Terminado el mes de noviembre, recopilamos todas las últimas «Canciones del Día». Algunas de ellas aparecen en nuestro Anuario 2024 -a la venta alrededor del 20 de diciembre, aunque ya se puede reservar en nuestra tienda-. Es el caso de las de Espanto, Kim Deal o Judeline, entre otros. Por su parte, gente como Addison Rae y Sen Senra, aparece con otras pistas.
En las últimas semanas, han sido Disco de la Semana Father John Misty, Sen Senra, Tyler the Creator, Mount Eerie y The Cure, y estos días lo será también Laura Marling. Nos ha complacido mucho estrenar el vídeo nuevo de EZEZEZ, y también presentaros los temazos de artistas como Oracle Sisters, Claudia Valentine (en la imagen), Ángeles Toledano o Cyn, este último, de principio tan Smiths que se llama ‘The Smiths’. Puedes suscribirte a la playlist aquí.
Zahara / Tus lichis
Sen Senra / Entrelazados
Addison Rae / Aquamarine
Judeline / zarcillos de plata
Kim Deal / Nobody Loves You More
Cyn / The Smiths
Father John Misty / She Cleans Up
EZEZEZ / puntofinal
Oracle Sisters / Alouette
Fontaines DC / Bug
Laura Marling / Caroline
Queralt Lahoz, Toni Anais / QL
Ela Minus / BROKEN
Tyla / PUSH 2 START
Claudia Valentine / Diamonds On My Teeth
Kendrick Lamar, Lefty Gunplay / tv off
Jimena Amarillo / Flow desquiciada
Tyler the Creator, Daniel Caesar / St Chroma
Tate McRae / 2 hands
LaBlackie / Violence
Rusowsky, Bb trickz / uwu
Çantamarta / Pasarela
Ichiko Aoba / Lucifèrine
The Cure / Alone
C Duncan / Delirium
Elias Rønnenfelt / Worm Grew a Spine
Junior Varsity / Give My Heart
Ángeles Toledano, MAMÁ, TENÍAS RAZÓN
Mount Eerie / I Walk
Espanto / Estarán aparcando
Soleado / Añoranza
Billboard ha revelado su lista completa de los 25 mejores pop stars de «los últimos 25 años», es decir, de lo que llevamos de siglo XXI. Una lista confeccionada por la redacción de Billboard, uno de los medios musicales más importantes, que será de nuevo «extremadamente subjetiva» y que servirá para generar debate y conversación en redes y -quizá- fuera de ellas.
El primer puesto es para Beyoncé, la mejor popstar del siglo para la revista Billboard. El medio argumenta que «aunque Taylor Swift sea la popstar más grande por números», el equipo de Billboard ha coronado a Beyoncé basándose en «sus 25 años de influencia, evolución e impacto».
En el segundo puesto aparece Taylor Swift, una artista que ha obtenido un éxito «como nunca antes se ha visto» pasando del country al pop.
Rihanna es la 3ª mejor popstar del siglo para Billboard. Para el medio estadounidense, su grandeza radica en «su tono vocal inconfundible, su oído raramente defectuoso para los hits, un ojo para la moda futurística y atrevida, y un rechazo completo al modelo a seguir arquetípico para abrazar la liberación sexual». En el puesto 4, Drake demuestra que, sin igualar la inmensa presencia de artistas como Gaga o Kanye West, más cercano a su ámbito, «desde una pura perspectiva de números, sus logros en las listas simplemente eclipsan a cualquier artista del siglo XXI».
Cierra el top 5 Lady Gaga, una artista que «con su explosiva aparición en los 2010s, elevó el estándar para todas las facetas del estrellato pop, mientras su continuada evolución ha hecho que siga siendo una artista vital en los 2020s».
El top 10 se inicia con Adele, un nombre que no podía faltar en una lista de este tipo, al tratarse de la artista con el disco más vendido del siglo XXI, ‘21‘. De Adele, Billboard destaca su gran voz, su identidad, sus canciones y su sentido del humor. Ariana Grande sigue en el 9. En palabras de Billboard, la autora de ‘eternal sunshine‘ es la «pop star definitoria de la era digital».
Justin Bieber saluda desde el top 8. El cantante canadiense ha protagonizado una exitosa transición de «fenómeno teen-pop» -el mayor de los 2010s- a «superestrella adulta», en palabras de Billboard, y se ha convertido en uno de los grandes «hitmakers» de su época. El puesto 7 lo ocupa Kanye West como «responsable de mucha de la mejor música del siglo». Aunque Billboard no olvida que West también ha caído bajo, sobre todo en el aspecto mediático. En el 6 se planta Britney Spears, «la reina adolescente que capturó los corazones de millones de personas con sus hits de pop» y que, sin saberlo, «fijó un modelo de negocio que continuaría durante décadas».
La lista se abre con Katy Perry en el número 25, una posición que no se sabe si es halagadora o todo lo contrario… sobre todo porque un puesto por encima aparece Ed Sheeran, un artista alérgico a servir y con menos singles número 1 en Estados Unidos, aunque es cierto que supera a Perry en ventas globales de discos y entradas. Por no hablar de que la popularidad de Perry en 2024 dista de ser la de antaño.
En la parte baja de la lista destaca el «desprecio» del talento pop masculino, por extraña que suene esta frase. Pero es que Bruno Mars, probablemente el mejor cantante y bailarín del momento, aparece tan pronto como en el puesto 20, y The Weeknd lo hace en el 18 a pesar de haber firmado muchas de las canciones más exitosas de la historia. Después, es cierto que todos los elegidos son hombres: Bad Bunny saluda en el 23, One Direction en el 22, Lil Wayne en el 21 y BTS en el 19.
1.- Beyoncé
2.- Taylor Swift
3.- Rihanna
4.- Drake
5.- Lady Gaga
6.- Britney Spears
7.- Kanye West
8.- Justin Bieber
9.- Ariana Grande
10.- Adele
11.-Usher
12.-Eminem
13.-Nicki Minaj
14.-Justin Timberlake
15.-Miley Cyrus
16.-Jay-Z
17.-Shakira
18.-The Weeknd
19.-BTS
20.-Bruno Mars
21.-Lil Wayne
22.-One Direction
23.-Bad Bunny
24.-Ed Sheeran
25.-Katy Perry
Por otro lado, Billboard ha visto la necesidad de publicar una lista paralela de «menciones honoríficas» que incluye, entre otros, a Kendrick Lamar: eso que se lleva Lil Wayne. La lista de excluidos se las trae al citar a Lana Del Rey, una artista que ha influido hasta a Taylor Swift, o a P!nk, de su generación, una de las pocas artistas superventas que quedan. Por otro lado, Christina Aguilera sigue cayendo mal porque figura también entre las menciones honoríficas a pesar de ser considerada la voz de una generación. Aparecen también en la lista paralela Billie Eilish, Alicia Keys o Lorde.
Una gran duda que planteaba la lista de Billboard era qué espacio otorgaría a artistas reconocidos en el siglo XX que también han dejado su huella en los primeros años del siglo actual, una duda disipada -para bien- por la inclusión de Shakira en el número 17. Una artista que, al fin y al cabo, se dio a conocer a escala global en 2001 con su disco ‘Servicio de lavandería’.
La Revuelta y El Hormiguero han tenido otro gran duelo de audiencias, con dos cantantes invitados. El programa de Broncano ha conseguido otra victoria, con la entrevista de Dani Martín, y un 16.7% de share. En la franja de estricta competencia, la diferencia es de tres puntos (17.4% vs 14.4%). Sin embargo, Robbie Williams en El Hormiguero dio mucho más juego.
«Adicciones a las drogas, malas compañías, malos amigos, malos managers, compañías de discos raras, malas decisiones, con amor, sin amor, sin autoestima, odiándome a mí mismo… Con una vida interior bastante complicada», así describe Williams su vida, plasmada en el biopic ‘Better Man’. Desde el principio, Robbie no se calla una.
En un momento dado, admite que la historia de la película, en la que es abandonado por su padre, es «la versión que cuenta mi madre». Tampoco se corta a la hora de hablar de drogas, dejando una anécdota sobre la vez que probó setas alucinógenas con Bono de U2: «Me puse a mirar un cuadro y era precioso. Se me acercó Bono y le dije que ese era el mejor cuadro que había visto en mi vida. Él me dijo que era una ventana», relató.
