Al tiempo que ha anunciado una gira que la traerá a Barcelona, nada menos que al Palau Sant Jordi el próximo año (entradas a la venta esta semana), RAYE presenta nuevo single. El primer adelanto de su segundo álbum se llama ‘WHERE IS MY HUSBAND!’ y es tan bueno como su debut ‘My 21st Century Blues’.
La letra de ‘WHERE IS MY HUSBAND!’ es todo un circunloquio alrededor del nombre de la canción, que se pregunta por qué los chicos guapos están esperando a que ella se haga vieja. Menciona las APPS y los típicos vestidos de cremallera que no te puedes desabrochar sola a las 2 de la mañana.
La canción se define como «una oda atrevida pero sincera a la búsqueda de RAYE de su pareja ideal», con influencias funk, R&B y soul-pop. El tema, que podría haber aparecido en el ‘Back to Basics’ de Christina Aguilera, cuenta con un divertido vídeo que supone todo un homenaje a las girl groups de los años 60. De hecho, acompañada de coristas, RAYE luce como una Supreme. La búsqueda infructuosa de marido está llena de humor y guiños a otras obras pop.
‘WHERE IS MY HUSBAND!’ está siendo un éxito. El tema ha llegado al puesto 48 en el Global de Spotify, siendo su mejor debut y además es top 29 en el Global de Apple Music. La canción está siendo especialmente un éxito en Reino Unido, donde aspira a un top 5. La cantante lo ha celebrado en redes con lágrimas en los ojos.
Florence + the Machine tiene bien amarrado el número 1 en JENESAISPOP. ‘Everybody Scream’ ocupa la primera plaza por 4ª semana consecutiva, esta vez conteniendo a Lady Gaga en el top 2. ‘The Dead Dance’ ha obtenido el 32% de los votos en las Stories de Instagram, mientras Florence ha llegado al 45%. Muy lejos de ambas quedan Suede y Saint Etienne. Otras entradas destacadas han sido las de Wolf Alice y Amor Líquido con Las Petunias. Deftones rondan el top 20. Ya podéis escuchar cómo ha quedado el top 40, junto a las 10 nuevas candidatas, en Apple Music.
Un hombre de 26 años llamado Noah Castellano ha sido detenido por amenazar de muerte a Morrissey. La amenaza ha tenido lugar en Bluesky, siendo posteriormente borrada.
El 4 de septiembre, habría puesto este mensaje: «Steven Patrick Morrissey, cuando actúes en el TD Place aquí en Ottawa la próxima semana, en la noche del 12 de septiembre a las 9 de la noche, estaré presente en el local entre la audiencia e intentaré dispararte muchas veces y te mataré con una gran pistola que poseo legalmente».
Tras pagar una fianza de 5.000 dólares, Noah Castellano ha sido puesto en libertad a la espera del juicio.
El concierto de Ottawa se desarrolló con normalidad. Sin embargo, Morrissey sí ha decidido cancelar este fin de semana en Connecticut y Boston «debido a los hechos recientes, por abundar en la precaución y la seguridad tanto del artista como de la banda». El cantante agradece «la comprensión» de sus seguidores.
Morrissey ha sido noticia recientemente por negarse a tocar para la ultraderecha británica, con la que ha coqueteado ideológicamente. Ha respondido a una petición de Reform UK que él, es apolítico.
TRIQUELL ha expresado la consigna «Kill Your Idols» en una reciente entrevista, decepcionado con la deriva sionista de Radiohead y la misoginia de The Weeknd. Irónicamente, su música, concebida por él junto a un grupo de compositores y productores del underground catalán a la manera de un colectivo, bebe de tantas y obvias referencias, sobre todo internacionales, que estas saben a idolatría.
Esto, por un lado, enriquece su propuesta y la diferencia de la norma. Pocos artistas catalanes suenan tan evidentemente influenciados por diferentes expresiones del pop internacional, pasado y presente. Pocos ponen tanto empeño en que el nivel de sus producciones se equipare al de las referencias. Pocos lo logran. En ‘Paco Deluxe’ la tensión entre ofrecer un producto original y excesivamente reverente es constante. Pero el finalista de ‘Eufòria’ va a por todas.
De esta manera le salen canciones espectaculares como ‘Procura’, que reconoce estar basada en ‘Numb’ de U2 (Cesc Triquell es nacido en el año 2000), pero que no es una mera imitación, sino una producción llena de ideas interesantes y cautivadoras. ‘333’ es irregular, ya que por un lado su elegante producción de amapiano es refrescante. Sin embargo, su coda podría parecerse menos a la de ‘Escapism’ de RAYE, un éxito global no tan antiguo.
Hay otra tensión en ‘Paco Deluxe’, la manera en que las graciosas y personales letras de TRIQUELL -que no solo hablan de amor, sino también de conflictos emocionales o de su visión del mundo- dialogan con las ambiciosas y mutantes producciones. Sus frases rapeadas a veces caen en el exceso, como demuestra ‘Memòria sobre la necessitat d’entrar en una fase de relaxació i consciència absoluta’. Otras veces, los conceptos son maravillosamente únicos, como el de ‘Loli Country Club’, la historia de una mujer marginada en el siglo XIX que pasa del country al rock y de ahí al dubstep sin pestañear.
El elevado nivel de las producciones consigue que ‘Ghabbo’ ya no sea tan fresca como ‘Jugular’ (de su debut ‘Entre fluids‘). En su lugar, ofrece una pieza más elaborada y una siniestra, a la par que divertida, crítica al capitalismo, que incluye rimas marca de la casa como «li doni qui li doni, anem de party a Sant Celoni». Es llamativa la dirección industrial y oscura de muchos cortes de ‘Paco Deluxe’, por ejemplo en la inicial ‘Em torno boig’, una apertura apabullante, o la mencionada «Memòria». El contraste con las baladas, como la etérea ‘Masovar’, se hace necesario.
Sin embargo, la sencillez de ‘Road Trip’ vuelve a brillar en dos de las mejores pistas de ‘Paco Deluxe’, curiosamente las dos colaboraciones femeninas. El indie-pop de ‘No estic per mí’ con Maria Jaume, en su aproximación al sonido de Empire of the Sun, es precioso. ‘Paradigma’, con Meritxell Neddermann, cierra ‘Paco Deluxe’ recordando a las incursiones pastorales de MGMT. Ese ir y venir entre la «ironía, la emoción, la nostalgia y la fumada del siglo», define la propuesta de ‘Paco Deluxe’.
Desde el principio de los tiempos, el hombre ha necesitado contar historias, tanto para comprender el mundo como para conocerse a sí mismo. Sobre el inmenso poder de la ficción para iluminarnos en los momentos más oscuros quiere hablar ‘El Cautivo’, el último largometraje de Alejandro Amenábar.
El filme presenta a Miguel de Cervantes en 1575, el año en el que fue encarcelado en Argel, donde permaneció prisionero durante un lustro entero. Allí, los reclusos como él pasaban sus días sometidos a las órdenes del despiadado Hasán, el Bajá de la ciudad. Gracias a su talento e imaginación para inventar relatos, no tardó en convertirse en una figura popular entre sus compañeros de cautiverio, a los que fascinaba con sus narrativas.
