación a la naturaleza, aunque en última instancia aparece un coche, un chófer con una gabardina al servicio de la artista y una botella de plástico que parecen simbolizar las contradicciones en la vida real de Lorde. La cantante ha hablado profusamente en las entrevistas promocionales sobre esta paradoja, incluso desde la ironía mostrada en el vídeo de ‘Mood Ring’.

Rosalía anuncia nuevo disco, ‘MOTOMAMI’

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Rosalía tiene por fin novedades acerca de su nuevo disco, el esperadísimo sucesor de ‘El mal querer‘, el mejor disco de 2018 y uno de los discos clave del siglo XXI. La catalana ha compartido esta tarde el adelanto de un vídeo en el que se puede leer que ‘Motomami’, su nuevo álbum, sale en 2022.

El vídeo en cuestión, muy breve, y en el que Rosalía aparece bailando de pie detrás de un suelo transparente, avanza también una nueva canción, que no es la bachata que la artista adelantó hace unas semanas en TikTok. ‘Motomami’, la pista titular, presenta un sonido agresivo vinculable a la etapa PC Music de Charli XCX o al sonido de gente tipo Tommy Genesis o su amiga Arca y, por lo tanto, también a la faceta más dura y experimental de Rosalía, la de ‘A palé’ o ‘TKN’.

Se desconoce la fecha de lanzamiento de la canción pero, conociendo los tiempos de Rosalía y de la industria musical en general, debe estar al caer. Quizá, a la manera de Billie Eilish cuando avanzó parte de ‘Happier than Ever’ para después estrenar ‘Your Power’, Rosalía esté adelantando su disco con una canción que, por el momento, no va a ser el single. Por lo menos, los detalles sobre el tercer álbum de estudio de Rosalía empiezan a concretarse.

Aunque la espera por el nuevo trabajo de Rosalía se ha hecho larga, la artista no ha estado en absoluto parada en todo este tiempo y este año ha lanzado dos singles colaborativos, ‘Linda’ con Tokischa y ‘Lo vas a olvidar’ con Billie Eilish. En 2020 sumó unos cuantos más, entre ellos el remix de ‘Blinding Lights’ de The Weeknd o el mencionado ‘TKN’ con Travis Scott.

La carta de amor de Angèle a Bruselas es un potente electro

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En los últimos años Angèle ha saboreado las mieles del éxito. ‘Balance ton quoi’ de su álbum de 2018 ‘Brol’ se ha convertido en todo un hit en los países de habla francesa, y por supuesto su dúo con Dua Lipa para la edición especial de ‘Future Nostalgia’, ‘Fever’, ha conseguido también una enorme repercusión, especialmente en estos territorios. Su nuevo álbum se llama ‘Nonante-cinq’ y verá la luz cuando estemos ya totalmente rodeados de luces de Navidad el próximo 10 de diciembre. El primer single ‘Bruxelles je t’aime’ es nuestra “Canción del Día” hoy.

Estamos ante una sólida producción de electropop de la escuela Robyn, con los ganchos melódicos de los momentos más pop de Rihanna y Kate Ryan, solo que sumando una temática extraña para una canción de corte tan comercial. Angèle, que es natural de Bruselas, ha querido abrir su nuevo álbum con lo que supone una carta de amor a la ciudad en la que nació, la capital de Bélgica, deteniéndose en sus puntos fuertes y debilidades.

Angèle comienza diciendo que sabe que la ciudad no tiene “los rascacielos de Nueva York” ni el “amor o el Sena” en referencia a París, pero declara sin complejos que Bruselas es su ciudad favorita. Apelando incluso a su crisis de identidad porque “no tiene la más larga de las historias ni siempre ha ganado”, Angèle declara que esta es la ciudad a la que siempre ha de volver, entonando todo esto en francés.

Al menos hasta que en la última parte de la canción, decide hablar de la cuestión lingüística belga, afirmando que no podría elegir entre “francés y flamenco” pues estas son las lenguas en que ha vivido “las historias más hermosas”. Para celebrarlo, entona el estribillo de la canción también en flamenco. Por su parte, el videoclip que viaja de París -donde por razones de número de población habitan la mayoría de sus seguidores- a la mencionada Bruselas, solo podía ser un dechado de amor y buen rollo de connotaciones infantiles. Os dejamos también con una interpretación del tema en vivo hecha para la radio.

1. Bruxelles je t’aime
2. Libre
3. On s’habitue
4. Solo
5. Pensées Positives
6. Taxi
7. Démons (feat Damso)
8. Plus de sens
9. Tempête
10. Profite
11. Mots Justes
12. Mauvais rêves

‘Aurora’ y ‘Ayer’ son los nuevos homenajes de Soleá Morente a sus padres

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Soleá Morente emociona con ‘Aurora’ y ‘Ayer’, los últimos adelantos de su esperado disco ‘Aurora y Enrique’ que se publicará el próximo 19 de noviembre.