El exintegrante de Take That también contó cómo le ficharon para el grupo. «Fui a hacer el casting y el mánager siempre cuenta que no salió muy bien, pero según me iba me giré y le guiñé un ojo. Eso hizo que dijera: Este chico tiene algo, que vuelva», narra el cantante. Este también se acuerda del éxito abrumador que le vino encima y cómo desembocó en un «alcoholismo desatado»: «Yo tenía 19 años cuando pensé por primera vez que tenía un problema, pero lo enterré», admite.
Sin duda, la mejor anécdota que Williams contó en el programa de Pablo Motos es la que involucra a su expareja, Geri Halliwell, y cómo consiguió huir de la prensa gracias a ella. El cantante tenía veinte fotógrafos en la puerta de su casa y, después de llamar a la policía y que estos no le ayudaran de ninguna forma, se le ocurrió una idea brillante: «Al final, metí a Geri en una bolsa de deportes grande, me la subí al hombro, la metí en el maletero del coche y nos fuimos».
De no ser por Cindy Lee, Charli xcx se habría llevado el número 1 de la lista con ‘BRAT’. De este disco, el medio estadounidense eligió el remix con Lorde como la 9ª mejor canción del año. Jessica Pratt y su ‘Here In The Pitch’ se llevan el tercer puesto, mientras que Waxahatchee aparece en el número 6. ‘Right Back To It’ fue la segunda mejor canción del año para Pitchfork.
El resto de la lista está marcada por la ausencia de las grandes divas del pop. Kali Uchis aparece en el número 36, Sabrina Carpenter en el 35 y Clairo en el 21. También destacan Vampire Weeknd en el puesto 26 y Magdalena Bay en el 19. De Beyoncé, Billie Eilish, Ariana Grande, Dua Lipa o Taylor Swift, ni rastro.
Lola Indigo ha anunciado una serie de conciertos en tres estadios de España, tras el aplazamiento de su fecha en el Bernabéu por las denuncias por ruido que afronta el recinto, que continuarán entrado 2025. La fecha de Lola Indigo en el Bernabéu pasa del 22 de marzo al 14 de junio de 2025.
Sin embargo, el Real Madrid no ha tardado en emitir un comunicado en el que se explica que todavía no se puede confirmar ningún concierto: «El club no está en disposición de asegurar ninguna fecha para la celebración de conciertos en el estadio Santiago Bernabéu, hasta que no se realicen las pertinentes pruebas que permitan garantizar que los promotores estarán en condiciones de cumplir con la normativa».
Insisten en que están trabajando para que «las actividades del estadio Santiago Bernabéu se desarrollen con pleno respeto, no sólo a la legalidad, sino también al entorno y al vecindario».
Además, Mimi Doblas anuncia dos nuevas citas en recintos de gran tamaño, en el Estadio de la Cartuja de Sevilla el 21 de junio, y en el Estadio Cornellà-El Prat de Barcelona el 12 de julio. La gira recibe su nombre de las tres eras de Lola: ‘La Bruja, La Niña y El Dragón’.
La artista granadina ha preparado «una experiencia visual nunca antes vista en un concierto en España» para la gira: un escenario con más de 1.000 metros cuadrados de pantallas y una pantalla vertical gigante que equivale a «la altura de un edificio de 7 pisos».
Las entradas para los nuevos conciertos de Sevilla y Barcelona estarán disponibles en preventa exclusiva para clientes Santander a partir del 9 de diciembre a las 10h hasta el 11 de diciembre a la misma hora. La venta general empezará el 12 de diciembre a las 12h a través de la página web de la cantante.
Por otro lado, quienes ya tengan una entrada para el 22 de marzo en Madrid y deseen conservarla no deberán realizar ninguna gestión adicional. En caso de no poder asistir en la nueva fecha, recibirán instrucciones por correo electrónico para solicitar el reembolso.
«El Bernabéu es mi boda, es el día más importante de mi vida» fue el gran titular que dejó Lola Indigo a JENESAISPOP en marzo de este mismo año. Tras el aplazamiento de su fecha en el Bernabéu, Mimi remarcaba: «La fecha se pospone, no se cancela».
Zahara publicará su nuevo disco, ‘Lento ternura’, en el primer trimestre de 2025, casi 4 años después de su obra maestra, ‘PUTA‘. Será un disco muy diferente, a tenor de lo escuchado en los dos singles de presentación, ‘Yo solo quería escribir una canción de amor‘ y ahora ‘Tus michis’. Esta es nuestra Canción del Día hoy.
La artista celebró una fiesta en Madrid el pasado jueves, donde interpretó ‘Tus michis’ por primera vez. Se regalaron camisetas del tema, se pincharon canciones de temática gatuna, y se celebró un bingo en el que los números eran canciones sobre gatos. Sin embargo, hay un punto de oscuridad evidente en esta producción que, como el single anterior, ha realizado Zahara en solitario.
‘Tus michis’ parece una canción divertida, hecha para el meme, todo un contraste con ‘PUTA’: cantan unos gatos sampleados, y constituyen el estribillo, nada menos. Pero esto no es ‘Caída libre’ featuring Yola Berrocal, y hay un punto siniestro, desplegado en varios sentidos, comenzando por esos detalles de percusión industrial en un puente.
Por un lado, Zahara reconoce de nuevo una falta de valor si es para defenderse a sí misma («No sé pelear por mí, no puedo ponerme ahí y decir «Que no me jodan la vida»»). Tampoco se considera, aparentemente, una persona «buena» o el mejor «ejemplo» («te he dejado a mi hijo, para que vea pureza, para que tenga el ejemplo, de una persona buena»).
Por otro, sí es capaz de reunir valor si es para ayudar a una amiga y defenderla. Si en el vídeo Zahara se hace las uñas, no es para pintárselas: «se las clavo a cualquiera que se atreva a decirte que no vales la pena». La cantante ha escrito un largo texto para explicar que esta amiga es la escritora La Benito (Patricia Benito), cómo se conocieron, y la importancia que ha tenido en su carrera. El álbum rondará la idea de hogar y, para comprobar qué grado de luz y sombra implica eso, habrá que esperar un par de meses. Carta de Zahara:
«La Benito llegó a mi vida en una clase de yoga.
En un ejercicio de relajación, nos miramos y empezamos a reír a carcajadas sin que nadie entendiera nada. Ni siquiera nosotras lo sabíamos muy bien, pero, aun así, sentí que ella y yo compartíamos algo único que solo nosotras podríamos entender.
Durante estos años, ha formado parte de muchísimos momentos de mi vida. Me ha ayudado en mis mudanzas, ha estado cogiéndome la mano en situaciones de auténtica flaqueza, ha escuchado mis canciones antes de que existieran, ha cuidado de mi hijo siempre que lo he necesitado, ha dormido a mi lado, me ha prestado sus libros, me ha recogido de la estación, se ha emborrachado conmigo. La recuerdo al otro lado del teléfono durante la pandemia, cuando hacíamos videoconferencias y nos llevábamos de habitación en habitación hasta olvidarnos dentro de la nevera.
Un día me escribió, hecha polvo, porque había recibido una mala noticia de alguien importante para ella, y pensé que no era justo. Sentí por ella toda la ira que jamás había podido sentir conmigo. Me di cuenta de que, por Benito, haría lo que hiciera falta. Tomé toda esa energía de furia y amor y, como si fuera una superheroína creada solo para mi Patricia, empecé a utilizar todas las armas de las que disponía para mi venganza: hice una canción. Pero no terminó siendo una canción de rabia, aunque al principio pareciera que este personaje de uñas imposibles iba a acabar degollando cabezas.
Lo que acabé escribiendo fue una canción de amor.
‘Tus michis’ es una canción de amor a La Benito.
Es una canción de amor a los gatetes, aunque me muera de alergia.
Es una canción a esa fuerza mágica que no sabemos que tenemos dentro, pero que aparece cuando tenemos que pelear por nuestras amigas.
Es una canción majísima, la verdad, porque, además de todo eso, es una canción cantada —literalmente— por michis.
