Cariño se llevan a Natalia Lacunza al «sunshine pop»… y le sienta como un guante

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2 septiembre, 2020

Cariño han estrenado en las plataformas de streaming ‘Modo Avión’, su anunciado nuevo single con Natalia Lacunza, este miércoles 2 de septiembre nuestra «Canción Del Día». Tanto la banda madrileña formada por Paola Rivero, Alicia Ros y María Talaverano como la segunda finalista de Operación Triunfo 2018 acaban de sumarse a la familia de Sonido Muchacho (la segunda en contratación y management, a través de Universal Music), de modo que este single conjunto puede entenderse como una especie de celebración de esta nueva etapa en sus carreras.

‘Modo Avión’ vuelve a ser un caramelito de sonido punk-pop de Cariño que se pega a la primera, como lo han sido sus mejores singles, como ‘Bisexual’ o ‘:(‘, conocidos por su frescura e inmediatez. No en vano, este año la ristra de buenos singles de Cariño llevaba al trío a ser anunciado para el festival californiano de Coachella, lamentablemente cancelado por el coronavirus. La banda, que publicara sus primeras canciones en el sello Elefant, recuerda a La Casa Azul más primigenia, y por melodía también a Cola Jet Set, en este corte que hace uso de sonidos de videojuego para contarnos la historia de un amor que tiene a sus intérpretes flotando en las nubes, pues como canta una de ellas: «yo ya no sé ni en qué día estamos, solo quiero estar contigo, si sale el sol lo quemamos».

La contribución de Natalia Lacunza en ‘Modo Avión’ no pasa desapercibida y potencia el componente generacional de esta canción que también gustará a sus fans. Su parte, de hecho, evoca la típica rebeldía adolescente consciente de ser envidiada por los demás. «Sabes que no veo nada cuando estás a mi lado, no querían que pasara y al final ha pasado, nada va a cambiar por el que dirán, saldremos a fumar y nos mirarán raro, pero es lo que hay, ser tan guapas nos iba a salir caro», canta la autora de ‘a otro lado’.

Vistiendo una clásica camiseta comunista, Natalia Lacunza aparece tirada junto a Cariño en medio de la carretera en el videoclip de ‘Modo Avión’, dirigido por un Jean LaFleur que ha trabajado con Sen Senra, otro de sus colegas recientes, así como con otros artistas como Pedro LaDroga o Recycled J ft. Aleesha.

La colaboración de Natalia Lacunza con Cariño no es una sorpresa por la razón mencionada en el primer párrafo de este artículo, pero tampoco desde que la cantante de Pamplona declarara a JENESAISPOP que sus próximos pasos artísticos buscarían un sonido más «de banda» con el que ella y su, ejem, banda pudieran tocar canciones con instrumentos en directo. Esto a pesar de que Pional sería el productor de su primer álbum largo, aunque no hay «nada cerrado». «Me gustaría que el siguiente proyecto sea un disco completo hecho con un mismo grupo de músicos, cocinado a fuego lento», indicaba. Con su segundo EP, el atmosférico ‘ep2‘, Lacunza conseguía el primer lanzamiento de la cuarentena en alcanzar el número 1 en la lista de álbumes española.

Lo mejor del mes:

Muere Erick Morillo de Reel 2 Real, autor de ‘I Like to Move It’

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Sebas E. Alonso

1 septiembre, 2020

Erick Morillo ha sido hallado muerto durante la mañana de Estados Unidos, en concreto en Miami Beach. Tenía 49 años y según TMZ, se desconoce la causa de la muerte, aunque no parece haber violencia implicada.

Nacido en Nueva York, de origen colombiano, el DJ y productor fue conocido por su trabajo como Reel 2 Real. Especialmente conocido fue su hit ‘I Like to Move It’ (en la portada, con gafas de sol), que co-escribió junto a Mark Quashie (el rapero The Mad Stuntman) y co-produjo junto a Ralphie Muniz. La canción fue muy famosa ya en su momento pero además ganó notoriedad en 2005 al ser incluida en la popular película ‘Madagascar’, un éxito de taquilla y más aún, una constante en la parrilla televisiva.

‘I Like to Move It’ fue uno de los más grandes y conocidos hits del dance la música noventera, en este caso con un decidido punto dancehall, alcanzando el puesto 5 en las listas británicas, llegando también a entrar en el Billboard Hot 100 pese a su género, y siendo una de las canciones del verano en España en 1994. En nuestro país llegó al número 4, permaneciendo en listas durante más de 4 meses. Fue uno de los 20 maxi singles más vendidos en España aquel año. Pese a no volver a repetir nunca tal hit, Erick Morillo había continuado publicando singles y pinchando hasta el día de hoy.

Erick Morillo fue arrestado y puesto en libertad con cargos el pasado mes de diciembre por agredir sexualmente a una mujer, otra DJ con la que había coincidido trabajando en una fiesta privada de Miami Beach. El DJ negó las acusaciones, y tenía que presentarse en los juzgados este viernes 4 de septiembre.

‘Dynamite’ de BTS no es en absoluto «la bomba»

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JNSP

1 septiembre, 2020

Parte de la redacción evalúa ‘Dynamite’ de BTS, que ya es número 1 en el Billboard Hot 100.

«BTS y el K-pop reinan esta semana en EEUU. Ojalá reinaran también los fans del K-pop en EEUU, no sólo en sentido figurado. En tiempos convulsos, este ‘Dynamite’ buenrollero, puede actuar como un bálsamo. ‘Dynamite’ es un disco funk sencillo y domesticado, con reminiscencias setenteras y brillo ochentero, como pasado por el filtro Daft Punk lo justo para darle un puntito arrebatador. Es fácil y pegadizo, sus vientos y su estribillo son resultones y pegadizos; la mayor pega que le pongo es el cierre de la canción; ese final de redoble cutre sincopado que acaba en seco da mucha grima auditiva. Quitando eso, ‘Dynamite’ no vuela cabezas… pero se pega cosa mala». Mireia Pería.

«‘Dynamite’ cuenta con varios ingredientes habituales en la canción pop hedonista perfecta, la que funciona porque le gusta a todo el mundo y a la que le importa entre cero y nada lo que diga la crítica. Recuerda a varios de los hits de Maroon 5, o a algo tipo ‘Cake by the Ocean’, el «grower» de DNCE. La de BTS cita a los Rolling Stones, comienza por el estribillo, introduce palabras como «ding dong» y «ping pong»… Tiene su gracia. Pero juega todas sus cartas demasiado pronto, de manera que su segunda parte se desmorona: si el tarareo «dyn-na-na-na, na-na-na-na-na, na-na-na, life is dynamite» es un «eye rolling», aguarda a que llegue su subida de medio tono final». Sebas E. Alonso.

«Es un fenómeno digno de estudio que la calidad de la música de BTS nunca haya alcanzado la altura de su fama global. Es maravilloso que una banda surcoreana arrase en el mundo entero, y de hecho el futuro de la música es el de la globalización, pero la música de BTS es de una mediocridad difícil de creer, como ha quedado demostrado con la escucha de sus interminables discos, resultado de copiar fórmulas de éxito sin nada interesante o nuevo que aportar más allá del lenguaje, y haciendo uso de las melodías y producciones más insulsas imaginables. ‘Dynamite’ no es en absoluto «la bomba» como los seguidores de la banda están comentando en redes: el tema no es más que un sucedáneo de ‘Say So’ de Doja Cat que además hace sonar ‘Can’t Stop the Feeling!‘ de Justin Timberlake como una obra maestra. Básicamente, es un tema de disco-funk facilón, insulso y forzado que en absoluto merece ser número uno en ningún sitio. Sus dos co-autores, David Stewart (no, no es el integrante de Eurythmics) y Jessica Agombar (no, no es un nuevo alias de Taylor Swift) han firmado juntos temas como ‘What A Man Gotta Do’ de Jonas Brothers o ‘I Love You’s’ de Hailee Stanfield, pero ‘Dynamite’ no es un hito artístico para ellos precisamente. Enhorabuena por el éxito, eso sí». Jordi Bardají

Qué esperar de ‘El Madrileño’, el nuevo disco (y nuevo alias) de C. Tangana

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Jordi Bardají

1 septiembre, 2020

C. Tangana es portada de Forbes España a raíz de una entrevista que el artista madrileño ha concedido a la publicación, con motivo de su inclusión en la lista de los «100 españoles más creativos en el mundo de los negocios». En la entrevista, Pucho vuelve a dejar un titular marca de la casa («tengo más capacidad para detectar talento que talento propio») y habla extensamente de su relación profesional con la industria, así como de sus primeros pasos en la música, pero de manera más interesante, en sus declaraciones parece insinuar que dejará de usar el alias de C. Tangana para dar paso al de El Madrileño, con el que de hecho firma en sus redes sociales desde hace tiempo.

De hecho, este término, ‘El Madrileño’, será el título del próximo disco del artista de momento conocido como C. Tangana, del que el propio Antón habla también largo y tendido en la entrevista sin concretar fecha de publicación. Si este nuevo alias parece inspirado, por su componente geográfico, en el de su colega y colaborador Niño de Elche, y de hecho nace una vez ambos terminan de grabar ‘Un veneno‘, su hit conjunto, el concepto de ‘El Madrileño’ está basado en una aproximación de Antón a la música tradicional que el cantante lleva «6 años» estudiando, música tradicional tanto procedente de España como de Latinoamérica. Nada nuevo bajo el sol: si ‘Un veneno’ era un bolero’, ‘Para repartir’ era un son cubano y ‘Viene y va‘ con Natti Natasha un tema de reggaetón.

Lo nuevo puede venir después, y C. Tangana explica que su intención con ‘El Madrileño’ ha sido llevar esa música tradicional que tanto le ha inspirado a su propio terreno. «Llevo escuchando música tradicional, no sólo de España, sino latina, unos seis años, empapándome de ella, intentando indagar en ella de la misma forma con que a los dieciséis años intentaba indagar en los discos de rap clásico», asegura. «Llevo tiempo estudiando el lugar al que quería acceder y ahora es cuando me he sentido capaz de hacerlo. Lo que he hecho es coger toda la música tradicional que a mí me gusta e intentar cantarla yo». El artista cuenta que la gente que ha escuchado el disco no ve en él una «revisión» sin más, sino un trabajo personal que además es necesariamente contemporáneo al haber contado con la participación de sus colaboradores habituales, Alizzz y Víctor Martínez. E indica que «aunque trabaje en el mainstream, yo me siento un artista bastante experimental y si escuchas en frío mi música, hay muchas cosas y muy raras».

Pocas cosas pueden haber más experimentales que ‘Nunca estoy‘, la mejor canción de 2020 para quien esto escribe: una producción misteriosa de ritmo in crescendo, casi bounce en su tramo final, firmada por la mano amiga de Drake, ~~Nintendo65~~ Nineteen85, y que utiliza parte de la melodía de un clásico de Rosario, incluye una referencia a ‘Corazón partío’ de Alejandro Sanz y está interpretada desde el punto de vista de una chica a la que C. Tangana está amargando la existencia. Que esta canción tan extraña, y a la vez tan emotiva, haya alcanzado el número 1 de singles en España puede considerarse un milagro, pero si para algo ha servido su lanzamiento es para confirmar que C. Tangana no está tan estancado como parecía hasta hace bien poquito, cuando se dedicaba a lanzar singles de inspiración latina que parecían todo el rato el mismo. Si ‘No te debí besar‘ triunfó en parte porque su delicado sonido no puede llevar más la firma de Paloma Mami, otros como ‘Picaflor’ con Lao Ra o el mencionado ‘Viene y va’ pasaban más desapercibidos en las listas de éxitos, planteando serias dudas sobre la dirección artística escogida por este artista que hasta entonces había demostrado ser un buen autor de discos largos, pues ‘Ídolo‘ era uno de los mejores discos de 2017.

Por las palabras de C. Tangana, se intuye que ‘El Madrileño’ le llevará a un nuevo lugar como artista. Es imposible no pensar que ‘El mal querer‘ de Rosalía pueda haber sido una especie de meta artística a la que llegar: Antón es co-autor de varios temas de aquel disco, incluido ‘Malamente’, y su fusión de músicas tradicionales (en su caso el flamenco) y contemporáneas ha supuesto un antes y un después en la música popular, hasta el punto que el disco ha sido reconocido por instituciones tan cruciales como los Grammy americanos. El cantante afirma haber trabajado con sonidos o textos cubanos, flamencos o afroperuanos e incluso adivina que ‘El Madrileño’ pueda abrirle caminos anteriormente explorados por artistas -sugeridos por el entrevistador- como Rosendo, Robe Iniesta de Extremoduro o Manu Chao. Por supuesto, sin obsesionarse con etiquetas. «Este nuevo disco me parece un disco completamente experimental, lo que pasa es que mi ambición es la música popular y eso es lo que yo sé hacer y al final es lo que llega a todo el mundo», indica. «Me inventaré nuevas categorías cada vez que necesite abrirme paso». ¿Será C. Tangana quien mate al trap?

The Killers no repiten ni en España ni en su propio país su nuevo top 1 en Reino Unido

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Sebas E. Alonso

1 septiembre, 2020

The Killers son el nuevo número 1 en Reino Unido con su disco ‘Imploding the Mirage’. Es su 6º disco y la 6ª vez consecutiva que lo consiguen, pues efectivamente todos sus álbumes de estudio han sido en su momento top 1 en las islas británicas, lo cual es bastante curioso porque el grupo es de Las Vegas. En este caso, se han vendido 50.391 copias en una semana solo dentro de las islas, por lo que se trata del álbum que más ha vendido en una semana de todo 2020 en Reino Unido, tan sólo por detrás de ‘Chromatica’ de Lady Gaga (52.907 unidades en su semana de salida). Como curiosidad, 35.000 de estas copias en el caso de The Killers -una abrumadora mayoría- eran pre-pedidos en soporte físico de sus seguidores.

Misteriosamente, y aunque la popularidad de The Killers a nivel internacional es evidente, al nivel de fanatismo de Reino Unido hacia la banda de Brandon Flowers no se llega en ningún otro lugar. Nuestro compañero Raúl Guillén hablaba de cómo la influencia de New Order podía haber repercutido en la aceptación de la banda en las islas, donde al fin y al cabo ‘Mr Brightside‘ lleva 240 semanas en el top 100 de singles (un récord histórico); y eso no ha cambiado en ‘Imploding the Mirage’ pese a lo americano que suena en parte el disco. El álbum no ha pasado del puesto 8 en Estados Unidos (históricamente es su peor dato, de hecho) y del número 15 en España.

