La veteranía de Weezer y Damon Albarn conviven con la sangre nueva de Vince Staples y Nathy Peluso en Bilbao BBK Live

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14 julio, 2019

Bilbao BBK Live se despidió anoche con la llamada “jornada tranquila”: si el jueves tenía a Liam Gallagher y a Thom Yorke, si el viernes fue el combo mortal de Rosalía con los Strokes, ayer las cabezas de cartel eran Weezer y The Good, The Bad & The Queen, que generaban bastante menos expectación entre el público general. No obstante, la jornada “tranquila” no fue sinónimo de “aburrida” y Weezer demostraron que, a pesar de que se prodiguen poco, sus casi tres décadas en activo son una garantía tanto para el público ya talludito como para el público joven. Cuando Rivers Cuomo apareció ataviado con una camisa de manga corta con estampados de hojas, unas gafas de pasta negras y un sombrero de pescador, fueron una constante los comentarios que le ponían como una especie de Phil Dunphy haciéndose el padre enrollado. Pero Cuomo y compañía callaron la boca bien pronto: con un repertorio repleto de hits (‘My Name Is Jonas’, ‘Buddy Holly’, ‘Undone’, ‘Beverly Hills’, ‘Say It Ain’t So’ y por supuesto ‘Island In The Sun’) y mucha garra para dar la bienvenida a la noche, la banda alternó también alguna que otra versión de su reciente disco de covers: ‘Everybody Wants To Rule The World’, ‘Happy Together’, ‘Take On Me’ y esa ‘Africa’ que ya ha pasado de meme a hit. Salvo que me equivoque, diría que no hubo espacio para el último disco (“el negro”), pero la apuesta sobre seguro no les pudo salir mejor. [Foto de Weezer, Óscar L. Tejada para Bilbao BBK Live.]

Y otros veteranos eran los integrantes de The Good, The Bad and The Queen. El supergrupo liderado por Damon Albarn junto a Paul Simonon, Tony Allen y Simon Tong lanzó segundo trabajo el año pasado, dando continuidad a ese “experimento” que fue su debut hace más de una década, y venían al Bilbao BBK Live a presentar sus canciones. Desde el Escenario Bestean, la banda tocó prácticamente íntegro el reciente ‘Merrie Land’, con temas como la canción homónima o ‘Gun to the head’, y recuperó temas de su álbum debut como ‘History Song’. Quizás algo monótonos hacia la mitad, aunque recuperaron ritmo para la traca final. En el mismo Bestean veríamos un par de horas después a Vince Staples con un concierto que, claro, era radicalmente distinto al de la banda de Albarn. En su primera visita a España, el autor de ‘Big Fish Theory’ derrochó energía y decibelios (las carpas llegaron a retumbar) al ritmo de sus cuidadas producciones y acompañado de unos visuales que imitaban la típica imagen de televisores en un escaparate (y donde se podían ver momentos de ‘The Office’ o ‘Quién quiere ser millonario’). Con un repertorio que repasaba sus tres largos, centrándose en el último y sin olvidarse de extras como su colaboración con Gorillaz ‘Ascension’ (de los momentos más celebrados), Staples se robó el show y dejó claro por qué es uno de los raperos más queridos por la crítica. [Foto de The Good, The Bad and The Queen, Jordi Vidal para Bilbao BBK Live.]

Pero si hablamos de gente que se robó el show, la jornada y el Kobetamendi entero, tenemos que hablar de ELLA. Doña Nathy Peluso preguntaba al público al inicio de su concierto “¿ustedes vinieron a gozar?”, y no le hizo falta decir “porque yo sí”; ya lo demostró con creces. En un contexto como el de los festivales en que muchos grupos salen, tocan como un trámite y se piran, resulta una gozada, valga la redundancia, ver a un artista que está disfrutando. Y Peluso estaba disfrutando, ya fuese derrochando sensualidad en ‘Hot Butter’, sorprendiendo con una versión de ‘Bang Bang’, demostrando todo su poderío vocal con ‘La passione’, parándose un momento a observar el maravilloso paisaje del monte (“la naturaleza me inspira”, nos decía), despertándonos a ritmo de ‘Natikillah’, contándonos una anécdota para introducir ‘La Sandunguera’ (“me dijeron “qué es lo que tú cantas mami, que cuando tú cantas el corazón se me acelera… y yo le dije, ay bandolero, tú que no te enteraste, que este es mi jazz latino”) y, finalmente, cerrando por todo lo alto con una ‘Corashe’ que se vio perjudicada al principio por problemas técnicos que parecían lastrar su afinación. Pero ni esto paró a la autora de ‘Estoy triste’: se quitó los auriculares y nos hizo olvidar esa pequeña incidencia transmitiendo más con su mirada que la mitad de sus compañeros de cartel. [Foto de Nathy Peluso, Óscar L. Tejada para Bilbao BBK Live.]

Un toque distinto aportaron también los Perro, que precedieron a Nathy, aunque ellos en el escenario Firestone. Por su ímpetu y el del público que les veía, estaba claro que los murcianos podrían haber estado perfectamente en uno de los escenarios grandes, pero también supieron convertir en ventaja la desventaja: mantuvieron, no ya una cercanía, sino directamente un colegueo con los asistentes durante todo el concierto. Por si no era suficiente hacer vibrar a la gente con sus guitarras, ataviado con una camiseta del Pryca, el vocalista demostró sus dotes de showman contando curiosidades, ofreciendo botellas de agua al público y tirando de humor hasta el punto de jugar con fuego (“¿cuál es la mejor marca de neumático, lo sabéis? ¡Michelín!” decía en el escenario patrocinado por Firestone). Por si esto fuera poco, tras una traca final en la que no faltó ‘La Reina de Inglaterra’, cayó un lipsync del ‘Me Quedo Contigo’ de Los Chunguitos. A sus pies. Más aburridillos resultaron en el mismo lugar pero unas horas más tarde Boy Azooga. Davey Newington presentaba el primer disco de su proyecto, ‘1, 2, Kung Fu!’ que, no obstante, resultó bastante prometedor con respecto al potencial que pueda tener esta banda con un poco más de rodaje.

Y, para rematar la noche, teníamos dos postres a elegir. Si te apetecía un refrescante plato de fruta, la electrónica de Hot Chip venía genial a esas horas de la madrugada. Los ingleses presentaban su último disco, ‘A Bath Full of Ectasy’, del que no faltó nuestro reivindicado segundo single ‘Melody of Love’, pero hubo espacio para sus trabajos anteriores (‘One Life Stand’ y ‘Huarache Lights’ sonaron nada más empezar), y hasta para versionar a los Beastie Boys: muy interesante esa reinterpretación de ‘Sabotage’. Y si, más que fruta, lo que te apetecía de postre era un brownie “aliñado”, ahí estaban los Pony Bravo. Los sevillanos congregaron prácticamente a la misma cantidad de gente que Hot Chip, y no es de extrañar porque en directo son estupendos – y más aún a esas horas. Daniel Alonso y compañía presentaron su último trabajo, ‘Gurú’, aunque no faltaron los hits: ‘Mi DNI’, ‘El Político Neoliberal’ o ‘Noche de Setas’ calentaron la noche de cara a quienes querían quedarse hasta tarde. Para ellos, los alrededores del Escenario Lasai fueron la mejor opción, con unas vistas sobrenaturales de todo Bilbao mientras la gente se relajaba tumbada en la hierba (o fumando ídem), y se iba luego a darlo todo a la rave-en-pleno-bosque que era la fiesta electrónica del Basoa. [Foto de Hot Chip, Óscar L. Tejada para Bilbao BBK Live.]

Bastille / «Doom Days»

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Sebas E. Alonso

14 julio, 2019

Bastille, la simpática banda de Dan Smith, autor único de aquel hit llamado ‘Pompeii’ y co-autor del reciente pelotazo llamado ‘Happier’ junto al controvertido Marshmello, llega a su tercer disco empeñada en demostrar que no es un flor de un día. Para ello, han buscado una coartada conceptual que sirva como hilo conductor para todo lo que cuentan en «Doom Days». El álbum empieza a las 0.15 de la noche (el single principal se llama tal cual ‘Quarter Past Midnight’) y, al margen de que hay otro tema llamado ‘4AM’ y otro titulado ‘Those Nights’, se cuenta una historia de manera cronológica, en la que cada pista representa una hora concreta de la misma noche.

Así, pasamos de la observación de una fiesta en «slow-motion» (‘The Waves’), al momento de irte de esa fiesta (‘Divide’), el instante en que tus amigos se han perdido pero topas con alguien que llevarte a casa (‘Those Nights’) y aquel en el que vuelves a tu hogar y te quedas dormido en la cocina (‘Joy’). Los esfuerzos de Bastille por ofrecer algo bien cohesionado llegan a los detalles (hay una larguísima entrevista al respecto en Billboard) y, por ejemplo, la pista 2 ‘Bad Decisions’ es el desarrollo de una idea que ya habíamos encontrado en la pista 1, donde ya aparecía ese mismo sintagma. Lamentablemente, toda esta teoría no impide que «Doom Days» sea un disco en general reiterativo y poco imaginativo en el ámbito estrictamente musical.

A la sencillez de las letras hay que sumar la de sus múltiples tarareos «away-way, oh, away-way, oh», como es el caso de ‘Quarter Past Midnight’, tan simple, obvio y visto ya como su mención a ‘Love Will Tear Us Apart’ de Joy Division. O como la letra de la central ‘Nocturnal Creatures’, que repite hasta la saciedad «we’re nocturnal / we’re nocturnal…» cuando ya nos habíamos enterado en el resto del disco. ‘Bad Decisions’ recuerda más bien a la Taylor Swift más holgazana, mientras el góspel no logra ocultar que detrás de ‘The Waves’ no hay más que una melodía indistinguible de otras de la misma banda. Lo mismo sucede con las breves incursiones big beat y guiños a los años 90. Bastille nunca se adentran en ello mucho más que para acercarse al sonido Rudimental, como ocurre en la entretenida ‘Million Pieces’, mejor cuando parecía imitar a Underworld. Aquí es la final ‘Joy’ el único single realmente notable, en parte gracias a su vídeo sobre cámaras ocultas, mientras ‘4AM’ destaca entre las baladas, no tanto por su imperceptible inspiración en Frank Ocean como por el modo en que evita convertirse en un tema de Imagine Dragons, como poco antes había sucedido con «Doom Days», que en principio arrancaba en plan Bon Iver… para después corromperse.

Calificación: 4,5/10
Lo mejor: ‘Joy’, ‘Million Pieces’, ‘4AM’, el hilo conductor
Te gustará si te gustan: Imagine Dragons, fun., Rudimental, los anteriores
Escúchalo: Spotify

La Canción del Domingo: ¿es ‘Milionària’ la mejor canción que ha editado Rosalía este año?

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Sebas E. Alonso

14 julio, 2019

Rosalía ha editado este año el que de momento es el mayor éxito comercial de su vida, ‘Con altura‘, que muy holgadamente supera los streamings de ‘Malamente’, abriéndole más aún el mercado internacional, sobre todo el latinoamericano, gracias a una nueva colaboración con J. Balvin, más comercialota que ‘Brillo’. Y también ha sacado la estupenda ‘Aute Cuture‘, un pepinazo en la estela de su admirada Beyoncé, cuya edición se agradece porque es más pinchable que los singles extraídos de ‘El mal querer’.

Sin embargo, echaba de menos una canción que retorciera géneros como había hecho la artista en su segundo álbum, y me daba la sensación de que lo mejor que había hecho Rosalía en 2019, artísticamente, era actuar en los Goya, dejando mudo a medio país. Hasta ahora. ‘Milionària’, co-escrita por Rosalía solo junto a El Guincho y sin innecesarios invitados ni plumillas extra, sí es esa canción que puede «crear tendencia, más que seguirla», en la que partiendo de una rumba, la artista ha creado algo nuevo.

Sin renunciar al ritmo de la rumbita, resulta perfecta su producción minimalista, con algunos instantes en que suenan poquísimos elementos a la vez. Está el timidísimo arreglo de guitarra, un teclado, la percusión… y por supuesto la voz de Rosalía, aquí en un tono un tanto indiferente hablando de las necesidades más bobas que genera tener una cuenta llena de ceros. Este es el primer tema que ha escrito en catalán (aunque no la primera vez que canta en este idioma) y no, no dice nada de «culo veo, culo quiero» por mucho que algunos lo escuchen. Pero sí habla, de manera divertida, de «billetes de cien» (guiño, guiño), un chaval «contratado para abrir regalos de Navidad», de ir «escoltada» por Bombay y por Malta y de tener «dos leopardos paseando por casa». «Que yo sé que he nacido para ser millonaria / Para que me cierren el Louvre así como el MACBA», indica haciendo referencia a su internacionalidad.

