Los Punsetes: «Todo el mundo piensa en el dinero más de lo que le gustaría»

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5 octubre, 2019

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Blas Cantó representará a España en Eurovisión, confirma RTVE. El cantante “ha sido elegido internamente por la dirección de RTVE” y “ha reconocido que soñaba con participar en el festival europeo desde que era un niño”.

El intérprete de ‘Él no soy yo’ ha afirmado: «Eurovisión es un festival que ha seguido toda mi familia y yo mismo desde siempre, estoy muy feliz de formar parte de él ahora”. Cantó, que de niño ya participó en Eurojunior, se dio a conocer en 2010 como integrante de la boy band Auryn, con la que editó cuatro álbumes de estudio antes de su disolución en 2016. Más tarde concursó en ‘Tu cara me suena’, resultando ganador, y emprendió su carrera en solitario con la edición de singles como ‘In Your Bed’ o ‘Drunk and Irresponsible’.

En declaraciones a RTVE, Cantó, que en 2018 editaba el disco ‘Complicado’, ha manifestado que cuidará con “mimo” la composición de la canción la que participará en Eurovisión, que en 2020 tendrá lugar en Rotterdam, Países Bajos, tras la victoria de Duncan Laurence. La candidatura española en el festival es solo la segunda que se conoce actualmente, tras la confirmación de Hooverphonic por Bélgica.

Blas Cantó representará a España en Eurovisión 2020 ⁦@BlasCanto⁩ https://t.co/RAWzd0amNL

— eurovision_rtve (@eurovision_tve) October 5, 2019

Belle and Sebastian / Days of the Bagnold Summer

Por

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5 octubre, 2019

‘Days of the Bagnold Summer’ es una premiada novela gráfica publicada en 2012, obra de Joff Winterhart, que narra el verano que se ven forzados a pasar juntos una desencantada madre bibliotecaria y su hijo adolescente, fan del heavy metal. Con semejante argumento de partida, ¿cómo no iba a pensar Simon Bird (actor de ‘Supercutres’ y ‘The Inbetweeners’) en Belle and Sebastian como autores de las canciones de su adaptación fílmica que ha supuesto su debut en la dirección –y en la que, atención, el protagonista es Earl Cave, hijo del mismísimo Nick–? La propuesta llegó a Stuart Murdoch y sus compañeros en el momento preciso, pues entre la publicación de los tres EPs que conformaron el disco ‘How to Solve Our Human Problems’ y la preparación de la tan bonita como loca aventura de Boaty Weekender, estaban en un lapso ideal para esta tarea.

Lo cierto es que ‘Days of the Bagnold Summer’ no elude la recurrente flaqueza que un álbum de estas características suele tener: los forzosos pasajes instrumentales te “sacan” un poco de la dinámica del disco, sin imágenes de por medio; se recurre a descartes o incluso a viejos temas de sobra conocidos, etcétera… Pero, contra todo pronóstico y por circunstancias muy particulares, este trabajo no solo resulta ser mucho más que una anécdota, sino que además será una feliz noticia para los que añoran a los Belle and Sebastian de finales de los 90.

Y es que, dado que en esa época es cuando se ambienta la película, no solo era pertinente recuperar dos gemas del repertorio de la época –‘Get Me Away From Here, I’m Dying’ y ‘I Know Where The Summer Goes’, regrabadas especialmente para la ocasión, eso sí–, sino también piezas inacabadas o descartadas, datadas incluso antes de la publicación de su debut ‘Tigermilk’, como es el caso de la fantástica ‘Safety Valve’, trufada de clichés del propio grupo de forma encantadora. Eso parece empapar también el espíritu del disco de principio a fin, que perfectamente podría estar datado en esta época aunque se trate de composiciones nuevas o rematadas en los últimos tiempos.

Así, topamos con una canción como ‘Sister Buddha’ –con su explícito guiño musical a The Jesus and Mary Chain–, que no nos extrañaría ver encajada y celebrada en los próximos setlists de los escoceses junto a otros clásicos. Y también con temas aparentemente más discretos pero preciosos, como ‘Did The Day Go Just Like You Wanted?’, la delicada y tristona ‘Another Day, Another Night’ que hace brillar la voz de Sarah Ann, los efluvios bossanova de ‘This Letter‘ o ‘I’ll Keep It Inside’, un verdadero regalo que remite a la perfecta imperfección y candidez de ‘If You’re Feeling Sinister’.

Y no sólo eso, sino que también logran lidiar muy dignamente con aquellos prejuicios previos hacia el disco como score de la película, porque sus instrumentales no son minucias. Vale que ‘The Colour’s Gonna Run’ no tenga mucho fuste, pero ‘Jill Pole’, ‘We Were Never Glorious’ y hasta la versión instrumental de ‘Sister Buddha’ –algo así como un narco-corrido mexicano… de resaca– son preciosas, exquisitamente arregladas. Aunque está claro que es sólo un episodio pasajero en su carrera –que seguro proseguirá en algún momento partiendo de la evolución mostrada en sus últimos discos–, esta suerte de auto-homenaje que supone ‘Days of the Bagnold Summer’ hará sin duda felices a los seguidores más longevos de Belle and Sebastian.

Belle and Sebastian forman parte del cartel de Primavera Weekender, minifestival otoñal organizado por Primavera Sound que reúne los días 8 y 9 de noviembre en Benidorm a Primal Scream, Weyes Blood, Sleaford Mods o Cigarettes After Sex, entre otros.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Sister Buddha’, ‘Safety Valve’, ‘Did The Day Go Just Like You Wanted?’, ‘Another Day, Another Night’, ‘This Letter’
Te gustará si: adoras a los Belle and Sebastian de sus tres primeros álbumes.
Escúchalo: Spotify

¿Ha sido ‘The Boys’ la serie del verano?

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Sr. John

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5 octubre, 2019

La adaptación televisiva de ‘The Boys’ en Amazon Prime Video, basada en el cómic de superhéroes de Garth Ennis y Darick Robertson editado entre 2006 y 2012, es llamativa por su visión realista del mundo en que vivimos, reflejando la actualidad empresarial, política y social. Es lógico asociarla con los movimientos estratégicos del gigante Disney en la saga ‘Star Wars’, las políticas de la industria armamentística por la alarma terrorista a la caza de beneficios económicos, o con los últimos escándalos de Hollywood. En este sentido habla de los recientes escándalos sexuales, inculcando argumentos ecologistas enriquecidos con mofas a los animalistas más radicales y somete a juicio la religión. Pero donde verdaderamente puntúa alto es al demostrar su valentía criticando a determinados poderes, como las grandes corporaciones comerciales similares a su productora, y su habilidad para insertar sin vergüenza escenas de sexo macabro, la sátira como desconcierto o la ultraviolencia a chorros encubierta de humor negro.

Fiel al original en numerosas escenas gráficas del cómic y algo menos en el guión, lo mejor de la apuesta creada por Eva Goldber (‘La fiesta de las salchichas‘), Seth Rogen (‘This is the End’), Eric Kripke y dirigida inicialmente por Dan Trachtenberg (‘Calle Cloverfield 10‘), es atravesar terrenos que otras historias rehúyen en un mercado ya saturado de salvadores y villanos franquiciados hasta la extenuación. Y eso a pesar de obvias similitudes en atuendos a Superman y El Capitán América, o de las referencias a ‘Watchmen’ de Alan Moore y Dave Gibbons, donde ya se planteaba si habría alguien encargado de vigilar a los que velan por la seguridad del ciudadano de a pie. Como también han comentado los más eruditos en la materia, son evidentes las relaciones con el ‘Escuadrón Supremo’ cuando plasma las pésimas relaciones entre superhéroes; con el tebeo ‘X-Statix’ de Peter Milligan, por la idea empresarial de copar el mercado de productos en promoción de los bienhechores; o con ‘Maximortal’ cuando muestra conductas antisociales carentes de sentimientos.