Cuando terminé ‘Tus michis’, entendí que este disco nuevo me iba a llevar a un sitio precioso, donde no solo había un refugio turquesa y una huida del bullicio, sino que Lento Ternura era el hogar. Era el corazón enorme y puro de una de las mujeres más increíbles que he conocido. Era su compañía al otro lado del teléfono y las risas contagiosas desde la otra habitación».
Amaral han tenido que retrasar el lanzamiento de su nuevo disco, ‘Dolce Vita’, por razones familiares del entorno de Juan Aguirre. Tenía que haber salido la semana pasada, pero no ha sido posible. Hoy sabemos que llegará lógicamente ya el año que viene, el 7 de febrero.
Para consolar a sus seguidores, el grupo comparte un 5º single de adelanto tras ‘Rompehielos’, ‘Ahí estás’, ‘Libre’ y ‘No lo entiendo’, que recibe el nombre de ‘Los demonios del fuego’.
Se trata de una canción acústica, casi al modo de las de Nick Drake, en la que eventualmente emergen los arreglos de cuerda. Eva nos canta sobre el camino hasta que «encontramos lo que es verdaderamente importante, y sobre encontrar nuestro sitio al fin». Según la nota de prensa, «habla también de la capacidad de reconstruirnos después del dolor y de recuperar la ilusión».
La letra en primer plano habla de nuestra lucha en el pasado («arañar la tierra con mis manos, manos que ahora son raíces, y que antaño fueron cicatrices de tiempos difíciles»), lo cual no ha desgastado las ganas de vivir. El estribillo asegura que «si los demonios del fuego vienen a por mí, no les tengo miedo, les espero aquí».
El dúo anima a su audiencia, anticipándose a la Navidad: «Esperamos que esta canción os acompañe estos días estéis donde estéis: lejos de vuestra casa o en familia, en paz o cabalgando a lomos de un caballito del diablo».
La profecía del anterior disco de Laura Marling se ha cumplido en su nuevo álbum: aquella «canción para nuestra hija» (una hija imaginaria que la artista entonces no sabía si realmente querría tener alguna vez) es ya una realidad, y casi se podría decir que este es realmente el disco para ella, nacida hace 2 años.
Laura compuso las canciones de este ‘Patterns in Repeat’ en un fogonazo de inspiración durante sus tres primeros meses de maternidad, que describe como un período en el que estuvo “colocada… literalmente con un subidón psicodélico”, por efecto de la oxitocina, la hormona natural que segregan las madres al dar a luz para fomentar el vínculo con sus hijxs.
En una artista con tantos (e interesantes) cambios de rumbo en su carrera no sorprende especialmente este giro de los acontecimientos -de las dudas a abrazar de lleno la maternidad- pero en realidad se trata de un viejísimo dilema que las artistas (de los conflictos de Joni Mitchell al reciente ‘I Think About It All The Time’ de Charli XCX) conocen bien: el miedo a perder el tren de tu carrera y de tu identidad si te montas en el de la familia, y viceversa.
En este asunto las decisiones y experiencias de cada cual son altamente personales, y Laura en este nuevo y formidable disco se abstiene de sermonear o juzgar, simplemente describe musicalmente su experiencia, que en su caso ha sido transformadora y empoderante, aunque no exenta de sombras (“Life is slowing down but it’s still bitchin’”, canta en la hermosísima ‘Child of Mine’).
El resultado es lo que personalmente me parece el mejor disco de Marling hasta la fecha: una colección de canciones serenas, reposadas, pero a la vez increíblemente vibrantes. Su parquedad arreglística no hace sino realzar unas letras llenas de poesía reflexiva, algunas de las mejores melodías de su carrera, e incluso la capacidad de Laura de llevar todo el peso rítmico con su experta técnica de guitarra (es el primer disco de la artista totalmente carente de percusiones).
Esto no sale de ninguna parte: lxs amantes de su disco anterior reconocerán en este tono musical parte de aquellas canciones de reposado folk con arreglos de cuerda de Rob Moose (que repite aquí). Sin embargo ninguna de aquellas piezas transmitía la belleza trascendente de estas canciones, y pocas llegaban a la sutileza instrumental y musical de ‘Patterns in Repeat’.
Se aprecia en piezas clave como ‘Patterns’: por detrás de una aparente sencillez acústica va emergiendo lentamente -como si amaneciese- un resplandor orquestal que acaba arrastrando la deliciosa guitarra arpegiada e hipnótica (muy ‘Cello Song’ de Nick Drake) hasta un crescendo casi épico. La propia forma en que las cuerdas surgen, serpentean, desaparecen y bailan con la melodía recuerda también mucho a los arreglos orgánicos, vivos, de Robert Kirby para Nick Drake, Vashti Bunyan o Sandy Denny.
El añadido de unos coros trenzados de maneras intrincadas e inusuales complementan admirablemente a las cuerdas a lo largo del disco, pero son especialmente excitantes en esta ‘Patterns’, con el detalle excéntrico maravilloso, casi psicodélico, de ese efecto de delay que hace reverberar psicodélicamente las consonantes de los cruciales versos del final, en los que la vida (esos “patrones que se repiten”) cobra un nuevo significado: “Buscando un sentido, arqueé la espalda / y de la negrura naciste / al principio, abstracta, pero pronto tomaste forma / Y ahora el tiempo da un salto y empieza a volar / Y solo entonces me doy cuenta / De que somos patrones que se repiten / Y siempre lo seremos”.
‘Patterns’, ‘Child of Mine’ (con coros de Buck Meek de Big Thief, por cierto), y ‘Caroline’ son las tres piedras preciosas y angulares del disco. Esta última es un brillante retrato de dos personajes, la escena fascinante de un breve encuentro entre dos ex amantes. Él se siente halagado de que Caroline que le haya localizado tantos años después, y juntos rememoran su canción favorita. Pero a cada estrofa, como en los micro-actos de un relato, se acaba precipitando un amable rechazo (“Caroline, ya somos mayores / Me casé y amé a mi esposa / Tengo hijos, ya son mayores / En general, he sido feliz con mi vida…”, “Preferiría que no volvieras a llamarme / Me gustaría mantenerte lejos de mi mente / Tú eres la que se fue, Caroline / Así que la canción se olvidó con el tiempo”). Entre el humor y la melancolía, Marling plasma el efecto de ese alejamiento sentimental en el estribillo de la letra apenas recordada: “la canción decía «la la la, la la la / No sé qué, no sé cuántos… Caroline». Su melodía la convierte en quizá la mejor canción que ha escrito nunca Laura Marling, y sin duda una de las mejores de este año que concluye.
Alrededor de estos tres pilares, cada pieza intermedia aporta gloriosos matices nuevos, desde la miniatura con piano de ‘No One’s Gonna Love You Like I Can’ hasta sus reflexiones sobre la feminidad de ‘Your Girl’, con su guitarra eléctrica, sus gotas de humor y una impecable composición de pop clásico mitad Beatles, mitad cantautora de Laurel Canyon.
O la oscuridad bellísima de ‘The Shadows’, parte ficción, parte anticipo quizá de una futura separación de su hija con el paso del tiempo: “Se marcha, se va / la añoro, la necesito, añoro creerme / las palabras que no pronunciará / Y sabía, por supuesto que lo sabía / que un día ella me destrozaría / Dejó una sombra en mi corazón”. La manera en que entra la orquesta por primera vez en ese “And one day she’ll tear me apart” pone la piel de gallina.
Y en todas las canciones del disco, consistentemente, la voz de Laura suena completamente seca, ausente del más mínimo eco. Siempre en primer plano, permitiendo disfrutarla con un grado de detalle en las texturas fonéticas casi ASMR. Es otro de los secretos de este disco, una cercanía vocal que te hipnotiza, totalmente acorde con una serie de canciones tan íntimas y personales.
Incluso la curiosidad de Laura grabando una canción escrita por su padre, que fue músico de joven, encaja en el puzleo: ‘Looking Back’ es una pieza escrita a los veinte sobre un hombre mayor que mira atrás en su vida y en ella Laura destaca especialmente su vibrato de baja frecuencia, a lo Joni Mitchell.