En sintonía con todo esto, el divertido vídeo con Rosalía «trincando la pasta» en varios concursos televisivos, antes de que aparezca la contrapartida de este tema, ‘Que Dio$ no$ libre del dinero’, en lo que parece una referencia a la dualidad espiritual/diva de ‘I am… Sasha Fierce’ de Beyoncé. Un tema que está siendo un exitazo en Spotify, donde permanece top 3 una semana después de su lanzamiento, pero que no va a ser el primer top 1 en catalán en España (en caso de que lo consiga, que está complicado): Shakira ya logró uno en la era iTunes.

The Cure dan una lección de cómo ser cabeza de cartel en Mad Cool; Robyn no se amilana justo después

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Sebas E. Alonso

14 julio, 2019

Unos truenos el sábado por la mañana amenazaron con enturbiar el que ha sido el Mad Cool mejor organizado hasta la fecha. El festival ha convocado entre 40.000 y 50.000 personas por día en lugar de 80.000 como el año pasado, pero la experiencia para el asistente medio ha sido mucho más gratificante, a destacar la espera nula de tiempo para coger las lanzaderas de Valdebebas a Plaza de Castilla y las que llevaban de aquí a Cibeles. Al final no llovió ni tampoco Cat Power puso su grano de arena en el camino de la catástrofe, que podría haber sido. La brisa se agradeció en su concierto de baladas de media tarde, culminado junto a su cuarteto de banda por la versión de ‘Shivers’ y ‘Wanderer’. Vestida de negro y con la voz en buena forma, se despidió lanzando setlists tras arrugarlos como si los fuera a tirar a la papelera, y recoger su atril con las letras. Fotos: Andrés Iglesias (excepto Jon Hopkins y Jorja Smith, por Alberto Ortega).

Jorja Smith ofreció también un concierto muy de banda, en el que presentó temas nuevos y su voz siguió recordando a Amy Winehouse. Su grupo, no obstante, era más ‘Frank’ que ‘Back to Black’, con un uso muy blues de las guitarras y muy jazz de los teclados. Todo muy mono pero algo monótono: mucha gente aprovechó para echarse la siesta. Mientras tanto, Gossip actuaban en el escenario principal. Beth Ditto, con su tremendo vozarrón, pese a excusarse por estar mala, se quejaba del calor en medio de la ventisca, y bromeaba sobre cantarse todo el repertorio de The Cure. Entre los highlights, la adaptación libre de ‘Careless Whisper’ de George Michael seguida de ‘Standing in the Way of Control’ seguida de ‘Heavy Cross’. Beth Ditto, muy parlanchina, se despidió diciendo “me llamo Adele y somos The Gossip”. Estuvo muy divertida.

Uno de los grupos que más partido sacó a la carpa Mondosonoro fue The Twilight Sad. Su propuesta post-punk sonó todo lo épica que quisieron, mientras la voz de su líder resultaba tan potente y entregada como emocionante, nunca excesiva. Quien no los conozca ha de echar un ojo a temas como ‘I/m Not Here’ o ‘Videograms’. Mogwai se beneficiaban de actuar en pleno anochecer, la mejor hora para casi todas las bandas, usando los contrastes entre luz y oscuridad como metáfora de su propio set, que arrancó amable para luego por supuesto ir pervirtiéndose a partir de la tercera canción, la cantada ‘We’re Not Done’.

No por haber presenciado ya un par de veces el show de Jon Hopkins presentando en vivo su último disco, el sobresaliente ‘Singularity’, lo suyo impresiona menos. Temas como ‘Emerald Rush’ o el corte titular son aún más impactantes en vivo que en estudio, ayudados por las proyecciones que se dejaron ver tras el propio artista en la carpa The Loop, el que era su escenario natural a eso de las diez de la noche. Hubo momentos realmente bonitos como ese en el que uno de sus protagonistas se lanzaba al vacío mientras sonaba uno de los temas de mayor aceptación, además con un sonido impecable. De nuevo, de lo mejor visto en el festival. En la carpa contigua actuaban Delaporte, un poco víctimas del propio volumen de Hopkins: sus graves se perdían entre los del pianista derivado en productor de electrónica, y sus bases sonaban por tanto muy poco definidas. Pero Sandra no dejó de darlo todo en ningún momento, pese a que no pudiera oírsela con claridad, en canciones como la explosiva ‘Ni un beso’, celebradísima, o ‘No te vas a olvidar’, en la que el dúo replicó el baile final con disparo de su videoclip. También llevaron sus fueguecillos artificiales.

The Cure salieron con 15 minutos de retraso y ahí casi, casi se acabaron los defectos de su concierto de más de 2 horas, que era retransmitido por La 2 de RTVE, convirtiéndose en trending topic como el día anterior lo había sido el de Smashing Pumpkins. Una pena que alguna gente se dedicara a comentar la edad o el estado de forma de Robert Smith: estuvo muy bien de voz y su banda ejerció una laboriosa tarea de recreación en los teclados, punteos y bajos que parecen guitarras que han creado escuela. La apertura romántica con ‘Plainsong’ y ‘Pictures of You’ fueron una absoluta chuchería.

Pronto emergen clásicos como ‘Lovesong’ y ‘Fascinationstreet’ y la emoción es palpable. La explanada principal de Mad Cool no se veía tan llena desde Pearl Jam. Ni tampoco tan satisfecha. El sonido es espectacular desde casi cada rincón del recinto, permitiendo que brillen con acústica ‘In Between Days’ y ‘Just Like Heaven’ o que la gente se recree en la parte más rock de ‘A Forest’. Únicamente alguna pista como ‘39’ suena innecesaria cuando te acercas a las 2 horas de concierto, y hay gente que decide ir tomando asiento en el césped artificial.

The Cure se reservaron para el bis temazos como ‘Lullaby’, ‘Why Can’t I Be You’, ‘Friday I’m in Love’ o en último lugar ‘Boys Don’t Cry’. Se ve a Robert Smith emocionado cuando, sin guitarra, hace una versión saltarina de ‘Close to Me’. La verdad es que con tantísimo hit, daba un poco de palo recordar lo que como cabezas de cartel habían supuesto The National y Bon Iver. Por suerte para los demás, The Cure actuaban el último día.

Robyn, que no lleva 40 años en la música, sino que acaba de cumplir 40 años, actuaba justo después en un escenario perpendicular y, por extraño que parezca, su show no quedó nada deslucido. Parecía hasta una continuación lógica de The Cure, y no por ochentero sino como modo de celebración de lo que pensabas que no iba a salir bien pero ha salido estupendo. La cantante apareció bastante después de su banda y de que su voz sonara por primera vez, comenzando con su vertiente más electro, pero luego dando paso a un set mucho más orgánico. Tras ‘Indestructible’, ‘Ever Again’ y una muy renovada ‘Be Mine’ llaman la atención por sus líneas de guitarra, en directo a medio camino entre Prince y el Nile Rodgers de ‘Like a Virgin’. ‘Because It’s In the Music’ y ‘Between the Lines’ suenan tan elegantes y a la vez asequibles que hasta te preguntas si su producción obtusa en el estudio era la óptima, pues en directo ganan. Rodeada de telas blancas, dobles alturas, un bailarín como salido de una «ball» neoyorquina (sobre todo en ‘Love Is Free’), Robyn da el concierto de art pop perfecto que hace tiempo que Róisín Murphy parece querer esquivar. Apoyada en unas tomas vocales pregrabadas tan bien disimuladas como las de Alison Goldfrapp, ella sí que no evita hits como ‘Dancing on My Own’, ni ‘With Every Hearbeat’. Y mira que sobre todo de esta última y con tantísimas ideas, podría haber pasado a mejor vida. Esta no es la Robyn que vi en vivo hace 10 años. Menudo crecimiento: maravilla.

Cerraron el festival Years and Years, con una diferencia cualitativa abismal entre los temas del primer disco y los temas del segundo, que difiriendo de lo que opinaron mis compañeros en este site, me parecen la perfecta definición de la mediocridad. Vibramos con ‘Take Shelter’, ‘Worship’ o ‘Desire’, y cuando sonaban temas más recientes, el grupo parecía verse obligado a optar por una escenografía tan kitsch y sobrecargada como la de ‘Palo Santo’: Olly Alexander, tan enamorado de sí mismo como todos los actores, portando un vestido con una cola de varios metros hacia delante que cubría las escalinatas, y sin parar de subir y bajar de una plataforma tipo ascensor sin demasiado sentido, como si estuviera en una semifinal eurovisiva. Por suerte, el grupo dejó un sabor de boca excepcional cerrando con ‘King’ y haciéndola sonar como el himno oficial de Mad Cool, con varias personas tarareándola camino a las lanzaderas. Hablando de actores, Paco Leon se dejó ver entre las primeras filas de este último concierto.

Mad Cool ha anunciado ya que en 2020 se celebrará los días 9, 10 y 11 de julio.

Rosalía, Brockhampton y The Strokes arrasan en el viernes de Bilbao BBK Live 2019

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Pablo Tocino

13 julio, 2019

“¿A nadie de aquí le gusta el postureo? Bueno, los del postureo están ahora con los Strokes”. Al presentar ‘Postureo’, Karma de Mueveloreina mencionaría sin darse cuenta una de las palabras claves de la segunda jornada del Bilbao BBK Live. Un sold-out como una catedral gracias especialmente a dos nombres: Rosalía Vila y Julian Casablancas. Sería absurdo negar que muchos de los que se compraron la entrada de ese día por ver a The Strokes o por ver a Rosalía no tenían mucho interés en ver más grupos (tranquilos, sabemos que otros sí, #notallfestivaleros) y esto forma parte de ese supuesto “postureo” que muchos adjudican a la situación de ciertos festivales. Pero la segunda jornada del BBK, “la jornada del postureo”, tuvo mucho que ofrecer, a pesar de la parte negativa: esa gran afluencia de gente trajo consigo la desorganización, gran dificultad para desplazarse por el recinto y eternas colas para absolutamente todo. De hecho, nos perdimos a las Uniforms, probablemente el “concierto pequeño” que más ganas teníamos de ver tras disfrutar de su show en Monkey Week; por lo que nos contaron, parece ser que las jiennenses no decepcionaron con el repertorio de ‘Polara’, pero líos en el sistema de autobuses para subir hicieron que llegásemos al recinto hora y pico más tarde de lo previsto. [Todas las fotos son obras de Tom Hagen para Bilbao BBK Live, excepto Mueveloreina, obra de Jordi Vidal.]

A quien desde luego no nos perdimos ni nosotros ni prácticamente ningún ser humano que estuviese en el festival (hasta las barras pararon durante ‘Con altura’) fue a Rosalía. La autora de ‘El Mal Querer’ venía de su regreso triunfal a Madrid tras Colón en Mad Cool, y también volvía a Bilbao después de dos años, como contó emocionada en un show que empezaba a lo grande con ‘Pienso en tu mirá’ y cerraba con su ahora-segundo mayor hit ‘Malamente’ (y bis con ‘Dios nos libre del dinero‘ que, aunque no sea precisamente su tema más creíble, es eficaz en esa función de cierre). Rosalía tuvo hueco para los megahits con Balvin, para ‘Aute Cuture’, para hacer un medley de varios temas de su último álbum, recuperar a capela su versión de ‘Catalina’, seguir adelantando temas áun inéditos en estudio como ‘De madrugá’ o ‘Lo presiento’, ¡y hasta para versionar a Las Grecas! Muchas bases pregrabadas y pocos instrumentos en vivo, pero bastante presencia de coristas y bailarinas. La catalana dejó claro con su recital que, en una semana donde se ha visto envuelta en otra polémica más, puede caerte caer mejor o peor, puede gustarte más o menos su figura y lo que representa, pero no puedes dudar de que es una de las mayores estrellas del pop que ha exportado nuestro país en los últimos años.

Pero, aunque cuando terminó Rosalía se fue muchísima gente, el gran desalojo se produjo al terminar The Strokes: había que aguantar hasta el recital de Casablancas, Hammond Jr. y compañía. La banda, que se hizo esperar diez minutos, llegó fuerte con canciones como ‘Heart In a Cage’ o ‘You Only Live Once’ (también conocida como “la canción de los Strokes en la que se puede hacer un mashup con ‘Amén’ de Flos Mariae«), y no defraudó en ningún momento. Hicieron un repaso de toda su discografía, hit tras hit, frente a un multitudinario público que saltaba, coreaba sus canciones y hasta hacía el gesto de tocar guitarras invisibles, mientras los neoyorquinos disfrutaban de lo lindo con la entrega de sus fans, a quienes por supuesto no dejaron sin un doble bis: ‘Is this It’ y ‘Last Nite’ seguidas. Por si el resto había sido poco.

