Continúa la confusión en torno a la actuación de Madonna en Eurovisión. Si la presencia de Justin Timberlake en la edición de 2017 ya estaba confirmadísima por estas fechas, la de Madonna a solo cuatro días de que se celebre el festival en Tel Aviv, el próximo 18 de mayo, sigue “en el aire».
La razón es que Madonna no ha firmado todavía contrato alguno para actuar en el festival, como ha insistido este lunes en una rueda de prensa el supervisor ejecutivo de Eurovisión Jon Ola Sand. Este ha dicho que si Madonna no ha firmado ningún contrato, su actuación no puede estar confirmada pese a lo que han publicado numerosos medios israelíes y de todo el mundo en las últimas semanas. Y ha sido claro: «si Madonna no firma el contrato esta semana, no subirá a ese escenario».
La UER ya confirmó a JENESAISPOP y a otros medios que Madonna seguía sin haber firmado un contrato para actuar en Eurovisión y que por tanto este show no estaba confirmado, pero mientras la autora de ‘Crave’ parece estar pensándose la actuación hasta el último momento, Times of Israel publica que su equipaje técnico está ya en Israel y que la cantante aterrizará en el país el miércoles por la mañana.
Mientras esperamos a que Madonna firme el documento pertinente, la cantante ha hablado sobre el asunto en declaraciones a Reuters. Aunque de su boca sigue sin salir la frase «actuaré en Eurovisión», la autora de ‘Medellín’ ha querido defender su posible presencia en el festival frente a las críticas que cuestionan que haya aceptado actuar en Israel, un país cuyo conflicto con Palestina sigue a la orden del día. Madonna ha dicho que es «defensora de todos los derechos humanos» y que no se «doblegará antes los intereses políticos de otros». «Espero que pronto nos liberemos de este horrible ciclo de destrucción y podamos crear un nuevo camino hacia la paz», ha apuntado.
Del mismo modo que ‘Diarios’ (2013) y ‘1971’ (2010) conformaban una suerte de dupla, podría decirse que este ‘Niño futuro’ es una suerte de eco o consecuencia directa del viraje al rock loureedesco y desmelenado que Rafael Berrio llevó a cabo en ‘Paradoja’ (2015). Un disco que, triste e injustamente, nunca reseñamos por aquí y que, pese a alejarse del clasicismo de canción centroeuropea de sus precedesores, era (es) también notable. Si en aquel trabajo esta tan histórica como poco popular figura del pop rock en español de las últimas décadas se rodeaba de una banda de rock aguerrida, un poco retrotrayéndose a sus tiempos de Deriva y Amor a Traición pero aún más desbocado, este nuevo álbum sigue la misma línea aunque algo más dócil en fondo y forma.
Cabría achacar la mayor amabilidad que desprenden estas 10 nuevas canciones a la nueva formación instrumental que le rodea, en la que sólo repite al bajo Fernando “Lutxo” Neira pero, a cambio, cuenta con nombres tan insignes como Joseba Irazoki (Atom Rhumba, Duncan Dhu, Nacho Vegas) o el reconocido pianista de jazz y blues Paul San Martín (hermano de Xabi de La Oreja de Van Gogh, por cierto). Pero eso sería restar mérito a la producción del propio Berrio, que sitúa el sonido de ‘Niño futuro’ muy cerca de trabajos recientes de nombres como Edwyn Collins, Roddy Frame, Robert Forster o Peter Perrett. Artistas que, como él, vivieron con intensidad los 80, poco menos que se les tragó la tierra en los 90 y han irrumpido en el amanecer del nuevo siglo como outsiders que optan por ser fieles a la artesanía de la canción y el rock clásico.
Sin un aparente concepto, más allá de ofrecerse a sí mismo como espejo de la dudosa gloria y la segura pena de la condición humana, Berrio sí parece establecer una estructura reconocible en ‘Niño futuro’. Como si tendiera la cuerda de un funambulista, Berrio instala los puntales principales de este disco en su arranque –tras la bienvenida taciturna con la oda al estilo de vida bohemio, de cierto tono paródico, titulada ‘Dadme la vida que amo’– y su culminación –con una ‘El truco era un resorte’ que ejerce de agridulce puerta de salida, escoltada por Dylan a la diestra y Bill Callahan a la siniestra–. Ambas sólidas cimas, casi antagónicas, son ‘Considerando’ y la propia ‘Niño futuro’.
La primera emerge como la canción más redonda del disco, poniendo en duda el desapego por la melodía que no hace tanto aseguraba sentir su autor, engalanando el tragicómico retrato de una pareja –el contrapunto vocal femenino de su colaboradora Virginia Pina le va al pelo, por tanto– que se deleita en su propia zozobra. La segunda, en cambio, es una suerte de glorioso spoken word (quizá inspirado por el espectáculo poético basado en la obra de Emil Cioran que ha venido desempeñando el donostiarra temporadas atrás) sobre un fondo de rock tenso que trae a la mente a las malas semillas de Nick Cave. En sus 7 minutos, Berrio se compadece de los jóvenes que, azorados, ansían entregarse a una vida de arte que, sin duda, les reserva lo peor, aderezado con ciertas victorias en el mejor de los casos. Misericorde, el rapsoda les relata con escrupuloso detalle la brillante y podrida fauna que se encontrarán en ese camino. Su retahíla de epítetos y nombres, cómica y terrible a la vez, es una de las mayores muestras de ingenio lingüístico que se haya escuchado/leído jamás en el rock de este país.
Entre uno y otro extremo de la soga elevada en el vacío, el funambulista Berrio transita un camino que culmina exitoso (como ya he revelado), pero no sin cierto vaivén, claro. El tramo central –con la tristísima añoranza esbozada en ‘Tu nombre’ (musicando un texto de su hermano, el poeta Iñaki Berrio) y ‘El horror’ (que retrata la idiotez humana como el motor que nos hace tan resistentes a un holocausto como las mismísimas cucarachas)– posee un tono musicalmente áspero, menos vibrante. Pero, bien sostenido a cada extremo, una hábil distribución de claroscuros en ese paseo por la cuerda posibilita que autor y oyente no perdamos nunca pie. Todo gracias al luminoso contraste que ofrecen ‘Mi álbum de nubes del cielo’ –tan sencillo como amargo canto al dolce far niente–, ‘Sísifo releva a Sísifo’ –con el seductor encanto de la vileza y el egoísmo humanos como fondo–, una tan filosófica como uptempo ‘Abolir el alma’ (con coros de Elena Setién, parece consecuencia de la citada representación inspirada en textos del literato rumano Cioran, que se llamaba exactamente como este corte) y una ‘Las tornas cambian’ que ironiza sobre el teórico éxito que cabía atribuir a la ya extinta aventura multinacional con la que inauguró esta década que cierra así.
Rafael Berrio ejecuta todo este dispendio de rock elegante y exquisito con el atractivo añadido de explorar los confines del lenguaje castellano, habida cuenta de que, más que un cantautor, es un escritor que canta. La poesía que despliega en sus canciones, su riqueza semántica, se aleja del lenguaje común, aunque no renuncia a introducir guiños coloquiales y mucho sentido del humor como hábiles contrapuntos. Un posicionamiento estético valiente –y más en los tiempos de economía que corren– que ennoblece el oficio musical y justifica su categoría de arte. Por eso nunca es fácil enfrentarse a escribir sobre un nuevo disco suyo. Espero, al menos, haber caído con dignidad.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Considerando’, ‘Niño futuro’, ‘Dadme la vida que amo’, ‘Tu nombre’, ‘Las tornas cambian’ Te gustará si te gustan: Roddy Frame, Edwyn Collins, Robert Forster, Peter Perret. Escúchalo:Spotify, Bandcamp (donde está disponible toda su recomendable discografía en formato digital)
Si me hubieran dicho hace tiempo que me engancharía a una balada de P!nk, no me lo habría creído. Siempre me ha parecido que el éxito de baladas como ‘Just Give Me a Reason’ o ‘Try’ era directamente proporcional a lo horrorosas que eran las canciones, pero el nuevo álbum de P!nk está lleno de momentos similares y al menos uno de ellos puede ser el mejor de todos.
Como ha apuntado mi compañero Sebas E. Alonso en su valoración del disco, la balada a piano ’90 Days’ menciona ‘Fast Car’ de Tracy Chapman de manera crucial en uno de sus pasajes, en el que encontramos a nuestros dos protagonistas, en medio de una relación que se ha tornado fría, dando vueltas al volante sin rumbo. Dentro de ese coche, P!nk le da otras vueltas a la cabeza, tratando de encontrar las palabras adecuadas para pedir a su amante que la deje y ponga fin al tormento. Curiosamente P!nk canta la frase «let me down slowly», como el éxito de Alec Benjamin que pasaba recientemente por nuestra sección «La canción del día».
La melodía de ’90 Days’ es preciosa y el desarrollo de la canción, magistral hasta llegar a su cumbre rebosante de emoción. Pero ’90 Days’ destaca por su producción: las voces de P!nk y de su artista invitado -y co-autor de la canción- Wrabel están manipuladas de principio a fin con un efecto parecido al «Prismizer», recordando a experimentos recientes como ‘Beautiful Wreck’ de MØ, la versión de ‘liability’ de Lorde por Tove Styrke o, en menor medida, ‘Why’ de Shawn Mendes. El efecto cyborg está conseguido y añade una riqueza especial a la canción, pero ’90 Days’ es una composición estupenda que funcionaría en cualquier formato.
Lola Indigo presentaba anoche en una pequeña sala de Madrid (Uñas Chung Lee) su disco ‘Akelarre’, el esperado debut que publicará este mismo viernes. Lo hacía en un evento para influencers, prensa y algunos fans a los que se obsequiaba con un pequeño presente (una vela roja, una piedra y una estampita con una letra del disco), además de con un poco de bebercio. Como suele suceder en estos eventos, pesó tanto o más el photocall con famosos amigos tipo Cepeda y Carlos Right que lo musical, y lo que vimos fue un breve set con Lola Indigo cantando en directo sobre una base grabada, acompañada de 4 bailarinas, siempre esenciales en su batucada de proyecto.
El inicio fue titubeante. Hasta dos veces entraron unos segundos del playback que no era, porque la canción que tenía que abrir era ‘Mujer bruja’, la primera que encontraremos también en la secuencia de ‘Akelarre’. Mimi Doblas resolvió la papeleta de tener que contar con las voces de Mala Rodríguez o luego la de Lalo Ebratt en ‘Maldición‘ evidentemente pregrabadas, distrayendo la atención del público hacia las coreografías, bastante apañadas y trabajadas. Beyoncé parece la inspiración de las mismas en su obsesión por lo geométrico, el recalcar de los ritmos percusivos casi tribales y los pataleos. Aquí no hay tiempo para la sutileza ni la balada: todo el set es bastante brutote y las caras de Doblas durante el set podrían inspirar exactamente los mismos memes que la entregadísima Knowles de la Super Bowl.
Lola Indigo manifestó haber estado nerviosa para esta presentación porque se sentía como en un «examen» final en el que tenía que presentar la obra en la que tantos meses ha estado trabajando en el estudio, pero desde luego no se notó. El foco estaba puesto en las interpretaciones de temas como ‘El humo’; el tema con Maikel Delacalle ‘Subliminal’, del que se mostró especialmente orgullosa; o hacia el final un ‘No se toca’ que continúa por la senda africanista, Mad Decent y también un tanto españoleta y latina que ha caracterizado su sonido. «Se mira pero no se toca», repite insaciable en el que es otro de sus poderosos estribillos, aunque no tanto como el del hit que se había reservado para el final, obviamente ‘Ya no quiero ná’, aún incombustible meses después de su edición. El formato sin dj’s, MC’s ni percusiones en vivo no fue el más impresionante, pero definitivamente estaremos ante uno de los discos más concisos, cohesivos e interesantes salidos de OT. 6.