The Killers fueron en España número 9 con ‘Day & Age’, número 3 con ‘Battle Born’ y número 6 con ‘Wonderful, Wonderful’, por lo que este es el peor dato que conocen en nuestro país desde su segundo disco. Aunque bien es cierto que es la primera vez que se enfrentan por aquí a una tabla en la que cuente el streaming, también lo es que la radiofórmula no les está apoyando ni lo mínimo.

En cualquier caso, ‘Imploding the Mirage’ es la entrada más fuerte de la semana en España, aunque curiosamente queda un puesto por debajo de la subida más fuerte en puntos/ventas. Esta corresponde a ‘Pero no pasa nada’ de Amaia, un disco que ha remontado desde el estreno de dos nuevos temas, sin que nadie acierte a comprender demasiado por qué: ni está descontado en Fnac o Amazon, ni se ha reeditado el agotado vinilo, ni mucho menos ‘Nuevo verano’ está sonando en 40 Principales. El caso es que de nuevo escala del puesto 17 al 14.

Mientras como ya hemos contado en el análisis de la lista de singles, Maluma es número 2 con ‘Papi Juancho‘, quedando por debajo de Anuel AA en su semana más importante; otra entrada interesante es la de Troye Sivan con ‘In a Dream’, directo al puesto 70, adivinamos que sobre todo gracias al streaming. Este EP del artista australiano que estos días ha pasado por nuestra categoría de «Discos Recomendados«, ha sido número 34 en Reino Unido e igualmente número 70 en Estados Unidos. A destacar el puesto 3 que ha alcanzado en Australia, su país, al contrario de lo que sucedía precisamente con The Killers.

Aaliyah llegará a las plataformas de streaming… no como estos artistas o discos «malditos»

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Jordi Bardají

1 septiembre, 2020

Aaliyah es una de las grandes superestrellas de la música pop cuya discografía sigue ausente en las plataformas de streaming… al menos hasta dentro de muy poco. El equipo de la cantante, trágicamente fallecida en 2001 en un accidente de avioneta, hace exactamente 19 años, ha confirmado estos días que las negociaciones han comenzado entre sus herederos y varias discográficas para llegar a un acuerdo que permita el lanzamiento en las plataformas de streaming de ‘One in a Million’ y ‘Aaliyah’, los dos álbumes de Aaliyah que nunca han llegado a dichos servicios. El primero, ‘Age Ain’t Nothing But a Number’, el menos exitoso de todos, sí está disponible por ejemplo en Spotify.

El streaming ha convertido el acceso a la música en un verdadero circo sin fin: por un lado, la música es más accesible que nunca; por el otro, esta puede desaparecer en cualquier momento de tu plataforma favorita si así lo decide el artista o el sello, al contrario de lo que sucede con las copias físicas. Pasaba recientemente con Lizzo: sus primeros discos, totalmente desconocidos para el gran público, desaparecían brevemente de Spotify para volver después como si nada hubiera pasado.

De La Soul y Frank Ocean, entre los afectados por contratos o samples

Son varias las razones por las que ciertos discos no terminan de estar disponibles en estos servicios o no lo han estado en el pasado pero ahora sí. Artistas mainstream como Adele, Beyoncé, Justin Timberlake o Taylor Swift (cuya discografía estuvo ausente de Spotify hasta hace muy poco) han retrasado el lanzamiento de sus multimillonarios álbumes en las plataformas para potenciar la venta de copias físicas de la primera semana, que suelen ser las más importantes, y por ejemplo en el caso de Beyoncé, su asociación a TIDAL provocaba que ‘BEYONCÉ‘ y ‘Lemonade‘ llegaran a Spotify con años de retraso, como por supuesto ha sido el caso también de la discografía de su marido y propietario de TIDAL, Jay-Z. La buena salud de sus ventas físicas es también la razón por la que bandas generacionalmente tan ajenas al streaming como King Crimson o Tool han tardado en dar el visto bueno a que su discografía esté disponible en dichos servicios, mientras el equipo de Prince es quien autorizaba la llegada de toda su música a Spotify tras la muerte del músico, uno de los artistas más críticos con el auge del streaming o antes de la venta digital.

A veces la realidad es incluso más complicada: algunas discografías están disponibles en unas plataformas y en otras no, como es el caso de Joanna Newsom, cuya música sí puede escucharse en Apple Music pero no en Spotify (Newsom es conocida por su animadversión hacia la plataforma sueca), mientras otras aparecen en dichas plataformas pero incompletas, como es el caso de Frank Ocean: su primer disco, ‘Nostalgia. ULTRA‘, en realidad considerado una «mixtape», fue muy aclamado en su momento, pero su uso de samples no autorizados, en concreto el de ‘Hotel California’ de los Eagles en ‘American Wedding’, que Don Henley se niega a aprobar (considera a Frank un «niñato sin talento»), impiden su publicación en las plataformas. Y el caso de De La Soul da hasta risa: debido a que la banda firmó un contrato que permitía la edición de sus primeros discos en exactamente los formatos de vinilo y casete, sus 6 primeros trabajos no están disponibles al gran público, incluido su influyente debut de 1989 ‘3 Feet High & Rising’, que las nuevas generaciones se están perdiendo también debido a la presencia en él de samples no autorizados.

Eminem y Alanis, entres quienes reniegan de sus rarísimos debuts

El caso de los debuts es especialmente interesante, pues a menudo son obras que ni sus mismos autores aprueban. El primer disco de Eminem no fue el multimillonario ‘The Slim Shady LP’ publicado en 1999, sino un disco llamado ‘Infinite‘ editado en 1996 y que nadie ha vuelto a escuchar. El rapero solía vender las copias de ‘Infinite’ él mismo «desde el maletero de su coche» según la Wikipedia anglosajona, pero el disco cosechó malas críticas, sus ventas se estiman entre las 70 copias y el millar, y cabe preguntarse si el mismo artista lo conserva hoy en día o ha quemado la copia madre como hizo The KLF con su millón de libras (por cierto, la discografía de The KLF, una de las bandas de pop más exitosas de Reino Unido durante la década de los años 90, tampoco puede escucharse en las plataformas, quizá debido a la filosofía anti-industria del dúo). Tampoco los primeros discos de Feist y de la adolescente Alanis Morissette, los remotos ‘Monarch’ y ‘Alanis’, respectivamente, pueden escucharse en ninguna parte.

Y puestos a rizar el rizo, pueden ser miles los discos que por haberse editado en ciertos países o por ser de culto no pueden escucharse en Spotify o similares: la discografía de la japonesa Jun Togawa no está en Spotify, tampoco el querido disco de ambient ‘Through The Looking Glass’ de Midori Takada lo está, ni por separado los casetes espirituales de Alice Coltrane. Siempre habrá música rara que no puede escucharse en las plataformas, y quizá por ello adquieran mayor valor, sobre todo de cara a futuras reediciones.

Katy Perry / Smile

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Raúl Guillén

1 septiembre, 2020

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No hay quien entienda a los críticos y al público, ¿eh? Buena parte de los primeros, denostaron un ‘Witness‘ que, debilitado sobre todo por una palpable falta de tijera sobre sus momentos más divagantes, hoy se reivindica por su audacia y, se deja entrever, hubiera sido mucho mejor recibido ahora, en los inciertos tiempos de pandemia. Más que una «testigo», Katy Perry tenía que haber sido una vidente. Y los segundos dieron la espalda al disco pese a contar con singles tan reivindicables –su gira dio cuenta de la aceptación popular– como ‘Swish Swish’, ‘Chained to the Rhythm’ o ‘Bon Appétit’ –ok, no fue un hit, pero aún se recuerda con cariño, como mínimo–. Escarmentada de ese intento de evolución en su discurso artístico, Katy recula y con ‘Smile’ pretende ser más complaciente con su fan medio y así, tal y como dice en un verso de este disco, simplemente disfrutar el viaje y «hacerle una peineta al flop».

Si se vendió ‘Witness’ como un disco de madurez personal –por aquello de que Katy pretendía mostrar al mundo su conciencia y su consciencia sobre los problemas que aquejaban a la sociedad más allá de ella misma–, no lo fue en lo artístico, en tanto que se la jugó con producciones valientes que no estaban pensadas para su digestión inmediata. Maduro es lo de ‘Smile’: conocerse tan bien a sí misma para ser lo bastante consciente de sus virtudes y defectos como para sacar partido a los primeros y disimular los segundos, sin riesgos. Una madurez que, por tanto, va ligada en este caso también a cierto conservadurismo. Y si bien eso puede decepcionar a los que pidan a la música pop algo más que simplemente agradar, no sería extraño que Perry recuperara a algún fan: los primeros datos de venta de este disco son malos, pero su aceptación en radios y playlists es mejor que en la era ‘Witness’.

De hecho, el que no parecía pero es, de facto, el single estrella de este nuevo álbum, ‘Never Really Over‘, ya supera ampliamente en streamings a dos de los temas citados en el párrafo anterior y en breve lo hará también con ‘Chained to the Rhythm’. Además de ser el gran clásico que dejará en su repertorio esta era, marca también la dirección musical que sigue un ‘Smile’ bastante compacto y sin estridencias en esa parcela: no marcar el paso de las tendencias, como hiciera antaño, sino acomodar a su estilo el pop contemporáneo más aséptico y asequible, y usar su maquinaria y su imagen para potenciarlo comercialmente. A ver si no, si ya era tan buena en su día ‘Love You Like That‘, por qué no triunfó con ella Dagny.

Siendo esa la canción más inmediata del conjunto –destaca la presencia en ella de un Zedd que, pese a estar en entredicho, demuestra ser uno de los productores más empáticos con los deseos del público en los últimos años–, es también el epítome de una suerte de chainsmokerización de Katy Perry. Es decir: si algo te funciona, no lo sueltes, exprímelo al máximo. En esa línea sonora se sitúan también los dos cortes que suceden a «NRO» en el tracklist, ‘Cry About It Later‘ y ‘Teary Eyes’, certeros a todos los niveles aunque impersonales en esencia. Pero, como ya había antes dicho por aquí, si hay alguien capaz de hacer sobresalir de la media canciones así, esa es Katy Perry.

Coherente con esa táctica «amarrategui», no sorprende lo más mínimo que buena parte del resto del álbum se dedique a autorreferenciarse con guiños a «la vieja Katy», como diría su de nuevo amiga Taylor Swift. Y no le sale mal del todo, puesto que algunos de esos números están entre lo mejor de ‘Smile’. Es el caso de ‘Not the End of the World’, que recicla el trap-pop de ‘Dark Horse‘ para marcarse, gracias al atinado uso del gancho del clásico ‘Na Na Hey Hey Kiss Him Goodbye‘ de Steam, uno de los himnos más importantes del álbum –también en el aspecto lírico, donde reivindica su fortaleza para levantar el ánimo tras un fracaso profesional o personal–. Y el de la muy mona ‘Tucked‘, que remite con su fresco disco funk a la era ‘Teenage Dream’ tanto como el hip-pop –sirviéndose de un sample de ‘Jamboree‘ de Naughty by Nature– de ‘Smile’, la canción. Pero la línea entre lo divertido y el sucedáneo insípido es muy fina, y no puede evitar caer en esa categoría en una ‘Daisies‘ que remite sin rubor a la épica pop de ‘Prism’. Con todo, ya es más de lo que podemos decir de temas absolutamente inanes en lo musical como ‘Resilient‘ u ‘Only Love’, canciones completamente obviables, que difícilmente alguien recordará pasados unas horas –siendo generosos– tras su escucha.

Por suerte para todos –para ella misma la primera–, Katy no ha perdido su inteligencia y adereza ese acentuado conservadurismo con medidas gotas de variedad –’Harley in Hawaii‘, blanda como single, supone un amable oasis en la secuencia– y apenas una balada, la bastante potable tanto lírica y compositivamente como en cuanto a producción ‘What Makes a Woman‘. Gracias, Katy, tía, por librarnos de otro bodrio como ‘Never Worn White‘. Incluso se suma con bastante buen tino a la moda retro-disco-funk que han hecho explotar Dua Lipa y The Weeknd en ‘Champagne Problems’, mostrando su capacidad de adaptación.

Son, en todo caso, pequeñas muestras de heterogeneidad de un disco homogéneo y monótono, en el que las canciones que sobresalen lo hacen… pero no demasiado. Y, por más que ‘Smile’ se venda como un álbum sobre romper la dinámica de la depresión por el flop de ‘Witness’ y sobre su resiliencia –nada mejor para ello que repetir como un mantra «soy resiliente» en un tema titulado ‘Resilient’ para hacerlo notar; la sutileza nunca estuvo entre sus dones–, tampoco evita caer en tópicos líricos impersonales sobre segundas oportunidades en el amor y fantasías no cumplidas. Hasta en eso estamos ante un disco, aunque potable, tibio y facilongo que, por encima de todo, huye de los sobresaltos. *Bostezo*

Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘Never Really Over’, ‘Cry About It Later’, ‘Not the End of the World’, ‘Teary Eyes’, ‘Champagne Problems’
Te gustará si te gusta: la masa de eternas aspirantes como Winona Oak, Dagny, Charlotte Lawrence o Sasha Sloan; la última Kylie Minogue.
Escúchalo: Champagne Problems

Maluma no puede con Anuel AA en la lista de discos española, pero sí sube al top 1 de singles

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Sebas E. Alonso

1 septiembre, 2020

Maluma es la entrada más fuerte en la lista de discos más vendidos/escuchados del país con el reciente ‘Papi Juancho’. Sin embargo, ha tenido que conformarse con el puesto 2, ya que en el número 1 continúa Anuel AA, inamovible con ‘Emmanuel’. Y mira que ‘Papi Juancho’ contiene hasta 22 canciones alargándose más allá de la hora de duración. Sin embargo, la lista de singles de nuestro país le deja mejores noticias, lo cual es lógico pues el colombiano es más un artista de canciones sueltas o de singles que de álbumes.

Llevamos tiempo advirtiendo de que ‘Hawái’ es un macrohit muy gordo pese a no ser precisamente nuestra grabación favorita de su repertorio (no, no es ‘Chantaje’). ‘Hawái’ puede convertirse de seguir así en la canción más popular de la historia de Maluma, pues ha sido incluida en la playlist “Today’s Top Hits” de Spotify que siguen 27 millones de personas, y ya es número 2 en el top global de lo más oído a nivel mundial para la plataforma sueca. A falta de averiguar si su paso por los VMA’s de MTV tiene algún tipo de repercusión importante en las listas internacionales (o no, no fue lo mejor de la noche), la canción sube del puesto 16 al puesto 1 en la tabla oficial de singles más populares de nuestro país. Además, ya está certificada como disco de oro. No es el primer número 1 en España de Maluma, pues ya alcanzó esa posición con ‘Felices los 4’ y ‘Chantaje’ con Shakira, pero vuelve así a un lugar que parecía estar resistiéndole desde hace ya varios años.