Al terminar, como decimos, fue la gran avalancha, pero aún así muchos se quedaron en el festival, conscientes de que igualmente, si salían a esa hora, no iban a llegar a su cama hasta casi dos horas después. Eso provocó estampas tan curiosas como un Omar Souleyman que estaría flipando al tener la carpa hasta los topes, cuando el año pasado el iraní estaba actuando en el escenario del camping. Había doble opción electrónica, tanto la más experimental de Souleyman como la elegancia clásica de The Blaze, que competían en horario pero que también se llevaron a un gran número de asistentes, encantados tanto con su música como con los fantásticos visuales.

Y si hablábamos antes de Mueveloreina, ayer tuvimos ración extra del dúo, en cierta manera. A las 19:00h empezaron a caldear el ambiente con Muevelocumbia, donde Joako pinchó en el Escenario Lasai a Los Hijos del Sol, Supermerk2 o Esteban y Manuel. Y por la noche, en un horario nada agradecido (contra The Strokes, de ahí el comentario de ella), Karma y Joako volvieron a demostrar lo que ya sabemos quienes les hemos visto: son garantía segura de diversión, libertad y, por supuesto, de líbido a tope. Es increíble el repertorio de temazos que tienen en solo dos años y ni un solo disco en el mercado: a lo tonto, sonaban ‘Corazón’, ‘Voy’, ‘Vivas’, ‘I Want It All’, la citada ‘Postureo’, ‘Shoot My Head’, ‘Tiki Tiki‘, ‘Colateral’ o la reciente ‘Hambre’, y te dabas cuenta de que todas tenían potencial para funcionar como fin de show. Apoyados en unos estupendos visuales obra de Ander Manero (momentazos los anuncios vintages, o la quema de banderas generalizada en ‘Colateral’), Mueveloreina confirman que, si quieres pasarlo bien en un festival, tienes que verlos sí o sí, aunque sea buscando un hueco entre solape y solape. Más decepcionante fue el concierto de Princess Nokia, su predecesora en el escenario. Salió veinte minutos tarde y se fue antes de tiempo, además de ofrecer un show bastante más desganado de lo que hemos visto en otros momentos que es capaz de hacer.

Quienes desde luego no decepcionaron sino todo lo contrario, suponiendo para mí lo mejor de la jornada, fueron Brockhampton. La autodenominada boyband de hip hop ya me había llamado la atención con la calidad de los trabajos que habían lanzado hasta el momento y con las ideas que comentaban en sus entrevistas, así que tenía mucha curiosidad por verlos en directo. Pero no solo no fue un bajón sino al contrario, el concierto sin duda realzaba la propuesta artística (ellos mismos dicen que es a todos los niveles) que traen. El público estaba compuesto por fans y por gente que no había oído hablar de ellos, pero ambos grupos vibraban igualmente con temas como ‘New Orleans’ (de su último largo, ‘Iridescence‘) o ‘Bleach’, a la postre su mayor éxito en Spotify, y con el talento de unos chicos que te dan un poco de esperanza frente al futuro en un momento en el que parece que volvemos atrás en cuestiones de racismo y homofobia. Kevin Abstract rapeaba abiertamente sobre su sexualidad (magnífico ese “bruh I don’t fuck with no white boys / ‘less the nigga Shawn Mendes” de ‘STAR’) y brillaban especialmente Jabari Manwa, Matt Champion y Merlyn Wood, en un show que lo mismo parecía un típico concurso de testosterona que de repente alternaba con movimientos de voguing o con los chicos haciendo twerking sin ningún problema mientras rapeaban. Ni un segundo de respiro, rollo Slaves el día anterior, y la certeza de que el público quiere volver a verles más pronto que tarde.

Conexión con el público también demostarían horas más tarde Suede, a quienes a estas alturas poca gente iba a descubrir, pero que tenían la dificil tarea de ser el puente entre Rosalía y The Strokes mientras muchos aprovechaban para cenar algo, o lo intentaban con las largas colas. Los veteranos londinenses repasaron sus éxitos en un escenario que, si bien no tenía la acústica del Nagusia, sirvió perfectamente para recordar temas como ‘Animal Nitrate’ o ‘New Generation’, con la cual se despidieron.

Lagartija Nick dedican su nuevo disco, ‘Los cielos cabizbajos’, a los desastres de la guerra

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Raúl Guillén

13 julio, 2019

Sería atrevido decir que Lagartija Nick, camino de sus tres décadas de trayectoria, están en su mejor momento. Más que nada porque, como ellos mismos reconocen hoy en día, la sombra de ‘Omega’, su disco junto a Enrique Morente es alargada y les perseguirá para siempre. Pero no nos duelen prendas en afirmar que, tras la vuelta al redil de dos miembros históricos del grupo como son Juan Codorniu y M.A.R. Pareja, su reactivación del año 2017 con el soberbio álbum ‘Crimen, sabotaje y creación‘ es uno de los momentos más felices del combo granadino completado por Antonio Arias y Eric Jiménez (Los Planetas). [Imagen exterior: Antonio Olmedo.]

Quizá por eso ellos mismos quieren aprovechar que la ola está arriba y anuncian la inminente publicación de un nuevo disco, dos años después de aquel. Se titula ‘Los cielos cabizbajos’, del que por el momento no se ha revelado fecha de publicación, pero sí su portada (sobre estas líneas). La nota de prensa habla de él como «un poema sinfónico, desbordante, creativo y analítico, que rinde homenaje a aquellas ciudades devastadas desde el cielo por el odio y el salvajismo más desolador. Una feroz crítica a la macabra inteligencia para causar el mayor dolor posible entre las poblaciones civiles, ajenas a las guerras que sus respectivos gobiernos han ido desatando en ese inmenso tablero de ajedrez que es control por el poder del mundo, o, dicho de otro modo, el control por el mundo del poder, su mundo».

Este espeluznante trasfondo puede, en sus manos, dar vida a una obra de nuevo emocionante. Así lo prueba el primer adelanto de este trabajo, una ‘Buenos días Hiroshima’ que aunque aún no puede escucharse en plataformas de streaming sí cuenta con un vídeo oficial. Una pieza creada por la realizadora Laura Ginès y el ilustrador Pepón Meneses basada en tratar imágenes de cementerios y construcciones humanas en las que la naturaleza se abre paso, a menudo coordinada con los mensajes de una letra que, con el espíritu poético inherente a la banda, quiere reflejar la debacle humana de aquel histórico ataque con una bomba atómica sobre la ciudad nipona.

Una letra que, como ya ocurría en varios temas de su último tema, se recupera a título póstumo del legado inédito que a su muerte dejó Jesús Arias, el histórico poeta, periodista y músico, hermano del cantante del grupo. Y como ya ocurría en el tema que cerraba ‘Crimen, Sabotaje y creación, ‘Exilio/Adagio Súbito’, la música de ‘Buenos días Hiroshima’ está firmada por otro de los hermanos Arias, José Ángel. Con la potencia y el despliegue habitual de Lagartija Nick, la canción crece además con unos poderosos arreglos de cuerda y coros, que propulsan la canción en ese estribillo apocalíptico que dice «Buenos días Hiroshima / Soy un sol dentro en otro sol / Soy la sombra de la noche / Átomos bailando en tu honor». En palabras del propio Jesús, «la forma similar que tiene el hongo radioactivo provocado por la explosión de la bomba de Hiroshima es la forma en que unos dioses con forma de hombres devoran a sus semejantes de manera caníbal, sin piedad ni compasión alguna, tan sólo por la ambición de no perder el poder».

Sin apenas haber dejado de tocar un solo momento en el último lustro (no solo a cuenta de su penúltimo trabajo de estudio, sino también en promoción de las distintas reediciones de antiguos discos), Lagartija Nick ya han anunciado las primeras fechas de presentación de ‘Los cielos cabizbajos’: serán el 20 de septiembre en el Mercat de Música Viva de Vic (MMVV) y el 7 de noviembre en el Teatro Lara de Madrid.

Sónar Festival sale ganando con la cancelación de A$AP Rocky: Stormzy, nuevo cabeza de cartel

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Raúl Guillén

13 julio, 2019

La pasada semana A$AP Rocky fue detenido en Estocolmo tras una pelea con ciudadanos suecos. Pero lo que sonaba como otra macarrada propia de otro rapero se ha complicado después de que las autoridades del país nórdico decidieran retenerle en prisión (incomunicada, según algún portavoz suyo) de manera preventiva. Así, lo que en principio suponía su ausencia de un par de shows en festivales, derivaba en la cancelación total de la rama europea del tour que Rakim Mayers tenía programado por toda Europa, incluyendo el Sónar Festival de Barcelona.

El festival aseguraba que se estaba moviendo a toda prisa para conseguir un sustituto de garantías en su cartel. La cosa no era fácil, puesto que se trataba del cabeza de cartel del viernes 19 de julio y, a una semana, ¿cómo y quién se iba a movilizar? Pues bien, como se supo desde hace unas horas, el equipo del longevo evento musical de músicas avanzadas ha logrado no ya reparar su ausencia sino, en mi opinión, salir ganando con el cambio. El británico Stormzy ocupará el papel protagonista en Sónar de Noche.

Si bien desde el punto de vista de proyección internacional es obvio que Rocky es una estrella más mediática –básicamente porque su mercado base, el norteamericano, es el más importante del mundo en cuanto a cifras e influencia–, no se puede decir que Mayers esté en su pico de popularidad: incluso en EE UU, las ventas de su último álbum ‘Testing’ –que ni siquiera alcanzó a ser número 1 de Billboard 200, al contrario que sus anteriores trabajos– se han depreciado ostensiblemente con respecto a ‘At.Long.Last.A$AP‘ y, sobre todo, su debut ‘Long.Live.A$AP‘. Del mismo modo, Metacritic reflejan que el entusiasmo crítico con A$AP Rocky ha decaído en paralelo.

En cambio, no se puede decir que Michael Ebenazer Kwadjo Omari Owuo Jr. –sí, amigos, ese ese el nombre completo de Stormzy; normal que haya optado por un alias– esté en la cúspide de su carrera… porque la impresión es que está en pleno ascenso hacia ella. Hace un par de semanas se convertía en el primer solista negro británico en encabezar el escenario principal del gigantesco festival británico de Glastonbury, uno de los más importantes del planeta sino el que más. A tenor de los distintos vídeos que la BBC subió de este evento, no cabe duda de que, luciendo ese chaleco antipuñaladas customizado por nada menos que Banksy, estuvo a la altura. Su amiga Adele se mostró orgullosa de lo que vio.

Y todo ello con un único álbum en el mercado. Un ‘Gang Signs & Prayers‘ que fue certificado disco de platino en el Reino Unido y que se convirtió en el primer disco de grime en alcanzar el número 1 de ventas en su país, además de obtener reconocimientos como el premio Brit 2018 al Álbum del Año. A diferencia de Rocky, Stormzy no basó su éxito en colaboraciones estelares en su disco –aunque este cuenta con nombres como Lily Allen, MNEK, Kehlani, Nao o J Hus–. Él es el absoluto protagonista en singles como ‘Blinded By Your Grace, Pt.2’ o ‘Cigarettes & Cush’, en los que muestra que su fuerte es el equilibrio entre el rap más duro y otras ramas más melódicas de la música negra como el R&B o el gospel. Nada deben temer los puristas del rap que acudan a Sónar: aunque ese perfil haga que esté considerado más un artista pop en el mundillo del grime en el que se crió, Skepta y Wiley siguen siendo los principales referentes de Stormzy. Y sigue siendo un MC apabullante. A día de hoy su mayor éxito comercial sigue siendo la afilada ‘Big For Your Boots’.

Tras una temporada de semiretiro, Stormzy regresaba a la actividad este año y lo ha hecho por todo lo alto: primero, logrando otro número 1 de singles con el pegadizo ‘Vossi Bop‘ y, pocas semanas antes de aparecer en Glastonbury, con el espectacular ‘Crown’: un precioso tema gospel-rap en el que muestra que también ha aprendido a ser un sólido cantante, convirtiendo desde ya este tema en uno de los puntos culminantes de su show en vivo. En definitiva, casi se puede decir que a los devotos del Sónar Festival les ha sonreído la suerte con la sonora cancelación del rapero yanqui.

Pony Bravo / Gurú

Por

Raúl Guillén

13 julio, 2019

En la década que está a punto de finalizar Pony Bravo se han destapado como uno de los grupos de rock españoles más audaces y personales de su generación. Si discos como ‘Si bajo de espaldas no me da miedo (y otras historias)’ (2007) y ‘Un gramo de fe‘ (2010) demostraron que los sevillanos eran capaces de situar al rock andaluz ante perspectivas raramente acometidas en nuestro país –con ecos de Can, Frank Zappa, The Residents o Sun Ra–, ‘De palmas y cacería‘ (2013) mostraba que, además, eran perfectamente capaces de hacer que una propuesta tan poco comercial conectara con el público de una manera natural y espontánea. La clave, además de ritmos bailables y un morro increíble para fusionar y hacer suyo absolutamente cualquier palo, estaba en unos textos que, repletos de giros lingüísticos a refranes y frases hechas, referencias a la cultura popular local y universal, arrojaban ácido (también por su humor) a las contradicciones y paradojas de nuestra sociedad, que también plasmaban en su particular imaginería estilo collage.

