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Charli XCX publica ‘how i’m feeling now’, ¿un disco que será referencia?

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Charli XCX publica hoy viernes ‘how i’m feeling now’, su nuevo disco hecho en confinamiento. La cantante ha vuelto a echar mano de las bases instrumentales de sus colaboradores habituales, entre ellos A.G. Cook de PC Music y Dylan Brady de 100 gecs, para crear un álbum de pop futurista y bruto que sigue la línea estética de sus proyectos anteriores, ‘Charli‘ y las «mixtapes» ‘Number 1 Angel‘ y ‘Pop 2‘.

A pesar de ser un proyecto «DIY», Charli considera ‘how i’m feeling now’ un álbum de estudio, y así está siendo recibido por sus seguidores, que celebran la coherencia del sonido y la fluidez de la secuencia. En nuestros foros, diekirc augura que será «un disco de referencia» debido a las circunstancias en que ha sido gestado y publicado, ya que «plasma muy bien cómo nos sentidos todos estos meses». Entre las canciones del disco que hablan sobre la cuarentena se encuentra ‘c2.0’, que incorpora una porción de ‘Click’ y después una estrofa nueva en la que la británica canta sobre «echar de menos» a sus seres queridos. Por otro lado, llamarsernesto considera que «lo mejor del disco no estaba en los singles», que con ‘how i’m feeling now’ Charli «ha encontrado una nueva cumbre» y apunta que, a pesar de no decir nada especialmente nuevo, «en la expansión de su sonido es capaz de presentar tres trallazos seguidos como party 4 u, anthems y visions que está entre lo mejor que ha hecho jamás».

En Popjustice las reacciones están siendo muy similares. Hay quien se halla «cansado» de este sonido de pop híper-futurista que Charli lleva varios proyectos explorando, pero los comentarios son sobre todo positivos. Algunos lo consideran ya su mejor disco, subrayan el «anhelo» subyacente en todas las pistas pese a sus agresivas producciones, destacan atrevimientos estilísticos como el garage de ‘i finally understand’ o la ravera ‘visions’, y también que el disco suena por fin liberado de la carga comercial que tanto ha preocupado a Charli en obras anteriores. «Que haya sido capaz de ser una cantante y autora tan transparente dentro de este estilo de producción, con tanta autenticidad… (El disco) suena como el pop del futuro que siempre ha prometido», escribe un usuario de este foro.

Crüilla y Paraíso también aplazan sus ediciones a 2021

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El festival barcelonés Cruïlla y el madrileño Paraíso anuncian que aplazan sus ediciones de 2020 a 2021, tal y como han hecho en los últimos días Primavera Sound, Mad Cool, Sónar, Bilbao BBK Live, Azkena, Noches del Botánico o Río Babel, entre otros.

Cruïlla pasa a celebrarse los días 8, 9 y 10 de julio de 2021. Las entradas de esta edición serán válidas para la siguiente, aunque el festival no confirma si mantendrá su cartel de este año como otros festivales están haciendo. Sí anuncia un nuevo ciclo de espectáculos al aire libre que podrán disfrutarse en algunos espacios abiertos de la ciudad, y que incluirá conciertos, artes de calle, monólogos, circo o conferencias. En cuanto a la devolución de entradas, Cruïlla comunica que contactará por correo a todos los compradores «a finales de mayo» para ofrecer «todas las opciones disponibles a aquellos que no puedan asistir».

Por otro lado, Paraíso tendrá lugar finalmente los días 25 y 26 de junio de 2021, y en un comunicado indica que su intención es que el cartel de 2021 «se parezca al máximo al de 2020», pero que no puede «garantizarlo en su totalidad». De momento, el festival anima al público a mantener su entrada, decisión por la que será recompensado con «beneficios y compensaciones», pero abre también el proceso de devolución de las mismas para quien desee recuperar su dinero.

Hurts buscan renacer desde la independencia con ‘Voices’, su nuevo single

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Tres años después del despersonalizado giro al pop comercial más impersonal y neutro que dio el dúo Hurts en el fallido ‘Desire‘, parecen haber escarmentado. Apeados de la multinacional Sony Music, que había auspiciado su carrera desde su álbum debut, los mancunianos Theo Hutchcraft y Adam Anderson reaparecen hoy con su primer single en tres años, ‘Voices’, con el que buscan renacer como artistas desde la independencia.

Con una imagen insólita en la que Theo luce una larga melena y Adam una larga barba, ‘Voices’ parece buscar recuperar las tonalidades oscuras de sus primeros trabajos, aunque sin abandonar del todo la intencionalidad pop. Elementos acústicos se entrelazan con electrónica, coros grandiosos tipo gospel y percusiones poderosas, en una mezcla que nos remite un poco al estilo de Rag ‘N Bone Man, por citar un referente cercano. Hutchcraft ha dejado un mensaje con la publicación de la canción en el que explica que ‘Voices’ es una canción sobre aislamiento, desesperación y locura. También sobre fortaleza, resiliencia y el poder de la mente. Fue escrita durante una crisis personal y se publica durante una (crisis) generalizada. Ojalá procure algo de esperanza y catarsis a aquellos que estén luchando con sus propios demonios».

Hurts surgieron hará unos 10 años, con singles imponentes como ‘Wonderful Life’ y ‘Stay’, a medio camino entre Depeche Mode y Black. Su debut ‘Happiness‘ estuvo a la altura de las expectativas, también en cuanto a ventas, convirtiéndose de la noche a la mañana en nuevas estrellas del pop británico. Su continuación ‘Exile’ (2013), en cambio, supuso una decepción, de la que intentaron resarcirse con ‘Surrender‘ (2015), producido por Stuart Price y Ariel Rechtshaid, lográndolo solo a medias. Ahora, con un teaser repleto de claves ininteligibles de momento, adelantan la estética de su quinto disco. Tras el batacazo a todos los niveles de ‘Desire’, la cosa solo podría ir para arriba… ¿o no?

Escucha lo nuevo de Katy Perry, Perfume Genius, Charli XCX, Neil Young, ALMA, Sparks, Josef Salvat…

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Aparentemente desperezándose de la semi-parálisis, la industria discográfica se ha despertado este 15 de mayo, San Isidro, con una montaña de novedades que condensamos en la playlist Ready for the Weekend. Para empezar, no faltan los álbumes más importantes que ven la luz esta semana. Cumpliendo su palabra, Charli XCX se ha marcado un nuevo álbum grabado durante el confinamiento, ‘How I’m Feeling Now’, y se suma a los esperados nuevos álbumes de Perfume Genius y The Magnetic Fields (‘Quickies‘ es nuestro Disco de la Semana). Con ellos llegan, además, los álbumes de Future, Sparks, ALMA, Josef Salvat, Moses Sumney (que se ha lanzado en dos partes), Moby, Jess Williamson, Jason Isbell and the 400 Unit, Noah Cyrus, Hanni El Khatib, la artista experimental Kaytlin Aurelia Smith, The Magician, El Alfa, Nick Hakim (colega y colaborador de Buscabulla), el veterano rockero Willie Nile, el prometedor grupo barcelonés The Death of Robert y los canadienses The Dears, que siguen en activo. Y no olvidemos que también hay un nuevo EP de C. Tangana, que coincide también en fecha y formato con Gabriela Richardson, la belga Selah Sue, Buenatarde (proyecto de Mané López, guitarrista en la última etapa de Hazte Lapón) y dani, que lanza maxi de remixes de su tema ‘Dónde estás’. Y no olvidemos que Bad Bunny se sacaba de la manga otro disco el pasado fin de semana, ‘LAS QUE NO IBAN A SALIR‘.

Además, hoy hemos amanecido con ‘Daisies‘, single que adelanta el nuevo trabajo de estudio de Katy Perry, y ‘Tu foto‘, nuevo single de los tan singulares como exitosos Cupido. No son ni mucho menos los únicos que traen nuevas canciones hoy. Hurts reaparecen con nuevos sonido e imagen, mientras que Tinashe colabora con el interesante ZHU en ‘Only’. Dellafuente, AURORA, Izzy Bizu, Zoé, Vic Mirallas & Don Patricio, Jonas Brothers & Karol G, Mark Ronson, Chloe x Halle, Los Hermanos Cubero, James Vincent McMorrow, Lolo Zuoaï, Migos, Aitana & Reik, Chavales, Mahmood, Powfu, Imelda May, Biffy Clyro, Lila Downs, Kygo & OneRepublic, Alison Mosshart o Slowthai son otros artistas y grupos que traen novedades. Se suman a las que a lo largo de la semana han presentado The 1975, Carlos Sadness, Tulsa, Everything Everything, Secreto & Anuel AA & Cardi B o Tkay Maidza, entre otros.