Además, otras 3 canciones de ‘Papi Juancho’ aparecen en el top 100 español: ‘Madrid’ con Myke Towers es número 39, y no hay que ser un lince para averiguar que esta es una de las ciudades del mundo que más escucha a Maluma, en concreto, la 5ª; ‘Parce’ con Lenny Tavárez y Justin Quiles llega al número 49; y la balada ’ADMV’ es puesto 56 tras cuatro meses en lista y una certificación de oro. El paso de esta última por la lista es constante y regular, pero tampoco es el registro favorito de Maluma entre sus fans: nunca ha pasado del número 55 y no parece que vaya a lograrlo ya si no lo ha conseguido esta semana.

La entrada más fuerte de la nueva tabla que sale hoy es ‘Ayer me llamó mi ex’ de Khea y Lenny Santos, directa al puesto 7, Jerry Di es número 60 con ‘Mi cuarto’, Ava Max llega al puesto 78 con ‘Kings & Queens’ tras haber sido top 20 en Reino Unido y Myke Towers, uno de los mencionados colegas de Maluma, aparece en solitario con ‘Llegará’ en el número 89. Como curiosidad, la reentrada de ‘Contando lunares’ de Don Patricio y Cruz Cafuné en el número 92 nos revela que ya es 7 veces platino.

Mención especial merece la tímida entrada de ’Dynamite’ de BTS en el puesto 38 en España, muy lejos del número 1 directo alcanzado en Estados Unidos y el puesto 3 en Reino Unido. Eso sí, hay que recordar que Youtube no computa en Promusicae España a diferencia de lo que sucede en estos otros dos lugares.

Chico y Chica ni confirman ni desmienten su regreso al pop en ‘Mosquita muerta’

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Sebas E. Alonso

1 septiembre, 2020

Chico y Chica han vuelto esta noche con su primer single en mucho tiempo. Su álbum ‘Los estudiosos’ data ya de hace 8 años y el disco-libro ‘Notario’ de 2016, si bien en 2017 lanzaban un sencillo suelto titulado ‘Un, dos, tres, orgasmo’ que de manera impensable llegaba a sonar en Operación Triunfo, escuchado -cómo no- por Amaia. «Qué bonita», decía sobre ella Romero, al lado de Aitana.

El dúo bilbaíno formado por José Luis Rebollo «Madelman» y Alicia San Juan «Rosa de los Vientos» nos encandilaba por completo a principios de siglo con dos discos tan divertidos y sui generis como ‘Sí’ (2001) y ‘Status’ (2004), despuntando primero con canciones perfectas para las pistas de baile electropop, como ‘No me preguntes la hora’ y ‘Supervaga’, y después con producciones inclasificables y tronchantes como ‘Vaquero’, ‘Chantaja’ y ‘Lady Olé’. Nadie, en ningún país, se conoce que haya escrito letras como estas. Con los años, ganaron cada vez más peso los imaginativos guiones para su radionovela en parodia de la industria musical, ‘4 en Alicante‘, quedando las canciones pop cada vez más en un segundo plano, y no solo por su inactividad.

Ahora, ‘Mosquita muerta’ se presenta como «una canción de pop electrónica hedonista y elegante», lo que supone cierto regreso al pop bailable tras un par de lanzamientos más abstractos. La nota de prensa de su sello Austrohúngaro habla abiertamente de «regreso al pop inmediato», definiéndola como «una canción de 3 minutos y pico, clásica, ágil y pegadiza», en la que las influencias son «Dinarama, Mecano, Baccara y ABBA», como es habitual, y a los que se podría añadir el ritmo de un hit de los antiguos Saint Etienne, de los que también fueron seguidores.

La melodía de ‘Mosquita muerta’ es ciertamente muy Carlos Berlanga, en concreto el que escribió junto a Nacho Canut ‘Cómo pudiste hacerme esto a mí’ (1984), después replicada por Berlanga en su carrera en solitario en una secuela más desconocida pero muy reivindicable llamada ‘¿Qué sería de mí sin ti?’ de ‘Indicios’ (1994). El uso de castañuelas es más bien Fangoria. Por su parte, la letra pretende «poner en su sitio a esas personas que siempre están en medio pero nunca se involucran».

Mientras el fraseo de Alicia «ni lo quiero, ni lo necesito (…) ni lo tengo, ni lo garantizo (…) ni lo apruebo ni lo preconizo» y el estribillo en general resultan ciertamente muy pegajosos, «no quiero oler a nada» conforma un estribillo algo más improbable y menos universal que el de ‘Tú, lo que tienes que hacer’. Mención especial, en cualquier caso, merece la outro final: «¡Ay, mosquita de la fruta! / ¿Dónde habrás puesto esas patas? / ¡No te hagas la efímera! / En el medio de la fiesta hay una fresca / Que lleva tu cara puesta». A continuación en este single, se anuncia una versión instrumental de la canción, que en verdad no dura lo mismo, y tampoco es exactamente un instrumental.

Está confirmado que ‘Mosquita muerta’ formará parte de un disco en el que Chico y Chica están trabajando y que se publicará en 2021. Antes de que llegue este, habrá más singles disponibles para el público.

La triunfal, gloriosa y agradecida celebración de los 40 años de Indochine

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Sebas E. Alonso

1 septiembre, 2020

Indochine celebran sus 40 años en la música con una pareja de recopilatorios en la que se recogen sus singles. Si el día 27 de noviembre llegará al mercado ‘The Singles Collection (1981-2001)’, esta semana —es decir, sí, antes- se ha recopilado lo editado en el siglo XXI. Este 28 de agosto se ha lanzado al mercado ‘Singles Collection (2001-2021)’ incluyendo temas tan populares como ‘J’ai demandé à la lune’, ‘La vie est belle’ y ‘Karma Girls’. Aunque en España no nos hayamos enterado, el siglo XXI de Indochine ha sido tremendamente exitoso en Francia, pues ‘Paradize’ en 2002 y ’13’ en 2017 han sido incluso certificados como “disco de diamante” por la venta de medio millón de álbumes cada uno. Ambos estuvieron entre los 20 álbumes más vendidos de todo el año en el país vecino, alcanzando también cierta repercusión en Bélgica.

El disco que acaba de salir además incluye una canción inédita y original que no desmerece, una ‘Nos célebrations’ que este verano ha podido ser un pequeño hit en Francia, situándose a las puertas del top 10 en la lista “trending” de Youtube y sumando 7 millones de streaming de momento. ‘Nos célébrations’ se basa en un gancho instrumental que ejerce de leit motiv -es una especie de trompeta sintetizada- durante toda la composición y que además de estar en sintonía con la épica contenida que tantas veces hemos escuchado en Indochine (y en otros coetáneos como Depeche Mode), también es apta para gente que no conozca a la banda francesa y en los últimos años haya disfrutado del repertorio de Empire of the Sun, Foster the People y los James más épicos.

Si la música es todo un triunfo, la letra habla también de “celebrar” “solo lo bueno” y lo “bello”, invitando a que “continúen” “la historia” y el “paraíso perdido”. Una bellísima metáfora sobre su propia carrera, y eso que no siempre se idean canciones inéditas a la altura para los recopilatorios de éxitos.

Por su parte, el vídeo animado y en blanco y negro representa un viaje en el que aparecen iconos como David Bowie, Gainsbourg… y otros acontecimientos y personas que han marcado a la banda de Nicola Sirkis, aunque haya sido para mal (de Nelson Mandela a Donald Trump). La nota de prensa que presenta el disco menciona muchos de los hechos históricos que se han vivido estos años, lo que incluye el enterramiento del vinilo y su regreso también, y el vídeo va por ahí.

Indochine, uno de los grupos más exitosos de la historia de Francia tras la edición de 13 discos y la venta de 15 millones de copias, son autores de álbumes tan importantes como ‘3’, aquel en el que se incluían temas como ‘3s sexe’, ‘Canary Bay’ o ‘Trois nuits par semaine’, y que pasó por nuestra sección «Clásicos que nunca lo fueron«, escrita por Jaime Cristóbal. En 2021 Indochine realizarán una gira por estadios en lo que será el 40º aniversario de su gestación (10 de mayo de 1981) y de su primer concierto (19 de septiembre de 1981). Su web anuncia 5 fechas entre junio y julio de 2021, incluyendo una en el mítico Stade du France de París.

Lo mejor del mes:

Andrea Levy responde las críticas por la cancelación de Tomavistas Extra

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Sebas E. Alonso

1 septiembre, 2020

Tomavistas Extra, el ciclo que se celebraba en el Parque Enrique Tierno Galván de Madrid, desde esta semana, organizado en mesas de 2 y 4 personas, se ha cancelado dadas las restricciones de la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid. La organización indica que en las últimas semanas ha tenido que «convivir de nuevo con la inseguridad jurídica no solo de una regulación cambiante y ambigua a nivel nacional, autonómico y local» y ha denunciado un «gran agravio comparativo con otros sectores» del mismo distrito. El ayuntamiento pedía hace 2 días que se redujera el aforo de 1.314 a menos de 600 personas y aunque se presentaba la solicitud cambiando el formato de festival, la última respuesta de las autoridades madrileñas ha sido negativa.

Las críticas al Ayuntamiento han sido muy acusadas en las redes sociales durante las últimas horas, especialmente hacia la delegada de cultura (turismo y deporte), Andrea Levy, conocida por su asistencia a conciertos alternativos en la capital, desde antes de formar parte del equipo de gobierno. Andrea Levy ha respondido críticas en Twitter apelando al machismo y a un periodista «desinformado» de El País. Bajo la petición de JENESAISPOP a su equipo de prensa en el ayuntamiento, nos indica lo siguiente: «Esta no es una decisión propia de Cultura sino del Ayuntamiento, dados los altos datos de rebrotes en los últimos días. Soy una persona que siempre atiende a cualquier periodista pero sobre este tema creo que solo se está teniendo en cuenta una parte y no la que le corresponde al distrito de Arganzuela, que es la de salud pública de la CAM, que no autoriza al evento por superar márgenes de aforo en su perimetraje. No se deniega ninguna autorización porque nunca se llegó a otorgar ya que Tomavistas hasta el domingo noche mantenía un aforo de 1370 personas, con un decreto que lo impedía. Defendemos que este no es el modelo de Cultura Segura. Nos preocupaba que fuera una fuente de contagio y estigmatizara el sector sabiendo lo muy tocado que está. Al contrario; el desdoblamiento de conciertos no garantizaba que no se produjeran las aglomeraciones».

El ciclo tenía que celebrarse estas dos próximas semanas con conciertos como los de Carolina Durante, Javiera Mena, Novedades Carminha o Natalia Lacunza. La noticia de la cancelación se producía el mismo día en que se ha realizado una convocatoria cara al día 17 de septiembre para apoyar al sector espectáculos. Bajo estas líneas puedes encontrar el comunicado completo de la organización de Tomavistas:

«Nos vemos obligados a cancelar Tomavistas Extra por fuerza mayor. Durante toda la semana pasada, el fin de semana y el día de hoy y dadas varias restricciones y responsabilidades repartidas en la toma de decisiones entre el distrito de Arganzuela, la Consejería de Sanidad de la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid, respecto a eventos de aforo igual o superior a 600 personas, hemos mantenido conversaciones y elevado consultas a diferentes autoridades tratando que nos confirmaran que podíamos seguir adelante con Tomavistas Extra.

Necesitábamos recibir la notificación oficial positiva al Plan de Actuación en Contexto COVID-19 y a una numerosa documentación técnica y complementaria presentada y actualizada durante varias semanas que recogía punto por punto las medidas preventivas y limitaciones de todas las Órdenes publicadas por la Comunidad de Madrid, completadas con las «Recomendaciones para eventos y actividades multitudinarias en el contexto de nueva normalidad por COVID-19 en España» acordadas en la Comisión de Salud Pública del Consejo Interterritorial del Sistema Nacional de Salud el pasado 14 de agosto.

Además, estos días hemos tenido que convivir de nuevo con la inseguridad jurídica, no solo de una regulación cambiante y ambigua a nivel nacional, autonómico y local, sino también con la cuestionada aplicación y vigencia de la Orden 1008/2020 de la Comunidad de Madrid y la falta de respuesta a las consultas elevadas a las autoridades competentes, ante los vaivenes y decisiones judiciales, así como el anuncio del cierre de parques en la ciudad de Madrid de 22:00 a 06:00.

Precisamente, por este último anuncio se nos solicitó por parte del Ayuntamiento de Madrid, hace apenas hace dos días, que para agilizar los trámites de la licencia definitiva redujéramos nuestro aforo a pesar de cumplir todos los requisitos legales en la documentación aportada (a priori permitido por la normativa citada anteriormente) de 1314 personas a menos de 600 personas. De este modo, no sería aplicable en la tramitación de la licencia municipal el apartado 7 de la Orden 1008/2020, al no tratarse entonces de un evento multitudinario (igual o superior a 600 asistentes) para el que debiera realizarse un Plan de Actuación por parte del organizador y una evaluación del riesgo por parte de la autoridad sanitaria conforme a lo previsto en el documento citado de «Recomendaciones para eventos y actividades multitudinarias en el contexto de nueva normalidad por COVID-19 en España», evitando así el Ayuntamiento de Madrid tener que contar con la autorización del órgano competente de la Comunidad Autónoma, en aplicación de la Orden 1008/2020. Tal ha sido nuestra buena fe que igualmente presentamos ambos documentos, aun no siendo exigibles al organizador.

Ese era un cambio importante, pero durante el fin de semana y a pesar de cumplir toda la normativa aplicable, cambiamos el formato del festival (para cumplir con las propuestas de limitación de aforo que nos trasladaron desde el propio consistorio) con el apoyo de nuestros técnicos, proveedores, patrocinadores y artistas y lo presentamos hace apenas unas horas en el órgano competente, para que hoy lunes 31 de agosto (nuestro último día para hacer viable el proyecto de montaje) las autoridades municipales nos dieran respuesta.