Durante la primera parte, Amenábar parece centrarse en la heroicidad de crear mundos inventados y libres para escapar de una realidad opresiva y violenta. Un acto que la película reivindica tomándose la licencia creativa de reconstruir la vida personal del más célebre escritor español. No reside ahí el problema de ‘El cautivo’, sino en su manera tan extraña de hacerlo. Desde el primer plano, el cineasta propone una estética que intenta ser históricamente rigurosa, pero cuyo acabado televisivo de cartón-piedra termina imponiéndose en todo momento. Esta búsqueda, en vano, de realismo choca de lleno con un guion desenfocado, que no tiene claro qué es lo que quiere contar ni cómo.
En cierto momento, la cinta se olvida de ese ímpetu creativo y esa ansia de libertad que motiva al protagonista para enzarzarse en una estrambótica trama pseudo-romántica completamente problemática. Es aquí cuando las deficiencias de la película se hacen más evidentes, especialmente en la construcción de los personajes, que son meros títeres sin ningún tipo de profundidad al servicio de una historia propia de un fanfic adolescente. La relación entre Hasan y Cervantes no solo está mal desarrollada sino que es, directamente, un disparate incomprensible.
¿Quién fue Miguel de Cervantes? ¿Cuáles eran sus inquietudes? ¿Cómo llegó a convertirse en una de las figuras más importantes de la literatura universal? Son preguntas que ‘El cautivo’ no ofrece el más mínimo interés por responder. En cambio, Amenábar solo quiere crear una polémica ridícula haciéndolo homosexual (como si esto fuese realmente polémico) y olvidándose de todo lo demás. Para ser verdaderamente provocadora, necesita mucho más que una trama gay: necesita un propósito y un riesgo que el director nunca está dispuesto a tomar, ni visual ni narrativamente.
El mundo que crea ‘El cautivo’ carece de lógica interna. Argel en 1575 se nos presenta en una primera instancia como un lugar hostil y cruel, para más tarde descubrir que estamos ante el epítome de la libertad sexual, con orgías homosexuales ocurriendo en prácticamente cada rincón, desconocidos paseando y lanzándole besos a Cervantes y hombres travestidos pululando por sus calles como si estuviéramos en Chueca, 2025. Además, todos los personajes, aunque en un principio rechacen cualquier asunto LGBTQ+, no tardan en convertirse finalmente en aliados de la causa. En Argel, 1575, recordemos.
No hay absolutamente nada reprochable en reescribir la historia y fantasear con ella, de hecho, hay películas maravillosas que han salido más que victoriosas de esta tarea, pero hay que saber cómo hacerlo. El gran Derek Jarman, por ejemplo, creó una fantasía queer en el siglo XIV con ‘Eduardo II’. La diferencia es que el cineasta británico utilizó el tono adecuado para ello, abrazando el camp y lo kitsch, estableciendo desde el principio unos parámetros estéticos congruentes. Amenábar utiliza un lenguaje visual cercano a un episodio de ‘Águila Roja’ y una solemnidad culebronesca que tiran por tierra cualquier indicio de subversión que conceptualmente su película pudiera tener.
En ‘El cautivo’ vemos a un cineasta artísticamente perdido y a unos actores que no entienden lo que tienen que hacer y decir. El resultado es más parecido a una función de teatro amateur de una asociación LGBTQ+ de Malasaña que a una producción cinematográfica de 15 millones de euros.
‘Tonto por ti’ es una simpática composición sobre dos «pijitos de Madrid» que se atraen. Como señala Raquel Peláez en su libro ‘Quiero y no puedo: Una historia de los pijos de España‘, ser pijo puede ser un asunto espiritual tanto como económico. En el caso de ‘Tonto por ti’, parece que es económico, porque los protagonistas no solo son pijos, sino que, además, lo transmiten en su acento.
Hecha esta importantísima reflexión, ‘Tonto por ti’ no es la producción más pija de Abraham Mateo, ni la más sofisticada. Allí donde en ‘Clavaíto‘ se creció, en ‘Tonto por ti’ entrega, junto al co-productor Fectro, una obra estridente y gritona, marcada por una producción vocal horrible, y trufada de efectismos innecesarios que engullen las voces en la mezcla.
‘Tonto por ti’ salva los muebles por dos razones. En primer lugar, la composición es eficiente y pegadiza, tanto como un single de La Oreja de Van Gogh o de La La Love You, a cuya propuesta recuerda enormemente. La fusión de sintetizadores ochenteros y melodías pop-punk de ‘Tonto por ti’ es la misma o muy parecida que la de los autores de ‘El fin del mundo’.
En segundo lugar, la clave de ‘Tonto por ti’ no es que sus protagonistas sean pijos, sino por supuesto su atracción, y la manera tan identificable y realista en que la expresan. ‘Tonto por ti’ une varios significantes juveniles -fiesta, alcohol, motos- y con ellos ofrece un gracioso aunque nada misterioso ni sutil retrato de la tensión sexual adolescente. Él se pone nervioso cuando ella le «enseña lo dientes», a ella le tiemblan las piernas con su «chulería al andar». Donde acaban, hay que ser tonto para no adivinarlo.
La premisa de que «se puede preferir a Rachmaninov sobre los Rolling Stones, y a Alan Bennett sobre ‘Batman Returns'» continúa marcando la carrera de Neil Hannon. Así aparece en su página web. Ajeno a cualquier revival posible del Brit Pop, pues lo suyo es más sentarse al piano y conectar, como mucho, con un romántico tipo Richard Hawley o Paddy McAloon, el artífice de Divine Comedy llega a su disco número 13.
‘Rainy Sunday Afternoon’ es un álbum que se pregunta por el paso del tiempo y por la muerte a través de su propia vida y de obras ajenas. El single ‘Achilles’ es el cruce entre ambas cosas, pues se inspira en un poema sobre Aquiles que Patrick Shaw Stewart escribió en 1915, dos años antes de morir. Y por otro lado, en el mismo se refiere a un hombre de 53 años con el que Neil se cruza. «Su mente consentida se convierte en pensamientos de mortalidad», dice. O también: «un día no seré nada, qué extraño será sentirlo». Spoiler: Hannon tiene a día de hoy 54 años.
La muerte ha estado presente en el entorno de Hannon. ‘The Last Time I Saw the Old Man’ es un relato tristísimo y detallado del modo en que su padre, enfermo de alzhéimer, fue decayendo hasta morir. La letra es muy dura hablando de alguien que no se puede mover y apenas te reconoce, que no entiende las fotos que le enseñas, o que habla «en círculos cada vez más decrecientes». El tema -intrigante, más que apesadumbrado- se le había atascado a Neil, hasta que lo pudo terminar en el viejo piano del lugar donde se crió. Así, cerró un círculo.
No puede haber disco de Divine Comedy sin humor y ese «hombre viejo» se contrapone a continuación con un hombre que se convierte en silla. Y ese ya no es su padre. El niño que tanto corría y ahora se ha convertido en mueble en ‘The Man Who Turned Into a Chair’ es Neil. Exactamente el Neil que critica su mujer cuando ve demasiados partidos de cricket. El coro, tan misterioso para revelar esta tontería, es pura sorna.
A continuación, Hannon recuerda que aún quiere a su esposa (‘I Want You’) pese a algún conflicto (la muy 70’s ‘Rainy Sunday Afternoon’). Y luego presenta un tema dedicado a su hija, sobre el día que se fue de casa, y que incluye coros de la misma Willow (‘All the Pretty Lights’). Solo una de las múltiples canciones que cuentan con correctos arreglos de cuerda y percusiones, grabados con la ayuda de Andrew Skeet, también multiinstrumentista y corista. ‘Rainy Sunday Afternoon’ vuelve a ser un buen trabajo en equipo en ese sentido, con una generosa docena de músicos convenientemente acreditados.