Sin contar la empatía candorosa en torno a todos los protagonistas, buenos y malos indistintamente, hay dos pilares gloriosos en ‘The Boys’ a la hora de formular tramas. El primero es no caer en el despliegue irracional de efectos especiales, probablemente por no contar con el presupuesto necesario para ello. Una circunstancia que activa el protocolo de excavar en las relaciones entre los dos bandos, héroes psicópatas y vengadores, para obligarnos a conocer uno a uno todos los personajes esclareciendo su pasado. Y en segundo lugar, su interés por la contracultura. Hay arte visceral y a contracorriente, propicio al desparrame, del que huye de santificar la comercialidad, pero sin conciencia ortodoxa (como el impecable alegato a las Spice Girls que a la par se torna divertido).

Como Netflix, Amazon no comparte número de reproducciones en streaming de su plataforma, pero ese mutismo no le ha impedido alardear a las dos semanas de su estreno, hace menos de un mes, de ser ya la serie más vista de su catálogo, motivo de celebración por el que ya se ha anunciado una segunda temporada. Pero si pasamos de articular eslóganes mercantilistas, basados en récords de cifras, y de reivindicar algo al cabo de un tiempo por la recurrente nostalgia, ‘The Boys’ no necesita nada de eso para engrosar con su identidad un lugar entre lo mejor de la pasada temporada estival, y a reclamar un puesto entre lo mejor del año. 8.

Los Punsetes pasan de los desesperados por un poco de «casito»

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5 octubre, 2019

Este viernes 4 de octubre ha sido el esperado día de publicación de ‘Aniquilación‘, el excelente nuevo disco de Los Punsetes. El grupo no siempre ha optimizado su primer single: ‘Opinión de mierda’ fue el tercer sencillo y no el primero de ‘LPIV‘ (el primero fue el llamativo ‘Me gusta que me pegues’), y en el álbum anterior el «buzz single» ‘Mabuse’ terminó siendo el preferido del respetable por encima del propio ‘¡Viva!’.

¿Puede haber sorpresa esta vez? ‘Una persona sospechosa’ parece desde luego la canción más inmediata, retorcida y divertida del álbum, su gran hallazgo; pero el vídeo de lujo se lo ha llevado ‘Vas hablando mal de mí’, bajo la dirección de Nacho Vigalondo. Tras llevar a Lolita a un videoclip de Vetusta Morla, el director de ‘Colossal‘, ‘Extraterrestre’ o ‘Los cronocrímenes’ ha conseguido fichar a Pedro Ruiz para el genial «Revelación o Timo» en el que Los Punsetes son jueces de un talent show tipo ‘El semáforo’ por el que pasan miembros de Carolina Durante, La Bien Querida y otras personalidades que merece la pena rescatar de los créditos… hasta que terminan siendo juzgados los mismos Punsetes tras la aparición de Pedro Ruiz.

Tras el momento ‘Carrie’, son un grupo de periodistas musicales, como Juan de Pablos o Julio Ruiz, quienes han de aprobar o suspender a Los Punsetes, pero inesperadamente el grupo recibe el “sí”. Jorge García, uno de los compositores principales del grupo, nos ha explicado en una entrevista el porqué de este final tan blanco. «Ha sido cosa de Nacho (como todo el concepto del videoclip, «Revelación o Timo» incluido). Hay un momento en el que ves que van a tirar la sangre de «esto puede acabar de una manera jodida». Y tiene una vuelta amable, hasta ñoña. También es divertido, porque acabar como el Rosario de la Aurora sería lo típico nuestro». Igualmente, indica que pensaron que Pedro Ruiz les iba a «mandar a tomar por culo» cuando le llamaron para el vídeo, pero que fue «majísimo» y se lo pasó «muy bien».

El tema está en sintonía con una letra del quinteto que bien podría ser un «a quién le importa lo que yo haga». El grupo se enfrenta a alguien que «va hablando mal» de ellos solamente para que le hagan caso. Pero ya, acostumbrado a «los envenenados dardos», afirma que ha sido «facilísimo esquivarlos». La cumbre del vídeo coincide también con la cumbre de percusión rítmica y guitarras en el final instrumental de la canción, a fin de cuentas otro triunfo seguro en esa gira que próximamente les va a llevar por Barcelona, Valencia, Bilbao, Zaragoza, Donosti, A Coruña, León, Vigo, Alicante o Murcia. Las entradas están disponibles en Ticketea. El 10 de enero estarán en La Riviera. Entradas para Madrid, aquí.

La «periodista y puta» Judith Duportail hace temblar los cimientos de Tinder en ‘El algoritmo del amor’

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5 octubre, 2019

Las «journalopes» son una serie de mujeres periodistas francesas asociadas que se han apropiado de dicho insulto de la ultraderecha para reivindicarse. Este neologismo entre «journaliste» (periodista) y «salope» (puta) ha servido de inspiración para que tengan su propia oficina, en la que, entre otras cosas, cuentan con un tablón en el que compiten por ver quien se apunta más micromachismos sufridos.

Una de ellas, Judith Duportail, ha despuntado a nivel internacional tras escribir para The Guardian un artículo que ha sido traducido a numerosos idiomas -en España lo publicó El Diario-, en el que se adentra en el algoritmo de Tinder. Indignada tras el descubrimiento de que esta popular aplicación de ligoteo cuenta con un número de deseabilidad secreto (la «puntuación elo»), una especie de nota de 0 a 10 fruto de toda la información que compartimos directa e indirectamente con ella, Duportail inicia una investigación que recogió en dicho artículo y amplía sustancialmente en este recomendable libro editado en España por Contra.

Duportail reflexiona en ‘El algoritmo del amor’ sobre cuestiones como la ley de protección de datos, el Gran Hermano o la privacidad en el capitalismo, y a su vez sobre las debilidades que nos llevan a depender de las aplicaciones para conocer gente: esa autoestima «por debajo del nivel del mar», esa falta de seguridad, esa necesidad de aprobación de los demás o esa relación de todo esto con nuestras carencias afectivas, que nos llevan a un no parar de consultar Tinder y derivados un número realmente salvaje de horas a la semana. «Tengo una adicción, una necesidad patológica de reafirmación, constante, insaciable, y me he aprovechado cientos de veces de Tinder para intentar llenar ese vacío», dice en un momento.

Hay un poso feminista por supuesto, y la autora se detiene numerosas veces en el machismo de una sociedad que considera que a una mujer se le ha pasado el arroz a los 30, y lo hace documentándose y adentrándose en el algoritmo de Tinder. Sirviéndose de sus contactos y aprovechando su experiencia en la prensa femenina, a la que Tinder quiere captar porque siempre ha tenido más usuarios masculinos, Judith Duportail consigue entrevistar al CEO de Tinder, logra también que la compañía le envíe las 800 páginas que acumula sobre su historial privado y reflexiona sobre el sexismo en la patente original de Tinder, que predispone a los hombres de éxito a triunfar en la aplicación, y al fracaso a las mujeres de éxito en la misma APP.