Desgraciadamente la respuesta ha sido negativa por el riesgo de la celebración del evento ante la actual evolución y datos de la situación epidemiológica, y por estos motivos nos han denegado la celebración del evento musical. Esto supone, a nuestro parecer, un gran agravio comparativo con otros sectores que permanecen abiertos incluso en el mismo distrito a la pública concurrencia en rotación y sin trazabilidad alguna, pese a que por nuestra parte cumplimos escrupulosamente con toda la normativa de aplicación respecto a medidas preventivas, organizativas, de limpieza e higiene, trazabilidad, sectorización, escalonamientos de accesos, limitaciones de aforo, Plan de Actuación en Contexto COVID-19, y un largo etcétera de buenas prácticas y documentación complementaria, que van más allá del estricto cumplimiento normativo.

Estamos realmente tristes e indignados porque todo el trabajo de tantos meses y tantas personas ha sido en vano. Sin entrar demasiado a valorar las circunstancias y las decisiones tomadas, que analizaremos más profundamente en próximos días, sólo podemos comunicaros que Tomavistas Extra 2020 no tendrá lugar y el importe de las entradas será devuelto en un plazo máximo de 30 días de manera automática. Agradecemos desde Tomavistas la comprensión y el apoyo de artistas, proveedores, patrocinadores y sobre todo a nuestro público que ha vuelto a confiar en Tomavistas, con la mayoría de conciertos rozando el sold out.

Estamos tocados, pero no hundidos y en breve seguiremos informando de novedades sobre Tomavistas 2021, Tomavistas Ciudad y sobre todos los proyectos que siempre desarrollaremos con todos los protocolos y medidas de seguridad e higiene según las normativas vigentes, tal como lo habíamos hecho para este evento, pensando en todos los implicados y especialmente en el público».

Lyra Antarctica Seaborn Sheeran no es la primera ni la última víctima del mal gusto de sus padres músicos

Por

Sebas E. Alonso

1 septiembre, 2020

Ed Sheeran, más listo que el hambre, anunciaba la pasada Nochebuena que se retiraba este año debido a lo exhausto que se encontraba tras la gira de ‘Divide’ y la edición de su álbum de duetos del año pasado, ‘Nº 6 Collaborations Project‘. Buen año para retirarse de los escenarios y la vida pública y disfrutar de la compañía de tu familia y amigos, ¿a que sí?

El autor de la histórica ‘Thinking Out Loud’ ha vuelto a las redes casi exactamente 9 meses después -han faltado 23 días para que fuera clavado- para anunciar el nacimiento de su primer bebé junto a su pareja Cherry. En Instagram, y acompañando la instantánea de unos patucos, ha anunciado la llegada de su hija «preciosa y saludable», informando de que la ha llamado… Lyra Antarctica Seaborn Sheeran, convirtiéndose de manera inmediata en «trending topic». Es habitual que los británicos guarden un segundo nombre sorprendente, y el propio Ed se llama en verdad Edward Christopher, pero hay que admitir que esto va más allá, teniendo en cuenta no solo la referencia a la Antártida sino que «seaborn» es «nacida en el mar» y «seaborne», «transportada a través del mar».

Ed Sheeran ha pedido al mundo que respete su privacidad, pero no que cuestione su buen gusto. Sin embargo, en su defensa, hay que reconocer que es habitual que las estrellas del mundo del pop escojan nombres excéntricos para sus hijos. Si en su momento te sonó un poco raro que el Rey del Pop llamara a sus bebés cosas como Michael Jr y Prince Michael II, eso no era nada para lo que estaba por venir. Grimes puso a hijo recientemente tal nombre que se tuvieron que escribir artículos que sirvieran como guía para enseñarnos a pronunciar tal cosa: X Æ A-12 se lee como «Ex Ash Ei Twelve», como explicaba nuestro ex compañero Claudio M. de Prado en la revista Glamour.

A la zaga habían quedado Chris Martin (y Paltrow) llamando a su hija Apple sin pensar en los iPhones y ajenos a lo ñoño de la expresión «apple of my eye» en inglés (de «Manzanita» a «La niña de mis ojos»), Beyoncé y Jay-Z poniendo Blue Ivy («hiedra azul») a su hija, Kanye West llamando a sus hijos North, Saint, Chicago y Psalm (y hay que detenerse claramente en el caso de alguien que se llama «North West» o «Chicago West»), y Cardi B y Offset llamando a la suya Kulture Kiari Cephus. Igualmente, Ashlee Simpson tiene un hijo llamado Bronx Mowgli, Cheryl Cole y Liam Payne uno llamado Bear Grey y Travis Scott una niña llamada Stormi.

Pero también en el pasado los cantantes de pop pusieron nombres raros a sus hijos: mientras genios como Paul McCartney y John Lennon recurrían a nombres tan corrientes como Heather, Mary, Stella, James y Beatrice el uno; y Julian y Sean el otro para su descendencia, parece que las cosas se fueron complicando después: Sting optaba por Fuschia y Erykah Badu por Seven Sirius, Puma Sabti y Mars Merkaba Thedford. La Voz de Galicia realizaba un reportaje en 2016 hablando de cómo la sociedad en general tendía cada vez más a la caza del nombre poco común y «ocurrente», abundando en los registros civiles las Khaleesis, las Shakiras e incluso los Lobos. Parece que en el caso de las estrellas del pop, su ansia por ser los mejores, o al menos únicos y especiales, eleva las ambiciones al cubo.

Ver esta publicación en Instagram

Ello! A quick message from me as I have some personal news that I wanted to share with you… Last week, with the help of an amazing delivery team, Cherry gave birth to our beautiful and healthy daughter – Lyra Antarctica Seaborn Sheeran. We are completely in love with her. Both mum and baby are doing amazing and we are on cloud nine over here. We hope that you can respect our privacy at this time. Lots of love and I’ll see you when it’s time to come back, Ed x

Una publicación compartida de Ed Sheeran (@teddysphotos) el 1 Sep, 2020 a las 1:01 PDT

•X, the unknown variable ⚔️
•Æ, my elven spelling of Ai (love &/or Artificial intelligence)
•A-12 = precursor to SR-17 (our favorite aircraft). No weapons, no defenses, just speed. Great in battle, but non-violent 🤍
+
(A=Archangel, my favorite song)
(⚔️🐁 metal rat)

— 𓏲Gℜiꪔ⃕es 𓆤ஐ (@Grimezsz) May 6, 2020

‘Tú y yo’ no podía ser una canción de amor para Los Punsetes… ¿o sí?

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Sebas E. Alonso

1 septiembre, 2020

Los Punsetes amenizan la llegada del mes de septiembre con un tema llamado ‘Tú y yo’. Se trata de una canción inédita para la mayoría, aunque aquellos que os hicierais con el vinilo de ‘Una persona sospechosa‘, la encontrasteis allí como cara B. Claramente, por la estética y la paleta de colores que sigue su portada en las plataformas de streaming, está vinculada decididamente con su último disco, el excelente ‘Aniquilación’, en lugar de abrir una nueva era.

Lo que uno espera siempre de algo llamado ‘Tú y yo’ es una canción de amor, pero en el caso de Los Punsetes no sabemos si es posible. Tras una intro con un bajo recién salido de la era post-punk, emerge la maraña habitual de guitarras indie-rock, mientras la letra llama a la unión de dos personas para salir adelante: «ganaremos las batallas perdidas / quebrantaremos una a una las lanzas los dos / romperemos la barrera del sonido / encontraremos un tesoro escondido / y aunque nos maten nos harán más fuertes a los dos».

La interpretación fácil de la canción es la sociopolítica («Derribaremos todas las barreras / y dejaremos correr libres a las fieras / no habrá gigantes ni molinos que puedan con los dos»), pero también puede ser un tema que simplemente anhele la libertad en época de reclusión y confinamiento. O también, por qué no, puede ser una canción de amor, en la que una pareja se apoya mutuamente para sortear las adversidades («Lograremos lo que nadie ha conseguido / sé que puedo si cuento contigo (…) Subiremos las colinas más altas / estaremos bien los dos»).

El tema se presenta con un vídeo dirigido y producido por Tuica que se recrea en la estética noventera de la que también es esclava la producción de la composición. En formato VHS y con el protagonismo de cuatro enmascarados, volvemos a los tiempos en que veíamos a Yo La Tengo en MTV, nos terminábamos ‘Viernes 13’ y pasábamos a ‘Scream’.

Los Punsetes, que han sido pioneros en la realización de conciertos de pago online esta pandemia, tenían que actuar este domingo 6 de septiembre en Tomavistas Extra, y de hecho este anunciado lanzamiento para hoy 1 de septiembre servía seguramente como aviso y recordatorio para sus fans. Sin embargo, el festival se ha visto obligado a cancelar toda actividad debido a la falta de autorización de última hora por parte del Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid, debido al desarrollo de la pandemia, y después de semanas de dimes y diretes. Una cancelación que ha resultado muy criticada en las redes tras hablar la organización del «agravio comparativo» que ha supuesto esta cancelación respecto a otros sectores, incluso dentro del mismo distrito de la ciudad de Madrid. La misma nota de prensa de Mushroom Pillow, sello de Los Punsetes, se queja de que Tomavistas se tuvo que «cancelar ayer para desesperación del sector», por lo que de alguna manera es difícil no interpretar la letra de ‘Tú y yo’ como una llamada a la resistencia, aunque por el momento en que fue escrita, desde luego no fuera su intención.

The Killers, London Grammar, Iggy Azalea, Roosevelt y Phoenix entran en el top 40 de JNSP

Por

Sebas E. Alonso

31 agosto, 2020

‘Say Something’ de Kylie Minogue se mantiene como la canción más votada del site, seguida de nuevo por Miley Cyrus con ‘Midnight Sky’. Sufjan Stevens se cuela por primera vez en el top 5 con la popera ‘Video Game’. Todas las entradas quedan a las puertas del top 20, encabezadas por The Killers, London Grammar, Iggy Azalea y Roosevelt. Algo más abajo aparece lo nuevo de Phoenix. Esta semana es el momento de despedirse de ‘Blame It On Me’ y de ‘Hoy no’, ambas con 10 semanas de permanencia y ya en la mitad baja de la tabla. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top	Ant.	Peak	Sem.	Canción	Artista
1	1	1	5	Say Something	Kylie Minogue	Vota
2	2	2	2	Midnight Sky	Miley Cyrus	Vota
3	11	1	23	Break My Heart	Dua Lipa	Vota
4	4	1	30	Physical	Dua Lipa	Vota
5	12	5	2	Video Game	Sufjan Stevens	Vota
6	6	1	8	What’s Your Pleasure?	Jessie Ware	Vota
7	7	2	40	Blinding Lights	The Weeknd	Vota
8	8	2	5	cardigan	Taylor Swift	Vota
9	9	2	16	Save A Kiss	Jessie Ware	Vota
10	10	9	15	Watermelon Sugar	Harry Styles	Vota
11	5	1	14	Rain On Me	Lady Gaga, Ariana Grande	Vota
12	25	11	4	My Future	Billie Eilish	Vota
13	3	3	4	exile	Taylor Swift, Bon Iver	Vota
14	15	1	44	Don’t Start Now	Dua Lipa	Vota
15	16	5	23	In Your Eyes	The Weeknd	Vota
16	22	8	6	Easy	Troye Sivan	Vota
17	14	3	7	Love Me Land	Zara Larsson	Vota
18	18	6	13	TKN	Rosalía, Travis Scott	Vota
19	19	1	54	The Greatest	Lana del Rey	Vota
20	13	13	8	America	Sufjan Stevens	Vota
21	27	19	5	Un día (One Day)	J Balvin, Dua Lipa, Bad Bunny, Tainy	Vota
22	–	22	1	Dying Breed	The Killers	Vota
23	–	23	1	Baby It’s You	London Grammar	Vota
24	–	24	1	Dancing Like Nobody’s Watching	Iggy Azalea, Tinashe	Vota
25	–	25	1	Echoes	Roosevelt	Vota
26	23	18	3	Nuevo verano	Amaia	Vota
27	34	27	4	Who’s Laughing Now	Ava Max	Vota
28	39	22	9	My Own Soul’s Warning	The Killers	Vota
29	15	15	2	All of the Feelings	Kiesza	Vota
30	20	19	3	WAP	Cardi B, Megan Thee Stallion	Vota
31	–	31	1	Identical	Phoenix	Vota
32	24	15	9	Do It	Chloe x Halle	Vota
33	26	3	10	Blame It On Me	Melanie C	Vota
34	29	26	8	Chicos transparentes	Algora	Vota
35	30	12	4	Something More	Róisín Murphy	Vota
36	31	19	8	Don’t Wanna	HAIM	Vota
37	33	33	2	Thrill	Future Islands	Vota
38	32	1	10	¡Hoy no!	Mónica Naranjo	Vota
39	36	14	9	Mequetrefe	Arca	Vota
40	28	28	3	Impact	SG Lewis, Robyn, Channel Tres	Vota

Candidatos	Canción	Artista
–	Antes de que acabe el verano	Blackpanda, Mabbi	Vota
–	On	Kelly Lee Owens	Vota
–	Ice Cream	Blackpink, Selena Gomez	Vota
–	Vía Láctea	Juanes	Vota
–	Me desamaste	Carlos Sadness	Vota
–	Coldblooded	Dan Croll	Vota
–	Love Is All We Share	Cut Copy	Vota
–	Cyr	The Smashing Pumpkins	Vota
–	Mariana Trench	Bright Eyes	Vota
–	Envious	Aluna	Vota

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Aluna / Renaissance

Por

Sebas E. Alonso

31 agosto, 2020

Nadie se cayó de la silla cuando Aluna anunció su primer disco en solitario al margen de AlunaGeorge. Si necesitas un comunicado con la separación del dúo, no existe tal cosa, pero lo cierto es que «George» (Reid) había ido dejando de aparecer en giras y videoclips, limitándose a las tareas de producción de las canciones. No se ha cerrado en cualquier caso ninguna puerta y la explicación oficial dada por Aluna (Francis) durante las entrevistas promocionales de este álbum es que «hay algunas áreas concretas musicales y líricas que son incómodas de presentar para un dúo», pues son demasiado singulares respecto a su «cultura» y «perspectiva».