Ambas canciones han sido desveladas junto al vídeo – cortometraje dirigido por Jonás Trueba, que muestra el momento en el que la madre de Soleá, Aurora Carbonell, conoce el título del nuevo disco de su hija y escucha por primera vez estos temas en su casa familiar de Granada. Una escena cotidiana de siete minutos llenos de emoción en los que prima la intimidad y delicadeza y donde los verdaderos protagonistas son los sentimientos que emanan de estas dos canciones enlazadas.

“Yo me rindo a ti, Enrique del alma mía”. De esta forma, Soleá da paso con ‘Aurora’ a ‘Ayer’, un suave canto de añoranza a su padre, Enrique Morente, cuando se cumplen casi once años de su fallecimiento. Entre miradas cómplices y emoción se cuelan imágenes del cantaor en mitad de la canción que acaba con Aurora Carbonell aplaudiendo muy emocionada y con madre e hija bailando.

‘Aurora’ y ‘Ayer’ son “dos canciones de amor, entre Aurora y Enrique, entre Enrique y Soleá, y, finalmente, entre Soleá y Aurora. Canciones sobre la transmisión del amor y sobre la transmisión de la música y el cante” explica el director.

Por su parte, así hablaba la artista de este adelanto: “Ya han salido dos canciones de las más importantes de mi vida. Las compuse y escribí por y para mis padres. Gracias papa y mama por TODO. Gracias por acompañarme en esta aventura y en todas la de la vida. Os quiero.”

Y es que ‘Aurora’ y ‘Ayer’, se suman a ‘Iba a decírtelo’ como singles de su cuarto disco ‘Aurora y Enrique’, un claro homenaje a sus padres. Os dejamos el tracklist:

1.Aurora
2.Ayer
3.Yo y la que fui
4.El pañuelo de Estrella – con Estrella Morente
5.Fe ciega
6.Domingos – con Triángulo de Amor Bizarro
7.Iba a decírtelo
8.El Chinitas
9.Marcelo Criminal – con Marcelo Criminal
10.Polvo y arena
11.Enrique

Zahara celebra la llegada de un «otoño tóxico»

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Para celebrar el décimo aniversario de ‘La Pareja Tóxica’, Zahara ha anunciado la publicación de este disco por primera vez en vinilo. Verá la luz el próximo 19 de noviembre y será “una edición muy especial y exclusiva ya que contará con un póster reversible del corto de ‘Leñador y Mujer América’» y una descarga digital del disco regrabado en directo este año en Casa Murada, el mismo estudio en el que se grabó el disco original”. Es decir, por un lado estará el vinilo con la grabación original, y por otro la descarga digital de la nueva versión.

A través de sus redes sociales, la cantante confiesa “morirse de la ilusión imaginando cómo será poner el vinilo verde tóxico y que empiece el viaje al pasado” y revela que “este otoño volverá a ser tóxico”.

La grabación del disco extra digital ha sido producida por la propia artista con la colaboración del batería Xavi Molero y del mezclador Jordi Mola, que fueron parte su equipo en la grabación original. Además, participan otros músicos que acompañan a Zahara en la actualidad como Martí Perarnau IV (la otra mitad de _juno) en los teclados, Manuel Cabezali en el bajo y Emilio Saiz a la guitarra.

Siguiendo con la celebración, la artista ha anunciado dos conciertos especiales el 17 de noviembre en la Sala Barts en Barcelona y el 30 de noviembre en el Teatro EDP en Madrid. Al principio de cada concierto se proyectará el corto ‘Leñador y Mujer América’, en el que Zahara debutó como actriz para ponerle imágenes al ‘La Pareja Tóxica’.

De esta forma conmemora diez años de su segundo disco y de la ruptura con su anterior discográfica, lo que le dio por fin libertad creativa para poder publicar su música bajo su propio sello.



Ed Sheeran / =

Ed Sheeran ha madurado. Te lo cuenta en ‘Tides’, la canción que abre su nuevo disco. El artista se «avergüenza» de las cosas que hizo «en su juventud», desea «haber hecho las cosas de manera diferente» e incluso a veces sueña con «desaparecer sin dejar rastro». Su reflexión no le ha llegado gracias a Pitchfork que se sepa, sino a la paternidad: «he madurado, ahora soy padre, todo ha cambiado pero, de alguna manera, sigo siendo el mismo». Y cuando escuchas ‘=’ es imposible no darle la razón.

¿Ha cambiado Ed Sheeran? La respuesta es sí y no. Por un lado, ‘=’ ya no horroriza con letras que se pueden enmarcar en un comportamiento de masculinidad tóxica, como las de sus otros discos; por el otro, la música de ‘=’ no marca una gran evolución hacia ninguna dirección que pueda sorprender a la crítica, que habitualmente ha denostado su trabajo. En ‘=’, Sheeran presenta una serie de canciones fácilmente digeribles con las que intenta mantener vivo el interés comercial hacia su obra. Ni cabe decir que, con ‘Bad Habits‘ y ‘Shivers’, lo ha conseguido.

