En 2015, M. Night Shyamalan era carne de chiste cinéfilo. Tras las decepcionantes ‘La joven del agua’ y ‘El incidente’, y las desastrosas ‘Airbender, el último guerrero’ y ‘After Earth’, el director del ‘El sexto sentido’ se convirtió en la diana preferida de gran parte de la cinefilia. Estaba acabado. Sin embargo, ese año Shyamalan apareció por donde menos se le esperaba: con una modesta y muy eficaz comedia de terror de metraje encontrado, ‘La visita’; y con una serie de misterio, ‘Wayward Pines’, que comenzaba con un estupendo piloto dirigido por él. Pues no, no estaba tan acabado.
Lo mejor de ‘Servant’
‘Servant’, que ya se puede ver completa en Apple TV (terminó de emitirse el pasado marzo), supone la vuelta de Shyamalan a la televisión. Aunque oficialmente no es el creador de la serie (está escrita por el británico Tony Basgallop), sí lo es oficiosamente: es el productor ejecutivo y ha dirigido tres episodios. Suya ha sido la elección de los demás directores (entre ellos su hija, Ishana Shyamalan, y Julia Ducournau, la autora de ‘Crudo’) y del aspecto visual de la narración.
Lo que sí parece es que, aunque las dos temporadas de la serie se han rodado prácticamente en continuidad (antes de estrenarse la primera ya se sabía que había otra en marcha), Shyamalan se ha implicado mucho más en la primera que en la segunda, ya que esta última le pilló en pleno rodaje de ‘Tiempo’, el thriller fantástico que ha rodado con Gael García Bernal. ¿Casualidad que sea mejor la primera que la segunda?
‘Servant’ comienza como acaban muchas películas de Shyamalan: con un giro sorprendente que te deja clavado en el sofá. Además, para evidenciar aun más su autoría, la serie está situada en Filadelfia (como muchas de sus películas), tiene protagonista pelirroja (Lauren Ambrose, como antes Toni Collette, Bryce Dallas Howard… el equivalente a las rubias de su admirado Hitchcock), y está rodada con un ritmo pausado, una evocadora fotografía llena de claroscuros, y unas angulaciones y movimientos de cámara marca de la casa. El único elemento novedoso es la música de Trevor Gureckis, que sigue la línea atonal de compositores como Mark Korven, Mica Levi, Hildur Guðnadóttir o Jonny Greenwood.
Una de las particularidades de la serie es que está ambientada casi enteramente en un único escenario: una casa de un exclusivo barrio donde vive un matrimonio formado por una popular periodista de televisión y un reputado chef freelance (todo un acierto de personaje, ya que proporciona mucho juego dramático mientras trabaja en la cocina). La casa es un personaje más de la serie. Conecta con la típica mansión gótica de los clásicos del género de terror, proyecta la personalidad y el estado de ánimo de sus habitantes, y sirve como vehículo perfecto para generar inquietud y misterio.
Esta atmósfera tan cuidada alimenta una historia muy sugerente y perturbadora. Un relato impregnado de una gozosa ambigüedad, que hace equilibrios entre el drama doméstico y el misterio sobrenatural, entre la tragedia conyugal y el terror psicológico. Todo ello salpimentado con toques de humor negro, la mayoría procedentes del personaje del hermano de la protagonista (interpretado con gracia por Rupert Grint, el Ron Weasley de la saga ‘Harry Potter’).
Lo peor de ‘Servant’
A partir del cuarto capítulo de la segunda temporada, donde ocurre un hecho clave para el devenir de la serie, ‘Servant’ empieza a perder fuelle como un político de Ciudadanos. La historia pasa de enigmática a bordear lo grotesco; las relaciones entre los personajes y sus decisiones (¿de verdad celebran una cena con el padre con la que hay montada en casa?) son cada vez más inverosímiles; el humor comienza a estar demasiado presente, rompiendo el equilibrio tonal que había anteriormente; y los golpes musicales intentan mantener en pie una atmósfera de misterio que se va deshaciendo capítulo a capítulo como el interés del espectador por la serie. La tercera temporada está confirmada. ¿Remontará o será otra serie más alargada innecesariamente?
Jota de Los Planetas ha concedido una entrevista en profundidad a Pablo Gil de El Mundo, que se gestó exactamente a lo largo de 3 horas, para hablar de sus nuevas canciones, que aún no está decidido si desembocarán en un nuevo álbum o no, pero que sí tienen algo en común, «explicar lo que está pasando en este momento». Y lo hacen según Jota sin ninguna censura, pues a diferencia de lo que sucedía antes, le «da igual» sonar en radio o que «no haya conciertos». El artista es crítico con una industria musical en la que se lo «llevan todo Google, Telefónica, Facebook, Apple…» y carga especialmente contra Spotify: «Spotify son las multinacionales de ahora mezclado con Los 40 Principales. Paga poco y promociona música sin ningún valor, sin contenido crítico, algo que no considero ni música. Para mí Spotify son pérdidas, me cuesta más grabar las canciones que lo que producen».
Jota habla sobre la influencia que han ejercido Los Planetas en la música pop, de Vetusta Morla a Rosalía, refiriéndose en el primer caso a ‘Súper 8’ y en el segundo a ‘La leyenda del espacio’. Indica: «Desde ‘Súper 8’ los grupos más importantes que han salido en España son grupos de guitarras, como Love Of Lesbian, Lori Meyers o Vetusta Morla, aunque el espíritu no sea tan auténtico, tienen una intención más comercial que otra cosa, pero adoptan el sonido (…) Y luego estoy muy orgulloso de anticipar todo lo que ha pasado con el flamenco con ‘La leyenda del espacio’ en 2007. A partir de ese disco salen cantidad de artistas, y ahí está desde el Niño de Elche hasta Rosalía o a C Tangana, todo entra por ese canal. Antes de ese disco, los indies odiaban el flamenco, cualquier cosa que sonara a español y a raíz española estaba súper denostado».
Además de asegurar que se arrepiente de no haber sido más «indie estricto» y «radical», curiosamente, ahora mismo es especialmente devoto del trap, asegurando que «le da corte» hablar con Yung Beef, del que habla en estos términos: «es un artista con talento de verdad, no como yo». Alaba que mantenga el acento, le compara con Morente y va más allá: «Lo mismo el Khaled o La Zowi. No cambian nada, no sacrifican ni un ápice de su forma de pensar. Y eso me parece muy potente. Tienen una posición muy crítica, y han puesto de manifiesto el desastre de sociedad en el que vivimos, donde todo es sexo y dinero, todo es poder y sometimiento. Eso me parece muy potente, creo que lo ponen de manifiesto mejor que nadie lo ha hecho nunca».
La entrevista habla también de lo cerca que ha estado el artista de la muerte, por «experimentar» y no solo con las drogas, y de un contencioso que tiene con Sony para recuperar sus discos. Pero es especialmente noticiable la visión del fenómeno Ayuso y el negacionismo que da Jota a raíz del tema ‘El negacionista’ en el que referencia a Miguel Bosé. ¿Quizá no habíamos entendido del todo su sentido último? El artista habla de disidencia programada: «Inoculan una opinión disidente como una vacuna ideológica que hace que la gente se ponga en contra de la idea. Por ejemplo, si Miguel Bosé, que tiene toda su credibilidad perdida, o Iker Jiménez, que habla de fantasmas y ovnis, empiezan a decir que todo es un complot para controlar el mundo, los demás van a decir, ‘Buah, cómo voy a pensar lo mismo que estos frikis'».
Y defiende la libertad de esta manera: «Pedro Sánchez está haciendo exactamente igual que Francia, Italia, China o Estados Unidos. Todos hacen lo mismo. Ahí ves una prueba clara de que no hay un gobierno real, que no es una democracia real. Mientras, la derecha más franquista y más fascista defiende la libertad, deja que la gente vaya a los bares, y la gente flipa con eso. Dice que o eso o comunismo. Ayuso, o Bolsonaro, o Trump, dicen: «Es más importante la libertad que la pandemia», y yo estoy de acuerdo, es más importante la libertad que las consecuencias de una actuación negligente de los gobiernos en materia de organización sanitaria. ¿Te has equivocado y se gestionó mal la Sanidad y ahora se te está muriendo todo el mundo? Apechuga con las consecuencias, pero no recortes la libertad de la gente. Sé responsable de haber matado a millones de personas, pero luego no digas ‘Ahora todos en su casa porque yo no quiero asumir la responsabilidad'». La entrevista completa, en El Mundo.
Zahara logra su 2º número 1 histórico en JENESAISPOP con otro de los singles extraídos del impactante ‘PUTA’. Hace un par de meses, ocupaba esta plaza durante 2 semanas con ‘MERICHANE’, mientras ‘TAYLOR’ llegaba al número 3. Anteriormente, ‘Hoy la bestia cena en casa’ había llegado a ser número 4 en nuestra lista semanal que arrastra 15 años de tradición; ‘Guerra y paz’, número 7; ‘El fango’, número 9; y ‘Crash’, número 16.
Destaca también la fuerte subida de ‘How Does It Feel’ de London Grammar, que se sitúa en el puesto 2, mientras entran en el top 10 la revelación Genesis Owusu, Doble Pletina y Billie Eilish. Macy Gray y Kings of Convenience logran situarse en la mitad baja de la lista.
‘Embruxo’ de Baiuca es el Disco de la Semana, un trabajo que vuelve a combinar ritmos bailables electrónicos con instrumentos y canciones tradicionales gallegas para ahondar en los mitos y las cantigas de la cultura espiritual de la región. Escuchar ‘Embruxo’ es asistir a una fiesta pagana en pleno siglo XXI, pero los sonidos que han inspirado a Alejandro Guillán Castaño durante la composición del disco vienen desde direcciones y tiempos muy diferentes. Estas son 5 de sus influencias más insospechadas, comentadas por él mismo.
Varios artistas / Oxossi É Rei
En ‘Embruxo’ me he sentido muy influenciado por músicas de diferentes partes del mundo en las que prevalece la hegemonía de percusiones y voces. Este disco es un buen ejemplo de ello, un recopilatorio de músicas brasileiras muy puras en las que las percusiones hacen que no necesites nada más. Las canciones y los sonidos de Ulisses Lucas son los que más me gustan de este disco.