La segunda parte del álbum introduce números de musical, inconscientemente influidos por su trabajo en ‘Wonka’ (‘Down the Rabbit Hole’), y una suerte de canción política latina que responde al nombre de ‘Mar-A-Lago by the Sea’. Podría haber sido un bolero descorazonador si no fuera porque menciona a los «fascistas» e imagina a Trump saliendo de la cárcel… pero solo porque haya estado antes dentro. Melódicamente una de las más inspiradas, ojalá adelante futuros trabajos.
Ha merecido la pena, en este caso, reseñar las canciones del álbum en orden porque, sin pretender ser un trabajo conceptual o narrativo, hay que destacar que tras este viaje familiar y social, ‘Rainy Sunday Afternoon’ se cierre con un tema llamado ‘Invisible Thread’. Una despedida triste, que deja un poso optimista:
«Cuando sea el momento correcto nos iremos
extenderemos nuestras pequeñas alas y volaremos
no necesitaremos razón de ser, llora si quieres llorar
esto no es un adiós
siempre habrá un hilo invisible entre tú y yo».
Seguro que Neil está pensando en su padre, en su esposa, en su hija… afrontando el síndrome del nido vacío. A mí me gusta pensar también que está pensando en nosotros, su audiencia desde los tiempos de ‘Generation Sex’.
Nacho Vegas ya tiene noveno disco, cuatro años después del último, ‘Mundos inmóviles derrumbándose‘ (2022). El primer adelanto, ‘Alivio’, muestra una faceta diferente del asturiano, a la vez que «da pistas sobre la búsqueda y reflexión de las cosas (semi)preciosas de las que trata» su nuevo álbum.
‘Alivio’ fue concebida durante un baño de Vegas en la Playa de San Lorenzo, y escrita en torno a una frase de William Burroughs, «Quizá todo placer no es más que alivio». Detonó la composición de ‘Alivio’ el contacto de Vegas con un cormorán -una ave acuática- situado bajo el agua. El pájaro acarició a Vegas y el artista empezó a meditar sobre «el placer como alivio y la belleza del mundo representadas en el vuelo de esas elegantes alas negras».
‘Alivio’ no es tan sesuda como suena, sino que es una canción de fondo ligero y pop, pero de vestiduras blues y folk, aunque tan poética como de costumbre. Vegas reflexiona sobre la condición humana, sobre el conflicto entre necesitarse, amarse y odiarse, sobre «lo poco que somos» en la inmensidad del universo, mientras el tiempo y el viento continúan su curso.
Es un ‘Alivio’ además que Nacho Vegas siga explorando nuevos caminos musicales: en ‘Alivio’ los arreglos de cuerdas, percusiones y guitarra eléctrica dibujan una probable fusión entre los estilos de Calexico y Nick Cave, por situarla en alguna coordenada concreta. Tiene algo de country orquestal, algo de folk pastoral, algo de Louisiana blues, y todo de Nacho Vegas.
‘Alivio’ se presenta con un videoclip dirigido por Jordi Santos, cuya visión «nos invita a conocer la calma de Nacho en armonía con la naturaleza, escenario donde también irrumpen, inevitablemente, pensamientos más oscuros». «En esta pieza», indica la nota de prensa, «vemos al artista en una búsqueda íntima junto a su otro yo, que a veces encuentra respuestas en otro tipo de paraísos».
El vínculo societario de BRAVA Madrid con KKR, el fondo de inversión con lazos en Israel, ha estado en boca de todos en los últimos días, a medida que se ha ido acercando el inicio del festival, que empieza hoy.
El silencio sepulcral de BRAVA Madrid en torno a la polémica había desconcertado a sus seguidores. Muchos han decidido devolver sus entradas en los últimos días o semanas. Paralelamente, artistas que estaban confirmados en el cartel, como Villano Antillano, han desaparecido de la programación de manera misteriosa.
A horas de abrir sus puertas, BRAVA Madrid ha decidido emitir un comunicado en el que condena el «genocidio» que se está perpetrando en Gaza, y en el que niega cualquier vínculo «comercial o económico con el Estado de Israel». Además, comparte banderas de Palestina con la consigna «Free Palestine».
BRAVA Madrid se desvincula totalmente de Israel y explica que el festival «pertenece a Superstruct Entertainment, que a su vez es propiedad de diversos inversores, entre ellos KKR, un fondo estadounidense que participa en numerosas compañías de muy diversos sectores y territorios». «Ninguno de nuestros inversores tiene influencia alguna en las operaciones del festival», indica, «y todas nuestras decisiones se toman en función de los intereses de nuestros fans, artistas, socios y colaboradores».
BRAVA señala que «todos los ingresos y beneficios de BRAVA Madrid permanecen íntegramente en nuestra compañía y se reinvierten en el desarrollo de los festivales», palabras que recuerdan a las compartidas por el Sónar en su propio comunicado.
BRAVA, como decimos, arranca hoy, con un cartel que incluye a Anastacia, Olly Alexander, Melanie C, A*Teens, Chanel, Miss Caffeina, Ojete Calor o Julieta.
Los festivales con fondos israelíes, a debate en Revelación o Timo
«Algo cambiará cuando escuches ‘Septiembre‘», ha anunciado Luna Ki recientemente en sus redes. Lo que ha cambiado es la canción misma: desde hace días ‘Septiembre’ está disponible en Spotify pero con el audio cambiado. El lugar del mayor éxito de Luna Ki, suena un anuncio de su canción nueva, ‘No soy diosa’, que se publica el 26 de septiembre.
Según la autora de ‘CL34N‘ (2022), es la primera vez que un artista hace algo así. Hasta ahora había sido habitual que los usuarios de Spotify no suscritos al servicio Premium escucharan anuncios entre canciones. Pero es inaudito que el anuncio esté insertado dentro de una canción con millones de escuchas, suplantando la canción en sí. ‘Septiembre’ figura en diversas playlists, pero ahora lo que suena es el anuncio.
Una estrategia «de millones», como indica un fan de Luna Ki en Instagram, que desde luego cumple su cometido de llamar la atención hacia el nuevo single de Luna Górriz, de todos aquellos que la conocen por ‘Septiembre’ o que solo escuchan a Luna Ki por esta canción. Todos los que anhelen escuchar ‘Septiembre’ como lo habían hecho hasta ahora, tendrán que esperar al día 26.
El anuncio de ‘No soy diosa’ revela un cambio artístico. La canción promete ser una composición al piano, y cuando Luna Ki reconoce que ya no es «la de antes», que ha «estado cambiando» y que se ha estado «afinando como un piano», da la impresión de que está respondiendo a aquellos que le retiraron su confianza por usar autotune durante el Benidorm Fest. ¿Se viene el baladón de Luna Ki?
Luna quita hierro el asunto afirmando que su evolución artística no es ninguna «tragedia», sino que es «pop», y que ella «no ha muerto» sino que está «más viva que nunca». Simplemente, ha cambiado y su nueva música lo reflejará. «No vengo a encajar, vengo a ocupar mi lugar», declara. Ansiamos descubrir qué ha preparado en esta nueva era de Luna Ki.
