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MUNA anuncian nuevo disco de portada ultra 90s y presentan el vídeo de ‘Number One Fan’

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MUNA vuelven. El grupo estadounidense de synth-pop formado por Katie Gavin, Josette Maskin y Naomi McPherson, que despuntara allá por 2017 con su single ‘I Know a Place’ y después con su debut oficial ‘About U‘, en una línea próxima a Haim y sobre todo a Carly Rae Jepsen y similares proyectos de pop ochentero tipo Fickle Friends o Ralph, tiene un nuevo disco preparado para el 6 de septiembre llamado ‘Saves the World’, de portada ultra noventera y «cool».

El primer avance de ‘Saves the World’ es un tema rítmico de título muy pop, ‘Number One Fan’. Es un retrato de la inseguridad juvenil con giro inesperado (o no tanto). La primera estrofa nos habla desde el tedio más absoluto: «he escuchado las malas noticias: nadie me quiere y voy a morir sola en mi habitación, mirando a desconocidos a través de mi teléfono», dejando una sentencia de muerte tamaño «he nacido para perder». Sin embargo, la narradora se mira entonces en el espejo y su actitud cambia en la segunda estrofa: «he escuchado las malas noticias: voy a por todas y más fuerte que nunca, tengo nuevo pelo y zapatos nuevos, consigo lo que quiero porque hago lo que quiero».

‘Number One Fan’ es por tanto un tema que MUNA se dedican a sí mismas y que está llamado a empoderar a sus fans. El mensaje está claro: no hay nada mejor que ser «fan número uno» de uno mismo. El videoclip para el tema juega con el sentido de la letra mostrándonos a Katie siendo perseguida por las varias personas que desearía ser. Aunque lo más destacable sea quizá su estética de peli indie de finales de los 90 o principios de los 2000, un poquito ‘Ghost World’.

Liam Gallagher se siente «libre» en ‘Shockwave’, el primer single de su próximo álbum

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Liam Gallagher firma uno de los lanzamientos destacados de hoy viernes 7 de junio. ‘Shockwave’ llega poco menos de dos años después de ‘As You Were‘, el último álbum en solitario de Gallagher hasta la fecha, y es el primer single oficial extraído de su próximo disco de título tan propio de él como siempre, ‘Why Me? Why Not?’.

De momento no se ha concretado la fecha de lanzamiento de ‘Why Me? Why Not?’, pero lo que confirma ‘Shockwave’ es que el disco mantendrá el sonido de rock añejo y épico que tanto gusta al ex componente de Oasis. De hecho, Gallagher ha reconocido explícitamente a NME que su nuevo trabajo será una «continuación» del anterior, usando una analogía con Oasis: «si escuchas ‘Definitely Maybe’ y ‘‘What’s The Story (Morning Glory)?’, un disco es más punk y el otro es más épico, ¿entiendes lo que quiero decir? Eso es progresión. Es alguien en la cima de su arte. A la gente no le va a decepcionar. Creo que la gente va a flipar con el disco».

En este sonido, ‘Shockwave’ hace uso de una letra que clama a la «libertad» después de un periodo de oscuridad, y que parece dirigirse a un enemigo de manera desafiante: «recoges lo que siembras, traicionaste a todos tus amigos, así que no te atrevas a mirar hacia otro lado, para hacerte llorar no tengo que hacerte nada, porque ya viene hacia ti desde el cielo estrellado». Por si no fuera suficiente humillación, Liam añade: «eres una serpiente, una comadreja, un guijarro en el mar». Gallagher presentará este y otros temas el mes que viene en Bilbao BBK Live y en Festival de Cap Roig.

Fallece Dr. John, el hombre que convirtió el rock en un espectáculo vudú

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Mac Rebennack, el artista de R&B, rock y blues más conocido como Dr. John, ha fallecido a los 77 años a causa de un infarto, ha confirmado su familia tal y como recoge Rolling Stone.

Toda una institución en Nueva Orleans y de la música americana, Dr. John era conocido sobre todo por los álbumes que publicó entre finales de los 60 y principios de los 70 y por sus espectáculos teatrales inspirados en el Mardi Gras, las ceremonias de vudú y los «medicine shows». ‘Gris-Gris’, su debut de 1968, y los álbumes ‘Dr. John’s Gumbo’ (1972) e ‘In the Right Place’ (1974) se consideran sus obras maestras, mientras el músico incluso llegó a colocar un hit en el top 10 de Billboard, ‘Right Place, Wrong Time’, en 1973.

Nacido en 1941, Rebennack empezó su carrera en los 50 como músico de sesión, labor que jamás abandonaría, llegando a tocar tanto en grabaciones de Sonny & Cher, Frank Zappa and the Mothers of Invention o en el musical sobre los Beatles ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’, como en ‘Ladies and Gentlemen… We Are Floating into Space‘, el celebrado álbum de Spiritualized de 1997. A mediados de los 60, Rebbenack inventó a Dr. John, un personaje inspirado en la vida de un príncipe senegalés llamado Dr. John que viene de Haití a Nueva Orleans, creando un icono gracias a sus estrambóticos atuendos y directos.

Aunque discográficamente, Dr. John no obtuvo demasiado éxito comercial en los últimos años de su carrera (su último éxito significativo, ‘(Everybody Wanna Get Rich) Rite Away’, data de 1974), el artista no dejó de tocar, colaborar con otros artistas, aparecer en películas (él canta la canción de apertura de la película de Disney de 2009 ‘La princesa y el sapo’) ni mucho menos de publicar discos, como un ‘Locked Down’ producido por Dan Auerbach de The Black Keys que vio la luz en 2012. En total, Dr. John ganó 6 Grammys y fue incluido el Paseo de la Fama del Rock ‘N Roll en 2011.

Alfred García, astronauta caído, se enfrenta a sí mismo en el vídeo de ‘Wonder’ con Pavvla

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Alfred García ha estrenado el videoclip de ‘Wonder’, el tema de su disco que se parecía un poquito a Bon Iver, y que incluye la colaboración de su colega Pavvla. La autora de ‘Secretly Hoping You Catch Me Looking‘ hace de mano salvadora para el astronauta caído en esta superproducción de CraneoMedia, responsable de los primeros vídeos de Nathy Peluso, entre otros, aunque el vídeo presenta más símbolos.

El más impactante es el que parece aludir a la fama, en una escena en la que vemos a Alfred crucificado cual Jesucristo mientras es fotografiado por varios paparazzi. Es una de las dos versiones de sí mismo con las que el astronauta caído -que viene ‘De la Tierra hasta Marte‘- se encuentra durante su duro periplo marcial. Más adelante le espera un Alfred ataviado con un esmóquin… quemando una montaña de vinilos de ‘1016‘.

Al final, Pavvla rescata a Alfred y ambos se cobijan en el interior de un coche futurista camino a… ¿Madrid? ¿Londres? Sí, parece que el próximo vídeo de Alfred volverá a estar conectado con los anteriores. Cabe preguntarse si volverá a tardar seis meses en llegar, pero no se puede decir que la demora no haya valido la pena: el vídeo gustará más o menos pero memorable es un rato.

Mykki Blanco protagoniza el vídeo de ‘Dark Ballet’, uno de los más enigmáticos de Madonna

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¿Recordáis a Mykki Blanco? Yo sí. Le vi actuar en el FIB hace dos años y decidí otorgarle el titular del día pese a actuar en la misma jornada que Los Planetas, La Casa Azul, Foals o Deadmau5. Madonna también se ha fijado en Mykki y, sin que nadie lo adivinara, lo ha situado en el ojo del huracán en su nuevo vídeo, ‘Dark Ballet’, otro de los temas de ‘Madame X’.