El primer single de ‘=’, ‘Bad Habits’, ha recibido comparaciones con ‘Smalltown Boy’ de Bronski Beat. Algunos dicen que es un plagio. Yo opino que inspirarse en ‘Smalltown Boy’ siempre es un acierto y que la melodía de ‘Shape of You’ se parecía a la de ‘No Scrubs’ solo accidentalmente. ‘Bad Habits’ es tan pegadiza que la memorizarás en una primera escucha, pero también suena tan calculada que bordea el «guilty pleasure». ‘Shivers’ es otra adictiva canción de pop y el homenaje 80s de ‘Overpass Graffiti’, un poco A-Ha, conforma la mejor canción del disco en general.

En ‘=’, Sheeran no persigue el sonido electrónico de estas canciones sino que apuesta por una variedad con la que mantener a todo el mundo contento. Sigue comprometido con su faceta de cantautor en ‘First Times’ o la preciosa ‘Visiting Hours’, dedicada a su amigo fallecido, el ejecutivo discográfico Michael Gudinski; busca un nuevo ‘Thinking Out Loud‘ en ‘Love in Slow Motion’, otra balada que sonará en futuras bodas; sigue rapeando como puede en ‘2step’ y bebe del breakbeat y los sintetizadores cálidos de Dido en ‘Collide’. Las canciones son correctas pero genéricas, dan la sensación de haberlas escuchado mil veces antes.

Si la totalidad de ‘=’ suena a que Sheeran permanece encerrado a cal y canto en su «zona de comfort» particular, sus letras inspiran lo mismo. Por mucho que el inglés diga que ha madurado, su papel de bonachón no se ha ido a ninguna parte, hasta el punto de que dedica ‘Overpass Graffiti’ a su primera novia, a la que canta que «siempre te querré» y que su recuerdo de ellos juntos «nunca se borrará». En el resto del disco le recuerda a su mujer todos los momentos que han pasado juntos mirando la luz de la luna, bailando a la luz de las velas, tomándose una cerveza en un pub irlandés en Roma. «Sé que te podrías enamorar de mil reyes, y de corazones que te regalarían diamantes, pero tú ves lo mejor en mí», canta en la intimista ‘The Joker and the Queen’ a pesar de que es él quien podría regalarle todos los diamantes que quisiera.

Las ñoñerías de Ed Sheeran funcionarían si no estuvieran plagadas de clichés. ‘Sandman’ es uno andante: es una nana para su hija en la que suenan banjos, ukuleles y xilófonos. Para qué decir más. En ‘Shivers’ canta que se quiere «beber la sonrisa» de su mujer y que desea sentirse «como si mi alma estuviera ardiendo» pero a la canción le falta más hierro que a un personaje de Tim Burton. ‘Be Right Now’ nos anima a vivir el momento y no se llama ‘Carpe Diem’ porque quizá era demasiado obvio. Apenas ‘Leave Your Life’ encoge el corazón cuando lees que Ed se la ha escrito a su hija por si él muere antes de que ella pueda saber que la quiere. El resto de canciones de ‘=’ no tienen un trasfondo tan emotivo, y su retrato de la vida matrimonial resulta tan superficial e inane como la música que lo envuelve. ¿Dónde está el disco lo-fi a lo ‘Nebraska’ que estaba componiendo?

Mariah Carey quiere ser más Reina de la Navidad todavía

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Esta Navidad ‘All I Want for Christmas Is You’ se convertirá en la primera canción de Mariah Carey que supera los 1.000 millones de reproducciones en Spotify. La cantante no solo ha llevado esta canción al número 1 oficial en Estados Unidos y Reino Unido en los últimos tiempos, 25 años después de su edición, sino que lo ha convertido en el villancico pop por antonomasia año tras año.

Su reconquista de las listas ya ha comenzado este 1 de noviembre y ya empieza a aparecer en algunos charts menores de iTunes y Youtube. En próximos días y semanas irá apareciendo en Spotify a medida que se acerque el Black Friday. Ya se han empezado a compartir los correspondientes memes.

No contenta con eso, Mariah Carey ha anunciado un nuevo villancico que llegará al mercado este mismo 5 de noviembre bajo el nombre de ‘Fall In Love at Christmas’. Para asegurarse el éxito de tal canción, se ha rodeado del tótem del streaming Khalid, uno de los 25 artistas más escuchados ahora mismo en todo el mundo, con hasta 5 canciones por encima de los 1.000 millones de reproducciones (‘lovely’, ‘Beautiful People’, ‘Location’…); y también del cantante de gospel Kirk Franklin. Un teaser del tremendo baladón puede escucharse en redes y también se distribuirá un CD single a través de su web, desde este 11 de noviembre, con el siguiente tracklist:
1. Main Version (5:08)
2. Radio Edit (3:38)
3. Radio Edit with Outro (4:15)

Tres cómics de terror para el Día de los Muertos

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‘El umbral de lo siniestro’, por Junji Ito
Junji Ito es uno de los autores japoneses más prolíficos a la hora de presentar historias de muerte, organismos sobrenaturales y personajes afectados por fenómenos extraños sin respuesta. A sus casi 60 años y cerca de 35 después de la edición de su primera obra ‘Tomie’, influenciado por el manga y el género de terror desde joven, presenta ‘El umbral de lo siniestro’, una obra que capta el interés desde los primeros trazos gráficos, también en paralelo como cronista, dejando patente que el mal nos acecha no solo desde la ficción.