‘Something Beautiful‘ no ha sido la era más afortunada de Miley Cyrus. El álbum debe de rondar las 200.000 unidades a nivel mundial y apenas duró unas semanas en las listas locales. Por poner un ejemplo, solo estuvo 2 semanas en las listas británicas, uno de sus principales bastiones: una semana en el puesto 3, y la siguiente en el puesto 76. Después, la nada.
Hoy, la artista le da un nuevo empuje a ‘Something Beautiful’ con la edición deluxe, que incluye 2 canciones nuevas situadas al final, y que le dan un poco de lustre, pues son de las mejores del conjunto.
‘Secrets’, nuestra Canción del Día hoy, suena un 200% a Fleetwood Mac, porque es una colaboración con dos de ellos. En concreto, con Lindsey Buckingham y con Mick Fleetwood. La referencia podrían ser los sonidos de ‘Dreams’ o ‘Everywhere’, solo que con un aire en los acordes a ‘Sara’. Esto es, los instrumentos remiten a los 80, pero la melodía a finales de los 70.
Tan dulce producción Miley se la ha querido dedicar a su padre, el famoso cantante de country Billy Ray Cyrus. Ha tenido una difícil relación con él y ahora le llama «héroe» o le pregunta si ella puede ser su «heroína», al tiempo que pide alzar «la bandera blanca». «Te seguiré allá donde vayas», concluye.
Por otro lado, ahora cierra el álbum ‘Lockdown’, una colaboración de 13 minutos con David Byrne. La típica fumada de Miley Cyrus desde que se le ocurrió trabajar con Flaming Lips, que empieza sonando algo dub para luego adentrarse en la psicodelia, el jazz, el trip-hop o la banda sonora. En este caso, el cuarto de hora está bien aprovechado: sí es un viaje en el que perderse.
Este año Alejandro Sanz ha publicado un EP llamado ‘¿Y ahora qué?’ en el que aparecían Shakira, Grupo Frontera y Manuel Turizo. Para sorpresa de todo el mundo, con solo 6 canciones, ha terminado aspirando a Álbum del Año en los Grammys Latinos. Diríamos que no debía de haber demasiado nivel, pero entre el resto de nominados encontramos a Bad Bunny y Natalia Lafourcade. Casi nada.
Por su parte, Rels B ha logrado su primer número 1 en España con el viral ‘Tu vás sin (fav)‘. Y ahora, lanzan un tema conjunto.
‘No me tires flores’ dice la nota de prensa que nace de «la más pura admiración mutua» y «de una conexión artística natural y espontánea entre los dos artistas». Clichés de gabinetes aparte, lo cierto es que ambos encajan a la perfección por lo que no habíamos caído en que tenían en común. ‘No me tires flores’ es una balada veraniega con tintes flamenquitos y R&B que, por su guitarra, o por su olor a brisa de verano, pega tanto en el repertorio de Alejandro Sanz, como en el de Rels B. Uno la podría insertar perfectamente antes de ‘Corazón partío‘, y el otro antes de ‘La vida sin ti‘ (después, quizá fuera un poco bajón).
Como si los dos se acabaran de poner ‘Fragile’ de Sting, Alejandro y Daniel exhiben el registro más sedoso y delicado de su voz, hablando además de la soledad que conlleva la fama, y por supuesto del amor. «Más amigos yo pedí pa’ este año nuevo / cada día tengo menos, pierdo más», dice Rels B. «A veces solo necesito tener los pies en la arena», dice la estrofa de Sanz. «Las mejores amistades son las que menos se hablan, llévame a donde todo sean flores, quiéreme si es como yo te quiero» dice otra parte de la letra.
El vídeo fue grabado en en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México el pasado 12 de septiembre, y ha sido dirigido por el realizador argentino Diego Álvarez de Plataforma.
Desde hoy podréis disfrutar del perfil oficial de JENESAISPOP en Apple Music, con quien comenzamos un nuevo partnership. Seguimos lo que casi podríamos llamar clamor popular: este post de Instagram ha llegado a 500.000 personas. En consecuencia, hemos mudado a Apple Music nuestras 4 de nuestras principales playlists (más en próximas semanas):
En principio, continuaremos actualizando las playlists de Spotify, a la espera de lo que ocurra en semanas venideras: si más artistas continúan abandonando la plataforma sueca, dependiendo del número de suscritos que consigamos en Apple Music, etcétera.
Hoy 19 de septiembre se publica al fin el nuevo disco de Cardi B. Han sido 7 años de espera. También tienen nuevos largos The Divine Comedy, Rata Negra, Lola Young, Soleá Morente, ZAZ, Nation of Language, Linda Mirada o Wednesday.
Hay nuevos trallazos de RAYE, Madison Beer y Carly Rae Jepsen. Pero casi que es más curioso lo que nos encontramos en castellano: un dúo entre Mon Laferte y Nathy Peluso, un dúo entre Alejandro Sanz y Rels B, un dúo entre Leire Martínez y Abraham Mateo.
También hay nuevas canciones de Nacho Vegas, Silvana Estrada, Hidrogenesse, YUNG Prado, Jorge Drexler, Bratty y Barry B, Ghouljaboy, y un largo etcétera. En el plano anglosajón, hay temas de Miley Cyrus, Thundercat, TSHA, Lapsley o bar italia. Aunque para probar que ya no hay fronteras de idiomas, atención a lo nuevo de Miguel.
RAYE ha publicado las fechas de su gira mundial de 2026, que se llama THIS TOUR MAY CONTAIN NEW MUSIC y pasará por España. En concreto, RAYE actuará en el Palau Sant Jordi de Barcelona el 13 de febrero de 2026. Las entradas se ponen a la venta el jueves 25 de septiembre, informa Live Nation España. Las teloneras de la gira de RAYE serán Absolutely y Amma, también en Barcelona.
La recién anunciada gira de RAYE dará comienzo el 22 de enero en Łódź, Polonia y recorrerá ciudades como Praga, Amberes, Oslo o Estocolmo antes de aterrizar en Barcelona. Después, seguirá por París y seguidamente visitará Reino Unido, Irlanda y América del Norte.
Por otro lado, se ha habilitado en la web de RAYE el pedido anticipado de su segundo disco, en formatos doble vinilo y CD, aunque se desconocen todos los detalles del mismo. Su anuncio debe ser inminente.
Esta no es la primera vez que RAYE canta en España. En los últimos tiempos, la autora ‘Escapism’ se ha dejado caer por dos festivales españoles, el Mad Cool de Madrid y el Bilbao BBK Live. Sin embargo, esta será su gira propia más importante.
La noticia de la gira de RAYE coincide con el lanzamiento del nuevo single de la artista, ‘Where is My Husband?’, esta misma noche. RAYE ha confirmado que ‘Where is My Husband? es el primer adelanto de su segundo disco. El primero, ‘My 21st Century Blues‘, fue el gran ganador de los BRITs de 2024, donde se llevó hasta seis premios.
Durante el último año, Rachel Keen ha colaborado con Mark Ronson en ‘Suzanne‘ o con LISA y Doja Cat en ‘Born Again’. También ha lanzado dos canciones para bandas sonoras, ‘Grandma Calls the Boy Bad News’ y una versión de ‘What a Difference a Day Makes’. Sus último lanzamiento largo es el disco en directo ‘Live at the Montreux Jazz Festival’, de 2024.