Chichi Peralta / Pa’ Otro La’o
Me pasé parte del verano pasado escuchando este disco y ‘Bachata Rosa’ de Juan Luis Guerra tirado en la playa. Me encantan todos los acentos que hay en estas músicas, como los instrumentos armónicos, y las voces son pura percusión en carácter. Con todos esos ritmos que los acompañan no puedes escucharlo y no moverte y bailar.
Golpes Bajos / A Santa Compaña
El mejor grupo de la historia de la música gallega y el mejor letrista de la península. Vuelvo a este disco cada cierto tiempo, sobre todo en los meses finales de los veranos, cuando se empieza a acercar el frío y la llegada del otoño, con el día de difuntos y el Samain. Tal vez haya sido una de las primeras referencias para pensar en crear un disco en el que la cultura espiritual y el misticismo fuesen protagonistas.
Ryuichi Sakamoto / Shining Boy & Little Randy
La atmósfera y los sentimientos que consigue crear Ryuichi en sus composiciones es magia. Tanto en esta banda sonora, como por ejemplo en el tema que cierra ‘Babel’, sus composiciones son maravillosas. Es una inspiración siempre poder escuchar su música y entender cómo es capaz de llevarte a su mundo. Escuchar ‘Embruxo’ para mí, cuando lo estaba haciendo, aunque musicalmente haya muchísima distancia con su música, de alguna manera era un ejercicio de atrapar al oyente y embrujarlo por lo que le estaba proponiendo.
James Holden / The Inheritors
La percusión y las voces son fundamentales en este disco, una influencia que claramente en la cultura gallega bebe de África. Pero tal vez haya una relación cultural en otros aspectos clara con países del Norte de Europa y de esa alianza Celta, en lugares como Bretaña, Irlanda, Escocia… Todo el arte del vinilo de ‘Embruxo’ gira en torno a los petroglifos (dibujos grabados en piedras), tan presentes en Galicia pero también en algunos de estos lugares europeos. Tanto en el arte de este disco de James Holden como en el videoclip de Renata se pueden observar estas conexiones.
Snoop Dogg celebraba este año el Día del Cannabis, si es que tal cosa para él no es todos los días, con el 18º álbum de su carrera. Lo ha llamado ‘From tha Streets 2 tha Suites’ y, tirado al mercado de mala manera el susodicho 20 de abril, a pesar de que era martes, no ha tenido el placer de pasarse por las listas de éxitos como sí lograban los últimos álbumes del cantante.
Los tres singles del álbum de Snoop Dogg son ‘CEO’, ‘Roaches in my Ashtray’ y ‘Say It Witcha Booty’, pero ahora Snoop Dogg ha decidido darle un “push” a todo esto con un vídeo para otro de los 10 temas que componen el disco. Se trata de ‘Gang Signs’, una colaboración con Mozzy que ha sido nombrada la mejor canción del álbum por Pitchfork.
Madonna, que es mencionada en el tema rimando más o menos con marihuana y con su admirado Obama («Still sippin’ gin and juice while I’m smoking marijuana / I bet you never blew with Obama / Crip walking with my homegirl Martha / While I’m passing joints to Madonna»), recibe el porro que se le ofrece. El tema ha vuelto a traer a la palestra el día que Snoop Dogg se fumó un porrillo en un váter de la Casa Blanca, en 2014.
Madonna ha tenido a bien estrenar su último look con un cameo en el videoclip, pues aparece fumando durante un instante como ya hubiera querido Dua Lipa en la primera versión de su vídeo ‘Levitating’ el verano pasado. Hay que decir que Madonna ha estado aún convaleciente de su operación de cadera hasta hace muy poco, pero también que nadie esperaba que recuperara su vena ‘Champagne Rosé’, que tanta animadversión despierta entre el público.
La cantante, que ni siquiera fuma como se ha encargado de repetir reiteradas veces, hasta en las letras de sus canciones, se hace la malota durante unos segundos, pareciendo la hija o como mínimo la hermana menor de Snoop Dogg, que tiene sólo 49 años por increíble que pueda parecer. Por otro lado, la intérprete de ‘Gang Bang’ continúa editando el documental de su gira ‘Madame X’, ahora atacando la mezcla de sonido.
En 2021 no daremos abasto entre el regreso de Ella baila sola y el de Amistades Peligrosas, no hace tanto compañeros de gira y casi de calabozo (pero no). La reunión de Alberto Comesaña y Cristina del Valle se anunció antes junto a una fotografía promocional que ahora resulta ser la portada de su single de regreso, ‘Alto el fuego’, hoy entre las novedades de la semana.
Se trata de un lozano tema de ritmo jamaicano, que no es que se sume a las modas imperantes, sino que encaja perfectamente con la imaginería y los tiempos del grupo, que procede de principios de los años 90, es decir, la época en que arrasaban UB-40 y Ace of Base. La letra del tema representa la reunión del propio dúo, hablando de un «incierto desconcierto» que busca «un reencuentro». Ambos se preguntan mutuamente «cómo están», incorporan palabras malsonantes como a ellos tanto solía gustarles («sé que me jodiste»), hacen referencia a su 30º aniversario, y proponen «un armisticio».
Mientras la toma vocal de Alberto Comesaña se debate entre el susurro y la afonía, la voz de Cristina del Valle parece proceder desde el fondo de un pozo. El tema empieza replicando el sonido de una llamada telefónica, y parece recrear ese sonido deliberadamente, pero el efecto es extraño cuando decide quedarse ahí durante los 3 minutos que dura la producción. Así, ‘Alto el fuego’ no termina de sonar bien ni siquiera en Tidal, ni siquiera en tu reproductor o auriculares más elevados. Al contrario, cuanto mejor es el equipo que utilizas, más se aprecia que la voz de Cristina del Valle o bien tiene un filtro más raro que un perro verde o bien ha sido enviada al estudio más comprimida que un WhatsApp.
Una pena el acabado de este tema co-producido y co-escrito por un tal Luis Cabañas Aguado, un apellido este último nada de moda, pues el dúo estaba manejando su estribillo más natural en mucho tiempo, con una letra medio bien construida y un «lyric vídeo» que recopila imágenes de sus tiempos multiplatino.
Que no quede ni una crítica de ‘Endless Arcade’ sin mencionar que el cofundador de Teenage Fanclub Gerard Love abandonó el barco en 2018. Es lógicamente el momento de celebrar al autor del mayor éxito de la banda, ‘Sparky’s Dream’ y también algunos de los temas más dignos que recientemente había públicado el grupo escocés, como ‘Thin Air’ o ‘The First Sight’ del anterior álbum ‘Here’. Pero también es el momento de recalcar cómo Norman Blake y Raymond McGinley se las han ingeniado para que no se note, hasta el punto de que es muy cuestionable que un oyente casual del grupo acuse un cambio sustancial en cuanto a estilo musical o incluso a calidad compositiva.
Lo primero era difícil después de tres décadas de carrera: en ‘Endless Arcade’ vuelven a convivir las melodías radiantes del indie pop con alguna entrega ya ocasional a los punteos del indie-rock, como sucede al final de los 7 minutazos de ‘Home’. En cuanto a lo segundo, Norman y Raymond se reparten los créditos exactamente a medias, entregando sus composiciones de manera alterna: salvo una excepción, de Norman Blake son las pistas impares y de Raymond McGinley las pistas pares. En general a Blake le escuchamos en un registro más luminoso, popero y hasta a veces yeyé (‘Warm Embrace’), y a McGinley en un tono más truculento, crudo, y preocupado por el estado del mundo.
De esto último viene el nombre del disco, ‘Endless Arcade’, inspirado en «una ciudad por la que puedes vagar con una sensación de misterio, una ciudad imaginaria que dura para siempre». Algo que les gustó para captar la sensación generalizada del álbum, partiendo de esa pista titular que nos habla de la «huida de los pájaros a la llegada del invierno», de «un bosque en el que enloquecemos» y de la «gente pobre que no puede permitirse una botella de vino», pero que no por ello pierde la esperanza: «no tengas miedo de esta vida», propone su estribillo, una y otra vez.
Los teclados del nuevo miembro de la banda, Euros Childs de Gorky’s Zygotic Mynci, tienen cierto protagonismo en esta composición o en el turbio single ‘Everything Is Falling Apart’, que en verdad es una invitación al carpe diem; mientras la luz penetra abiertamente por las canciones de Norman Blake. A este pertenece una canción de amor tan redonda y pop como ‘I’m More Inclined’ («nunca me encontré con la religión, nunca lo necesité, me inclino más a basar mi fe en ti»), o en ‘The Sun Won’t Shine on Me’, que combate su título más pesimista con una melodía preciosa que sí resplandece.
Las canciones de ‘Endless Arcade’ deambulan por tanto entre la sombra y la luz, la esperanza y la desesperanza, la nostalgia y el presente, como atestiguan los textos de ‘Back in the Day’ y ‘The Future’, ya desde sus mismos títulos. La primera contempla el mundo literalmente «desmoronarse» («la luz se ha ido y no veo que pueda volver mañana»), mientras la segunda asegura que «vamos a caminar hacia el futuro y ver vistas que no hemos visto antes». Lo cierto es que el amor de Teenage Fanclub por la melodía clásica de los Beatles o Love, a menudo por tanto en sintonía con sus paisanos de Belle & Sebastian, sí es capaz de devolvernos la fe en un mundo mejor, incluso en tiempos tan convulsos como estos.
Kase.O y SFDK, dos iconos del rap de nuestro país, acaban de entrar en la lista de singles española con su nuevo tema conjunto, ‘Ringui Dingui’. El videoclip, publicado el pasado 22 de abril, resiste entre los 10 más vistos en Youtube a día de hoy, por lo que parece estar confirmándose un hit y muy merecidamente. ‘Ringui Dingui’ es hoy la «Canción Del Día».
Publicado en el EP ‘Divertimentos’ de Kase.O, ‘Ringui Dingui’ no es en absoluto un tema menor en la discografía del rapero zarazogano, sino una sobrada de flow y rimas a cada cual más memorable, en las que Kase.O y SFDK no dejan títere sin cabeza, sin abandonar el humor. La rapidez y agilidad de los raps espetados por ambos contrastan con el exquisito fondo musical, que parece inspirarse en el estándar del jazz de los años 50 ‘The Beat Goes On‘ compuesto por Sonny Bono.