Abundan también las remezclas, como la que Four Tet hace de uno de los temas más brillantes de ‘Suddenly‘, fantástico último disco de Caribou, la nueva versión del polémico ‘Bom Bom’ de Kafu Bantin & Bad Gyal sumando a Guaynaa, la «urban» de ‘ADMV‘, el último single de Maluma o el nuevo tratamiento que aplica Chico Blanco a un tema del último EP de Stephen Please. Y las versiones, como las que hacen Sharon Van Etten & Josh Homme de QOTSA del célebre ‘(What’s So Funny ‘Bout) Peace, Love and Understanding’, la que hace María José Llergo de ‘Pena Penita Pena’ en homenaje a Lola Flores o la de Pole que perpretran La La Love You con Suu y Arkano. No falta alguna que otra canción-con-temática-confinamiento, como la colaboración de Sofi Tukker con Gorgon City o el nuevo tema de Residente; canciones de bandas sonoras, como la de Kamasi Washington para la serie de Netflix ‘Becoming’ o el disco de la nueva película de animación de Scooby Doo y Shaggy, con Best Coast haciendo su reconocible «theme song». Más interesante es el avance de ‘Homegrown’, disco perdido de Neil Young que por fin verá la luz, y un disco en directo en Japón de Sílvia Pérez Cruz y Marco Mezquida, que incluye entre otras cosas una inesperada versión de ‘No Surprises’ de Radiohead.

Escucha la playlist «Ready for the Weekend»

The Magnetic Fields / Quickies

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Para cualquier artista ‘50 Song Memoir‘, en concepto (una autobiografía) y forma (50 canciones, una por cada año de su vida, interpretadas íntegramente en teatrales y dilatados conciertos), podría haber supuesto una de esas obras de las que cuesta recuperarse (también económicamente, como nos reveló) para seguir adelante. Pero no para Stephin Merritt, que mientras cuadraba la agenda para entrar a grabar aquel disco quíntuple, pasó el rato escribiendo estas ‘Quickies’ para su grupo más conocido, The Magnetic Fields.

Inspirado por, entre otros, los microrrelatos de Lydia Davis y su libro ‘101 palabras de dos letras’ –poemas compuestos con «las palabras más pequeñas que puedes usar en el Scrabble»– y armado con cuadernitos muy pequeños para no extenderse de más, Merritt se propuso componer canciones con la mayor economía de lenguaje posible y sin relación necesaria entre ellas, pero que digan todo lo necesario en sí mismas. Así, ‘Quickies’ es casi tanto un ejercicio de precisión e ingenio literario como una colección de canciones. Algunas pueden ser tan inanes en contenido como la inaugural ‘Castles of America’ (evocando con el plan de un viaje en autobus con amigos para contemplar aquellos) tan random como ‘Song of the Ant’ o tan delirantes como ‘I Wish I Had Fangs and a Tail’, pero en su mayoría suponen una lectura necesaria y nutritiva, que derrochan el sentido del humor ácido habitual de Merritt y que incluso se adentra en ciertos mensajes político-sociales.

Era el caso del primer single ‘The Day the Politicians Die‘, en el que imagina el jolgorio generalizado si desapareciera de la faz de la clase política… no sin culminar dejando la idea de lo peligrosa e insaciable que puede llegar a ser la llamada opinión pública. También pone de manifiesto la violencia machista en ‘Love Gone Wrong’, y apoyando a sus hermanas oprimidas por el patriarcado e incitándolas a «matar un hombre al día» (‘Kill a Man a Day’) hasta acabar con su problema, a la vez que aspira a un matriarcado en ‘Come Life, Shaker Life!’ (muy Sufjan en lo musical, que no te dice mucho hasta que averiguas que se basa en un himno clásico de los Shakers, una escisión de los cuáqueros que, efectivamente, promulgaban la igualdad). No se olvida de dejar entrever la precariedad de los músicos profesionales (‘When She Plays the Toy Piano’) y alude al enorme trecho que aún queda por recorrer en cuanto a discriminación de los colectivos LGTB+ en ‘Favorite Bar’ y ‘Evil Rhythm’. Pero que nadie se asuste: incluso en sus momentos concienciados –por más que le rechine la idea–, ‘Quickies’ despierta sobre todo sonrisas, cuando no carcajadas. Ahí queda ese «con este anuncio, Armin encontró un truquito: «déjame cocinar y comer tu polla»» (aludiendo al famoso caso del «caníbal de Rotemburgo», Armin Meiwes) de ‘Love Gone Wrong’ o los rimas retorcidas de ‘Evil Rhythm’ («It’s the hip new hypnotithm / It’s even worse than Communithm«).

Porque aparte de cortas, estas cortitas son ligeras, divertidas e inopinadas. Odas de devoción a «las tetas más grandes de la historia» (en la tonada llamada exactamente así) y a echar un polvo rapidito en el baño de un bar… que esté limpito a poder ser (‘Bathroom Quickie’) se mezclan con un ataque terrorista perpetrado por un grupo de licenciados en química millenials decepcionados con sus vidas (‘Castle Down the Road’), la añoranza de una vieja relación tan cerda como cómoda (‘I Wish I Were a Prostitute Again’) o las fantasías homoeróticas con un grupo de moteros (‘(I Want to Join A) Biker Gang‘). Pero, en realidad, aunque el punto de vista sardónico de Merritt se sitúe por encima de temáticas, también se intuye un hilo conductor: el amor, ya sea por defecto o por exceso. Por eso puede soñar con casarse con la mejor barista de Tennesse (‘The Best Cup of Coffee in Tennesse’) o con echarse un novio tan rockero que acabe por dejarle tirada (‘Rock ‘N Roll Guy’), pero también mostrar el hartazgo de estar con la persona equivocada (en la genial ‘My Stupid Boyfriend’, en la que, cantada a dúo con Claudia Gonson, juguetean libres de género) o arrepentirse de haberse casado preso de una buena curda (‘Let’s Get Drunk Again (And Get Divorced)’). Incluso, si un amor tan exacerbado y bonito como el descrito en ‘When the Brad Upstairs Got a Drum Kit’ se va al carajo, siempre hay una última solución: quedarse con Dios… («Tengo una cita con Jesús, / un hombre al que no tengo que perseguir / (…) Él es un treintañero, / y yo estoy cachond@ esta noche», canta Claudia en ‘I’ve Got a Date With Jesus‘) o con el demonio (‘You’ve Got a Friend In Beelzebub’).

Y más allá del deleite lírico (como siempre, más que recomendable leer cada letra con detenimiento), ‘Quickies’ es también un disco gozoso de escuchar. Al contrario de lo que pueda sugerir la urgencia de su título, es un disco bastante reposado y minimalista, muy en línea con buena parte de ’69 Love Songs’, con el que comparte tanta similitud sonora como con su predecesor. Cautivado por la sonoridad del clavicordio y forzado por la hiperacusia que padece, predominan los instrumentos acústicos, muchos de los cuáles han sido construidos por él mismo con cajas de puros y vino (no, no es broma), cuando chismes tan peculiares como el «piano de una mano» o, sencillamente, una guitarra eléctrica sin amplificar. Muchas de las canciones ni siquiera tienen una percusión, y apenas incluyen uno o dos instrumentos, voces al margen. Pero eso no afecta al impacto de ‘Quickies’, porque lo que importa, como siempre, son las buenas canciones, y de esas hay a espuertas en estas veintiocho, repartidas en cinco 10″ en su edición física.

Obviamente los singles, incluyendo la fantástica ‘Kraftwerk In a Blackout‘ (que habla de otra relación desgastada, a punto de colapsar… pero que se invita a un último baile), están entre lo más destacado de ‘Quickies’ y, aunque se echa en falta algún tema más así de rotundo en una oferta tan amplia, hay mucho donde rascar a medio-largo plazo. Porque, como ocurría con el sempiterno ’69 Love Songs’ (aunque por el momento no se pueda decir que alcance sus cotas de magnificencia), tanta miniatura puede pasar algo desapercibida en escuchas apresuradas. Pero pronto van ganándonos, revelando su peculiar encanto, cada una a su manera. Imagino que cada uno tendrá sus favoritas particulares, que a buen seguro irán mutando con las escuchas y los estados de ánimo, pero diría que la coqueta ‘My Stupid Boyfriend’, la tragicómica ‘Kill a Man a Week’, la folkie ‘Castle Down a Dirt Road’, la country ‘The Best Cup of Coffee in Tennesse’, la dramática ‘The Price You Pay’ y el rag-time de juguete de ‘Evil Rhythm’ tienen ganado un lugar de privilegio en el amplio cancionero de The Magnetic Fields. Hasta los 17 segundos de grave y fatal declaración de amor de ‘Death Pact (Let’s Make A)’ tienen su aquel. Y sí, hay un pequeño bajoncillo entre las caras I y J (hasta en esto es peculiar ‘Quickies’), pero es lo que tienen las cortitas: como pasan tan rápido, no da tiempo ni a cogerles manía.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘(I Want to Join A) Biker Gang’, ‘The Day the Politicians Die’, ‘Kraftwerk in a Blackout’, ‘My Stupid Boyfriend’, ‘Kill a Man a Week’, ‘Bathroom Quickie’, ‘Castle Down a Dirt Road’, ‘I’ve Got a Date With Jesus’
Te gustará si te gusta: su ’69 Love Songs’, sobre todo, pero también The Divine Comedy y otros artistas cuya personalidad destaca del resto.
Youtube: vídeo de ‘(I Want to Join A) Biker Gang’

«Somos gente de muchísimas influencias y absurdamente variadas»: Cupido giran al pop 70s en ‘Tu foto’, Canción del Día

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Este viernes Cupido reaparecen con su tercer single desde el parón debido a problemas de salud de su cantante Pimp Flaco. Tras la melancólica ‘La pared‘ y la continuista ‘Galaxia‘, hoy traen ‘Tu foto’, con la que dan una nueva pirueta estilística: con gran protagonismo del piano, armonías vocales a lo Beach Boys y unas guitarras que recuerdan mucho al trabajo de George Harrison, su crossover de pop, trap, rock y psicodelia mira esta vez a los 70, con producción de Brian Hunt. Lo que no cambia tanto es que de nuevo se sacan de la manga una melodía impecable e inmediata, trabajada y pegadiza, con la que Dani se inventa una letra sobre pagar con la foto de una chica en «la Gucci o en el Zara». Aprovechando este lanzamiento, el propio Pimp Flaco y Toni Díaz nos responden unas preguntas que indagan en la nueva dirección sonora de la boy-band, en cómo les está afectando el parón por el estado de alarma y cuáles son sus próximos planes. [Foto: Laura Ouch.]