Sin embargo, tras enfrentarse a sus 800 páginas de historial y comprobar que hizo más de 800 «matches» cuando ella pensaba que llevaba 50, e incluso tras recordar los repugnantes abusos verbales que sufren las mujeres en este tipo de aplicaciones, rompe una lanza también a favor de los hombres que a menudo reciben un silencio por toda respuesta. Entre conversaciones con sociólogos, técnicos y expertos en derechos humanos, Duportail construye un relato universal a raíz de experiencias personales e investigación, que en algunos casos resulta de lo más delirante y divertido, rozando en algunas escenas el patetismo y lo histriónico. Ella ha sabido reírse de sí misma cuando la han llamado «Bridget Jones jugando a ‘Black Mirror'», y uno termina preguntándose cuándo se representará todo esto en un teatro o en un cine, cual ‘Red social’, cuando Duportail reflexiona sobre la búsqueda obsesiva de algo mejor: «Mierda de generación de retraídos emocionales. A fuerza de no querer cerrarse puertas, nos vamos a pasar la vida en una mierda de umbral». 8,5. Disponible en Amazon.

‘Un boomerang’: ¿otro single infalible de Fangoria con Guille Milkyway o demasiado forzado?

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JNSP

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4 octubre, 2019

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Parte de la redacción evalúa el primer adelanto del próximo disco de Fangoria, ‘Extrapolaciones y dos respuestas’. [Foto: Gorka Postigo.]

«Esta vez sí. Ni ‘Quién te has creído que soy’ y especialmente ‘De qué me culpas’ me convencieron en absoluto, pero ‘Un boomerang’, tema inédito de su segundo volumen de versiones junto a ‘De todo y de nada’, es otra cosa. Make no mistake: no tenemos aquí un petardazo tipo ‘Fiesta en el infierno’. Pero ‘Un boomerang’ busca otra cosa: su melodía es de un claro corte clásico (se nota la mano de Guille), especialmente en el estribillo y en esos «parara-papa» marca de la casa. La letra de autoafirmación está también bastante más inspirada que en su antecesor, la producción a medio camino entre lo clásico y lo techno del puente es un «sí»… ¡¡y tiene campanas!! ¿Qué más queremos?» Pablo N. Tocino.

«Extrañamente, me sucede con ‘Un boomerang’ lo contrario que con los últimos singles de Fangoria: me parece mucho más fallida la producción –o el enfoque de esta– que la canción en sí. Con cierto aire a lo Pet Shop Boys de ‘Very’, me da la impresión de que esta vez Guille Milkyway ha tratado de aproximarse al sonido de los Olvido y Nacho más petardos –esas guitarras artificiosas que tanto les gustan– en lugar de atraerles a ellos al suyo. El resultado es un remedo un poco raruno, deliberadamente decadente y excesivo en su ya manida aproximación al número de revista, en el que brilla claramente su melodía dinaramesca. Aunque da la sensación, igualmente, de que su construcción es algo aleatoria y forzada –la manera de arrancar abruptamente, los cansinos «parará-parapapá»s del puente–. Porque, ¿nadie más tiene la sensación de que esta canción funcionaría mucho mejor ejecutada con sencillez, al estilo ‘Pianíssimo‘?» Raúl Guillén.

«Es verdad que la producción de ‘Un boomerang’ es muy Xenomania circa 2010, pero yo estoy completamente rendido al nuevo single de Fangoria. Ya tiene mérito que Nacho, Olvido y Guille hayan conseguido integrar tan bien en una canción pop una palabra como «proyectil», pero es que la melodía, tan triunfal en su mensaje y composición, vuelve a ser incontestable, y el modo en que la canción alcanza su clímax, magistral. La canción, que contiene unas campanitas muy propias de los programas musicales de final de año, se eleva sobre todo en los «pa pa pa ra» del final, pero justo cuando parece que ya no puede ir más allá, Alaska la lleva a conclusión dejándola bien arriba, con un truco aparentemente tan tonto como enfatizar la primera sílaba de la palabra «proyectil» de manera que parece que es exactamente eso mismo… Truco que no puede resultar más efectivo, pues multiplica la euforia de la canción justo cuando termina, invitando a repetir». Jordi Bardají

Confeti de Odio busca un «bukake de abrazos» en el vídeo de su nuevo single doble, ‘Quiéreme / Si me quiero’

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4 octubre, 2019

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Confeti de Odio vuelve con nuevo single doble. ‘Quiéreme’ y ‘Si me quiero’ son las dos caras de la misma moneda y Lucas De Laiglesia los presenta juntas en su videoclip, que da la vuelta a la tortilla a las webs y pop-ups de porno de internet que todos conocemos, para hacer en su lugar una defensa del amor romántico casi enfermizo.

‘Quiéreme’, que por estilo podemos asociar a los temas más intensos de Weezer, empieza con la frase «quiéreme como te quiero / miénteme de corazón», y a partir de ahí se sumerge en una especie de enamoramiento psicótico: «regaré todas tus plantas, lavaré mi coche por ti, donaré toda mi sangre, viviré fuera lejos de Madrid». Lucas sabe que «todo es mentira», pero prefiere «vivir la fantasía». Por su parte, ‘Si me quiero’ es una balada más autorreflexiva, en la que el autor de ‘Llorar de fiesta‘ busca entender sus inseguridades. Canta «he apuntado 10 razones por las que yo valgo / parecen muchos porque luchan contra 100 de lo contrario», antes de concluir: «si me quiero es por algo que no entiendo».

El clip para ambos temas, dirigido por Alberto de Santos para la productora Tabaco (responsable del vídeo de ‘Milhouse’ de Cupido), es memorable desde que muestra a Lucas en un vídeo de «Lovehub» en busca de un «bukake de abrazos», llevando su romanticismo a un nuevo extremo. Los anuncios tipo «el amor de tu vida no está en Tinder» o «no te masturbes, cásate» se suceden en esta primera parte del vídeo mostrando a un Lucas, en su faceta de artista, desesperado por amor, mientras en la segunda prima una tristeza mundana, lo que ocurre cuando se han apagado los focos.

¿Es ‘Joker’ la película más peligrosa de los últimos años?

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Pablo Tocino

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4 octubre, 2019

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“Lo peor de tener una enfermedad mental es que la gente espera que te comportes como si no la tuvieras” escribe en su diario Arthur Fleck. ¿Que quién es Arthur Fleck? Pues eso es precisamente lo que cuenta ‘Joker’ (entre otras cosas), y la manera en que quieren conseguir que este Joker tenga entidad propia y no nos haga recordar a Heath Ledger y Jack Nicholson –a Jared Leto como que no hace falta–. A Warner la jugada no es que le haya ha salido “bien”, sino mucho mejor de lo que probablemente esperaban: a las magníficas críticas y el León de Oro en Venecia hay que sumarle que, con unos 50 millones de presupuesto (migajas para ellos), va a ser sí o sí un taquillazo. Pero no todo es perfecto: la controversia que rodea a la película es tremenda, y se va a multiplicar por cien cuando se estrene. Hay quien la acusa de ser una apología incel (por si no sabéis quiénes son los incels, aquí un resumen), hay quienes ven un “superhéroe de izquierdas” (esto sigo sin entenderlo, como no sea la nazbol…) y hay quienes ven algo vacío, sin un discurso detrás, sea cual sea, que sujete la película. Yo estoy un poco más con esto, pero no lo veo necesariamente como algo malo: Joker no es “el villano de la anarquía” (vais a levantar de la tumba a Bakunin), pero sí el villano del caos y de la rabia.