‘Renaissance’ es oficialmente «la culminación del viaje de una chica negra en un suburbio británico blanco que pretende lanzar una revolución que rompa las reglas donde los límites rígidos se disuelven entre cultura, raza y género». Aluna Francis ha querido por tanto abrazar sus raíces, desde un punto de vista reivindicativo y social. Su lucha personal ha sido en concreto huir de los estereotipos asociados a la «raza negra» (así aparece mencionado en nota de prensa), y abrazar por ejemplo el modo en el que el house de Chicago fue desarrollado por comunidades negras y latinas LGTBQ+. En ese discurso, George Reid tenía algo menos de cabida pues es más blanco que un fantasma, y así, la cantante comienza una nueva etapa en Mad Decent, el sello de Diplo, aprovechando que este siempre ha sido fan de su «voz» y de su «estilo». Hay que recordar que, aunque un poco eclipsado por un lado por el pelotazo dado por Aluna junto a DJ Snake en la remezcla de ‘You Know You Like It’, y por otro por el dado por Diplo junto a Justin Bieber en ‘Where Are Ü Now’, ‘To Ü’ de AlunaGeorge con Skrillex y Diplo (Jack Ü) fue un considerable éxito también.

Un éxito, eso sí, que no agradó a todo el mundo por igual. AlunaGeorge se habían caracterizado por la calidez R&B de un debut autoproducido por ellos mismos, y lo que vino después fue una perversión de las formas en muchos sentidos. Sin embargo, ‘Renaissance’ puede presumir de ser un disco más centrado que el segundo del dúo, pese a la variedad de los diversos elementos que ofrece. El disco comienza con ciertos guiños a África en un tema llamado ‘I’ve Been Starting to Love All the Things I Hate’ que primero parecía apostar por la épica de Coldplay o Sia; se recrea después en sus influencias jamaicanas y también en el mencionado homenaje a las raíces del house. Pero en esta ocasión las influencias emergen con mayor fluidez y naturalidad que en ‘I Remember‘.

‘Renaissance’ contiene una generosa ristra de singles que tienen muy poco que envidiar al que ha sido el gran éxito del verano en Reino Unido, ‘Head & Heart‘. ‘Body Pump’, ‘Warrior’ junto al cada vez más exitoso SG Lewis, ‘Get Paid’ y ‘Envious’ puede que no hayan contado con un gancho tan obvio como el tema de Joel Corry y MNEK, pero como mínimo habrían merecido también un top 40. ‘Get Paid’, con las colaboraciones de Princess Nokia y Jada Kingdom, es la prueba de que el registro jamaicano sienta como un guante a la voz de Francis (también se percibe más adelante en la balada ‘Surrender’), mientras que ‘Body Pump’, además de tener un nombre muy apto para las playlists de «cardio», cuenta con un buen ritmazo y una outro muy loca que resume el espíritu de este álbum: «estoy intentando ser diferente / no me hagas pensar en ello / no intentes hacerme sentir avergonzada».

A ‘Renaissance’ no le habría venido mal algo de tijera, sobre todo cuando se pone a reunir baladas como ‘Off Guard’, ‘Back Up’ y ‘Pressure’, que no transmiten tanto como en su momento ‘Outlines’ y ‘Body Music’. O cuando el tema final ‘Whistle’ no se termina de decidir entre la psicodelia, el jazz y Morcheeba. Por lo demás, es un disco generoso en notables sencillos, y a los ya publicados se podrían sumar ‘Don’t Hit My Line’, un tiro que por momentos parece contener un sample de ‘Change of Heart’, el olvidado hit de 1986 de Cyndi Lauper; ‘Sneak’ o ‘The Recipe’, una sensual producción junto a Kaytranada que también merece su videoclip.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Envious’, ‘Body Pump’, ‘Don’t Hit My Line’, ‘Warrior’, ‘Get Paid’
Te gustará si te gustan: Diplo, Kaytranada, Kali Uchis, Gwen Stefani
Escúchalo: Envious

El sector de los espectáculos y eventos exige medidas de rescate y se movilizará el 17 de septiembre

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Jordi Bardají

31 agosto, 2020

La crisis de la covid-19 ha vuelto a dejar de lado al sector de los espectáculos y eventos, históricamente maltratado por las instituciones por razones difíciles de entender. Mientras Alemania incluía la cultura entre los bienes de primera necesidad que proteger durante los primeros días de pandemia, España ha optado por una gestión chapucera que ha vuelto a tratar al arte como algo de lo que ocuparse más adelante, no prioritario. Especialmente la música, a pesar de ser creada por personas, de ser consumida todo el tiempo y de estar absolutamente en todas partes, es tratada como si nadie viviera de ella y como si no fuera necesaria para la buena salud económica y psicológica de cualquier sociedad.

El cierre por decreto de las salas de conciertos anunciado por el ministro de Sanidad el pasado 14 de agosto ha terminado de dejar al sector en peligro de muerte y de hecho muchas salas ya han cerrado sus puertas definitivamente debido a la ausencia de medidas concretas con las que rescatar al sector de esta trágica situación. Mientras en la calle circula el mito de que las salas de conciertos son focos de rebrotes cuando está demostrado que esto no está siendo así en absoluto, mientras los restaurantes, lugares también muy afectados por la pandemia, siguen abiertos como si salir a comer fuera más necesario que salir a ver un concierto, el sector de espectáculos y eventos se movilizará el próximo 17 de septiembre para exigir acciones concretas al gobierno que lo ayuden a recuperarse. Esta movilización tendrá lugar a partir de la unión del sector en una «mesa sectorial compuesta, por ahora, por 37 organizaciones participativas y diferentes organizaciones colaborativas» y que «se unen bajo un eje neutral, abierto y apolítico basado en el Movimiento Internacional de la Industria Cultural del Espectáculo y los Eventos». 7 países se han sumado al movimiento. El lema de la movilización es «alerta roja», el cual da nombre a un portal web abierto para recoger noticias y comunicados emitidos por integrantes de la unión.

Entre las medidas descritas en el manifiesto, reproducido íntegramente bajo estas líneas, se encuentran «que se reconozca al Sector del Espectáculo y los Eventos entre los sectores principalmente afectados por la pandemia» y la «reactivación inmediata de las agendas culturales y de eventos de las administraciones públicas, bajo el estricto cumplimiento de todos los protocolos de seguridad sanitaria». También se enumeran en el texto medidas dirigidas tanto a trabajadores autónomos como por cuenta ajena y a empresas.

El movimiento afirma que es «vital dar visibilidad a la preocupante situación que vive el sector del Espectáculo y los Eventos, bajo un mismo lema y dirección que inste al Gobierno de España y a los Ministerios responsables (Trabajo, Hacienda, Asuntos Económicos, Cultura y Deporte, e Industria) a tomar a tomar medidas urgentes en las próximas semanas para garantizar la supervivencia del sector, además de crear de forma inmediata una mesa sectorial que defina las necesidades del mismo, afectado por la estacionalidad e intermitencia de la actividad, dando prioridad a la regulación a través de la negociación de un convenio colectivo sectorial de ámbito nacional».

Previamente al anuncio de esta movilización, pocos días después del cierre por decreto de las salas anunciado hace unas semanas, la Unión de Músicos Profesionales compartía un diagnóstico de la situación en su página web que ponía el foco en la lamentable gestión del gobierno. «El cierre forzoso, masivo e indiscriminado del ocio nocturno acaba con toda la programación musical y artística que se llevaba a cabo en salas y locales bajo el estricto cumplimiento de la normativa vigente en materia de protección ante el Covid19», expresaba el comunicado. «Además, denunciamos que pese a la existencia de una normativa clara sobre la organización de eventos culturales, los ayuntamientos están denegando masivamente permisos y anulando actividades que cumplen con todos los requisitos legales establecidos.

«Pese a que en todo el territorio español vemos como el sector hace enormes esfuerzos por adaptarse, se hacen respetar las normas de seguridad y a día de hoy aún no se ha registrado ni un solo rebrote en conciertos y actos culturales, la actividad musical se marginaliza y es estigmatizada por las autoridades mediante la aprobación de normativas que no tienen en cuenta la realidad de nuestro sector, así como declaraciones públicas hechas desde la más absoluta ignorancia. Decenas de miles de músicos y profesionales dependientes de la música vemos como se nos empuja irresponsablemente hacia la desaparición profesional».

El texto exigía al Gobierno, CCAA y ayuntamientos «responsabilidad, que protejan a la cultura y a los miles de trabajadores que viven de ella, que no priven a nuestra sociedad de la música mediante la cancelación, denegación y la estigmatización de un sector que cumple con las normativas de sanidad y es básico para el bienestar y desarrollo cultural y social de nuestro país».

Poco después, las salas de conciertos españolas firmaban un comunicado nuevamente de condena al gobierno: «6 meses pagando alquileres, hipotecas, suministros, tasas, impuestos, sacando personal de los ERTES ante las confusas y contradictorias medidas, que acaban más tarde en restricciones, prohibiciones y más pérdidas económicas y podríamos seguir con la lista de medidas injustificadas y onerosas (…) El 14 de agosto, el Consejo Interterritorial del sistema de salud pública, decide arbitrariamente, sin consultar con el sector, y de la noche a la mañana, que se cierran las salas de conciertos. Una falta de respeto absoluta hacia todos los músicos, técnicos y profesionales del sector».

«Las salas de conciertos son espacios culturales seguros, que cumpliendo con las medidas, no lo son menos que cualquier establecimiento de hostelería. Además, en las salas de conciertos la trazabilidad está garantizada ya que cualquier persona que compre una entrada está identificada con sus datos de contacto.

Las salas de conciertos son el eslabón imprescindible para el desarrollo de los artistas y todas las grandes figuras que llenan los grandes recintos y festivales iniciaron su carrera en las salas de conciertos.

Si las salas de conciertos desaparecen, se castra al joven talento emergente y desaparece la diversidad cultural».

MANIFIESTO MEDIDAS

1º.- Que se reconozca al Sector del Espectáculo y los Eventos entre los sectores principalmente afectados por la pandemia de la Covid-19. Consideración por instituciones y administraciones públicas como un sector especialmente perjudicado y prioritario.

2º.- Reactivación inmediata de las agendas culturales y de eventos de las administraciones públicas, bajo el estricto cumplimiento de todos los protocolos de seguridad sanitaria.

Para los trabajadores autónomos:

3º.- Prórroga de la prestación especial por cese de actividad, hasta su reactivación con una recuperación del 100% de aforos, a los que continúan con su actividad paralizada, con exención al 100% de la cuota del RETA, y posibilidad de acceso reduciendo el requisito de la disminución de ingresos al 30% en relación con los mismos trimestres del año anterior. Cotización escalonada según días trabajados.

4º.- Adopción de medidas legislativas específicas para los que, debido al carácter estacional e intermitente de la actividad, no se encontraban de alta en el sistema de la seguridad social o se encontraban de baja por enfermedad en el momento de inicio de la pandemia. Acceso a las prestaciones por cese de actividad.

5º.- Reconocimiento de cese de actividad Extraordinaria por fuerza mayor a los trabajadores autónomos con menos de 2 años de alta en el RETA. Acceso a las prestaciones por cese de actividad hasta su reactivación con una recuperación del 100% de aforos.

6º.- Reducción del tipo impositivo y/o establecimiento de deducciones en la cuota del IRPF para trabajadores autónomos y profesionales del sector desde su incorporación a la actividad, teniendo en cuenta la estacionalidad e intermitencia de su actividad.

Para los trabajadores por cuenta ajena:

7º.- Durante el periodo de inactividad, y hasta que se reactive con una recuperación del 100% de los aforos, los trabajadores no verán consumido su derecho a prestaciones y/o subsidios, teniéndose en cuenta el carácter retroactivo de esta medida desde el 14 de marzo del 2020.

8º.- Reconocimiento de la actividad como intermitente y adopción de medidas legislativas referentes al régimen de cotización y protección social, permitiéndose la obtención automática de prestaciones de desempleo en cada periodo de inactividad que sucede entre contrato y contrato de trabajo una vez alcanzadas un número de horas mínimas.

Para las empresas:

9º.- Recuperación de los ERTE por fuerza mayor total con exención del 100% de las cotizaciones en seguridad social, hasta que sea posible trabajar con el 100% de los aforos y mantener la prestación de todo el personal afectado por un ERTE en el 70% de la Base Reguladora.

10º.- Adaptación específica de los instrumentos de regulación de empleo a la estacionalidad e intermitencia de la actividad según se vaya recuperando la actividad. La nueva regulación de la fuerza mayor parcial resulta totalmente incompatible con las dinámicas de trabajo de este sector que únicamente precisan de la reincorporación de trabajadores para escasos días, incluso para estos supuestos, se debe cotizar tanto por los trabajadores reactivados como por los trabajadores que continúan en el ERTE, lo que implica que las empresas del sector tengan que trabajar a pérdidas.

11º.- Reducción del tipo impositivo del Impuesto de Sociedades para los ejercicios 2020 y 2021, y aplazamientos excepcionales sin garantías en deudas tributarias de cualquier cuantía, a 18 meses sin intereses. Exención para los mismos periodos del Impuesto sobre actividades económicas, Impuesto sobre Bienes Inmuebles afectos al desarrollo de la actividad, así como tributos locales, tasas e impuestos especiales vinculados al desarrollo de la actividad empresarial.

Para el sector:

12º.- Establecimiento de ayudas directas a autónomos y empresas del sector que acrediten una disminución del volumen de ingresos superior al 50% en relación con el ejercicio anterior, vinculadas o no a la inversión realizada en ejercicios anteriores y al nivel de endeudamiento.

13º.- Aplicación del IVA reducido en los sectores vinculados a la Industria Cultural, del Espectáculo y Turismo de Congresos, Reuniones, Incentivos y Eventos (MICE), como medida dinamizadora de la actividad.

14º.- Moratoria en créditos ICO hasta la reactivación de la actividad entendida como la recuperación del 100% de los aforos.

Radiohead, deconstruidos por Kelly Lee Owens

Por

Sebas E. Alonso

31 agosto, 2020

La productora galesa Kelly Lee Owens tenía material propio de sobra para dar inicio a su segundo álbum, ‘Inner Song‘, con decisión. Tenía el single techno ‘Melt!’, una canción tan importante en el desarrollo de su carrera como va a ser ‘On‘ e incluso otro sencillo llamado ‘Night’. Sin embargo, ha decidido comenzar con una extrañísima versión de Radiohead, de un tema algo perdido como es el caso de ‘Weird Fishes / Arpeggi’. Ella se ha quedado con «Arpeggi» y es hoy nuestra «Canción del Día«. Foto: Kim Hiorthøy.