«Prepárate un poquito para la que se prepara / solo veo gente con la mente mermada / mucha información pero nadie sabe nada» es la gran declaración que deja esta canción en la que también recibe la pandemia o la prensa. «De luto vestimos muchas viudas / Yo te ejecuto por ser un puto Judas», «nadie le ha besao la cara / culpar al MENA es de majaras», «cultura segura pa que puedan verme / pero si entran la mitad no compensa moverme» son algunas de las líneas que recoge esta composición, intercaladas con otras más personales tipo «nací en el 80, me echan 50 / fotos en la playa no me rentan».
En esta producción de Acción Sánchez, especialmente la prensa vuelve a recibir en una rima como «timo no es lo mismo que robo / el periodismo marca el ritmo del globo» mientras otro verso plasma un sentir general que vincula los intereses políticos con la cobertura mediática: «creo que los políticos sobran / igual que los periodistas que de políticos cobran / igual que todos los jueces que de políticos cobran / y toda la gente engañada, ¡no sé cómo lo logran!»
Entre menciones al toque de queda y referencias tanto propias (‘Esto no para’ de Kase.O) como ajenas (‘Borriquito’ de Peret), como menciona un usuario en los comentarios de Youtube, se cuela un estribillo desenfadado que viene a relajar toda la carga anterior. Buscado o no, el estribillo «va en boogie, por la playa va en boogie / en un boogie por la playa le vi» suena casi como «de jebe tu de jebere seibiunouva majavi an de bugui an de güididípi» porque de hecho ‘Rapper’s Delight‘ parece haber sido otra de las inspiraciones de la canción.
Se viven momentos muy duros en Colombia a raíz de la reforma tributaria propuesta por el gobierno conservador de Iván Duque, la cual afecta a la clase media mayoritariamente en un momento en que la pandemia ha provocado un aumento de la pobreza monetaria en el país. La población colombiana ha salido a la calle a manifestarse en contra de dicha propuesta pero las manifestaciones han estado desgraciadamente marcadas por la violencia policial: se han registrado 19 muertos, al menos 800 heridos y casi 90 desaparecidos. La propuesta ha sido retirada finalmente debido al rechazo popular, mientras Colombia vive hoy un segundo día de paro nacional.
Ante la crisis que vive Colombia, varias superestrellas procedentes del país se han pronunciado al respecto desde sus redes sociales para exigir paz. Shakira ha señalado que «es inaceptable que una madre pierda su único hijo a causa de la brutalidad y que a otras 18 personas se les arrebaten sus vidas en una protesta pacífica», añadiendo que «las balas jamás podrán silenciar la voz del que sufre» y compartiendo la siguiente reflexión: «Se hace imprescindible que no seamos sordos al clamor de los nuestros, y pido al gobierno de mi país que tome medidas urgentes, PARE YA la violación a los derechos humanos y restituya el valor de la vida humana por encima de cualquier interés político».
Por su parte, Kali Uchis ha declarado que «protestar es nuestro derecho» y que «la reforma es sólo un parte de la corrupción política en nuestro país y no debemos tener miedo de hablar de eso, ni de ninguna otra violación de los derechos humanos». La autora de ‘Telepatía’ ha aseverado «están agrediendo a mi gente!!». En inglés ha pedido «INTERVENCIÓN INTERNACIONAL» porque «NUESTRO GOBIERNO NOS HA MANDADO A LAS CALLES PARA SER ASESINADOS» y ha rogado que «LA VIOLENCIA Y LA MUERTE PAREN». Carlos Vives ha razonado: «Es hora de echar mano de esa capacidad que en tiempos difíciles acompaña a los líderes y a los gobernantes. Sobreponer la razón sobre la pasión, el nivel técnico sobre el nivel político, el diálogo proactivo e innovador sobre la arrogancia y los discursos incendiarios de doble vía».
También desde sus redes, J Balvin ha pedido que se ponga fin a la «guerra civil» que sufre Colombia, que «necesitamos paz y amor» y que se «perdió el control de la situación». Ha demandado la ayuda de sus «colegas» y de las «superestrellas» del mundo para difundir el mensaje. Maluma ha abogado por el respeto mutuo: «Estamos viviendo momentos tristes, dolorosos… La intolerancia e incertidumbre se han apoderado de nuestras vidas… Por tanto y más, me uno invitándolos a pensar profundamente en buscar una verdadera PAZ y concientizarnos (sic) profundamente en que la única salida es la tolerancia».
Por otro lado, Juanes se ha dirigido a Colombia para hacer «un llamado a la calma, al sosiego, a deponer todas las formas de violencia y cuidar la vida» y que «nos queda siempre la palabra para transformarnos sin destruirnos», y ha señalado: «Lo que pasa hoy en Colombia viene de muchos años atrás, la desigualdad social, la falta de oportunidades y muchas otras variables nos han traído hasta aquí». Camilo ha denunciado: En Colombia las autoridades están asesinando a los que salen a manifestarse! No mas brutalidad policial, y no más impunidad a los que la perpetran!
Fuera de Colombia, artistas como Justin Bieber o la portorriqueña Karol G han alertado de la situación en el país desde sus redes para pedir que acabe la violencia.
Hoy 7 de mayo ve la luz el nuevo disco de Baiuca, sobre el que hemos tenido oportunidad de charlar con su autor en una entrevista que puedes leer en portada. En el plano internacional, publican sus esperados nuevos trabajos Bebe Rexha por un lado, y Rag ‘N’ Bone por el otro, y de vuelta al nacional, es Pimp Flaco quien regresa (sin Cupido) con un nuevo EP firmado junto a Blackthoven de título sinestésico, ‘El 4 es azul’. También hay buenas noticias para los fans del rock: salen nuevos discos de Weezer, Iceage o la revelación Squid.
El lanzamiento del día en cuanto a singles es por supuesto ‘Higher Power’ de Coldplay, que puedes comentar en portada o en el hilo del grupo en los foros. Aparte salen nuevos singles de Ms Nina, Bomba Estéreo, joan, Little Simz, HEALTH con Nine Inch Nails, Ozuna, María Escarmiento, J. Cole, Fasenuova, Bobby Gillespie y Jehnny Beth, Nuevos Desconocidos con El Último Vecino, P!nk, Rise Against, El Petit de Cal Eril, Cabiria o Conan Gray. En el plano reggaetón, hay nuevos temas de J Balvin, Ozuna y Maluma.
En los últimos 7 días ha sido posible escuchar el regreso de LUMP, la banda de Laura Marling y Mike Lindsay, así como los de Liars (ahora un proyecto solista liderado por Angus Andrew) y el de Modest Mouse y además hemos destacado en portada lo nuevo de Wavves y de Rostam. Todos ellos están disponibles en la playlist «Ready for the Weekend» también junto a las nuevas propuestas de Rels B, Empress Of, Fickle Friends (foto), Angel Olsen o One Republic.
Durante los últimos días hemos venido anunciando el estreno de lo nuevo de Coldplay, de temática intergaláctica, asociado a un nuevo planeta llamado ‘Kaotica’.
La primera pista que conocemos es una canción llamada ‘Higher Power’, que se ha estrenado este viernes. El tema empieza tipo Daft Punk, continúa por la vía del último The Weeknd (no el que de hecho colaboró con el dúo francés, sino el de ‘Blinding Lights’), trata de buscar efusivamente la vitalidad de hits de los 80 tipo ‘Don’t Stop Believing’, e incorpora en voces las influencias africanas que hemos visto varias veces en la discografía de los de Chris Martin.
Demasiado ideada junto a Max Martin siguiendo los cánones actuales de «Today’s Top Hits», donde ya ha sido acogida, la producción termina de mostrar su descaro con un vídeo pensado para la generación TikTok. De hecho, Coldplay la han venido promocionando en dicha red social.
Fea pero pegadiza, pegadiza pero fea; ‘Higher Power’ vuelve a tirar por la ventana el encanto del infravalorado ‘Everyday Life’, un álbum editado en la Navidad de 2019 que no debió pasar desapercibido, pero que al menos pudo arañar una nominación al Grammy a Álbum del Año. Ahora volvemos a la banalidad de ‘Something Just Like This‘, ni más ni menos que el mayor éxito de la historia de Coldplay, por obra y gracia de The Chainsmokers.
Baiuca vuelve este viernes 7 de mayo con su segundo disco, un ‘Embruxo‘ en el que explora la cultura espiritual gallega a través de los mitos y las canciones tradicionales. Electrónica y folclore vuelven a darse la mano en este trabajo poblado por seres como las lavandeiras o las meigas en el que Alejandro Guillán Castaño ha trabajado con las pandereteiras Lilaina, el gaitero-flautista Cristian Silva o el agitador folclórico Rodrigo Cuevas, quien prácticamente ya no necesita ningún tipo de presentación; además de con su habitual colaborador Adrián Canoura en la parte visual. Me reúno con Baiuca en un bar situado en el barrio del Born en Barcelona para terminar paseando en realidad por algunos lugares recónditos de Galicia, algunos de los cuales han inspirado directamente su disco.
¿Por qué has querido centrarte en los mitos y las cantigas gallegas?
De ‘Solpor‘ a este disco tenía claro que quería trabajar con un concepto más cerrado, ir más allá de la relación que puedo hacer entre música tradicional y electrónica. El siguiente paso era buscar otro sonido y, en cuanto a letras, tener más definido el campo en el que quería trabajar. De un tiempo a esta parte me ha interesado mucho el tema de los mitos y la cultura espiritual gallega y, como Adrián Canoura ya lo había tratado en su documental ‘Caerán lóstregos do ceo‘, las conversaciones con él fueron muy fluidas. Uno puede pensar que el tema de las meigas es un tópico pero a mí me interesaba aportar mi punto de vista de ese universo. El tema casaba muy bien con la idea musical que yo tenía, que tiene más relación con (la música del) norte de África, la parte ancestral de las cantareiras y las percusiones, pero también con la cultura celta gallega en el tema de la muerte y en el de su relación con la naturaleza. Casar ambos mundos me parecía muy interesante.