Nos contasteis que ‘La pared’ era una canción de una etapa previa a vuestro parón, e intuyo que también lo era ‘Galaxia’, por sonido. ¿’Tu foto’ es reciente, post-parón? ¿Habéis grabado el single en confinamiento o se grabó antes en estudio?
La melodía principal de Tu foto es algo que lleva rondando bastante tiempo. No sabríamos ponerle fecha, pero a mitad de la gira. Se ha ido grabando durante todo el año en los pocos momentos que descanso que teníamos para ir al estudio y eso ha hecho que haya tenido un proceso de transformación bastante grande.

En cuanto a producción, es una canción bastante distinta a casi cualquiera de vuestros otros temas, con un aire sententero más limpio, casi a lo Carpenters, coros a lo Beach Boys, guitarras a lo George Harrison… ¿Cómo surgen esos arreglos?
Evidentemente tiene bastantes diferencias de sonido con «Préstame», no tanto con ‘La pared’, que ya desde lejos marcaba un poco el camino de lo siguiente. Como hemos dicho siempre, somos gente de muchísimas influencias y absurdamente variadas y eso se va a notar siempre que Cupido siga existiendo. No porque lo que se lleve ahora es el lo-fi o el bedroom, vamos a aguantar nosotros esa linea. Siempre vamos a marcar nuestro propio camino y ahora con este tema ese camino pasa más por el revival del pop más clásico.

El piano, como en ‘La pared’,tiene mucha presencia. ¿La veis como una anomalía o como parte de hacia donde iréis como Cupido?
Lo cierto es que el 90% de la producción del tema, el piano realmente era un DX7 basado en un Rhodes. En esa onda sí podría haber recordado más al bedroom que veníamos haciendo. Pero decidimos meter un piano que le diera un aire indudable a Supergrass, que con ese ataque y pulso la canción camina mucho mas divertida y agresiva. A diferencia de ‘La pared’, aquí el piano estaba desafinado para que tuviese ese sonido honky tonk. Supongo que podría ser un ejemplo de a dónde iremos, al ser el piano mas orgánico que cualquier sinte, pero no es algo definitivo. Como decíamos antes, vamos a marcar nuestro camino, y ahora estamos aquí, pero no sabemos cómo de largo es.

¿Y lo de «pagar con tu foto» de dónde sale? Es una idea un poco loca… o no, igual los banqueros ya tienen en mente un medio de pagar enseñando el careto…
La idea de la foto es materializar todo el valor sentimental que un@ lo tiene a la persona de la foto que lleva en su cartera. Si ese valor se pudiese transformar en dinero, podríamos comprar lo que nos diese la gana.

Parece una canción de amor, pero tiene un viso ahí de aprovecharse de alguien, en plan toy boy. ¿Es más lo primero o lo segundo?
Nada, sólo es amor.

¿Seguís con la idea de sacar singles sin pensar en disco? ¿Es una manera de quitar presión?
Nosotros sacamos el disco (corto, pero disco) casi en contra de lo que nos recomendaban entonces, que todo se basaba en singles, EPs o mixtapes. Y más para un proyecto que acababa de nacer como el nuestro. Pero creemos que ha sido súper importante para consolidar la imagen del grupo y ya es algo que nuestro publico espera. Nuestros singles, algunos han entrado y salido de los charts, pero 1 año y 4 meses después el disco sigue en los 100 más streameados y es algo que nos enorgullece mucho. Sabemos que los discos son vitales en la industria, ahora bien, puede que en este momento o un futuro próximo sintamos que necesitamos sacar otro formato. Es algo que aún no podemos anunciar.

Desde que habéis aparecido, veo un montón de proyectos que, aunque quizá no suenan exactamente a vosotros, sí se mueven en la misma transversalidad: Chill Chicos, Megansito juntándose con Baywaves, Mentira, Go Roneo… ¿Sois conscientes de haber abierto ese melón? ¿Os reconocéis como inspiración?
Constantemente nos encontramos gente dentro de la industria, especialmente en sellos, que nos dicen que últimamente mucho de lo que les llega les recuerda a nosotros o que nos usan de referencia. Es cierto que viéndolo desde arriba hemos hecho algo notorio, nuevo en España, y que llama la atención tanto musicalmente como el propio proyecto en sí. Así que es complicado ver algunos proyectos sin pensar en nosotros. Pero también es verdad que cada banda y proyecto tiene sus características que lo diferencia del resto. Y si no tiene ninguna probablemente no merece la pena.

¿Cuáles son vuestros planes para estos meses, ahora que parece que ya definitivamente se cae el grueso de festivales?
Tenemos muchas ganas de tocar pero las alternativas que se plantean no son las mejores. Veremos. Para nosotros fue un palo gordo tener que cancelar La Riviera llena justo el día antes. Pero hay que sacudirse, así que vamos a grabar música y a plantear los próximos lanzamientos. Cómo y cuándo los vamos a lanzar es algo que cambia casi cada día.

¿Cómo estáis pasando el confinamiento? ¿Sois de los que os está inspirando para currar o de los que estáis bloqueados?
Es complicado, ya que estamos más inspirados cuando estamos juntos. Vamos a comer y sacamos ideas absurdas de las que nos reímos, pero resulta que una de ellas no es tan absurda. O vamos al local a improvisar y aparecen cosas interesantes. No se crea ese mismo feeling por zoom. La mitad de las ideas que tenemos ahora mismo son muy complicadas de realizar. Y daría pena estar obligados a que los proyectos se basen en videoclips con los fans haciendo selfies y portadas con dibujos. Además, curiosamente, nosotros ya quemamos esas balas antes de todo el Covid-19, así que tenemos que estrujarnos más el coco.

Lo mejor del mes:

Katy Perry publica ‘Daisies’, un «comeback» a la era ‘Teenage Dream’

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El lanzamiento más importante en el mundo del pop (así, en global) de este viernes 15 de mayo es claramente ‘Daisies’, el nuevo single de Katy Perry y el primero de una etapa que tendrá como zenit el lanzamiento de su quinto álbum de estudio. Por el momento no ha dado a conocer su título, pero sí su fecha de publicación, que ya venía siendo un rumor en los últimos días: será el día 14 de agosto, en pleno verano.

En cuanto a ‘Daisies’, los desencantados con la etapa ‘Witness’ que añoraban a la Katy de ‘Prism’ e incluso la de ‘Teenage Dream’ están de enhorabuena. El pop electrónico con un punto acústico –ese que Perry suele sacar a relucir en un fragmento de cada una de sus giras– y cierta épica manda en este tema que es, para ser su primer single, bastante comedido en lo sonoro: con producción de The Monsters & Strangerz (Dua Lipa, Halsey, Liam Payne), su base no llega a explotar del todo en ningún momento. Y en cuanto a lo lírico, apuesta por la emotividad: en paralelo a la música, Hudson también se retrotrae a la inocencia y confianza en sí misma que tenía cuando comenzaba a confirmarse como una estrella del pop, buscando así recuperarse de los palos y la depresión que, como señalaba meses atrás, le procuró su último trabajo largo.

«Cada uno de nosotros somos uno entre más de siete mil millones», dice en un tuit, «con nuestra propia historia de fuerza y resiliencia que contar. (…) Espero que sea la banda sonora para buscar vuestros sueños ahora… especialmente los que hemos dejado atrás». Luego añade sobre ‘Daisies’ que «escribí esta canción hace un par de meses como una llamada para permanecer fiel al camino que has emprendido para ti misma, sin importar lo que otros piensen. Recientemente, ha adquirido un nuevo significado para mí, a la luz de lo que todo el mundo está experimentando».

Quizá ese punto emocional tenga que ver también con su pronunciado embarazo, que no duda en mostrar en su vídeo oficial. Dirigido por Liza Voloshin, en él Katy pasea por campos y un arroyo con un camisón, que acaba quitándose para mostrar en todo su esplendor su estado de buena esperanza y todo eso, que, recordemos, ya optó por revelar en otro videoclip, el de la floja balada ‘Never Worn White‘.

Y es que Katy había pasado todo 2019 lanzando un puñado de singles como ‘Harley In Hawaii‘, ‘Small Talk‘ y ‘Never Really Over‘ que, a falta de más detalles sobre este próximo trabajo, por sonido e intenciones no sorprendería que tuvieran hueco en él.