El nuevo título se debe a que lo que ha hecho Kelly Lee Owens es prescindir de toda la letra y centrarse en los «arpeggios». Por un momento pensó en cantarla, pero rápidamente se dijo que por ahí no podía añadir mucho a lo que ya había hecho Thom Yorke (aunque es discutible, dado su tono de voz totalmente angelical). En definitiva, optó por tomar parte de la melodía de la composición y construir con ellas nuevos «arpeggios», en este caso de sintetizador, para hacer honor a su nombre de otra manera. Con esa parte más electrónica, ahora parece una producción de Warp Records, en verdad uno de los sellos preferidos de Radiohead desde la edición de ‘Kid A’.

En una entrevista con la artista que publicaremos en breve celebrando que ‘Inner Song’ va a ser nuestro «Disco de la Semana», preguntamos a Kelly Lee Owens si Radiohead habían tenido que aprobar su adaptación tan libre, ante lo que bromeaba, entre risas: «¡Coge el dinero, Thom, no me importa! Tenemos la misma compañía de management, y lo que sucede es que me encanta ‘In Rainbows'». Sobre la libertad creativa e incluso cierta dificultad para reconocerla, contestaba: «Eso es bueno, hay gente que le gusta Radiohead y no la reconoce, y hay gente que sí. Me gusta… No: me puto encanta ese disco. Mi manera de proteger mi visión es que estoy muy orgullosa de cómo me ha quedado. Ayuda que a otros también les guste, espero que la gente encuentre en el álbum lo que busca».

En otra entrevista con Dazed Digital, Kelly Lee Owens detallaba que cuando piensa en «arpeggios» piensa directamente en sintetizadores (y no en arpeggios de guitarras, que es lo que encontrábamos en la grabación original), por lo que decidió tirar por ahí. Y sin voces. «Intenté grabar voces, pero me dije: «Nah, Kelly, ni siquiera lo silenciemos, borrémoslo del todo. Eso no necesita estar ahí. Thom Yorke lo hace muy bien, vamos a dejar que hable la música. Y eso fue el principio, los arpeggios emergiendo de una superficie nebulosa hacia la luz. Ahí fue cuando necesité empezar con el viaje de este disco». Aunque hoy por hoy es mera fantasía, en esta entrevista la artista afirma que le «encantaría trabajar con Thom Yorke». Añadía con humildad: «Sé que probablemente soy la persona número 10.000.000 en decir esto, pero creo que podríamos crear algo increíble. Quién sabe, quizá él lo odiaría. No creo que le gusten muchas cosas».

El último homenaje a ‘In Rainbows‘ de su curiosa adaptación Kelly Lee Owens lo realiza cuando en los 2 últimos minutos de ‘Arpeggi’ cambia la melodía, dándole un nuevo rumbo más o menos en su mitad… que es exactamente lo mismo que sucedía en las canciones más impactantes de ‘In Rainbows’, como ‘Bodysnatchers’ y ‘Jigsaw Falling Into Place’. Y también por supuesto en la misma ‘Weird Fishes / Arpeggi’, que en su último minuto se transformaba pare ofrecer una «outro» de melodía turbia pero texto escapista: «pulsaré el botón y escaparé», decía Yorke. Algo que viene que ni pintado a Kelly Lee Owens en este álbum, por mucho que haya decidido no cantar esto, pues ‘Inner Song’ se ampara en la sensación de esperanza, partiendo de 3 de los peores años de su vida.

Lo mejor del mes:

Los memes de la gala sin memes de los MTV VMAs 2020

Por

Jordi Bardají

31 agosto, 2020

¿Qué momentos para comentar en sobremesa puede haber dejado una gala de premios MTV celebrada sin público, con actuaciones pre-grabadas, apoyadas por el uso del playback y complementadas con diversos efectos especiales? En varios sentidos, la última gala de los MTV Video Music Awards ha recordado a los tiempos en que de hecho los memes no existían y todo lo que importaba era lo que ocurría en pantalla. Ha sido una gala extraña, pero también un ejemplo de lo que estos premios, cuya popularidad no ha hecho más que decaer en los últimos años (miedo me da averiguar los «ratings» de esta noche), pueden llegar a ser.

Ni cabe decir que la gran protagonista de la noche, premiada con hasta cinco estatuillas, ha sido Lady Gaga, quien ha traído toda su artillería pesada también a la alfombra roja, como era de esperar provocando comentarios de todo tipo en las redes. Esta artista que una vez se presentara a una gala de los premios Grammy metida dentro de un huevo gigante ha decidido extrapolar el concepto «estamos en una pandemia y hay que llevar mascarilla» al de su álbum ‘Chromatica‘, presentándose con un casco espacial que la ha hecho parecer la mismísima Arenita de ‘Bob Esponja’. También ha sido comentada la primera parte de su «medley», que ha hecho uso de uno de los momentos más aclamados de ‘Chromatica’: la transición entre el interludio ‘Chromatica II’ y ‘911‘. Alguien en Twitter había oído este interludio en TikTok, pero no lo atribuía a Germanotta.

Lady Gaga Is… #GagaVMAs #VMAs pic.twitter.com/3YIHRpUz78

— Update News (@UpdateNeewsBR) August 30, 2020

WAIT THE VIRAL VIOLIN TRANSITION FROM TIKTOK IS LADY GAGA????? pic.twitter.com/8yNQLW6UgE

— Brooke (@thegagasalbum) August 31, 2020

Hablando de Gaga… he aquí un «crossover» de los que hay que ver para creer: la Policía Nacional instando al uso de mascarillas en Twitter a través de la presentación de ‘Rain on Me’ (por cierto, la primera) en los premios de MTV. «Lady Gaga y Ariana Grande se marcan esta coreografía con su mascarilla puesta en los VMAS. ¿Y a ti te molesta llevarla? ¿Te pica? ¿No te deja respirar? Usa mascarilla».

#LadyGaga y #ArianaGrande se marcan esta coreografía con su #mascarilla puesta en los #VMAs

¿Y a ti te molesta llevarla?
¿Te pica?
¿No te deja respirar?

Usa mascarilla. pic.twitter.com/4EGLMkOAzL

— Policía Nacional (@policia) August 31, 2020

Otro momentazo visto en los MTV Video Music Awards, y que habría provocado reacciones de sorpresa en el público si lo hubiera habido, ha sido la autorreferencia de Miley Cyrus durante la actuación de ‘Midnight Sky‘. Miley subida a una bola de demolición es una de las imágenes más icónicas de la cultura pop del siglo, y la artista lo sabe. Impensable sería verla ahora haciendo twerking como en aquella presentación de ‘We Can’t Stop’ que mantuvo al mundo comentándola durante semanas y semanas.

Miley Cyrus referenced her iconic 2013 music video “Wrecking Ball” in incredible #MidnightSky live performance. #VMAs pic.twitter.com/5j06pZeuCD

— Pop Crave (@PopCrave) August 31, 2020

Maluma ha sido otro de los artistas invitados a actuar en los MTV Video Music Awards, al poco de haber publicado nuevo disco. Ha presentado su éxito ‘Hawaii’ y su llamativo atuendo ha recordado al de la presentadora Gale Weathers (Courtney Cox) de la película ‘Scream’. ¿Homenaje o coincidencia?

ICYMI: Maluma paid tribute to legendary author & news reporter Gale Weathers at this year's #VMAs ceremony. pic.twitter.com/3vDa3VrIMo

— Frank Costa (@feistyfrank) August 31, 2020

Si nos paramos a pensar en lo surrealista que es ver a todas estas superestrellas con una mascarilla puesta, quizá nos explota la cabeza. Pero esto es 2020: Ariana Grande arreglándose la mascarilla mientras interpreta ‘Rain on Me’, uno de los éxitos del año, en una gala de premios sin audiencia. Por cierto, su actuación vocal, silbidos incluidos, ha sido aplaudida debido a las circunstancias, pero era claramente pre-grabada.

ariana grande fixing her face mask yes a responsible BITCH, THATS HOW IT’S DONE. pic.twitter.com/4Q87L0c0Xg

— mark geronimo (@markgeronimo_) August 31, 2020

Ocupada saboreando los frutos de ‘folklore‘, Taylor Swift no se ha pasado por la ceremonia para recoger su premio a Mejor dirección por el videoclip de ‘The Man‘ (último single de ‘Lover‘), pero sí ha grabado un discurso de agradecimiento. Twitter recuerda que Taylor recoge este premio 9 años después de que Kanye West la humillara en esta misma ceremonia cuando recogía su galardón a Mejor videoclip por una artista femenina por ‘You Belong with Me’. Quién habría dicho nada de esto…

OK BUT SHE REALLY WON FOR THE MAN MUSIC VIDEO WHEN BACK IN 2009 A MAN TOLD HER SHE DIDNT DESERVE TO WIN THAT AWARD pic.twitter.com/ngs0BTRrXi

— 𝒆𝒍𝒊𝒛𝒂𝒃𝒆𝒕𝒉 (betty) 🇲🇽 (@YeeHawSwiftie) August 31, 2020

«Con toda la buena música que ha salido en 2020, y los VMAs deciden cerrar con una actuación de Black Eyed Peas cantando ‘I Gotta Feeling'», ha escrito una persona en Twitter. Si nos pinchan, no sangramos. Black Eyed Peas arrasando de repente es uno de los acontecimientos más extraños del año, y verlos en unos premios MTV ha supuesto una sorpresa para aquellos que apenas recordaban su existencia o que ni se habían enterado de que Fergie ya no forma parte de la formación. Pero ‘RITMO’ y ‘MAMACITA’ han triunfado en el mundo hispanohablante a pesar del mal español de Will.I.Am., de modo que no es tan raro haber visto al grupo en los premios. O mejor dicho, a su «jock strap» fluorescente, el cual absolutamente nadie había pedido.

Please all I asked for was the old black eyed peas not to see their dicks shining #VMAs pic.twitter.com/bAWK9PMWbX

— 베리⁷ (@moongirry) August 31, 2020

Y ajena a los premios, pues se encuentra retirada del foco público mientras prepara su nuevo álbum, Adele ha sido otra de las protagonistas de la noche, apareciendo entre los temas más comentados del día de hoy junto a Gaga o The Weeknd a pesar de no haber tenido nada que ver con la gala. La razón ha sido su última publicación en Instagram, una imagen de ella disfrazada en el carnaval caribeño de Londres con cara de circunstancia. Es tan rocambolesca la estampa de Adelita que la gente se pregunta si no es en verdad Katy Perry volviendo a hacer apropiación cultural o si la artista está preparando el disco de reggae que Rihanna se está negando a sacar. Una persona ha dicho: «odio que parezca que se va a poner a perrearle a Robin Thicke». 2020, amigues.

adele said "HELLO PON DI OTHER SIDE" pic.twitter.com/J8usxI2Fw6

— ͏ (@ayce24s) August 30, 2020

Lo mejor y lo peor de los VMA’s 2020

Por

Sebas E. Alonso

31 agosto, 2020

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Esta noche se han celebrado los VMA’s de MTV, en las condiciones especiales en que lo ha permitido la covid-19. En lugar de en el Barclays Center, han sido distintos lugares de Nueva York los que han acogido la ceremonia. The Weeknd, Lady Gaga y Miley Cyrus han estado entre las mejores actuaciones de la noche, como ya puede comprobarse en Youtube.

Los dos primeros pueden considerarse los grandes ganadores. En realidad, parecía una noche completamente al servicio de Gaga: la ceremonia fue un desfile de modelos y mascarillas de Stefani Germanotta, en ocasiones tronchantes, recogiendo una ristra de premios como Mejor Artista del Año, Mejor Canción del Año, Mejor Colaboración… pero se le ha escapado el que se suele considerar el galardón capital de estos premios, el Vídeo del Año, que ha sido para Abel Tesfaye. En este artículo repasamos los que han sido algunos de los mejores y de los peores momentos de la noche.

Lo mejor de los VMA’s 2020

Lady Gaga siendo Lady Gaga
Como si estuviéramos en 2010, año en que arrasó entre ‘Bad Romance’ y ‘Telephone’, Gaga ha robado el plano durante toda la ceremonia, luciendo un modelo diferente en cada una de sus muchísimas apariciones recogiendo premios artísticos y uno creado para ella ad hoc este año, el MTV Tricon Award, que reconoce su labor artística polifacética, activista y filántropa. Especial mención mereció su mascarilla con cuernos. La cantante realizó un medley de casi 10 minutos comenzando con uno de los instrumentales de ‘Chromatica’, el ”fan favorite” ’911’, la incorporación de Ariana Grande -también con su mascarilla- en ‘Rain on Me’, con las coreografías marca de la casa; y una versión medio piano «coitus interruptus» medio synth-pop «explosión final» de ‘Stupid Love’. Era evidente que esto se había rodado en varias tandas y que no era en directo, ¿pero a cuánta gente le importaba a estas alturas de la película y precisamente en este año exento de espectáculos? Al final la cantante se subió por unas escaleras, y cuando pensabas que comenzaría ‘Sine From Above’ o ‘Free Woman’ o ‘Sour Candy’… se volvió a su mundo de Chromatica y a la cama. ¿Una metáfora de lo que nos aguarda promocionalmente hasta que comience la gira del disco en 2021? Quizá al recoger el premio a Mejor Canción nos había dado la clave de su absentismo durante los últimos meses: “ganar el premio a Mejor Canción es lo que más me alegra porque mi corazón es más bien de compositora”. Por lo visto esta noche, esa faceta y la de performer tampoco es que parezcan incompatibles.

La sobriedad de The Weeknd
The Weeknd ha aportado un poco de sal al final, al hacerse finalmente con el premio al Vídeo del Año por ‘Blinding Lights’. Un poco como cuando ‘Crash’ derrotó a ‘Brokeback Mountain’ en el premio final de los Oscar, o cuando ‘Moonlight’ arrebató el Oscar de las manos a ‘La La Land’. A Abel le hubiera sentado mejor el premio de Canción del Año, pues ‘Blinding Lights’ no ha dejado de crecer a lo largo de los meses; o incluso el de Artista del Año, pues ‘After Hours‘ es excelente y con él ha subido un peldaño más; pero parece haberle dado igual. Tesfaye ha abierto la ceremonia con una buena actuación desde un rascacielos, sobria, elegante, meditada y de la canción que tenía que interpretar, sin irse por las ramas. Mejor aún han sido sus brevísimos discursos de agradecimiento, en los que ha aparecido magullado, en representación del personaje de su excelente álbum, pero también como parte del Black Lives Matter. Todas sus escasísimas palabras han sido para recordar la violencia policial sufrida por Breonna Taylor y Jacob Blake. Como parte de la comunidad negra, ha escogido dejar la música en un segundo plano, incluso a pesar de estar siendo su año.