La ticketera WeGow comunica la adquisición del 100% de su capital por parte de la firma granadina Cultural Capital Group, especializada en la financiación y gestión de proyectos culturales. Con esta decisión, WeGow pretende «salir del estado de preconcurso en el que se encontraba la compañía y recuperar su posición de liderazgo en el sector».
La noticia llega meses después de que WeGow entrara en concurso de acreedores. La plataforma había dejado a deber importantes sumas de dinero de ventas de entradas a artistas, promotoras y festivales. Grupos como Veintiuno o La M.O.D.A. habían denunciado públicamente a la plataforma. JENESAISPOP ha contactado con WeGow para saber si los pagos pendientes han sido asumidos.
Acorde con el comunicado oficial, «la adquisición permitirá ofrecer un servicio integral y diferencial en el mercado: un modelo 360° que combina la tecnología de ticketing de Wegow con la capacidad financiera, operativa y de marketing de CCG, conectando a promotores, artistas, salas y fans en un mismo ecosistema eficiente, transparente y sostenible».
Los fundadores de CCG, Juan José Ordóñez y Antonio Barragán, explican en nota de prensa que “esta adquisición es 100 % estratégica y nace del profundo respeto y pasión que sentimos por la música en vivo y quienes la hacen posible», y señalan que «vamos a poner todas nuestras herramientas y experiencia al servicio de los promotores para devolverles la confianza y la fuerza que se merecen”.
Massive Attack ha comunicado su intención de retirar su catálogo musical de Spotify en protesta por las inversiones militares de su co-fundador y director ejecutivo, Daniel Ek. Massive Attack explica que ha solicitado a su sello, Universal, la retirada de toda su música de Spotify porque «el dinero ganado con esfuerzo por los fans y el trabajo creativo de los músicos termina financiando tecnologías letales y distópicas».
Massive Attack no es el primer artista que recientemente ha anunciado su decisión de abandonar en Spotify, pero su ejemplo puede ser un punto de inflexión, ya que el grupo de Bristol está firmado en una multinacional: sus oyentes en la plataforma sueca asciende a casi 8 millones. En comparación, grupos independientes como Xiu Xiu o Deerhoof suman varias decenas de miles.
El comunicado de Massive Attack se inscribe en su apoyo a la iniciativa No Music for Genocide, que llama a los artistas a retirar o geobloquear su música en todas las plataformas de streaming dentro del territorio de Israel. A esta campaña se han sumado también figuras como Rina Sawayama, Fontaines D.C., Arca, Primal Scream, Oklou y Japanese Breakfast.
Sigue el texto: «En nuestra opinión, el precedente histórico de la acción efectiva de artistas durante el apartheid en Sudáfrica, y el apartheid, los crímenes de guerra y el genocidio que ahora comete el Estado de Israel, hacen que la campaña “No Music For Genocide” sea imperativa».
«En el caso separado de Spotify, la carga económica que desde hace tiempo se impone a los artistas ahora se ve agravada por una carga moral y ética», señala el dúo formado por 3D y Daddy G.
Justo cuando empezábamos a asociar a Sophie Ellis-Bextor a un tipo de artista de pop «adulto» y de tendencia a la balada, después de una trilogíadediscos que renovaron su carrera en el aspecto artístico y creativo (canciones como ‘Young Blood‘ o ‘Lost in the Sunshine’ merecieron mayor repercusión), el megaviral de ‘Murder On the Dancefloor‘ del año pasado ha devuelto a Ellis-Bextor a la pista de baile y al pop.
El regreso de Ellis-Bextor a la discoteca es una buena noticia, aunque ‘Perimenopop’ erra de entrada al titularse con un neologismo que trata de explicar el regreso de Ellis-Bextor al pop a sus 46 años (Cher sacó ‘Believe’ a los 52). Como si Ellis-Bextor tuviera que pedir perdón por hacer pop, el título, a pesar de su peculiaridad, peca de subrayar su contenido e intención de forma innecesaria.
Es el único pero que se le puede poner a un disco tremendamente eficiente, entretenido y que evita a toda costa la balada (la pista con los bpm más bajos, ‘Hard Sing’, es vinculable al sonido synthwave, no es una canción al piano). Diferentes sabores de dance-pop, nu-disco y new wave se suceden en un trabajo que funciona mejor en conjunto de lo que prometían sus singles por separado, gracias a su coherencia.
Si bien es cierto que ‘Perimenopop’ no es un disco tan contundente ni rompedor como otros de su mismo estilo, su propuesta está bien definida y su selección de pistas construyen un conjunto muy ameno. Las guitarras a lo Chic están presentes en ‘Relentless Love‘, después Nile Rodgers aparece en la pegadiza ‘Diamond in the Dark’, y tanto los sintes electro de ‘Vertigo‘ como las vibras sunshine-disco de ‘Dolce Vita’ van dejando un reguero de caramelos por el camino. ‘Freedom of the Night‘, el primer single, aparece en octavo lugar, prueba de la solidez del material.
La elegante y bonita voz de Ellis-Bextor sigue siendo el centro de unas canciones eficientes que cumplen su cometido de ofrecer un buen rato de euforia pop. Talentos como MNEK o Sigrid aportan ideas en ‘Perimenopop’ y Shura hace coros en ‘Freedom of the Night’, pero Ellis-Bextor lleva las canciones a su terreno: nunca dirías que la maravillosa ‘Stay on Me’ es una composición de Selena Gomez y Julia Michaels probablemente recuperada de algún cajón. Se nota que ‘Perimenopop’ es un proyecto multinacional.
Aunque el sonido de ‘Perimenopop’ tira más por un pop-disco chicle y manso (‘Taste’ es un gran ejemplo, pues parece de Purple Disco Machine o de la Kylie de ‘DISCO‘) que por el riesgo, incluso cuando James Greenwood produce ‘Layers’ en una canción efectivamente llena de «capas», ‘Perimenopop’ convence gracias a su cuidado conjunto. ‘Don’t Know What You’ve Got Til It’s Gone’, recordando a ‘Cool’ de Gwen Stefani, es un cierre idóneo.
‘Anela’ de Belén Aguilera es nuestro Disco de la Semana. La artista de la que nos enamoramos a través de bops, muchos de los cuales trataban temas de salud mental, ha presentado un trabajo que ella misma considera «una obra» más que un álbum.
Lejos de aquel día en que era una artista independiente y se presentó por su propio pie en nuestro podcast, Belén Aguilera es un flamante fichaje de Sony Music. Es en las lustrosas oficinas de la Castellana donde esta charla tiene lugar. Y la verdad, ella continúa siendo la misma persona humilde, divertida y apasionada de antes. Adentrémonos en ‘Anela’ antes de su presentación en vivo en el Wizink Center de Madrid el próximo 12 de octubre. Quedan poquísimas entradas.
¿Cómo has llegado a hacer un disco tan importante para ti como este?
No ha sido intencionado. En cada proyecto que hago, es importante que haya una evolución. Al menos de momento. Me gusta tener etapas. Como artista me gusta crear cosas nuevas y reinventar lo que soy y no quedarme en lo mismo. Es por necesidad de artista. Fue bastante chocante empezar a crear de esta manera, me cuestionaba mucho y me daba miedo. Pero surgió.
¿Puede ser la reinvención una esclavitud, como dices en una de las nuevas canciones, «siempre mutando por seguridad»?