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C. Tangana adelanta unas horas su nuevo EP, ‘Bien:(‘, que incluye su número uno ‘Nunca estoy’

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Tal y como se intuía cuando lanzaba semanas atrás ‘Nunca estoy‘ –a posteriori convertido en el primer número 1 de singles en España de su carrera–, C. Tangana preparaba un lanzamiento de mayor entidad esta vew. Una semana atras, con el estreno de ‘Guille asesino‘ (con la aportación de Pional a la producción además del habitual Alizzz) se dejaba ver que había un EP en camino, titulado ‘Bien:(‘. Y este jueves, a pocas horas de las 00:00 en las que el grueso de novedades del viernes llegan a plataformas de streaming y tiendas digitales, lo ha lanzado directamente.

Se trata de cuatro temas que no alcanzan ni 9 minutos y que se unen bajo el lema «música triste en español». A los ya citados, suma hoy el corte que da nombre al disco y otro titulado ‘adelante_ruffdemo2016’. En este reconocemos al autor de ‘Avida Dollars’ aunque con cierta melancolía, mientras que el primero cuenta con la colaboración de Rusowsky, proyecto del joven productor y cantante Rusián Mediavilla. Este participa en esta composición y producción delicada y de ambiente triste, que es objeto de un bonito vídeo de animación protagonizado por ese Puchito al que vimos interpretar con chulería ‘Veneno’ en Operación Triunfo, esta vez deambulando por un dormitorio y con final imperdible, relacionado con la letra de la canción.

Acompañando al lanzamiento, Antón Álvarez ha creado una playlist de Spotify en la que revela las influencias de este disco. Junto al mismo Rusowsky, Rosario y Alejandro Sanz (co-autores de ‘Nunca estoy’, recordemos), el Kanye West de ‘Yeezus’ (la referencia en ‘Guille asesino’ es más que evidente) y el recurrente Kavinsky de ‘Nightcall’, sorprende un poco más encontrar a Frank Ocean, James Blake, Sen Senra, junto a Rebe (!), Manzanita y Navajita Plateá.

La Unión anuncian su disolución definitiva, precipitada por la pandemia

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Aunque puede que muchos creyeran que hacía ya años que no existían La Unión, lo cierto es que seguían en activo con tan solo dos de sus integrantes originales, el vocalista Rafa Sánchez y el bajista Luis Bolín… hasta hoy. En un comunicado remitido a la Agencia Efe, Sánchez ha anunciado la disolución definitiva del grupo, aludiendo a «circunstancias» que venían «gestándose hace tiempo» y a las «respectivas formas de interpretar la situación y perspectivas futuras propias». Unas circunstancias, sean las que sean, que ha agravado la pandemia del coronavirus, «que ha golpeado tan gravemente a la industria de la música y ha precipitado este comunicado, su base y contenido». Rafa explica que a partir de ahora se centrará en su carrera en solitario, en la que lleva «trabajando y planificando bastante tiempo».

Se confirma así la desaparición de uno de los nombres más emblemáticos y exitosos del pop español en los años 80 y 90. Sánchez y Bolín, junto con el guitarrista Mario Martínez (que se había mantenido en el grupo hasta hace un par de años) e Íñigo Zabala en los teclados, fundaron La Unión hacia el año 1982 en Madrid, claramente influidos por los nuevos románticos británicos y el after-punk. Poco después lanzarían su primer single, producido por Rafa Abitbol y Nacho Cano, casi en paralelo a la explosión comercial de Mecano. En él se incluían dos canciones inspiradas en sendos cuentos de Boris Vian, ‘La niebla’ y ‘Lobo-hombre en París’, el mega-hit (fue número 1 de singles en España nueve semanas seguidas) por el que se les sigue recordando a día de hoy y que incluso llegó a tener versiones en inglés y francés.

Poco después llegaría ‘Mil siluetas’, álbum debut de nuevo con la mano del tándem Abitbol/Cano y que abundaba en ese espíritu próximo a Roxy Music-Simple Minds-OMD, y que daba en la diana de nuevo con ‘Sildavia‘, de nuevo envuelta en cierta fascinación por lo gótico y lo misterioso. Menos suerte hubo con ‘El maldito viento’ (1985), un segundo disco más melancólico y taciturno que no tuvo buena respuesta comercial. A partir de ahí, La Unión viraría (aún todavía de la mano de Cano y Abitbol) hacia un pop más ecléctico y luminoso. Lo plasmaron en ‘4X4’ (1987), un disco más sofisticado –digamos que INXS podrían ser su equivalente anglosajón– que obtuvo un gran éxito con singles como ‘Dónde estabais’, ‘Amor fugaz’, ‘Maryluz’ y la jazzy ‘El «San Francisco»‘, que les llevaron a tener repercusión en América Latina.

Lejos de decaer, la popularidad de La Unión –ya configurados como trío– se multiplicó aún más con ‘Vivir al este del edén’ (1988), que, con una autoproducción abiertamente comercial y optimista, contenía hits que sonaron hasta la saciedad durante años, como los ecos caribeños de ‘Maracaibo‘, la sexual ‘Más y más‘ o el propio tema titular. Si por algo destacaron La Unión, aparte de por su olfato para crear éxitos, fue por saber leer muy bien las tendencias sonoras que mejor se podían ajustar al gusto del público, y así, entraron con un pie inmejorable en los 90.

En ‘Tentación’, con producción del reputado Mike Howlett (China Crisis, A Flock of Seagulls, OMD), evolucionaban hacia un rock oscurete de corte electrónico, y ‘Ella es un volcán’, ‘Dámelo ya’ y ‘Fueron los celos’ se sumaron a su ya larga colección de hits que explotaban en interminables giras por campos de fútbol y plazas de toros. Además, supieron explotar el evidente tirón sexual de Rafa entre los y las fans: para muchos fue una fantasía homoerótica hecha realidad ver a Sánchez cantar con Miguel Bosé el dueto ‘Manos vacías‘, otro pelotazo para la radiofórmula de la época.

No sabían que aquel sería el punto culminante de su carrera, al menos comercialmente hablando, pero la década de los 90 no les fue mal del todo. Aunque el más rockero y concienciado ‘Psycofunkster au lait’ (1993) –con ‘África’ y ‘Hermana Tierra’ como singles– y un atinado giro al soul, el funk y el R&B sofisticados en ‘Hiperespacio’ (1996) no vendieron lo que solían –a pesar de que ‘Negrita’ y ‘Tú y yo’ tuvieron su aquel–, al menos apostaban por renovarse para no morir como sombras del pasado (que es lo que al final ha sucedido). Así, lograron mantener (que no renovar) a su base de fans con el electrónico ‘Fluye’ (1997), ‘La unión’ (1999) –’La mala vida’ sonó profusamente en radios– y ‘El mar de la fertilidad’ (2002), que incluso logró algo parecido a un hit con ‘Vuelve el amor’.

A partir de ahí, ya sí –con la excepción del bastante digno ‘Big Bang’ (2010), último disco de estudio del trío, y ‘Tiempø‘, single lanzado hace poco más de un año– se sucedieron los recopilatorios, las revisiones electrónicas y los directos que nadie pidió ni necesitaba, hasta este final… Lo cual no quita que pasen a la historia como uno de los grupos de pop mainstream más importantes de nuestro país en las últimas décadas. Es justo decirlo.

Los conciertos de pago en streaming, posible nuevo modelo de directo post-coronavirus

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La crisis sanitaria global ha supuesto un durísimo golpe para la industria musical, y especialmente para el sector de los festivales y conciertos, muchos de los cuales ya no podrán realizarse este año con todas las pérdidas económicas que eso supone. El aplazamiento de fechas está siendo el movimiento generalizado y festivales como Primavera Sound o Mad Cool pasarán a celebrarse en 2021, y algunos, como este último o Noches del Botánico, lo harán con exactamente el mismo cartel por varias razones. Mientras, los artistas buscan individualmente maneras de mantener el contacto con sus fans a través de las redes sociales, y muchos, desde Chris Martin a Natalie Prass pasando por los divertidos conciertos disco de Sophie Ellis-Bextor, han actuado en directo para ellos de manera gratuita.

El mundo está cambiando, y es posible que la industria musical necesite un nuevo modelo de conciertos que no supongan un riesgo humano, y a la vez permitan a los artistas ser compensados por su trabajo y a los seguidores consumir un directo de manera digna. Es posible que este modelo sea el de los conciertos retransmitidos por streaming pero pagados: es decir, pagar una entrada por acudir a un concierto retransmitido a través de tu pantalla de ordenador o móvil, desde tu casa. Ya existen plataformas -y Facebook ya ha anunciado la suya propia- que ofrecen este servicio a los artistas, un servicio que, si bien puede no ser exactamente nuevo (es parecido al de una masterclass online, por ejemplo), sí promete normalizarse en los próximos meses. Puede que estemos ante la próxima revolución de la industria musical, como lo ha sido el streaming o, unos años antes, el «paga lo que quieras» de Radiohead. Y ya hay artistas que ven en este modelo un filón que empezar a explotar cuanto antes.

Es el caso de la cantante de folk británica Laura Marling, que acaba de publicar su nuevo disco ‘Songs for Our Daughter‘, sobre el que hablábamos con ella recientemente en una interesante entrevista. La artista ha anunciado que ofrecerá los primeros conciertos de presentación de este disco el próximo 6 de junio pero no desde su casa, sino desde la Union Chapel de Londres (en el plan de desescalada británico, los comercios y escuelas abren sus puertas a partir del 1 de junio). El concierto de Marling contará con cámaras profesionales y una «producción completa», pero eso sí, llevada a cabo por un equipo «esquelético», mínimo. Lo curioso es que Marling ofrecerá dos conciertos el mismo día, uno para el público norteamericano y otro para el británico y europeo, aprovechando que de hecho no ha tenido que viajar a ningún lugar. La recaudación de estos directos estará dirigida a dos organizaciones benéficas, Refuge y The Trussel Trust, entre las que el público podrá escoger.