Flying Lotus publica un nuevo álbum el 24 de mayo, un ‘Flamagra’ que, como os hemos contado, va a ser épico, pues contiene 27 pistas, muchas de las cuales son colaboraciones con otros artistas. Una de ellas era ‘Fire is Coming’ con David Lynch, otra ‘Spontaneous’ con Little Dragon y una tercera ‘More’ con Anderson .Paak, que acaba de sacar disco.
‘More’ es el nuevo single oficial de ‘Flamagra’ y su videoclip ya puede verse. Dirigido por Shinichiro Watanabe, director del célebre anime ‘Cowboy Bebop‘ y con el que Flying Lotus trabajara en el corto ‘Blade Runner: Black Out 2020’ hace un par de temporadas, el vídeo de ‘More’ es animado y está ambientado en un lugar desértico, en el que vemos a nuestros dos personajes protagonizando un extraño encuentro: Anderson .Paak es un robot con un pinchadiscos en el pecho y FlyLo un astronauta que se convierte en un árbol hecho de órganos.
Otro vídeo surrealista de Flying Lotus que Watanabe asegura ha sido creado con «algunos de los dibujantes de anime más talentosos de Japón» y que de hecho ha dado lugar a otra colaboración por parte del artista y del autor de ‘Cosmogramma‘. Ambos trabajan ahora en una serie llamada ‘Carole & Tuesday’.
Los Punsetes / Una persona sospechosa: El avance de lo nuevo de Los Punsetes es un nuevo acertado retrato social contra la falsedad y la hipocresía, además de un tiro. Amaia / El relámpago: Precioso primer single oficial del que será el disco debut de Amaia, y que ha presentado recientemente en Warm Up. Madonna, Maluma / Medellín: Antes de que ‘El relámpago’ fuera la canción más votada en JNSP, lo fue el divertido tema de Madonna con Maluma que su co-productor Mirwais definía como un «reggaetón futurista». Marina / True: Aunque no ha sido uno de los temas más populares de su proyecto ‘LOVE‘ + ‘FEAR‘, era el popero ‘True’ el que seleccionábamos hace poco como «canción del día«. The Chemical Brothers / No Geography: Tampoco ha sido single principal, inexplicablemente, el tema que da título al excelente nuevo álbum de Chemical Brothers. Gesaffelstein, Pharrell / Blast Off: Obvio segundo sencillo del notable último disco de Gesaffelstein, aquí con Pharrell Williams y recordando por razones evidentes a Daft Punk. Carly Rae Jepsen / Julien: Otro pelotazo de electropop pero en un estilo más luminoso y ochentero es este nuevo avance del disco de Carly Rae Jepsen que llega este mismo viernes al mercado. Brigitte Laverne / Disco China: Ningún fan de Los Romeos o Ladyhawke ha de perderse el divertidísimo disco de potentes guitarras eléctricas que ha sacado Brigitte Laverne. FKA twigs / Cellophane: Uno de los regresos más embriagadores de 2019 ha sido el precioso tema a piano con efectos de FKA twigs, acompañado por un espectacular vídeo. Florence + the Machine / Jenny of Oldstones: Aunque no la ha escrito ella, Florence ha encajado a la perfección en esta producción que cerraba uno de los capítulos de la que está siendo la última temporada de ‘Juego de Tronos’.
Vampire Weekend / This Life: Segundo single oficial del nuevo disco de Vampire Weekend, ‘Father of the Bride‘, que ha pasado por nuestra sección de «Discos Recomendados«. Pauline en la Playa / Un bosque: Estupendo regreso a la palestra de las hermanas Álvarez, que este mismo mes tendrán disco en la calle. Angèle / Balance ton quoi: Impecable producción audiovisual con mensaje de la recomendable Angèle, a quien si aún no conoces, ya estás tardando en hacerlo. Kim Petras / Broken: Nuevo tema destacado de la cantante de pop Kim Petras, cuyo debut largo cada vez intuimos más cercano. Cecilio G, Marvin Cruz / Million Dollar Baby: El que ya es el mayor éxito de Cecilio G en Spotify es también probablemente su mejor canción por su carácter autobiográfico y honestidad brutal. NO FUCKS / Muerte por asco: El que debió de ser el gran himno en 2016 de los asturianos afincados en Madrid NO FUCKS ha presentado este mes al fin su videoclip. Tame Impala / Borderline: Segundo single del próximo disco de Tame Impala, que a algunos nos ha dejado más satisfechos que el primero. Mark Ronson, Lykke Li / Late Night Feelings: Segundo single del próximo disco de Mark Ronson, que a algunos nos ha dejado menos satisfechos que el primero con Miley Cyrus, pero no suena nada mal. Bleached / Hard to Kill: Gran pelotazo de pop-rock de Bleached apto para seguidores de Blondie y de The Ting Tings. Weyes Blood / A Lot’s Gonna Change: Tema extraído de otro de los álbumes que han pasado por nuestra sección de Discos Recomendados, claramente inspirado en el mejor pop de los años 70.
Lucy Dacus / My Mother & I: Bonito tema de la cantautora Lucy Dacus estrenado justo a tiempo para el Día de la Madre este mes. James Blake / Assume Form: No, nosotros no nos hemos olvidado de la existencia del último disco de James Blake y te contamos hace poco por qué este era uno de los temas destacados. Marem Ladson / Nothing Really Matters: Sorprendente nuevo tema de Marem Ladson, en gran medida un cambio estilístico para la cantautora gallega. Stormzy / Vossi Bop: El que ha sido número 1 directo en Reino Unido ha sido el rey del grime con este tema que suma más éxitos a su nutridísimo repertorio. Bea Miller / it’s not u it’s me: La joven Bea Miller da un paso adelante gracias a este simpático tema que venía presentado por un vídeo repleto de freaks y una estética falsamente naif. Alec Benjamin / Let Me Down Slowly: Llega a España el éxito de este tema de un joven de 18 años que antes se viralizaba en Australia o Estados Unidos. Don Patricio / Enchochado de ti: Además del éxito de ‘Contando lunares’, Don Patricio se apunta otro tanto con este tema que también suma ya unos cuantos millones de streamings. Becky G, Maluma / La Respuesta: Maluma sacaba nuevo single al mismo tiempo que ‘Medellín’, un pegadizo tema dedicado al público latino (ella también le está pegando al inglés), en el que Becky G se empodera y le dice que no a todo. Juan Luis Guerra / Kitipun: Ahora que tanto se habla de música latina es justo subrayar que uno de los artistas más influyentes de la misma ha vuelto en plena forma. Ed Sheeran, Justin Bieber / I Don’t Care: El nuevo hit internacional, probable número 1 en breve en varios territorios recibe el nombre de ‘I Don’t Care’.
Anni B Sweet ha llegado al fin a su cuarto disco tras cuatro años de espera. Se trata de su primer álbum en castellano, aunque es más noticiable el buen acabado y coherencia del mismo en su entrega a la psicodelia espacial. Estamos ante uno de sus trabajos más sólidos, y presentado por la que es desde el día de su lanzamiento una de sus mejores composiciones, ‘Buen viaje’. La cantante nos atiende en las oficinas de Subterfuge en Madrid, visiblemente apurada por haberse presentado casi media hora tarde a causa de los atascos y las obras en la ciudad. ‘Universo por estrenar’ se presenta este 14 de mayo en la Plaza Mayor en las fiestas de San Isidro y un día después en León.
El disco tiene un sonido muy concreto y coherente, aunque incluye varios subgéneros por los que te preguntaré luego. ¿Qué influencias has tenido?
Tenía un sonido muy claro en mente, un sonido de grano, con efectos, delay, el «space echo» que se usaba antes… Al grabar tenía que centrarme en algo, pero no en un grupo en concreto. Los más notables que tenía como referencia pueden ser Temples, Tame Impala, la ELO, Unknown Mortal Orchestra, la neo-psicodelia -como la llaman ahora-, y muchísimos grupos de los 60 y los 70.
¿Cómo cuáles (aparte de la ELO)?
Pink Floyd ha sido el centro de todo, es donde más nos hemos centrado. Al grabar los referenciábamos a ellos o a los Beatles. Ese coger una cinta, retrasarla un poco para que haya una especie de eco, para que la voz parezca doblada…
A veces me da la sensación de que citamos a Tame Impala como influencia como si hubieran inventado algo…
Desde pequeñita me gustaban mucho Pink Floyd, pero también te digo que yo no me planteo si un grupo ha inventado algo o no: si me gusta, lo disfruto y si no, pues paso. Entiendo esto que me comentas pero yo tampoco he dicho que hagan nada nuevo. Me parece que lo hacen muy bien y me gustan mucho. ¿Cuáles serían tus discos favoritos de Pink Floyd?
Puede ser que ‘The Wall’. Me encanta «The Madcap», que creo que era de Syd Barrett. De pequeña me gustaban las canciones más clásicas, las escuchaba por mis hermanos. Y a los 17 y 18 años me metí más en ello. (NdE: consulta algunas portadas en el móvil) ‘Obscured by Clouds’ es increíble, ‘The Dark Side of The Moon’, ‘Wish You Were Here’… ‘Animals’ no lo tengo tan escuchado, sabiendo que es un disco muy bueno, pero lo tengo más apartado. Y los de los 80 son los que menos conozco.
¿Qué ha aportado el productor James Bagshaw, líder de Temples? ¿Se encontró las canciones ya hechas o aportó bastante?
Las dos cosas. Tenía la pre-producción hecha en casa con muchos arreglos. Me lo curré mucho en casa, pero sí es cierto que ha dado coherencia. Parece que me estoy contradiciendo. Casi todo se ha vuelto a grabar, pero se quedó algún sintetizador y algún arreglo de guitarra al que él le daba su toque. Todas las locuras que tenía en la cabeza, como en ‘Astros’, con unas voces que se van y luego vuelven, estaban como más brutas hechas en mi casa. Y él aportaba coherencia.
«Yo no me planteo si un grupo ha inventado algo o no: si me gusta, lo disfruto y si no, pues paso»
Ponme algunos ejemplos de sus aportaciones.
En ‘Sola con la luna’ el final no era así. Y ‘Buen Viaje’, igual: acababa de otra manera y él le dio el subidón.
No te quiero preguntar mucho por el cambio al castellano, pero Christina Rosenvinge, que ha escrito también en castellano e inglés, ha hecho un libro en el que habla mucho de la métrica, de la rima, de monosílabos, de acentuación… Y de lo distinto que es escribir en un idioma u otro. Háblame de tu visión.
A nivel técnico no he analizado tanto lo que he hecho. Me he dejado llevar y he hecho lo que sentía, a la manera que me ha ido saliendo. Me encantaría en el futuro analizar más la lengua, porque a lo mejor he hecho cosas sin darme cuenta. Hago las cosas de un modo más salvaje. He escrito un montón, desde ‘Chasing Ilussions’ (2015) estuve escribiendo en español. Lo que sí me ha ocurrido es que al hacer melodías sin la letra, en inglés era sencillo meter las frases y en castellano era más complicado. A veces había que sacrificar la melodía si por cojones quería meter una letra. Y al revés, tenía tres libretitas con letras y ha sido imposible meterlas si le daba importancia a la melodía. Para mí los 60 y los 70 eran muy de la melodía y no quería quitarle importancia. Ha habido sacrificios y dificultades. Tengo ganas de leer el libro (de Christina).
Ahora que has dicho «cojones», me he acordado de que has metido palabrotas en las letras. ¿Te ha salido de manera natural o te ha costado encajar palabras?
En ‘Qué hago aquí’ parte de la estrofa y otra parte del estribillo estaban en inglés. Quería hacerla en castellano y sí que me vi con alguna dificultad. Pero al final dándole vueltas y siendo fiel a lo que quieres contar, salió. No me ha ocurrido en el resto. Sí me ha pasado que no encuentro una palabra en castellano pero sí 20 en inglés. Y al cantar es más musical el inglés. Pero debo decirte que me ha sorprendido un montón el español, y si me dieran a elegir…
«Estoy metida en el rollo de abrir la imaginación y dejarse llevar. La música psicodélica me lleva por paisajes mentales a los que no me lleva otro tipo de música»
Ya que mencionas ‘Qué hago aquí’, el tema habla de un viaje sin movernos. Ese «viaje» me ha recordado a la asociación entre drogas y música psicodélica que solemos hacer. Incluso en la prensa musical se leen cosas como esta canción parece un «viaje de setas» o «una fumada». ¿Tu «viaje» también va por ahí?