Todo tiene sus pros y sus contras. Quedarse en una zona de confort te aporta ciertas cosas y te quita otras. Experimentar tiene riesgos pero también te aporta. Todo es lícito, depende de en qué etapa personal te encuentres. Como siempre evoluciono, siento que todo el mundo evoluciona…
Hay gente que no, como Oasis. Llenan estadios a base de no haber evolucionado nunca.
(risas) No me quiero meter en el machismo y el patriarcado porque no quiero que esto opaque la entrevista, pero a mí como mujer me gusta experimentar, porque hemos venido a la vida a vivir.
Yo no entiendo mucho de ópera, ni de zarzuela…
Ni yo… Pero sí que hay un puntito en ‘Anela’ de todo eso. En tu sello lo han denominado como «lírica».
Lírica sí, de pequeña estaba obsesionada con el aria ‘La flauta mágica‘ de ‘La Reina de la noche’. Siempre he coqueteado un poco en cuanto a técnica vocal. Es el momento más teatral, de más musicalidad de este disco. Es un reto más que nada como vocalista, probar otros rangos vocales. Llevo lo lírico al mundo del pop, donde es más difícil de cantar. Llegar a las notas más altas, haciendo pop, es meterse en un berenjenal. Ha sido más por ver hasta dónde he sido capaz de llegar, que porque sea fan de la ópera. El lírico es sorprendentemente fácil de cantar y el pop te da poco rango. Con lo lírico puedes llegar donde te dé la gana. No te limitas a «twing», «twang» y «do de pecho». Me gusta mucho crear melodías complejas.
¿Cuál es la más compleja de este disco?
‘Soledad’. Es la más lírica. Tienen tintes líricos ‘Laberinto’, ‘Ahora que estoy bien’ y ‘Soledad’. No es que sea un disco lírico, es que como es tan poco común meter algo así… por poco que metas, ya es muy notable.
Es muy llamativo que hagas esto en Sony. ¿En qué momento les dices tras ficharte «aquí está mi disco con algunas canciones líricas»? Algo que nunca sonaría en «Éxitos España».
Si nunca había entrado… Bueno, solo entré con ‘Antagonista’, pero después de que se viralizara. He apostado por esta fusión laboral porque si han apostado por mí, alejándome del tema números, me da la sensación de que la empresa se va a preocupar por el desarrollo artístico. Eso es que hay un reto y quieres dar un apoyo, es lo más bonito que me ha pasado con este disco.
Tiene sentido, sin entrar en comparaciones con otras mujeres o lo que sea, pero es que Sony hizo cosas muy locas con Mónica Naranjo, como ‘Lubna’. Yo no sé cómo pudieron hacer un disco de oro de aquello. A lo mejor resulta que hay un público para estas cosas…
Qué chulo que lo compares con Mónica. Si nace de la autenticidad, yo creo que habrá gente que lo quiera recibir. Todo puede pasar.
«Las cifras siento que no definen para nada una identidad, una personalidad. Yo soy más de letras»
Tú no has hecho este disco pensando en los números…
Yo nunca hago nada pensando en números, aunque lo pueda llegar a parecer. Nunca he dicho «voy a hacer un hit de números». Empecé muy baladera y quise desvincularme. No me gusta que me encasillen en nada, me gusta ser fluida, me gusta ser líquida (risas)
Los artistas siempre decís esto, pero es difícil de creer, sobre todo ahora que las cifras son tan públicas y visibles, e influyen en la contratación.
Es horrible porque las cifras siento que no definen para nada una identidad, una personalidad, no son nada más que cifras. Lo fácil siempre es caer en eso. Yo soy más de letras (risas)
Pero luego hay que llenar el Movistar Arena…
Esa es la cosa. No soy jugosa a nivel números estratosféricos. Es todo paulatino, acumulo, mis oyentes no son una locura… pero hago conciertos y viene muchísima gente. Soy artista de directo. Me daba miedo hacer un Wizink y estamos a punto de llenar. Acotamos, acotamos y se ha ido llenando y lo vamos a hacer entero. Eso me hace pensar en la realidad de los números. No son números, no implican una fidelidad. Son más abstractos. Hay gente con mejores números que yo y no te puede hacer un Wizink.
«Hay gente con mejores números que yo y no te puede hacer un Wizink»
Has trabajado con varios productores, como Lionel Castra. ¿Hay alguno vinculado con la parte más clásica? Por ejemplo, a ‘Mutantes’.
Esa la produjo Richi Lopez. Pero no. Yo siempre estoy en todo. Es curioso porque la gran mayoría, menos Lionel, que es de Los Ángeles y quizá tira más hacia otro género, todos los demás son productores de reggaeton y latinos. Y con todos hemos buscado salir de la zona de confort, por ambas partes. No es que haya trabajado según el estilo, sino que quedaba con X productor para probar cosas nuevas y salían.
‘Bruja’ pasa a tener un punto muy Timbaland tras empezar de otra manera…
Esa es de Nusar3000. ¡Me ha encantado lo de Timbaland! ‘Dama en apuros’ también es súper R&B… La parte más clásica, las cuerdas, las hemos grabado de verdad porque quería que tuvieran la importancia de un instrumento clásico real. Piano, cuerdas y voces los hemos grabado de modo orgánico. Quería ese peso sinfónico. Pero el disco recoge todos mis gustos: electrónico, R&B, armonías… Las cuerdas son mi tipo de instrumento favorito. Es como haberme dibujado. También el vocabulario es más esotérico, abstracto…
«Quería huir de la mezcla pop. Quería que fuera envolvente, como una banda sonora»
Lo que menos me ha gustado es la voz, fíjate, está en una toma muy ahogada, nada en primer plano. Ahora que dices lo de esotérico, casi que me suena como un fantasma.
La mezcla el disco está trabajada intencionadamente de una manera distinta.
Lo comenté en nuestro foro y alguien comentó que tú «siempre te escondes».
¿Quién era? ¿Mi madre? (risas) Es un disco que quería trabajar distinto, que huyera de la mezcla pop. No quiero que la voz esté delante, quiero que sea envolvente, que sea como una banda sonora, no quiero ser la protagonista. La protagonista que sea quien lo escuche.
Luego hay mucho de tu viaje de salud mental, como siempre. En la presentación del disco mencionaste a tu psicóloga…
Hay una viaje de trabajar la soledad, de reflexión interna. Nace de la soledad, del aislamiento, del vacío. Muchas veces siento hasta frío escuchando este disco. Es muy fantasmal.
Pero ‘Soledad’ era el nombre de tu abuela y también tiene una connotación positiva.
Es positiva. Para mí es resignificar esa palabra, es como poder hablar con ella en otro plano. Que la soledad deje de ser algo negativo para empezar a estar acompañada. La soledad da miedo a toodo el mundo. ¿Cómo le vas a poner ese nombre a una persona? Es como Angustias, Soledad, Dolores… y mi abuela era la más alegre, la más presumida. Mi madre decía que siempre estaba de marcha, alegraba el lugar. Qué bonito que deje de ser algo negativo.
«Estamos en un neo-medievalismo. La gente vuelve a buscar el anti-feminismo, se vuelve a querer la masculinidad tóxica»
También hay una desvinculación del amor romántico, como se ve mucho en la gente más joven.