Emmanuel Adjei, que se ha popularizado por su trabajo con Sevdaliza, dirige este videoclip, una actualización de la quema en la hoguera de Juana de Arco (Madonna ya tenía una canción clave así llamada), con la clásica iconografía religiosa de alguien que al fin y al cabo se llama Madonna, y un montaje vertiginoso en la línea de los últimos DVD’s de la artista. El fondo es una canción dividida en actos como el ‘Cascanueces’ de Tchaikovsky, al cual referencia, algo perjudicada por el enorme hype que la prensa británica ha montado en torno a ella esta semana, pero definitivamente más excitante de lo que se entrevió en su avance en la gala MET hace más de un año.

‘Dark Ballet’ sucederá a ‘Medellín‘ en la secuencia de ‘Madame X’ como pista 2, lo cual viene a certificar que Madonna no está nada desesperada por el éxito popular como algunos piensan: tal y como están los ritmos hoy, la mayoría desertará en cuanto suene esto, quizá para no volver al disco jamás. Una crítica de 1958 del ballet ‘El Cascanueces’ consideró que «la transición entre el mundo rutinario de la primera escena y el mundo fantástico de la segunda es demasiado abrupto», y eso es exactamente lo que sucede con ‘Dark Ballet’.

Y sin embargo, sí es una canción enigmática y llena de dobles sentidos que según Madonna habla sobre las redes sociales (su toxicidad, su narcisismo, su criticismo), pero también lo hace sobre la libertad en general y los estigmas en particular. Al final del vídeo se recuerda que Mykki Blanco es VIH-positivo, y si crees que el siglo XXI es el de la información y la ausencia de estigmas, baja a la calle y pregunta a la primera persona que encuentres qué es ser VIH-positivo, haber desarrollado el sida y ser indetectable… y luego déjanos un comentario sobre desinformación y estigmas.

Mientras la letra no está exenta de humor («¿can’t you hear outside of your supreme hoodie?»), musicalmente, la co-producción de Mirwais está caracterizada por la aparición de unos sintetizadores que, en la parte central, dejan a un lado el mejor piano grabado de toda la carrera de Madonna (probablemente lo ha ejecutado João Ventura) para dar protagonismo a un modulador vocal. Sobre el papel, esa parte parecía la de un papanatas que defendía frases ininteligibles pero ya encontrables en Genius como «Dios está de mi lado». Nada más lejos: en el vídeo, es Mykki Blanco quien recita esa parte a la desesperada, enriqueciendo el doble sentido del diálogo de la grabación, desdibujando su sentido autocrítico o irónico. Oyes el final del tema, con varias bocanadas de aire animando el fuego destructivo al que alude la letra, primero en un sentido, luego en otro; y no sabes quién ha terminado de arder. ¿Ha sido «una vida hermosa»? Permitidme que lo dude, y qué pena…

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Muy fuerte la que está liando @_mykki_ en el #fib2017

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Rosalía firma con Universal Publishing, pero seguirá distribuyendo su música en Sony

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Rosalía es hoy noticia en el Billboard tras su fichaje por Universal Publishing, la editorial del gigante discográfico. La noticia puede ser algo confusa pues la cantante barcelonesa acababa de firmar un contrato con Sony Internacional en septiembre y, de hecho, su reciente single ‘Aute Cuture’ ha sido lanzado, como ‘Con altura’ y ‘El mal querer‘, a través de Columbia Records, una de las subdivisiones de Sony.

El fichaje de Rosalía por Universal Publishing significa que la cantante firma con la parte editorial de Universal, no la distribuidora que se encargó de llevar al mercado ‘Los ángeles‘. En otras palabras: los derechos de autor de las canciones de Rosalía de aquí en adelante serán cosa de Universal, que es además la discográfica en la que Rosalía licenció su debut con Refree auto-editado antes de fichar por Sony, solo unos meses antes del lanzamiento de ‘El mal querer’. Sin embargo, la venta y promoción de los álbumes y la distribución de los mismos en las tiendas de todo el trabajo de Rosalía de aquí en adelante -excluyendo ‘Los ángeles’- seguirán estando a cargo de Sony.

Jody Gerson, CEO de Universal, ha celebrado el fichaje de Rosalía: «Como artista, Rosalía tiene total control de su propio destino. Más allá de su forma de componer, producir e interpretar, ha creado un nuevo híbrido de flamenco y está rompiendo sus fronteras culturales. Reconozco la grandeza en cuanto la veo, y cuando veo a Rosalía, sé que es una voz importante. Ella tendrá sin duda una gran carrera y UMPG está deseando acompañarla en ese viaje». Por su parte, la autora de ‘Di mi nombre’ ha expresado su ilusión por esta nueva aventura en sus redes: «Gracias Jody Gerson por confiar en mí, como compositora es un honor haber firmado con @UMPG y me siento muy feliz al formar parte de esta casa que cuenta con tantos artistas a los que admiro!!!»

ionnalee / REMEMBER THE FUTURE

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No fue ningún espejismo la desazón y el desencanto con el mundo de la música que Jonna Lee dejaba ver en ‘EVERYONE AFRAID TO BE FORGOTTEN’, su primer disco sola tras la aventura iamamiwhoami. Especialmente con parte de su fandom, que la tildaba de “diosa” y autogeneraba unas expectativas exageradas para ella –algo de lo que ha hablado públicamente Marina Diamandis, por ejemplo–. Hasta el punto, según ha confesado en redes sociales, de llegar a plantearse “tirar la toalla creativamente” el pasado año. Sin embargo, todo ha cambiado en pocos meses: ha recapacitado, recobrado la excitación por la música y publicado un nuevo disco, este ‘REMEMBER THE FUTURE’. Y todo gracias a… sus fans.

Esos fans que contribuyeron a financiar a través de crowdfunding una gira mundial, el entusiasmo y energía que le transmitían en sus conciertos, explica ahora, fueron cruciales para recuperar la ilusión y animarse a escribir un nuevo disco. Pero en realidad, según explica en Genius, muchas de estas canciones no son nuevas: varias de ellas pertenecían a un álbum titulado ‘Mouth of a River’ que planeaba publicar como Jonna Lee en 2012, cuando el huracán iamamiwhoami se llevó a aquella cantante de folk pop por delante. Una de ellas es ‘OPEN SEA’ que, según Lee, fue el germen de ‘blue’, segundo disco de su proyecto paralelo junto a Claes Björklund. Pero resultaba tan profundamente personal, que decidió guardarla para el momento propicio.

El momento propicio es este ‘REMEMBER THE FUTURE’: es el single principal y abre simbólicamente el álbum, estableciendo el tono de esta obra. Como vimos en su vídeo oficial, ‘OPEN SEA’ puede ser una metáfora de la deriva destructiva de la Humanidad. Una temática que también subyace en las letras de ‘SOME BODY’ y ‘REMEMBER THE FUTURE’, los otros dos temas destacados del álbum como singles y que conforman con aquella una trilogía musical –son las tres únicas canciones creadas junto a su compañero en iamamiwhoami– y estética –cuidada al detalle, pese a su limitación de medios– que configuran la cúspide de este trabajo. En todos ellos habla de la necesidad de un faro, una guía en tiempos oscuros que nos impulse y nos dé esperanza. Pero, como ha confesado Jonna, esa lectura no sólo puede ser universal sino también íntima: en realidad, el impulso de escribir estas canciones fue servir de asidero para alguien muy cercano a ella –quizá ella misma– que estaba pasando por dificultades personales.

Sea cual sea la interpretación que elijamos, lo cierto es que sobre todo ‘REMEMBER THE FUTURE’ sobrevuela esa sensación de esperanza, no sin cierta tristeza pero sin la oscuridad fangosa y asfixiante de su anterior trabajo como ionnalee. Lo hace de manera muy clara en el corte titular que, como ‘OPEN SEA’, es una cuidada construcción instrumental que pasa por distintas formas y fases en torno a su melodía con ínfulas de himno, rematado con ese inspirador “this is not the ending”: esa coletilla al final de cada estribillo resume la idea de que vivir en un mundo de mentira dispuesto por una artista pop es también una manera de vivir con esperanza. De manera análoga, ‘SOME BODY’ habla de la nostalgia como escondite ante un futuro que, aunque pueda traer sufrimiento (“¿Por qué no me dejas hablar de la tristeza del mañana?”), es tan inevitable como excitante.