¿Cómo ha sido el proceso de documentación de los mitos? ¿Dónde has puesto límites?
He puesto límites en lo que podía encontrar desde mi casa porque, cuando empecé a trabajar en el disco, entre marzo y abril del año pasado, prácticamente estábamos encerrados en casa, aunque yo quiero dejar claro que ‘Embruxo’ no es un disco pandémico, yo ya venía con la idea de empezar a hacerlo entonces. Pero la idea era trabajar con mis propios recursos. Me puse en contacto con profesores del colegio y con gente involucrada en el mundo del misticismo y la antropología para que me pasaran artículos. Tampoco me quería documentar mucho, simplemente tener una idea general, porque buena parte del cancionero tradicional se puede encontrar en internet y en realidad los personajes suelen ser ambiguos, como las lavandeiras, que hacen referencia a una serie de mujeres que te encuentras por la noche lavando que son como brujas, pero poco más. No hay mucha información. Lo más interesante fue relacionar los cancioneros y las coplas y construir un puzzle con todo eso. En la tradición gallega, y supongo que pasa en otros sitios, las letras las puedes cantar para cualquier melodía, son como poemas que casan entre sí y que te permiten hacer cualquier canción.
¿Todas las canciones están basadas en el cancionero tradicional o hay algún tema original, como en tu primer disco? Tú vienes de hacer pop, de escribir tus propias letras, pero ahora te sumerges en el folclore….
Es una mezcla. Hay letras de poemas, sobre todo de autores de finales del siglo XIX y principios del XX, como Luis Amado Carballo, Curros Enríquez o Rosalía de Castro, sacados de libros que había adquirido durante viajes que había hecho a Galicia en los que me los iba comprando porque, dentro de mí, algo me decía que en algún momento los podía usar. La mayoría de las melodías sí son tradicionales gallegas, menos por ejemplo la de ‘Lavandeiras’ que es de la zona de Zamora. Las canciones que no tienen letra como tal sí son más de inspiración propia. Como comentas, yo vengo del pop (con el proyecto Álex Casanova). En ese momento tenía que crear yo melodías y letras y nunca me resultó interesante reinterpretar cosas tradicionales, pero ahora sí lo veo un reto mucho mayor.
¿Qué te ha atraído de los poemas de los autores que mencionas?
Son autores que trabajan en una época en la que empiezan a crearse mitos y la idea de un nacionalismo propio. Mucha de esta cultura mística es más popular que tradicional. Hay mucha relación entre su obra con elementos antiguos como los dólmenes o los menhires, sitios de culto a través de los cuales se crean historias que, o bien trascienden por sí solas, o bien son estos autores los que las crean, al empezar a hablar de cosas de las que no se hablaban antes.
He leído que en el disco apenas hay samples, al contrario que en el disco anterior.
‘Solpor’ era prácticamente un disco de samples en el quería construir algo nuevo a través de sonidos ya existentes, inspirándome en la cultura del hip-hop, del house o de gente como J Dilla o aquí El Guincho con ‘Alegranza’. Adrián habla del reciclaje de la imagen: hay tanta música hecha que no necesitamos crear más sino recomponerla. En ‘Embruxo’ quería trabajar con percusiones tradicionales y grabarlas en lugar de samplearlas, y eso se nota en la potencia de las percusiones.
«En este disco me voy más a lo tradicional que a lo electrónico»
En el tema final, ‘Lobeira’, se escucha a unos ancianos hablar. Eso sí que son samples, ¿no?
Son samples sacados de los cancioneros. Mi idea era crear una visión de voces que te van apareciendo, cosas narradas, cosas cantadas… Puestas en común muchas no tienen sentido, pero con el tracklist quería crear una historia, como escuchar una película de principio a fin. Cuando le pasaba el disco a mis amigos, me decían que lo entendían como una película sonora y ese tema en concreto narrativamente encajaba para el final. Lobeira es un monte que está al lado de mi casa en el que descubrieron una zona parecida a Stonhenge, pero con monumentos hechos de madera. Hubo un castillo… Es un lugar mágico. Ahora estoy aprovechando para descubrir sitios de Galicia donde nunca he estado, como O Corpiño, una iglesia donde se practican exorcismos aún a día de hoy. Es uno de los pocos sitios en los que la Iglesia de Roma permite esta práctica.
A nivel musical, ‘Embruxo’ es un disco de voces, percusiones y vientos soplados. ¿Dónde has puesto el equilibrio entre el componente tradicional y el electrónico?
En este disco me voy más a lo tradicional que a lo electrónico. La esencia que te da un instrumento orgánico no te la da un instrumento electrónico. Vivimos un momento en que los sonidos electrónicos son tan omnipresentes que te diferencia hacer otro tipo de cosas, y era un reto buscar que un instrumento tradicional sonara con la pegada y con la fuerza con las que lo hace la música de hoy en día.
Cuéntame sobre el archivo digital del Museo do Pobo Galego, cómo es tu navegación por esa página web.
Ahí tienes letras y sonidos, las grabaciones de campo. En los años 70, parte del trabajo de mucha gente en Galicia consistió en visitar pueblos para recoger los cantos tradicionales de la gente de ese pueblo, y buena parte de ese trabajo está recogido en el Museo do Pobo Galego o en el cancionero popular galego de Dorothé Schubarth. Para ‘Solpor’ yo ya había investigado estas grabaciones antiguas, ‘Muiño’ salió de ahí, pero en este caso lo que más me interesaba eran las letras. Lilaina, las pandereteiras que aparecen en ‘Embruxo’, habían ido a hacer recogidas a pueblos hace 6 o 7 años y, para el disco, trabajamos mucho con el material que ellas ya tenían. Teníamos las canciones y lo que nos faltaba eran letras que en concreto hablasen de seres místicos o de la naturaleza.
«La imagen malvada que se tiene de las brujas viene de los mitos que se han creado desde la iglesia»
¿Hay alguna etiqueta concreta que describa los estilos tradicionales que has usado en el disco?
En este disco lo que más hay presente son los instrumentos de parche, como los pandeiros o los tambores, que son instrumentos que te permiten crear resonancias con ellos que casi hacen una nota. Era un reto crear música armónica o melódica con instrumentos de percusión sin tener que recurrir a sonidos melódicos. En el disco hay temas que no tienen más que percusión y voz, y una de las primeras cosas que tenía claras antes de componer el disco es que quería trabajar con estos sonidos de esta forma.
¿De qué hablan las letras? Entiendo que de brujería, de los mitos, ¿pero qué cuentan exactamente? Conozco el mito de las meigas, el de las lavendeiras, que pone los pelos de punta…
Más que historias, lo que hay en el disco es una composición de coplas que evocan imágenes. Por ejemplo, la imagen de ver al demonio tocando un pandeiro, que a su vez refleja cómo es la relación de Galicia con la muerte y con el más allá, que no es tan oscura como pueda parecer. Como se suele decir, en Galicia el diablo no es tan malo como en otros lugares. También hay referencias a las hierbas de San Juán. Una tradición de Galicia es coger ciertas hierbas gallegas, meterlas en agua toda la noche y por la mañana lavarte la cara con ellas para que te purifiquen de los demonios que tengas dentro. Cuando escucho estas canciones en mi habitación, con los ojos cerrados, me resulta más interesante lo que estas letras me puedan evocar que el hecho de que cuenten una historia de principio a fin.
Tradicionalmente la meiga hace el mal y la bruja hace el bien. ¿Cuanta bondad y maldad hay en el disco?
No hay mucha maldad ni tampoco mucha bondad. Es muy propio de Galicia la ambigüedad que hay con todo. Por ejemplo, mi disco se titula ‘Embruxo’, una palabra que el diccionario gallego no recoge, y las letras contienen muchos castellanismos, los cuales forman parte de la popularidad de la transmisión oral. No me imagino a estas señoras como nada malvado. Por otro lado, ‘Embruxo’ es un disco pagano pero tiene mucha relación con el cristianismo, con el paso de los siglos… San Juan es una festividad cristiana que no deja de hacer referencia al solsticio de verano. En un punto de la historia, el cristianismo convierte a mujeres en brujas por interés, y ahí está el caso de María Soliño, una señora de la zona de Cangas que perdió a su marido en una emboscada y la iglesia se aprovechó de ella y declaró que era bruja y que estaba loca para quedarse con su patrimonio, heredado de su marido. Le pasó a ella y a otras mujeres. Al final se crean mitos a través de los intereses de la iglesia, y ahí es donde entra la imagen malvada que se tiene de las brujas. La concepción del demonio en Galicia, el diaño, no es la de un ser enorme que da miedo, es más como un elfo, más pequeño y salvaje. En general son concepciones más pícaras.
«Mi proyecto de pop está definitivamente acabado»
¿Las colaboraciones con las pandereteras Lilaina y el gaitero Cristian Silva estaban pensadas?
Cristian Silvo y yo aprendimos a tocar la gaita en el mismo sitio, Lilaina formaba parte de mi banda. Me apetecía trabajar con gente cercana y descubrir a estos artistas al público, más que buscar un «hype» de una colaboración con alguien que fuera conocido. Con Lilaina sabía que iba trabajar: son 4, 3 hermanas y una prima, tres de ellas tocan conmigo en directo, y no había duda de que quería hacer este disco con ellas, que fueras ellas quienes aportaran las voces.
La colaboración con Rodrigo Cuevas es muy guay. ¿Cómo surge?
Rodrigo Cuevas es un 10 en todo, fue un descubrimiento personal muy grande. Nos conocimos en Galicia y estuve a punto de colaborar en ‘Manual de Cortejo‘ pero al final no pasó nada y nos quedó la espinita de colaborar. Yo ya tenía clara ‘Veleno‘, se la propuse y él estuvo encantado de participar en ella. Pero me gustó sobre todo descubrirlo personalmente. Hay artistas a los que se los come el personaje o con los que no encajas en una relación más cercana, y en su caso no fue para nada así, fue descubrir más a la persona detrás del personaje. Me pareció muy cercano y cada vez agradezco más conocer a gente como él.
¿El vídeo de ‘Veleno’ tendrá algún tipo de continuación?
Vamos a sacar otro vídeo para el lanzamiento de ‘Embruxo’ pero será más experimental, como el de ‘Luar’. Estará más centrado en las imágenes de los petroglifos de la portada.