El viaje del que hablo es mental pero no tiene que ser necesariamente a base de drogas. De hecho yo no tomo drogas. No paso de la cerveza y el vino (risas). Estoy metida en esto de abrir la imaginación y dejarse llevar, llegar más allá, analizarse a uno mismo… Me refiero también a ese viaje musical de cuando escuchas algo y resulta muy visual. La música psicodélica supuestamente lleva por paisajes mentales y recovecos a los que no lleva otro tipo de música.
Pero supongo que sabes de lo que hablo, el movimiento hippie de los 60, la marihuana…
Claro que fue así, pero me sienta muy mal, yo no puedo (risas) Si tuviéramos aquí a los Pink Floyd… La psicodelia viene de cómo la música llegaba a lugares de la mente donde no podía llegar otro tipo de música.
También recuerdo que Noel Gallagher decía en los 90 que siempre componía colocado.
Lo dicen muchos artistas, esto va a quedar fatal, pero me da envidia. Pero me sienta muy mal solo una calada (risas) No sé si con las drogas mi música sería mucho más alucinante (risas). De momento, no…
«No sé si con las drogas mi música sería mucho más alucinante»
Cuando te entrevistó mi compañero Pablo N. Tocino, dudabas entre dos singles que entonces tenían otro nombre provisional, y deduzco que son ‘Astronauta’ y ‘Buen viaje’. ¿Cómo te has decidido por ‘Buen viaje’? Para mí ahora mismo es súper claro…
Te sorprendería un montón saber lo que son para mí los singles. Totalmente habría elegido otras canciones. Entonces las canciones estaban más verdes. Luego vinieron otras.
¿Por cuáles apostabas tú?
Me encanta mucho ‘Astros’, ‘Hormigas’, ‘Sola con la luna’… ‘Buen viaje’ hubiese sido la última que hubiera elegido. ¡No me dejes elegir el single!
Bueno, la última, la última, la última…
Puede ocurrir. Cuando te tienes que presentar con algo, lo suyo me parece que sea lo que más defina todo el disco. Ahora mi opinión ha cambiado, pero ‘Buen viaje’ era la más diferente, y no enseñaba la parte del disco que yo quería enseñar. Está la parte final y el puente, pero el principio era un poco más pop y yo quería enseñar algo más complejo que fuera a otra lugar.
«‘Buen viaje’ no enseña la parte del disco que yo quería enseñar»
Ahora que hablamos de ‘Astronauta’, no sé si entraste en pánico cuando viste que el disco de Zahara se llamaba igual.
Sí, lo hablamos en su momento. Yo llevo muchísimo tiempo interesada en la astronomía. Es normal que a todo el mundo le interese, pero cuando vi su disco y el nombre, la llamé. Fueron unas risas. Una se piensa que ‘Astronauta’ es un nombre original y de repente ves que no.
Fíjate que hablé con ella que como nombre me parece hasta feo o raro.
¡No puede ser feo! ¿Cómo va a ser fea una palabra que empieza con «astro»? Piénsalo.
Es fuerte, será por el «tr».
Sí es bruta. ¿Y «cosmonauta»?
«Cuando vi que el disco de Zahara se llamaba ‘Astronauta’ la llamé. Fueron unas risas. Una se piensa que ‘Astronauta’ es un nombre original y de repente ves que no»
El caso es que se llamaba antes «Estaré mejor» y querías un nombre más abstracto…
No se llamaba así realmente. Le ponemos los nombres por la palabra del estribillo, para situarlas, pero no era su nombre de verdad. Han cambiado un montón de nombres. Quería que el disco fuera más por lo espacial y sí que eché un poco para atrás la palabra «Astronauta». Que fue cuando llamé a Zahara: «¿has llamado a tu disco «Astronauta»?» «¿Cómo? ¿Que tú también vas por ahí? ¡Hostia!».
Qué fuerte, ¿no? Porque las dos sufristeis la lacra de «chica con guitarra» y habéis terminado haciendo cosas muy distintas…
Yo creo que justo en este caso no es tan raro. Antonio Arias, del que soy muy fan, ha hecho ‘Multiverso’, él podría decir que iba a ser normal que se interesase por el cielo. Y Zahara tiene muy buen gusto, así que… (risas)
Explícame qué tienen estas canciones para sonarme a lo siguiente. ‘Astronauta’ es muy Phil Spector, ¿verdad?
Es el ritmo totalmente, lo he repetido en otros discos, soy muy fan de los 60. ‘Astronauta’ tenía ese color desde el primer acorde, estaba hecha para esa forma. James la sintió también así y se grabó con esa distorsión y con la guitarra mutadilla en algunas partes.
‘La mente hambrienta’ me recuerda a las canciones oscuras de Fangoria, por la melodía.
Hostia, me has pillado. Fangoria no lo tengo en mi… no lo escucho nada.
Ellos se mueven a veces en un tipo de canción…
¿Electrónica?
Quería decir sesentera, clásica, Augusto Algueró, canciones muy teatrales.
Si te tira por la zona teatral tiene todo el sentido. Lo de «vamos a llegar al fondo», pero ahí me sorprendí a mí misma recordándome a Zoé. Por algún lado, Lykke Li, por el ritmo tribal.
¿Por qué ‘Hormigas’ me recuerda a Danger Mouse?
No me lo habían dicho, pero me flipa Danger Mouse, aunque lo había dejado un poquito de lado. Es una canción sureña, Tarantino, Morricone. Esa calidez y oscuridad que llega a ser confortable…
¿Y por qué ‘El Tiempo’ es como una ranchera, aparte de por la frase «solo si estás aquí puedo olvidarme de él» que me dan ganas de abrirme una botella de tequila?
Es una ranchera. Me salió así con la acústica, «el tiempo se me escapa» (NdE: canta). Y me imaginaba a los mariachis. Nadie me había dicho que era una ranchera y tenía ganas.
«‘Juramento’ va de gente que te ha hecho pasarlo mal sin conocerte, gente que te critica sin conocer de ti, gente cercana que se aprovecha de tu forma de ser, gente que disfruta de hacer daño e incomodar»
Pasando a alguna letra, ‘Juramento’ parece hablar del maltrato psicológico, cuando dice que «tus bromas no tienen ni puta gracia». No sé si van por ahí los tiros.
Va por ahí, toda esa gente que te hace sentir mal sin venir a cuento. Que te han hecho pasarlo mal sin conocerte, gente que te critica sin conocer de ti, gente cercana que se aprovecha de tu forma de ser, gente que disfruta de hacer daño e incomodar…
¿Por qué le has dado una de las estructuras más experimentales?
Salió sola, no lo sé. Quieres contar algo y salió del tirón. Estás tocando, escribiendo, quiero contar esto y sigue sin ser el estribillo, sigues escribiendo… Igual que hablabas antes de ese punto teatral, era como lo sentía yo.
¿Y esta canción también te parecía mejor single que ‘Buen viaje’?
De hecho, ‘Juramento’ la tenía yo como segundo single. ¿Para ti no?
Yo veía más ‘La vida está en otra parte’.
¿Qué dices? Coincides con un montón de colegas.
Bueno, a veces he asesorado fatal a los artistas…
(risas)
Has mencionado ‘Sola con la luna’ y el disco está grabado en Granada. Para Lorca la luna simboliza la muerte, pero creo que para ti no tiene nada que ver…
No, no conscientemente, puede ser que por haber leído la obra de Lorca, por haber estado en Granada… Pero esa canción la compuse en México.
Y no la ranchera.
No, está todo a la vuelta (risas)
«Está pasando con ‘Buen Viaje’ que dicen «me suena muchísimo a Lori Meyers», y no hay nada de Lori Meyers ahí»
Noni (Meyers, su pareja) toca en el disco. Al final se le oye haciendo coros. Pero creo que mucha gente va a sobreentender que ha aportado en el disco más de lo que ha aportado, cuando lo has escrito sola, como él ha recalcado alguna vez que lo estabas haciendo sola.
Sí, puede haber mucha gente que lo piense. Está pasando con ‘Buen Viaje’, que dicen «me suena muchísimo a Lori Meyers», y no hay nada de Lori Meyers ahí.
Eso es machismo…
Sí, lo veo así, pero no lo quiero pensar: si Noni fuera una chica, igual me dirían lo mismo. Me sorprende un montón porque me tiro muchas horas, muchos días trabajando. En este disco ha ocurrido que me ha llevado 3 horas intentar sacarme un bajo. Y le llamo: «¡Noni, a ver si me haces un bajo!». Y ha venido y a lo mejor ha tocado una guitarra. Pero no ha entrado más…
Everything But the Girl no se han separado como pareja pero sí han dejado de colaborar entre ellos artísticamente. No sé si es una opción para vosotros excluiros, tú también le haces los coros y actúas con ellos.
No, no, no, no, cuando creo que alguien puede aportar algo bueno… Sé que es gente que me quiere y que lo va a hacer bien. Sí que es cierto que quería hacer yo lo máximo posible. Por eso hasta las baterías las tenía claras en la pre-producción.
No sé si habéis hablado de hacer un disco juntos, tipo Nancy Sinatra y Lee Hazlewood.
Sí, sería increíble, pero como no tenemos tiempo entre Lori y Anni… Si seguimos juntos tiene que ocurrir, porque quedaría muy guay. Aunque siempre hemos dicho más bien Lole y Manuel, igual sonaría como tú dices.
Tenéis que hacerlo cuanto antes, que la gente luego se separa.
Yo espero que no nos separemos (risas).
Piensa en Sonic Youth, Stereolab, Klaus&Kinski… Yo no digo nada más que haced el disco cuanto antes por si acaso.
La música nos sale por las orejas, nos llevamos muy bien, yo no creo que pase nada (risas).
‘La vida está en otra parte’ parecía la típica canción confortable de amor, pero en verdad es otra cosa, ¿no?
Se llamaba ‘Imaginación’. Es lo que te decía antes. Quiero hablar de lo importante que es no perder la imaginación. Creo que Einstein decía que la imaginación es la base de todo. La frase la acabo de tunear yo (risas) pero es lo que te lo he explicado de «eres la fuente de toda realidad, eres la luz»… Hay que adentrarnos en nosotros mismos y encontrar otras zonas. Pero me encantaba que la canción tuviese el doble sentido.
«Yo soy consciente de mi posición, pero hay algo en mí que siempre tira hacia «que le den a todo lo que ahora se lleve»»
Un artista de tu nivel, que eres muy conocida, pero tampoco es llenaestadios, debería sacar música mucho más a menudo, ¿en Subterfuge no te han querido matar estos 4 años?
Yo creo que con los años me conocen y saben de lo que no soy capaz. Yo soy consciente de mi posición, pero hay algo en mí que siempre tira hacia «que le den a todo lo que ahora se lleve». Yo hago música porque la siento. No quiero estropearlo por hacer algo que no siento.
Pero vives de tu música…
Algunos meses peores que otros, pero sí.
No has dejado de tocar…
Toco muchísimo, a eso iba. Eso también influye en por qué tardo tanto en sacar disco. Porque si no paro, no soy capaz de centrarme…
«Cuando estoy grabando un disco, cambio mucho de un día para otro. Me vuelvo loca. Me encanta una canción y al siguiente me parece una mierda»
Le dijiste a mi compañero Pablo una frase que me flipa: «no grabaría discos, solo haría directos». Me parece súper fuerte esta frase. A mí lo normal me parecería lo contrario: odiar la carretera, y no necesariamente dar conciertos con la gente fumando, hablando, borracha… Pero veo que tú te debes a tu público en vivo.