El autohomenaje de Miley Cyrus
Miley ha ofrecido una actuación minimalista pero con sus trucos visuales de ‘Midnight Sky’ que, desde su aparente sencillez, es el típico set que hace ganar puntos a una canción. Como colofón de un show elegante y muy dedicado a sus referentes (Blondie, Joan Jett…), la cantante se ha incluido a sí misma en su lista de referencias, subiéndose a una bola de demolición, en obvia sintonía con los tiempos de ‘Wrecking Ball’, el que puede ser su momento más icónico.

La teatral actuación de DaBaby
También imaginativo ha sido el show de DaBaby, muy teatral en su representación, divertido en sus coreografías, adecuado en su uso del medley y por supuesto con dardo político. Hemos visto al artista esposado en la parte de atrás de un coche de policía mientras sonaba ‘Blind’ y celebrando en el techo del mismo su macrohit ‘Rockstar’, mientras un helicóptero amenazaba.

BTS ganan puntos
No estoy entre los seguidores de BTS, ni siquiera entre los mayores defensores de ‘Dynamite‘ de nuestra redacción, pero poco a poco me van ganando. Los surcoreanos han ofrecido una actuación bastante simpática simulando que estaban delante de diversos espacios de Nueva York. Puede haber sido en directo, o lo pueden haber grabado hace un mes. Pueden haberlo rodado en Nueva York o en Corea del Sur, pero los chicos han hecho su coreografía, sincronizada con alguna proyección, y lo suyo era más o menos lo que esperábamos de una gala en tiempos de covid.

Lo peor de los VMA’s 2020

La ausencia de Dua Lipa
Dos nombres han eclipsado la noche de los VMA’s en Twitter: el de Adele por subir una foto nueva a Instagram -siempre un acontecimiento- en la que en concreto parecía Katy Perry, y el de Dua Lipa. La autora de ‘Future Nostalgia’ ha sido relegada de esta ceremonia de manera absurda, pues es la artista pop del año, o como mínimo, una candidata a ello, y han sido muchos los usuarios los que han notado su ausencia. ¿Qué hacía Justin Bieber nominado a Artista del Año tras el fracaso de su disco? ¿No habría sido mejor nominar a DaBaby por su hitazo ‘Rockstar’ que como Artista del Año?

Reminder that Dua Lipa wasn’t nominated in any main categories of the VMA’s despite having the best pop era of 2020 and amazing videos yeah the VMA’s are sick…. #VMAs pic.twitter.com/pKmfsnwtu7

— Ⓚ (@fentynostalgia) August 30, 2020

DUA LIPA IS THE ARTIST OF THE YEAR. pic.twitter.com/wOmozYYWeZ

— ًgian (@lgbtdlipa) August 31, 2020

Maluma en el Autocine
Cuando me imaginaba la ceremonia de los VMA’s en plena pandemia mundial, en el peor de los casos me imaginaba una actuación como la que ha terminado ofreciendo Maluma. El cantante ha ofrecido un show completamente estándar, en frente del desangelado escenario del autocine, para presentar ‘Hawái‘, el gran éxito de su disco ‘Papi Juancho‘, sin demasiada noticia ni gracia. CNCO, una hora después de él, han sacado muchísimo más partido a todas esas decenas de coches alineados. Eso sí, ha sido un puntazo que al recoger el premio a Mejor Tema Latino lo haya dedicado en castellano. En su discurso ha lamentado que J Balvin se cayera del cartel de los premios por problemas logísticos relacionados con la covid-19.

Doja Cat, recordando demasiado a Gaga
Había muchas ganas de escuchar en directo ‘Say So’, la que ha sido una de las canciones de la temporada, pero Doja Cat no le ha sacado partido con una toma vocal totalmente enlatada, ni directo ni no, casi desagradable de oír, y una corte de aburridos bailarines, sin reseñable dirección. Doja Cat ha pagado el pato de tener que salir después de Lady Gaga, pues ha recordado demasiado a esta, en concreto a la etapa ‘ARTPOP’, que tampoco es que fuera la más inspirada en cuanto a presentaciones en directo. En ‘Like That’ se convirtió más bien en la Katy Perry de ‘Dark Horse’ en la Super Bowl, consolidando cierta imagen de “wannabe”.

El «jock strap» de The Black Eyed Peas
A alguien se le ha ocurrido que Black Eyed Peas eran una gran opción para cerrar la noche con algunos de sus éxitos actuales y una versión de ‘I Gotta Feeling’ con Nicky Jam y Tyga. Con ella se han recreado en ese griterío y aplausos falsos clásicos de MTV, que este año menos que nunca queríamos escuchar. Y una cosa es lo que digan los números en streaming, y otra la presencia escénica de Will.i.am. Al 5º plano de los calzoncillos luminosos que portaban él y parte de su equipo, la actuación estaba condenada al aburrimiento. ¿Eso es todo lo que tenía para «robar el foco»? Meh…

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Maluma / Papi Juancho

Por

Sebas E. Alonso

30 agosto, 2020

Que dice Maluma que ya cansa el «reggaetón de siempre», ¿así que quiénes somos nosotros para ponerlo en duda? Su nuevo disco ‘Papi Juancho’ nos presenta supuestamente la versión «madura» de un alter ego que ya se había dejado caer en su discografía, en concreto el «Dirty Boy» de su segundo disco ‘Pretty Boy Dirty Boy’. Tanto por sus mismas intenciones como porque Bad Bunny ha revolucionado el mercado resistiéndose a anclarse en la caja de ritmos del reggaetón para jugar con estilos como la bossa y las estructuras de temas menos convencionales, hay que exigir algo más a Juan Luis.

‘Papi Juancho’ se jacta de volver a contar con sus productores de siempre, The Rude Boyz, con los que ha trabajado desde el principio, y lo cierto es que el dúo ha sabido renovarse a lo largo de los años: no es lo mismo la base de ‘Borró Cassette’ y su par de notas de piano que lo oído en ‘Chantaje’ y ‘Trap’. Por algo en los últimos años han reclamado sus servicios C. Tangana y Lola Indigo. ‘Papi Juancho’ es mejor cuanto más se aleja del reggaetón convencional para intentar ofrecer otra cosa. Lo malo es que Maluma no siempre se decide.

El álbum parece comenzar con un tema que alterna la salsa con el «trap» (así lo sigue llamando Londoño Arias) y también el slang que se utiliza en Envigado, Medellín, donde se crió el artista, como indica una nota de prensa que nos ha remitido su equipo en inglés (?). Por ahí parece que nos vamos a encontrar una fusión de géneros como la vista en los últimos discos de Benito, pero es el propio Maluma quien decide sacrificar la atemporalidad de este ‘Medallo City’ para soltarnos una perorata infumable sobre lo durísimo que está resultando 2020. «No veo la hora de montarme en una tarima y poder cantar», se lamenta, ajeno a que no tendrá ningún sentido volver a escuchar esto en unos años (o eso esperamos todos).

Maluma es más de vivir en el presente, por supuesto, y ‘Papi Juancho’ es la entrega al hedonismo hasta el extremo del «Dirty Boy». También hasta el punto de que no se percibe demasiada «evolución» por su parte. Si entendiste su gran oda al poliamor al margen de celos y amor posesivo ‘Felices los 4’ como una llamada a la modernidad, este álbum es una regresión en muchos sentidos. En ‘La cura’ vuelve la figura de mujer sumisa («Me encanta verla arrodillada y eso que no reza»). En ‘Cuidau’ el problema de primer mundo es averiguar de dónde procede un culo («Con ese culo tú eres colombiana, dominicana o africana / Tal vez tú eres de La Habana). En ‘Parce’ se rima sin rubor «hija de puta» con «astuta», como si ser «astuta» pudiera ser algo malo («Todo fue tu culpa, me saliste hija de puta / Me saliste media actriz / No sabía que eras astuta»). Y Maluma, tras haberse echado tierra encima al negar su homosexualidad de muy mala manera, consiente a Ñejo esta perla en ‘Vete, vete’: «pero me cansé de que me vieras siempre cara de marica».

No caben en mi corazón ni en ninguna parte de mi cuerpo más canciones llamadas ‘Booty’, y menos si es con citas a Cardi B con tan poquita salsa («está más dura que Cardi B dándole al twerkeo»). Y «Dame la opportunity, que aquí hay quality» parece una rima de Chico y Chica, por cierto esta semana de regreso. Sin embargo, en el plano estrictamente musical, es indiscutible que Maluma conserva su «flow», y el álbum es más que generoso en hits: ‘Hawái’ va rumbo a ser ni más ni menos que la canción más importante de su vida (¡top 2 en el global de Spotify!); está gustando mucho entre su público ‘Bella-K’, y ‘ADMV’, publicada hace unos meses, le mostraba muy cómodo en la versión baladesca y romántica.

The Rude Boyz se lucen especialmente en una producción envolvente y atmosférica como es la de ‘Mai Mai’, algo que podría haber cantado Kali Uchis o producido Bad Gyal; y también en los teclados deprimentes que emergen en ‘Ansiedad’. Después, es Nyal quien en verdad se ha encargado de la ambientación diferente de ‘Salida de escape’, que no será la canción que más streamings acumule, pero ofrece otra visión, rica, entre el synth-pop y Jamaica; y Tezzel quien se ha puesto morado a añadir distorsiones vocales en ‘Boy Toy’. Gracias a cosas como estas, ya no podemos comparar a Maluma con Luis Miguel como hace dos discos.

Entre aciertos en lo comercial y un sensual arsenal de teclados y sintes, ‘Papi Juancho’ podría ser el mejor disco de Maluma, un pequeño peldaño por encima de ‘11:11‘ y ‘F.A.M.E.’… si es que él hubiera querido hacer algo conciso y breve. Cuando ‘Copas de vino’, la pista 20 de 22, incorpora una percusión tropical y una outro turbia, eso ya no es suficiente para justificar estos 73 minutos de música, una duración más adecuada para un disco doble conceptual de música progresiva que para unas producciones de reggaetón que no se deciden ante la disyuntiva de evolucionar o ir a lo seguro.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘Mai Mai’, ‘Ansiedad’, ‘Salida de escape’, ‘ADMV’, ‘Hawái’
Te gustará si te gustan: J Balvin, Becky G, Bad Gyal
Escúchalo: Mai Mai

Blackpanda se han propuesto que seamos fans suyos «antes de que acabe el verano»

Por

Raúl Guillén

30 agosto, 2020

A las puertas de que este verano de 2020 que ni sí ni no, se termine –no meteorológicamente, pero sí en el día a día– para muchos de nosotros, no podemos sino recomendar la playlist estival de canciones que recopilamos cada año bajo el título de «Lo + Sabrosón». Allí encontraréis un poco de todo, y nada de lo más obvio en una playlist de este corte: de Mala Rodríguez con Cecilio G. a Gepe, pasando por Dominic Fike o The Pirouettes. También hablábamos entonces de un proyecto relativamente nuevo radicado en Madrid formado por la cantante y actriz Marta Marlo y el productor e ingeniero de sonido Andrés Lim (o A.H.L.O.G.). Son Blackpanda.

En realidad, el dúo no es tan recién llegado como parece: su primer single data de 2017, cuando su electrónica se ambientaba en tesituras más oscuras, con toques de jazz y soul, y un deep house que de forma evidente se miraba en Moloko. Se trataba de ‘You’re Coming‘, que además marcaba el inglés como la lengua de expresión de Marta. ‘Dancer Boy’ proseguía en una línea similar, y ‘You’ll Be Here‘, presentada con un clip en directo, evolucionaba hacia un pop electrónico más reflexivo, aunque igualmente bailable.

Eran cortes correctos aunque no especialmente carismáticos. Pero temas como el más funk ‘She Is‘ –en el que introducían por primera vez algunos versos en español, sin ser particularmente destacables– y, casi un año después, ‘Wonder Galaxy‘ y la balada ‘Plastic’ –dueto con Adriana Terrén– seguían alimentando su cancionero con cada vez más confianza y esmero estético.

El giro definitivo llegaba este año con ‘Qué me queda?‘, una canción de perfil oscuro al estilo Billie Eilish: su canal de Youtube contiene ya dos versiones de ‘Everything I Wanted’ y ‘When the Party’s Over’– cantada íntegramente en un español poco académico, con hábiles giros de pronunciación coloquial que la conectan con la última ola del pop/hip hop español. Temas no oficiales como ‘Sigo alerta‘, en todo caso, maridaban este nuevo perfil con la querencia clubber de sus inicios y, si tuviéramos que poner sobre la mesa un símil para ubicarles, Delaporte sería el más ajustado, y no solo porque sean un dúo mixto como ellos.

La prueba más evidente es ‘Aunque me duela‘, la canción que incluíamos en el mentado Lo + Sabrosón 2020, que muestra una evolución muy notable en Blackpanda, esta vez con efluvios disco-funk puestos al servicio de un pop irresistible, luminoso y fresco, y ya con un discurso lírico más consolidado. Y, si pudiera parecer que habían hecho sonar la flauta por casualidad, poco después han mostrado que no, que lo suyo no es ningún accidente: como una melliza más melancólica y pausada de ese single, ‘Antes de que acabe el verano’ repite resultado y se convierte en una de las canciones que más nos han cautivado esta temporada, que además se permite la audacia de convidar al conjunto al rapero Mabbi, dándole una atactiva dimensión urbana. Resumiendo, cabe imaginar el pelotazo que esto hubiera sido en manos de un tándem como The Weeknd y Doja Cat, en lugar de un modesto proyecto del ámbito independiente español.

Lo mejor del mes:

Escucha los «Revelación o Timo»

Las redes sociales delataron el fraude fiscal de Shakira, según un macrorreportaje de El País

Por

Sebas E. Alonso

30 agosto, 2020

El País publica un macrorreportaje titulado «Así siguió Hacienda el rastro a Shakira» que no tiene precio. Se trata de un texto del periodista Jesús García para la sección de Economía de este diario, en el que explica cómo una inspectora llamada Susana C. se zambulló en la vida de la cantante para demostrar que no vivía en Bahamas sino en España, en concreto desde que comenzó su relación con Piqué en 2011, por lo que debía pagar sus impuestos en nuestro país. Imputada por 6 delitos fiscales, Shakira declaró ante el juez el año pasado que no vivía en ningún sitio en particular, que estaba de aquí para allá y era una “nómada sin raíces”.