¿Tu proyecto de pop está definitivamente aparcado? Me pregunto si no te cansa trabajar tanto con música tradicional, ¿echas de menos el pop?
Ese proyecto está acabado, sin duda. Me siento súper cómodo haciendo lo que hago ahora, lo considero un proceso de madurez. No descarto trabajar con gente más cercana al pop como productor, pero no en primer plano.
Esta noche se publica el esperado debut largo de Squid, uno de los nombres que más han sonado en el mundo del rock experimental en los últimos años, al venir con la garantía de calidad del prestigioso sello WARP, especializado más bien en electrónica. El grupo de Brighton está formado por Louis Borlase (guitarra y voces), Ollie Judge (batería y voz principal), Arthur Leadbetter (teclados, cuerdas y percusión), Laurie Nankivell (bajo) y Anton Pearson (guitarra y voces); y tiene el visto bueno del Primavera Sound, que los trae de gira el próximo mes de octubre a Barcelona, Madrid y Vigo; y del NME, que acaba de darle las 5 estrellas a este ‘Bright Green Field’ que ha producido Dan Carey.
Las canciones de Squid se caracterizan por sus complejos desarrollos. Sus singles pueden durar más de 8 minutos como es el caso de una de sus canciones estrella, ‘Narrator’, en la que cuentan con Martha Skye Murphy para reflexionar sobre el papel sumiso en el que el hombre ha querido ver a la mujer a lo largo de la historia: atención a ese final totalmente chillado.
Después, no le hacen ascos a los «radio edits» tampoco. Su paleta de colores tiene cosas en común con Gang of Four, These New Puritans y gente más reciente como Protomartyr y shame, incluyendo su álbum la colaboración de Emma-Jean Thackray, y Lewis Evans de Black Country, New Road.
Cuenta ‘Bright Green Field’ con bazas que se han venido avanzando como ese ‘Pamphlets’ que cierra el disco versando sobre la propaganda con que la derecha inunda la vida de la gente, exactamente sobre una persona que utiliza dicha propaganda como única fuente de información; y también ‘Paddling’, con lo más parecido a un estribillo que encontraremos por aquí (esos «don’t push me in!!!»). Casi podría ser una canción de The Rapture o LCD Soundsystem.
Pero también escucharemos en el álbum cosas más oscuras como ‘Boy Racers’, entregada a drones completamente turbulentos. El álbum se regodea en punteos recién salidos de finales de los 70, a los que complementan una serie de vientos de inspiración jazz como los que convierten ‘Documentary Filmmaker’ en pura desazón o los desolados de ‘Global Groove’. Aun así, su sello insiste en que este no pretende ser un disco triste, sino «alegre y enfático». Con la voz a menudo desgañitada del batería Ollie Judge, alguna canción más breve y también una intro y una especie de interludio, ‘Bright Green Field’ parece tener reservado un lugar entre lo mejor del año de las listas más «arty», con un ojo también puesto en los aficionados al post-punk más accesible.
Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes sociales.
Adele celebra 33
La cantante británica ha realizado una de sus excepcionales apariciones en las redes sociales para celebrar su 33 cumpleaños. «Thirty Free» ha sido el escueto mensaje con el que la artista ha acompañado esta serie de instantáneas que ha dejado ver en Instagram, en las que se la ve posando, bañándose en un lago o haciendo una pirueta. De su disco sigue sin haber noticias.
En un movimiento más propio de ella incluso de lo que nadie podía imaginar, Grimes se ha tatuado unas «hermosas heridas de alienígena» en la espalda, con tinta blanca pese a lo que da a entender la foto, en la que el tatuaje es reciente. En otro vídeo ha salido bailando una «danza de las Valkirias con espada» para un próximo videoclip, del que no ha dado más detalles.
¿Sabéis esos típicos selfies que te sacas por aburrimiento pero que en realidad son un horror? Justin Bieber ha considerado que esta foto es digna de que sus 172 millones de seguidores en Instagram la vean y no podemos decir que estemos demasiado sorprendidos. La noticia aquí, sin embargo, es que el cantante se ha hecho rastas. No trenzas, sino rastas, en plan Bob Marley. Y no, no han sentado bien.
Con motivo de las muertes de los jóvenes Adam Toledo y Daunte Wright en manos de la policía, el pan de cada día en Estados Unidos, la autora de ‘Madame X’ ha salido recientemente por las calles de Los Ángeles a empapelar paredes con pósters de #CONTROLDEARMAS y #DESPIERTAAMÉRICA, de noche, en plan Banksy. Si has tenido suerte incluso puedes que hayas pillado su directo de Instagram retratándola en el acto.
El rapero T-Pain, conocido por introducir el autotune en el mundo del rap gracias a discos como ‘Three Ringz’, acaba de descubrir la carpeta de «solicitudes de mensajes» de Instagram y se ha topado con medio Hollywood intentando hablar con él: Diplo, Fergie o la actriz Viola Davis se encuentran entre quienes le han contactado o le han etiquetado en los stories ante el silencio del rapero. «Llevo dos años ignorando a esta gente». Buen plan de pandemia: contestarles a todos por fin.
Después de ‘Manic‘, Halsey espera su cuarto hijo, pero esta vez será de carne y huesos. La cantante anunció la noticia el pasado mes de enero, donde ya mostraba su creciente tripa, pero en una foto más reciente, el tamaño de la barriga es tal que Halsey la compara directamente con el de una pelota de baloncesto. Se desconoce cuándo dará a luz exactamente, pero pinta que le quedan unos meses.
Ahora que Benito no tiene más música que sacar porque la editó toda el año pasado, en concreto tres discos, el cantante portorriqueño ha tenido tiempo de cumplir su sueño de machote: participar en la conocida competición de lucha libre profesional Wrestlemania. Y claro, le han dejado ganar ha ganado. Junto a una persona llamada Damian Priest, el autor de ‘YHLQMDLG’ ha derrotado dentro el ring a otras dos personas llamadas The Miz y John Morrison.
Charlie Puth es el tipo de persona que escucha música por todas partes, como Björk en ‘Bailando en la oscuridad’. En este caso, el autor de ‘Attention’ lleva días oyendo un pajarito piar y dice que este ave utiliza «casi el mismo tono y frecuencia» que el presente en ‘Tainted Love’ de Soft Cell. Para nuestra fortuna, el cantante ha conseguido registrarlo en vídeo para mostrárnoslo. «Por cierto, sigo soltero», ha apuntado.
“Sorry to nerd the fuck out but I hear this bird tweet every morning and I finally got it on camera. It’s nearly the same pitch and frequency as the sound in tainted love!!!! Still single if you’re wondering” Charlie Puth Instagram — April 12, 2021.@charlieputh#CharliePuthpic.twitter.com/VUf86Wxw2g
Con el anuncio de RuPaul’s Drag Race España ha llegado la noticia de que Los Javis formarán parte del jurado. Los nuevos amigos de Madonna son muy queridos por series como ‘La Veneno’, pero hay quien considera que son más protagonistas que sus propios personajes y así se lo han hecho saber. Calvo ha decidido contestar que no puede estar «hasta en la sopa» porque es un «fideo», y más tarde ha bromeado: «Ay dejad de insultarme que me he pasado toda la puta mañana en Twitter y no he escrito nada y luego necesitaréis más memes de mis series para seguir insultando». No le falta razón.
Cuando Diplo simplemente era un muchacho de Tupelo, Misisipi que no pensaba en dedicarse a la música, más bien en convertirse en una estrella del baloncesto. Bromea: «todavía mantengo el récord de puntuación para los Manatíes de Daytona. Me salté la NBA para dedicarme a podar césped y después me pasé a vender drogas para finalmente convertirme en DJ». El inocente Diplo, corrompido por la edad adulta.
Las nuevas propuestas musicales que pueden marcar el curso del pop vuelven a ser las protagonistas de la iniciativa musical de SON Estrella Galicia. Este año, la apuesta de la marca siempre vinculada a la música en directo es por seis artistas y grupos nacionales e internacionales de lo más dispar.
Se trata de la británica Katy J Pearson, los escoceses Walt Disco, la catalana Queralt Lahoz, la también británica Lauran Hibberd, los también escoceses The Ninth Wave y el neoyorquino Starchild & The New Romantic. Todos ellos ofrecerán conciertos por streaming próximamente a través de los canales digitales de SON Estrella Galicia, antes de visitar de hecho España (en la mayoría de casos) para presentar su música encima de las tablas.
Queralt Lahoz actuará vía streaming el 10 de mayo. Próximamente se irán anunciando el resto de shows y, tan pronto como la situación lo permita, se confirmarán las fechas de los conciertos en España. A continuación comentamos los artistas que participan en el ciclo.
Katy J Pearson
La británica Katy J Pearson es mitad del extinto dúo Ardyn junto a su hermano Rob. Ahora vuela en solitario (aunque Rob sigue formando parte de su banda) con un disco llamado ‘Return’ publicado el año pasado y que bebe de los sonidos luminosos del pop-rock americano de carretera y el folk. ‘Tonight’ es su canción estrella y, si eres seguidor o seguidora de artistas como First Aid Kit, Lissie, HAERTS, The Pierces o Fleetwood Mac, ya estás tardando en escucharla.
Walt Disco
Uno de los 100 artistas esenciales de 2020 para NME, Walt Disco, es uno de esos grupos difíciles de catalogar en un solo estilo. Su estética es gótica y punk, pero mientras su mayor éxito, ‘Hey Boy (You’re One of Us)’, parece una revisión de ‘The Beautiful People’ de Marilyn Manson, ‘Cut Your Hair’ pega más en las fiestas indie de Razzmatazz, entre Franz Ferdinand y The Sound. Una de sus influencias reconocidas son los The Associates y el cantante recuerda mucho a Billy Mackenzie en lo vocal.
Queralt Lahoz
Si has sintonizado Radio3 en los últimos meses es más que probable que hayas descubierto la música de Queralt Lahoz. Esta cantante de Santa Coloma de Gramanet se vale de su educación flamenca para fusionarla con los ritmos contemporáneos del trap, el R&B o la electrónica y los resultados prometen: ‘Drogas Caras’, su mayor éxito hasta la fecha, se mueve entre Amy Winehouse y KAYTRANADA por la vía del flamenco, ‘Tu boca’ coquetea con los ritmos resbalosos de AlunaGeorge y ‘Si la luna quiere’ aúna palmas, cajones, trap y electrónica táctil sin que nada suene fuera de sitio.