Pero lo que está calando más es la primera interpretación, a la cual no ayudan nada las últimas declaraciones de Todd Phillips sobre lo “políticamente incorrecto” y lo imposible que es hacer comedias irreverentes hoy en día (ponte a ver ‘Fleabag’, Todd, que igual aprendes un par de cosas). Esa interpretación, junto con la vocación mainstream del film -no estamos ante Lars von Trier, como bien me decía un colega-, ha provocado que mucha gente se haga la pregunta con la que titulo este artículo. Pero decir que es “la película más peligrosa de los últimos años” implica que existen películas peligrosas. Y lo que me parece realmente peligroso es hacer esa afirmación (¿quién decide qué representación artística es “peligrosa” y en base a qué?). La tesis de este artículo de The Guardian me parece de las más interesantes que he leído al respecto (básicamente: si una ficción como ‘Joker’ tiene potencial para ser peligrosa, es porque nuestro mundo es peligroso de cojones), y también entiendo los temores de ese sector de público, especialmente los paralelismos que ven con la subcultura incel. El ejemplo más claro es el tratamiento que tienen los personajes femeninos en la película: tanto la madre (magistral Frances Conroy, como siempre) como el interés amoroso interpretado por Zazie Beetz pueden encuadrarse dentro del binomio santa/puta. La cosa es que esto tiene sentido dentro del retrato del propio Arthur… lo que nos lleva al principal punto de debate alrededor del film: ¿estamos ante el estudio psicólogico de un personaje o ante su glorificación?

En cualquier caso, la excepción a esos personajes femeninos la encontramos precisamente fuera del círculo más cercano a Arthur: la psicóloga, que representa, junto al administrativo del psiquiátrico, a esos currantes que al final son meros engranajes de un sistema perverso. Un sistema que está hecho para que los que se sienten payasos sigan siendo payasos, en la línea de lo que dice cierto candidato a alcalde de Gotham. La psicóloga llega a verbalizarlo con ese “no les importas una mierda tú, ni les importo una mierda yo”, haciendo una equivalencia entre ambos que sí sería un mensaje de lucha de clases, y no la rabieta infantil de los incels. Pero, evidentemente, esa equivalencia no llega a Arthur. Porque, a esas alturas de la historia, Arthur ya no es Arthur. Su viaje hacia la absoluta locura está interpretado de forma brillante por Joaquin Phoenix; a pesar de la línea tan fina que separa a muchas escenas del ridículo, y que en manos de otros lo hubieran sido, Phoenix consigue caminar por la cuerda entre dos rascacielos. Ahora bien, ¿los horrores que hace Joker los hace porque está loco? ¿Estar loco significa ser un psicópata? ¿Y todos los psicópatas van por ahí matando gente? Obviamente la respuesta a las tres preguntas es “no”, pero, de nuevo, entiendo las críticas a la forma en que la película trata la salud mental porque ‘Joker’ no deja nada claro en este aspecto. Y llega un punto en que no sabes si eso es a propósito, o si simplemente Todd Phillips tiene un p(incel) de brocha gorda.

Una brocha gorda que se ve en múltiples ocasiones, claramente en el tratamiento que tiene todo el tema de la revolución, recordando ahí, para mal, a las últimas temporadas de ‘Mr. Robot’. Esto es un aspecto que lastra ‘Joker’ y que demuestra que Phillips no es Scorsese (¡sorpresa!) ni esto es ‘Taxi Driver 2019’ como algunos se han apresurado a decir. La brocha gorda también potencia el hecho de que la película tenga múltiples interpretaciones, y nos devuelve a esa pregunta que nos hacíamos antes: ¿retrato fiel del personaje o glorificación? La estilización de la violencia y el tratamiento como “héroe” de Arthur han sido negados por Warner –respondiendo a quienes temen un atentado en salas similar al de los Cines Aurora–. Pero es cierto que ‘Joker’ parece retratar a su protagonista como héroe, quizás por la brocha gorda, quizás porque es la intención, quizás un poco de ambas. Sea como sea, recordemos que estamos ante una obra de ficción: tu personaje puede tener tratamiento de héroe, dependiendo de lo que quieres contar, y aún así tú, como autor, considerarle una persona despreciable. En este sentido, es llamativo que, en el momento donde quizás más se estiliza y encumbra al personaje, el tema que suena es ‘Rock n Roll Part 2’ de Gary Glitter. ¿Por qué es llamativo? Porque el uso de la canción, durante décadas un himno para celebrar victorias, cayó en picado hace años, a la vez que la figura del propio Glitter… el otrora exitoso cantante ahora cumple condena por abusos sexuales a niños y posesión de pornografía infantil.

‘Joker’ es absolutamente recomendable, y lo es no solo por su calidad como película (a pesar de sus tropiezos), sino por todo lo que significa. Por todas las cosas que puede significar, por todas las reacciones que va a despertar y por todo lo que es capaz de representar, sea o no intencionado. Y, por supuesto, por el duelo interpretativo entre Joaquin Phoenix y Robert de Niro, que nos da una de las mejores secuencias del 2019. Es una cinta que hay que ver, aunque luego te encante o te horrorice. Pero también avisamos: se ve venir de lejos que es esa película con la que sus mayores defensores, o parte de ellos (“not all men”) va a ser insufrible. Y vais a escuchar eso de “si no te gusta, es que no la has entendido”. Aunque les reconozco que aquí tiene sentido. You wouldn’t get it. 8’3.

La Canción del Día: en ‘All Mirrors’ Angel Olsen escenifica con sintes y cuerdas su disputa contra sí misma

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4 octubre, 2019

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Hoy Angel Olsen publica el esperado ‘All Mirrors’, su primer disco desde que en 2016 diera un paso adelante –tanto comercial como artísticamente– con ‘My Woman‘. Ya está cosechando críticas excelentes y, por lo que en ellas se explica y estamos escuchando, se trata de un disco complejo y oscuro, caracterizado por sus poderosos arreglos de cuerda –tan espectaculares como los de ‘Lark‘. Aprovechando su publicación, regresamos al primer adelanto del álbum publicado semanas atrás, precisamente el que le da título y que se ha impuesto como una de las canciones más espectaculares en la carrera de la artista norteamericana.

‘All Mirrors’, la canción y el disco, aluden a cómo cada uno de nosotros es una especie de multitud de espejos, que reflejan algo diferente para cada persona distinta que nos mira. En ese sentido, y ya el propio vídeo de la canción, oscuro y onírico, plasmaba esa idea, como ella misma explicaba a NPR: «Una mujer perdida en un laberíntico sueño de espejos asciende y atraviesa pasajes, temerosa de los muchos yos que porta consigo misma, cegada e incapaz de afrontar quién ella quiere ser: desinhibida y consciente, sin complejos y en paz, controlando su propio universo, asumiendo calmadamente la inevitable posibilidad de cambios y mutaciones internas».

De una manera más llana, Olsen concede en una entrevista publicada hoy por Mondo Sonoro que en realidad ‘All Mirrors’ –álbum y canción– no habla de otra cosa que de decepciones amorosas, recurrentes en su vida pese a ser conocedora de su propio autoengaño y proyectar hacia los demás lo que esperan de ella, no lo que es en realidad. Esa lectura cobra sentido en este espectacular single, también en lo musical: como si las dos Angels que se acaban enfrentando en el vídeo fueran sonidos, sintetizadores plúmbeos y de otra época (un poco John Carpenter) chocan con esos mencionados arreglos de cuerda espectaculares, que al final terminan entrelazándose.

Angel Olsen presentará ‘All Mirrors’ en España a principios de 2020: será el sábado 25 de enero en la Sala But de Madrid, y el domingo 26 de enero en Razzmatazz, Barcelona. Entradas disponibles aquí. Y por si hubiera dudas de cómo será la traslación al directo de estas canciones, acaba de subirse a Youtube una espectacular presentación de, precisamente, ‘All Mirrors’ realizada la pasada noche en el late-night de Jimmy Fallon.

Lo mejor del mes: escucha las últimas «Canciones del Día»

Travis Scott se declara «el más fumado de la habitación» en su primer single post-ruptura con Kylie Jenner

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4 octubre, 2019

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Travis Scott había sido noticia en los últimos días por su sonada ruptura con una de las mayores celebrities del planeta en la actualidad, Kylie Jenner, después de dos años de relación y una hija en común. Pero, tras haber presentado una película documental en Netflix, el rapero no se resigna a reducir el perfil de su carrera musical en favor del de su personalidad pública.