Lo más destacado de las cuatro historias que componen este libro es lo transversal de los temas. Pasamos de las costumbres funerarias de nuestros antepasados en el primer relato a dar paso al espíritu religioso en el segundo, sin subestimar las enfermedades letales del tercero y los asesinatos en serie del cuarto. Como buen mangaka, mantiene el mismo nivel de detalle en las ilustraciones que en el resto de sus publicaciones anteriores. No podía ser menos, pues buena parte de la tarea fue ejecutada encerrado durante la pandemia: ese malestar y la ansiedad de aquellos días se refleja en el papel con fluidez. 8.

‘Villanueva’, por Javi de Castro
Un entorno rural, unos habitantes entrometidos a la par que amables y un alojamiento opresivo. Este es el contexto para una joven pareja que va a tener su primer hijo en un pueblo perdido de la España vacía. Escenario más que suficiente para desatar un infierno a sus protagonistas, despertar incógnitas y generar un estado de confusión que cumple con las expectativas de las últimas semanas entre los seguidores del cómic nacional.

Javi de Castro utiliza referencias al “folk horror” en ‘Villanueva’, un imaginario que se beneficia del éxodo poblacional de la ciudad al campo, y que tuvo gran esplendor en los años 70 en el cine, algo poco habitual en la novela gráfica a día de hoy. Castro transmite realismo, hostigando al lector con todos los inconvenientes que un urbanita sufre al tratar de adaptarse a la vida rural. Desde su portada asienta las bases con un excelente grabado, que invoca los mandamientos de supersticiones locales, alcanzando cierta intensidad narrativa dependiendo de las situaciones. Quizá la estética no tiñe tanto de asfixia la escena, aunque apunta muy buenas maneras. 7,5.

‘Visión’, por Julia Gfrörer
Aunque nació en New Hampshire, Julia Gfröer (“grow fairer”) vive con sus hijos y marido en Nueva York. Una vida sosegada que podemos relacionar con una confesión que hizo estando de promoción: no lee muchos cómics. Con estos antecedentes y el torrente de referentes que quedan apartados, cabe preguntarse de dónde sale la inspiración de su trabajo anterior ‘Devastación’ y de este nuevo titulado ‘Visión’, donde se esconden más misterios que en Twin Peaks y se abraza la muerte como a un amante.

El estilo de Gfrörer, poco original por reconocible en otros autores, tiene mucho de cinematográfico; la consecución de las viñetas avanza a velocidad de storyboard, y se consigue una gran fluidez en la historia. Mientras, el dibujo ligero y titubeante a modo de grabado, sin llegar a la recreación precisa al detalle, marca la personalidad de los protagonistas de ‘Visión’. Así, no nos quedamos en la superficie de la vida de una mujer soltera en el siglo XIX, sino que nos adentramos en su soledad y en la relación desconcertante que mantiene con el espejo de su dormitorio plagado de claroscuros. 7,8.

ABBA / Arrival

Un recopilatorio puede poner el punto final a tu carrera, porque qué ofrecer al público después de reunir lo mejor de la misma; o puede representar un punto de inflexión con el que desafiarte como artista. En el caso de ABBA, fue lo segundo. El grupo formado en 1972 había intentado llevar ‘Ring Ring’ al Festival de Eurovisión en 1973, quedando atascado en la final nacional de Melodifestivalen. Volvieron a intentarlo un año después y 1974 sí les dio la victoria tanto en casa como en el certamen internacional con ‘Waterloo’. Un tercer álbum llamado ‘ABBA’ les otorgó nuevos éxitos como los ahora icónicos ‘Mamma Mia’ y ‘SOS’, de manera que a finales de 1975 ya se vieron en disposición de reunirlos en un ‘Greatest Hits’ que terminó resultando el álbum más vendido de todo el año 1976 en Reino Unido. Entonces sí, comenzaba la verdadera revolución internacional de ABBA.

‘Arrival’, grabado a lo largo de todo un año entre el verano de 1975 y el otoño de 1976, será el primer gran álbum del cuarteto, al margen del acierto de sus singles, que a su vez son más numerosos que nunca, con el grupo en un estado de gracia absoluto para el desarrollo de la melodía pop perfecta. Por algo es la primera vez que veremos la B al revés de su logo en la portada. ‘Fernando’, publicada como sencillo a principios de 1976, no es en principio parte de ‘Arrival’, si bien después se irá incluyendo a modo de bonus en sucesivas reediciones y ediciones especiales, junto a esa rareza viajera que ha podido servir de inspiración lo mismo a la generación dream pop que a la balearic llamada ‘Happy Hawaii’ con su grabación de olas de mar. Y aun sin contar ‘Fernando’, ‘Arrival’ es el álbum que incluye ‘Dancing Queen’, ‘Money, Money, Money’ y ‘Knowing Me, Knowing You’.