Lauran Hibberd
El punto rockero de la lista lo pone la joven Lauran Hibberd, que practica un rock alternativo desenfadado en la línea de una de sus mayores influencias, Weezer. También menciona a Jack White, Pixies, Avril Lavigne y Phoebe Bridgers entre los artistas que más la inspiran, si bien sus canciones guardan un componente pop que recuerda a Taylor Swift o a girl in red. Para comprobar de qué palo va solo hace falta atender a los títulos de algunas de sus canciones, como ‘Old Nudes’ o ‘Sugardaddy’.
The Ninth Wave
La música de este grupo de Glasgow llamado como la segunda parte de ‘Hounds of Love‘ de Kate Bush no tiene tanto que ver con el art-pop de la legendaria artista británica sino más bien con el pop-rock empapado de new wave y teclados góticos de grupos como Editors o White Lies. Su primer disco, ‘Infancy’, salió en 2019 y era doble y el año pasado lanzaron un EP de remixes por gente tan interesante como The Horrors, Mogwai, Dream Wife o The Twilight Sad.
Starchild & The New Romantic
El artista multidisciplinar y actor Bryndon Cook ha sido colaborador de Solange: trabajó en el histórico ‘A Seat at the Table‘ y lideró su banda de directo (Antes formó con Dev Hynes la banda VeilHymn). Ahora, Cook lidera su propio proyecto Starchild & The New Romantic a través del cual explora las maravillas del funk, el hip-hop y el neo-soul. Su debut ‘Forever’ salió el año pasado y su canción más escuchada, ‘Tape’, cuenta con la colaboración del siempre reivindicable Toro y Moi.
Ha sido durante una entrevista de Los Felices Veinte a Chica Sobresalto. Como muchos recordaréis, La Bien Querida recibió un empujón de popularidad cuando Chica Sobresalto, también conocida como Maialen, interpretó ‘Dinamita’ en Operación Triunfo. El resto es historia: ‘Dinamita’ suma hoy 10 millones de reproducciones en Spotify, lo que equivale a un disco de platino en España (parte de ese streaming se ha hecho fuera de nuestro país, pero igualmente habría que sumar resultados de otras plataformas como Apple o Amazon).
Este programa de Orange reúne a las dos artistas, que primero ven el vídeo de OT y lo comentan, de “qué mal canté” a “yo si tengo que cantar ahí, me cago”; y finalmente interpretan la canción entre las dos. Podéis ver la aparición de La Bien Querida bajo estas líneas a partir del minuto 38, y la actuación, a partir del minuto 50. O también en el Instagram de La BienQue.
Chica Sobresalto publica su disco ‘Sinapsis’ el próximo 14 de mayo, precedido de singles como ‘Fusión del Núcleo’, ‘Adrenalina’ junto a Zahara y ‘Selección Natural’. Son canciones de pop-rock de corte épico, próximas a gente como Vega o los primeros Vetusta Morla, destacando los 5 minutazos y medio de ‘Selección natural’, en varias fases.
Son malos tiempos para las bandas de rock tradicionales, ni que decir tiene que ha sido un año pésimo para los locales de ensayo. Proliferan los solistas, el bedroom pop, y el ojo mediático está puesto en los talentos femeninos después de décadas de dominio masculino. El dúo Royal Blood sobrevive en medio del huracán como favorito del público británico, hablando de su propio vendaval personal en un tercer álbum en el que han optado por un tímido «renovarse o morir».
De Arctic Monkeys a Novedades Carminha, son decenas los grupos de rock testosterónico que han ido incorporando poco a poco otras sensibilidades a su catálogo, y ‘Typhoons’ es un álbum que ha decidido abrir la puerta a la influencia de la música de baile que siempre había interesado en su vida privada a Royal Blood. Nombres como Daft Punk, Justice y los también franceses Cassius están siendo recurrentes durante la promoción de este disco, lo cual es un aliciente para todos porque los primeros ya no existen, los últimos tampoco tras la muerte de Philippe Zdar y de Justice la única noticia que tenemos es su demanda contra Justin Bieber.
Esa nueva orientación que renueva su viejo discurso más orientado al blues y al stoner rock es muy palpable en el single ‘Trouble’s Coming‘, excelente, con un riff sintético que mola todo, y que presenta un álbum en el que el vocalista Myke Kerr habla de dejar salir sus «demonios» interiores y vicios como el consumo de alcohol. «Over and over again» vuelven los problemas, dice la canción, y «over and over again» apetece escuchar este hitazo sudoroso que se sacaban de la manga a finales de 2020. ¿Más de esta mierda, por favor? Pues no exactamente.
La influencia de Daft Punk solo es una pincelada de vez en cuando, como sucede en el cencerro y el tintineo de ‘Who Needs Friends’, cuando no resulta directamente un pegote en ‘Million and One’. Una deslavazada canción en la que su sensación de peligro no concuerda con una letra de agradecimiento a alguien que nos ha apoyado en un momento malo. Mucho mejor es ‘Limbo’, la pista central en la secuencia, que introducían en el NME como “sin duda la canción más ambiciosa y salvaje” que han hecho jamás, refiriéndose seguramente a esa coda de «French touch» en algo que había empezado más bien como una recreación de ’Standing in the Way of Control’, el gran hit de Gossip.
‘Typhoons’ no es un álbum tan revolucionario después de todo, no después del macroéxito de ‘AM’; pues sus incursiones en territorio desconocido son más bien la excepción que confirma la regla: el aire a lo Tame Impala de ‘Either You Want It’, la producción multi-género de Josh Homme en ‘Boilermaker’ o algunos efectillos en ‘Mad Visions’ conviven con canciones que aún recuerdan demasiado a White Stripes, como el single titular, y ‘Hold On’, que además hacia el final se resiente ya de la limitación de Royal Blood como narradores de historias. Al final se atreven con balada a piano, ‘All We Have Is Now’, de la que lo mejor que puede decirse es que, aunque en un estilo radicalmente diferente, flota en algún lugar de los años 70 como el resto del álbum.
Dentro de apenas unos días, ‘AM’ de Arctic Monkeys cumplirá 400 semanas de permanencia en las listas británicas, donde en la actualidad ronda el puesto 25 pese a haber sido ya 4 veces platino, siendo el segundo álbum más vendido de la banda por detrás de su debut ‘Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not’, editado en mejores fechas para la industria musical, 2005.
Alguien creerá que ‘AM’ de Arctic Monkeys se beneficia de alguna oferta en CD, vinilo o digital, pero lo más curioso del caso es que aparece más alto en la lista de streaming británica (#27) que en la de ventas (#40). Más aún: Spotify publica desde hace unas semanas una lista semanal con los discos más escuchados del mundo. Ahí encontramos ahora mismo en el número 1 ‘Justice’ de Justin Bieber, en el número 2 la edición deluxe de ‘Future Nostalgia’ de Dua Lipa y en el número 3 ‘After Hours’ de The Weeknd. Artistas latinos como Bad Bunny y Karol G, en el top 10. Y después, está lo de Arctic Monkeys, que aparecen ahora mismo en el puesto 43 de los álbumes más escuchados en todo el mundo… ¡ocho años después de su edición!
‘AM’ no es el único disco antiguo del top 50 de lo más escuchado durante la última semana de abril de 2021, pues en la lista aparecen varios discos de 2020, el de 2019 de Lewis Capaldi, «Divide» de Ed Sheeran, el primero de Dua Lipa y de hecho un disco de 2010, ‘Doo-Wops & Hooligans’ de Bruno Mars, este quizá revitalizado por el éxito de ‘Leave the Door Open’, el nuevo hit clásico de Bruno con Anderson .Paak, que está funcionando a modo de «sleeper»; quizá porque su balada ‘Talking to the Moon’ se ha viralizado en TikTok. Pero Arctic Monkeys no están de actualidad por ninguna razón conocida, ni ningún viral. Todo lo que sabemos sobre su próximo disco es que en enero estaba dando sus «primeros pasos» en el estudio, y fin.
Arctic Monkeys son, pues, monstruos del streaming en un mundo en el que creíamos que tan sólo podían serlo artistas de música latina o relacionados de alguna manera con los sonidos o la cultura hip hop. En pleno debate sobre la supervivencia del rock y de las bandas a la antigua usanza, lo cierto es que una buena parte del público continúa escuchando a la banda de Alex Turner como si acabara de editar algo, y en especial ‘AM’.
Siempre elogiamos ‘AM’, siempre fuimos conscientes de que estaba siendo un enorme éxito; pero la noticia es que pasen los meses, los años, los lustros y en breve una década, y el disco continúe resultando tan atractivo para el oyente casual. Más allá del fenómeno ‘Mr Brightside’ de los Killers, que se puede asociar a ciertas playlists; ‘AM’ en conjunto es oído bastante de pe a pa, siendo la última canción ‘I Wanna Be Yours’ una de las más escuchadas, de hecho, pese a que no fue uno de los 6 sencillos oficiales que se editaron: ‘R U Mine?’, ‘Do I Wanna Know?’, ‘Why’d You Only Call Me When You’re High?’, ‘One for the Road’, ‘Arabella’ y ‘Snap Out of It’. Incluso las 3 canciones con menos escuchas de todo el álbum se acercan a los 100 millones de reproducciones en Spotify, figurando todas ellas con 83 millones a día de hoy. ‘Do I Wanna Know?’ supera los 1.000 millones como si fuera un hit de Bad Bunny.
Un éxito, por tanto, que ha continuado afianzando el halo de clásico que siempre tuvo ‘AM’ gracias a un logrado equilibrio entre el sonido rockero del grupo y ritmos ligeramente alternativos. Contaban en la época Arctic Monkeys que en aquellos tiempos no podían parar de escuchar a Dr. Dre y esos ritmos llenaron de modernidad muy sutilmente el largo, que tampoco se cortaba en lucir falsetes, influencias neo-soul y ritmos que sus fans más conservadores y despistados podrían haber denominado como «horteras».