Quizá por eso lanza hoy ‘Highest In The Room’, el primer tema en solitario que lanza desde la publicación en 2018 del estupendo ‘Astroworld‘. Se trata de un tema breve, ambiental y oscuro –por momentos espeluznante–, en el que el rapero texano parece aludir, precisamente, a algunos conflictos con su ya ex-pareja, que parece afearle que viva en su mundo y sea «el más fumado de la habitación». Su clip oficial, que como es habitual en él está firmado por él junto a Dave Meyers, es una imperdible sucesión de idas de olla, que van desde paseos por el interior de su boca acompañando al humo de los porros a otros por lo más alto de un edificio entre nubes con forma de mujer –jugando con el doble sentido del «highest» de su título–, pasando por un combate estilo ‘Tekken’ en el que él mismo combate un robot.

Tras el lanzamiento de ‘Astroworld’, Travis Scott comenzó el año apareciendo en el (esta vez polémico) espectáculo musical de la Super Bowl junto a Maroon 5. También le hemos visto apareciendo, entre otros, en los últimos discos de James Blake y Ed Sheeran, además del álbum de canciones que conmemoraba el final de ‘Juego de Tronos’.

No te pierdas: Alba Reche, una diva del UK Garage en ‘Medusa’, producida por LOWLIGHT (Bad Gyal, Yung Beef)

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4 octubre, 2019

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Como anunciaba días atrás, el primer single del debut de Alba Reche –claramente uno de los más esperados de los artistas emergidos de Operación Trounfo 2018– ha llegado este viernes. Se titula ‘Medusa’ y sorprende sobre todo su sonido UK Garage, que la desmarca muy claramente de la línea habitual de los chicos y chicas surgidos de este (o cualquier otro) talent-show.

Así, como una suerte de Katy B, la ilicitana ejecuta un tema producido por LOWLIGHT –dúo gallego tras temas de Yung Beef o Bad Gyal– y compuesto junto al rapero Juancho Marqés y al interesante Vic Mirallas. Siempre, eso sí, sin perder esa dicción tan controvertida –por incomprensible, en ocasiones–. Mención aparte merece el vídeo de Manfre e Iker Iturria, que sitúa a Reche entre réplicas de esculturas y columnas clásicas griegas, serpientes, mármoles, flores oscuras y parafernalia similar. Su álbum, además, promete seguir una línea no muy alejada a esta, o al menos con otros sonidos urbanos, puesto que también ha trabajado en él con productores urbanos como Livinglargeinvenus (C. Tangana, Recycled J) y ya ha avanzado que sonará bastante R&B.

Alba Reche quedó segunda en la pasada edición de Operación Triunfo, pero se ha tomado con calma la creación de su álbum debut, que solo terminaba hace unos días como desvelaba en Instagram. La cantante de Elche no ganó Operación Triunfo, pero sí fue en varias ocasiones la gran favorita, llegando a dejar boquiabierta a Sara Bareilles con su versión de ‘She Used to Be Mine’, de la que incluso llegó a hacerse eco The New York Times.

Revelación o Timo: Megansito El Guapo aspira a ser nuestro Blood Orange o nuestro Toro y Moi con ‘Mentiroso’

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4 octubre, 2019

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Ahora que el rap, el trap y el R&B han pasado a convertirse en el principal sustento de algunas de las propuestas más interesantes del panorama underground de nuestro país, parecía cuestión de tiempo que surgiera algún proyecto o artista que aspirara a ser nuestro Blood Orange o nuestro Toro y Moi… adaptado, entiéndase, a la pesada losa de la precariedad que reina en este sector de la música española, claro. Y ese artista viene con el curioso nombre de Megansito El Guapo.

Establecido en Madrid, este cantante, productor y DJ comenzó a mostrar este proyecto (en el que también está involucrado su colega DJ Hater) el pasado mes de abril. Fue cuando debutó con ‘Perdona‘, un tema en el que su pop autotuneado se potenciaba con potentes ecos de house y UK Garage. Después, ‘QQH‘ («Qué quieres hacer») sorprendía también un enfoque de electrónica ochentera aderezada con house primigenio. Apenas esos dos temas le sirvieron, por ejemplo, para hacerse un hueco en el Low Festival de Benidorm.

Fue entonces cuando aprovechó para filmar en la decadente y divertida ciudad alicantina el clip del que sería su nuevo single, ‘Mentiroso’. Se trata, de nuevo, de un medio tiempo con ambientación nocturna y un seductor poso soul más evidente que en sus anteriores lanzamientos. Una, digamos, sobriedad que contrasta con el tono de autoparodia que contiene su letra, en la que se burla de su torpeza para ser el típico canalla. Y ese es el papel que pretende ejercer en su estupendo vídeo, al que antes aludía: Megansito se planta bien trajeao y fresco ante la cámara de Daniel Jordán en una de las calles más concurridas por los guiris de Benidorm, que por supuesto interactúan con el cantante. La mezcla de tensión y excitación del momento es palpable, mientras la cámara se aleja en un lento zoom out.

Megansito El Guapo está adquiriendo cada vez más repercusión –incluyendo en algunos medios internacionales–, por lo que no sorprende verle entre los nombres que actuarán en la próxima edición de Monkey Week 2019. Pero antes, este mismo sábado 5 de octubre, habrá oportunidad de comprobar sus capacidades en Barcelona: será en el club Trill de Razzmatazz, junto al DJ Sanatruja. De hecho, en JENESAISPOP regalamos hoy dos entradas individuales a las primeras personas que nos escriban a info@jenesaispop.com y nos cuente cuál es su canción favorita de Megansito El Guapo y por qué.

Escucha y suscríbete a la playlist «Revelación o Timo»:

Los Punsetes / Aniquilación

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4 octubre, 2019

Se diluyen para siempre las fronteras entre indie y mainstream. Qué bien, nuestra cuadriculez mental ha debido de evolucionar algo. Pero esto no nos ha eximido de toda nuestra gilipollez, así que larga vida a Los Punsetes. El grupo madrileño llega a su sexto disco con el mismo espíritu crítico del primero, si bien cada vez más interesado en la sátira social y en la autocrítica que en la reivindicación de ‘Dos policías’.

El éxito espontáneo de canciones como ‘Tu puto grupo’ y muy especialmente ‘Opinión de mierda‘ parece haber influido consciente e inconscientemente en Los Punsetes y los mejores momentos de este ‘Aniquilación’ son aquellos en los que se ríen de la sociedad y también de sí mismos. Todos los adelantos del álbum hablan de eso. Está la rotunda ‘Una persona sospechosa’, una de las composiciones más divertidas de su carrera, en la que se viene a decir que todos somos humanos y que quien no lo reconozca, oculta algo. «No eres de fiar, si no haces algo mal», repite Ariadna, dejando como única duda que la letra plantee que es igual de casposo negar el alcoholismo («Dime que no has dicho nunca estando borracho que tú controlas») o mentir («Dime que nunca has copiado / Que nunca has engañado a tu pareja») que ver porno o masturbarse («Dime que no has visto nunca una peli porno y que no te tocas»). ‘Todo el mundo tiene porno en casa’, cantaba el guitarrista y co-autor Anntona, en su proyecto en solitario.