El departamiento de infografía del periódico de PRISA se ha puesto las botas realizando un par de gráficos en los que se ve exactamente qué días de 2011, 2012, 2013 y 2014 la intérprete del ‘Waka-Waka’ pasó en España y cuáles no. El resultado es que los tres últimos años investigados la mayoría del tiempo lo pasó en España. El mínimo para ser considerado residente fiscal son 184 días (la mitad del año + 1 día) y ella superó esta cifra en 2012, 2013 y 2014. La cantante pagó 24 millones de euros, la cuota defraudada en 2011, porque este año había prescrito, y se llevaron ante la fiscalía los demás.

Shakira argumentó en su momento que no vivió en España hasta 2014, cuando tenía un hijo y estaba embarazada del segundo, y presentó gastos de luz, agua y TV por cable de su hogar en Nassau (Bahamas), pero se demostró que los consumos los realizaban los empleados que cuidaban la finca. Hacienda recorrió «clínicas, centros de belleza, estudios de grabación, actos promocionales, tiendas de ropa y decoración», miró bien la procedencia de sus fotos en Getty Images y documentó sus apariciones en las redes sociales, tanto las suyas como las de los seguidores que la etiquetan allá por donde pasaba.

En 2011, la ubicaron 60 veces en España, muchas más que en cualquiera de los 37 países del mundo que visitó ese año. «Ninguno de ellos, por cierto, era Bahamas», concluye el reportaje, que hasta revela el pseudónimo usado por Shakira Isabel Mebarak Ripoll, Sila Prieto; o las visitas que su médico de confianza colombiano le hizo en Barcelona y no en Bahamas. El texto, tan esforzado, también cuenta cómo Ace Entertainment, una empresa de Luxemburgo, firmó un contrato con Shakira de 300 millones de 10 años y la cantante llegó a un acuerdo con las autoridades de este país para pagar un 2% de impuestos.

En contra de lo que algunos vaticinamos a finales de los 90, cuando parecía una cantautora a medio camino entre lo comercial y el underground, Shakira se ha convertido en una de las mayores estrellas globales pese al uso del español en muchas de sus canciones. Es una de los 70 artistas o grupos más escuchados de todo el mundo según Spotify gracias al éxito millonario de canciones como ‘Hips Don’t Lie’, ‘Chantaje’ con Maluma o ‘La bicicleta’ con Carlos Vives. Sus últimos pasos han sido una colaboración con Black Eyed Peas en ‘GIRL LIKE ME’ que de momento ha pasado desapercibida y un exitazo junto a Anuel AA, ‘Me gusta’. Este año arrasaba en el intermedio de Super Bowl, ofreciendo una de las mejores actuaciones de la historia de dicho espectáculo. El show va camino de los 200 millones de visualizaciones, escandalosamente por encima de los datos de otros años.

The Killers / Hot Fuss

Por

Raúl Guillén

Cuando nacía JENESAISPOP en febrero de 2006 –sip, estamos a un tris de cumplir 15 años; cruzamos los dedos—, ‘Mr. Brightside’ y ‘Somebody Told Me’, los singles principales de ‘Hot Fuss’, eran (y siguieron siéndolo ineludiblemente hasta… hace nada) puntos álgidos en muchas sesiones de club de corte alternativo en todo el mundo. The Killers eran infalibles en cualquier fiesta del ámbito, mejor o peor llamado, indie… pero no eran exactamente indies. En realidad sí lo fueron, puesto que su single más célebre fue editado por el sello independiente Lizard King, que luego licenció el trabajo a Island/Def Jam. Pero lo importante es que, desde un principio, las aspiraciones de Brandon Flowers, Dave Keuning, Mark Stoermer y Ronnie Vannucci Jr. eran las más altas. Y, aunque les llevó un poco más de tiempo (el que tardaron en publicar ‘Sam’s Town’ y salir de gira), se convirtieron en una banda de estadio.

En su haber está, eso sí, haber contribuido como pocos a elevar hasta ese estatus el rock en este siglo. Un rock de perfil alternativillo y que, era evidente, bebía de las mismas fuentes que otros grupos de la época a priori mejor considerados, como The Strokes, Interpol, Muse. Pero The Killers tenían algo especial: sabían sacar partido de los ecos de Joy Division/New Order (cabe destacar que el nombre del grupo estaba tomado del de una banda de ficción que aparecía en el clip de ‘Crystal’), U2, Duran Duran y hasta Queen (ese puntito grandilocuente) y, en lugar de hacer de ellos algo solemne y reverencial, traducirlos en puro divertimento, energía y magnetismo (apoyados sin emperos en el atractivo sexual de Flowers, no es un secreto). Como muy bien decía alguien de NME en una reseña del gran clásico del rock del siglo XXI, ‘Mr. Brightside’, «The Killers roban tan inteligentemente, y con una variedad tan alucinante, que piden las referencias más surrealistas». Es curioso cómo esta sentencia sigue siendo, tres lustros después, perfectamente aplicable a su nuevo álbum ‘Imploding the Mirage’, el mejor de su carrera y que nos lleva hoy a revisitar este primer disco del grupo de Las Vegas, ‘Hot Fuss’.

El mismo medio británico incluiría este disco entre los 500 álbumes más grandes de todos los tiempos (en el puesto 495, ojo) y Q en el puesto 17 de los 250 mejores debuts de la historia; los lectores de la web Gigwise lo elegirían, directamente, como el mejor debut de la Historia (¡ahí es nada!) y, la redacción de la más indie Drowned In Sound, como el segundo mejor disco de 2004 por detrás de ‘Antics’ de Interpol. The Killers siempre tuvieron, posiblemente por las influencias antes desgranadas, una conexión especial con el público de Reino Unido, que les ponía por delante de los coetáneos antes mentados, y posiblemente en eso estuviera la clave de su éxito mundial. Pero, aun reconociendo en todo caso las incontestables virtudes de ‘Hot Fuss’ y su importancia en el primer rock de este milenio, tanto parabién para este disco resulta del todo exagerado.

Y es bien curioso, porque buena parte del álbum dice que sí, que The Killers podían ser (y de hecho, fueron) un vendaval capaz de poner de acuerdo a los más exigentes críticos con el público más garrafonero –lo que hoy conocemos como transversalidad, vaya–. Su primer mitad, clara e indiscutiblemente, es un auténtico latigazo de magnética electricidad que tomaba la ola post-punk (o punk-funk) que latía desde el underground, la travestía y glamurizaba a base de sintetizadores nuevaoleros y la ponía a contonearse con orgullo y arrogancia bajo los focos. Todo eso es lo que cuentan canciones arrebatadoras y sexys más allá de ‘Mr. Brightside’, de la que ya está todo dicho, y la inconmensurable ‘Somebody Told Me’, todo un paradigma sonoro de esa época, como ‘Jenny Was a Friend of Mine’ –en la que Flowers se transmutaba, sin sonrojo, en Simon LeBon cuando Duran Duran no gozaban del respeto actual–, ‘Smile Like You Mean It’ –irresistible pese (o gracias) a su exiguo gancho– o una ‘All These Things That I’ve Done’ que se ha convertido en un himno. Y no es un decir: su popular puente, ese que dice «I got soul, but I’m not a soldier» entre coros gospel del grupo The Sweet Inspirations (un recurso luego copiado muchas veces, por cierto), se ha convertido, gracias al uso que han hecho de ella en sus directos no solo The Killers sino Robbie Williams, Coldplay o los propios U2 –amén de alguna campaña publicitaria– en un icono de nuestros tiempos.

Pero, precisamente por lo alto que vuela toda esa primera mitad, es más llamativo el batacazo que se/nos daban en la segunda. Temas como ‘Andy, You’re a Star’, ‘On Top’ o ‘Believe Me Natalie’ no ya es que rebajaran el nivel o palidecieran en contraste con la cara A, sino que rayaban en lo mediocre (especialmente la última). Daba incluso la sensación -por ejemplo en los sintes de ‘On Top’– de que ni siquiera ellos mismos se tomaban demasiado en serio. Y algo de eso había, porque no hay otra explicación para incluir esa gran broma titulada ‘Glamorous Indie Rock & Roll’ que se mofaba de lo que decía al principio: ese supuesto estatus de indies que ellos querían trascender. Lo hacían, además, con un bastante evidente guiño en las guitarras de Keuning y la voz de Flowers –curiosamente, diría que su empleo de los filtros vocales bien pueden haber inspirado a Julian Casablancas en años posteriores– a The Strokes. Los neoyorquinos fueron una de las mayores influencias para este disco, y Brandon aseguró que la grandeza de ‘Is This It?’ les inspiró a superarse a sí mismos… del mismo modo que el año pasado ‘Father of the Bride’ de Vampire Weekend le llevó a pensar a Flowers que no podían cagarla con ‘Imploding the Mirage’.

No todo en la recta final de ‘Hot Fuss’ está tan por debajo del nivel: ‘Midnight Show’, un número robusto y seductor, recupera la pulsión del arranque entre guiño a Billy Idol y Psychedelic Furs. Hubiera tenido más sentido además en esa primera parte, puesto que mantiene conexiones narrativas con ‘Jenny…’ –forman una trilogía sobre el asesinato de la chica junto con ‘Leave the Bourbon on the Shelf’, editada años más tarde en ‘Sawdust’–. Lo cierto es que las letras no eran por entonces nada particularmente destacable en The Killers: historias de amoríos y celos contadas con más bien poco fuste, que se detienen sobre todo y paradójicamente en la falsedad de una ciudad como Las Vegas en la que prima la imagen sobre el fondo y los auténticos sentimientos. ‘Hot Fuss’ se cierra de manera bastante oportuna bajando las revoluciones con la coqueta y lo-fi –un poco a lo Blur post-’13’: de nuevo, la conexión brit– ‘Everything’s Gonna Be Alright’ que es mona… hasta el minuto 3:30. Los dos restantes nos los podían haber ahorrado. Es sintomático de un debut que no cumple el axioma de los debuts. En parte para mal, porque solo convence una parte del álbum. Pero también para bien, porque en él no entregaban lo mejor de sí mismos, dejando que el resto fuera cuesta abajo, como demuestra su nuevo disco.

Troye Sivan / In a Dream

Por

Sebas E. Alonso

29 agosto, 2020

Al principio, no compartía el entusiasmo por Troye Sivan de algunos de mis compañeros y nuestros lectores. Me caía fenomenal, pero ‘Blue Neighbourhood‘ me resultó un álbum completamente dependiente de sus influencias, en el que el cantante australiano parecía antes un fan (de Robyn, de Lorde, de Taylor Swift) que un artista por sí mismo. ‘My My My‘ me sonaba como una canción incluso básica y boba. Sus colaboraciones con Ariana Grande y Charli XCX, las estupendas ‘Dance to This‘ y ‘1999’, me hicieron replantear mi postura, y este EP que ha sacado este año es desde mi punto de vista su consolidación absoluta, la que felizmente me hace comerme mis palabras.

Su mano derecha en cuanto a producción y co-autoría se reduce prácticamente a Oscar Görres, pues la colaboración de Teo Halm es mucho más puntual, limitada a la anecdótica ‘Could Cry Just Thinkin About You’, la pista de 51 segundos de este disco. Oscar es un productor sueco del equipo de Max Martin con el que Troye ya trabajó en ‘Bloom‘, que ha colaborado con Britney Spears y Taylor Swift, pero no en sus mayores éxitos. Habitual más bien en los créditos de MARINA y Allie X, está desarrollando junto a Sivan muchos de sus mejores trabajos, pues las texturas elaboradas en este ‘In a Dream’ son elegantes, ricas y también cambiantes, a veces imprevisibles.

La elección de los singles es estupenda. Sucumbimos ante ‘Take Yourself Home’, una composición que empieza sonando chill, ambiental y sintética como un temazo de los viejos Washed Out, entre coros de reminiscencias playeras y una timidísima línea de guitarra a cargo de Görres, solo para al final ofrecer un quiebro en lo que el propio Troye ha llamado una «outro de corte housey». El house es una referencia también cuando menos te lo esperas en ‘Stud’, que tras comenzar como una «torch song» a piano influida por James Blake, revienta como una producción que podría haber pertenecido a la Róisín Murphy de ‘Overpowered’ y los singles que sucedieron a aquel álbum.

‘Rager Teenager!’ cuenta con una producción abrasiva, que puede sonar tanto a ese The Weeknd que se ha mirado en los 70 en la estupenda ‘Scared to Live’, pero esconde también sus recovecos: la guitarra eléctrica breve y desmelenada es deliciosa, como el vuelo que alza la composición. Por un lado encontramos ese teclado tan propio del synth-pop, como un estribillo instrumental de los primeros Depeche Mode. Y por otro, al mismo tiempo, esos beats agresivos como prestados de la Björk de ‘Homogenic’.

Todas estas artimañas, unidas al pop al que apunta ‘In a Dream’ y su casi hilarante gancho instrumental en lo que en realidad es una pesadilla de desamor, son el remanso idóneo para transmitir las inquietudes de Sivan. Si ‘Take Yourself Home’ nos sonaba estival y playera es porque fue escrita sobre Los Ángeles, concretamente sobre el deseo del artista de abandonar la ciudad para volver con su familia a Australia. «Estoy cansado de la ciudad», manifiesta, mientras la frase del álbum podría ser «Si voy a morir, muramos en algún lugar bonito». Igualmente, ‘Easy‘, sobre una infidelidad, se sirve de su caja de ritmos cortante y sencilla para aportar aspereza a la canción, que él entona cual «crooner» aún enamorado, pidiendo perdón.

Si ‘Could Cry Just Thinkin About You’ sí es una tontería adolescente que no necesitábamos, en la letra de ‘Rager Teenager!’ sabe reírse de sus momentos más flojos, aunque el texto más interesante puede ser el de ‘Stud’. Esta palabra que en inglés significa «macho» o «semental» habla de su relación con su cuerpo y la aceptación del mismo frente a los hombres que son «todo músculos». «Tienes todos los músculos que quiero (…) ¿cómo es ser grande y fuerte? (…) ¿puedo ser un pedazo de tío para ti?», pregunta usando lenguaje tan coloquial en la comunidad gay como «buff», «hunk» o la propia «stud». Retando a su discográfica, sacando estas canciones más o menos cuando y como le ha dado la gana, y construyendo un discurso propio sin la ayuda de 20 manos, Troye Sivan sube al fin un gran peldaño, más cerca del prestigio de algunos de sus ídolos.

Calificación: 8,2/10
Lo mejor: ‘In a Dream’, ‘Easy’, ‘Take Yourself Home’
Te gustará si te gustan: Lorde, Robyn, Róisín Murphy
Escucha: ‘In a Dream’

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