Un éxito, también, que les ha pesado incluso a ellos mismos: no tanta gente recuerda que en 2018 dieron continuación a tamaño álbum con otro disco llamado ‘Tranquility Base Hotel & Casino’, difícil, especial y más enfocado a prensa y público especializados, oídos atentísimos y menos a los festivales y la plebe. Para el imaginario colectivo, ya habían entregado otras cosas, como por ejemplo este hito que mostraba a Alex Turner, uno de los mejores vocalistas de nuestra generación… volviendo pedo a casa.
‘AM’ aparece en el libro ‘Un viaje por… 200 Discos Clave del Siglo XXI’, que puedes comprar en nuestra tienda online.
La segunda edición de Tomavistas Extra arranca el próximo 21 de mayo en el Parque Enrique Tierno Galván con tres «sold outs» colgados con antelación: el de ese mismo 21 de mayo, para los conciertos de Maria Arnal i Marcel Bagès y Le Parody, el del 26 de mayo con Califato 3/4 y Vera Fauna, y el del 29 de mayo para las actuaciones de Novedades Carminha y Mujeres.
La buena noticia es que el festival madrileño confirma hoy que Joe Crepúsculo y Colectivo da Silva serán los protagonistas de la cita del 30 de mayo, en sustitución de Cupido y Confeti de Odio. Además, anuncia una segunda tanda de conciertos para el mes de julio que se celebrará en IFEMA MADRID LIVE – La Explanada con las confirmaciones de León Benavente y Chaqueta de Chándal (23 de julio), Rufus T. Firefly y Maika Makovski (24 de julio) y Manel y McEnroe (25 de julio).
A continuación adjuntamos agenda de conciertos confirmados de Tomavistas Extra. Las entradas están disponibles a través de este enlace. Os recordamos que la edición madre de este festival ha tenido que ser aplazada a 2022.
TOMAVISTAS EXTRA 2021
Parque Enrique Tierno Galván – Madrid
Viernes 21 de mayo
María Arnal i Marcel Bagés + Le Parody
Sábado 22 de mayo
Triángulo de Amor Bizarro + The Parrots
Domingo 23 de mayo
La Bien Querida + Melenas
Miércoles 26 de mayo
Califato 3/4 + Vera Fauna
Jueves 27 de mayo
Derby Motoreta’s Burrito Kachimba + Los Estanques
Viernes 28 de mayo
El Columpio Asesino + El Último Vecino
Sábado 29 de mayo
Novedades Carminha + Mujeres
Domingo 30 de mayo
Joe Crespúsculo + Colectivo Da Silva
IFEMA MADRID LIVE – La Explanada
Viernes 23 de julio
León Benavente + Chaqueta de Chándal
Sábado 24 de julio
Rufus T. Firefly + Maika Makovski
Kiko Veneno, actual top 15 en la lista de singles española gracias a ‘Los Tontos’ de C. Tangana, en la que aparece como artista invitado, es tendencia hoy a raíz de una entrevista que ha concedido a ICON, el suplemento cultural de El País, en el que ha hablado de manera bastante deslenguada sobre política y flamenco, los puntos débiles de España.
Pasadas las elecciones del 4 de mayo, ganadas por Isabel Díaz Ayuso con una campaña simplista en la que ha apelado a la «libertad» en contraposición con el «comunismo» de Pablo Iglesias y se ha pronunciado la palabra «madrileños» más veces de las que nadie ha podido contar, Veneno ha dado su opinión sobre la presidenta del Partido Popular de Madrid. El músico reflexiona que «parecía que no podía gobernarnos nadie peor que Aznar» pero que ahora está la «amenaza de Ayuso», y si pregunta si de hecho «puede haber alguien más inapropiado para dirigir los asuntos públicos» que ella, «una persona despectiva, cínica, inculta, hipócrita, borde y sin ningún tipo de formación moral y humana».
Antes, Veneno critica brevemente la gestión política de VOX y la relaciona con el título de su nuevo disco, ‘Hambre’, que sale en junio. El músico asegura que «la idea de partidos como VOX» es cultivar «un nicho de mercado de hambre muy grande para mantener a la mayor parte de la población acojonada» y que busca cumplir su objetivo intentando convencer a la población de que «los pueblos a los que hemos expoliado van a venir a quitarnos la comida».
En cuanto a música, Veneno habla por supuesto de ‘El Madrileño‘, el cual «ha conseguido que el público español se dé cuenta de la importancia de nuestro género patrio», indicando que habla con «esta terminología facha para que me entienda todo el mundo». También menciona a Rosalía, a la que considera la artista de flamenco «más relevante que ha pasado en la música andaluza desde Paco de Lucía, Camarón y Enrique Morente» y a pesar de ella ser catalana, lo cual le parece un dato «anecdótico». Seguramente como a cualquiera que fuera fan de Carmen Amaya en su época.
En otros puntos de la entrevista, Veneno habla de su canción más emblemática, ‘Volando voy’, que no pudo negar a Camarón que la cantara, así como de sus inicios como cantautor en pleno franquismo o de la «desprotección» continua bajo la cual existe el sector de la música, que acaba de criticar al Ministerio de Cultura por «excluir» las salas de conciertos de la convocatoria de ayudas a la música por la pandemia.
Marc Seguí es uno de esos artistas que nadie sabe muy bien de dónde han salido pero que lo petan de la nada. Fichado por Warner aparentemente desde el principio, el mallorquín cuenta con 1 millón y medio de oyentes en Spotify y las cifras de sus singles en la plataforma se cuentan por varios millones. ‘Si nos vamos’, ‘No queda na’ y ‘A cuestas’ se han sumado con éxito a la moda del lo-fi hip-hop, mientras ‘Gameboi’ y ‘Daiwal’ han apostado más por el bedroom-pop, pero es ‘Tiroteo’ el que ha terminado por arrasar sin tener que ver con ninguno de estos temas en absoluto.
Mucho más retro, ‘Tiroteo’, hoy la «Canción Del Día», bebe de los ritmos del italo disco, el synth-pop y la new wave de los 80 para presentar una canción de desamor de las de toda la vida, con una melodía clásica que podría ser de Los Pecos perfectamente, pero asimilada en el contexto contemporáneo de hoy. Según la nota de prensa, ‘Tiroteo’ «cuenta una historia de desamor, con un toque de humor, en la que los dos chicos se ven envueltos por la misma chica».
El estribillo de ‘Tiroteo’ dice «me he cortado el pelo, me he comprado otro tinte / buscando a ver si encuentro alguna como tú en Tinder» y se pega de lo lindo. ‘Tiroteo’ ha contado además con la colaboración en la parte vocal de Pol Granch, pero es el remix que acaba de ver la luz y en el que participa un famoso reggaetonero el que ha posicionado el tema entre los mayores virales de Spotify a nivel global.
Rauw Alejandro, autor de ‘Afrodisíaco‘ y colega de otra española, Rosalía, co-autora (entre otras cosas) de dos pistas en el mencionado disco, es la estrella invitada en el remix de ‘Tiroteo’ que veía la luz el pasado 1 de abril y que resiste en el número 43 de la tabla de hits virales a nivel global del gigante sueco.
El portorriqueño ha venido a aportar más que nada su popular nombre a la grabación y la idea desde luego ha funcionado porque, en lo estrictamente musical, las voces de los tres artistas involucrados no son precisamente las más fáciles de distinguir las unas de las otras. El videoclip de ‘Tiroteo – Remix’, con bien de poses sobreactuadas que no vienen a cuento, parece de hecho de reggaetón más que de otro estilo. La canción, eso sí, lo resiste todo.
Que la música sigue presente en la parrilla televisiva española es un hecho. Quizá no como nos gustaría, que es con programas de calidad, no teniendo que depender de que Pablo Motos entreviste a La Bien Querida o de tener que ver a la última celebrity de turno disfrazada de Lola Flores, por ejemplo, pero peor es nada. Atresmedia confirma ahora que trabaja en una adaptación del popular programa de televisión estadounidense ‘Celebrity Family Feud’ que enfrenta famosos con alguna relación profesional entre ellos, y la primera encarnación española de este espacio será musical.
Presentado por Nuria Roca, ‘Family Feud: La batalla de los famosos’ enfrentará a concursantes de la primera edición de Operación Triunfo con otros de Eurovisión. Tan fascinante como suena. Entre los triunfitos confirmados en la primera edición del programa se encuentran David Bustamante, Gisela (foto), Rosa López, Manu Tenorio y Natalia Rodríguez y, entre los eurovisivos, se encuentran Karina, Soraya Arnelas, Miki Núñez, Chikilicuatre (sí, en serio) y Daniel Diges: acaba de llamar 2010. Un poco extraña la selección puesto que algunos de estos participantes eurovisivos se dieron a conocer primero en Operación Triunfo, para más adelante concursar en el festival de la canción, por lo que se solapan.
Como ha informado El Confidencial Digital, el mecanismo de ‘Family Feud: La batalla de los famosos’ es el siguiente: cada semana, dos equipos compuestos por famosos competirán para adivinar las respuestas más comunes a 100 preguntas enviadas por el público de manera anónima. Las preguntas son del tipo «cosas que se suelen hacer frente al espejo» u «objetos que puedes encontrar entre los cojines del sofá». Ganan las respuestas más populares. La primera edición contará con cantantes, pero en las siguientes pasarán actores o deportistas, entre otros.
C. Tangana recupera el número 1 de la lista de álbumes en España con ‘El Madrileño’ tras el paréntesis “Love of Lesbian” de la semana pasada. ‘V.E.H.N.’ baja del 1 al 5 en su segunda semana, lo que deja vía libre a C. Tangana para recuperar la máxima posición. Es la 8ª semana que Puchito está en la cima con su último disco, además relanzado con la “Tiny Desk” y con la edición de un vinilo que ha tardado casi dos meses en llegar, y que se mantiene como el vinilo más vendido del país.
¿Mal o buen día para Ismael Serrano?