‘Idiota’ es casi igual de genial, tras llegar a la casi aliviadora conclusión de que uno puede ser… ni más ni menos que tan bobo como el resto («Con lo tonta que es la gente / Y la de gente que hay que va de guay / Estadísticamente, lo mas prudente es aceptar / Que a lo mejor soy idiota»). Otra canción del álbum llamada ‘La gran bestia’ juega también con la autoparodia o la ausencia de la misma (“sé que lo importante es hablar el último antes de irse”, “aunque vosotros no me la deis, siempre tengo razón”). Y el último sencillo hasta la fecha, ‘Vas hablando mal de mí‘ es una canción sobre ignorar el «qué dirán» que ni siquiera necesita estribillo para adherírsenos enseguida. Su crescendo nos hace sentir totalmente libres tras proclamar cosas como: «Sé que lo que quieres / Es que vuelva a hacerte caso / Y sé que lo que te duele / Es que ya sabes que paso (…) Lo cierto, querida / Es que me importa bien poco».

Estos Punsetes que retratan tan bien al ser humano, su inseguridad, sus armas de defensa frente al sufrimiento por chorradas, o el autoengaño, son los más efectivos. Los suyos son de los pocos discos en los que nos olvidamos que existen cosas como el amor, y de hecho el extraño tema de inicio, ‘Seres humanos’, inmerso en los sintetizadores y en guitarras más tomadas del indie pop británico de los 80 que del punk, habla de «un cerebro en el que nacen ideas extrañas / Extrañas ideas como el amor». La electrónica y breve ‘Lo dejo’ muestra musicalmente cierta vulnerabilidad ante una crisis de identidad («Cuando me miro al espejo, ya no veo mi reflejo / debe ser que no soy yo»), así como ‘Ella nunca me aceptó en Facebook’ el miedo al rechazo personal; pero cuando Los Punsetes son mejores y más originales es cuando miran hacia la sociedad.

Varios temas hablan de dinero y de lo obsesionados que estamos con él. Si ya hace unos discos hubo un ‘Dinero 1’, ahora encontramos un ‘Dinero 2’ que es todo un petardazo de punk setentero que contiene referencias a la pobreza, a los trapicheos y a la frustración a partes iguales. ‘Oro’ es una autocrítica para el grupo por hacer «mierda» pero con la gracia de que esa «mierda» el público pueda convertirla en «oro», mientras ‘Atraco perfecto’ habla también de «cheques sin fondos» y «facturas sin pagar».

Entre singles tan buenos y redondos que parecen firmados por adolescentes, la sonora conclusión nihilista de ‘Miguel de Molinos’ («nada hay más hermoso que la nada»); esa ‘Gran Bestia’ que recuerda que, como La Bien Querida, vieron ‘La Bola de Cristal’ («no tengo trabajo pero hago mis hechizos») o la final ‘Estela plateada’, de final trotón; ‘Aniquilación’ vuelve a ser otro disco muy recomendable de Los Punsetes. La intro y la outro, tan extendidas, de ‘Miguel de Molinos’, en mitad de la secuencia, generan dudas, pero es que si no tendríamos que cantarles a ellos mismos lo de «no eres de fiar, si no haces algo mal». ¿Alguna vez piensan sacar un mal disco? ¿Y regulero?

Calificación: 8,2/10
Lo mejor: ‘Una persona sospechosa’, ‘Vas hablando mal de mí’, ‘Idiota’, ‘Dinero 2’, ‘Oro’, ‘Estela plateada’
Te gustará si te gusta: Alaska y los Pegamoides, Ramones, Chico y Chica
Escúchalo: Spotify

Lana Del Rey piensa ya en un «disco conceptual de versiones» y revela su posible título… tras versionar a Joni Mitchell en directo

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3 octubre, 2019

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Lana Del Rey ha conseguido uno de los mayores éxitos comerciales de su carrera gracias a ‘Doin’ Time’, su versión de ‘Summertime’ de Sublime. Por esta razón, LA Times, que acaba de entrevistarla, le ha preguntado si le gustaría grabar más versiones, a lo que Lana ha contestado de la forma más Lana posible: le gustaría, y de hecho tiene hasta un disco pensado.

La autora de ‘Venice Bitch’ explica: «en algún lugar de mi cabeza ya estoy coordinando un álbum conceptual de versiones llamado ‘Pacific Blue’. Sería una cosa muy modesta, con cosas acústicas de Beach Boys, Elvis Presley, Chris Isaak…» Y ojo porque comparte una interesante reflexión sobre esta idea: «la gente suele pensar que tu carrera está acabada cuando grabas un disco de versiones o un disco navideño, pero mis amigos músicos y yo estamos haciendo versiones todo el rato. Probablemente tendríamos este disco hecho en una semana».

La pregunta de LA Times a Lana era oportuna pues ‘Doin’ Time’ no es la única cover que la cantante ha publicado oficialmente en los últimos meses: a esta hay que sumarle ‘Season of the Witch’ de Donovan, en este caso para una película. Y además, sus declaraciones no pueden ser más puntuales pues la cantante acaba de versionar a Joni Mitchell durante su gira. La canción escogida ha sido ‘For Free’, del álbum ‘Ladies of the Canyon’ (1970). Parece que además de ‘White Hot Forever’, anunciado el mismo día de lanzamiento de ‘Norman Fucking Rockwell!’, Lana tiene más música en sus planes…

No te pierdas: Caroline Polachek vuelve a superarse en su nuevo vídeo, gracias solo a una adorable coreografía

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3 octubre, 2019

Caroline Polachek ultima ya el que será uno de los discos más cuidados de 2019 especialmente a nivel estético. Si ya solo las portadas de los singles de ‘PANG’ y sus videoclips están creando un fascinante universo alrededor de este trabajo, a medio camino entre lo onírico, lo gótico y lo medieval, ¿cómo será la portada? ¡La cantante utiliza hasta emojis a juego!

‘PANG’ sale el 18 de octubre y mientras esperamos a que Polachek revele su cubierta, la cantante presenta videoclip para su último sencillo, ‘So Hot You’re Hurting My Feelings’, el más popero de todos. Y lo que se le ha ocurrido hacer para él ha sido centrarlo en una coreografía que al principio parece propia de un baile de fin de curso, pero que con los visionados se va convirtiendo en adictiva, por extraño que suene, pues sus pasos se van repitiendo a lo largo del vídeo. Kate Bush, que solía hacer clips muy similares al principio de su carrera, parece una influencia clara en este.

Dirigido por Polachek y Matt Copson, el clip se ambienta en una oscura mazmorra, donde la artista espera y espera a su amado con la única compañía de la luz de unas velas. La escenografía es una pequeña maravilla y la coreografía, ideada por la propia Polachek, una bobada que ella interpreta de manera absolutamente encantadora desde el principio hasta el final. El momento «me clavo la espada» ha de ser el mejor de todos, pero entre los saltitos tipo «honky tonk», el aleteo de las manos, el momento «qué sola estoy» y ese trepidante «ataco, me lamo el dedo y me doy un golpe en el pie», le queda una coreografía icónica. Os dejamos con un meme sobre el vídeo y con declaraciones de Devendra Banhart sobre la canción: la considera «una obra maestra» y destaca su parecido con el trabajo de Shania Twain.

Thank you @DevendraBanhart for the accurate read on my undying love for Shania ❤️ pic.twitter.com/EIgi8n2Q1g

— Caroline Polachek (@carolineplz) October 2, 2019

And yet *another* new fan account that’s saucier than mine 😐 https://t.co/7lRaXGi33j

— Caroline Polachek (@carolineplz) September 30, 2019

Escucha lo nuevo de Nick Cave, Angel Olsen, Wilco, Halsey, Camila Cabello, Viva Suecia, Virginia Maestro…

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3 octubre, 2019

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Esta semana la playlist Ready for the Weekend contiene un aluvión de nuevos álbumes sonados, tanto en el panorama nacional como en el internacional. En el primero, se publican los nuevos discos de Los Punsetes –el recomendado ‘Aniquilación‘–, Manel, Viva Suecia, Virginia Maestro, El Drogas, Bifannah, Los Chikos Del Maíz y Últim Cavall. Y en el segundo, a la espera de que se confirme (o no) si esta vez sí verá la luz ‘Jesus Is King’ de Kanye West, llegan los anunciados trabajos de Nick Cave, Wilco, Angel Olsen, DIIV, King Princess, Mika, Lauv, Gianluca, FINNEAS (el hermano y productor de Billie Eilish), el sueco Joel Alme (álbum en su lengua nativa) y Danny Brown. Además, a lo largo de la semana Kim Petras y Chromatics nos han sorprendido con lanzamientos relativamente inesperados.