Según qué grupo me gusta más en casa o un directo. Pero me ocurre una cosa. Cuando estoy grabando un disco, cambio mucho de un día para otro. Me vuelvo loca. Me encanta una canción y al siguiente me parece una mierda. Si estuviera haciendo directos, estaría siendo fiel a mí misma, a cómo me siento conmigo misma en cada momento. Seguro que le dije eso porque venía de estar loca con las demos. Está muy bien tener una fotografía para siempre, pero a veces he dicho que cambiaría un disco. O el año que viene lo sacaría de otra manera.
Si no grabaras disco, James de Temples nunca te habría aportado ese final de ‘Buen viaje’.
Ni la guitarra, ni la batería… No lo digo de una manera tan estricta. Me encanta grabar discos y es el momento más relajado para disfrutar del sonido. Pero los directos me gustan un montón y el momento de no estar segura de si me gusta la canción me vuelve la cabeza loca. En directo todo lo podría cambiar.
«‘La locura’ no ha entrado en el disco aunque mis amigos la veían muy hit. Es un poco más funky de los 70»
Mencionaste a Pablo que manejabas 32 canciones, en busca de un concepto. ¿Qué ha pasado con las otras 20? O 19 porque hay pista fantasma.
Se llama ‘Buena hora’. La tocaba en acústico, y la reacción de la gente era tan bonita que la quise meter en acústico. Con las otras no sé qué ocurrirá. Cuando no sale una canción no tiene sentido que salga más tarde. Igual cambio y en un año saco algo, pero tampoco las he elegido por concepto. Hay canciones de las demos que hablaban del espacio y con connotaciones científicas. Hice una selección y la siguiente la hizo James. Le costó un montón, vi que él decía: «esta canción tiene esto otro, que no tiene esta otra»…
¿Por qué confiaste tanto en él y no en tu sello, amigas, amigos… para la criba?
También confío. Eran muchísimas canciones, pero no lo pensé mucho, fue de manera natural. También lo hablé con Noni, y más o menos todos mis amigos querían las mismas, menos una que no ha entrado.
¿Cómo se llamaba?
(piensa) ‘La locura’. La veía fuera del rollo que quería hacer, aunque la veían muy hit. Y yo tengo lo de elegir lo contrario…
Sácala suelta, como los traperos.
(risas) Pero yo no sé si eso lleva a buen puerto. Está en demo, no en estudio. Lo que quiero es sentirme segura de lanzar algo así. Es un poco más funky de los 70.
Kim Petras sigue con su plan de publicar un single por semana y hoy lunes lanza el cuarto tras ‘Broken’, ‘Got My Number’ y ‘Blow it All’. Si estos tres temas tenían su punto urban, ‘Sweet Spot’ es abiertamente disco y con su sonido ibicenco y contemporáneo, recuerda al nu-disco de principios de siglo practicado por los primeros Daft Punk, por Kylie en ‘Fever‘ o por Mojo en ‘Lady’. Producen MADE IN CHINA (nuevo alias de Dr. Luke), Vaughn Oliver y Aaron Joseph.
Por otro lado, Petras acaba de añadir más fechas europeas a su gira ‘BROKEN’, que no pasará por España pero sí por Alemania (ella es alemana), Reino Unido y Países Bajos. Las ciudades afortunadas son Berlín, Colonia, Londres, París y Amsterdam, que se añaden a las ya conocidas en Reading, Leeds y Manchester y al resto de fechas americanas.
La cantante acaba de pasar por nuestra sección «La canción del día» con ‘Broken’, otra chuchería pop que sumar a su nutrido repertorio de temazos. Sus mayores éxitos hasta la fecha han sido ‘Heart to Break’, una de las mejores canciones de 2018; y ‘I Don’t Want it At All’. Hace unos meses, Petras lanzaba tres singles a la vez, uno de ellos junto a la productora británica SOPHIE.
Este fin de semana se ha subido al completo a Movistar+ un «thriller erótico» (así se presentaba en la nota de prensa oficial) llamado ‘Instinto’. Tres días después de su estreno quizá ya te hayas enterado de que hay un desnudo frontal -lateral, más bien- de Mario Casas en el primer minuto de la serie; y quizá te hayas enterado también de que ahí se acaba todo el interés de esta producción de Bambú. La etiqueta de «drama» que aparece en la plataforma en sí le sienta mejor a esta serie de 8 capítulos de entre 40 y 50 minutos en la que de «erótico» hay poco, y del «thriller» no se sabe nada más o menos hasta el episodio 5.
‘Instinto’ nos presenta a un hombre de negocios ultra rico, guapo y triunfador -claramente inspirado por ‘50 sombras de Grey‘-, y adicto al sexo anónimo tendiendo más al personaje de Fassbender en ‘Shame’. Pero donde esta lograba ahondar en la psique de protagonista y secundarios y en sus crisis existenciales de mediana edad, ‘Instinto’ es una sucesión de clichés sin hondura relacionados con el sexo y el lujo, pasadísimos de moda desde el huracán de sexy thrillers de los 90. A la música de estos remite la pesadísima banda sonora de ‘Instinto’, queriendo dar intensidad a una trama muy que no presenta ningún tipo de enredo ni misterio hasta casi el final de la serie.
Entre botellas de vino, fajos de billetes, mujeres con la espalda al aire, espejos retrovisores enfocados a sus escotes y hombres de apellido pomposo, casi telenovelero, ‘Instinto’ avanza a trompicones, presentando una serie de diálogos que son puro humor involuntario. No son exactamente como siguen, pero se parecen bastante:
-Ha venido una mujer a verle, señor Mur.
-¿Y quién es?
-No sabemos, pero por si acaso la hemos hecho pasar al despacho del CEO de la compañía.
-Invierta usted 500 millones de dólares en este proyecto.
-Esa cantidad es excesiva.
-Pero esto va a petar y dentro de 8 años va a ser calderilla.
-¡Venga, vale!
Al margen de esa escena degradante en que se introduce a una ingeniera en la empresa mientras su rollete le toca el culo, lo peor de ‘Instinto’ es que ha perdido una oportunidad preciosa de hablar con naturalidad de los clubs de sexo anónimo que proliferan en las grandes ciudades europeas. En lugar de retratarlos con normalidad, los guionistas se han quedado en el lujo fantasioso de ‘Eyes Wide Shut’ o un vídeo de la antigua Lady Gaga (ese «Sex is art» parece un lema suyo). Los personajes, en lugar de introducirse en el sexo anónimo o en el sadomasoquismo con la naturalidad que da una copa de más; lo hacen envueltos en un halo de intensidad que en 2019 es puro «eye rolling». Esos planos de un personaje quitándose un zapato de tacón como si le fuera la vida en ello son de no dar crédito una década después de Xvideos, Pornotube y similares; después de ‘Girls’ o ‘9 Songs’ y sobre todo después de ‘Kiki, el amor se hace‘.
«Si la gente habla de mi pene, más repercusión tendrá la serie» es el titularaco que ha dejado en la prensa Mario Casas estos días. Bien por admitir el gancho. Lo malo es que la correspondiente captura ya ha circulado por el Twitter y el WhatsApp de todos los interesados: hace falta algo más para que una serie funcione en el boca-oreja. Siempre es una alegría ver a Lola Dueñas en la pantalla (hace de madre de Casas), pero la verdad es que la única ocurrencia que se me ocurre subrayar de ‘Instinto’ es que venga patrocinada por un spot de colonia con música de The Weeknd. Muchas veces hemos visto en sus vídeos y letras la misma mezcla de sexo y decadencia que buscaba esta serie, poniendo sobre la mesa la siguiente pregunta: ¿quizá sus productores tenían que haber hecho un videoclip para Abel Tesfaye y no una serie? 1 / 10.
La cantante y actriz Doris Day, una de las últimas supervivientes del Hollywood clásico, ha fallecido esta mañana en su casa de California, confirman medios como PageSix citando un correo electrónico enviado por The Doris Day Animal Foundation. Day acababa de cumplir 97 años el pasado 3 de abril.
Conocida por su voz y aspecto dulces, Day fue especialmente conocida por sus papeles en comedias como ‘Confidencias a medianoche’ de 1959 -por la que logró su única nominación al Oscar- o ‘Yo, ella y la otra’ de 1960, si bien también llegó a trabajar con Alfred Hitchcock en ‘El hombre que sabía demasiado’ de 1956, junto a James Stewart. También protagonizó célebremente ‘Té para dos’ (1950), ‘Calamity Jane’ (1953), ‘Quiéreme o déjame’ (1955), ‘A la luz de la Luna’ (1953) o ‘Pijama para dos’ (1957) y protagonizó su propia sitcom, The Doris Day Show, de 1968 a 1973.
Day compaginó su enorme popularidad como actriz durante mediados de los 50 y 60 con el éxito en la música, siendo una de las intérpretes pop más populares durante dicho periodo. Su canción insignia es ‘Que Sera, Sera (Whatever Will Be, Will Be)’, compuesta para la mencionada película de Hitchcock. Otros de sus éxitos fueron ‘Dream a Little Dream of Me’ o ‘Sentimental Journey’.
También fue muy conocida la labor de Day como activista por los animales, que asumió de manera casi exclusiva tras retirarse del cine y de la televisión a finales de los 60. La artista fundó la Doris Day Pet Foundation en 1978, luchó por mejorar la legislación en favor de los derechos de los animales y era vegetariana, además de una gran amante de las mascotas. Day fue además madre del músico Terry Melcher, productor de los primeros dos álbumes de The Byrds y de varios singles de The Beach Boys, entre ellos ‘Kokomo’.
Grecia intentará clasificarse en la final de Eurovisión este año tras no conseguirlo en el anterior con ‘Better Love’, una balada interpretada por la cantante greco-canadiense Katerine Duska que tiene poco del folclore griego y mucho de la balada pop contemporánea de Leona Lewis.
Este dato no extraña cuando comprobamos que entre los autores de ‘Better Love’ se encuentra el compositor escocés David Sneddon, que ha trabajado con Lana Del Rey (‘National Anthem’) o Hurts (‘Blood, Sweat & Tears’), mientras la producción la firma el inglés Phil Cook (Lewis Capaldi, Ellie Goulding, Paloma Faith). Las conexiones interesantes de Duska no se acaban ahí, pues es colega del cantautor sueco Albin Lee Meldau, con quien ha actuado.
Con su sonido de pop épico, que sienta a Duska como un guante pues la cantante posee un registro cercano al de Florence + the Machine, ‘Better Love’ habla sobre la necesidad de experimentar un amor más profundo, un amor incondicional.
La canción es buena y su clasificación en la final de Eurovisión está asegurada, pues va 11ª en las apuestas. Además, Duska se ha currado para ella un videoclip bastante «arty», de los que no se han visto tantos este año entre los países participantes. Un vídeo que, con sus referencias a deportes como la esgrima o la gimnasia rítmica, está protagonizado exclusivamente por mujeres y parece un homenaje a la feminidad, con su énfasis en objetos como la perla o los cabellos largos, mientras Duska lleva un vestido de gasas de color rosa palo. Por otro lado, la puesta en escena será floral y exuberante, como se ha visto en los ensayos. Calificación: 7/10 Los foros dicen: de «increíble» a «nada especial» En las apuestas: 11ª
En contra de los primeros pronósticos, Vampire Weekend han publicado otro discazo. ‘Father of the Bride‘ es un trabajo extenso, rico en matices y diverso en estilos, en el que Ezra Koenig construye algunas de las mejores canciones de su carrera. También abren nuevos territorios, como los que muestran canciones como la rumbera ‘Sympathy‘. Pero no renuncian a seguir sonando a su versión más reconocible –si acaso, más pulcra y elegante que desmelenada– en canciones como ‘Bambina’ o esta ‘This Life’ que hoy destacamos como nuestra Canción del Día.