El segundo protagonista del día es Ismael Serrano, que ha podido llegar al número 2 en España con su nuevo disco, ’Seremos’, tan solo contenido por la consistencia de C. Tangana, que es su compañero de sello en Sony. El álbum ‘Seremos’ ha venido presentado por sencillos como ‘Porque fuimos’ o ‘Fahrenheit 451’ y, de manera sorprendente, incluye una colaboración con Pablo Alborán, ‘La primera que despierta’. El éxito no es ajeno a Ismael Serrano desde que triunfara con ‘Papá, cuéntame otra vez’ y ha sido número 1 en España en varias ocasiones, como con ’Sueños de un hombre despierto’ (2007), ‘Todo empieza y todo acaba en ti’ (2012) y ‘La llamada’ (2014).
Ismael Serrano es históricamente un firme apoyo para la izquierda del país, por lo que no ha querido dejar de tener unas palabras para Pablo Iglesias en las redes sociales tras su sonada derrota en las elecciones del 4-M, donde también ha comentado su entrada al puesto 2 en España. Ha escrito en Twitter:
“Yo quiero seguir jugando a lo perdido.
Yo quiero ser a la zurda más que diestro.
Yo quiero hacer un congreso del unido.
Yo quiero rezar a fondo un “hijonuestro”.
Gracias @PabloIglesias.
Cambiaste la historia política de este país. Con todo en contra. Suerte”.
Primer top 10 de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba
Aunque en la redacción no nos ha emocionado nunca mucho la llamada “kinkidelia” de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, y a todas luces el suyo es el Premio Ruido más flojo y menos imaginativo de todos los que se han entregado, celebramos el éxito de su segundo disco en la lista de ventas, aunque solo sea porque esta semana ha sido capaz de aparecer un puesto por encima de Bustamante (David).
El disco ‘Hilo negro’ es puesto 9 en España, mientras su debut quedó en el número 30. Además, son capaces de llegar al número 2 en vinilo, tan sólo por detrás de C. Tangana.
Maren llega al top 50 sin vinilo
La bilbaína Maren da una de las sorpresas de la semana, al colarse en el top 47 tan sólo con los puntos de CD’s y streaming. El notable ‘Margaritas y lavanda‘ no aparece en el top 100 de vinilos. Distribuyen Hook/Altafonte.
Myke Towers, top 4; Veintiuno, top 40
El resto de entradas son ‘Lyke Mike’ de Myke Towers en el número 4 (es uno de los 75 artistas más escuchados a nivel global ahora mismo en Spotify), ‘Desde el fin del mundo’ de Duki (puesto 11), ‘Te lo digo todo y no te digo na’ de Rosario (puesto 12), ‘Corazonada’ de Veintiuno en el puesto 39, la edición 50º aniversario de ‘Plastic Ono Band’ de John Lennon (puesto 41), ‘Cicatriz’ de Manel Navarro (73), ’Surface Sounds’ de Kaleo (82) y ‘Sell Out’ de The Who (94).
Un resultado modesto el de Veintiuno, teniendo en cuenta los altos streamings con que contaban temas como ‘Parasiempre’, ‘Caramelo’ y ‘Salvavidas’, en torno al millón de reproducciones o incluso superándolas.
El 4-M acabó como se barruntaba desde que Isabel Díaz Ayuso, el icono, convocó elecciones en la Comunidad de Madrid sin demasiada necesidad: con una victoria holgada de los populares tras absorber la práctica totalidad de los votos de Ciudadanos, que desaparece de la Asamblea, y arañar también unos cuantos escaños al bloque de izquierdas. El último CIS de Tezanos, pura fantasía, sí revelaba que había un porcentaje importante del sector servicios y de la hostelería que abandonaba principalmente al PSOE para votar al PP, animado por la política de Ayuso de mantener abiertas tiendas, terrazas y comercios durante las últimas olas de pandemia. El pésimo resultado para el bloque de izquierdas ha provocado que Pablo Iglesias comunicara al cierre de la jornada electoral que abandonaba todos sus cargos y la política, pues pese a que Unidas Podemos ha recuperado 3 escaños, considera que él «ya no suma» al partido y que le han convertido en un «chivo expiatorio». Mónica García de Más Madrid, la única revelación de la izquierda en esta campaña, le doblaba de largo en votos y representación.
Génova se convertía en escenario de un fiestón sin distancia de seguridad en metáfora de los valores que se han vendido durante la campaña, «libertad», fiesta y cañas «a la madrileña»; con Andrea Levy en algún momento cercana a la mesa de DJ sin que pudiéramos identificar gran cosa de la selección musical. Desde luego no pareció sonar Nacho Vegas ni aparentemente nadie que pudiera generar hoy un titular como el que hace un par de días nos dejaba Leiva; mientras algunos músicos comentaban la jornada electoral atónitos. A destacar Rayden, que se preguntaba «¿Esto es cierto?» frente a una imagen de dicha fiesta que sí se esmeró en recogerse a las once menos algo, medio a tiempo para el toque de queda.
El exitoso rapero de Alcalá de Henares, que recientemente ha sido top 4 en ventas en nuestro país con su disco ‘Homónimo’, se preguntaba: «¿Qué está pasando?» me pregunta Twitter. En Madrid no lo sé, la verdad», indicaba a la vez que compartía un meme de Trump, en relación a las comparaciones que ha recibido la simplista campaña de Ayuso («o comunismo o libertad») con la estrategia de Donald Trump.
Durante el día, Rayden había compartido un texto irónico sobre Madrid para animar a sus seguidores a votar: «Madrid será un lugar increíble gobierne quien nos gobierne… A no ser que no seas heterosexual y seas perseguido y veas reducidas tus libertades. A no ser que tengas que irte fuera porque no puedas pagar el alquiler porque nadie de protege de la exploración inmobiliaria. A no ser que quiten todo tipo de ayudas a la dependencia o necesites atención sanitaria, la pública la dejen hecha una pena y no puedas pagar la privada y no se defienda la salud mental. A no ser que se quede una ciudad de catetos porque no se invierta en docencia. A no ser que nos gobierne el único atractivo y reclamo cultural sean los toros. A no ser que nos gobiernen un puñado de personas ineptas elegidas a dedazo que solo se dedican a polarizar. Quitando eso. Tranquilo. No votes. Gobierne quien gobierne Madrid será increíble».
En Instagram o sus Stories, animaban a votar de una forma o de otra Eva Amaral, Ginebras, Belén de L-kan o The Parrots, que compartían un meme de «votaré no a la extrema derecha». Diego Jiménez de Carolina Durante, haciendo alarde de su humor habitual, comparaba jocosamente las colas para votar con las de un concierto. Aunque la noticia en las colas sin duda la protagonizaba Leonor Watling, que se viralizaba en contraste con Lucía Etxebarría, quien decía haber abandonado la cola para votar porque era demasiado voluminosa. Decía la líder de Marlango: «Nada de cola. Como venía preparada para esperar, este rato libre lo voy a dedicar a pensar en la cara que pondrían las sufragistas (nuestras abuelas y bisabuelas) al escuchar: “no voto porque hay cola y me da pereza”». Guille Galván también animaba a votar indicando: «nos jugamos lo que no está escrito. No pretendo convencer a nadie pero no os quedéis en casa, votad». Anoche compartía un tuit al conocer el resultado electoral que después decidía borrar y decía así: «España es un bar desde hace décadas. Si gritas desde la barra y dices que está to pagao, aunque sea mentira, te lo llevas de calle».
Quien no ha borrado su opinión ha sido Alberto Jiménez de Miss Caffeina, que abanderado de la lucha LGTB+ (dolía en el alma ver esa bandera con el arco iris precisamente en Génova, donde este mismo siglo y no en el XIX presentaron un recurso de inconstitucionalidad contra el matrimonio gay), decía sin tapujos: «Que la derecha se haya apropiado de la palabra «Libertad» para su campaña, es como si los de Vox se paseasen con una camiseta con la cara de Harvey Milk. Entre lo absurdo y lo aberrante». Después en Instagram compartía una viñeta de Rocío Quillahuaman sobre «perder seguidores por meterse en política». Tulsa ha lamentado sobre la victoria de la derecha: «cuando más se necesitaba lo comunitario… Cuando tengáis un ratito me lo explicáis, por favor». En cuanto a apoyos para Mónica García, Jero Romero comentaba que era «una pena» que no hubiera ganado. «Ella sí lo valía», indicaba sobre la que será la líder de la oposición tras el sorpasso a la lista de Ángel Gabilondo, para preocupación del gobierno central.
Como siempre, el NEGA de Los Chikos del Maíz era el más arriesgado en su opinión: «Dos claves. 1) Puta PSOE. MM sube, UP sube. El psoe pierde escaños: pensaba que iba a recoger voto de Cs, a lo mejor es que se creyeron que era un partido de ‘centro’. Pero es lo que pasa si pones a un moñeco. De verdad ese señor daba clases? Hablaba en público? En serio? 2) Otra clave la ha dicho de pasada Escolar y no se le está prestando suficiente atención: el rollito libertad abrirlo todo de Ayuso puede haber movilizado a los negacionistas conspiranoicos (tradicionalmente abstencionistas) y que son muchos más de los que imaginamos. Ojo ahí. Última reflexión: si con gente como Iglesias y Mónica no se puede ganar a una ameba y una analfabeta funcional como Ayuso incapaz de hilvanar tres frases seguidas, el día que el PP presente a alguien meridianamente competente y con tablas, hay PP para 50 años en Madrid». Opina en nuestro foro de Política Superficial.
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Una pena lo de Mónica… ella si lo valía #Elecciones4M
A no ser que quiten todo tipo de ayudas a la dependencia o necesites atención sanitaria, la pública la dejen hecha una pena y no puedas pagar la privada y no se defienda la salud mental.
A no ser que se quede una ciudad de catetos porque no se invierta en docencia.
Nada de cola. Como venía preparada para esperar, este rato libre lo voy a dedicar a pensar en la cara que pondrían las sufragistas (nuestras abuelas y bisabuelas) al escuchar : “ no voto porque hay cola y me da pereza”
Que la derecha se haya apropiado de la palabra "Libertad" para su campaña, es como si los de "Vox" se paseasen con una camiseta con la cara de Harvey Milk. Entre lo absurdo y lo aberrante.
Última reflexión: si con gente como Iglesias y Mónica no se puede ganar a una ameba y una analfabeta funcional como Ayuso incapaz de hilvanar tres frases seguidas, el día que el PP presente a alguien meridianamente competente y con tablas, hay PP para 50 años en Madrid.
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