Pero los seis años transcurridos desde aquel álbum se han hecho largos de más. Quizá por eso este nuevo trabajo publicado hace unos meses, ‘Gurú’, se nos ha quedado un poco deslucido: recordemos que los primeros avances del disco, ‘Rey Boabdil‘, ‘Espectro de Jung‘ y ‘Piensa McFly‘ se presentaron en marzo de 2018, exactamente un año antes de que haya visto finalmente la luz el trabajo al completo. Tres cortes que, a la postre, terminan siendo de lo más destacado del disco: el primero, un funk-dub áspero en el que la típica letanía de esas carreras de camellos típicas de las ferias, apenas esconde un mensaje anti-xenofobia; el segundo, sinuoso y ambiental, presenta un paisaje de blues hosco y asfixiante (muy a lo Guadalupe Plata) en el que brillan como nunca las guitarras de Pablo Peña; y el tercero es un número de kraut-jazz-dub en el que Daniel Alonso nos induce a un trance con su loca idea de fusionar héroes como Marty McFly, Frodo, Harry Potter y Luke Skywalker que se contraponen a tipos «en bata» como Gandalf, Yoda, Dumbledore… o Afrika Bambaata. Pese a los LOLes, no es gratuito: detrás nos reserva un mensaje anticapitalista.

Pero en realidad, más que culpar al tiempo del paso a un lado que supone este disco en su carrera, cabe achacarlo a una palpable voluntad de no reincidir en los mismos patrones de su anterior álbum y moverse en parámetros de experimentación más adusta, disfrutables pero de una manera menos evidente, menos «fácil». Y eso que la exuberante ‘Totomami‘ –¿un ataque con segundas a la sexualización de la mujer en el pop?– y la hipnótica pero rítmica ‘Casi nazi‘ son bastante inmediatos, gracias a su espíritu travieso y su uso de la musicalidad de las palabras. ¿Es tan fácil como decir «tiene demasiadas lentas»? Pues tampoco. Si bien ‘Loca mente‘ –una rumba-dub en la que el empleo de la letra de ‘Te estoy amando locamente’ es lo más destacado (y también lo más predecible)–, ‘La yerba mala’ –la versión demo que se incluye es, de hecho, más interesante, con ese sonido de psicofonía– y ‘Errores son horrores’ coinciden en su tempo y aportan muy poco al conjunto en particular (y al cancionero de Pony Bravo en general), no se puede generalizar. Porque, ya al final del álbum, la sugerente ‘Claro en la jungla’ –¿un homenaje a Ciudad Jardín?– y la gótico-twanguera ‘Lawrence de Aruba’ seducen con su cadencia lenta, discurriendo por caminos poco concurridos por el grupo. ‘Gurú’ no es, claramente, el gran salto que cabía esperar de seis años de trabajo de Pony Bravo, pero tampoco desprestigia al grupo lo más mínimo. Pony Bravo actúan esta noche en el Escenario Txiki de Bilbao BBK Live 2019, a la 1:30h AM.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Rey Boabdil’, ‘Casi nazi’, ‘Totomami’, ‘Piensa McFly’, ‘Espectro de Jung’
Te gustará si te gusta: Can, Smash, Guadalupe Plata
Escúchalo: Spotify

Vetusta Morla roban titulares en Mad Cool hablando de Madrid Central

Por

Sebas E. Alonso

13 julio, 2019

La jornada de viernes de Mad Cool convocó a 48.936 personas, en un día en que The National y The Smashing Pumpkins, en ese orden, parecían ejercer de cabeza de cartel, pero en el que la sorpresa la volvió a dar un grupo español. Fotos: Andrés Iglesias (excepto Marina, por Alberto Ortega).

Mucho antes de esto, a las siete de la tarde Sharon van Etten empezó turbia con ‘Jupiter 4’, muy emparentada con la PJ Harvey más oscura o, mejor aún, con la banda sonora de una ficción tipo ‘Stranger Things’, dejando claro que su concierto iba a rehuir otra vez del concepto “cantautora”. Distorsiones y teclados reinaron en piezas como ‘Hands’, mientras el final con ‘Serpents’ no pudo dejarnos más arriba. Pero también hubo espacio para momentos más pop y luminosos como la pegajosa ‘One Day’; o románticos, como la cincuentera ‘Tarifa’. La mejor, por supuesto, ‘Seventeen’. Sin guitarra alguna, de no ser por su piano, incluso hubiera colado como hit synth-pop. La cantante quiso mantener además un perfil bajo: se mostró amable, chapurreó castellano y recomendó a The National, pero en ocasiones tocó situada en el escenario hasta en un tercer plano. De no haber sido porque buscabas de dónde salía esa preciosa voz, por situación a veces habrías creído que la líder del grupo era otra de sus músicos.

A continuación, Miles Kane, por estilo de concierto y sombrerito naranja anti-sol, parecía en sí mismo un anuncio del FIB, festival que se celebra la semana que viene y que siempre le ha querido mucho en todas sus formas y proyectos. Al mismo tiempo, Tourist hacía un set de electrónica cuasi ambient en la carpa The Loop, algo apocalíptico si atendías a la luz de fuera, un extraño atardecer bastante nublado e incluso algo polvoriento.

Si alguien echaba de menos un concierto de pop, sin músico alguno, pero con muchos colores y bailarines, la respuesta fue Marina. Con muchas ganas de recuperar público y dejar atrás los tiempos de arenas movedizas de su carrera, la cantante hizo un concierto de hits, encabezado por ‘Handmade Heaven’ y ‘Hollywood’, este último no exento de pompones; en el que no faltaron ‘Enjoy your life’, ‘I Am Not a Robot’, ‘Superstar’, ‘Froot’ (con unos neones muy Kate Ryan), ‘Primadonna’ o al final ‘Baby’ (siempre mejor sin Luis Fonsi en este caso por mucho que ella diga «amarle») y “Heartbreaker”. La cantante anunció que volvería a Madrid en noviembre, apeló a ser griega por su buena conexión con España y reveló que su vestido era de los años 50. Al margen de la simpatía que implica llevarte a cuatro colegas bailarines de gira aunque no sean los mejores profesionales (hacía mucho que no veía a nadie en el suelo haciendo el baile de La Mosca Muerta), su repertorio y entrega recordaron cuánto ha contribuido Marina a dignificar la composición pop.

The National dieron un concierto demasiado basado en la capacidad de Matt Berninger para camelarse a las 20 primeras filas en lo que podríamos llamar el Síndrome Lana del Rey (la cantante ha hecho historia dedicando hasta 15 minutos de set a firmar autógrafos en las primeras filas). La estrategia de Matt, flojísimo de voz, y lanzando auténticos berridos por ejemplo en ‘Mr November’, fue lanzarse al público en varias ocasiones, como en ‘Don’t Swallow the Cap’, ‘Day I Die’ o en ‘Graceless’, entre otras, a menudo caminando sobre una barandilla, siempre apoyado por su equipo de seguridad, pero jugando con la posibilidad de desgraciarse la vida en serio. Su incursión entre el respetable provoca siempre el entusiasmo de quienes le abrazan y los osados (con “o”) que le besan. ¿Quién no quiere un poquito de alguien tan talentoso y guapo? Pero a la gente de atrás se le queda cierta cara de póker mientras todo esto sucede. Tras una ‘Bloodbuzz Ohio’ medio inaudible, los verdaderos momentos mágicos del set fueron ‘Fake Empire’ y su piano y un tema en el que el protagonismo cayó en manos de las coristas, entre ellas Lisa Hannigan, ‘Where Is Her Head’.

Smashing Pumpkins tocaron con mucho mayor volumen que The National en las distancias largas, como por otro lado ya sabemos por otras ocasiones. Solo se les escuchó flojear cuando sonaban bases pregrabadas, como al principio de ‘Ava Adore’ o en algún punto de ‘1979’. Por mucha medio reunión que haya habido, el show se basó sobre todo en el carisma de Billy Corgan, y para muestra el speech de James Iha sobre lo que le gustaba Madrid. Mostró las tablas escénicas de un maniquí. El concierto de los Smashing resultó algo desigual únicamente porque ellos quisieron. Fue su elección marcar demasiado los hits de “Mellon Collie” y ‘Siamese Dream’, pues cuando estos faltaban, el grupo tendía a lo tedioso: funcionaron los dos singles del último disco, ‘Solara’ y ‘Knights of Malta’, pero no alguna otra canción alargada de más que ya solo conocían ellos. No decepcionaron, eso sí, cuando sonaban «Bullet», ‘Tonight’, ‘Disarm’ o al cierre, ‘Today’. No son pocos hits y además nunca pecaron de la grandilocuencia exhibida en intro y outro con un clásico de Georg Friedrich Händel. Por cierto, ¿por qué no tocan ‘Perfect’?

Antes del aburridillo show de cierre de Empire of the Sun, que al fin y al cabo nunca tuvieron mucha más canción que ‘We Are the People’, ‘Walking on a Dream’ y ‘Alive’ (intentaron resolverlo tirando de luces y proyecciones); Vetusta Morla por supuesto arrasaron.

Pucho contó que su local de ensayos estaba a un paseo en «furgo», por lo que quizá por ello se sintió con la confianza suficiente como para al final reclamar más bandas españolas en el cartel, y sobre todo, lanzar un grito contra el alcalde que ha intentado acabar con Madrid Central. Sus palabras fueron algo parecido a «Cerrar Madrid Central es un atentado contra la ciudadanía, un atentado contra la salud al margen de los partidos políticos». Pero antes de estas palabras enfadadas, chilladas, juraría que ‘Palmeras en la Mancha’ fue adaptada con una frase que incluía el sintagma «Carapolla en Instagram» (las pintadas y camisetas «Almeida Carapolla» han empezado a proliferar por la ciudad).

En cualquier caso, el grupo autor de ‘Mismo sitio, distinto lugar’, es una baza segura en cuanto a sonido y espectáculo, como mostraron la fuerza de ‘Golpe maestro’ y ‘Te lo digo a ti’ con Pucho enfocándose cámara en mano, o la delicadeza de ’23 de junio’. Seguramente esos kilómetros de baños de masas les ayudan a venirse arriba con el mensaje, lo que incluyó una llamada al «amor» abiertamente inspirada en la versión de los Beatles que Noel Gallagher había escogido el día anterior para cerrar. Pucho elogió la belleza de su simpleza y puede que lo de Vetusta Morla no sea precisamente simple, pero lo seguro es que les queda amor del público para muchísimos años.

Mirwais cree que la crítica no ha entendido la esencia del nuevo disco de Madonna

Por

Sebas E. Alonso

12 julio, 2019

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Mirwais ha ofrecido su primera (¿y única?) entrevista tras la edición del disco de Madonna que acaba de co-producir, ‘Madame X‘. Con la artista ha escrito algunos de los singles (‘Medellín’), algunos de los temas más curiosos (‘Dark Ballet’), aparte de algunos de los favoritos de sus seguidores (‘I Don’t Search I Find’) y los dos favoritos de la propia Madonna (‘God Control’, ‘Extreme Occident’). En la entrevista, el productor se queja de que la crítica no ha entendido ‘Madame X’. La crítica del álbum ha sido positiva con un par de sonadas excepciones y en Metacritic, con un 70/100, luce como su mejor disco desde «Confessions» (2005), aunque no por muchísima diferencia: ‘Rebel Heart’ recibía un 68/100.

Pero Mirwais cree que la crítica no ha ido al quid de la cuestión. «Creo que mucha gente y la crítica han obviado algo esencial en este intento de explorar la música latina y portuguesa. No han visto la dimensión global y política que Madonna inculca a través del álbum. En la América de Trump, en la que casi cada día se insulta a los latinos, el hecho de una superestrella americana y blanca escoja como primer single un tema en inglés y español que es un dueto con un colombiano, es un signo político muy fuerte. Me hace pensar en Marlon Brando mandando a un indio a rechazar su Oscar en 1973, aunque el contexto sea muy diferente».

Además, cree que el disco es un «álbum futurista y global» y que puede ser «el primer disco de un tipo de álbum» que puede ser habitual en el futuro. «No es world music, es un intento de integración inteligente y de participación cultural con un sentido político. Y desde luego no hay apropiación cultural como muchos nos intentan hacer creer». Mirwais responde las críticas que acusan a Madonna de «naíf», indicando que no cree que lo sea, pero que además su aportación «es mejor que nada», y añade: «En 10 o 15 años, a causa (o gracias) al streaming, la hegemonía angloamericana del mainstream se habrá acabado. Todo estará fragmentado, con muchos mercados como el latino sin parar de crecer. La actitud de apertura cultura y artística sin fronteras que Madonna tiene dentro de manera natural fue muy interesante para desarrollar ‘Madame X'». El álbum incluye sonidos de Portugal, Brasil, Cabo Verde, Marruecos, Jamaica, Estados Unidos, Colombia, Cuba, Angola o Guinea Bissau, sin centrarse en ningún país en concreto.