Por otra parte, una calma chicha caracterizaba la semana en cuanto a nuevos singles. Apenas Fangoria habían presentado el adelanto de la segunda parte de su proyecto de versiones. A ellos hoy se suman Camila Cabello, Halsey, Travis Scott, Cecilio G., Alba Reche, Mikal Cronin, Tórtel & Clara Vinyals (de Renaldo y Clara), Toy, Quique González, Charlie Puth, Colectivo Da Silva, Dan + Shay & Justin Bieber y muchos más. Cabe destacar también los nuevos temas que The Streets, Sleater-Kinney, Big Thief, los valencianos Salfumán y la unión del venerable Lee «Scratch» Perry y el dúo de electrónica Peaking Lights han lanzado a lo largo de los últimos días.

Por último, llama la atención un EP de remezclas del último trabajo de Metronomy, ‘Metronomy Forever‘, en el que se incluye una estupenda revisión de los rockeros IDLES al single ‘Wedding Bells’. Completan nuestra selección una versión alternativa de uno de los temas de ‘Western Stars’, el último disco de Bruce Springsteen, más remixes de Charli XCX (por parte de Nina Kraviz) y Tyler, The Creator (a cargo de Channel Tres) y otro extracto de la obra de danza de Sufjan Stevens, junto al tema que Chvrches han incluido en la BSO de un videojuego, o la versión de No Doubt que hacía Carly Rae Jepsen para Spotify.

Rosalía, Jonas Brothers, Becky G, Aitana, Don Patricio, Amaral… confirmados en Los40 Music Awards

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3 octubre, 2019

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Los 40 Principales han anunciado el cartel de Los40 Music Awards, su gala de premios anual, que este año tendrá lugar el 8 de noviembre en el WiZink Center de Madrid. Jonas Brothers son el gran reclamo internacional de esta edición, pero además están confirmados Rosalía, Becky G, Aitana, Nicky Jam, Mabel, Don Patricio, Amaral, Manuel Carrasco, Ava Max, Leiva, Anitta, Vanesa Martín, Beret, Lola Indigo, Pedro Capó, Dvicio y Taburete.

Muchos de estos artistas están nominados en los premios. Aspiran a Artista del año Leiva, Aitana, Manuel Carrasco, Rosalía y David Bisbal y a Álbum del año la misma Rosalía por ‘El mal querer’, Carrasco por ‘La cruz del mapa’, Blas Cantó por ‘Complicado’, Leiva por ‘Nuclear’ y Dani Fernández por ‘Incendios’. Por otro lado, competirán en la categoría de Canción del año Dvicio y Taburete por ‘5 Sentidos’, Aitana por ‘Vas a quedarte’, Alejandro Sanz y Camila Cabello por ‘Mi persona favorita’, Carrasco por ‘Qué bonito es querer’ y Beret por ‘Lo siento’; y en la de Artista revelación Lola Indigo, Beret, Don Patricio, Sinsinatti y Pol Granch.

En cuanto a las nominaciones internacionales, aspiran a Artista del año Rita Ora, Ed Sheeran, Sam Smith, Jonas Brothers y Miley Cyrus y a Álbum del año Jonas Brothers, Ed Sheeran, Mark Ronson, Billie Eilish y Ariana Grande por ‘thank u, next’; a Canción del año son ‘Sweet But Psycho’ de Ava Max, ‘Señorita’ de Shawn Mendes y Camila Cabello, ‘I Don’t Care’ de Ed Sheeran y Justin Bieber, ‘High Hopes’ de Panic! At the Disco y ‘Sucker’ de Jonas Brothers. Curiosamente, Panic! At the Disco aspiran también al premio de Artista revelación aunque debutaron en 2005, y lo batirán contra Billie Eilish, Mabel, Lil Nas X y Ava Max. Todas las nominaciones, aquí.

¡CONFIRMAMOS: TENEMOS CARTELÓN!
✨✨✨#LOS40MusicAwards✨✨✨https://t.co/beaVKJ6W0p pic.twitter.com/IMZEGuOqkp

— LOS40 (@Los40) October 3, 2019

Putochinomaricón invita a Rebe y Muhatecrew a la nueva fiesta GOTELÉ

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3 octubre, 2019

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Este sábado 5 de octubre se celebra en el Café La Palma de Madrid una fiesta GOTELÉ Pyjama Party, comisariada por PUTOCHINOMARICÓN y bajo el paraguas del ciclo Vibra Escenarios Mahou. Se trata de la segunda edición del AFTERSUN, una fiesta creada «por amigues para amigues» bajo la dirección creativa del artista. En este caso los conciertos correrán a cargo de Rebe, la antiestrella de la canción ligera, y Muhatecrew. Habrá slam poetry (open mic) conducido por Gadyola desde las 21.00 y performance djset de Martina Amaru, además de los dj sets de Fabskum, Putochinomaricón y Bonbonribbon69.

El objetivo de la fiesta es «poder crear un espacio de cuidados para todes, planteando un showcasing de talentos que fomente la visibilidad del potencial artístico de nuestra comunidad. Para esta edición, además, se plantea un dresscode muy especial: la coletilla Pyjama Party no es un mero ornamento». Para el «open mic» pueden presentarse todo tipo de performances, desde el lipsync al baile, hacer una cover de una canción o presentar una obra original, un poema o un monólogo siempre y cuando se vincule al tema de ‘Fiesta de pijamas’ a su actuación». Aquellas personas que quieran participar en el Open Mic deberán avisar antes de mañana 4 de octubre. Más información, en Facebook.

PUTOCHINOMARICÓN se involucra así en este proyecto mientras se toma un descanso de la música. La edición física de ‘Miseria humana‘ se ha retrasado porque el proyecto suena ahora al propio Chenta a maqueta, como indicaba en Instagram.

Miss Caffeina y Varry Brava anuncian nuevo proyecto, ‘DANCETERÍA’

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3 octubre, 2019

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Miss Caffeina y Varry Brava han anunciado nuevo proyecto juntos. Lo han llamado ‘DANCETERÍA’ pero sin desvelar si se trata de un supergrupo, de un álbum firmado por ambos, de un simple single conjunto u otra cosa. En sus redes simplemente puede leerse el lema: «Esto no es Varry Brava. Esto no es Miss Caffeina. Esto es «Dancetería” y la fecha exacta en la que empezaremos a conocer más detalles sobre el proyecto, el próximo lunes 7 de octubre.

Es curiosa la idea de la unión (o fusión, no se sabe) entre Miss Caffeina y Varry Brava, dos de los grupos más queridos del pop español sobre todo en sus etapas más recientes. Miss Caffeina han alcanzado este año el número 1 de ventas en España con su último trabajo, ‘Oh Long Johnson‘, gracias al éxito de singles como ‘Merlí’ o ‘Prende’, y Varry Brava vienen de agotar salas y de petarlo en festivales presentando el disco más popular de su trayectoria, ‘Furor‘.