Según el recinto, y tal y como recoge NME, el concierto de Laura Marling «ofrece un paso tentativo de cara a ayudar al debilitado sector de la música en directo, sienta un posible precedente muy positivo para otros artistas que estén enfrentándose a pérdidas por culpa de las cancelaciones de sus conciertos, y contrarresta la tendencia actual de los aplazamientos de conciertos en todo el mundo». La pregunta es si la gente accederá a pagar por conciertos online cuando ya está acostumbrada a verlos gratis a través de Youtube o Instagram, y para qué conciertos lo haría.

Quizá el público pague por ver a través de internet el regreso de Adele y la presentación de su nuevo disco online en directo, ¿pero quién pagará por ver a un artista menos asentado o novel? En cualquier caso, una alternativa que representaría una ayuda para los artistas que viven de sus directos (la mayoría), al menos mientras dure la cuarentena y mientras sigan restringidos los vuelos. Una situación que no durará para siempre, pero que puede terminar consolidando este modelo, pues parece que la desescalada a nivel global va para largo. ¿Serán los conciertos de Laura Marling el primer eslabón de un modelo que viene para quedarse o de otro que aún no imaginamos?

La oda a la lluvia blanca de Secreto, Anuel AA, Cardi B… que es top 2 en Youtube España

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Anuel AA, uno de los reggaetoneros del momento, y Cardi B, una de las raperas de moda, participan conjuntamente en el remix de ‘La Bebe’ de Secreto «El Famoso Biberón», Black Jonas Point y Liro Shaq, que, en su versión original, ya acumulaba 6 millones de streamings en Spotify.

Y de «biberones» iba ya la cosa: la canción es básicamente a una oda a la lluvia blanca, e incluye perlas como «me pide leche, y en la boca que se la doy», «le doy sin romo, le doy sin tano, porque soy imparable como el miembro de un anciano» o «le echo más de cinco y me aguanta, ella es mi planta». En algún lugar, la fan de los dildos CupcaKke debe estar tramando su contraataque.

La aportación de Anuel AA y Cardi B está a la altura de la ocasión. El primero recurre a la simbología religiosa («ella no es virgen pero de rodilla hace milagro») antes de presumir de sus cualidades sobrehumanas como «chingador». Y la segunda planta su bandera como nadie: «cuando te veo solo quiero una cosa, tu leche rica que me la eché en la boca, le bajo los pantalones y me pongo de rodilla, se viene en mi boca y me la bebo todita». El vídeo es top 2 en Youtube España.

Charli XCX comparte portadón y tracklist de su nuevo disco grabado en confinamiento

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Charli XCX ha terminado a tiempo el disco que anunció escribiría y grabaría en un periodo de un mes durante el confinamiento. Así, ‘how i’m feeling now’ sale mañana 15 de mayo, pocos meses después del que hasta ahora era el último álbum de estudio de la cantante hasta la fecha, ‘Charli‘, uno de los mejores discos de 2019.

Solo unas horas antes del lanzamiento de este largo, Charli ha compartido su portada, que, pese a su componente «amateur» como mandan las circunstancias, es llamativa como mínimo. Y también se conoce ya el tracklist del disco, que se compone de 11 pistas, entre ellas la reciente ‘i finally understand’.

Las expectativas no son precisamente bajas. Si bien es cierto que ‘how i’m feeling now’ es un disco improvisado sobre la marcha, también lo es que Charli es una compositora prolífica que suele dar con oro cuando menos lo esperas, que su obra más celebrada es una mixtape, y también que la frescura suele favorecer muchos trabajos. Los singles ‘claws’ y ‘forever’ ya tienen su par de millones de escuchas en Spotify, y aunque habrá que comprobar si ‘how i’m feeling now’ alcanza la categoría de ‘Charli’, este ya es un disco memorable desde su gestación y lanzamiento dentro de una cuarentena.

01 pink diamond
02 forever
03 claws
04 ​7 years
05 detonate
06 enemy
07 i finally understand
08 c2.0
09 party 4 u
10 anthems
11 ​visions

¿Queremos que todos los festivales repliquen en 2021 su cartel de 2020?

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La noticia de la semana es que los «aplazamientos» de los mayores festivales del país ni siquiera está siendo noticia. El «trending topic» es puntual o inexistente y muy a duras penas se oyen comentarios al respecto. Hace semanas que, poco a poco, hemos ido asumiendo que esta temporada de primavera-verano simplemente no va a existir, y es demasiado evidente en nuestras cabezas que en un mes no, no vamos a tener por aquí a FKA twigs presentando el disco del año aunque su cancelación no se haya anunciado. La razón de la incertidumbre por un lado es que la pandemia no está reconocida como «causa mayor» para la cancelación de festivales, por lo que se espera algún tipo de anuncio, amparo legal o incentivo por parte del gobierno para evitar la quiebra o simplemente para poder proceder. Porque por otro, la planificación de nuestra vida parece terminar en la fase 3, en algunas provincias entre las que no se encuentran ni Barcelona ni Madrid, prevista para finales de junio. Sobre la «nueva normalidad» de julio y agosto, ni palabra, suponemos que a la espera de la evolución de la covid-19.

Cuando el ministro de cultura dijo que lo primero era la salud, sus palabras generaron un enorme malestar en el sector por lo que tenían de obvio, y por la bancarrota que puede afrontar un alto porcentaje de la cultura del país este año. De momento, los festivales están barajando opciones. Como nos explicaba Jose de Tomavistas hace unos días, devolver las entradas, aunque se está anunciando y parece que se va a hacer, es un problema mayúsculo: «los seguros de cancelación no cubren la fuerza mayor provocada por una pandemia, así que estamos desprotegidos y el dinero de las entradas ya se ha invertido en pago de impuestos de las entradas, adelanto de cachés de artistas, comunicación y publicidad y pagos del personal que lleva trabajando desde hace más de un año en esta edición, es decir, el dinero en su mayor parte ya no está y tenemos que valorar muchas opciones para poder afrontar esa situación».

La noticia de la semana, más que todo esto, que ya sabíamos, es que los festivales están replicando, calcados, los carteles de 2020 a 2021. Así hace Azkena, que mantiene a Patti Smith, Brian Wilson y L7 (añadiendo a Iggy Pop); Noches del Botánico, que mantiene a todo el mundo menos a Dido y a Quique González; lo hará Río Babel, que como informa El País, mantendrá «casi todo el cartel intacto del 2020»; o Mad Cool, que afirma que “tienen un feedback muy positivo por parte de la mayoría de artistas que componían el line-up”. Una noticia grata para quienes han comprado una entrada en base a un artista, por ejemplo, por Patti Smith, pero no tanto para quien no se hubiera sentido atraído por los carteles de este año.

Parece que con este anuncio los festivales están buscando que el menor número de gente posible devuelva las entradas. Sobre ello hemos preguntando al equipo de prensa de Last Tour (Azkena, BBK Live), que ha declinado contestar hasta que se comunique este mes el destino definitivo del festival bilbaíno, pero sí responde Julio Martí de Noches del Botánico, que nos atiende telefónicamente: «Hay que profundizar un poco más. Todo el mundo que pueda hacer el show en 2021 está encantado de hacerlo. Quitando quien tiene otros compromisos, como Dido, que ya tenía un plan para el año que viene y dijo que en 2022; y Quique González, que el año que viene no quiere trabajar, todo el mundo quiere actuar y no vamos a echar a perder un año de trabajo. No es una estrategia en sí, es mucho más. Es una manera de ser efectivos con artistas, público y con nuestro propio trabajo».

La gran cuestión que deja todo esto es qué pasará con los artistas que han grabado discos, están a punto de sacarlos en la segunda mitad de este año o principios del que viene, y parece que encontrarán menos huecos en los carteles de 2021. Sobre todo con los de pequeño y mediano tamaño o incluso con el nuevo talento que surja de aquí a entonces. Indica Martí: «Lo ideal sería adquirir otros tiempos, contratar con mucha anticipación como en la música clásica. Aunque es verdad que en música popular hay mucho de impacto inmediato. El mundo está lleno de talentos creativos, y soy un loco del nuevo talento. Si yo veo un trabajo bueno, veríamos cómo encajarlo. No creo que vaya a sufrir el nuevo talento. Se puede trabajar otro tipo de marca o de ciclo».

La reubicación en Noches del Botánico de gente tan dispar como Wilco, Belle & Sebastian, Rufus Wainwright y decenas de artistas en julio de 2021 da a entender que todos ellos estarán de gira el verano que viene, replicando sus planes en distintos lugares de Europa y el mundo. «Efectivamente», responde Julio, «todo tipo de artistas está intentando que sus giras se vuelvan a hacer. Tú hablas de los que aún no han grabado disco, pero también hay que hablar de los que sí: ya tenían todo hecho, ¿por qué iban a tener que dejar de hacerlo? Sería un problema en positivo, en todo caso, que todos esos artistas pudieran hacer conciertos».