Mirwais señala ‘Don’t Tell Me’, ‘Nobody’s Perfect’, ‘American Life’, ‘Die Another Day’ y ‘God Control’ como las canciones favoritas que ha hecho con Madonna, y reconoce que esta no le consultó nada sobre los temas que produjo con otros artistas para ‘Madame X’. En otoño sacará su propio disco, pero esta vez sin la voz de Madonna al contrario de lo que sucedía en ‘Production’. La entrevista completa, en la que habla para mal de la industria y de esos artistas que sacan algo cada tres meses, puede leerse aquí.

No te pierdas a Ed Sheeran y Travis Scott mutando de personajes en el desternillante clip para ‘Antisocial’

Por

Raúl Guillén

12 julio, 2019

Ed Sheeran ha publicado hoy ‘No. 6 Collaborations Project’, su anunciado disco colaborativo en el que cuenta con una espectacular lista de artistas invitados a la altura de ¿casi nadie? Justin Bieber, Chance the Rapper, Camila Cabello, Cardi B, Eminem, Bruno Mars, 50 Cent, Chris Stapleton, Travis Scott, Paulo Londra, Khalid, Stormzy, YEBBA, Young Thug, J Hus, Ella Mai, H.E.R., Meek Mill, Dave, A Boogie wit Da Hoodie y Skrillex se dan cita, como quien no quiere la cosa, en los 15 cortes del disco. Disco que se publica dos años después de ‘Divide’, álbum que aún sigue presentando en estadios de todo el mundo (incluidos, recientemente, Madrid y Barcelona).

Coincidiendo con el lanzamiento Sheeran y su equipo han decidido destacar como single ‘Antisocial’, el tema que comparte con el rapero Travis Scott y que es protagonista de uno de esos vídeos que, te guste más o menos el pelirrojo, has de ver. Dirigido por el ya estelar Dave Meyers, el clip en apariencia no tiene una línea argumental clara, más allá de referirse ocasionalmente a una letra en la que Sheeran y Scott hablan de lo que les espanta la popularidad y de lo difícil que resulta tener una vida normal o incluso salir una noche de marcha. De ahí esos «no me toques, no me toques» que repite Ed insistentemente en el estribillo de un tema de marcada conexión con el hip hop contemporáneo (un género que, aunque no lo parezca, es de los favoritos de Sheeran).

El caso es que el clip es una sucesión de escenas protagonizadas por Travis y Ed (que comienza sufriendo una llave de judo de su colega de canción), sin sentido pero muy divertidas y con referencias cinematográficas más o menos reconocibles: partiendo de una escena en la que Sheeran aparece ataviado como en el Día de Muertos mexicano (homenaje a ‘Coco’ ¿o a ‘El libro de la vida’?), vemos al autor de ‘Shape of You’ como un millonario excéntrico, una celebridad con un imposible pelucón rizado, un oficinista, modelo de teletienda o un viejo lobo de mar. La pareja de Kylie Jenner no se queda atrás, caracterizado como un culturista, un austronauta en Marte, un dentistas que remite a ‘Eduardo Manostijeras’ o un luchador de videojuego, cuando no está invadiendo otros planos que antes ocupaba Ed. El colofón es una tan absurda como hilarante escena final que une a ambos en una situación cotidiana y casi metacinematográfica.

Thom Yorke huye de Radiohead mientras Liam Gallagher tira de Oasis en Bilbao BBK Live

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Pablo Tocino

12 julio, 2019

Anoche arrancó en Bilbao la edición de 2019 del BBK Live. Solo en su primera jornada teníamos ya a varios de los cabezas de cartel de todo el festival, y también a varios de los “cabezas pequeñas”: gente que de ninguna manera eran superestrellas, pero sí habían tenido una fuerte evolución en meses (IDER en el plano internacional, DMBK en el nacional). Esa primera división estaba capitaneada sin duda por Thom Yorke, que se marcó un “¿Radiohead? ¿Qué es eso? ¿Se come?” y dedicó el concierto a sus tres discos en solitario (incluido el que acaba de publicar), con alguna curiosidad como la BSO de ‘Suspiria‘ o canciones de Atoms for Peace. Un setlist así podía espantar, y de hecho espantó, al público más casual, pero también tenía la capacidad de cautivar a sus fans. Así, durante todo el concierto, Yorke se apoyó en las proyecciones audiovisuales y en una entregada banda para demostrar a los allí presentes su capacidad para transmitir sensaciones y directamente transportar a otro lugar con su música. Salvo por alguna que otra intervención (chapurreando “eskerrik asko” como muchos de los visitantes de Bilbao este fin de semana), el inglés se centró en encadenar un viaje electrónico con otro, ganándose la aprobación tanto de quienes se han maravillado con el reciente corto ‘ANIMA‘ como con quienes aún no habían podido escuchar su último trabajo. [Foto Thom Yorke: Tom Hagen para Bilbao BBK Live.]

Otro cuyo nombre está asociado inevitablemente a una banda es Liam Gallagher, aunque su caso es, como sabemos, más complicado. Ironías del destino (¿o no?), su hermano Noel tocaba el mismo día en el Mad Cool, festival con cierta relación “fraternal” con el BBK, pero mientras que Noel no recurre mucho a temas de Oasis, Liam no escatimó en canciones de su anterior grupo: desde comenzar con ‘Rock n Roll Star’ o ‘Morning Glory’ hasta, por supuesto, incluir ‘Wonderwall’ en el último bloque. El público vibraba con el estatus de estrella de rock de Liam y la estupenda acústica del escenario Nagusia, y el inglés, además de incluir temas de su debut en solitario ‘As You Were’, aprovechó para promocionar su nuevo trabajo con el adelanto ‘Shockwave’. Unas horas antes en el mismo escenario actuaba otro peso pesado, en este caso a nivel nacional: Vetusta Morla son por sí mismos cabeza de cartel de muchos festivales, y nunca decepcionan. Centrándose en su último trabajo, ‘Mismo Sitio, Distinto Lugar’, del que sonaron ’23 de Junio’ o ‘La Vieja Escuela’, y sin olvidar clásicos como una ‘Mapas’ durante la cual Pucho se bajó a interaccionar con los asistentes (que se hicieron sus correspondientes selfies con él), la banda ofreció un entregado show con especial protagonismo de la percusión – y especial protagonismo de los coros del público, por supuesto, que se sabía prácticamente todos los temas de pe a pa. [Foto Liam Gallagher: Jordi Vidal para Bilbao BBK Live.]

Y de clásicos pasamos a lo opuesto: dos propuestas que estamos seguros de que van a dar cada vez más que hablar. Por un lado tenemos a Jess Smith, alias Biig Piig, irlandesa en la línea de proyectos como Clairo o Ama Lou, que al vivir muchos años en nuestro país ha incluido el castellano en sus canciones -ahí están ‘Perdida’ o ‘Vete’- y en ese mismo idioma se dirigía al público. Consiguió enganchar a los asistentes con la elegancia de cortes como ‘Vice City’ y, sobre todo, con ‘Crush’n’. Por otro lado, teníamos en el escenario Firestone a las londineneses IDER, para mí el mayor descubrimiento del festival. Estas dos compañeras de piso llamaron la atención de Shura para producir su primer EP, y ahora están a solo una semana de presentar su debut largo, todo esto en poco más de dos años. Con una mezcla de pop electrónico y armonía folkie que gustará a fans de MUNA y de First Aid Kit, Lily y Megan entregaron un temazo tras otro: pudimos bailar con ‘Mirror’, identificarnos con la generacional ‘You’ve got your whole life ahead of you baby’ o sentir un pinchazo con ‘Body Love’, siempre con un elegante uso de los sintetizadores y unas voces que encajan a la perfección. Ganas, muchas ganas, de escuchar su debut. [Foto Biig Piig: Óscar L. Tejada para Bilbao BBK Live.]

El Firestone recibió horas más tardes a Ms Nina, que, como es costumbre, apareció tras casi veinte minutos de DJ (al menos esta vez no fue tanto como cuando la vimos en el Warm Up del año pasado). Prácticamente salió cuando tuvimos que irnos a ver a Thom Yorke, pero hay que decir que, cuando por fin subió al escenario, se entregó al perreo con su publico. La autora de ‘Pastillas’ acaba de publicar la mixtape ‘Perreando por fuera, llorando por dentro‘, y por tanto se dedicó a repasar especialmente estos temas, desde la acertada ‘Resaca’ a la no-tan-acertada ‘Coqueta’. En el mismo escenario pudimos ver horas antes a Baiuca. La explosiva mezcla de folclore gallego y electrónica no necesitó que su responsable dijese una sola palabra (literalmente) para tener entregado a su público que no paró de bailar con temas como ‘Olvídame’, ‘Morriña’ o el remix de Chancha Via Circuito ‘Ilaló’. Otra propuesta de electrónica fue la de Courtesy y, aunque Najaaraq Vestbirk tenía el handicap de tener que defender una sesión de techno ácido bajo el imponente sol que seguía abrasando a las siete de la tarde, lo cierto es que el público de la danesa era reducido pero entregado. Había espacio para los tradicionales alemanes sin camiseta haciendo bailes epilépticos en las primeras filas, y también para los modernos que miraban desde atrás y cuyo “baile” parecía más un bucle de asentimientos.

Muy distinto era el ambiente en el concierto de Slaves. Isaac Holman y Laurie Vincent ofrecieron un show punk inaudito en el festival, con su rabia tirando micrófonos, su sudor compartido entre asistentes y el propio Isaac, y sus directísimas letras políticas sobre la clase obrera (menos mal que no estaban allí las dirigentes de Ciudadanos, porque se habrían sentido insultadas). Un conciertazo no apto para todo el mundo, pero conciertazo. También diferente al resto de propuestas era la de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, uno de los primeros nombres de la tarde, que además pudieron llevar su “kinkidelia” al escenario grande, mientras Sandra y Sergio de Delaporte tuvieron que conformarse con el Firestone… lo que no les impidió ofrecer el divertidísimo show al que nos tienen acostumbrados). [Foto Slaves: Óscar L. Tejada para Bilbao BBK Live.]

Natalia Lacunza supera gracias a su humor las obvias comparaciones con Billie Eilish

Por

Raúl Guillén

12 julio, 2019

«Sí me gusta Billie Eilish. Lo que pasó es que el productor, que también se llama Marcos –Terrone, conocido como Oddliquor–, me trajo tres bases hechas, y esa fue la tercera. Era claro que había escuchado el disco de Billie. En ningún momento fue intencionado. Le hemos dado la vuelta, cambiado las percus, enfocado a otras cosas… Entiendo que recuerde a Billie pero hay muchísimas otras referencias». Con esta naturalidad nos respondía Natalia Lacunza a la pregunta sobre la evidente referencia de Billie Eilish –de ‘bad guy’, especialmente– que contiene ‘tarántula’, una de las canciones incluidas en ‘Otras alas‘, su EP debut. Al final, como recordaba mi compañero Sebas E. Alonso en su crítica del disco, «Lacunza es esclava de sus influencias, como tantos grupos de rock de chicos de 20 años, y tantos solistas masculinos y femeninas de su edad lo fueron antes». Es decir, ¿tan extraño es que un artista tome un tema ajeno y lo haga propio? Para nada, evidentemente.

Y es que la artista navarra surgida de Operación Triunfo 2018 supera esas prácticamente inevitables comparaciones en ‘tarántula’, además de con esos toques en las percusiones y las melodías (el estribillo tiene un toque de mambo, muy latino), con una estructura sinuosa y en constante mutación, repleta de ganchos y giros divertidos que la hacen algo más compleja que ‘bad guy’ (que, después de todo y como se ha demostrado, es bastante simple). Pero sobre todo obliga a olvidar referencias a base del humor y desparpajo (esos «no sabe ná») que desprende una letra en la que se revuelve contra el odio arbitrario que escupen a menudo las redes sociales en particular e Internet en general.

«Ahora me vas a escuchar / Ya no me puedo callar / Voy a quemar la ciudad contigo dentro» es uno de los versos más amenazantes (en estos tiempos de pielfinismo y exceso de celo, raro es que a algún fiscal no se le haya pasado por la cabeza ponerla en la picota) que haya cantado jamás un ex-concursante de talent-show. No es que haya que ponerle una medalla por ello, pero sí hay cierta valentía en que lo haga. Y esa acidez se equilibra con el empleo de ese «tarántula» que popularizó La Veneno como imagen del mal bicho al que dirige su contraataque y que, en realidad, se merece que le den lo suyo.