Esas tres canciones, como decía, conforman la cumbre del disco y este está construido en torno a ella. Pero eso no significa que sea despreciable, ni mucho menos. De hecho, en general ‘REMEMBER THE FUTURE’ es una obra más consistente que ‘EATBF’ y que, sobre todo, consolida a Jonna como autora y productora. Porque aunque canciones como ‘WIPE IT OFF’ –sutil hasta ese final un tanto TR/ST–, ‘SILENCE MY DRUM’ y el precioso final de ‘i KEEP’ brillen un poco menos, son mucho más que meros “fillers”. Pero, sobre todo, porque Lee se crece en los dos duetos del disco: la exquisita transición de la quietud a la épica de ‘MATTERS’, interpretada junto a Zola Jesus (el featuring no podía ser más ideal: ambas parecen unas Zipi y Zape del dark pop separadas al nacer), es uno de los mejores momentos del disco; como también lo es ‘CRYSTAL’, un insólito coqueteo con texturas de R&B que nos regala una preciosa interpretación a dos voces junto a la también sueca Jennie Abrahamson.

‘REMEMBER THE FUTURE’ es algo árido en las primeras escuchas y no es intachable: a diferencia de ’ISLANDER’ –magnífica transición instrumental–, ‘RACE AGAINST’ no aporta nada significativo, mientras que la versión de ‘Mysteries of Love’ de Julee Cruise no termina de encajar en el desarrollo pese a ser una auténtica fantasía (Jonna, Röyksopp, David Lynch y Badalamenti, ¡juntos en la misma canción!). Pero eso no empaña el hecho de que ionnalee logra en este segundo disco bajo ese nombre consolidarse como una creadora única, capaz de idear todo un maravilloso universo artístico. Y no lo olvidemos, desde la autogestión. Sólo Odín sabe de lo que sería capaz de contar con el apoyo financiero y promocional de una multinacional.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘OPEN SEA’, ‘REMEMBER THE FUTURE’, ‘SOME BODY’, ‘MATTERS’, ‘CRYSTAL’
Te gustará si te gusta: Robyn meets Depeche Mode, Austra, TR/ST
Escúchalo: Spotify

Escucha lo nuevo de Liam Gallagher, Mabel, The Divine Comedy, Cecilio G., Madonna, Jonas Brothers, Aitana, Avicii, Kase.O…

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Una semana más renovamos nuestra playlist Ready for the Weekend con las novedades más destacadas. Junto al álbum de La Prohibida lanzado en las postrimerías de la pasada semana, este viernes llegan los nuevos discos de The Divine Comedy, Yeasayer, Virginia Maestro (acaba de posponerse), Jonas Brothers, Aitana, Jamie Cullum, AURORA, Lust For Youth, Silversun Pickups, Peter Perrett, Ruiseñora, Scott Mannion (neozelandés afincado en Valencia en cuyo debut colaboran tanto Lawrence Arabia como Renaldo & Clara), Tyga, Plaid, Vicente Navarro y Pixx, además de históricos como Gloria Gaynor y Santana o el disco póstumo de Avicii, que se ha adelantado a esta misma tarde e incluye colaboraciones de Chris Martin (Coldplay), Imagine Dragons o Noonie Bao. También se han lanzado EPs de Future, el joven rapero TTY y la promesa británica Swimming Girls, mientras que Cecilio G. ha presentado nueva mixtape, ‘Todos presos’.

Desde el pasado fin de semana hemos ido descubriendo adelantos de los próximos álbumes de Bon Iver, Pîxies, Róisín Murphy, Daphni, DORA (Salvatore, la hija de Bimba Bosé, producida por Pional), Mariana Montenegro (ex-Dënver), Girl Band o Ty Segall, además de la ya inesperada reaparición de Jai Paul. Pero no son las únicas novedades que se han ido desvelando estos días: los británicos Temples, el dúo de candoroso folk pop Whitney, Jay Som, (Sandy) Alex G, Blanck Mass (proyecto de la mitad de Fuck Buttons), Ozuna, Delaporte & John Grvy, Brisa Fenoy o The Futureheads han lanzado canciones, muchas de ellas avances de inminentes álbumes.

Ya este viernes se han presentado nuevos singles de Madonna, Liam Gallagher, Mabel, Keane, Betacam, MUNA, Kase.O, Sheryl Crow feat. Stevie Nicks & Maren Morris (nada menos), GoldLink feat. Tyler, the Creator & Jay Prince, CamelPhat & Jake Bugg, Cassius, Paula Cendejas & Alizzz, Labrinth, Amber Mark, Sampa The Great, Elettra Lamboghini feat. Pitbull, The Levitants, ILOVEMAKONNEN, Chlöe Howl, Natos y Waor,

También hay espacio para curiosidades como ese himno al Granada Club de Fútbol que Los Planetas, Lori Meyers, Niño de Elche y Apartamentos Acapulco han presentado para celebrar el regreso a Primera División del equipo de su ciudad. O una remezcla de ‘Poderes extraños’ de La Bien Querida que Triángulo de Amor Bizarro han hecho para la BSO de la película ‘Lejos del fuego’. Además, Japanese Breakfast presenta una preciosa versión de Tears For Fears con fines benéficos y Erykah Badu hace lo mismo, de manera insólita, con ‘Tempted’ de Squeeze. Aunque nada de esto es tan bizarro como la toma en directo de Lou Reed y Luciano Pavarotti cantando ‘Perfect Day’ que anticipa un nuevo recopilatorio del tenor italiano.

Publicado en Spotify ‘TIM’, el nuevo disco de Avicii, con colaboraciones de Chris Martin, Imagine Dragons…

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El disco póstumo de Avicii, ‘TIM’, está desde la tarde del jueves disponible en Spotify, adelantándose unas horas al día oficial de lanzamientos. ‘TIM’ incluye el éxito ‘SOS’ con Aloe Blacc, el single ‘Tough Love’ con Agnes y Vargas & Lagola y las colaboraciones destacadas de Chris Martin de Coldplay en ‘Heaven’ -que actualmente no aparece acreditado como vocalista en Spotify pero sí es el intérprete de la canción- e Imagine Dragons en ‘Heart Upon My Sleeve’.

Antes del lanzamiento oficial de ‘TIM’, en los días 1 y 2 de junio, algunos fans de Avicii habían podido escuchar el disco en primicia a través de un cubo situado en varias ciudades del mundo, en este caso Estocolmo, Londres, Nueva York, San Paulo, Tokio y Sidney. En el cubo, la música empezaba a sonar cuando dos de estos cubos se activaban al mismo tiempo, lo que provocaba que «dos extraños a miles de kilómetros de distancia escucharan una canción juntos». La idea ha buscado celebrar «el poder de la música para conectar a la gente».

‘TIM’ llega poco más de un año después desde el triste fallecimiento del DJ y productor sueco, cuyo nombre real era Tim Bergling, quien fuera autor de algunas de las canciones más masivas de los últimos tiempos, como ‘Wake Me Up’ o ‘Hey Brother’, muy influyentes además por su fusión de EDM y country. En este caso, el álbum póstumo de Avicii incluye influencias de la música árabe o caribeña.

No te pierdas el arrollador regreso de Girl Band tras 4 años, ‘Shoulderblades’

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Girl Band vuelve tras cuatro años. Es el tiempo que ha pasado entre la actualidad y su notable debut de 2015, un ‘Holding Hands with Jamie‘ que parecía el principio de algo grande para la banda irlandesa de noise-rock, pero que por alguna razón ha sido lo último que hemos escuchado de ella en este largo lapso de tiempo.

Probablemente la banda de noise más visceral y completamente ida de la olla que hay actualmente, Girl Band ha anunciado que tiene un nuevo disco preparado para el 27 de septiembre. Se titula ‘The Talkies’ y ha sido grabado en una vieja casa señorial situada en las afueras de Dublín. El grupo ha dicho que su objetivo con este nuevo álbum ha sido «crear una representación sonora de la casa».