Loable es ese irresistible sabor a fin de fiesta que tiene ‘Dancing Queen’, a la postre el mayor éxito de ABBA. De vez en cuando emerge un hit que comienza con el estribillo -de ‘It’s My Party’ a ‘Anaconda‘-, pero en este hay que subrayar que tiene la ocurrencia de comenzar con el post-estribillo en realidad. O como mínimo con la segunda parte del estribillo. Este había empezado con una melodía que ya era lo más («You are the dancing queen / Young and sweet, only seventeen»), pero después se desplaza todavía más hacia arriba en su empeño por llenarte de euforia, bien hinchada: «You can dance, you can jive», completan Anni-Frid Lyngstad y Agnetha Fältskog apelando «al mejor momento de toda tu vida», y de hecho integrándolo, representándolo prácticamente en sí mismo. Muy significativo también es su viaje vocal en una parte muy concreta de la estrofa: «Anybody could be that guy / Night is young and the music’s hiiiigh», entonan las dos aes de ABBA en un divertido juego entre agudos y graves.

Inspirada muy vagamente en ‘Rock Your Baby’ de George McCrae, de la que apenas conserva su ritmo, ‘Dancing Queen’ quería captar la esencia disco de la época, solo que sumando el muro de sonido de Phil Spector, y añadiendo un toque europeo a todo ello. Anni-Frid contaba en 2014 que lloró la primera vez que la escuchó «de pura felicidad de que iba a poder cantar una canción tan buena», mientras Agnetha se mostró más empresaria: «A veces es difícil averiguar qué va a ser un hit. La excepción fue ‘Dancing Queen’. Todos sabíamos que iba a ser enorme», declararía en 1995 sobre el tema que llegó a interpretarse en vivo para Silvia Sommerlath, justo antes de que se convirtiese en la Reina no del Baile, sino de Suecia.

Habiendo sido una influencia reconocida para gente tan dispar como MGMT en ‘Time to Pretend’, Blondie en ‘Dreaming’ o Elvis Costello en ‘Oliver’s Army’, ‘Dancing Queen’ ha llegado a ser nombrada «la mejor canción pop de la historia» por el prestigioso diario The Guardian, un artículo en el que el hacedor de hits de los 80 Pete Waterman hablaba de la posible influencia también de Elton John, The Beatles o Bee Gees. Pero no es el único mérito de ‘Arrival’ pues en absoluto está sola en sus aciertos. No se entiende la carrera de ABBA sin sus robustos ganchos melódicos y si sobre esas notas de piano de ‘Dancing Queen’ se ha cimentado media carrera de La Casa Azul y mucha gente más, lo mismo puede decirse por ejemplo de ‘Knowing Me Knowing You’, una canción bastante electrónica en arreglos merced a los sintetizadores y teclados de Benny Andersson. Con todo lo bueno que es el estribillo, lo mejor llega cuando este acaba, con su gancho instrumental. No, la EDM no inventaría nada.

Los coros en la segunda estrofa de Agnetha, acompañando la voz principal en este caso de Frida, son extremadamente sensuales en ‘Knowing Me Knowing You’, en sintonía con el carácter disco que mantiene ‘That’s Me’, una canción con brilli-brilli que ejerció de cara B para ‘Dancing Queen’ y llegó a ser single en Japón, y también con la letra atrevida de ‘When I Kissed the Teacher’. El álbum se abre con esta joya en la que las chicas dejan a la escuela escandalizada cuando dan un paso en la seducción del profe. «Todo el mundo se volverá loco cuando le bese», proclama. «Un día de estos voy a mostrarle que me importa, voy a darle una lección de verdad», amenazan Agnetha y Frida.

La liberación de la mujer puede ser un tema también en la rockera ‘Why Did It Have to Be Me?’, inspirada en Fats Domino, Hank Williams y quizá el glam-rock que ya había salpicado ‘Waterloo’. En realidad es Björn Ulvaeus quien la entona, pero es todo un pelele en manos de Agnetha y Frida, que hacen lo que quieren con él. «Los hombres son juguetes con los que jugar / Cuando te cansas de ellos, los tiras a la papelera», dice la letra con un tono bastante cómico, nunca trágico ni misógino. A continuación, es un acierto que los chicos no tengan ningún protagonismo en ‘Tiger’, una composición algo agresiva, que termina a grito pelado en un registro realmente histérico, y pone a las chicas en una posición depredadora: «estoy detrás de ti, te encontraré, soy el tigre / la gente me tiene miedo, nunca se me acerca, soy el tigre». Melódicamente recuerda a la anterior ‘Mamma Mia’, solo que con un punto mucho más oscuro que en el caso de ABBA también ha sido estudiado y que podría estar hablándonos sobre los peligros de la ciudad o incluso la adicción a las drogas.

Ese lado adulto se completa con otro de los grandes éxitos del grupo. ‘Money Money Money’ tiene un bajo funky muy guay, un ambiente muy cinético y misterioso inspirado abiertamente en ‘Cabaret’, justificando cómo ABBA y los musicales terminarían tan hermanados. Hay un componente social en su letra, que comienza casi como una canción protesta («Trabajo toda la noche, trabajo todo el día, para pagar facturas, ¿no es triste? Y aun así, nunca parece haber ni un penique para mí»), como también lo hay en el bonus de ‘Fernando’. En verdad, pese a lo inofensiva que parece y de hecho es, nos está hablando de dos camaradas de la revolución mexicana. La muerte que les amenaza y a la que llegan a apelar («tenía tanto miedo, Fernando / éramos jóvenes y llenos de vida, y ninguno de nosotros estábamos listos para morir») es la de la guerrilla, aunque parezca lo contrario.