Así, no sería de extrañar que ‘tarántula’ pueda llegar a superar a ‘bad guy’ en en repercusión comercial –obviamente, me refiero al mercado español–: de manera más que curiosa, el top de tendencias del día en Youtube tiene el remix con Justin Bieber del tema de Eilish en el puesto número 3, justo por delante del vídeo oficial del single de Natalia estrenado hace unas horas. Un clip que, en sintonía con lo que comentaba, está repleto de comicidad: producido por Discorosa y dirigido por Diego Jiménez (responsables de vídeos recientes de La Estrella de David, Carolina Durante, Cariño y otros grupos indies), es un divertido ejercicio visual protagonizado por Lacunza y el bailarín Pablo Costas (surgido de la penúltima edición de Fama a Bailar), en el que la cantante martiriza a su impasible partenaire en un impoluto escenario (que recuerda a la imagen de otro de los referentes del tema, Melanie Martinez) donde acaban marcándose una estupenda coreografía.

Escucha lo nuevo de Ed Sheeran, Beyoncé, BANKS, Blood Orange, Ozuna & Anitta…

Por

Raúl Guillén

12 julio, 2019

En plena campaña de verano y con los lanzamientos un poco de capa caída (esto dura hasta mediados o finales de agosto), la verdad es que este viernes 12 de julio nos queda un Ready for the Weekend –nuestra playlist semanal de novedades discográficas– bastante apañada. Le da relumbrón, sobre todo, el trabajo colaborativo de Ed Sheeran y amigos: ‘Nº6 Collaboration Project’ –imaginativo título– incluye nombres del calibre y la variedad de Cardi B, Camila Cabello, Travis Scott, Chance The Rapper, Stormzy, Ella Mai, Skrillex o Chance The Rapper. Otro que lanza hoy mixtape llena de invitados es Blood Orange: en ‘Angel’s Pulse’ acompañan a Dev Hynes artistas como Tinashe, Toro y Moi, Arca, Porches o Kelsey Lu, entre otros. También hoy se publican los nuevos álbumes de BANKS, Purple Mountains –proyecto post-Silver Jews de David Berman–, el dúo de hermanas Bleached, Yuna, Kyle Craft, los británicos Palace (hoy lo estrenan en Mad Cool), Imperial Teen –grupo paralelo a Faith No More–, Africa Express –el proyecto colaborativo de músicos africanos y occidentales auspiciado por Damon Albarn–, Tycho o la banda de post-metal Torche.

Además, hace unas horas que Billie Eilish compartía un discutido remix de su éxito ‘bad guy’ con la participación de Justin Bieber. Otros singles significativos que podemos disfrutar desde hoy (o subidos en días pasados) son los de Becky G, Bon Iver, Jenny Hval, Villagers, Lower Dens, Carlos Sadness, Rudimental, Sofi Tukker, Little Boots & Kiddy Smile, Miranda!, Sheryl Crow & Jason Isbell, Of Monsters and Men, Ozuna & Anitta, Alien Tango, Devendra Banhart, Mow & Ganges, Boyanka Kostova, Gruff Rhys, Cruz Cafuné (su primer tema post-‘Contando lunares’), Lola Marsh, DEVA, King Jedet, dvsn, Parov Stelar o Israel B & LOWLIGHT. Tampoco olvidamos el tema con el que María Escarmiento –la concursante de OT 2018 María Villar– debutaba días atrás.

Además de la banda sonora para la nueva versión de ‘El Rey León’, en la que además del inédito ‘Spirit’ Beyoncé canta junto a Donald Glover (Childish Gambino) el clásico ‘Can You Feel The Love Tonight’, hay otras novedades singulares como son un nuevo remix del último álbum de Lykke Li –esta vez con Skrillex y Ty Dolla $ign–, un inédito de Mystery Jets con el que protestan por el desmantelamiento del sistema público de salud en Reino Unido, un álbum en directo de New Order y un coqueto tema que El Palacio de Linares han hecho inspirados por un libro infantil. También se ha publicado hoy una reinterpretación completa del álbum de Frightened Rabbit ‘Tiny Changes’. En él, artistas como Ben Gibbard (Death Cab For Cutie), Aaron Dessner (The National) o Lauren Mayberry (Chvrches) rinden homenaje al desaparecido líder de la banda, Scott Hutchison.

Ms Nina / Perreando por fuera, llorando por dentro

Por

Raúl Guillén

12 julio, 2019

Después de actuar esta noche en Bilbao BBK Live 2019, Ms Nina se dirige de camino a Nueva York para actuar allí en dos shows abriendo para Bad Gyal. Y si ya tiene mérito lo de Alba Farelo –que ahora vuela impulsada por una multinacional, pero hasta hace dos días era 100% indie–, más aún lo tiene lo de Jorgelina Andrea Torres. Y es que no es moco de pavo llegar hasta donde está llegando (ser un featuring y telonera de Fangoria era uno de sus últimos life goals) desde la autogestión, a base de ir totalmente a lo suyo, y lanzar temazo tras temazo del reggaeton más despreocupado que sin duda abrieron un camino para otras (y otros, ojo) artistas en nuestro país.

Ahora, a modo de bautismo de fuego musical, llega una mixtape que se había estado demorando por demasiado tiempo y que, quizá por eso (y por otros detalles), queda algo por debajo de las cotas de disfrutonismo que cabía esperar. Y es que, aunque ‘Perreando por fuera, llorando por dentro’ condensa en sus 9 canciones toda la esencia de Ms Nina, queda algo corta de temazos imponentes. Y es que la artista argentina criada en Granada nos tiene mal acostumbrados: tras sus jugososos temazos con Beauty Brain y Talisto, o sus duetos con King Jedet (‘Reinas’) o Bea Pelea (‘Culona’), este año nos había puesto los dientes muy largos (y el culo muy bajo) con dos pelotazos como ‘Los Angeles’ y ‘Y dime’, con Tomasa del Real.

Pero ni estos dos ni ninguno de los anteriormente citados, que ya de por sí dan para armar una tremenda playlist de perreo, están incluidos entre los 9 cortes totalmente inéditos que reúne aquí. Esto no sería un problema si todos estos estuvieran a esa altura… pero no. ‘Perreando por fuera, llorando por dentro’ sufre de cierta irregularidad y, aunque solo aguantándote las ganas dejas de bailarlos, es evidente que temas como ‘La diabla’ –el feat de una María Escarmiento a la que es difícil tomarse en serio, pues está lejos de sonar creíble y genuina–, ‘Gata fina’ y ‘Piscina’ resultan algo básicos, predecibles. Por suerte no es la tónica general de este miniálbum (apenas 25 minutos, al grano) y sí hay muchos momentos en los que el morrazo, desparpajo y guasa de Ms Nina se imponen.

Sucede especialmente cuando se une a expertos del perreo como King Doudou (autor de la base de ‘Fiebre’ de Bad Gyal, respect) o Beauty Brain (su trabajo en la divertida ‘Intro’ podía, a todas luces, haber dado más de sí). El primero, especialmente, es el que más y mejor partido saca al flow-ronroneo de La Nina en ‘Ms Pinga’ –con la cantante desatada en barras como “no me gusta laburá, ni tampoco madrugá” o “cuando yo meneo se te para la pinga” y adlibs descacharrantes como “que yo no rezo a santos ni ná, que yo soy virgen”– y, sobre todo, en ‘Resaca’. Con una intro que escenifica una futil resistencia a abandonarse al bellaqueo y un ritmo sutil pero irresistible de Hugo Douster, nos regala uno de los mejores ganchos del disco, ese “hoy me desperté triste otra vez, y yo no sé por qué / si yo lo tengo todo, vaya estupidez” que debería ser obligatorio cantarnos a nosotros mismos diariamente.

De la cohorte de productores más desconocidos que colaboran aquí, solo están a la altura del francés El Licenciado –con una fantástica base de reggaeton clásico, con drops ultralentos incluidos, en la fabulosa ‘Te doy’–, Kabasaki –con un gran despliegue rítmico en ‘Coqueta’, aunque la letra de Nina (“me pongo coqueta pa que me lo meta / que me metas miedo, no es lo que tu piensas”) no sea de las más inspiradas de su vida– y Jazzhm –en una oscurilla ‘El consejo’, en la que Jorgelina y La Favi vuelven a mostrar su particular química, esta vez con mensaje de empoderamiento femenino–. Pero son razones sobradas para dejarse arrastrar al universo de “bellaqueo”, “perreo”, “mamis” y “papis”, “darle duro”, “hasta abajo”, “aguacate”, “rebote”, y “gatas” –reflejado en el bodegón de portada al que solo le sobra un poco de Photoshop en su cuerpo– en el que nos sumerge Ms Nina sin remisión.

Calificación: 6,9/10
Lo mejor: ‘Resaca’, ‘Te doy’, ‘Coqueta’, ‘El consejo’
Te gustará si te gusta: Tomasa del Real, Bad Gyal, Kaydy Cain
Escúchalo: Spotify

R. Kelly es detenido de nuevo por tráfico sexual y otros doce delitos federales

Por

Raúl Guillén

12 julio, 2019

Una vez más, el rapero y cantante R. Kelly es actualidad por supuestos delitos y no por su música, aunque esto parece difícil que cambie en el futuro. Kelly ha sido detenido en las pasadas horas cerca de su residencia en Chicago («mientras paseaba a su perro», aclara algún medio) por agentes federales y policías de Nueva York (esto lleva a pensar que se trata de delitos cometidos en ese estado, y que por tanto será juzgado allí), informa Pitchfork.

Está acusado de hasta trece delitos que incluyen tráfico sexual, tentación a un menor, pornografía infantil y obstrucción a la justicia, según un portavoz de la fiscalía estadounidense. Se espera que hoy, viernes 12 de julio, comparezca en un juzgado de Nueva York y que se faciliten más detalles sobre esta nueva detención.

Recordemos que, tras un amplio historial de cargos –siempre relacionados con delitos sexuales y abusos a menores– por los que nunca ha sido condenado (bien por sobreseimiento o por acuerdos con las supuestas víctimas), el pasado mes de enero se emitió una serie documental llamada ‘Surviving R. Kelly‘ en la que diversas mujeres, incluida su ex-esposa, detallaban los abusos cometidos por el artista. Esto derivaba en el rechazo generalizado de toda la sociedad, incluidos compañeros que habían colaborado con él en el pasado y que hasta ese momento habían callado, como Lady Gaga o Phoenix. Un mes después, en febrero, Kelly fue de nuevo detenido en Chicago por delitos de abuso sexual con agravantes, derivados de los testimonios vertidos en la serie. De nuevo, en mayo de este año ha sido acusado de 11 delitos más de similar entidad, al parecer cometidos en 2009 y 2010. Eludió la prisión pagando una fianza, pese a declararse «no culpable».

Billie Eilish y Justin Bieber lanzan un remix de ‘bad guy’ que no gusta a sus fans a pesar de su portadón

Por

Raúl Guillén

12 julio, 2019

«Remix», tuiteaba escuetamente hace un par de días Justin Bieber. Con ese mensaje desataba, claro, todo tipo de especulaciones y al final el rumor que se ha convertido en realidad es que el citado «remix» es una nueva versión de ‘bad guy‘, la canción que mejor está funcionando a Billie Eilish como single de su álbum debut ‘When We Fall Asleep, Where Do We Go?’. Un bombazo inesperado que, sobre el papel, viene a poner un poco de sazón al tirando a aburridillo verano de un tirando a aburridillo año en lo musical.

Pero el remix en cuestión viene a ser exactamente la misma canción que ya conocíamos (y que tanto nos gusta) salvo por un segundo verso nuevo que canta Bieber con voz autotuneada –aunque no tanto como para que resulte un recurso estético–. Un verso que el canadiense dedica a hablar de sus diamantes, joyas y tatuajes. Muy constructivo. Quizá poca chicha para lo que se podía esperar del encuentro entre la actual ídolo de adolescentes en todo el mundo y el pasado ídolo de adolescentes en todo el mundo (Billie incluida). Y es que se puede decir sin miedo que lo mejor de esta colaboración es la foto que sirve de portadón para el single: una foto de la cantante siendo aún niña vestida con un vestido de lentejuelas multicolor ante una pared-tributo a Justin Bieber, llena de fotos de él.

El remix parece no haber gustado a nadie o casi nadie (¿de verdad hay para tanto, siendo prácticamente la misma canción?), especialmente a los propios «billievers» –o como se llamen–, que están demostrando su insatisfacción con el remix con simpáticos tuits y memes. ¿Será que para ellos Bieber, a sus 25 años, es ya «pollavieja»? Recordemos que Billie Eilish actúa en Barcelona y Madrid los próximos días 2 y 3 de septiembre, respectivamente.