El edificio en cuestión, que responde al nombre de casa Ballintubbert, se construyó durante el periodo georgiano en Irlanda en 1725, y debe imponer o incluso dar un poco de miedo, porque lo que le ha salido al grupo parece producto de una psicosis. Claro, es su estilo, pero con canciones como ‘Shadowblades’ Girl Band tiene asegurada la sorpresa del público: otro tema arrollador, en este caso de 6 minutos, que se presenta con un videoclip dirigido por Bob Gallagher y protagonizado por la bailarina Oona Doherty.

Madonna anticipa ‘Dark Ballet’, con vídeo con Mykki Blanco, y critica su entrevista en The New York Times

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Madonna estrena esta medianoche el quinto tema de ‘Madame X’, el experimental ‘Dark Ballet’, dividido en tres partes, la primera de las cuales se dio a conocer en la MET Gala y la tercera en Eurovisión. Un teaser del vídeo ya puede verse en Apple (y bajo estas líneas), revelando que estará protagonizado por el artista y activista queer Mykki Blanco, que tanto ha dado que hablar en los últimos años.

Por otro lado, Madonna ha concedido una extensa entrevista a The New York Times. El artículo, firmado por la periodista Vanessa Grigoriadis, se titula «Madonna a los 60» y es una reflexión, desde el punto de vista subjetivo de la autora, que es fan de la artista desde su juventud, de toda la carrera de Madonna, atravesando temas como la sexualidad, el feminismo, la maternidad, su estancia en Portugal, las filtraciones de ‘Rebel Heart’, por las que Madonna asegura se sintió «violada» -término cuyo uso por parte de Madonna la periodista cuestiona en el artículo-; o por supuesto la edad. Sin embargo, el texto ha decepcionado profundamente a la misma Madonna, como la cantante ha expresado en un durísimo post de Instagram en el que también sale mal parado el propio periódico.

«Después de muchas horas de trabajo, me quedo corta si digo que estoy decepcionada con el artículo», empieza el post de Madonna. «Parece que no tiene arreglo la sociedad y su necesidad imperiosa de hacer de menos, menospreciar o degradar a aquellos que sabe son buenos. Sobre todo si son mujeres fuertes e independientes. La periodista que ha escrito este artículo pasó horas, días y meses conmigo y tuvo acceso a un mundo que mucha gente no ve. Sin embargo, ha preferido centrarse en temas tan superficiales y triviales como la etnia de mi doble [en los ensayos de los premios Billboard], el tejido de mis cortinas o los comentarios sin fin sobre mi edad, la cual nunca habría sido mencionada si yo hubiera sido un hombre». El texto sigue: «A las mujeres les cuesta apoyar a otras mujeres aunque se las den de feministas intelectuales. Me arrepiento de haber pasado incluso cinco minutos con ella. Me hace sentir violada. Y sí, se me permite usar esta analogía pues yo misma fui violada a los 19 años. Esto es una prueba más de que The New York Times es uno de los padres fundadores del Patriarcado, y yo digo: MUERTE AL PATRIARCADO que tan profundamente arraigado está en el tejido de nuestra sociedad. Jamás dejaré de luchar por erradicarlo».

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Mafame ❌ on the cover of N.Y.T. Magazine photographed by my dear friend @jr……….Also sharing my fav photo that never made it in, along with pre-shoot chat and a celebratory glass of wine 🍷 after many hours of work! To say that I was disappointed in the article would be an understatement- It seems. You cant fix society And its endless need to diminish, Disparage or degrade that which they know is good. Especially string independent women. The journalist who wrote this article spent days and hours and months with me and was invited into a world which many people dont get to see, but chose to focus on trivial and superficial matters like the ethnicity of my stand in or the fabric of my curtains and never ending comments on. my age which would never have been mentioned had I been a MAN! Women have a really hard time being the champions of other women even it they are posing as intellectual feminists. Im just sorry i spent 5 minutes with her. It makes me feel raped. And yes I’m allowed to use that analogy having been raped at the age of 19. Further proof that the N.Y.T. Is one of the founding fathers of the Patriarchy. And I say—-DEATH TO THE PATRIARCHY woven deep into the fabric of Society. And I will never stop fighting to eradicate it. 💔

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Tarana Burke, creadora de #MeToo, entre las participantes en el nuevo Cruïlla Talks

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El festival Cruïlla de Barcelona ha presentado este mediodía en el Ateneu Barcelonès Cruïlla Talks, su nuevo programa de charlas y conferencias centradas en la reflexión social. La temática de esta primera edición de Cruïlla Talks, que abarcará cerca de un mes, del 11 de junio al 6 de julio, serán las redes sociales y su impacto en la sociedad, tanto en la creación de nuevos líderes progresistas como Greta Thunberg como en su papel en la propagación de la extrema derecha y en el éxito electoral de políticos como Jair Bolsonaro.

Entre las invitadas destacadas en Cruïlla Talks se encuentra la activista Tarana Burke, conocida por crear, en 2006, el movimiento #MeToo, que eclosionaría en 2017, precisamente a través de las redes sociales, a propósito del escándalo Harvey Weinstein y gracias a la ayuda cataclísmica de actrices como Alyssa Milano. También estará presente en el programa, el 2 de julio, la activista afgana Khalida Popal, creadora de la organización Girl Power; el 4 de julio, la ilustradora Paula Bonet hablando sobre el aborto natural; o el 6 de julio, el cantante brasileño Marcelo D2, muy conocido por su activismo contra Bolsonaro.

En Cruïlla Talks estarán también, entre otros, el cantante de reggae marfileño Tiken Jah Fakoly, que se sentará a hablar, el 5 de julio, con el experto en África de La Vanguardia Xavier Aldekoa y Óscar Camps, fundador de Proactiva Open Arms; o la cantante Beth, que participará en una lectura de libros infantiles enfocados en personajes femeninos históricos. Más información sobre Cruïlla Talks, en la web del festival.

Aitana no descarta publicar su tema con C. Tangana, que no aparece en ‘Spoiler’

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Aitana ha presentado ‘Spoiler’ esta mañana en la Sala Equis, uno de los bares y cines de Madrid más reivindicables en este momento, aunque solo sea porque NO está en Malasaña y porque cines, quedan pocos. La cantante ha concedido una entrevista a Tony Aguilar, que la ha presentado como «la estrella del pop más importante del país» y ha respondido una serie de preguntas a otros medios sobre el álbum, la fama y las colaboraciones que nos aguardan al margen del disco que sale este viernes 7 de junio.

La cantante, que ha reconocido no saber muy bien cómo pronunciar el nombre de Zayn pese a haber colaborado con él hace poco en el tema de la banda sonora de ‘Aladdin’, ha indicado que han quedado excluidas del disco colaboraciones con Vanesa Martín y Dani Martín, pues no considera que haya llegado su momento. Lo mismo ha dicho sobre C. Tangana cuando en el turno de preguntas se lo hemos cuestionado. Aitana había indicado que ‘Me quedo’, junto a «productores increíbles» como El Guincho y Alizzz había sido «un reto» que había «disfrutado muchísimo». Pero no había mencionado a su colega Puchito. Sin desvelar el título del tema, respondía que se reunieron sin saber si estaban grabando algo más bien para la discografía de él o de ella. «Salió algo guay, pero de momento se queda ahí. Me gustó mucho esa sesión, recuerdo perfectamente que fue en enero«.

Sí está en el álbum el mencionado ‘Me quedo’, que además de estar co-escrito y producido por El Guincho y Alizzz, es el tema en el que colabora Lola Indigo. De hecho, Aitana ha revelado que empezó esta canción en junio del año pasado, pasando 3 días con los productores, pero siendo descartada del EP ‘Tráiler’ porque notaba que le faltaba algo. «Le dimos vueltas y hace solo dos meses se la enseñé a Mimi, que añadió unos versos. Ha sido a última hora».