Presentada como tercer avance del disco junto a la emocionante ‘Unbearably White’, no es una de las canciones que más destacan del conjunto en principio. Quizá, precisamente, porque nos suena a algo conocido. Sin embargo, se está imponiendo como una de las nuevas composiciones del grupo que más está gustando al público por méritos propios. Es una canción de espíritu alegre, con palmas que marcan su ritmo uptempo y unas guitarras luminosas, salpicada de detalles jugosos: esos «hu-hú»s que se repiten ocasionalmente, la perfecta réplica vocal de Danielle Haim (como contamos, su presencia en la casa que comparte con el productor Ariel Reichshaid y donde se grabó el grueso del disco propició su profusa colaboración en este), el pre-coro que está tomado de ‘Tonight‘ del heterodoxo rapero iLoveMakonnen, el parón instrumental en el tercer estribillo, dejando entrever una bonita línea de piano, un órgano primoroso y detalles de las seis cuerdas… En el lado morboso, también destaca en hecho de que, además de a Koenig y Makonnen, la composición (que no la producción, en la que sí figura Dave Macklovitch de Chromeo) está acreditada a Mark Ronson. Ronson estuvo prometido con Rashida Jones, hija de Quincy y actual pareja de Koenig, con la que tuvo un hijo el pasado año.
En contra de lo que pueda sugerir musicalmente, ‘This Life’ es una canción bastante amarga en lo lírico. Siguiendo la coartada empleada de Koenig, se centra en los múltiples obstáculos con los que una relación de pareja debe lidiar para sobrevivir. Por ejemplo, esos «cheating on you, cheating on me» tomados del tema de iLoveMakonnen, no hablan necesariamente de una infidelidad mutua, sino de cómo, por atavismos sociales, a menudo nos forzamos a aparentar que todo va bien cuando no es así («he estado engañando a toda esta vida y su sufrimiento», dice en el mismo puente). Ezra desarrolla así cómo, pese a que oficialmente todos somos conscientes de que la vida es un camino espinoso, manejamos la idea secreta de que nada de eso va a pasarnos a nosotros, que seremos inmunes al dolor. En el trasfondo de la relación sentimental, el artista neoyorquino lo plasma de manera sencilla y certera con versos como «Cariño, sé que el dolor es tan natural como la lluvia / sólo que pensé que nunca llovía en California» (donde él vive ahora), «Cariño, sé que el odio siempre está acechando en la puerta / sólo que pensé que habíamos cerrado la puerta cuando salimos esta mañana» o la demoledora «mi vida, nuestra enfermedad es la misma que la de los árboles / no somos conscientes de haber vivido en un bosque».
Vampire Weekend está apostando fuertemente por esta canción y la están interpretando en sus múltiples visitas promocionales en radio y televisión: tras interpretarla con su extensa nueva banda de directo en Radio X, días atrás acudían al programa de Jimmy Fallon donde se les unían a los coros no sólo Danielle sino todas las hermanas Haim, regalando un momento realmente memorable. Estas actuaciones también dan idea de qué nos podemos encontrar el próximo mes de julio en Mad Cool 2019, donde el grupo (en el que, como vemos, Baio sigue al bajo y Chris Tomson a las baquetas) presentará formalmente ‘Father of the Bride’ en nuestro país.
El pasado viernes, 10 de mayo, Airbag celebraban uno de los conciertos en sala más multitudinarios de su carrera. Fue en la Sala La Riviera de Madrid, y presentaban en la ciudad su último álbum de estudio, ‘Cementerio indie‘. Un notable disco publicado por el sello madrileño Sonido Muchacho, uno de los más celebrados de la actual escena independiente, precisamente, gracias a la edición de discos de Kokoshca, La Plata y, sobre todo, el debut de Carolina Durante.
Con la sala aparentemente repleta, a tenor de las imágenes subidas por el grupo en redes, y con Axolotes Mexicanos como teloneros insignes, Airbag desgranaron su extenso repertorio para delicia de su parroquia, pero también les obsequiaron con una versión sorpresa: si una semana antes eran Metallica los que sorprendían interpretando la rara ‘Brutus’ de Los Nikis presentándolos como «los Ramones de Algete», Airbag, «los Nikis de Málaga», devolvieron la pelota interpretando ‘Enter Sandman’ del grupo metalero.
Aunque lo mejor fue que para ello contaron con un invitado especial: nada menos que Joaquín Rodríguez de los propios Nikis, vestido de negro, con un pelucón rubio y un «hacha» (la clásica Gibson Flying V). Él cantó el tema (bueno, el trocito que interpretaron), ofreciendo otra de sus apariciones inesperadas: recordemos que meses atrás se subía vestido de presidiario en la Sala Ochoymedio para autoversionarse junto a Carolina Durante.
No fue la única aparición sorpresa de este concierto, puesto que también invitaron a subir a Juan de Pablos, histórico locutor recientemente retirado y al que ellos deben mucho, brindándole una gran ovación, como puede verse en este vídeo. Además de su gira por salas, Airbag estarán tocando este verano en varios festivales, como Oh, See! Fest de Málaga, Prestoso Fest de Xedré (Asturias) y Low Festival de Benidorm. Os dejamos con el vídeo de este momentazo.
Este 12 de mayo se han cumplido 10 años ya de la muerte de Antonio Vega. Miembro de Nacha Pop, uno de los grupos más icónicos de la nueva ola madrileña de los 80, y luego anti-estrella en solitario, construyó un cancionero inconmensurable que ha emocionado y formado parte de la vida de varias generaciones de hispanohablantes. Entre ellas, las de músicos como Zahara, Morgan, Ricardo Lezón de McEnroe, Viva Suecia, Anni B Sweet, Vega o Marwan, que han participado en un homenaje que ha auspiciado El País.
En uno de los artículos presentados este domingo, además de explicar cuál es según ellos el valor de Antonio Vega como compositor y letrista, todos han realizado versiones acústicas de canciones suyas, tanto de su etapa en solitario como de la era Nacha Pop: Zahara versiona ‘Chica de ayer’, Morgan y Toni Jurado (batería del músico madrileño en su última etapa, que ofrece un testimonio de su manera de ser y hacer de primera mano) interpretan ‘Háblame a los ojos’, Viva Suecia hacen ‘Una décima de segundo’, Anni B Sweet interpreta ‘Esperando nada’, Marwan versiona ‘Se dejaba llevar’ y Ricardo Lezón de McEnroe canta ‘El sitio de mi recreo’.
Además, El País publicaba otros textos sobre ‘Chica de Ayer’, su canción más célebre y símbolo de una era en el pop español. Uno, de Antonio Jiménez Barca, desmenuza la intrahistoria de la canción, cómo fue compuesta cuando Antonio hacía la mili en Valencia con 20 años (fue la primera que escribió), y quién era la chica detrás de su título e historia. Otro, de Luigi Landera, se centra en cambio en investigar sobre el supuesto plagio detrás de esa celebrada canción: según se descubrió poco antes de su muerte, ‘Chica de ayer’ tiene un sorprendente parecido con ‘La caza al bisonte‘, una cara B del año 1976 Piero del artista argentino Piero, que en realidad era una versión de un tema publicado un año antes por el italiano Gianni Morandi.
Consultando al mismísimo Teddy Bautista, productor del debut de Nacha Pop en el que se incluía originalmente la canción, el ex-presidente de la SGAE niega rotundamente que ese oscuro tema pudiera ser un referente para Nacho o para él, asegurando que convenció a su autor de acelerarla (inicialmente era una balada) y se inspiró en ‘Do you believe in magic?’ de The Lovin’ Spoonful para los arreglos. Os dejamos con todos los vídeos de las versiones y declaraciones de los grupos arriba citados sobre Antonio Vega.
La pérdida del factor sorpresa era el mayor peligro que corría PUTOCHINOMARICÓN al enfrentarse a su segundo mini LP, que dura 16 minutos en lugar de 18. En ‘Corazón De Cerdo Con Ginseng Al Vapor‘ cada canción era una aventura diferente: una crítica social anti-racismo y anti-homofobia (‘Gente de mierda’), otra a la adicción de internet (‘No tengo wi-fi’), otra a cómo los modelos televisivos y las revistas condicionan nuestra vida (‘El test de la Bravo y la Superpop’), otra al falso activismo de las redes (‘Tú no eres activista’), alguna concesión romántica (‘Remedio casero’)… ¿Cómo superar este hito que le ha llevado a actuar en todo tipo de eventos y fiestas, ‘Cachitos de Nochevieja‘ incluido, y a que Mucho le dedique un tema?
Los dos primeros adelantos de ‘Miseria humana’ reincidían en más o menos lo mismo, además sobre bases parecidas inspiradas en el sonido PC Music que tanto adora, especialmente a través de su ídolo Charli XCX. ‘Doble tic azul‘ vuelve a hablar de la adicción al móvil, en este caso a WhatsApp; y ‘Deporte nacional‘, de quienes únicamente se dedican a «odiar y criticar», si bien es cierto que esta lo hace sobre una base mucho más sucia y rica, casi siniestra. Pero el caso es que Chenta Tsai ha querido desmarcarse de este estilo en el resto del mini LP, abriendo el paso a otros. Por eso quizá lo considera una «mixtape».
Charli XCX es una referencia en ‘2 A.M.’, hasta el punto de que es citada, pero de manera significativa el disco empieza, tras una ‘Intro – Solo para PC’, con una balada sobre la inseguridad a los veintitantos, entre rutina y dificultades para «ser mayor». Recuerda musicalmente a La Casa Azul cuando se sienta al piano, y también un poquito a Alejandro Sanz, y no es la última referencia sorprendente del disco. Radiohead y Pereza conviven para bien en ‘Hasta el fin del mundo’, la cual critica el hastío («El cielo está cayendo y yo como si nada / Escucho a los jinetes y yo sigo en la cama»); y lo mejor de todo llega al final.
Si en un momento PUTOCHINOMARICÓN dudó si explotar más el reggaetón de ‘Marica Pica Pica’ por si era apropiacionista, en ‘Parkineo’ encontramos lo urbano y latino de una Bad Gyal mezclados con el trance de Gala. Y nos despedimos hasta otra con una canción guitarrera que de nuevo recuerda al trabajo de Guille Milkyway, esta vez al más furioso, con una letra de odio que nunca habría podido escribir este -aunque sí Los Planetas-: «Desearía que supieras / Que ojalá te murieras / Y que desaparecieras / Para no verte nunca más». Su voz empieza a tomar otros matices como apreciamos en ese «ya lo sé que está muy mal desear la muerte».
Así que sí, fue genial conocer a un artista que se llamaba PUTOCHINOMARICÓN, curtido en el arte de la performance, inquieto y además muy divertido en directo. Sí, va a tener difícil igualar la viralidad de ‘Gente de mierda’ o la que vivió el mismo corte de 30 segundos «Putochinomaricón, la gente por la calle me llama así». Sin embargo, Tsai no se amilana y empieza a mostrar nuevas ideas sin renunciar a sus principios: aquí sigue habiendo retrato social, crítica social, mordacidad, autocrítica… y también nuevas inquietudes. Putochinomaricón actúa con Confeti de Odio este viernes 17 de mayo a las 21.00 en el OchoyMedio de Madrid.
Calificación: 7,6/10 Lo mejor: ‘Ojalá (te murieras)’, ‘Parkineo’, ‘Deporte nacional’ Te gustará si te gustan: La Casa Azul, el anterior, Charli XCX Escúchalo:Spotify
Lee Fields es uno de los últimos bastiones del soul clásico, después de que sus buenos amigos Charles Bradley y Sharon Jones nos dejaran meses atrás. Little JB –como le llamaron en sus inicios por su parecido físico, vocal e interpretativo con James Brown– cumple este 2019 50 años de carrera publicando un nuevo trabajo, ‘It Rains Love‘, un canto al amor universal que en próximas fechas presenta en nuestro país: el próximo 16 de mayo está con su banda, The Expressions, en la Sala Joy Eslava de Madrid; y al día siguiente, el 17, en la Sala Apolo de Barcelona.