Ahora ya es al contrario. Todo es cíclico. Todo es una respuesta. Estamos en un neo-medievalismo. La gente vuelve a buscar el anti-feminismo, se vuelve a querer la masculinidad tóxica, volvemos a querer intoxicarnos. Veo mucho de nueva romantización, de vulnerabilidad femenina, esos valores más convencionales. Es una putada porque se ha luchado siempre por lo contrario, pero entiendo la respuesta en cierta parte. Siempre intentamos rechazar lo anterior, queremos ser únicos y sentirnos especiales. Rechazamos lo que se impone. Antes me daba miedo y ahora es como bueno… ya se revertirá, espero.
¿Qué canción es una en que te dé rubor, por lo personal que es?
‘Salvamento’ fue mi más vergüenza, porque habla muy directamente a una persona. Creo que lo que cuenta es devastador, nunca había usado la palabra «descuartizar mis sueños» o «conmigo te sentirás pequeño». Decir algo tan crudo cuando en mi performance he querido ser tan «lo contrario»… Es plantar realidad en la mesa, y me daba cosiña.
Tu música reconoce el tropiezo a menudo.
Sí, por eso, en esta etapa creo que ya no me da vergüenza nada.
¿Esto es una etapa?
Sí, claro.
¿Quieres decir que volverá una Belén Aguilera más pop?
Es que no lo sé, no tengo ni idea.
O sea, en este disco hay nás pop, pero lo has presentado con un programa de mano.
¡Que escribí yo misma! Para mí ‘Anela’ es una obra, no es tanto un álbum. Es un proyecto de Belén Aguilera, pero no es Belén Aguilera, es una parte de mí. Es como un director de cine que va haciendo pelis distintas. Me gusta concebirme así, como hacer pelis. O bandas sonoras de distintos momentos. Mi música va a volver a cambiar, pero yo siempre tengo cosas en mente. Me gusta investigar y experimentar… ¡Te recomiendo que vengas al WiZink!
Vi el otro día los vídeos proyectados en grande, sí que dan esa sensación de frío, incluso de peli de terror, ¿cuál sería tu performance televisiva soñada? [NdE: esta entrevista tuvo lugar antes de la actuación de ‘La Revuelta’]
Lo que más me gustaría hacer sería hacer un cover en la BBC, de otra artista, en plan «Anela Version».
¿Cuál? ¿Algo de Mecano?
[Piensa]
Veo más incluso a Mecano en este disco, ‘Hijo de la luna’, José María Cano, aquellas cosas que parecían musicar a Lorca.
Mecano es claramente súper referencia de toda mi música. Ahora que lo dices, cuando estaba en Miami componiendo estaba escuchando muchísimo Mecano.
Madonna da señales de vida musical para anunciar que su próximo disco se publicará ya en 2026, y no en 2025, como estaba previsto. El álbum, que será una continuación de ‘Confessions on a Dancefloor‘ (2025), se editará en Warner Records, que fue el sello de Madonna durante 25 años.
Con las siglas «COADF2» se refiere Madonna a su próximo proyecto en un post de Instagram, donde comparte una sesión de fotos nueva. En el post, la artista indica que está «de vuelta a la música», «de vuelta a la pista de baile» después de 20 años -los que han pasado desde el lanzamiento de «Confessions» en 2005- y de vuelta, también, a Warner, el lugar «donde todo empezó».
Rolling Stone corrobora toda esta información en un artículo publicado hoy y confirma que Madonna prepara un «álbum de música dance», pero no indica si, al menos, el primer single de este nuevo disco producido junto a Stuart Price, saldría en 2025. Una fuente cercana ha indicado que es probable que así sea, en el foro de música pop británico Popjustice, pero la información no es oficial ni está confirmada.
Lorde ha dado inicio esta noche en Austin, Texas a su gira Ultrasound World Tour, que promociona por el mundo su último disco, ‘Virgin‘ (2025), uno de los mejores discos de 2025. De momento, la gira no pasa por España. ¿Caerá algún festival el año que viene?
Los vídeos del comienzo del Ultrasound World Tour subidos a redes revelan actuaciones curiosas como la de ‘Supercut’, que Lorde interpreta en un punto subida a una cinta de correr; o ‘David’, que Lorde canta portando una chaqueta reflectante.
‘Virgin’ forma el grueso del setlist y se interpreta al completo. El repertorio, además, incluye varios temas de ‘Pure Heroine‘ (2013) y ‘Melodrama‘ (2017) y muy pocos de ‘Solar Power‘ (2021). La sorpresa la da ‘No Better’, un desconocido tema de 2013 previo al debut de la neozelandesa. ‘Ribs’, gran viral de Lorde de 2025, por encima de los singles de ‘Virgin’, cierra el concierto.
12.500 personas se han reunido este miércoles 17 de septiembre en el OVO Arena Wembley de Londres para asistir al concierto benéfico Together for Palestine, que ha contado con numerosos artistas musicales, actores, podcasters o youtubers de distinto índole. Por ahí estaban lo mismo Gorillaz actuando, que Benedict Cumberbatch recitando un poema. El link de donaciones es aquí.
Brian Eno, organizador del evento, ha cedido la dirección artística al exiliado artista palestino Malak Mattar, y el evento ha contado con otras voces palestinas como la cantante Elyanna, el compositor Faraj Suleiman o la productora de tecno Sama’ Abdulhadi, que ha pinchado junto a Jamie xx.
Un total de 150 nombres han participado en Together for Palestine, contando músicos, actores, oradores, activistas, poetas o artistas gráficos, en una gala que se ha extendido hasta las cuatro horas. Han actuado Portishead, por primera vez en tres años; Paloma Faith, James Blake, Hot Chip, Bastille o Leigh-Anne de Little Mix, entre otros, e intervenido para hablar públicamente figuras como los actores Florence Pugh y Ramy Youssef o la youtuber Amelia Dimoldenberg. Otros artistas, como Billie Eilish, han aparecido en vídeo apoyando la causa.
PinkPantheress ha protagonizado uno de los discursos más virales al hablar sobre la responsabilidad de los artistas de pronunciarse políticamente. «Vamos a subir al escenario no solo para presentar y cantar, sino para alzar la voz por los muchos futuros robados de decenas de miles de palestinos y por el daño permanente infligido a Gaza», ha declarado. PinkPantheress, que ha hablado de genocidio, ha pedido al público que «alce la voz por Palestina y, cuando te quedes ronco, cuelga tus banderas, lleva tu pañuelo, enséñales que estamos aquí».
La iniciativa Together for Palestine, que según The Guardian ha conseguido recaudar 500.000 libras, ha tenido lugar al calor del reciente pronunciamiento de la Comisión Internacional Independiente de Investigación de la ONU sobre los Territorios Palestinos Ocupados, que por primera vez ha empleado el término “genocidio” para describir la matanza en Gaza.
@radionicafm Después de años de silencio, el mítico trío británico Portishead volvió a reunirse para participar en el concierto benéfico Together for Palestine, organizado por Brian Eno. 🎶🕊️ ✊🏾🇵🇸 Aunque no están en Londres físicamente, la banda grabó una versión especial de “Roads”, clásico de su álbum Dummy (1994). Con más de tres décadas marcando el pulso del trip hop y la música alternativa, Portishead regresa no solo con su arte, sino con un mensaje profundo: la música puede ser refugio, resistencia y esperanza cuando el mundo se desmorona. 💔 Su participación nos recuerda que, incluso desde la distancia, las voces pueden unirse para gritar por la vida, por la infancia y por la dignidad del pueblo palestino. ✊🏽❤️🔥 #Portishead#TogetherForPalestine#FreePalestine#AltoAlGenocidio♬ sonido original – Radiónica
British actor Benedict Cumberbatch recites Palestinian poet Mahmoud Darwish’s “On This Land There Are Reasons to Live” during the Together for Palestine gathering at London’s OVO Arena in Wembley.