Ocaña también ha hablado de los créditos de Guille Galván de Vetusta Morla y Pional en dos de los temas, ‘Barrio y hielo’ y ‘Cristal’, el último de los cuales también cuenta con Henry Saiz. Aunque sitúa ‘Con la miel en los labios’ como uno de sus cortes favoritos, también ha hablado especialmente de ‘Cristal’, si bien puntualizando que todas las canciones son como «sus hijas». «‘Cristal’ es un tema que me costó porque quería reflejar cómo me sentía a veces. La gente te intenta proteger y opina, pero una es como un cristal. Necesitas caerte para ver el error y seguir adelante».

Aitana ha indicado que el disco es «versátil dentro de que es todo pop» y ha reivindicado su implicación como autora o en el diseño. «Es lo importante, es mi proyecto. Hay un equipo de gente detrás que hace que todo sea realidad, pero yo tengo que ser la más implicada, llegando hasta sitios que ni siquiera sabía que pudiera implicarme». Y ahí ha hablado del diseño del álbum, influido por su descubrimiento del trabajo editado por Recycled J & Selecta.

En cuanto a su ascenso a la fama, Ocaña, que hasta finales de este mes no cumplirá los 20 años, ha revelado que no se podía creer la de gente que ha encontrado esperándola en el aeropuerto en Ecuador, Argentina o México, definiéndolo como «golpes de realidad» que ha ido recibiendo. Sobre su paso por Operación Triunfo ha hablado con cierta melancolía: «Me daba rabia que acabara todo. Te conoce la gente y es ideal, pero quien diga que [la popularidad] no es un choque, miente. ¿Cómo no va a ser un choque? (…) Me da nostalgia, nunca podré volver ahí, pero pasé momentos bonitos». Al respecto y sobre cómo ha cambiado, ha dejado el simpático titular «Soy la misma, pero he evolucionado. Como un pokémon».

Tan confiada en sí misma como para eludir lo que no quería responder pero hacer parecer que está respondiendo (¿cómo se llama su tema con C. Tangana? ¿con quién ha querido colaborar pero no ha podido?), Aitana ha contado que mudarse de Barcelona a Madrid le ha ayudado muchísimo para asentar la cabeza. «Me ayudó mudarme a Madrid porque estaba viviendo en un hotel, me daban regalos, los perdía, iba siempre con una maleta, no podía organizarme… Me ayudó establecerme. Desde que me mudé estoy más calmada». Tras reconocer que afronta su larga gira sin haber estado «sola en un escenario durante una hora y media», se ha despedido diciendo: «Espero que os guste el disco y, si no, no pasa nada».

Matthew Koma destruye a Zedd en una carta pública: «La toxicidad no genera felicidad»

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A día de hoy, Zedd es una de las mayores estrellas mundiales del pop electrónico que aprovechó la ola del EDM. Sin ir más lejos, su reciente single ‘365‘ cuenta con Katy Perry como vocalista invitada, tema que presentó con él en Coachella 2019. Sin embargo, hay quien sostiene que ese imperio que ha construido –o al menos parte de él– se la debe a otros artistas de los que se ha aprovechado sin reconocerles su crédito. Así lo afirma Matthew Koma, compositor, productor y cantante que ha trabajado a lo largo de esta década con artistas tan dispares como Giorgio Moroder, Carly Rae Jepsen, Tiestö, Kelly Clarkson y hasta Bruce Sprignsteen (ha hecho coros en su reciente single ‘There Goes My Miracle’). Él mismo ha reunido su obra en esta playlist.

El también marido de Hilary Duff y padre de su segunda hija ha acudido hoy a las redes sociales para responder a la pregunta recurrente sobre qué les ocurrió a él y a Zedd, cuando era público que trabajaron juntos durante años. Según él, la relación con Anton Zaslavski en sus inicios se comenzó a truncar cuando vio que este le negaba el crédito de autoría e interpretación que, asegura, tuvo. En concreto habla de sus dos primeros éxitos, ‘Clarity‘ –cantada por Foxes a sugerencia suya, al parecer– y ‘Spectrum‘ –que sí le acredita como intérprete, pero no como autor de melodía y letra–, en los que trabajaron codo con codo por encargo, antes de que el ruso firmara por Interscope. De hecho, en fuentes como Wikipedia aparece como co-autor de ambas, pero no en Spotify, por ejemplo. Pero no es el único episodio desagradable o gravoso que narra Koma: también cuenta cómo trató de arrebatarle los derechos de una canción que había escrito para su primer trabajo en solitario y que le costó años recuperar. O que sólo accedió a publicar una versión de ‘Find You’ con su voz, que había compuesto y grabado él, porque tenía un tiempo límite marcado por la discográfica y no consiguió otra voz. Además, el norteamericano destaca que evitó su aparición y reconocimiento en entrevistas, entregas de premios –’Clarity’ ganó un Grammy, pero él no fue convocado– y documentales.

Koma asegura que cree que todo es fruto de la gran inseguridad que, al menos entonces, tenía Zaslavski, y narra episodios en los que pone en entredicho la supuesta pericia del productor –una de las cosas que más está dando que hablar es cuando se negó a cambiar el tono de una canción porque sólo sabía tocar el piano en clave de Do–. También afirma que a lo largo de los años se ha encontrado con numerosos artistas, compositores y productores que le han contado episodios similares relacionados con Zedd (es célebre su enemistad con Diplo, pero de hecho en los comentarios del Instagram de Koma ya le apoyan nombres como el ya citado Tiestö o Rukes). «Ahora», continúa, «tiene mucha gente que escribe sus canciones y le ayudan a producirlas. Pero yo preferiría trabajar en un Starbucks o limpiar retretes que experimentar esa dinámica abusiva de nuevo». «La toxicidad no genera felicidad», concluye antes de bromear al pedir a Alexa que ponga la canción de Zedd ‘Happy Now’. «En realidad, por favor no, no la pongas». Zedd no ha respondido nada en absoluto, por el momento, pero un tuit suyo de ayer que decía «hoy es un buen día» no podía haber sido más oportuno/inoportuno.

Bebe, liberada de un «régimen de semiesclavitud artística», en una sentencia histórica

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Bebe firmó, cuando empezó a ser conocida allá por 2003, un contrato por 5 discos en un máximo de 10 años con Trovador Ediciones S.L., del que se acaba de poder deshacer mediante una sentencia que puede resultar histórica. Un juez de Madrid ha considerado el contrato que firmó «nulo de pleno derecho» por su excesiva duración mientras el abogado de Bebe lo ha tildado como “leonino y comparable a un régimen de semiesclavitud artística”, según informa el diario El País.

¿Por qué puede ser histórica esta sentencia? Según dicho abogado, esta es la primera sentencia que se dicta en España en la que un juez considera “nulo de pleno derecho” un contrato entre un artista y su compañía. La sentencia dice que, debido a su duración, el contrato podía afectar “a toda la obra musical de la cantante” hasta durante «40 años». Además, se impone a Trovador el pago de las costas del proceso judicial. ¿Por qué se habla de semiesclavitud artística? La empresa se reservaba la potestad de retirar de cada uno de los discos las canciones que no le gustasen. Curiosamente, fue Trovador quien presentó la demanda en 2015 al comprobar que solo habían salido 3 de los 5 discos pactados, en un plazo de 11 años: ‘Pafuera telarañas’, ‘Y.’ y ‘Un pokito de rocanrol’.

La sentencia, de 21 folios, dice exactamente, entre otras cosas: “Se trata de un encargo que excede en mucho de la creación de una obra concreta o de una pluralidad de obras […]. Debe entenderse que el encargo formalizado entre las partes en el año 2003 es nulo de pleno derecho en cuanto es contrario al orden público constitucional y a las normas imperativas reguladoras de los límites de la cesión de derechos (…) El encargo genera una vinculación por contrato de obra excesivamente amplia tanto en el tiempo como el objeto, al tiempo que se adicionan condiciones potestativas dependientes de la voluntad de terceros (…) No puede resultar admisible que por la vía del precontrato de edición la autora / creadora —unido de modo indisoluble y causalmente al de creación musical o encargo de obra— quede vinculada indefinidamente, o por un tiempo excesivo a la cesión obligatoria de los derechos de explotación de las obras creadas, se incorporen o no a producciones musicales de larga duración”. El País recuerda que esta sentencia puede ser recurrida ante una instancia superior.