Con motivo de esta visita hemos charlado con Fields telefónicamente. A sus 69 años, su voz suena aún más rota y cascada que en sus álbumes y directos, y, pese a largos años viviendo en Nueva York y Nueva Jersey, conserva un peculiar acento que asumimos proviene de su Carolina del Norte natal, alargando algunas vocales («looove», «tiiiime», «becaaauuse») casi como si las cantara. Es directo y conciso en las respuestas, pero también amable y entrañable, y se le nota emocionado cuando habla de Bradley y Jones, y sobre todo cuando nos revela el traumático suceso personal que le llevó a abandonar la música a principios de los 80 hasta mediados de los 90.
¿Qué tal, Señor Fields? Es un gran honor hablar con usted.
Es un placer charlar contigo. ¿Cómo está yendo el tour?
La gira está yendo maravillosamente, en estas dos semanas la gente está demostrándonos muchísimo amor. Quería hablar sobre su nuevo álbum, ‘It Rains Love’. Está a punto de cumplir 50 años de carrera musical. ¿Cómo es que aún siente la necesidad de escribir y grabar nueva música?
La palabra exacta sería «emocionado». Y es como siempre me he sentido, disfrutando este viaje musical, pasándolo en grande tanto componiendo, como grabando o actuando en directo. Todavía sigue siendo muy divertido.
‘It Rains Love’ es otra gran pieza de música soul en su forma más clásica. No debe ser fácil mantener ese nivel de calidad en cada trabajo que publica. ¿Cómo lo hace?
Bueno, lo que creo que es más importante es que escribimos desde el corazón. Eso es lo que lo hace fácil, escribimos como realmente nos sentimos. No intentamos inventar nada, sino ser honestos con la gente sobre las cosas auténticas de nuestra vida. Así que es fácil.
«Hay una ola de repudiar cosas, y el amor es la respuesta, necesitamos amarnos unos a otros, no odiarnos”.
El amor es la idea canónica detrás de todo el álbum. ¿Por qué decidió hacer un álbum sobre el amor precisamente ahora?
Sentimos que las canciones de este disco son necesarias para estos tiempos. Hablamos sobre las cosas que están ocurriendo en este momento que vivimos, de acuerdo al momento, que es una especie de despertar. Y sentimos que el amor es muy necesario en este tiempo porque hay demasiado odio, demasiado fervor. Así que no fue muy difícil escribirlo porque escribimos sobre lo que vemos y sobre lo que sentimos que es necesario. El amor es muy necesario ahora mismo. Hay una ola de repudiar cosas, y el amor es la respuesta, necesitamos amarnos unos a otros, no odiarnos.
En ese sentido, cantar al amor es hoy día casi una declaración política, justo como cuando usted comenzaba su carrera, en 1969. ¿Lo había pensado?
Bueno, el amor nunca pasa de moda, el amor es Dios y Dios es amor. Estamos pensando en Dios, porque Él es amor. En estos tiempos de Internet necesitamos a Dios más que nunca, porque ahora tenemos una tecnología que realmente puede terminar con la Humanidad tal y como la conocemos hoy. Y necesitamos amor para prevenir una catástrofe, el amor es la respuesta.
En este trabajo hay canciones como ‘Wake Up’ que prueban que la música en su forma más clásica aún puede sonar fresca y abrir nuevos caminos. Habrá quien diga que es algo caduco o «viejo», pero ¿no cree usted que el soul aún tiene mucho que decir?
No hay nada nuevo bajo el sol, todo está hecho ya. Pero, aunque ya se haya cantado antes sobre amor, es el momento de volver a hacerlo precisamente porque no ha cambiado nada. Y el amor siempre suena fresco. Hay que unir a la gente en el amor para asegurarnos de que el futuro sea nuestro y de nuestros progenitores.
«Es fantástico que muchos artistas elijan la música soul porque está muy cerca de la palabra de Dios”.
En todo caso, es cierto que los sonidos clásicos de soul y R&B nutren a muchos artistas actuales que están copando las listas de éxitos. ¿Cómo se siente sobre eso?
Es fantástico que muchos artistas elijan la música soul porque está muy cerca de la palabra de Dios. El soul es consecuencia del gospel. Y si el gospel canta sobre temáticas bíblicas, el soul canta sobre el aquí y el ahora, pero con la esperanza de complacer a Dios. Debemos asegurarnos de que las canciones estén hechas de una manera en que gusten, pero que extiendan el conocimiento del amor y de Dios. Dios está siempre en la ecuación.
¿Pero encuentra usted artistas más jóvenes que le gusten?
Bueno, tratamos con gente de todas las edades y seguro que muchos jóvenes también, buena gente, buenos fieles.
«(Sobre la desaparición de Sharon Jones y Charles Bradley) Cuando pienso en ellos me pongo melancólico, les echo de menos. Mucho”.
En el último par de años hemos tenido que lamentar la muerte de dos grandes amigos suyos, Sharon Jones y Charles Bradley. ¿Se siente usted un poco más solo a la hora de conservar los viejos valores de la música soul?
Como dices, Charles y Sharon eran queridísimos amigos míos, me completaban, eran mi hermano y mi hermana. Pero, aunque me entristece mucho y les echo de menos muchísimo, todos tenemos que hacer ese viaje, no lo podemos evitar. Cuando pienso en ellos me pongo melancólico, les echo de menos. Mucho.
Cuando usted comenzó, a finales de los 60 y primeros 70, trabajó con nombres grandes como B.B. King, Doctor John, Kool and The Gang, Bobby Womack… ¿Qué es lo mejor que aprendió de aquella época?
La mejor lección que he recibido en la música me la dio Solomon Burke hace muuuchos años y que se ha quedado conmigo. Me dijo: «si alguna vez tienes éxito en la música, recuerda una cosa: deletréala con una «m» minúscula y una «N» mayúscula». Es decir, pon énfasis en el Negocio. Así que he tratado de ser el mejor hombre de negocios que he podido. A menudo los jóvenes se olvidan de que esto es un negocio. Cuando compongo, es personal, cuando canto, es personal. Pero al final del día no olvido comprobar mis ganancias y mis gastos.
«(Sobre su abandono de la música en los 80) Pasaron demasiadas cosas en mi vida personal, estaba desconcertado, y la música no alcanzaba”.
Según su biografía, en los 80 usted decidió dejar (o no tuvo opción, no lo sé) el negocio de la música y se dedicó a otros menesteres para mantener a su familia. ¿Cómo recuerda entonces aquella decisión? ¿Se ha arrepentido alguna vez?
No. Verás, hay algo que nunca he contado públicamente hasta hace poco: a finales de los 70, la hermana de mi mujer fue asesinada por su marido, que se suicidó después. Ambos eran muy buenos amigos míos, y acogimos a su único hijo como nuestro. Yo estaba un poco desencantado con la música, tenía un nuevo miembro en mi familia y el asesinato y el suicidio fueron golpes muy duros, fue una locura. Pasaron demasiadas cosas en mi vida personal, estaba desconcertado, y la música no alcanzaba. Durante los 80 la música cambió, me sentía perdido y opté por leer mucho, especialmente la Biblia, porque me preguntaba cómo Dios había podido permitir que esa tragedia tuviera lugar. Nunca lo había contado porque es demasiado personal, pero ahora lo explico porque siento que muchos en mi situación habrían hecho lo mismo: sea cual sea el problema, la familia es lo primero.
¿Y cómo se sintió cuando tuvo la oportunidad de regresar y estar al frente de su propio grupo, The Expressions?
Fue un sentimiento estupendo. Pero aunque siempre disfruté de la música, nunca me arrepentí de dejarlo para dedicar mis energías a ser padre. Incluso aunque no hubiera ocurrido esa tragedia y no hubiera tenido un nuevo miembro en mi familia, yo ya tenía un hijo y mi hija llegaría más tarde. Y estoy satisfecho de haber estado ahí para ellos. Pero ahora puedo volver a disfrutar de estar en la industria musical, como siempre quise.
«(Sobre sus 50 años de carrera) Ha sido un sueño, un sueño hecho realidad”.
Uno de sus grandes valores, para mí, es que está mostrando a las nuevas generaciones cómo es la música soul en su forma más original. ¿Confía en que un nuevo Leon Michels (Nde: su socio musical más fiel, líder de The Expressions y fundador del sello Big Crown Records, en el que publica) pueda estar viéndole entre el público y continúe ese camino?
La música soul siempre existirá. Como he dicho, el soul es consecuencia del gospel, el gospel habla de lo que vendrá y el soul habla del ahora, y eso siempre estará con nosotros. Dentro de 50 años, habrá un hoy y un ahora. Cuando se intervino en las radios, a finales de los 70 y los primeros 80, había directores musicales que elegían lo que se pondría, mercantilizaban a la gente para decir lo que debía sonar. Y a pesar de eso, la música soul sobrevivió, y siempre estará.
Por último, ¿cómo resumiría en pocas palabras sus 50 años de carrera?
¡Ha sido espectacular! (Risas) Ha sido un sueño, un sueño hecho realidad. Ver al público que viene a los conciertos a escuchar mi voz es un sueño.
La actriz Peggy Lipton, conocida por todos los seguidores de ’Twin Peaks’ por su papel de Norma Jennings, ha fallecido a los 72 años como consecuencia de un cáncer. Lipton también trabajó en ‘La patrulla juvenil’ de Aaron Spelling, papel por el que llegó a obtener un Globo de Oro a principios de los 70. La actriz había debutado con tan solo 19 años en ‘Embrujada’, y también era conocida por su participación en otras series como ‘La hora de Alfred Hitchcock’.
No tanta gente sabía que Peggy Lipton fue esposa de Quincy Jones, el que ha sido uno de los productores musicales más importantes de la historia por su implicación sobre todo en la carrera de Michael Jackson, lo que incluyó sus tres grandes obras maestras ‘Off the Wall’, ’Thriller’ y ‘Bad’. Precisamente estuvieron casados en aquellos años, pues contrajeron matrimonio en 1974, se separaron en 1986 y se divorciaron definitivamente en 1990. Habían tenido dos hijos. Fue entonces cuando decidió volver a actuar, nada menos que para David Lynch en el que sin duda era uno de los personajes más queridos. De hecho, apareció recientemente en la tercera temporada de la serie.
Peggy Lipton también hizo sus pinitos en el mundo musical a finales de los 60, editando singles como ‘Wear Your Love Like Heaven’ y ’Stoney End’, la primera escrita por el inigualable Donovan, y la segunda por Laura Nyro, a la postre un hit en manos de Barbra Streisand.
‘Vestida de azul’ es una de las películas más singulares del cine español de la Transición. Primero porque fue pionera en tratar el tema de la transexualidad con humanidad y respeto en un contexto, el cine de destape y clasificado S, dominado por el morbo y el sensacionalismo. Segundo, por estar rodada por un director, Antonio Giménez Rico, que era completamente ajeno, como él mismo reconoce, al mundo que retrató. Uno podría esperar encontrarse detrás de esta película a un director tipo Eloy de la Iglesia o Almodóvar, no a un cineasta que luego sería conocido por sus adaptaciones de Miguel Delibes (‘El disputado voto del señor Cayo’, ‘Las ratas’) o sus intervenciones en el programa ‘Qué grande es el cine’, de Garci.
Tercero, porque tuvo éxito. ‘Vestida de azul’ no es la típica película que nadie vio en su momento y que luego fue reivindicada por las nuevas generaciones convirtiéndola en un filme de culto. La película “desfiló” por la alfombra roja del festival de San Sebastián y se estrenó comercialmente, llevando a las salas a casi 250.000 espectadores, una cifra considerable teniendo en cuenta que en esa época no era habitual ir al cine a ver un documental. Para hacerse una idea, con esas cifras entraría actualmente en el top 20 de filmes españoles más taquilleros del año. Y cuarto, porque a pesar de esa repercusión, con el paso del tiempo fue prácticamente olvidada. No se editó en DVD y apenas se emitió por televisión.