Bad guy remix with Justin Bieber is so bad dhshshahah im sorry Billie pic.twitter.com/ZrTF4rhSeZ

— Steph 🥀 (@coolKjellberg) July 12, 2019

just heard a justin bieber remix of bad guy why was that necessary dear god

pic.twitter.com/KJCHK5lSYk

— leah (@lkline1998) July 12, 2019

Jsjsj bad guy ft Justin Bieber pic.twitter.com/CwLdR6CGiQ

— kirby (@MaggieMu_oz) July 12, 2019

everybody: oh, Justin Bieber remixed Billie Ellish, yes ma’am

also everybody:pic.twitter.com/zIlTg7DNrB

— q (@_dearwallflower) July 12, 2019

Bad guy remix drops with Justin Bieber
Fans: “omg it’s so bad and autotuned” “he ruined it”
Billie: pic.twitter.com/Ruw29AjzI2

— ig: justinboileau_ @bilsroom (@Justin19105763) July 12, 2019

Mad Cool: ni Lauryn Hill fue un timo, ni Bon Iver fue un gran cabeza de cartel, ni Vampire Weekend están sobrevalorados

Por

Sebas E. Alonso

12 julio, 2019

La sucesión de artistas gigantescos en la primera jornada oficial de Mad Cool impedía casi toda atención a los pequeños. Nada menos que Lauryn Hill, Iggy Pop, Bon Iver, Noel Gallagher, Vampire Weekend y The Chemical Brothers actuaban seguidos, reuniendo a 47.500 personas. ¿Quién sería el caballo ganador? Fotos: Andrés Iglesias (excepto Iggy Pop, por Alberto Ortega)

Lauryn Hill estaba programada a las 20.55, pero quien salió en su lugar fue otra persona. DJ Reborn al menos tuvo el detalle de presentarse porque no se entendía nada de lo que pasaba y el susto que se llevó alguno, conociendo el currículum de Hill, fue como para caerse de culo. La sesión de la amiga de Lauryn, muy jamaicana y afrobeat (también con Rosalía, en concreto ‘Con altura’; o David Bowie), estuvo entretenida y fue pertinente en este contexto, pero hubiera estado mejor saber a qué hora exactamente salía Ms. Lauryn Hill para decidir qué hacer, si irte a Iggy Pop o disfrutar de la segunda mitad de Kokoshca, seguramente llena de hits.

Lauryn llegó a los 25 minutos, divina, vestida completamente de blanco y secándose el sudor. Costó algo introducirse en su show de una decena de músicos con varias coristas y un trompetista, entre otros, pero Hill nos convenció definitivamente justo después de que explicara su cometido en esta vida en un “speech” en el que recordó a los artistas de soul que conoció por sus padres, y narró cómo intentó aplicar eso a los ritmos hip-hop. Entonces llegaron seguidos el piano de ‘Ex-Factor’, que fue lo que sostuvo en vivo este gran clásico y no el pesado solo de guitarra rhythm and blues; la gran línea de guitarra de ‘To Zion’ y el ritmazo y proyecciones de ‘Doo wop’. Para entonces era imposible no situarte en 1998 reflexionando sobre la historia de la música negra, como ella quería, tras haber mencionado a gente como Sam Cooke. El público gozó de la innecesaria versión de ‘Killing Me Softly’, pero lo mejor es que Lauryn, sin grandes exhibiciones, mostró que su voz está OK, conoce sus limitaciones y sabe cómo ir esquivándolas gracias al apoyo de su banda. ¿Se echó de menos un set más largo como el de otros festivales? Por supuesto, nos quedamos sin ‘Can’t Take My Eyes Off Of You’. ¿Fue el desastre que salieron proclamando algunos? Pues en absoluto…

Al término de Lauryn Hill te encontrabas en otro escenario a Iggy Pop arrastrándose por las escalinatas al público, agarrando la barandilla como si estuviera interpretando al zombi de la peli de Jim Jarmusch. ¿O era que hacía de sí mismo? Canciones como ‘TV Eye’ mantenían toda la energía de siempre y ‘Mass Production’ su carácter reptante. Si esta parecía como interpretada por su colega David Bowie, sucedería una versión de ‘Jean Genie’, en recuerdo de con quien tantas veces colaborara y quien le versionara. El sonido de ‘No Fun’ y ‘Sixteen’ eran un éxito incluso en la lejanía, e Iggy Pop, que suele interpretar en los primeros minutos de set ‘I Wanna Be Your Dog’, ‘The Passenger’ y ‘Lust for Life’, se despedía con un arsenal de paseíllos chulescos y poses, por supuesto descamisado.

Tras comprobar hasta qué punto Iggy Pop había petado su escenario, con cientos de personas bailando incluso a un par de cientos de metros; fue un shock encontrarse a Bon Iver, cabeza de cartel, con mucho menos público y gran parte de la gente sentada, incluso cerca de las primeras filas. Bon Iver sería un buen cabeza de cartel de un festival pequeño como el Vida, o uno elitista, como Primavera Sound, pero en este contexto su show minimalista y delicado, de trompetas tratadas y elementos de música avanzada, las 50.000 personas potenciales no iban a reaccionar igual. Cuando estás recreándote 20 segundos en el tintineo de un instrumento de percusión, la gente se te va a ir a cenar, por muy cabeza de cartel que seas.

Explicado por qué el artista no reunió precisamente a tanta gente como Rosalía el día anterior en el mismo espacio, hay que apuntar que artísticamente su set fue absolutamente exquisito. No es de extrañar que la banda viniera de tocar en un festival de jazz en Suiza. La interpretación de ‘Minnesota, WI’ no pudo estar más mimada ni llena de detalle entregada a la electrónica minimalista. Como el saxo en “22” o ‘33 “GOD”’ y su precioso piano. El público apenas se levantó del césped con la acústica ‘Woods’ pero Justin Vernon, con su pelo de Pájaro Loco bajo los cascos, se mostró hiperagradecido para quienes aguantaron el concierto entero. Él resistió a base de varios cigarros.

Mientras Kaytranada hacía un live entre proyecciones de neo soul y ritmos de elegante house, por el que se asomaban imágenes de siluetas bailando y temazos como ‘Kiss it Better’ de Rihanna; Noel Gallagher actuaba en Madrid Te Abraza presentándose con el nombre de su grupo, The High Flying Birds. Noel lleva ahora una amplísima banda que incluye a un par de mujeres, algo impensable en Oasis. El artista comenzó con un set muy enérgico y de ritmo muy vivo, en sintonía con su redescubrimiento de la electrónica, pero pese a lo efectivo de temas como ‘Holy Mountain’, cuando la gente se entregó de verdad fue con las versiones acústicas de ‘Wonderwall’ y ‘Don’t Look Back In Anger’ de Oasis. Una pena porque la primera sonó algo inocua ya y la segunda excedió los límites del karaoke, pues él solo cantó el último estribillo. Cuando se despidió con una versión de ‘All You Need Is Love’ de los Beatles, su deriva libre se había esfumado ya por completo. Lo que hay que hacer por el cariño del público.

Vampire Weekend fue la gran banda triunfadora de la noche al saber combinar aparentemente sin esfuerzo un show enérgico y de perfecta sonorización con la calidad artística. Tienen canciones trotonas como ‘Unbelievers’, bonitas como la nueva ‘This Life’ y épicas para un cierre perfecto como ‘Walcott’, y a todas supieron sacarles partido. Cumplieron su función con creces los momentos de doble batería, ese bajista que no paró de hacer su baile sexy durante hora y media y la voz de Ezra, expresiva, muy infravalorada. A destacar hacia el final la triada compuesta por la rockera ‘Diane Young’ con su voz tratada en vivo en plan pitufo, la explosiva ‘Cousins’ y la infalible ‘A-Punk’. Además de un par de temas después, ‘Ya Hey’. Trabajadores, interesantes y además divertidos, de los mejores grupos de la década.

The Chemical Brothers, que habían sido antes recomendados por su colega y colaborador Noel Gallagher, cerraron la jornada de jueves-que-parecía-sábado con su esperable despliegue de proyecciones y hits, entre los que lo mismo caben ‘Go’ como los aún más recientes ‘Free Yourself’, ‘MAH’ y sus ya míticas imágenes demoniacas o ‘Got to Keep On’. El grupo solo decidió parar un instante para darse un baño de masas en silencio con ‘No Geography’, pero después el set continuó. Por ejemplo mostrando a dos robots gigantes colgando, toda una aparición mariana para quien a las 4 de la madrugada estuviera un poco colocado, una fantasía de humo azul gigantesco, ‘Galvanize’ o ‘Block Rockin’ Beats’. Lo que se enciende, por cierto, en el cerebro colectivo cuando empieza a sonar ‘Hey Girl Hey Boy’, es propio de un episodio de ‘Black Mirror’. ¿Qué microchip nos han instalado?

Por la tarde y hasta que la “tour DJ” de Lauryn Hill nos requirió, se pudo ver un trocito de Kokoshca, que comenzaron con ‘Prefiero golpes’ y siguieron con ’Calle lloviendo’, ‘Me arranqué la piel’, pura furia en su desembocadura, la acelerada ‘Directo a tu corazón’, el primer subidón del concierto de los muchos que supongo; y ‘Txomin’. Justo antes, en frente en la misma carpa, Molina Molina, “la gran esperanza blanca”, como se autodenominó en honor a su propio disco, había ofrecido un concierto en solitario que culminaba con la synth-pop ‘Fotonovela’.

5 canciones de Mallrat que debes conocer

Por

Sebas E. Alonso

11 julio, 2019

Este 13 de julio Mallrat será la primera invitada del ciclo Lovesick que celebramos en la Sala Pop Bar de Razzmatazz (Barcelona). La australiana de 20 años ha publicado 2 EP’s que debes conocer si te gustan artistas como Carly Rae Jepsen, Troye Sivan, Lorde, Robyn o incluso Billie Eilish, a la que suele versionar. JENESAISPOP invita a este concierto, que será dentro de RazzClubs, a partir de las 2.30 de la madrugada de este sábado, a los primeros en escribir a jenesaispop@gmail.com indicando nombre y apellidos y cuál es su canción favorita de Mallrat. En este artículo repasamos 5 de sus canciones más importantes por el momento.

Uninvited

Una de las canciones fundamentales de su primer EP, precisamente la que le daba título en 2016, es una de sus producciones más electro. La letra “quítame de la lista de la fiesta” no puede sonar por tanto más a Miss Kittin, pero en realidad lo que Mallrat nos está contando es que no quiere ir a la susodicha fiesta porque solo le interesa una persona de las que hay en ella. Puro sentir “teenager” complementado con un delirante vídeo que, entre sus imágenes de supermercado, y las rodadas en medio de un desierto, son puro meme.

Groceries

El mayor éxito de Mallrat de momento es esta canción incluida en su segundo EP ‘In the Sky’ (2018). Se trata de una dulce composición llena de vida y optimismo, como transmite su playero videoclip amateur. En la letra, la cantante habla sobre estar colada por alguien pero no querer estarlo a su vez y así poder disfrutar de su libertad. No obstante, no se cierra a nada en su estribillo: “I just wanna get groceries / I’ll pray you wanna get close to me / I’ll give it some, give it some, give it some time”.

UFO

Otro de sus principales éxitos en Australia es ‘UFO’. ‘Mallrat’ dice estar influida por Grimes, Skrillex, Sophie y Courtney Barnett, pero en su lista también está el joven rapero australiano Allday, que justo ahora publica su tercer disco. La artista cumplía el sueño de trabajar con él y a él corresponde el rap en la segunda parte de este envolvente tema en el que Mallrat habla de alienación, colocarse y traumas infantiles. El ovni del título no ha querido perderse el vídeo para esta letra que repite “los ovnis podrían llevarme a casa, echo de menos mi vieja habitación”.

Nobody’s Home

El último single editado por Mallrat hasta el momento es este ’Nobody’s Home’ que salía en enero y presentaba ya muchísimo más presupuesto en la grabación de su videoclip coreografiado. Una agridulce canción que ha producido Basenji sobre la soledad, en cuyo vídeo incluso los amigos parecen fantasmas, mientras ella nos canta desde la tristeza de su cuarto post-adolescente cuánto anhela estar con la persona que le gusta.

Tokyo Drift

Aunque Mallrat tiene canciones tan monas como ‘Better’, que recuerdan a aquella Lily Allen que compartía sus primeras composiciones en MySpace, quizá sea más indicativo cerrar este repaso con ‘Tokyo Drift’. Es un tema sobre una amistad que se acaba (“no hablamos mucho pero espero que estés bien (…) llevo 7 u 8 días queriendo enviarte un mensaje”) que ha usado en ocasiones para abrir sus conciertos y presenta un sonido ligeramente más sucio, embadurnado de una base trap. Es de los que más justifican esas comparaciones con Billie Eilish o Lorde.