Bebe no ha publicado más singles en solitario desde ‘Corazón’, pese a que prometió una lluvia de lanzamientos tras el mismo el verano pasado. Desconocemos si este proceso tiene algo que ver con el punto muerto por el que parece atravesar su carrera. De momento no ha comentado nada en redes sociales: en Instagram lo último que encontramos es una foto con el desaparecido Eduard Punset.

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Gracias mi querido señor Punset,por mostrarnos y enseñarnos a ver belleza de la ciencia,por hacerla màs accesible a nuestra comprensión mundana. Gracias por aquel encuentro,aquellos dias juntos en su tierra y en la mía,paseando,charlando, descubriendo…por su cariño y por su ilusión,por su capacidad de escucha y Por no dejar de querer emocionarse,sorprenderse y enamorarse de la vida y sus instantes mágicos…Buen viaje a las estrellas…a ese magnifico Universo que con tanto entusiasmo nos acercó al corazón. Gracias con todo amor,mi querido señor Punset…🚀✨❤️✨❤️✨ #eduardpunset #sinpalabras @sinsentido10 #elviajealafelicidad 🌬💋✨

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David Otero, Chelsea Boots, Ana Mena… se acercarán a sus fans en el ciclo Yellow Plans

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Esta semana se ha presentado en el Fortuny Restaurant & Club de Madrid un nuevo ciclo que ofrecerá conciertos especiales de artistas como David Otero y los interesantes Chelsea Boots y gente con tantos millones de streamings como Arnau Griso, Ana Mena o Despistaos, entre otros. Desde la última vez que os hablamos de los madrileños Chelsea Boots, por cierto, han reunido una buena base de fans en Francia gracias a su inclusión en un par de playlists de este país. Así, en París les escucha 8 veces más gente que en Madrid.

El ciclo se llama Yellow Plans y, bajo el paraguas de Wegow y Schweppes, se presenta como una oportunidad de acercar a los artistas con su público. Según la nota de prensa, «los fans tendrán la oportunidad de conocer a los artistas como nunca lo habían hecho antes, a través de charlas íntimas y cercanas en las que desvelarán los secretos de sus últimas canciones, y que tendrán lugar al comienzo de cada encuentro». La información se dará a través de esta página web, donde habrá premios como cenas, reservados, meet&greets, abonos para todo el ciclo, etcétera.

Así queda el calendario de fechas junto a las salas:
25 de junio – Arnau Griso – Fortuny
2 de julio – Pol Granch – Fortuny
9 de julio – Bombai – Fortuny
16 de julio – David Otero – Fortuny
24 de julio – Modo Avión – Perrachica
31 de julio – Ana Mena – Perrachica
4 de septiembre – Artista por confirmar – Marabú
11 de septiembre – Pol 3.14 – Marabú
18 de septiembre – Chelsea Boots – Perrachica
25 de septiembre – Despistaos – Perrachica

Los Estanques también llegan a la felicidad en chándal

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La iniciativa Girando por Salas del INAEM del Ministerio de Cultura y Deporte ha vuelto a llevar a artistas a realizar giras por otras provincias que no son la propia. Algunos de los seleccionados llegan muy lejos y otros en absoluto, pero lo seguro es que en la edición 2019 la organización se apuntó sendos tantos con el concierto de cierre de gira gratuito en la Sala El Sol con Alice Wonder y Los Estanques. Alice Wonder ya había llenado Joy Eslava hace unos meses, tras haber sido seleccionada por esta iniciativa, mientras que Los Estanques están en boca de todos y posiblemente no faltarán en la lista de lo mejor del año de muchos medios (quiero decir, de los pocos que quedan) gracias a su disco homónimo. Foto: Salomé Sagüillo.

Alice Wonder, que con GPS ha girado por lugares tan alejados de la Joy como Baeza o Arrecife en Canarias, apareció en formato trío, pero demostrando que se basta sola. En cuanto a lo primero, los momentos más rugosos podían recordar al trabajo espinoso pero dulce de Wolf Alice. En cuanto a lo segundo, la artista decidió cerrar el concierto con una versión a teclado, en solitario, de ‘Bajo la piel’. Y cuando ves a alguien con el Shazam tratando de averiguar qué es eso que está sonando, capaz de dejar a 400 personas en silencio, es que algo está definitivamente sucediendo, o a punto.

Se quedó gente fuera para ver a Alice Wonder, tal es su buen momento de fama, algo que no sucedió en cambio con Los Estanques a continuación, que sí gozaron de todas formas de una buena entrada, además con la presencia de gente del mundillo tan ajena a su estilo musical como Joe Crepúsculo y La Estrella de David. La banda liderada por el cantante Iñigo Bregel, tan pronto a la guitarra como a los teclados, ofreció una buena presentación de su amalgama de rock urbano, psicodelia y algún destello indie y jevi muy puntual.

Su sonido fue correcto para el agobio que parecían llevar encima, con Bregel pidiendo constantemente más guitarra o más voz en los «in-ear» para sí mismo y otros miembros del grupo. Solo podemos echarles en cara que esas letras que en el disco suelen aparecer en primer plano, en el directo se perdieran algo, lo cual no suele suceder en la Sala El Sol. Los Estanques organizaron el concierto «pasando de la psicodelia a la caña» pero lo que ocurrió realmente es que a lo que pasaron fue al pop, dejando sus mayores bazas, ‘Joder’ y ‘Clamando el error’, ya bastante coreada, para la segunda parte del concierto. En ese momento podían recordar un poquito a Los Brincos, mientras que en los segundos finales optaron en cambio por la improvisación y el ruido. En cualquier caso, Los Estanques, como sucedía en ‘Io sono l’amore‘ (y a tantos artistas actuales de música urbana), están llegando a la felicidad en chándal.

Daphni ilumina saraos y club selectos, te hace bailar y te descubre a Paradise

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Daphni, el alter ego del artista que todos conocemos como Caribou, continúa con su carrera de sorpresas. Lo nuevo es un EP con fecha de edición por determinar que viene presentado por un tema estupendo llamado ‘Sizzling’.

‘Sizzling’ ha aparecido hoy en las plataformas de streaming en su versión normal y en una versión «radio edit», si bien la canción, gracias a su ritmo hipnotizante y ánimo para el bailoteo, bien podría durar 3 minutos o 35. Se inspira además en un corte de 1981 llamado ‘Sizzlin’ Hot’ que el grupo de Bermudas Paradise, uno de los muchos proyectos así llamados, no logró convertir precisamente en hit: suma 6.000 tristes escuchas en Spotify, siendo su tema más popular. Al menos hasta ahora.

Daphni ha acelerado visiblemente este tema quitándole algo de soul y sumándole groove, haciéndolo tan apto para un sarao lleno de estrellas de medio pelo como para los ambientes más exquisitos. El artista ha dicho que desde que lo pinchó la pasada Nochevieja por primera vez funciona estupendamente: «ilumina la habitación cada vez que lo pongo. El gancho es tan inmediato que la gente responde como si fuera una canción que ya conocieran y les gustara». Entre las fechas que aguardan a Daphni está el Sónar en Barcelona el próximo 18 de julio. Le toca cerrar el Sónar de Día el jueves 18 entre 22.00 y 0.00, el mismo día que también podréis ver a Arca o a Fennesz. Os dejamos con original y adaptación.

Sesión de Control: Tomasa del Real, Bearoid, DORA, Camellos, Mariana Montenegro, Boyanka Kostova…

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Nueva edición de nuestra Sesión de Control, sección dedicada a repasar las novedades más destacadas del panorama alternativo de nuestro país y Latinoamérica. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify dedicada a esta sección que se renueva quincenalmente, conservando las canciones incluidas en la anterior entrega. Podéis encontrarla al final del artículo. [Foto interior: Bearoid, por Lakajade; foto exterior: Tomasa del Real, portada de ‘TDR’.]