@radionicafm Dan Smith, vocalista de @Bastille, originaria del sur de Londres y reconocida mundialmente por su sonido indie pop, participó en el concierto benéfico Together For Palestine, organizado por Brian Eno. 🇵🇸✨ ✊🏾 🎶 Durante su presentación, interpretaron “Pompeii”, uno de los himnos más emblemáticos de su carrera, tema que los catapultó al éxito internacional y se convirtió en símbolo de resiliencia ante la adversidad. Su presencia en el escenario no solo aportó música, sino también un mensaje de solidaridad, esperanza y resistencia, recordando que miles de palestinos, entre ellos miles de niños as3s1n@dos en Gaza, necesitan que el mundo no los olvide. 🧒🕊️ #Bastille#TogetherForPalestine#FreePalestine#AltoAlGenocidio♬ sonido original – Radiónica
@sneakatessen Durante el concierto Together for Palestine, @gorillaz sorprendió al público con una impactante proyección visual que reforzó el mensaje de la banda. Damon Albarn y su grupo compartieron escenario con el cantante sirio Omar Souleyman, creando uno de los momentos más conmovedores de la noche. El evento tuvo como propósito recaudar fondos destinados a organizaciones como Taawon, el Fondo de Ayuda a la Infancia Palestina y la Sociedad Médica de Palestina, en apoyo a las víctimas de la violencia en Gaza. Este espectáculo solidario fue impulsado por Brian Eno, reconocido productor musical, y contó también con la participación de artistas como Bastille, Anne Lennox, James Blake, Jamie XX, entre otros. #fyp#TogetherForPalestine#foryoupage#fypシ゚#parati♬ sonido original – Sneakatessen
Billie Eilish, Finneas, Cillian Murphy, Joaquin Phoenix, Annie Mac, Peter Gabriel, and more join forces in a moving tribute to Palestine. The release comes ahead of today’s Together For Palestine benefit concert, aiming to raise awareness and support.
Este fin de semana llega a nuestro país el grupo australiano de art-rock Floodlights. Estarán concretamente el viernes 19 de septiembre en la Sala Vol de Barcelona y el sábado 20 de septiembre en la Wurlitzer de Madrid. Las entradas están disponibles.
El grupo repasará éxitos de sus dos discos anteriores, habituales de su repertorio, como ‘Small Town Pub’ o ‘Wide Open Land’. Por supuesto no faltarán las canciones de su nuevo disco, ‘Underneath’, publicado este mismo año.
En él encontramos ecos de post-punk muy vinculables a Joy Division, solo que con una sección de vientos que se acerca mucho más a Belle & Sebastian. Incluso el vídeo de ‘Cloud Away’, por ejemplo, es abiertamente luminoso, rodeado de campos y flores, y aderezado con los bonitos coros de Sarah Hellyer, que han despertado comparaciones acertadas con Cranberries.
La pegada de Floodlights se manifiesta en singles editados durante el último año como ‘Buoyant’, en cuyo vídeo se sumergen en agua como en las fotos promocionales de este disco; o ‘Can You Feel It’, que seleccionamos como Canción del Día hoy.
Lanzada como single de adelanto de ‘Underneath’ el pasado otoño, ‘Can You Feel It’ se ha convertido en uno de los himnos fundamentales de Floodlights. Con esa fantástica sección de vientos ya mencionada, el estribillo se sumerge en angustia en el persistente estribillo «estoy al borde de la nada», mientras las estrofas temen a lo desconocido. Los coros dan esperanza en esta pista también.
El grupo ha explicado que las letras salieron de manera catártica, de forma muy rápida, y que eso se transmite en el tema y en el propio modo en que nunca falta en su repertorio, donde suele sonar hacia la mitad.
Cuando queda un día para que se ponga en el mercado ‘Am I The Drama?’, el esperado segundo disco de Cardi B, la rapera del Bronx ha anunciado que está embarazada de su cuarto hijo, el primero junto a su actual pareja, el jugador de fútbol americano Stefon Diggs. En 2018 también coincidieron el lanzamiento del primer disco de Cardi B, ‘Invasion of Privacy‘, con el anuncio de su primer embarazo. El rapero Offset es el padre de sus tres actuales hijos.
Se espera que Cardi B dé a luz en torno a diciembre de 2025 o enero de 2026. Después, en febrero, dará comienzo su recién anunciada gira Little Miss Drama Tour, que recorrerá Estados Unidos y Canadá desde el 11 de febrero hasta el 17 de abril.
‘Am I The Drama?’ es el primer disco de Cardi B en siete años, y solo su segundo álbum oficial publicado en multinacional (antes había editado varios mixtapes de forma independiente). Sus artistas invitados se acaban de revelar y entre ellos se encuentra Janet Jackson, quien nunca antes había aparecido como artista invitada en la canción de una artista femenina. Janet ha sido artista invitada en canciones de hombres, como el rapero Shaggy o por supuesto su hermano Michael Jackson, pero cuando ha colaborado con mujeres, como Missy Elliott, Janet ha sido siempre artista principal.
Además, participarán en el disco de Cardi Selena Gomez, Kehlani, Lizzo, Megan Thee Stallion, Summer Walker, Tyla y Cash Cobain. Se desconoce en qué canción participará cada artista, pues el título de todas las pistas inéditas no se ha desvelado.
Cardi B ha sido noticia en las últimas semanas por protagonizar un mediático juicio lleno de momentos hilarantes. Cardi ha ganado el caso y ha lanzado ediciones especiales de ‘Am I The Drama?’ con portadas sacadas de escenas del juicio. Cardi ha pedido al público, no se sabe si totalmente de broma o en serio, que compre su disco para que ella pueda pagar a sus abogados.
Las noticias sobre el cuerpo que apareció el 8 de septiembre en un desguace de Estados Unidos, dentro de un coche propiedad del cantante d4vd, se suceden. Esta semana se ha sabido que el cuerpo en descomposición pertenece a una joven de 15 años que había desaparecido el año pasado. La última vez que se la vio con vida fue el 5 de abril de 2024. Su nombre era Celeste Rivas.
La policía ha declarado según NBC que el cuerpo llevaba en el coche mucho tiempo. El coche fue llevado al desguace tras haber estado aparcado en el mismo lugar de Hollywood durante un mes.
Según TMZ, se ha encontrado un tatuaje con las letras «Shhh» en el dedo índice derecho de Rivas, similar a uno que tiene d4vd. También se ha filtrado una supuesta canción de d4vd llamada ‘Celeste’ y circulan unas fotos en las que parecen estar juntos o él está en su vecindario.
Se desconoce la relación entre ambos, pero se sabe que el cantante de 20 años está cooperando plenamente con las autoridades, mientras continúa su gira. Su abogado está atendiendo a los medios.
Tras un comentario en las redes sociales, en el que alguien acusaba a d4vd de «asesino» y a Kali Uchis de ser «su amiga», esta ha querido desmarcarse: «no es mi amigo, hice una canción con él, que ahora mismo está en proceso de ser retirada tras las noticias turbadoras que hemos visto hoy». El tema se llama ‘Crashing’ y aparece en el álbum de 2025 de d4vd, el mismo en el que aparece su hit ‘Feel It’.
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