Zahara anuncia ‘Teoría de los cuerpos’, su nuevo libro

Por

Sebas E. Alonso

11 julio, 2019

Tras el éxito de su primera novela, ‘Trabajo, piso, pareja‘, Zahara publicará un nuevo libro llamado ‘Teoría de los cuerpos’ el próximo 10 de octubre. Será de manos de la editorial Aguilar, que pertenece a Penguin Random House Grupo Editorial. Estará incluido en la colección Verso&Cuento, como el libro de Gata Cattana del que os hablamos recientemente.

Oficialmente, «‘Teoría de los cuerpos’ supone el primer poemario de la artista, un análisis poético de las maneras de relacionarse que tienen los seres humanos. Cuerpos que se mueven, se repelen y se imantan con sus iguales por razones a veces difíciles de comprender». El libro cuenta con prólogo del poeta Ben Clark y estará compuesto por «poemas, textos de corte más narrativo, así como de los denominados semaforismos, definidos por la propia autora como “conclusiones a las que se llega mientras se espera en un semáforo en rojo”. A través de estos textos Zahara crea su propia interpretación de la teoría matemática de los cuerpos, aquella que estudia sus propiedades».

El libro constará de tres partes: «Clausuras de un cuerpo», «Correspondencias de los cuerpos» y «Extensión de un cuerpo». Dice la nota de prensa que estamos ante «un libro que destaca por su originalidad narrativa al tiempo que contiene todos los ingredientes a los que la autora tiene acostumbrados a sus seguidores y que son parte de su marca personal: su personalísimo humor, un toque de surrealismo, el exceso, el amor, el dolor, el deseo e incluso la náusea, mezclado todo ello en su justa medida. El resultado son textos como balas que remiten a las preocupaciones y maneras de entender la vida y las relaciones de las generaciones actuales». Más información sobre el libro, aquí. La cantante continúa con las presentaciones en vivo de ‘Astronauta’, que precisamente esta semana recuperaba posiciones en la lista de ventas española, pasando del puesto 91 al 79 en su 21ª semana en el top 100.

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Cuando publiqué Santa incluí un pequeño poemario con textos que inspiraron algunas de las canciones. Este que veis aquí pertenece a Oh, Salvaje y el 10 de octubre estará incluido en mi nuevo libro lleno de poemas y relatos cortos inéditos. Mañana sabréis cómo es y si os llama la atención, podréis reservarlo. Me moría de ganas de volver a escribir pero sabía que una novela era imposible así que encontré el formato compatible con mi vida girando. Estoy deseando compartirlo todo.

Una publicación compartida de • 👩🏼‍🚀 • (@zaharapop) el 9 Jul, 2019 a las 9:28 PDT

La famosa carta de despedida de Tupac Shakur a Madonna vuelve a la actualidad

Por

Sebas E. Alonso

11 julio, 2019

Tupac Shakur y Madonna fueron pareja en secreto a mediados de los 90 y la cantante ha llegado a contar alguna vez en Instagram que algún día publicará el tema que llegaron a grabar juntos.

Por el momento va a salir a subasta, valorada en 100.000 dólares, la carta que Tupac Shakur mandó a Madonna desde la cárcel en 1995, un año antes de morir asesinado, y que suena decepcionada y a despedida. La misiva intentó subastarse en 2017, pero Madonna lo impidió mediante una orden judicial en la que indicaba que su estatus de celebridad «no obviaba [su] derecho a mantener la privacidad, incluso con respecto a artículos altamente personales». Un juez de Nueva York no le ha dado la razón y la carta, que está en manos de Darlene Lutz, ex amiga de Madonna, saldrá a subasta la próxima semana de nuevo valorada en un mínimo de 100.000 dólares.

La carta puede leerse online y ahora al completo, a diferencia de lo que sucedía en 2017, en la web de Gotta Have Rock And Roll y no tiene desperdicio: Tupac Shakur se reconoce intimidado por el libertinaje sexual que rezuma Madonna («por favor comprende mi posición previa como hombre joven con una experiencia muy limitada con una sex symbol extremadamente famosa que conoce cada hombre, cada mujer, cada niño del mundo») y «profundamente dolido» por una declaración de Madonna en la que afirmaba «rehabilitar a raperos y jugadores de baloncesto». «No sabía que habías estado con otros raperos aparte de mí», indica herido.

Tupac Shakur se despide pidiendo a Madonna que le visite en la cárcel y agradeciéndole lo bien que le ha tratado en un mundo en el que todos somos juzgados por «nuestro color de piel o fama», y cuánto le ha apoyado incluso en sus «momentos de locura». El rapero le ofrece su amistad por los momentos que vivieron y se ofrece a hablarlo en persona «por si le pasara algo». «Por favor, ten cuidado, Madonna», escribe en letras gigantes, antes de recordar que ya ha recibido varios balazos. La carta al completo puede leerse aquí.

Taylor Swift, Becky G, Dua Lipa y SZA suben su concierto conjunto a Prime Video

Por

Sebas E. Alonso

11 julio, 2019

Taylor Swift, Dua Lipa, SZA y Becky G se unieron para ofrecer un concierto en Nueva York que desde hoy pueden verse en streaming bajo demanda y por tiempo limitado a través de Prime Video, si eres cliente de Amazon, a través de este link o en la APP correspondiente de tu Apple TV o similar. Cada artista interpretó 5 temas, excepto Taylor Swift que interpretó 9. Foto: Concierto de Prime Day presentado por Amazon Music.

La nota de prensa incluye «spoilers» e indica que Taylor Swift no prescindió de «I Knew You Were Trouble», «Love Story», «Shake it Off» o «Style», ni tampoco de sus nuevos singles «You Need to Calm Down», y «ME!». Por su parte, se revela que Dua Lipa comenzó con «Blow Your Mind (Mwah)», e interpretó temas colaborativos como «One Kiss» y «Electricity», terminando con «New Rules».

La nota de prensa indica también cuáles fueron los grandes éxitos interpretados por SZA y Becky G. La primera «abrió su actuación con «Supermodel» y luego interpretó éxitos como «Broken Clocks», «Normal Girl», «Love Galore» y tocó «Kiss Me» del grupo Sixpence None The Richer. Por su parte, Becky G interpretó «La Respuesta» y «Cuando Te Besé» antes de tocar en primicia mundial su nuevo y ardiente tema «Dollar«. Becky G cerró su actuación con sus canciones número 1 en España, «Mayores» y «Sin Pijama»». La duración total del show es de 2 horas y 39 minutos.

Le Parody / Porvenir

Por

Sebas E. Alonso

11 julio, 2019

‘Porvenir’, el tercer disco de Le Parody, comienza contándonos que «manchas de guerra dejó la tarde en un cielo rubí». El tema llamado ‘Flores’ se inicia con unas voces dobladas que nos sitúan en algún punto intermedio entre Andalucía y el Norte de África, lo cual no es casual. De manera significativa, en un tema llamado ‘Alepo’, después escucharemos una referencia a una «valla» de Melilla.

Además de referencias a «guerras» y «vallas», lo que escuchamos en ‘Porvenir’ es el resultado de los más de 5 años de trabajo desarrollados desde que conocimos a Sole Parody. Los samples de voces que marcaron su debut ‘Cásala‘ están aquí presentes a través de esa niña que le pregunta a su padre qué es la llamada a la oración, y también vuelven a ser tan cinéticos como en su debut cuando provienen de un documental sobre las milicias kurdas formadas por mujeres. A su vez, las influencias orientales que aparecieron en ‘Hondo‘ encuentran mayor desarrollo, como sucede con las bases electrónicas, que la artista andaluza ha llevado más allá tras «haber bailado durante 20 horas seguidas» en alguna fiesta techno, como ha relatado en una amplia entrevista con Mondosonoro. Hasta a esos niños a los que dio clase en un taller recientemente les ha sacado partido poniéndoles a hacer coros en la pista llamada ‘La fuente’.

Todas estas influencias, que van en lo lírico desde Agustina González López a Lole y Manuel, pasando muy especialmente por Juan Hidalgo Montoya; a las raves de los 90 en lo musical; conforman un disco muy bien hilvanado en el que cada aportación misteriosamente tiene sentido. A nadie sorprenderá que ‘El junco’, un tema sobre resistencia en el que toda la letra se reduce a “si el tiempo es el agua brava de un río, yo soy el junco que aguanta, tú el que se da por vencío”, tenga como fondo una base que podría ser de Underworld. ¿No es la música electrónica lo que nos ha ayudado a mantenernos «en pie» en muchísimas ocasiones?

Lo que sí es curioso es que en ‘Plata fina’ la cumbre del tema no sea su «estribillo» «¿qué es lo que quiere decir que has perdío la ilusión? / qué hay de iluso en un querer tan atao al corazón?», sino esa segunda mitad que es una pequeña locura de beats y ritmos que se sitúan cerca en belleza e impacto de un Jon Hopkins. Y algo similar puede decirse de ‘La Puerta’, un corte en el que la misma frase repitiéndose como una oración se las apaña para producir cierta claustrofobia.

Son canciones normalmente de desencanto, que tratan temas como las «penillas del querer», pero con el fondo político en primer plano. Los refugiados o la decadencia de una Europa tomada por la ultraderecha («Ay, vieja Europa, sorda y seca, ¿quién te llorará?», se pregunta el tema final) son los temas principales, sin esconder su decepción del capitalismo. «Los poderosos del mundo son marionetas del miedo / gastan la vida en comprar dinero pa’ hacer dinero», se indica en la mencionada ‘La fuente’, el tema desasosegante en el que emergen las citadas voces infantiles. ¿Quizá a modo de esperanza o será todo lo contrario? Le Parody actúa en el fórum de Fnac Callao el jueves 11 de julio a las 19h.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘El junco’, ‘Plata fina’, ‘La puerta’
Te gustará si te gusta: Niño de Elche, Rosalía, Lole y Manuel, Panda Bear, Jon Hopkins
Escúchalo: Spotify

Bon Iver anuncia la inminente publicación de su nuevo disco, ‘i, i’, el día que actúa en Mad Cool

Por

Raúl Guillén

11 julio, 2019

Uno de los grandes reclamos de la edición 2019 de Mad Cool –que comenzaba anoche con los conciertos de Rosalía y Lykke Li, entre otros– es la presencia de Bon Iver, que actúa precisamente hoy, jueves 11 de julio. Y precisamente hoy es cuando el norteamericano Justin Vernon anuncia por fin los detalles de su nuevo álbum, continuación del celebrado ‘22, A Million‘ (2016). Se titula ‘i, i’ y se publica tan pronto como el 30 de agosto, dentro de 7 semanas.

Con el anuncio se revelan también portada y tracklist del álbum, además de dos nuevas canciones incluidas en el mismo, ‘Faith’ y ‘Jelmore’. Semanas atrás ya avanzaba otros dos temas, ‘Hey, Ma’ y ‘U (Man Like)’. En estas canciones, a diferencia de sus últimos trabajos, su voz aparece en muchos momentos limpia de efectos que, revela hoy, era producto de un «periodo de miedo y pánico». ‘i, i’ habla sobre «el balance entre individuo y comunidad, entre inspiración y creación». Vernon añade, “el título del disco puede significar lo que sea que significa para ti o para mí. Puede significar descifrar y reafirmar la identidad de uno. Puede ser cuán importante es uno mismo y a la vez qué poco importante, dado el cómo todos estamos conectados”. “Siento que es el disco más adulto, el más completo”, afirma Justin Vernon. “Es como cuando vas pasando a través de esta vida, cuando el sol comienza a ponerse, y lo que ocurre es que empiezas a ganar perspectiva. Y entonces puedes aplicar esa perspectiva hacia un trabajo más honesto y generoso”, concluye sobre este nuevo trabajo.

En él se han unido a su banda habitual (con Sean Carey, Rob Moose, etc.) colaboradores de excepción como James Blake, Aaron y Bryce Dessner (de The National), Bruce Hornsby, Brad y Phil Cook (de Megafaun), Francis Starlite, Moses Sumney y muchos otros. El disco comenzó a grabarse en su conocido estudio-cabaña en Eaux Claire, Wisconsin, para después trasladarse ya con su productor de confianza BJ Burton (al que recientemente hemos encontrado en trabajos de Miley Cyrus o BANKS) a Sonic Ranch, Texas. Allí grabaron durante 6 intensas semanas en las que Vernon prácticamente no salió del estudio. “En muchos aspectos la historia del álbum es más la historia de aquellas seis semanas que la de los casi seis años que tienen algunas de las canciones”, cuenta.

Tracklist de ‘i,i’:
Yi
iMi
We
Holyfields,
Hey, Ma
U (Man Like)
Naeem
Jelmore
Faith
Marion
Salem
Sh’Diah
RABi

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jenesaispop.cls-1{fill:#f10547;}.cls-2{fill:#fff;}

Uninvited

Groceries

UFO

Nobody’s Home

Tokyo Drift

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