Esa invisibilidad propició que se creara un culto alrededor de ella. De documental de éxito pasó a película maldita. Una de las personas que sucumbieron al embrujo de ese malditismo fue Valeria Vegas, autora de ‘Vestidas de azul. Análisis social y cinematográfico de la mujer transexual en los años de la Transición española’ (Dos Bigotes). “Fue a finales de 2006 cuando vi por primera vez ‘Vestida de azul”, recuerda Vegas en el libro. “Me encontraba en casa de una amiga que se jactaba de que aquella cinta había pertenecido a una de las protagonistas, ya fallecida, con la que mantuvo una amistad”. A partir del visionado de ese VHS, en unas condiciones que hacían honor a su culto, la escritora comenzó a investigar. Fruto de esa indagación es este completísimo y muy recomendable ensayo.
Valeria Vegas, autora también de la biografía de La Veneno, comienza su libro con una explicación muy útil sobre la evolución de las leyes españolas con respecto a la transexualidad -de la Ley de Vagos y Maleantes a la Ley de Identidad de Género-, y sobre la terminología. La autora describe las confusiones léxicas que se daban en esa época (y se siguen dando), donde no estaban muy claras las diferencias entre la condición sexual y la identidad de género. La transexualidad era confundida con travestismo, y considerada como una manifestación extrema de la homosexualidad. Una vez aclarados estos conceptos, el libro se centra en la película. La autora “desviste” ‘Vestida de azul’, analizando sus referentes y antecedentes (un repaso al tema de la transexualidad en el audiovisual español que demuestra la singularidad de este documental), y describiendo su contenido para aquellos lectores que no la hayan visto.
La segunda parte del libro se centra en las seis protagonistas de ‘Vestida de azul’. A través de la (trágica) biografía de cada una de ellas, Vegas indaga en aspectos como la opresión de las mujeres trans, su exclusión y las dificultades de su integración social, la prostitución, o su relevancia social dentro del mundo del espectáculo. Sobre esto último, la autora realiza un muy sugestivo recorrido por la historia de los espectáculos de transformismo en la España de la Transición, por salas míticas de la noche madrileña como Centauros, Dimas (actual Siroco) o Gay Club. El libro se completa con un jugoso material fotográfico y varias entrevistas: al director Antonio Giménez Rico, al transformista en activo Cristian de Samil, que colaboró en la película, y a Josette, una de las dos protagonistas de ‘Vestida de azul’ que sigue viva, a pesar de que en Internet la dieran por muerta. 8. Disponible en Amazon.
No va a ser casual que esta semana el Sonorama haya anunciado a Nacho Cano como un gran bombazo para su cartel 2019 justo unos días después de que se haya publicado ‘Descanso dominical: Tributo a Mecano‘. Porque casi todos los nombres incluidos en este disco han tocado, tocarán o podrían perfectamente tocar en el festival celebrado en Aranda de Duero cada verano desde hace más de 20 años: Love of Lesbian, Iván Ferreiro, Miss Caffeina, Zahara, Elefantes, Vega, Shinova, Reyko… son nombres de presente o pasado independiente. ¿Hacemos una porra para ver cuáles de ellos se contarán entre los «amigos del festival» que, dicen, acompañarán al pequeño de los Cano en su directo allí?
Por su parte este disco confusamente subtitulado «Tributo a Mecano» (¿no será tributo a la obra en sí, más bien?) pretende conmemorar los 30 años de ‘Descanso dominical’, que se cumplieron… hace casi un año. Timing fallido aparte, este trabajo pretende celebrar el quinto álbum de estudio del trío madrileño, que supuso su consagración como superestrellas internacionales (no olvidemos que este disco se vendió como churros en Italia y, sobre todo, Francia). Y, como tales, no ponemos en duda que marcaran las infancias o adolescencias de muchos, si no todos, los artistas congregados. Ahora bien, otra cosa es que la deriva artística seguida por cada uno de ellos refleje esa influencia. ¿Qué es lo ideal? ¿Respetar el original? ¿Olvidarse de él y llevarlo al terreno más cómodo para cada uno? No está nada claro, y el resultado en este caso es dispar y raruno, como mínimo.
Entre los más ajenos a priori se cuentan los ya citados Love of Lesbian & Iván Ferreiro, que hacen de la mansedumbre y el sopor bandera en una sosa ‘La fuerza del destino’ (tiene huevos hacer sosa esta canción) que, para colmo, corrige la errata por antonomasia del pop español, ese «tú contestastes que no». ¿Los hermanos Cano han autorizado cambiar esto pero no «mariconez»? Elefantes se atreven con la ya universal ‘Mujer contra mujer’ transformándola en un pop rock cadencioso, con algún arreglo mono de teclado y un solo de guitarra que quiere acercarse a Wilco (aunque se queda a medias). Un pan sin sal, pese a la bonita voz de Shuarma. Tampoco terminan de clavarlo Shinova con ‘Hermano Sol Hermana Luna’, pese a que la solemnidad acústica de su arranque suena interesante. El guitarrista Daniel Casares con Juan Sueiro, en su revisión de ‘Por la cara’ –la verdad es que nadie la hubiera echado de menos, ¿no?–, y Mäbu, con la adaptación sencillota de ‘»Eungenio» Salvador Dalí’ –les ha tocado bailar con la más fea– se cuentan también entre los que ni chus, ni mus.
Tampoco puede decirse que los artistas de evidentes ecos de Mecano, por cuestiones estéticas o emocionales, triunfen en el intento. Si parecía que Nancys Rubias no podían faltar aquí (Mario Vaquerizo es fan fatal confeso), su ‘Los amantes’ parece una canción de las propias Nancys Rubias (y no, no es un elogio). Tampoco le veo la gracia al tratamiento ¿electro-tanguero? de ‘El blues del esclavo’ que perpetra Aleks Syntek. Ni se explica muy bien lo académicos que han estado Chico y Chica con ‘Fábula’, en la que se echa en falta un poco de manga ancha y humor (¿no les habían invitado por eso?), que al fin y al cabo mucho de eso tenían Mecano. Zahara, con una producción de Juan Sueiro demasiado espaciosa que busca sonar moderna a golpe de adlib, no consigue que en la próxima Nochevieja nos planteemos sustituir el original por su ‘Un año más’.
Mucho mejor resultan, en cambio, algunos artistas más inesperados y/o desconocidos. Sorprenden muy gratamente el tratamiento tecnopop a lo Parade que Veintiuno dan a ‘No hay marcha en Nueva York’, el juego de contrastes de espacio y profundidad que le da Vega a ‘Laika’, la preciosa conversión de ‘Quédate en Madrid’ como balada catatónica al piano que hace Conchita y el tratamiento, yendo de lo pequeño a lo épico, que Miss Caffeina aplican a ‘Hèroes de la Antártida’. Y, sobre todas ellas, la maravillosa revisión que Reyko hacen de ‘El cine’: si su visión del tema como un numerazo de deep house minimalista ya es un puntazo, la maravillosamente seductora voz de Soleil (todas las citadas en este párrafo, más Zahara, podrían hacer un gran papel en ese concierto de Nacho Cano) la propulsa a ser una de las mejores versiones de Mecano que se hayan hecho nunca. Y, personalmente, me convierte en fan irredento del dúo de Mushroom Pillow.
En resumen, los resultados artísticos son tibios, y en buena parte de los casos no pasan de la mera curiosidad. Así que no queda muy claro qué se perseguía en este disco auspiciado y coordinado por el mayor fan y biógrafo pseudooficial del trío, Javier Adrados. Desde luego, la ausencia de nombres tipo Alejandro Sanz, Melendi, Vanesa Martín o similar hace pensar que el objeto de este disco no era hacer caja sin más. ¿La idea es abrir el repertorio de Mecano a un público que no había nacido cuando se editó este disco? Porque es evidente que, salvo un par de nombres, el seguidor medio de estos grupos no está precisamente por debajo de la treintena. ¿O quizá se pretendía reivindicar este disco de cara a un público tirando a underground? Porque, de ser así, quizá nombres que han manifestado abiertamente su afinidad al trío, como Javiera Mena, Doble Pletina, Joe Crepúsculo, Terrier, Francisca Valenzuela, Betacam, Rata Negra (como herederos de Juanita y Los Feos) o hasta Future Islands y Arca, hubieran sido mejores alternativas –nunca mejor dicho– que varios de los implicados.
En todo caso, si se trata de poner en valor la calidad, dignidad y valor de este disco, quizá una buena reedición, con demos, material inédito y notas de los Cano y Ana Torroja hubiera sido mucho más pertinente. Porque si de algo ha servido este disco es para reescuchar la edición original y pararse a pensar lo delirante, para bien y para mal, que pudo llegar a ser este grupo: hoy parece del todo imposible pensar que nadie (que no sean Ojete Calor, Ladilla Rusa y compañía) se plantee seriamente publicar una canción tan paleta como ‘No hay marcha en Nueva York’, cantarle a la primera perra astronauta, las rimas descacharrantes de ‘»Eungenio» Salvador Dalí’ (solo lo del título es digno de tesis) o, sobre todo, dar luz a una canción tan políticamente incorrecta (y racista) como ‘El blues del esclavo’. Ríete tú de la «mariconez». Aunque, en una vuelta de tuerca imposible, una relectura de la letra hace pensar que, como Los Simpsons, Mecano ya predijeron el actual panorama laboral de nuestro país. Así que está claro: no hay mejor tributo a Mecano que escuchar los viejos discos de Mecano.
Calificación: 5/10 Lo mejor: ‘El cine’ por Reyko, ‘Quédate en Madrid’ por Conchita, ‘Laika’ por Vega, ‘Héroes de la Antártida’ por Miss Caffeina, ‘No hay marcha en Nueva York’ por Veintiuno. Te gustará si: eres fan completista de Mecano. Escúchalo:Spotify
Brigitte Laverne ha sorprendido últimamente con un cambio de sonido que podría ser el definitivo, aunque no necesariamente. Si la cantante catalana ya había firmado buenos temas de synth-pop en la onda ‘Drive’ como ‘Tinder Love’ o ‘Crush on You’, su nuevo disco ‘Disco china‘ la encuentra navegando los ritmos punk-pop de grupos como Los Romeos o Los Vegetales, en unas canciones que además están cantadas en castellano para mayor impacto, pues las letras no podrían ser más punzantes y encantadoras en algunos casos.
Aunque el single principal de ‘Disco china’ ha sido ‘Culpable y feliz‘ y por méritos propios, a mí nadie me engaña: el gran hitazo de ‘Disco china’ es el que lo titula. Un tema estelar, enérgico pero cargadísimo de nostalgia sobre todo en la frase final de cada estrofa, que podría haber firmado la primera Sky Ferreira (la del debut, no la de los primeros singles). Igual que ‘I Will’ aunque más luminoso tanto por melodía como por arreglos, ‘Disco china’ aúna punk y sintetizadores ochenteros en un perdigón pop que atrapa a la primera.
Nocturno y embriagador, ‘Disco china’ habla sobre la vida en carretera, con extenuación pero también con sentido del humor y gratitud, como se desprende de esas frases en las que Laverne celebra pasar «diez mil horas en el coche» escuchando «la playlist que hicimos anoche», sonando «mil canciones que consiguen que te emociones».
La canción, protagonizada por cuatro músicos que van «apretados» en el coche y se van repartiendo las tareas durante un largo viaje a Madrid, captura el sentimiento agridulce de dedicarse a lo que uno le gusta aunque implique noches sin dormir y mucha inversión en gasolina. Aunque, en este caso, pesa mucho más lo bueno que lo malo. Y es que Laverne, mirando a una «puesta de sol eterna», canta: «Cuando ya no puedas más, momentos como estos son los que te salvarán, de morir ahogado en un lunes normal». Brigitte Laverne actúa el 8 de junio en el Sidecar, Barcelona.
‘Con altura’ de Rosalía, J Balvin y El Guincho lleva 5 semanas en el número 1 de España, todas las que ha estado en el mercado. Sin embargo, su reinado peligra ante la llegada de las nuevas canciones del verano. En los últimos días ha empezado a recibir la amenaza de ‘La Playa’ de Myke Towers, que ha logrado ser top 1 en Spotify España durante 2 días de esta semana.