Bien sea por sus melodías características o esas voces empastadas tan particulares, ‘Arrival’ logra terminarse como un trabajo muy bien unificado, conteniendo los citados elementos de rock y disco, y una pista de pop sesentero a lo Neil Sedaka llamada ‘Dum Dum Diddle’ sobre el amor de una persona por su violín. Esta última cuenta con una coda un tanto folclórica, en la línea de la casi new-age ‘My Love, My Life’, una producción angelical con su campana navideña que anticipa que, desde este ‘Arrival’, todos los álbumes de ABBA excepto uno, se publicarán en otoño, por Navidad, exprimiendo al máximo las posibilidades del llamado Q4; y sobre todo igualmente en la línea del corte titular. Mejorando el ‘Intermezzo No.1’ incluido en el álbum anterior, ‘Arrival’ cierra el disco inspirada en el folclore sueco. Mike Oldfield llegará a adaptar esta pequeña maravilla que en principio se llamaba ‘Ode to Dalecarlia’ en honor a esta región, definitivamente poniendo el pop sueco en el mapa mundial cuando Max Martin apenas había nacido.

Adele revela el tracklist de ’30’, con «colaboraciones» sorpresa y ‘I Drink Wine’

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A 3 semanas del lanzamiento del disco y cuando las fábricas de CD’s y vinilos tienen que estar saturadas fabricando millones de copias de ’30’ en plena crisis de suministros, Adele ha facilitado al fin el tracklist del que es el álbum más esperado del año.

El single ‘Easy on Me’, número 1 mundial en Spotify desde hace algo más de 15 días, ocupará el lugar número 2 en la secuencia, tras un primer tema llamado ‘Strangers By Nature’. Además, aunque se había dicho que no habría «featurings» en el álbum, su adorado Chris Stapleton sí canta en una nueva versión de ‘Easy on Me’ que aparecerá como bonus track de Target en Estados Unidos. Recientemente dijo que cantar con él era la colaboración de sus sueños: era una estrategia.

De momento se desconoce cuáles serán las canciones producidas por Inflo o co-escritas por Tobias Jesso Jr (estamos a la caza del nuevo ‘When We Were Young’), pero la secuencia deja una colaboración con Erroll Garner hacia la mitad del álbum, así como un tema llamado ‘I Drink Wine’, en probable relación a su adicción al vino rosado, de la que habló recientemente en una entrevista promocional.

Erroll Garner es un pianista de jazz que falleció en los años 70 así que cabe suponer que ‘All Night Parking’ sea un instrumental en el que se le samplea, pues además dicho título viene acompañado del indicativo «interludio».

1. «Strangers By Nature»
2. «Easy on Me»
3. «My Little Love»
4. «Cry Your Heart Out»
5. «Oh My God»
6. «Can I Get It»
7. «I Drink Wine»
8. «All Night Parking» (with Erroll Garner)
9. «Woman Like Me»
10. «Hold On»
11. «To Be Loved»
12. «Love is a Game»

13 “Wild Wild West”
14 “Can’t Be Together”
15 “Easy On Me” (Chris Stapleton)

Radiohead no dan puntada sin hilo en la grunge ‘Follow Me Around’

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Radiohead tienen a punto la reedición de ‘Kid A’ y ‘Amnesiac’ que aunará para siempre ambos discos concebidos a principios de siglo como un álbum doble, pero separados finalmente en dos lanzamientos a lo largo de los años 2000 y 2001. Ahora llamado ‘Kid A Mnesia’ y reuniendo los temas de ambos discos junto a otros inéditos, llegará al mercado el día 5 de noviembre, precedido por temas inéditos como ‘If You Say the Word‘.

El nuevo avance se llama ‘Follow Me Around’, se trata de una canción que alguna vez han llegado a tocar en vivo después de que apareciera en un documental de 1998, y tiene un sonido grunge que le hace parecer más bien un «bonus track» de la reedición de 30º aniversario de ‘Nevermind’ que de la reedición de ‘Kid A’ o ‘Amnesiac’.

En cualquier caso, es de todos sabido que Radiohead no dan puntada sin hilo y el grupo estrena un vídeo para la canción que no es un videoclip más. Bromeando con el título del tema, ‘Follow Me Around’ ya no es una canción de amor sino una reflexión sobre el asedio de las cámaras a una persona que ni ‘El show de Truman’, desde la calle a la intimidad de un cuarto de baño. El protagonista es Guy Pearce, conocido por su papel en ‘Memento’, ‘L.A. Confidential’ y últimamente ‘Mare of Easttown‘.