‘Lullaby’ y ‘Patterns in Repeat’ cierran el disco con especial dulzura. Los últimos versos del álbum mandan además un hermoso mensaje futuro a su hija, el de una maternidad elegida, a diferencia de las de tantas generaciones anteriores: “Quiero que sepas que lo abandoné todo voluntariamente / No perdí nada real con tu llegada / Quiero que tengas parte de mi llama maternal / Parte de mí, eternidad, tolerancia al dolor”.
En una reciente entrevista en la revista Mojo Laura rechazaba una vez más el concepto tradicional de folk para definir su música, diciendo: “Bob Dylan vino de la tradición folk, pero yo soy el eco del eco de eso”. Pero mientras el género se siga renovando y redimensionando con temáticas nuevas, con discos tan brillantes como este, que relatan vidas y preocupaciones del siglo XXI, el futuro del género está asegurado, y la etiqueta seguirá siendo lo de menos.
Vida Festival, que se celebrará del 3 al 5 de julio en Vilanova i la Geltrú, ya había anunciado el pasado verano la presencia de Supergrass, coincidiendo con el cierre de la 10ª edición de este evento. Interpretarán su disco clásico ‘I Should Coco’.
Ahora suma una treintena de nombres, entre los que destacan Future Islands, The Lemon Twigs, Benjamin Clementine, Ezra Collective o Billie Marten, una de las voces más prometedoras del folk británico.
En cuanto a la escena nacional, destacarán nombres como Carlangas, Carlos Ares, rusowsky, Parquesvr, Yerai Cortés, que el año pasado no pudo estar en Vida por un accidente doméstico, y Anna Andreu, entre muchos otros que descubrir en próximos meses.
Otros artistas que se suman son Joe Goddard y el dúo australiano Royel Otis, que recientemente ha llevado a las listas británicas su versión de ‘Linger’ de Cranberries.
De no ser por Kendrick, la Canción del Año sería ‘Right Back to It’, el temazo alt-country que ha coronado la carrera de Waxahatchee. No gustó tanto el clásico country de Beyoncé, ’Texas Hold’Em’, y la canción que aparece de esta es ‘II Hands II Heaven’ y no lo hace hasta el puesto 50. Los temas escogidos para el top 10 de Sabrina Carpenter y de Charli xcx son ’Espresso’ y el remix con Lorde, respectivamente.
Ariana Grande, Lady Gaga -ni con Bruno Mars-, Dua Lipa y Taylor Swift son algunas de las ausencias más significativas a primera vista.
Os dejamos con el top 10, en su web podéis encontrar el top 100 incluyendo a The Cure, Caroline Polachek o Empress of, y os recordamos que JENESAISOP publicará sus listas en un fanzine de 128 páginas a todo color en torno al 20 de diciembre. Ya se puede reservar en nuestra tienda online.
1.-Kendrick Lamar / Not Like Us
2.-Waxahatchee, MJ Lenderman / Right Back to It
3.-Chappell Roan / Good Luck, Babe!
4.-Jessica Pratt / Life Is
5.-Still House Plants / M M M
6.-skaiwater / rain
7.-Sabrina Carpenter / Espresso
8.-MJ Lenderman / Wristwatch
9.-Charli xcx / Girl, so confusing, featuring Lorde
10.-Jane Remover / Magic I Want U
Existen pocas historias con la relevancia cultural de ‘El mago de Oz’. Desde la publicación del libro infantil de Lyman Frank Baum en 1900, ha sido adaptada a la pantalla en innumerables ocasiones, la más célebre en la película de Víctor Flemming en 1939, y su impacto en el imaginario popular es inmenso. El viaje de Dorothy para descubrir lo que se esconde tras el arcoíris se ha convertido en todo un referente para el colectivo LGBTQ+ y para cualquiera que no cumpla con los cánones sociales establecidos. En 2003, la historia se revitalizó gracias al musical ‘Wicked’, de Stephen Schwartz, basado en la novela ‘Wicked: Memorias de una bruja mala’, de Gregory Maguire publicada en 1995. La obra fue todo un éxito, logrando diez nominaciones a los Tony y manteniéndose en cartel durante años.
Ahora llega su versión cinematográfica, con Cynthia Erivo y Ariana Grande, dos de las voces más espectaculares de Broadway y de la música pop, respectivamente. La primera interpreta a Elphaba, una joven que ha sentido el continuo rechazo del mundo, incluido el de su familia, por nacer con la piel verde; la segunda es Glinda, una chica popular y extremadamente privilegiada. Ambas se conocen en la universidad, donde Elphaba destaca inmediatamente por sus inusuales poderes mágicos que aún no es capaz de controlar. La obra juega con la dicotomía del bien y el mal a ojos de la sociedad, y se centra en el viaje interior de su protagonista para encontrarse a sí misma y lograr sentirse cómoda en su propia piel.
‘Wicked’, que ha sido un gran éxito de taquilla, llega en un momento idóneo para su éxito. Es puro cine de evasión y entretenimiento en tiempos oscuros: el triunfo de Trump en Estados Unidos pone en peligro los derechos de poblaciones vulnerables, Rusia amenaza con iniciar una guerra mundial, Israel continúa bombardeando Palestina. La película demuestra que, en cualquier época, la tierra de Oz siempre funcionará como un refugio contra el despiadado mundo real.
No obstante, esta adaptación cinematográfica no está exenta de problemas. El principal y el más grave de todos está precisamente en esa ansia capitalista por exprimir al máximo cualquier éxito. El musical original estaba dividido en dos actos y duraba aproximadamente dos horas y media, mientras que la película finaliza con el primer acto a las dos horas y cuarenta minutos, dejando la historia abierta hasta el año que viene cuando se estrene la secuela. Esta expansión no se traduce en una mayor exploración del universo creado, sino más bien en un lastre. No hay justificación para los infinitos diálogos excesivamente explicativos que preceden a los números musicales. En este género, las canciones están para expresar los sentimientos de los personajes, sustituyendo así a los diálogos. Tener ambas cosas es reiterativo e innecesario.
El aspecto visual también es decepcionante en muchos frentes. Sobre todo teniendo como referencia la película de Flemming, donde el Technicolor brillaba con una fuerza radiante. Aquí todo es digital hasta el agotamiento, y la paleta cromática mucho más apagada de lo que debería, impidiendo transmitir la magia de Oz. Gran parte de la culpa es de su director, Jon M. Chu, quien no solo no saca partido de la historia ni de los números musicales, sino que los entorpece mediante un montaje lleno de cortes que impide a la película respirar, sobre todo, durante las canciones (especialmente flagrante es el caso de ‘Defying Gravity’).
A pesar de ello, y atravesando todos los vicios del cine comercial contemporáneo, puede vislumbrarse cierto encanto en ‘Wicked’. Los intérpretes son quien mejor parecen haber entendido el espíritu de la obra, siendo ellos realmente el alma de la película. Cynthia Erivo compone una Elphaba, quizá demasiado intensa y seria, pero solvente. Se puede apreciar el esfuerzo y esmero que la actriz británica ha puesto en dar vida a su personaje. En un registro más desenfadado está Ariana Grande, en uno de esos papeles que pueden darle muchas alegrías en la temporada de premios. Su vis cómica es evidente en un personaje que ofrece a la cinta sus mejores momentos.
‘Wicked’ es una superproducción diseñada para arrebatar los corazones y vaciar los bolsillos de los espectadores. Atendiendo a las cifras que ha obtenido y la reacción del público, el objetivo está más que conseguido. Sin embargo, hay motivos para pedir mucho más, particularmente en el ámbito cinematográfico. Rascando entre todas esas capas de CGI y purpurina, no hay ni una idea visual, ni una escena, ni nada que le haga a uno pensar que esta película vaya a ser relevante en el futuro. Ni siquiera el día de después de que se den los Oscar.
El top 10 de la lista de Discos España es totalmente diferente a lo que era la semana pasada. ‘BUENAS NOCHES’ de Quevedo ha entrado directamente en el número 1, moviendo a Rauw Alejandro y a su ‘Cosa Nuestra’ al segundo puesto. Marea ocupa la tercera posición con la edición 25 aniversario de ‘La Patera’. El disco navideño de David Bisbal y ‘From Zero’ de Linkin Park ocupan el cuarto y quinto puesto, respectivamente.