Comenzamos por destacar los álbumes lanzados en el último par de semanas. Al margen de trabajos ya reseñados de Hidrogenesse, Niño de Elche o La Prohibida, también ha publicado su esperado debut de Bearoid. El valenciano Daniel Belenguer, sobradamente conocido por aquí, lanza al fin ‘ULTRAVIDA’, un primer álbum repleto de pop ecléctico y colaboraciones llamativas como las de One Path o InnerCut. Mimi Barz, con la que hablábamos meses atrás en nuestro doble especial sobre andaluces en el showbusiness, acaba de lanzar su primera mixtape, una ‘Obsidiana 22’ que muestra la personalidad de esta joven actriz en estilos urbanos.

Esos por los que Tomasa del Real es conocida. ‘TDR’ es su nueva colección de neoperreo tras ‘Bellaca del año‘, esta vez «más romántico». En las antípodas estéticas de la chilena, los donostiarras Grande Days han publicado ‘A Way To Collapse’, un debut editado por Elsa Records (el sello del famoso club Dabadaba de la capital guipuzcoana) en el que muestran un post-rock virtuoso no alejado de Yo La Tengo. Pero, ¿podría haber algún grupo capaz de equilibrar esos aparentes extremos? Lo hay: los mexicanos Little Jesus prueban en ‘Disco de oro’ que es posible maridar rock alternativo y R&B, hip hop o soul. La muestra más clara es su single ‘Fuera de lugar’, junto a la estrella del colectivo Finesse, Girl Ultra.

En el apartado de adelantos de próximos álbumes, destacan el presentado por I Am Dive –el dúo de Sevilla lanza ‘Kriegszeit’ el día 20 de junio– o los que avanzan los nuevos álbumes que publicarán el próximo otoño el trío malagueño Ballena, los inefables Camellos y los aún más singulares VVV [Trippin´You]. Además, la ex-Dënver Mariana Montenegro lanza su segundo single en solitario, ‘Música’, el grupo hispano-escocés Indigo Drone –entre Grizzly Bear y los últimos Arctic Monkeys– debuta con Intromúsica y la jovencísima DORA lanza dos nuevos singles de nuevo producidos por Pional: el acústico ‘Call You Back’ y el más R&B ‘Home’.

Otro fichaje destacado por parte de un sello independiente tan importante como Mushroom Pillow es el combo de rap gallego Boyanka Kostova (del que forma parte El Ortiga, también miembro de los fugaces Esteban & Manuel). ‘D. Tristán’ avanza su primer trabajo para el sello en el que también milita Triángulo de Amor Bizarro. También destacamos singles de Ley DJ junto a Soledad Vélez, Sofia Coll, que 5 años después de participar en La Voz Kids tiene entre manos una interesante propuesta musical y estética de pop-R&B, y Fario: el trío madrileño reaparece con ‘Federico’, una solemne tonada que conmemora los 100 años de la llegada de Lorca a Madrid.








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Sorpasso: ‘Here with Me’ ya es el mayor éxito de CHVRCHES… ¿justo el que necesitaban?

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Hace tiempo advertimos que ‘Here with Me’, el nuevo single de Marshmello con CHVRCHES, confirmados en el festival Paraíso de Madrid, estaba a punto de superar los 100 millones de reproducciones en Spotify del que hasta entonces era el mayor éxito de la banda, ‘The Mother We Share’, y el dato está superando cualquier expectativa a día de hoy. Con 230 millones de reproducciones amasados en las plataformas de streaming, ya no hay duda de que esta canción es el mayor éxito de toda la carrera de CHVRCHES muy por delante del resto, pues, mientras permanece dentro del top 50 de las canciones más escuchadas en Spotify en el mundo (46), incluso ha logrado colarse en el Billboard Hot 100, que si ya es difícil para un artista británico, imaginaos para una banda escocesa que además es alternativa. Ahora mismo es top 56.

El éxito de ‘Here with Me’, que ya era tal antes de la polémica Chris Brown, puede considerarse un triunfo o una carga para el grupo, depende de cómo se mire. Por un lado, no está de más recordar que la canción incluye en sus créditos de composición (aunque no de producción) a Lauren Mayberry, Iain Cook y Martin Doherty, es decir, al 100% de CHVRCHES, además de al productor británico Steve Mac (quien ya aparecía en ‘Miracle’) y al propio Marshmello, por lo que este no es un caso de canción totalmente ajena a un artista que se convierte en su mayor éxito, como fuera el del remix de ‘Summertime Sadness’ de Lana Del Rey por Cedric Gervais. CHVRCHES deben a Marshmello el éxito de ‘Here with Me’ pero solo en parte, pues ellos también son responsables de la canción y, por tanto, merecen ser reconocidos por su éxito más allá de quién sea su autor principal.

Sin embargo, CHVRCHES es una banda que siempre se ha autoproducido, por lo que el éxito de ‘Here with Me’ plantea algunas dudas sobre su futuro. Que nadie se asuste: a CHVRCHES le depara un gran futuro por delante, pero ‘Here with Me’ no podría haber llegado en un mejor momento, pues ‘Love is Dead‘ no repetía las ventas de los dos álbumes anteriores de CHVRCHES y, aunque es cierto que tampoco los singles de ‘Every Open Eye‘ lograron la repercusión de ‘The Mother We Share’, da la impresión de que los extraídos de ‘Love is Dead’ incluso pasaron más desapercibidos. Esto, sumándolo a las tibias críticas recibidas por el disco, nos hace preguntarnos si puede ser un paso inteligente para CHVRCHES, de cara a sus próximos proyectos, seguir colaborando con nuevos productores o todo lo contrario. Greg Kurstin ya había producido ‘Love is Dead’ sin demasiado éxito… pero las cifras de ‘Here with Me’ mandan otro mensaje. En su mano está decidir si invitar a gente ajena a su proyecto supone sacrificar la marca CHVRCHES para siempre o salvarla…

Natalia Lacunza detalla su debut, ‘Otras alas’, y el primer single ‘Nana triste’

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Natalia Lacunza, tercera finalista de Operación Triunfo 2018, será la próxima concursante del programa en lanzar un trabajo discográfico. Se trata de un EP de 7 canciones llamado ‘Otras alas’ cuya portada con mueca, un poco en el estilo de ‘This is Acting‘ de Sia, ha revelado la cantante esta tarde en sus redes sociales. El disco sale el 21 de junio.

Antes, Lacunza ya había desvelado los detalles del que será el primer single de ‘Otras alas’, un tema llamado ‘Nana triste’ en el que compartirá créditos con el cantante Guitarricadelafuente. Esta canción podrá escucharse a partir del día 14 de junio y mientras puede verse un adelanto de su videoclip.

Sobre el lanzamiento de ‘Otras alas’, Lacunza ha escrito el siguiente mensaje: «Estoy emocionadísima de poder enseñaros esto!!!!! El 21 de junio sale “OTRAS ALAS”, mi primer trabajo en solitario. Dentro hay 7 canciones en las q he dejado parte de mi corasonsito, incluida Nana Triste. Me muero de ganas de compartirlo y disfrutarlo con vosotrxs, ha sido un trabajo precioso y me he rodeado de personas maravillosas que lo han hecho posible, me siento la más afortunada del mundo».

Entre las personalidades emocionadas por el proyecto de Lacunza, nada menos que la banda de rock ganadora de un Grammy Portugal .The Man, cuyo multimillonario ‘Feel it Still’ la cantante versionó en OT junto al ganador Famous. En la sección de comentarios de Instagram, el grupo ha escrito: «Sí sí sí!!». En Twitter, Portugal .The Man llegaron a elogiar la interpretación de su éxito por parte de Natalia y Famous. Los fans están contestando a este mensaje, claro, sugiriendo una colaboración.