‘Cuestión de suerte’ es el sueño ochentero de Natalia Lacunza

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‘Cuestión de suerte’ comienza con Natalia Lacunza echándose una cabezadita. Todo lo que vemos hasta el final, cuando se despierta, es la ilustración de un sueño, una mezcla de pesadilla aerofóbica y ensoñación melancólica a ritmo de synth pop. Hay muchas pistas: el periódico con el artículo “Los beneficios de las siestas”, el cartel de ‘Aterriza como puedas’ (que sirve también como guiño ochentero), el avión de juguete, el nombre de la aerolínea con la que vuela a Ámsterdam: Take a Nap (“echar una siesta”)…

Mientras el avión se “cae”, la pasajera durmiente desciende también hacia su pasado, a su infancia y adolescencia. El sueño se divide en dos líneas narrativas. En la primera, la cantante rememora su vida junto a sus padres. Una etapa infeliz de la que intenta aislarse a través de la música, poniéndose unos cascos de los 80 que funcionan como leitmotiv visual y sentimental (aparece en las distintas edades).

En la segunda, se narra una historia de amor juvenil. Un periodo feliz, donde la música ya no sirve como refugio sino como vínculo, que se interrumpe cuando la pareja tiene que separarse. Tras un bonito travelling lateral que conecta las tres líneas temporales, la cantante se despierta. En un último giro argumental vemos a una pasajera muy especial que da sentido al estribillo de la canción: “mi amor es cuestión de suerte”.

Maria Rodés & La Estrella de David / Contigo

Maria Rodés y La Estrella de David se han hecho un She & Him sin saber quiénes son She & Him. Tras conocerse por casualidad y hacer buenas migas -y sin ser pareja- han abandonado momentáneamente sus proyectos principales para concentrarse en un dúo chico/chica de carácter muy diferente al de sus carreras principales que, eventualmente, puede llegar a más gente. No hay más que recordar que el disco más exitoso de M Ward y Zooey Deschanel es su álbum navideño. En España no hay una base folk o country suficiente para que este ‘Contigo’ trascienda realmente, pero ellos ya han contado que, para su sorpresa, este es un álbum que ha gustado a sus padres o cuñadas -a diferencia de otros realizados en el pasado, más orientados al underground voluntaria o involuntariamente-.

David Rodríguez y Maria Rodés han entregado estas 12 composiciones inspiradas en relaciones de amor de su pasado a Sergio Pérez (Svper, Joe Crepúsculo, etcétera), quien ha sido realmente el encargado de arroparlas bajo el manto de la americana. Banjo, lapsteel, mandolina, armónica, baglama, coros, guitarras acústicas y eléctricas y teclados están al 100% a su cargo bajo la influencia de Dolly Parton, Johnny Cash y Lee Hazlewood, mientras los dos cantantes principales se han limitado a escribir y a poner sus voces y sus coros, lo que convierte ‘Contigo’ a ojos de los artistas en un álbum de productor.

Son crepusculares los arreglos de ‘Eres’ como trotón es el ritmo del single ‘Hacer el amor’, aunque en el fondo ‘Contigo’ es un álbum de autor/a cuyo encanto último reside en la tradicionalidad de las composiciones. Hasta el punto de que el disco, que se queda a las puertas de la conceptualidad narrando una relación desde el día del encuentro al día del divorcio pero no -hay un par de temas que interrumpen ese relato- llegan a reivindicar un «amor antiguo», en claro contraste con estos días de poliamor que, según ellos mismos, tampoco es que nos esté dando la felicidad.

Detrás de lo que a todas luces parece un mero pasatiempo para sus ambiciosos autores (conocida es la versatilidad de David Rodríguez como productor de La Bien Querida y la de Rodés atendiendo lo mismo a la historia de las brujas que de la copla), se esconde una serie de buenas composiciones de carácter atemporal, prestas para un golpe de suerte. ‘Un mundo ideal’ es preciosa; ‘Venga va’, cuya mención a Eurovisión se debe a que fue un tema ideado junto a Amaia Romero, muestra de la buena química entre ambos. ‘Zombi’ es una canción divertida, tanto como ‘Eres’ una bonita declaración recién salida de los años 50.

Al final del álbum, entregan alguna canción en solitario, siendo ‘Fantasmas’ de Rodés el momento más oscuro, sobre el desengaño amoroso y su adicción, con cierto aroma a ‘Bella Ciao’ y ese relinchar y trote de los caballos. El cierre con ‘Nos vamos a divorciar’ sabe ya a Moldy Peaches. No hará sonar la división editorial de Elefant estas canciones en la nueva temporada de ‘Élite‘, pero es una pena que no hayan llegado a tiempo para el bar de música country que aparecía en ‘Merlí‘.

tommy 3 balas aúna guitarras, crimen y a Mariah Carey en ‘preso’

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Nacido en los 90 en Extremadura pero residente en Madrid, pamplonés de adopción y catalán por familia, Tomás Boldú ha pasado por grupos de grunge, punk y garage para finalmente asentarse en lo que se ha llamado «pop urbano» bajo el nombre de tommy 3 balas. Canciones como la bailable ‘Maps’, ‘Bae’, ‘Delirio de una noche de mierda’ y la balada ‘Mi cora’ mantienen ese poso guitarrero que desafía las barreras del género, como observamos en tantos compañeros de su generación. Ahora presenta nuevo proyecto.