La banda sonora de ‘Wicked’ (#6), ‘Ayer… Aún’ de Raphael (#7), ‘GNX’ de Kendrick Lamar (#8) y ‘El silencio del ruido’ de Samuraï (#9) también entra en la clasificación. Lamar, con su disco lanzado por sorpresa, también ha conseguido el número 1 del Billboard 200. Es su quinto disco consecutivo en conseguir debutar en el puesto más alto de la lista estadounidense. El sexto, si se cuenta el disco de ‘Black Panther’.
La nueva temporada de ‘Arcane: League of Legends’ también viene representada en la lista, con la banda sonora entrando en el número 14. ‘Clímax, final feliz’, el concierto de Rayden en vivo desde el Wizink Center, entra en el número 23.
Por otro lado, la edición 20 aniversario de ‘How To Dismantle A Bomb’ de U2, ‘A Pelo’ de Platero Y Tú, ‘One Assasination Under God’ de Marilyn Manson y ‘201’ de Manuel Turizo también han conseguido un puesto en la primera mitad: en el 28, el 29, el 31 y el 32, respectivamente. ‘NAIKI’ de Nicki Nicole es el último disco en entrar en esta parte de la tabla, en la posición 39.
‘Small Changes’ de Michael Kiwanuka ha entrado en el puesto 56, mientras que ‘The Last Will and Testament’ de Opeth ha conseguido el 57. Por último, Israel B y LOWLIGHT se cuelan en el número 70 de la lista con ‘Mi propio peor enemigo’.
La ruptura de The Beatles es uno de los sucesos más mitificados de la historia de la música. El próximo 12 de diciembre, los documentos legales que detallan todo lo que ocurrió serán subastados, tras haber sido encontrados recientemente. Los archivos, con más de 300 hojas, fueron descubiertos en un armario, almacenados desde la década de 1970. El proceso para la disolución de la banda no terminó hasta 1974.
Estos incluyen copias de las actas de reuniones con el asesor del grupo, textos legales y unos términos y condiciones de un acuerdo entre los miembros de 1967. Estos documentos muestran que, tras la muerte del mánager Brian Epstein en 1967, la banda se dio cuenta de que el dinero generado no se había contabilizado hasta el momento. Es decir, estaban siendo investigados por las autoridades fiscales.
Los archivos también reflejan la batalla judicial iniciada por Paul McCartney contra la banda en 1970, después de que este se opusiese a la decisión de contratar a Allen Klein como nuevo mánager de la banda. Otros también se centran en la salida del grupo de Pete Best, los derechos cinematográficos y musicales del cuarteto o la incapacidad de Klein para rendir cuentas a las autoridades fiscales.
Elton John ha revelado públicamente su pérdida de visión. Lo ha hecho durante la puesta de largo del musical ‘El diablo viste de Prada’, bromeando con que, pese a que no había podido ver la función, sí había sonado de maravilla.
«No he sido capaz de asistir a los preestrenos porque, como sabéis, he perdido la visión. Ha sido muy difícil para mí intentar ver la función, pero me ha encantado escucharlo, y qué bien ha sonado esta noche», ha expresado el cantante británico de 77 años, que también se ha encargado de escribir la música de la obra.
John ya se retiró de los escenarios en 2023 tras actuar en Glastonbury y terminar la gira mundial ‘Farewell Yellow Brick Road’. Fue el pasado septiembre cuando anunció en sus redes sociales que había contraído «una severa infección» que le había dejado con tan solo «una visión limitada» en el ojo izquierdo.
«Estoy curándome, pero es un proceso lento y tardaré en recuperar la vista en el ojo que ha sufrido el impacto», aseguró en su momento.
LaBlackie es una rapera de Barcelona que ha dado mucho de qué hablar en el último par de años tras hacerse viral en TikTok. «Yo salí de la costilla de una raxet» es ya un estribillo icónico de Marina Neumann y pertenece a su single de 2022 ‘Costilla de Raxet’. «Raxet» es una españolización del término «ratchet», nacido de la jerga del hip-hop estadounidense y que describe a una mujer «choni» y empoderada. Con ‘Costilla de Raxet’, LaBlackie expresa que su talento ha nacido del de otras raperas anteriores: ella cita a Nicki Minaj y La Zowi entre sus principales influencias.
Desde 2022, LaBlackie ha lanzado el EP ‘Pretty Bitch’ y singles sueltos como ‘Stephanie’ o ‘No Hook Freestyle Pt.2’. También ha aparecido en el remix de ‘Mis niñas’ junto a L’Beel, otra cantante de Barcelona sobre la que os hablamos hace unos meses.
Recientemente, LaBlackie ha fichado por Universal y, este viernes, ha publicado su álbum debut, ‘La Favorita’. El disco incluye los singles ‘Blessd’ -el primero de Marina tras su salto a una multi- y ‘Chinu Chanu’ y colaboraciones de Villano Antillano en ‘Maremoto’ o de Israel B en ‘Muévete’. El focus track del viernes ha sido ‘Violence’, Canción Del Día para hoy lunes.
De Nicki Minaj, LaBlackie puede haber aprendido su forma rápida y agresiva de rapear, y eso ofrece la artista barcelonesa en ‘Violence’, un temazo de hip-hop lleno de bragadoccio y de barras contra esos «chulos» que van de lo que no son. LaBlackie señala también a los raperos homófobos («odian a los gays pero por ser homos») y remarca su autenticidad: «me siento diva haciendo esta mierda / pero ya era chula cuando iba en mochila».
Sobre una agresiva base de hip-hop con golpes de piano a lo ‘HUMBLE.’ de Kendrick Lamar, producida por Groove 2070, LaBlackie sobre todo subraya que ella ha llegado para quedarse: «yo siempre supe que nunca fui un flop» es otra de las muchas barras citables de ‘Violence’.
Desde que Nueve Desconocidos se dio a conocer allá por 2021, el proyecto de post-punk y darkwave del valenciano Ares Negrete ha publicado dos interesantes discos entregados a la oscuridad, ‘Primer disco de Nueve Desconocidos llamado Nueve Desconocidos‘ (2021) y ‘Toque de ánimas‘ (2023). ‘Gremlin’, ‘Todos mis cristales’, ‘Llagas, ‘Soledad’ o ‘Preguntas’ junto a El Último Vecino han creado un universo propio en el que también ha cabido una curiosa versión de ‘Me pongo colorada’ de Papá Levante (que ya era una canción oscura).
Negrete nació en Alicante y Benidorm le fascina. Por eso, el músico profundiza en su amor por Benidorm en una nueva edición de «Meister of the Week», la sección de JENESAISPOP patrocinada por Jägermusic en la que artistas hablan de sus intereses extramusicales. Negrete recuerda sus experiencias en Benidorm de niño, explica por qué vale la pena visitar Benidorm en invierno y recomienda su bar favorito de la ciudad.
¿Por qué has decidido hablar de Benidorm?
¡Porque me flipa!
¿De dónde viene el concepto de Benidorm actual?
Al parecer hubo un alcalde en Benidorm, durante el régimen franquista, que vio en su ciudad potencial para hacer una ciudad turística, un destino para turistas europeos. El problema es que, en la época, el bikini no era legal. Entonces, ese señor viajó en su Vespa desde Benidorm hasta Madrid para convencer a Franco de legalizar esta práctica del bikini. En la época, España se abría al comercio con Estados Unidos, así que al caudillo no le pareció mal y le dio los permisos necesarios para crear Benidorm.
Fun fact: la iglesia se opuso a toda esta explotación de la ciudad (por aquel entonces pueblo) ya que enaltecía la lujuria y la degradación del ser humano, pero como el gobierno de la dictadura dio el visto bueno, no pudieron hacer mucho para impedirlo. Lo que sí hicieron fue colocar, en lo alto de la mañana, a la izquierda del Paseo Marítimo de la playa de Poniente, una cruz de neón gigantesca para que los pecadores pudiéramos verla y arrepentirnos de nuestros pecados. ¡A día de hoy sigue en pie!
Eres de Alicante y Benidorm te queda a tiro de piedra. ¿Veraneabas allí en tu infancia? ¿Lo sigues haciendo?