En tanto llegan más noticias sobre este nuevo proyecto que parece mezclar las palabras «DANCE» y «CAFETERÍA» y del que, por tanto, no sabemos exactamente qué esperar, Miss Caffeina y Varry Brava se encuentran en fases diferentes de sus carreras. Los primeros siguen presentando ‘Oh Long Johnson’ en directo, mientras los segundos han empezado a grabar su próximo álbum en compañía del dúo Dodo Foie, como han revelado en Instagram.

Ver esta publicación en Instagram

Esto no es Varry Brava. Esto no es Miss Caffeina. Esto es "Dancetería” —————————————— Más info el lunes 7 de Octubre.

Una publicación compartida de Miss Caffeina (@misscaffeinaoficial) el 3 Oct, 2019 a las 2:59 PDT

GOZE traerá la gloria del paraíso y la lujuria del infierno a Sala Apolo, en su propio «jardín de las delicias»

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3 octubre, 2019

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Sala Apolo ha anunciado una nueva fiesta dominical que tendrá lugar por primera vez este mismo domingo 6 de octubre. GOZE parte de un místico concepto basado en ‘El jardín de las delicias’ de El Bosco y su objetivo es «imbuirte de la gloria en el paraíso, de la lujuria y desenfreno en el infierno, y de la ambigüedad en el purgatorio» en tres ambientes «mezclados y fusionados» a través de la música, el espectáculo visual y las performances que se irán sucediendo a lo largo de la tarde y durante la noche.

En GOZE, que abrirá sus puertas desde las 19 horas hasta las 3 horas, sonarán ritmos disco, house, funk, urban, tech house y dark techno y ya se conoce el cartel de artistas (o en palabras de Apolo, de los «sacerdotes» y «sacedortisas» que pondrán el «beat y el bombo») que harán los honores en esta su primera edición. Por un lado se sucederán en GOZE las sesiones de Raúl Naro, Toni Bass, Sama Yax Joseph, Hernán Lagos Phosky y Noelia Gutierrez, y por el otro las «performances» de Leo Altamirano, Extasis, Liquuid y Glü Wür.

El día de la semana escogido para la celebración de GOZE no es casual, pues se han encargado del evento tres de las fiestas dominicales más populares de la sala barcelonesa, estas son Somoslas, Ven Tú y Churros con Chocolate. Las entradas ya están disponibles aquí a un precio de 10 euros (anticipada) o 12 euros (en taquilla).

«El libro que dije que no escribiría»: Brett Anderson justifica la existencia de ‘Tardes de persianas bajadas’

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3 octubre, 2019

No revelaba lo bueno -lo sentido, lo reflexivo- que era el libro de Brett Anderson sobre su adolescencia y su relación con sus padres, ‘Mañanas negras como el carbón‘, y seguramente lo mismo suceda con su continuación.

El próximo 9 de octubre, esto es, la semana que viene, sale a la venta ‘Tardes de persianas bajadas’. Y si en el libro anterior, echábamos de menos que el líder de Suede se explayara sobre su carrera musical, esta es la nuestra. Según el avance de Editorial Contra, «si en ‘Mañanas negras como el carbón’ Brett Anderson daba cuenta de su infancia y juventud en Haywards Heath y de los inciertos inicios de Suede, en la segunda entrega de sus memorias, el cantante se sumerge en la etapa más intensa y convulsa del grupo: la del éxito del primer LP de la banda, la de los incendiarios artículos y portadas de los semanarios musicales británicos, la de la tensa concepción del extraordinario ‘Dog Man Star’ y la ruptura con el guitarrista, compositor y amigo Bernard Butler, y la de la reinvención del grupo con ‘Coming Up'». Continúa la nota de prensa: «Sin embargo, tras el éxito fulgurante y unas giras internacionales extenuantes, llegarían las adicciones a las drogas duras y el anquilosamiento creativo, que desembocarían en el progresivo desmoronamiento de la banda». Puedes descargar gratis el primer capítulo del libro, por cortesía de Contra, aquí.

Como los títulos de sus discos, Brett Anderson comienza el relato de este nuevo libro de manera algo relamida y pomposa. Sin embargo, pronto entramos en materia y hallamos en estas primeras 20 páginas todas las cosas que nos encantaron de ‘Mañanas negras como el carbón’: su sentido de la autocrítica en el mismo título del capítulo («El libro que dije que no escribiría») o en sus palabras (se ampara en la “necesidad infantil de ser oído”), y ese reírse de su viejo yo (“frenesí de autocomplacencia en bucle”) y de sus semejantes («los grupos de rock emprenden la misma marcha fatigosa y previsible por los mismos senderos previsibles»), quizá huyendo del ego que estuvo a punto de llevárselo por delante.

También empezamos a hallar el desprecio por algunos de los grupos de la época que se adivinaba en el libro anterior (se refiere a «un tropel de conjuntos tan respetables como espantosos que se enorgullecían de sus sosas credenciales indies y de su ideario político de último año de secundaria») y explica cómo habría sido mejor su propio disco de debut y cómo lograron una base de fans sin redes sociales. Un avance que deja con los dientes largos, pues probablemente el libro consolida a Brett Anderson como un narrador definitivamente ácido, crítico y divertido. El mismísimo Neil Tennant de Pet Shop Boys lo ha descrito como «un emocionante relato personal de los dramas de un grupo británico único».

Izal venden en 24 horas un tercio de las entradas de la nueva gira ‘El final del viaje’, sus únicos conciertos en 2020

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3 octubre, 2019

Hace unos días, Izal exhibían orgullosos todos los discos de oro y platino que han acumulado por las ventas y escuchas en streaming de sus álbumes y singles. Destacábamos también que su último disco, ‘Autoterapia‘, lleva 79 semanas en el top 100 de streaming y que, lejos de agotarse, continúa en el top 20 de los álbumes más escuchados en España. No es de extrañar, por tanto, que este 2019 vayan a cerrar la gira de presentación de este disco habiendo pasado por 70 ciudades y reunido a unas 500.000 personas (!) en ella. Se dice pronto. Así que tocará descansar… pero dentro de unos meses.

Porque el grupo radicado en Madrid acaba de anunciar que cerrará esta etapa con ‘El final del viaje’: serán espectáculos audiovisuales al estilo de los de su anterior gira pero con un nuevo montaje y un nuevo hilo narrativo, lleno de «nuevas experiencias y apariciones estelares» –los actores Miren Ibarguren, Kira Miró y Julián López y el icono Raphael intervenían en la primera entrega de esta historia de inspiración ci-fi–.

Pero en esta ocasión no habrá tantas oportunidades para verlo: siete fechas en siete ciudades distintas del país serán las únicas oportunidades de presenciarlo, antes de que llegue ese lapso en la carrera del grupo. Os dejamos con el listado de esos eventos que tendrán lugar entre febrero y abril de 2020, para los que pueden conseguirse ya las entradas a través de Ticketmaster –a excepción de la fecha en Barcelona, que forma parte de la programación de Festival Mil·lenni–. De hecho, la promotora Hook Management acaba de confirmar que en 24 horas se han vendido un 35% de la localidades de estos conciertos, por lo que parece previsible que se agoten en breve.

22.02.2020 – GRANADA – Palacio de deportes
29.02.2020 – BARCELONA – Palau Sant Jordi
07.03.2020 – ZARAGOZA – Pabellón Príncipe Felipe
14.03.2020 – BILBAO – BEC! (Bilbao Exhibition Centre)
21.03.2020 – MURCIA – Cuartel de artillería
04.04.2020 – VALENCIA – Plaza de toros
18.04.2020 – MADRID – WiZink Center

«Íñigo Errejón es de extrema derecha» y otras sonadas declaraciones en la promo del quíntuple disco de El Drogas

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3 octubre, 2019