Sucediendo al EP ‘Hasta luego’, en 2022 llegará su disco ‘Fly Boy Robot’ que su sello define como «un debut sorprendente, libre, seductor y atrevido que descubre el talento de un autor novel capaz de sintetizar la evolución musical de los últimos 30 años desde una perspectiva absolutamente moderna». Su primer adelanto, ‘preso’, es su canción más pop, nuestra «Canción del Día» y es el mismo Tomás quien nos habla sobre ella.

En tu música casi cabe de todo, esta canción en concreto parece compuesta a la guitarra eléctrica, pues sus acordes parecen lo principal. ¿Surgió así, de una guitarra eléctrica, o cómo fue el proceso creativo?
Muchas de las canciones que hago nacen de una guitarra y una producción precaria mía, daños colaterales del confinamiento y pillarse el ableton y un micro (risas). En este caso, toda la estructura partía de la guitarra y la melodía de voz que luego KICKBOMBO vistieron de gala y le dieron ese sonido tan potente.

Parece una de tus canciones más pop, ¿qué la ha inspirado y por qué decidiste llamarla sencillamente ‘Preso’?
Hacía grunge de los 90 en inglés, no sé qué me pasó al juntar lo urbano con el castellano que me empezaron a salir cosas más pop. No es intencionado, simplemente me pasa que me resulta más atractivo componer cosas en castellano con una melodía más catchy. El cantar menos y utilizar autotune supongo que me hace darle más peso a la melodía. Se llama ‘Preso’ porque sigues preso de tus obsesiones, sean en forma humana o de aspiraciones.

El tema del cadáver en el coche añade un nuevo significado a lo de «preso». No sé si querías jugar con ese doble sentido.
(risas) Pues me gustaría decir que esta la hilé a propósito, pero fue casualidad. De hecho, hay un visual que está por venir que estoy encerrado de verdad y la portada es una soga en forma de esposas. Todo el arte y narrativa del álbum está conectado, pero esto fue un dulce error.

¿Qué nos puedes contar sobre tu sueño de Mariah Carey? ¿Es algo random o admiras en particular algún disco o canción suya?
(risas) Justo le explicaba el otro día a mi chica esto. Tengo el recuerdo de una Mariah Carey imponente, con un abrigo de pelo rosa sobre un enorme caballo blanco, en algún vídeo de la MTV. El otro día lo busqué un rato y no lo encontré. De pequeño soñaba cosas que luego pensaba que eran realidad, puede ser el caso (risas). En cualquier caso, lo utilizo como símbolo del éxito hollywoodiense en la canción.

Elton John deja a Lana del Rey sin número 1 en Reino Unido

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Tras el récord de venta de álbumes en una semana de 2021 en Reino Unido, batido la semana pasada por Coldplay con ‘Music of the Spheres’, este disco cae del puesto 1 al puesto 5, pero la lucha por la corona de las listas británicas continúa siendo muy competitiva. Quien se ha llevado el gato al agua ha sido ‘The Lockdown Sessions’ de Elton John, que ha vendido casi 31.000 unidades durante sus primeros 7 días de vida. Se trata de un disco de curiosidades y colaboraciones que vuelve a relanzar la carrera de Elton John -otra vez, tras el pelotazo dado con la película ‘Rocketman’– centrado en el inesperado éxito que ha alcanzado ‘Cold Heart’. La revisión de su clásico ‘Sacrifice’ junto a Dua Lipa ha ido ascendiendo poco a poco durante las últimas semanas en Reino Unido hasta ser número 1 justo antes de la llegada del huracán Adele.

Elton John suma así 8 números 1 en álbumes en Reino Unido. Cuatro de ellos se publicaron en los años 70, dos más llegaron en los 90 y el 7º fue precisamente el álbum ‘Good Morning to the Night’ junto a Pnau, quienes también han producido el remix de «Cold, Cold Heart».

Las buenas noticias para Elton John implican malas noticias para Lana del Rey, que queda en el puesto 2 con su nuevo disco, el notable ‘Blue Banisters’. Es una pena porque Reino Unido es un bastión importantísimo para Lana del Rey y 5 discos de la artista han sido número 1 en las islas: ‘Born to Die’, ‘Ultraviolence’, ‘Lust for Life’, ‘Norman Fucking Rockwell!’ y ‘Chemtrails over the Country Club’. ‘Honeymoon’ había quedado en el puesto 2 y ‘Blue Banisters’ queda también en esa posición. Ambos álbumes han quedado los últimos, curiosamente, en nuestro repaso de la discografía de la artista, aunque por encima de 7/10 como media.

La buena noticia para Lana del Rey es que no es número 3 por 500 copias de diferencia. Si ‘Blue Banisters’ es número 2 con 18.935 unidades vendidas, en el puesto 3 hallamos a Duran Duran con ‘Future Past’ y 18.381 copias en el mismo periodo. En el caso de Duran Duran se iguala su mejor marca este siglo (el top 3 de ‘Astronaut’ en 2004) y el grupo sólo ha sido número 1 de álbumes en Reino Unido en una ocasión, con ‘Seven and the Ragged Tiger’ en 1983, el disco que sucedía a ‘Rio’.