Tengo recuerdos desde que soy pequeño de ir los sábados al rastro El Cisne. Me acuerdo de ver el cartel de la discoteca Penélope y de preguntarle a mis padres si esa discoteca se llamaba así por la actriz. Recuerdo ir con mis padres a conciertos en bares y concentraciones de motos y coches clásicos por la zona también desde que era un chavalín. No veraneo ahí porque ya vivía en la costa a unos pocos kilómetros de esta ciudad.
Cuando me mudé a Madrid me di cuenta de que en realidad no odiaba mi ciudad ni nada parecido. Me explico: cuando eres un adolescente de una ciudad pequeña en la cual, además, no hay mucho apoyo al arte en general, te sientes aprisionado y limitado y empiezas a asumir que el hecho de vivir de tu música propia es un sueño, y que conforme vayas envejeciendo te vas a tener que conformar con tener un curro normal y tener la música como afición. Por eso, mucha gente de comunidades sin mucho apoyo a lo artístico acabamos mudándonos a la capital. Sin embargo, ya residente en Madrid, cada vez que iba a Alicante a visitar a mis padres me sentía más conectado a mis raíces mediterráneas. Cada vez tengo más claro que mi identidad es ser mediterráneo.
¿Eres fan de Benidorm o tienes una relación de amor/odio con la ciudad?
Soy absolutamente fan es mi ciudad española FAV
¿Cómo son tus primeros recuerdos de Benidorm?
¡Pues lo dicho anteriormente! Ir al rastro El Cisne, pasear por el Paseo Marítimo de la ciudad, ir a conciertos de amigos de mis padres o de mi padre por pubs de la zona, ir a Terra Mítica, Terra Natura y Aqualandia, ver carteles de shows de cabaret en el Benidorm Palace… y flipar con la isla de Benidorm y con sus leyendas, como la que dice que la piedra que le falta al Puig Campana es la propia isla. De hecho, quizá ese fuera de los primeros “misterios» que suscitaron mi interés por el mundo de lo oculto y lo paranormal.
«Todo Alicante tiene un halo de misterio bastante palpable, como si estuvieras en ‘Twin Peaks’ a la española»
¿Conoces Benidorm en otras épocas del año, por ejemplo en invierno?
Sí, voy intermitentemente durante todo el año ya que está al lado de la casa de mis padres. Tengo un recuerdo súper fuerte de Benidorm. Un día, poco después del confinamiento, en 2020, quedé con mi amigo Rodrigo y fuimos con su padre a cenar a una pizzería en Benidorm. Hacía un año y pico que no iba por la ciudad, y coincidió con toda la reforma que le estaban haciendo: la hicieron más peatonal y la llenaron de unos halos de luz rarísimos y unas pantallas LED gigantescas. Esa imagen de la ciudad me impactó mucho y me hizo ver, por primera vez, que Benidorm es una especie de ciudad cyberpunk o, al menos, una ciudad en la que un futuro distópico cyberpunk sería increíble de ver. Aparte del impacto de todo este cambio, no había ni una sola persona por la calle, cosa que te hacía sentir de verdad en una sociedad de una novela distópica.
Aparte de esta anécdota, en Benidorm suele haber turismo todo el año. El año pasado se viralizó un vídeo de una mujer británica que estaba desnuda en el paseo celebrando el año nuevo.
¿Cuál es la percepción de Benidorm por parte de sus locales, o de la sociedad valenciana en general?
Mis amigos de Benidorm, que tienen mi edad, suelen irse de la ciudad y de otros sitios de Alicante, pero no creo que sea únicamente un fenómeno de esta ciudad en concreto, simplemente la gente se muda para avanzar con su educación u oficio. A la gente que nació allí, de mi edad, les encanta su ciudad, al menos a la que yo conozco. También tengo la sensación de que la valoran más todavía al haberse ido, como me pasó a mí.
A la gente de Alicante (comarca) a veces se nos olvida que Benidorm es una cosa que existe y que tenemos muy cerca, a pocos kilómetros. No hay tanta gente de la zona del centro de Alicante que salga por Benidorm, a pesar de que está relativamente cerca, a una media hora en coche. Creo que es tan increíble que un sitio así esté tan cerca que la gente de alrededores no termina de computarlo.
Pasa también con destinos naturales increíbles como la laguna rosa de Orihuela o las dunas de Santa Pola. Sin embargo, otras ciudades como Altea, Javea o Moraira sí son muy visitadas por gente de los alrededores.
«En los bares de Benidorm hay mucha xenofobia hacia los españoles por parte de británicos»
Para ti, ¿qué diferencia Benidorm actualmente de otros destinos turísticos parecidos?
Ninguna de las otras pocas ciudades que ofrecen esta clase de turismo y paisajes impactan tanto a la vista como Benidorm: me flipa el concepto de una ciudad con arquitectura brutalista y sesentera pero de colorines mezclada con edificios ultra modernos y barrios con casitas antiguas. Además, todo Alicante tiene un halo de misterio bastante palpable, como si estuvieras en ‘Twin Peaks‘ a la española o algo así. Prueba de ello (si no has podido vivirlo tú mismo) es un estudio que salió hace unos años en el que se decía que Alicante es el sitio de España con más sectas peligrosas de todo el territorio nacional.
¿Estás de acuerdo con la afirmación de que Benidorm se ha convertido en una especie de «parque temático» para turistas?
Claro.
Como en otros casos, la presencia de hoteles y rascacielos en Benidorm tiene cosas buenas y cosas malas. ¿Cuál es tu opinión? ¿Crees que la masificación turística ha ido demasiado lejos?
Pasa con muchos sitios de ciudades costeras mediterráneas, también pasa en parte de Galicia, aunque el turismo allí es más nacional. En el caso concreto de Benidorm, el turismo lleva tantos años siendo de la manera en la que es que nadie debate sobre si está bien o está mal que la ciudad se explote en la manera en la que se explota. Tampoco se plantea por el hecho de que toda la ciudad fue en realidad diseñada por y para el turismo. A mí personalmente me da pena que se derrumben edificios históricos de la zona que me encantan para construir rascacielos y hoteles.
Las playas de Benidorm más populares son Levante, Poniente y Mal Pas. ¿Prefieres alguna en concreto? ¿No te gusta la playa?
Prefiero las calas. Si te soy sincero creo que nunca he ido a una playa de Benidorm, a Benidorm voy a flipar con la ciudad, porque me pone súper contento ir. Fui alguna vez al Racó del Conill, que está al final de Vilajoiosa, casi en Benidorm. Es lo más cercano que he estado de bañarme en Benidorm.
«Me da pena que se derrumben edificios históricos de la zona para construir rascacielos y hoteles»
¿Cómo valoras la vida nocturna de Benidorm?
Chulísima, aunque es cierto que hay que estar avispado a veces para que no te roben, al menos no muy borracho. Ah, y hay bares en los cuales hay mucha xenofobia hacia los españoles por parte de británicos, bares en los cuales si eres español tienes que hacer una cola inexistente: la cola es que el portero te deje entrar cuando a él le apetezca mientras ves pasar a decenas de turistas ingleses dentro. Pero bueno, a mí personalmente no me molesta, si no quieres ir a ese garito no vas y ya está.
¿Qué bares de Benidorm recomiendas para ir de noche?
Me gusta mucho el Café Benidorm, en la Avenida Mallorca. Tengo un buen recuerdo de él. Recuerdo estar con mi amigo Mitch por Benidorm de fiesta y avisar a un colega que vive ahí que nos llevó a este sitio. Desde entonces cada vez que salgo por ahí suelo ir. Hay un DJ increíble que suele pinchar disco y en el aseo te encuentras con un señor que te ofrece un montón de cosas como perfumes y un largo etcétera de cosas loquísimas. Además, por dentro es entero de madera y hay una pista de baile. Es un sitio que lleva abierto muchísimos años y ha mantenido casi toda la decoración original.
¿Crees que Benidorm debería, como destino turístico, mejorar en algún aspecto?
Creo que lleva muchos años siendo como es y que todos hemos aceptado la clase de turismo que atrae esta ciudad.