Sobre la devolución de las entradas, Martí habla de la particularidad de Noches del Botánico, que es un ciclo para el que se compran entradas individuales, pero apela a la empatía con el resto del sector: «Queremos decirle a todo el mundo: «por favor, confiad en nosotros, os gusta la música, guardad vuestras entradas. Si no para ese artista, compra para otro… ¡Pero si no quieres venir, no quieres venir!», exclama sobre su ciclo, que ya ha anunciado que en todo caso devolverá entradas.

Hayley Williams / PETALS FOR ARMOR

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Después del giro pop de Paramore en ‘After Laughter‘, muchos esperaban que Hayley Williams se convertiría en la nueva Gwen Stefani, quien, tras su paso por No Doubt, en 2004 debutó en solitario con uno de los álbumes de pop más alucinantes de lo que llevamos de siglo. Para bien o para mal, los intereses de Hayley Williams son muy diferentes y también mucho más alternativos: más NME que Popjustice, por decirlo de alguna manera.

La idea de ‘PETALS FOR AMOR’ ha sido hacer un álbum autobiográfico que mostrara todas las preocupaciones que han asolado a Hayley Williams en los últimos años. La cantante, que llegó a abandonar Paramore en 2015 sin que nadie se enterara, para después regresar, ha pasado por un divorcio y una depresión, ha visto a la muerte de cerca debido a la enfermedad de su abuela, ha cuestionado su feminidad y ha vuelto a creer en el amor, y todos estos temas están plasmados en un álbum de 15 canciones dividido en tres partes que explora varios estilos de música rock que interesan a Hayley, pero también otros sonidos como el R&B o el synth-pop, sin que ninguno desentone demasiado dentro del conjunto. Sin embargo, aunque la música de ‘PETALS FOR ARMOR’ es digna de escucha, el disco presenta un par de problemas imposibles de ignorar.

El primero es su división en tres partes, absurda pues las canciones del disco no siguen una línea argumental ni cada una de sus partes aborda un tema o un estilo en concreto. La decisión parece responder a una hipotética necesidad por el consumidor de escuchar la música a bocados, cuando la razón por la que la gente no puede escuchar discos enteros hoy en día es, o bien por desinterés, o bien porque esos discos no son tan buenos, o bien porque esos discos de hecho son demasiado largos, lo cual ha pasado toda la vida. La moda de publicar discos en secciones da más pereza que ir al supermercado durante la cuarentena, y en el caso de ‘PETALS FOR ARMOR’ ni siquiera tiene sentido. ¿Dónde están los interludios cuando se los necesita?

El segundo es que Hayley no explora los estilos que le interesan desde un punto de vista demasiado personal. Por ejemplo, es un escándalo lo mucho que ‘Cinnamon’ quiere ser una canción de St. Vincent, o ‘Simmer’ una de Wild Beasts, o ‘Leave it Alone’ una balada de Radiohead, o ‘Pure Love’ la típica cucada synth-pop de Carly Rae Jepsen. Ojo, todas estas canciones son estupendas, pero también dejan cierta sensación de que, en ellas, Hayley se ha puesto un disfraz más que buscado su propio sonido. Al final, el disco si queda lastrado por su duración con canciones menos interesantes como ‘My Friend’, ‘Over Yet’ o el grueso de su tercera sección, entre las que hay que destacar para mal el electropop experimental de ‘Sugar on the Rim’, que Hayley ha escrito «literalmente» para los gays, pero que no da muchas ganas de mariconear en general.

Donde Hayley sí brilla es en sus momentos más oscuros. El adictivo reggae-pop de ‘Dead Horse’, que comienza con una grabación de Hayley en la que explica que ha pasado una depresión, para luego relatar sin tapujos la infidelidad de su ex-marido («siempre he sido la otra»), es el momento más accesible del álbum; ‘Sudden Desire’, con esos gritos a lo Alanis, el más visceral, y ‘Why We Ever’, en el que la artista intenta olvidar a esa persona que le ha hecho daño, el más conmovedor en su baile de estilos: empieza como una canción de R&B sensual, pero luego mete un interludio a piano muy Kate Bush, y termina a otro rollo. Más pupa hace ‘Roses/Lotus/Violet/Iris’, una oda al feminismo que cuenta con los coros de boygenius (el supergrupo formado por Lucy Dacus, Julien Baker y Phoebe Bridgers) y una instrumentación preciosa.

¿Cuál es la gran sorpresa y cuál la gran decepción de ‘PETALS FOR ARMOR’, por tanto? La gran sorpresa es que nos descubre a una artista mucho más interesada de lo que parecía en ponérselo difícil a sí misma: esto es claramente un disco de art-rock tal y como lo suelen hacer sus posible referencias. La gran decepción es que también nos descubre a una solista demasiado dependiente de sus influencias. Para ser un trabajo tan sumamente personal en lo lírico, en lo musical lo es mucho menos.

Calificación: 7,3/10
Lo mejor: ‘Simmer’, ‘Dead Horse’, ‘Why We Ever’, ‘Roses/Lotus/Violet/Iris’
Te gustará si te gusta:
Youtube: vídeo de ‘Dead Horse’

Sen Senra debuta en Universal con ‘Nada y nadie’, ¿la canción que lleva tiempo buscando?

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Sen Senra ha sorprendido esta última semana con el estreno de un nuevo single que llega solo unos pocos meses después del lanzamiento de su último álbum de estudio, ‘Sensaciones‘. Y con el single ha llegado una pequeña noticia, que el cantante gallego se ha asociado, desde su sello Sonido Muchacho, con Universal. Y ‘Nada y nadie’ es una canción a la altura de este paso adelante para Christian Senra en lo profesional.

‘Nada y nadie’ presenta los ingredientes de la típica canción de Sen Senra: al modo del blues clásico, es decir, de otras canciones del artista como ‘Ya no te hago falta’, solo una guitarra eléctrica le acompaña al principio de la canción para marcar el ritmo y la atmósfera, mientras la peculiar voz de Christian toma todo el protagonismo desde el segundo cero. También la letra de ‘Nada y nadie’ lleva la firma del gallego en su descripción de un encuentro sexual desde un punto de vista ligeramente paternal («piensa pero no le des muchas más vueltas de la cuenta») y en su gusto por los diminutivos («se nos esfumó la carita de pena»). El estribillo con autocoros es tan hipnótico como de costumbre.

En la segunda estrofa, ‘Nada y nadie’ va incorporando novedades: esta añade ya el sonido del autotune (o un instrumento parecido) y en la canción entra finalmente un beat de tintes hip-hop que abre la veda para que Sen Senra la lleve hacia su cumbre dramática. Lo hace mediante la incorporación de unos fantasmales coros que remiten al de los grupos vocales de los años 40, y que van imponiendo su presencia cada vez hasta el final de la composición. Ya en papel no suena como una canción de Sen Senra más, pero teniendo en cuenta tanto su componente emotivo como su definido estilo, puede ser su canción más representativa, y también la mejor.

Anna Castillo ni se avergüenza ni presume de haber disfrutado el dueto de Rihanna y Bisbal

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Anna Castillo vive un momento profesional pletórico desde que en 2018 ganara el Goya a Mejor actriz revelación por su papel protagonista en ‘El olivo’ de Icíar Bollaín. Tras este hito en su carrera, la intérprete barcelonesa ha acumulado varios premios por sus memorables papeles secundarios en ‘La llamada‘ de Javier Calvo y Javier Ambrossi y en ‘Viaje al cuarto de una madre‘ de Celia Rico Clavellino, y también por su interpretación en la recomendable serie ‘Arde Madrid‘ de Paco León. La actriz ha aparecido asimismo en videoclips de Dorian y La Casa Azul, así que aprovechamos para preguntarle por su música favorita. Foto: André Paduano.

¿Tienes canción favorita de todos los tiempos?
Una que me gusta desde muy pequeña y que es muy especial para mi es ‘Águas de Marzo’ de Elis Regina.

¿Una canción que te haya obsesionado últimamente?
‘Chachachá’ de Jósean Log.

¿Canción que asocies a un recuerdo infantil?
‘Daniel’ de Elton John, mi padre me la ponía mucho en el coche.

¿Qué canción odias con toda tu alma?
‘Cannabis’ de Ska-P.

Acabas de protagonizar un videoclip de La Casa Azul, el de ‘El colapso gravitacional’. ¿Cómo fue el rodaje? ¿Cuál es tu canción favorita de La Casa Azul?
Me encanta La Casa Azul, me hizo mucha ilusión grabar con Guille. Tengo varias canciones favos pero siempre ganarán ‘La Revolución Sexual’ y ‘Podría ser peor’.

¿Sigues comprando discos? En caso afirmativo, ¿cuál fue el último y en qué formato?
Compro vinilos, el último fue ‘Total Life Forever‘ de Foals.

¿Cuál es tu plataforma favorita para escuchar música ahora mismo? Por ejemplo, al margen de Spotify/Apple Music, ¿escuchas discos enteros en Youtube?
Siempre escucho la música en Spotify y en Youtube.

¿Qué opinas del supuesto revival del vinilo o peor aún, del cassette? ¿Es puro postureo o te interesa especialmente?
Creo que hay algo de postureo, también en mi caso desde luego. Lo que sí es cierto es que hace un par de años compré un equipo de sonido muy guay al que pude conectar el tocadiscos y la verdad es que la música ahí suena increíble.