Miley Cyrus canta canciones de Nine Inch Nails adaptadas en ‘Black Mirror’

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He aquí un «crossover» interesante y no, no nos referimos al encuentro entre Taylor Swift y Marilyn Manson de este fin de semana. Como todo el mundo sabe, Miley Cyrus protagoniza uno de los tres episodios en la nueva temporada de ‘Black Mirror’, que se ha estrenado hoy en Netflix. ‘Rachel, Jack y Ashley también’ narra la historia de una estrella del pop llamada Ashley O, interpretada por Cyrus, que lanza al mercado un robot idéntico a ella.

Curiosamente, en la trama del episodio se han colado la banda de rock industrial Nine Inch Nails de manera indirecta. Y es que son las canciones del grupo de Trent Reznor las que Cyrus interpreta en el episodio, aunque adaptadas con otras letras más acordes a su personaje. Entre ellas se encuentra ‘Head Like a Hole’, que en lugar de hablar de «almas negras» y de la muerte, contiene ahora una frase más propia de Hannah Montana: «estoy embriagada de ambición y motivación / conseguiré todo lo que merezco».

El creador de la serie, Charlie Brooker, ha dicho que tanto la autora de ‘SHE IS COMING‘ como Trent Reznor no se pensaron nada la oportunidad de participar en ‘Black Mirror’ cuando esta les llegó a la mesa, pues ambos son fans de la serie. De hecho, Nine Inch Nails van a sacar tajadilla de su contribución a este episodio lanzando unas nuevas camisetas oficiales que, con su punto irónico por tratarse de esta banda, molan bastante.

La Prohibida / Ruido

Los 3 millones de reproducciones conseguidos por ‘Baloncesto’ en las plataformas de streaming, sin ningún sello de apoyo ni gran infraestructura, han tenido que ser una presión para La Prohibida y también para Víctor Algora. Ambos intentaban recrear parte de su magia en el reciente single ‘Ruido’, un pelín insatisfactorio y enrevesado en comparación, pero La Prohibida ha conseguido algo mejor: un álbum más consistente que ‘100k años de luz‘ sin rellenos ni amagos de balada y un poco más afinado y elegante en cuanto a producción. Allá donde Javiera Mena ha querido abrirse a otros géneros como el reggaetón, La Prohibida permanece fiel a su base italo disco, lo que en su caso en su plus, pues además las bases y sintetizadores suenan cada vez más finos.

Para todos aquellos que crecimos escuchando en la radio hits como ‘Dolce Vita’, ‘Only You’ de Savage, ‘Call Me’ de Spagna o incluso ‘Tarzan Boy’, es una gozada entregarse a ‘Ruido’; para los que no, el álbum es igualmente comprensible, pues este disco está más pulido que sus referentes más populares, desde el sentido espacial de los sintetizadores y la letra de la inicial ‘Galaxia desierta’ a la final ‘Cemento y hormigón’, que se abre con un bajo electro a lo Trans-X para luego ofrecer un desarrollo más ambiental propio de Jean Michel Jarre. Hay guiños a otros estilos como el HI-NRG, y ‘Schleswig-holstein’ se aproxima a ‘You Spin Me Round (Like a Record)’ de Dead or Alive; mientras ‘Rosa’ recuerda tanto a ‘Maniac’ de Michael Sembello como a la primera Madonna. Pero es el italo lo que marca el paso, y así se expresaba La Prohibida hace unos años hablando de este estilo a «finales de los 70 y los 80» y también de su conexión con la música de otros lugares: «Creo que tiene un ritmo muy evocador y elegante, y potencia la melodía, que es algo que considero fundamental cuando me pongo a grabar. Aunque me gusta el pop europeo en general».

Su pasión por Italia no queda en unos simpáticos bajos y sintetizadores de ensueño y hay un par de temas cantados en la lengua de Giorgio Moroder en los que La Prohibida ha contado con la autoría de dos miembros de Egokid: el mencionado ‘Rosa’ y además ‘Il Compromesso’, de final precioso. Porque aunque no siempre los estribillos brillan tanto como la producción, haciendo que las canciones sean menos inmediatas de lo que cabría esperar, sí aparecen muy trabajadas, como muestra también el dúo con Víctor Algora ‘Bouvet’, uno de los grandes «growers» del álbum tanto por los sintes como por el post-estribillo y lo que parece una suerte de mensaje ecologista; o ‘Schleswig-holstein’, la mejor canción del conjunto.

Y es que otra de las cosas que hay que elogiar de La Prohibida es el modo de abordar las temáticas que escoge interpretar. ‘Schleswig-holstein’ toma su nombre de un estado alemán que ha pasado a lo largo de la historia por varias manos para dejar un mensaje anti-barreras (¿anti-fronteras?) abordado con una perspectiva bastante original. «Las alianzas históricas no nos separarán jamás», concluye después de una serie de aventuras de pasaportes perdidos y «complots». No se ciñe además, al italo o al HI-NRG más estandarizados: en un momento parece emerger más bien un piano house.

Este es un momento totalmente eufórico en ‘Ruido’, y esa sensación no se pierde incluso cuando aparece la desazón típica de las canciones más autodestructivas de los hermanos Canut. ‘Basura espacial’, prima hermana de ‘La mano en el fuego’ de Fangoria, indica que «no hay más solución que reciclar mi corazón / y así reutilizar tanto rencor artificial, insustancial». Y tampoco quiere sonar triste la adaptación de ‘La tristeza de ser electrón’, aquella magnética y realmente fascinante canción de Antonio y Carmen que recuperaron Prin La La o Parade, escrita por Carlos Fernández Tejero, profesor titular de la facultad de Ciencias Físicas de la Universidad Complutense de Madrid. Es una joya perdida del pop español (imperdible, esta entrevista), pero aquí opta por deshacerse de algo de esa «tristeza» en pos del bombo, quitándole paradójicamente algo de fuerza.

En cualquier caso, La Prohibida logra un disco equilibrado y variado, con temas como ‘Mariposa negra’ de Algora también aportando un punto oscuro. Coherente hasta el punto de que ‘Cemento y hormigón’ llega a tiempo de sonar como un himno de depresión post-electoral tras el 26-M en el que sus paredes abruman tanto como las precisamente vistas en el escenario urbano y gris del vídeo de ‘Ruido’. Yo también quiero «un municipio perfecto», «un plano urbano que permita desarrollar utopías imposibles radicales y expertas». La Prohibida presenta el disco el viernes 7 de junio en Barcelona, el 8 en Sevilla y el jueves 13 en Madrid.

Escena Barcelona regresa a Apolo con conciertos de Luces Negras, Malv, Sin Bragas, Spacer…

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La segunda edición de Escena Barcelona, el mini festival de Apolo dedicado a la escena local, anuncia fecha y programación. El próximo sábado 15 de junio, 9 bandas, DJ’s y productores afincados en Barcelona presentarán sus propuestas musicales en una jornada de 5 horas de música en La (2) y La (3) de Apolo. El horario de Escena Barcelona será de 19.30 horas a 00.30 horas y enlazará con la habitual programación de Nitsa, club del fin de semana. El acceso será gratuito.

La agenda de conciertos de Escena Barcelona se compone de varios artistas o bandas que pueden englobarse en los géneros del punk y el garage, el pop y el punk-rock, el urban y la electrónica. En el primero encontraríamos al dúo de punk Surf&Fat, la banda de riot grrrl Meconio y a Sin Bragas, que hace «ruido escacharrado entre el punk y la música disco». Y en el segundo a Luces Negras (de los que ya os hemos hablado), el cantautor Sergi Egea y la cantautora Marta Delmont.

En el ámbito de las músicas urbanas presentarán sus propuestas PRETTY PRETTY 2000, que exploran ritmos como el reggaetón o el dembow; Malv, que mezcla R&B, soul y trap, y el rapero Sosa Monfrère, Finalmente, Spacer pondrá la guinda electrónica en Escena Barcelona con su proyecto influenciado por la música de los años 60, 70 y 80. Para más información sobre el evento, puedes visitar la web de Sala Apolo.