Çantamarta es uno de los grupos revelación de España de los últimos tiempos: el trío formado por Luis Lozano, Beni Casado y Omar Molina ha hecho del llamado «mestizaje» su forma de expresión y, especialmente, los ritmos latinos les influyen, pues su vocalista, Luis, procede de Venezuela, mientras Beni y Omar se han criado en Andalucía; el flamenco también atraviesa su sonido.
Después de darse a conocer con éxitos como ‘Lluvia’, ‘Chinita’ o ‘Liit’ con rusowsky, Çantamarta ha publicado su estupendo álbum debut, ‘PASARELA‘, en el que conviven sonidos diversos de América Latina y el Caribe pasados por un prisma pop y electrónico.
‘Pasarela’, la pista titular, es una de las más rítmicas, mezclando dembow, hip-hop y otras rítmicas afrocaribeñas. En el estribillo, salsero, Luis canta que tiene «mucho’ pana'» pero «poco’ amigo'». Esta frase resume el sentido de toda la canción, que explora «el sentimiento migrante», en palabras recogidas por MondoSonoro. ‘Pasarela’, en concreto, «hace énfasis en el conflicto que muchos jóvenes latinxs atraviesan en el momento en que dejan su hogar más las múltiples preguntas que les rondan la cabeza durante el proceso».
En la letra, Çantamarta «espera un cambio» pero se topa con «nuevas leyes de extranjería» y convive con «militares» que les «acechan» y con la oscura realidad de la integración: «Hay rumores en el centro que pa’ conseguir asiento / Tengo que cambiar acento con los sapos del momento», rima el grupo. En el estribillo, Luis vendría a expresar que comparte la experiencia migratoria con otras personas, pero que en el país de acogida sigue siendo el Otro. O, mejor dicho, que sigue siendo convertido en el Otro, por otras personas.
Por supuesto, la gracia de ‘Pasarela’ es ser un Caballo de Troya musical, pues para contar la cruda y agria realidad de la inmigración utiliza una forma tremendamente vibrante, rítmica, divertida y pegajosa. Es la historia de muchas músicas populares, de la salsa al hip-hop. El reconocido percusionista venezolano Marcel Dávila se encuentra entre los músicos acreditados.
Bob Bryar, el músico que tocó la batería en My Chemical Romance desde 2004 hasta 2014, ha sido hallado muerto en su casa de Tennessee. Bryar llevaba desaparecido desde el pasado 4 de noviembre, último día en que se vio al artista con vida, informa TMZ. El servicio de control animal ha acudido al domicilio de Bryar para retirar dos perros que se encontraban en la vivienda. Bryar, que tenía 44 años, ha muerto de causas por ahora desconocidas.
Bryar, que nació el 31 de diciembre de 1979, se sumó a las filas de My Chemical Romance en 2004, poco después del lanzamiento del segundo disco de la banda, ‘Three Cheers for Sweet Revenge’, en remplazo del batería original, Matt Pelissier. Bryar formó por tanto parte del disco más exitoso de My Chemical Romance, el multiplatino ‘The Black Parade’ (2006).
Bryar tocó la batería en My Chemical Romance en el álbum final de la banda, ‘Danger Days: The True Lives of the Fabulous Killjoys’, y escribió varias de sus canciones, pero dejó la formación poco antes de su disolución oficial en 2013. En 2014, My Chemical Romance lanzó el recopilatorio de éxitos ‘May Death Never Stop You’.
En 2014, Bryar dejó la música para dedicarse a una nueva carrera, convirtiéndose en agente inmobiliario profesional a partir de ese año.
Hace poco reproducíamos las declaraciones de E. Kidd Bogart sobre la letra de ‘SOS’ de Rihanna, cuya segunda estrofa se compone de títulos de éxitos pop de los ochenta, tan bien hilvanados que nadie se ha dado cuenta de la idea en quince años.
El mismo recurso utiliza Cyn en ‘The Smiths’, el single que presenta la reedición de su disco, ‘Valley Girl’, publicado en fascículos. ‘The Smiths’, la Canción Del Día para hoy, es otro tema destacado de este álbum, como ‘I Don’t Care‘.
Cynthia Nabozny, artista amadrinada por Katy Perry en su sello discográfico, Unsub Records, lanza con ‘The Smiths’ un maravilloso homenaje al grupo de Morrissey, lleno de referencias a su música, y también un recordatorio de cuánto un mal recuerdo puede arruinar tu relación con un grupo musical.
«Cada vez que escucho a los Smiths pienso en ti / Dios santo / Solo el cielo sabe cuán miserable soy», canta Cyn en el estribillo. Por supuesto, Cyn utiliza el título de ‘Heaven Knows I’m Miserable Now’, el single de los Smiths de 1984, para, de manera muy hábil, expresar el estado de «agonía» en el que le ha dejado ese chico fan de los Smiths del que se había enamorado, pero que ya no está en su vida.
Cyn recurre a otros títulos de los Smiths en la canción, por ejemplo, para recordar con nostalgia a ese «Charming Man» que un día le conquistó.
Una canción llamada ‘The Smiths’ no podía sonar a otra cosa que al pop de los ochenta, en concreto a aquel que hacían las bandas de guitarras, no solo los Smiths, sino también los Pretenders o los Cure. El lyric video incluye imágenes de cintas de casete y vinilos.
El camino de Poppy en la industria del entretenimiento está lleno de giros impredecibles. En 2014 alcanzó cierta fama gracias a YouTube, donde hacía vídeos inquietantes hablando sobre la sociedad y el mundo digital. En 2017 lanzó su álbum debut, ‘Poppy.Computer’, un trabajo electropop que parecía indicar que la artista se convertiría en un nombre importante del pop alternativo. Una sensación que no se disipaba del todo en su segundo largo, ‘Am I A Girl’, que llegaba tan solo un año más tarde, aunque ya ahí había influencias metal más evidentes. Su viraje definitivo al género llegó con su siguiente obra ‘I Disagree’, donde la cantante de Boston dejó claro que no tenía intención alguna de hacer lo que la gente esperaba de ella, ya que después tampoco quiso continuar por esa senda, pues los siguientes en llegar fueron ‘Flux’ -una suerte de homenaje al rock de los 90- y el electrónico ‘Zig’.
En su sexto disco, ‘Negative Spaces’, Poppy recupera una estética similar a la de ‘I Disagree’, solo que aquí su acercamiento al metal es mayor, más agresivo y, en muchos casos, mejor, demostrando que es el género que mejor le sienta. El álbum, compuesto por 15 pistas, se abre con la potente ‘have you had enough’, que funciona como presentación del sonido dosmilero nu metal que reinará en la mayoría del proyecto. Canciones como ‘the cost of giving up’ o la sorprendente ‘they’re all around us’ muestran a Poppy entregándose a las voces guturales y a melodías pegadizas en una línea similar a los primeros Linkin Park. Ambas producciones proponen un sonido abrasivo, donde destacan unas percusiones que parecen metralletas, dotando a ambos temas de una rabia y urgencia muy necesarias.
Sin embargo, no todo el disco posee esa oscuridad. Las cosas se suavizan justo después con ‘yesterday’ y, especialmente, con el electropop de ‘crystallized’, que retrotrae a la Grimes de ‘Art Angels’. Es habitual que Poppy introduzca en sus trabajos estos contrastes tan bruscos. Es algo que lleva haciendo a lo largo de toda su trayectoria, pero en esta ocasión se sienten algo fuera de lugar, lastrando ligeramente la fluidez de la secuencia. Lo mismo puede decirse del pop punk a la Avril Lavigne de ‘vital’ o de los tintes electrónicos que ofrece ‘push go’. Poppy quiere seguir demostrando que es una artista versátil que se niega a ser encasillada en ningún género ni estilo en particular, pero en esta ocasión la insistencia no hace falta: ya lo sabemos. Esas canciones ya las ha hecho antes y de forma más atractiva.