También has aparecido en un videoclip de Dorian. ¿Cuál es tu canción favorita de Dorian?
‘Paraísos artificiales’.

¿Alguna canción que te haya unido al reparto de alguna de las series o películas en las que has aparecido?
Absolutamente TODAS las de ‘La Llamada’. Y ‘I Like It Like That’ de Pete Rodriguez con el reparto de ‘Arde Madrid’.

¿Alguna canción que, en algún momento, te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el “guilty-pleasure”?
Bueno, es que piensa que me ha gustado incluso una canción de Rihanna con David Bisbal que se llama ‘Hate That I Love You’. No me avergüenzo pero tampoco presumo.

¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
Pues no lo sé, es muy subjetivo. Para mí lo más importante es que me vaya bien de tono para poder cantarla a gusto.

Un remix que te haya vuelto loca.
El último fue ‘Rythm of the Night’ de Jack Suarez.

Everything Everything y la «montaña de grasa» que representa el decadente mundo de hoy

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Everything Everything han anunciado que su nuevo disco, ‘Re-Animator’, sale el 21 de agosto. Una buena noticia para los seguidores de esta banda de indie-rock y synth-pop de Manchester aficionada al drama, al histrionismo y a las miserias del ser humano que, a lo largo de una década de carrera, ha dejado álbumes tan recomendables como ‘Man Alive‘ o ‘Get to Heaven‘.

El primer single de ‘Re-Animator’, que llega tres años después de ‘A Fever Dream’, había sido ‘In Birdsong‘, y hoy es el turno de escuchar ‘Arch Enemy’, un tema contundente en el que mandan los sintetizadores pero también las trompetas (probablemente también sintetizadas) y una melodía apocalíptica que recuerda a Muse, aunque la canción siga sonando a Everything Everything ante todo.

En un mensaje, Everything Everything cuentan la original premisa de ‘Arch Enemy’, que narra la historia de un «personaje de nuestros tiempos que busca a un Dios» pero que solo encuentra «una congregación de avaricia, toxicidad y basura materializada en la forma de una montaña de grasa situada en una cloaca». Este personaje «reza devotamente» a la montaña «a espera de que purifique el decadente mundo que lo ha creado». Los ingleses añade que «estas montañas son una curiosa yuxtaposición de lo moderno y lo antiguo, un ejemplo nuevo de miseria arcaica».

Re-Animator:

01 Lost Powers
02 Big Climb
03 It Was a Monstering
04 Planets
05 Moonlight
06 Arch Enemy
07 Lord of the Trapdoor
08 Black Hyena
09 In Birdsong
10 The Actor
11 Violent Sun

¿Y qué pasa si Amaia quiere distanciarse de Operación Triunfo?

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Amaia Romero ha protagonizado en los últimos días una pequeña polémica con Tinet Rubira, director de Gestmusic, productora de Operación Triunfo. El motivo de la riña ha sido el documental sobre Amaia que la productora preparaba hace un par de años, el cual seguía los pasos de la cantante navarra desde su victoria en el concurso hasta su participación en Eurovisión. El documental no ha salido, y en un programa de radio, Tinet ha explicado que esto ha sido por deseo expreso de Amaia, quien «en un momento dado consideró que quería distanciarse de OT y que si salía este documental cuando sacase su disco podría perjudicar a su carrera». Amaia, que cada vez que publica un mensaje en las redes sociales nace un unicornio, ofrecía hace unos días en Twitter su punto de vista: «Yo nunca he querido distanciarme de OT, actué tres veces en OT18 y visité la Academia en las dos últimas ediciones. Os tengo mucho cariño. ¡Ojalá el docutriunfo hubiera salido cuando tenía sentido!»

Posteriormente, Amaia ha insistido en el programa de Andreu Buenafuente que no reniega de Operación Triunfo, pero que aquel documental, de salir ahora, se quedaría «desfasado», lo cual es cierto: ya hace dos años que Amaia ganó Operación Triunfo, y es sabido que, para ella, Eurovisión no fue la experiencia más gratificante. Pero es que lo iría a contar el documental se ha quedado viejo y ya no puede tener ningún interés, sobre todo cuando acaba de estrenarse un segundo documental sobre Amaia que narra sus pasos posteriores a aquello, en concreto la grabación de su primer disco. ¿A quién le puede interesar un documental sobre Amaia en OT y Eurovisión a estas alturas? ¿A quién le podía interesar cuando grababa su disco y lo único que parecía importar en el mundo era a qué sonaría su primer single?

Por otro lado, de las palabras de Tinet se desprende cierto resquemor hacia una artista que no ha seguido los pasos habituales de una típica ganadora de Operación Triunfo. El programa, históricamente una fábrica de estrellas estrelladas y de artistas que vagan por la industria como vacas sin cencerro, en busca de un sonido propio que nunca se materializa, se ha reinventado en parte gracias a lo que le ha aportado Amaia, que es su gusto por la música alternativa y la certeza de que esta no ha de ser incompatible ni con la música mainstream ni con un espectáculo televisivo de su tipo. Si después de ganar OT, Amaia ha querido adentrarse en los mundos alternativos de La Estrella de David y La Bien Querida, tocar en festivales indies y colaborar con Carolina Durante más que con Rozalén, ¿por qué no puede querer proteger su imagen artística negándose a que salga un documental que ya no la representa en absoluto?

Pero la pregunta que plantea esta polémica es si Amaia no tendría razones a día de hoy para querer distanciarse de Operación Triunfo. Es verdad que la cantante debe su inmediata fama al programa, como también lo es que nunca ha renegado de él, pues, como ha recordado en su tuit, ha vuelto a su escenario y a la Academia varias veces para actuar o para charlar con sus concursantes. Con sus palabras, Tinet parece insinuar que Amaia no quiere seguir siendo asociada a Operación Triunfo porque no es un programa tan alternativo o serio como su música, pero cuando su tercera edición ha seguido bajando en audiencia incluso después de potenciar su componente «reality» de manera a veces ridícula, cuando sigue produciendo canciones sumamente mediocres para sus pobres concursantes que nunca llegan a ninguna parte, ¿no es momento de revisar qué va mal? Si Amaia ha sido capaz de independizase de Operación Triunfo para trazar su propio camino artístico y consolidar su propuesta en el lugar que ha querido, quizá no sea ella la que esté tomando las peores decisiones…

The 1975 emocionan con ‘Guys’, su oda a la amistad

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The 1975 siguen presentando las canciones que compondrán su próximo disco, ‘Notes on a Conditional Form’, que sale la semana que viene después de varios retrasos. Y quizá sea la mejor estrategia posible en su caso, pues el disco se compone de 22 canciones, y para cuando salga ya habremos asimilado casi la mitad.

Después de ‘The 1975’, ‘People’, ‘Frail State of Mind’, ‘Me & You Together Song’, ‘The Birthday Party’, ‘Jesus Christ 2005 God Bless America’ y ‘If You’re Too Shy (Let Me Know)’, hoy es el turno de escuchar ‘Guys’. Es la canción que cierra el álbum y una oda a la amistad que Matt Healy dedica a sus compañeros de banda: «vosotros sois lo mejor que me ha pasado», canta Matt en esta tierna composición que recuerda al estilo indie guitarrero noventero de muchas pistas incluidas en su anterior trabajo, especialmente el de la gran ‘I Always Wanna Die (Sometimes)’, la cual también cerraba aquel largo.

Os recordamos que la gira de The 1975 ha sido aplazada por el coronavirus, pero sigue en pie y su visita a España se producirá en el próximo mes de octubre. Las entradas para sus fechas en Barcelona y Madrid, los días 3 y 5 de octubre, respectivamente, siguen disponibles.

Future publica este viernes nuevo disco, ‘High Off Life’

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Future es uno de los artistas más importantes del momento a nivel comercial y también ha sido uno de los más influyentes de la pasada década gracias a su estilo de trap apegado al autotune, de modo que cada nuevo paso que realiza debe ser seguido de cerca. El rapero, prolífico como pocos, es dado a lanzar proyecto por año y acaba de anunciar un nuevo álbum de estudio que de buen seguro será un gran éxito, al menos en cuanto a cifras.

El sucesor de ‘Hndrxx Presents: The Wizrd‘ se llama ‘High Off Life’ y sale este mismo viernes conteniendo hasta 21 pistas, entre las cuales se incluye el macrohit en las plataformas de streaming ‘Life is Good’ con Drake, el remix de este mismo tema con DaBaby y Lil Baby, y el reciente single ‘Tycoon’. Además el álbum cuenta con la participaciones de, entre otros, Travis Scott en ‘Solitaires’, Young Thug en ‘Harlem Shake’ y Lil Uzi Vert en ‘All Bad’.

Dentro de la discografía de Future, ‘High Off Life’ se considerará su octavo álbum de estudio, si bien el artista ha publicado hasta cinco mixtapes en el último lustro, y en alguna ocasión ha alternado entre ambos formados en un mismo año, como es el caso de su álbum de 2015 ‘D52’ y de su exitosa mixtape con Drake, ‘What a Time to Be Alive’. El rapero, por cierto, acaba de aparecer como artista invitado en el último proyecto del artista canadiense, que acaba de entrar en el top 3 de la lista de discos española.

Bilbao BBK Live y Azkena Rock descartan también su celebración en 2020

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Días después de que Primavera Sound y Sónar anunciaran su aplazamiento definitivo hasta el año 2021 y horas desde que Mad Cool pusiera en serias dudas su celebración en 2020, ahora le llega el turno a los dos macroeventos musicales por antonomasia del verano en Euskadi. Casi a la vez, Azkena Rock Festival y Bilbao BBK Live han emitido comunicados descartando su celebración en 2020.

En el caso del festival rockero de Vitoria-Gasteiz, ha anunciado ya las fechas de su celebración el año que viene, los días 17, 18 y 19 de junio de 2021 en el habitual recinto de Mendizabala. Confirma así la ampliación de su programación un días más, con nada menos que Iggy Pop como nuevo cabeza de cartel, que se sumará a los previstos para este año: Patti Smith, Brian Wilson y Suzi Quatro, entre otros artistas que ya figuraban en el cartel de 2020, como Black Mountain, Fu Manchu, L7, Lysistrata, Reverend Horton Heat, Robyn Hitchcock o Social Distortion. Además, la promotora Last Tour creará un fondo para apoyar económicamente a los trabajadores autónomos que habrían trabajado en el festival este veranopro «que en este momento se quedan totalmente desprotegidos, sin poder trabajar y con escasas o nulas coberturas en las medidas que ha puesto en marcha el gobierno»: destinan a ellos y a un banco de alimentos alavés 5€ de cada entrada vendida, además de la recaudación de una camiseta edición especial que se vende en la web del festival.

En cuanto Bilbao BBK Live, se dirige a los que habían mostrado su inquietud por su celebración este año, edición en la que contaba con un cartel que incluía a Pet Shop Boys, Kendrick Lamar, The Killers, Bad Bunny, Caribou, Supergrass, FKA twigs o Perfume Genius, entre otros. «Hoy os contamos que no podrá realizarse tal y como estaba previsto para este verano», dice su mensaje, asegurando que darán nuevos detalles antes de que acabe este mes de mayo y que explicarán cómo podrán proceder a la devolución los que no puedan acudir «el año que viene».

‘Shook’, un poderoso chute de hip hop con aspiraciones comerciales que propulsa a Tkay Maidza

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En agosto de 2017 teníamos ocasión de entrevistar a una jovencísima artista australiana con el casi impronunciable nombre de Tkay Maidza. Charlábamos con ella a cuenta de su álbum debut del año anterior, ‘TKAY’, que dejaba vislumbrar un considerable potencial con su batidora de pop, hip hop y electrónica bailable. Su progresión se ha hecho esperar más de la cuenta quizá por su ruptura con Kitsuné, llevándola a emprender una nueva etapa de autogestión. Pero singles como la impetuosa ‘Flexin´‘ –parte de la mixtape ‘Last Year Was Weird Vol. 1’, lanzada a finales de 2018– y, ya el año pasado, ‘Awake‘ (ft. JPEGMAFIA) y ‘IDC IF U BE DED‘ exponían su particular visión musical, con un rap duro y experimental pero con gancho.

Pero por fin la suerte parece cambiar para Maidza: el sello británico 4AD, en plena expansión de referencias con fichajes alejados de sus estándares, le ha ofrecido un contrato con el que abre ahora una nueva etapa de mayor visibilidad. Y parece evidente que no se equivocan si atendemos a ‘Shook’, su primera canción publicada con ellos. Se trata de un tema producido por Dan Faber (que ya trabajó con ella en ‘Awake’ y que figura también en créditos de Dizzee Rascal y ‘Tempo‘ de la ahora exitosa Lizzo) en el que contrasta una base de bajos profundísimos con el flow cortante e incisivo de Tkay, en una letra de ego-trip en la que referencia a M.I.A.

Arulpragasam parece un referente tan evidente para Maidza como Missy Elliott, pero los coros infantiles y la instrumentación bombástica de su intro y puente también remite a sus compatriotas The Avalanches. Y además, muestra un nada despreciable potencial comercial en su enorme gancho, tan de vieja escuela: «These men, yeah I got ‘em all shook / Earthquake, yeah I got ‘em all shook / I came, I don’t play by the book / Yeah I make the bands, yeah I got ‘em all shook». El lanzamiento se potencia con un fantástico vídeo dirigido por Jenna Marsh (responsable del clip de ‘Don’t Start Now’ de Dua Lipa, entre otros trabajos), ambientado en un depósito de vehículos y ambiente motociclista, pero con un punto alucinógeno. Como diría la Preysler, «nos ha realmente conquistado».

Lo mejor del mes:

Meister of the Week: el lema de Pantocrator es «siempre nutria, nunca innutria»

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Pantocrator es una de las bandas nacionales revelación de 2020. La pegada de singles como ‘Caballo de Troya’, ‘El ministerio de las básicas’ o ‘Calatrava’, y sobre todo ‘No te puto pilles’, ya su gran himno, ha convertido a este cuarteto de Barcelona en una promesa a la que seguir muy de cerca. El grupo es el último invitado a nuestra sección «Meister of the Week», comisariada por Jägermusic, en la que nos hablan sobre su pasatiempo favorito: animales en internet.

¿Por qué habéis escogido el tema de animales en internet?
Es el contenido audiovisual de internet que más apreciamos y nos enviamos entre nosotras.
¿Tiene algo que ver con vuestra carrera musical?
Mucho, nos encantaría ser una nutria y la primera canción que escribimos iba sobre el perro de Marta. Luego conocimos a algunos capullos y lo dejamos atrás.

¿Qué memes de animales son vuestros favoritos?
Creo que podríamos estar horas y horas en esta pregunta. Los perros dan más contenido de meme pero los gatos pueden representar más un «mood». Por lo demás, si quieres cosas adorables os recomendamos nutrias, si estás triste… cabras bebé.

¿Hay algún integrante de Pantocrator especializado en pasar fotos de animales?
Marta y Marina son las expertas.

¿Soléis pasaros memes o fotos de animales entre los miembros del grupo?
Sí, Marina constantemente con Marta y Xiri cuando sabe que lo que necesitamos es ver un perro corriendo con música de fondo. Robert suele reírse y ya.

¿Seguís páginas de Facebook, Instagram, etc. especializadas en memes de animales? ¿Habéis descubierto muchos graciosos o interesantes? En caso afirmativo, ¿cuáles seguís?
También nos podríamos pasar horas, pero recomendamos:
@daily_capybaras

@cutest.goat

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We are coming! 🥳 Via @duagwyngoats

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@kokoro_offical

@round.boys

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Where’s this loafs legs? . . . 📹: @vet_kdg

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@pomeranian_of_ig

@rarepups

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trust the dogtor

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En vuestro Insta habéis compartido imágenes de nutrias para anunciar conciertos vuestros, ¿seguiréis con esta tendencia en el futuro?
Siempre nutria nunca innutria. Make nutria great again.

¿Todos tenéis mascotas?
Marta y Marina tienen un perro. Xiri y Robert se tienen entre los dos.

¿Qué opinan de la música de Pantocrator?
Creo que les somos totalmente indiferentes pero por lo menos no tuitean cosas malas de nosotros.

¿Algún emoji / sticker de animales de Whatsapp que uséis habitualmente?
Evidentemente la nutria pero también nos gustan mucho los pollos. Jeje.

Run The Jewels detallan ‘RTJ4’, con colaboraciones de Pharrell, Mavis Staples, Zach de la Rocha…

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El-P y Killer Mike han formado uno de los combos de hip hop más demoledores de la pasada década, con tres notables discos de rap audaz, duro y comprometido. Run The Jewels saludan a los 20 con un nuevo disco que perseguirá afianzar esa posición. Siendo fieles a su carrera, se titula ‘RTJ4’ y se edita el próximo 5 de junio con una nueva versión de su icónica imagen de dos manos haciendo gestos de pistola y puño, respectivamente, esta vez sobre fondo fucsia. En esta ocasión incluye, además, una cohorte de colaboradores que participan en el disco.

Además de Greg Nice (de Nice & Smooth) y DJ Premier, que participan en el pegadizo single ‘Ooh La La’, nombres de la talla de Mavis Staples y Josh Homme de Queens Of The Stone Age (unidos en ‘Pulling the Pin’), el rapero 2 Chainz, en ‘Out of Site’ o Pharrell Williams y Zach de la Rocha de Rage Against The Machine (ambos juntos en ‘JU$T’). De hecho, esta última colaboración tenía todo el sentido, pues Run The Jewels ejercerían de teloneros en la (no por todos) esperada gira de regreso de RATM, pospuesta definitivamente a 2021. Los fans del cine de los 80 quizá ardan ya en deseos de saber qué esconde un título como ‘Goonies VS E.T.’. Os dejamos con ‘Ooh La La’ y la obertura ‘Yankee and the Brave’, lanzados como adelantos.

Tracklist de ‘RTJ4’:
01. ‘Yankee and the Brave (ep. 4)’
02. ‘Ooh La La’ [ft. Greg Nice and DJ Premier]
03. ‘Out of Site’ [ft. 2 Chainz]
04. ‘Holy Calamafuck’
05. ‘Goonies VS E.T.’
06. ‘Walking In the Snow’
07. ‘JU$T’ [ft. Pharrell Williams and Zack de la Rocha]
08. ‘Never Look Back’
09. ‘The Ground Below’
10. ‘Pulling the Pin’ [ft. Mavis Staples and Josh Homme]
11. ‘A Few Words for the Firing Squad (radiation)’