‘Negative Spaces’ funciona muchísimo mejor cuando se olvida de todas esas Poppys del pasado y se centra en la que este disco necesita, que es su versión más metalera, cuando homenajea la música de los 2000 que triunfaba cuando era pequeña. Hay mucho de Evanescence, y en concreto, de ‘Everybody’s Fool’ en ‘nothing’, un tema que, pese a no tener la fuerza de las tres primeras canciones del disco, recupera su rumbo con un sonido amenazador y una buena interpretación vocal. A partir de ahí, el álbum vuelve a brillar en las producciones y a atrapar, como en ‘the center is falling out’, plenamente cantada -o gritada- con voz gutural. O en ‘surviving on defiance’, quizá la pista que mejor asimila varios de los géneros que baraja la artista en este proyecto, yendo desde el metal sinfónico, al pop punk o el rock. Una de las joyas de la corona llega casi al final con ‘new way out’, donde combina un gran estribillo pop con una instrumentación nu metal. El álbum, sin embargo, decide cerrar con ‘halo’, una balada correcta pero perfectamente prescindible.
En su sexto disco, Poppy consigue algunas de las mejores canciones de su carrera, pero se nos presentan mezcladas con otras muchas que no alcanzan esos niveles de inspiración. El resultado final es irregular: en sus mejores momentos resulta eléctrico, en otros simplemente funcional.
Hace un mes que la dana se llevó la vida de más de 200 personas, casi todas en la Comunidad Valenciana. Entre los músicos que se han volcado con la tragedia, hemos visto de voluntaria a Rosalía, y a Rozalén volver a su pueblo de Castilla La Mancha para contribuir con la reconstrucción. Cientos de artistas lograron recaudar casi medio millón de euros a través de la iniciativa Som Valéncia. C. Tangana es el nuevo en sumarse.
Carmen y Juan son un matrimonio de personas mayores que han visto su casa demolida. C. Tangana, a punto de estrenar su documental sobre la familia de Yerai Cortés, descubrió su historia en televisión, y les ha mandado ayuda. En concreto, operarios desde Barcelona para la reconstrucción de un muro en su casa y otras infraestructuras del pueblo de Catarroja.
Carmen le agradece su ayuda a través de un vídeo rodado por RTVE que se está viralizando, y en el que invita a Puchito a su casa en cuanto termine de arreglarla: “Mándame tu teléfono, por favor, en cuanto tenga esto arreglado, tú a mi casa, porque nos has ayudado mucho a todo Catarroja. Por favor, ven, que la juventud te quiere conocer en persona”.
Carmen agradece a C. Tangana (@c_tangana) su ayuda.
"En cuanto tenga esto arreglado, ven a mi casa" #LaHora29N
Hay que ver lo poco que se prodiga en el cine Andrea Arnold -solo cinco largometrajes de ficción en 25 años de carrera- y lo buenas que son sus películas. Y hay que ver lo bien que utiliza las canciones en su cine: con fines dramáticos y narrativos, poéticos, la mayoría de las veces de forma diegética, no como simplonas listas de reproducción de éxitos para epatar al espectador.
Desde los tiempos de ‘Red Road’ (2006), con ‘Morning Glory’ (Oasis) y ‘Love Will Tear Us Apart’ (Joy División), hasta la apoteosis musical que fue ‘American Honey’ (2016), con momentos impagables al son de ‘We Found Love’ (Rihanna), ‘Dream Baby Dream’ (Bruce Springsteen) o ‘American Honey’ (Lady Antebellum), la directora siempre ha utilizado las canciones y los bailes como un recurso estilístico fundamental en su cine. De hecho, ha contado alguna vez que lleva siempre un altavoz a los rodajes para poner música y que prepara listas de reproducción para cada actor como herramienta para prepararse su personaje.
En ‘Bird’, las canciones dicen tanto de los personajes y del contexto social en el que se mueven como cualquier diálogo, detalle de ambientación o escena puramente visual. La música de Burial y temas como ‘The Universal’ (Blur), ‘Lucky Man’ (The Verve) o el ‘Yellow’ de Coldplay (en uno de los momentazos cinematográficos del año), proporcionan a la película una profundidad dramática y psicológica extraordinaria. Mención aparte merecen las canciones de Fontaines DC, cuyo guitarrista Carlos O’Connell hace un cameo. En particular, temas como ‘Too Real’ o ‘A Hero’s Death’ están tan bien integrados en la narrativa que parecen escritos ex profeso para la película.
La protagonista de ‘Bird’ es la típica heroína del cine de Arnold: una chica de 12 años que intenta sobrevivir en un entorno hostil, en un barrio de Kent, al sudeste de Londres, marcado por la pobreza, la violencia y la desestructuración familiar. Pero, lejos de regodearse en la miseria o hacer una denuncia facilona de la alarmante desigualdad que existe en el país, la directora apuesta por un coming of age durísimo pero lleno de calidez humana, atravesado por un elemento fantástico que sirve como hermoso contrapunto lírico y llamada a la esperanza.
Con un trío de actores superlativo -Barry Keoghan (‘Saltburn’, ‘Almas en pena de Inisherin’), Franz Rogowski (‘Disco Boy’, ‘Passages’) y la debutante Nykiya Adams- ‘Bird’ se presenta como un ejemplo de cine temática y estilísticamente anclado en la más cruda realidad (la película sigue las coordenadas visuales del cine naturalista con mucha cámara en mano y montaje nervioso), pero que no teme alzar el vuelo hacia territorios narrativos tan sorprendentes como arriesgados. Arnold coloca su película en el alambre y la mantiene en equilibrio como un pájaro posado en un cable de alta tensión.
rusowsky y Bb trickz es una de las colaboraciones más inesperadas del año. El visionario integrante de Rusia IDK tiene su primer proyecto largo en camino y no sería una locura pensar que este nuevo single forma parte de él. ‘uwu^^’ es una gran mezcla de dos estilos que no podrían ser más diferentes y nuestra Canción del Día.
‘uwu^^’ es otra obra mutante de rusowsky en la que no se sabe qué es estribillo, qué es puente y qué es verso, pero poco importa si las melodías son tan buenas como estas. «El beso de tu amor un puñal / Y el alma llena de espinas», canta ruso marcando el tono del tema, sobre una base compuesta por unas tímidas guitarras eléctricas y los toques glitch acordes al colectivo.
Bb trickz no tarda en aparecer con característico estilo que, sorprendentemente, no le sienta nada mal a una canción tan melancólica como esta. «Con tu polla me basta / Eres mi side ho, AKA mi amor», suelta. Solo ella sabe mantener tan bien el equilibrio entre obsceno y cute. Más adelante, se pone seria: «No me hables de amor, tengo el cora frío, frío / Quiero enamorarme, pero nunca lo consigo».
En el videoclip, tan abstracto como magnético, Bb trickz consigue comprar una garrafa de leche fresca con sus preciados ‘racks’ para que rusowsky se limpie las manos con ella. La imagen es extrañamente hipnotizante.
Sonorama Ribera ha revelado el cartel de su próxima edición, la número 28, que se celebrará entre el 6 y el 10 de agosto en Aranda del Duero. Franz Ferdinand lidera las confirmaciones aunque no es el único nombre internacional anunciado: también está la banda británica Ash, autora de ‘Girl from Mars’.
Manda la música nacional en un cartel que confirma a Viva Suecia, Arde Bogotá, Duncan Dhu, Barry B, La Raíz, Ginebras, FERNANDOCOSTA, Nena Daconte, Rufus T. Firefly, Judeline, Don Patricio, Chambao, Besmaya, Gara Durán, Carlos Ares, Los Punsetes, Íñigo Quintero, Delgao, pablopablo o Soge Culebra.
Como de costumbre, Sonorama Ribera combinará la programación nocturna con una matutina que tendrá lugar en la Plaza del Trigo y que será de acceso gratuito. La programación de mañana de Sonorama se conocerá próximamente.
Los bonos generales y VIP de Sonorama estarán disponibles el domingo 1 de diciembre a las 13 horas y saldrán en tres tramos, 20.000 bonos y 1.000 bonos VIP. Los 2.000 primeros bonos generales saldrán a 75 euros + gastos, los 2.000 bonos siguientes a 80 euros + gastos y, por ahora, el siguiente tramo a 85 euros + gastos.
Los bonos VIP saldrán los 200 primeros a 125 euros + gastos, los 200 siguientes a 140 euros + gastos y, por ahora, el siguiente tramo a 160 euros + gastos. Mientras que el día 10 de agosto, las actividades serán gratuitas y se celebrarán en el pueblo.