Sin embargo, parece que va a ser otra la canción que se va a llevar el gato al agua en la lista que saldrá dentro de 10 días. Se trata de ‘Soltera’ de Lunay. El cantante portorriqueño ya estaba triunfando con este tema, bien posicionado en playlists y listas de éxito, y desde este viernes han decidido sumarse a él nada menos que Daddy Yankee y Bad Bunny (sí, los dos, ¿para qué elegir?) y el remix se ha situado directamente en el número 1 de la lista trending de Youtube España.
Aunque Youtube España no cuenta en Promusicae por alguna razón, la suma de original y remix en Spotify sería de sobra suficiente para derribar a ‘Con altura’ cuando acabe la semana, si no son tan tontos de que compute por separado (que en España lo hemos visto). Por detrás en nuestro país quedará ‘I Don’t Care’ de Ed Sheeran y Justin Bieber, que buscan más bien el número 1 directo en Reino Unido y en Estados Unidos, donde reina el pelotazo de ‘Old Town Road’ con y sin remix.
El tema colaborativo de Edward Christopher y Justin ha sumado 12 millones de streamings en un día a nivel global, siendo top 1 directo en Spotify en Reino Unido y Estados Unidos y top 13 en España.
Entre las novedades de la semana que os hemos presentado en nuestra playlist «Ready for the Weekend», uno de los temas más llamativos era lo nuevo de Avicii, ‘Tough Love’.
Recientemente se ha anunciado el que será el álbum póstumo del DJ y productor, y tras el éxito de ‘SOS’, que justo ha rebasado los 100 millones de streamings en Spotify, y continúa en el top 6 de esta plataforma a nivel global; se estrena el segundo sencillo. ‘Tough Love’ tiene una marcada influencia oriental, según han explicado sus colaboradores Vincent Pontare y Salem Al Fakir de Vargas & Lagola. Al parecer Avicii dejó escrito que quería que este tema fuera un dueto, y en el mejor de los casos una pareja real que hubiera trabajado junta antes.
Según indica Vincent, las influencias indias «encajan perfectamente en una canción en la que estábamos trabajando, algo típico de Tim, que melódicamente era un genio». Si a alguien le sirve de algo el dato, Avicii falleció en Omán, un país relativamente cercano a la India.
El exótico resultado parece haber calado y con 2,5 millones de plays en Spotify solo durante su primer día se garantiza otro hit para el productor sueco. Los streamings millonarios parecen asegurados para el álbum ‘Tim’ que sale el 6 de junio e incluirá colaboraciones nada menos que de Chris Martin o Imagine Dragons.
Srbuk acude a Eurovisión 2019 con el típico medio tiempo chillón, cuyo vídeo ‘Walking Out’ parece inspirarse en los vídeos coreografiados y virales de Dua Lipa, si bien con un blanco y negro y unos trajes un poco más David Fincher en el vídeo de ‘Vogue’.
En el estribillo de ‘Walking Out’, en cambio, la voz se asemeja por tonalidad y grito un poquito a Céline Dion. Pese a todo este preparado de épica y estética, la canción tiene dificultades para diferenciarse de otros cientos que han pasado por el festival, y la subida de tono final, a estas alturas, parece una broma.
Para que no decaiga ese desenlace, la puesta en escena incluirá buenos chorrazos de fuego, mientras la garganta de Srbuk vivirá sus 15 segundos de gloria frente a la audiencia. Para algo le ha tenido que servir entrenarse en La Voz Ucrania, temporada 8. Excepto el año pasado y en otra ocasión, Armenia suele pasar a la final recibiendo votos masivos de Rusia, Georgia y Grecia, y parece que su pase está asegurado.
Calificación: 4/10 En los foros de Eurovisión se dice…: “igual la canción no está mal pero la verdad que esperaba algo más enérgico, otro bop”. marcecar. En las casas de apuestas: 20ª.
P!nk no se ha vuelto a separar de su pareja como pronosticaban algunas de las letras de su álbum anterior. Al contrario, está en un buen momento y así, este nuevo disco sale tan solo un año y medio después de ‘Beautiful Trauma‘. Y sin embargo, es incapaz de terminar de encontrar la estabilidad. Es lo que nos cuenta en varios temas de este disco, de manera muy visible en ‘Happy’, en la que tras hablarnos de la dificultad para aceptar su cuerpo, confiesa: «desde los 22 tengo quien me quiera / e intento creerme que es verdad / pero mi cabeza siempre lía a mi corazón / no importa lo que haga».
P!nk recorre los fantasmas de su mente para tratar de entender por qué se pone tantas trabas a sí misma para ser «feliz». Así, visita a los «monstruos del armario» de su infancia en ‘Circle Game’, quiere «caminar a casa» en el single principal del disco, y trata de buscar el apoyo afectivo en ‘Hurts 2B Human’. Curiosamente, una de las imágenes más bellas nos la deja ‘My Attic’, en la que hay que elogiar que P!nk no se haya puesto de co-autora tras cambiar una coma. La canción es de Julia Michaels y apela a «un ático lleno de huesos y desesperanza / jóvenes emociones que nunca serán capaces de madurar». Quien esté libre de culpa, que tire la primera piedra.
Como habréis adivinado, todo esto se corresponde con un largo surtido de baladas. Pero solo al final, después de esa ‘Love Me Anyway’ con Chris Stapleton ideada para los fans del country profundo de Estados Unidos, el metraje se hace pesado. No es que la final ‘The Last Song of Your Life’ en la estela de los Fleetwood Mac de ‘Landslide’ y casi todos los temas finales de los discos de Dolores O’Riordan, sea mala; es que el disco parece de hecho acabar con ‘Love Me Anyway’. Pasan tantos segundos tras esta que pensé que las dos últimas eran bonus tracks. Pero no. Por lo demás, son varias las canciones lentas las que funcionan, como la tratadísima ’90 Days’ junto a Wrabel, en la que no se cansan de referenciar ‘Fast Car’ de Tracy Chapman. Yo tampoco lo hago.
Pero son varias las animadas también, sobre todo en la primera parte del álbum. ‘Hurts 2B Human’ presenta, de hecho, una balanza equilibrada de canciones bonitas y temas correctos de pop-rock. Salvo alguna colaboración y la parte más «dance», por momentos este es el buen disco que esperamos de Alanis este año, eso sí, como siempre, algo lastrado por la producción y la ausencia de ideas creativas. Vale que el objetivo de P!nk no sea tocar en el Sónar, pero la cabaretera ‘Hustle’ junto a Daniel Reynolds de Imagine Dragons, excitaría más como «opener» en otras manos que las de Jorgen Odegard, quien quiera que sea; ‘Courage’, tan Sia porque es co-autoría de Greg Kurstin, se conforma con recordar a Eurovisión; ‘Walk Me Home’, a ‘El Rey León’; y suena especialmente desfasada ‘Can We Pretend’. Madonna y Gaga no fueron crucificadas en 2012 y 2013 por hacer EDM para que esto siga pasando en 2019 en un disco de primer nivel.
Mientras ‘We Could Have It All’, co-escrita por Beck, da ganas de ponerse ‘New Year’s Day’ de U2 y ‘Happy’ el dúo de Taylor Swift con Zayn, me pregunto por qué no más temas como ‘Hey Why Miss You Sometime’. Con la producción de Max Martin, es una de las más divertidas gracias a su simpático teclado, a sus efectos vocales y a su línea «Jack Daniels type of love / Titanic with your love».
Calificación: 6,4/10 Lo mejor: ‘Hey Why Miss You Sometime’, ’90 Days’, ‘My Attic’ Te gustará si te gusta: Sia, fun., Adele, Imagine Dragons Escúchalo:Spotify
Continúa la confusión en torno a la actuación de Madonna en Eurovisión. Si la presencia de Justin Timberlake en la edición de 2017 ya estaba confirmadísima por estas fechas, la de Madonna a solo cuatro días de que se celebre el festival en Tel Aviv, el próximo 18 de mayo, sigue “en el aire». 
Del mismo modo que ‘
Si me hubieran dicho hace tiempo que me engancharía a una balada de P!nk, no me lo habría creído. Siempre me ha parecido que el éxito de baladas como ‘Just Give Me a Reason’ o ‘Try’ era directamente proporcional a lo horrorosas que eran las canciones, pero el nuevo álbum de P!nk está lleno de momentos similares y al menos uno de ellos puede ser el mejor de todos. 
Lola Indigo presentaba anoche en una pequeña sala de Madrid (Uñas Chung Lee) su disco ‘Akelarre’, el 
Lola Indigo manifestó haber estado nerviosa para esta presentación porque se sentía como en un «examen» final en el que tenía que presentar la obra en la que tantos meses ha estado trabajando en el estudio, pero desde luego no se notó. El foco estaba puesto en las interpretaciones de 
Flying Lotus publica un nuevo álbum el 24 de mayo, un ‘Flamagra’ que, como os hemos contado, va a ser épico, pues contiene 27 pistas, muchas de las cuales son colaboraciones con otros artistas. Una de ellas era ‘Fire is Coming’ con David Lynch, otra ‘Spontaneous’ con Little Dragon y una tercera ‘More’ con Anderson .Paak, que acaba de 
Anni B Sweet ha llegado al fin a su cuarto disco tras cuatro años de espera. Se trata de su primer álbum en castellano, aunque es más noticiable el buen acabado y coherencia del mismo en su entrega a la psicodelia espacial. Estamos ante uno de sus trabajos más sólidos, y presentado por la que es desde el día de su lanzamiento una de sus mejores composiciones, ‘Buen viaje’. La cantante nos atiende en las oficinas de Subterfuge en Madrid, visiblemente apurada por haberse presentado casi media hora tarde a causa de los atascos y las obras en la ciudad. ‘Universo por estrenar’ se presenta este 14 de mayo en la Plaza Mayor en las fiestas de San Isidro y un día después en León.
Kim Petras sigue con su plan de publicar un single por semana y hoy lunes lanza el cuarto tras ‘Broken’, ‘Got My Number’ y ‘Blow it All’. Si estos tres temas tenían su punto urban, ‘Sweet Spot’ es abiertamente disco y con su sonido ibicenco y contemporáneo, recuerda al nu-disco de principios de siglo practicado por los primeros Daft Punk, por Kylie en ‘
Este fin de semana se ha subido al completo a Movistar+ un «thriller erótico» (así se presentaba en la nota de prensa oficial) llamado ‘Instinto’. Tres días después de su estreno quizá ya te hayas enterado de que hay un desnudo frontal -lateral, más bien- de Mario Casas en el primer minuto de la serie; y quizá te hayas enterado también de que ahí se acaba todo el interés de esta producción de Bambú. La etiqueta de «drama» que aparece en la plataforma en sí le sienta mejor a esta serie de 8 capítulos de entre 40 y 50 minutos en la que de «erótico» hay poco, y del «thriller» no se sabe nada más o menos hasta el episodio 5. 
La cantante y actriz Doris Day, una de las últimas supervivientes del Hollywood clásico, ha fallecido esta mañana en su casa de California, 
Grecia intentará clasificarse en la final de Eurovisión este año tras no conseguirlo en el anterior con ‘Better Love’, una balada interpretada por la cantante greco-canadiense Katerine Duska que tiene poco del folclore griego y mucho de la balada pop contemporánea de Leona Lewis. 
En contra de los primeros pronósticos, Vampire Weekend han publicado otro discazo. ‘
El pasado viernes, 10 de mayo, Airbag celebraban uno de los conciertos en sala 
Este 12 de mayo se han cumplido 10 años ya de 
La pérdida del factor sorpresa era el mayor peligro que corría PUTOCHINOMARICÓN al enfrentarse a su segundo mini LP, que dura 16 minutos en lugar de 18. En ‘
La actriz Peggy Lipton, conocida por todos los seguidores de ’Twin Peaks’ por su papel de Norma Jennings, ha fallecido a los 72 años como consecuencia de un cáncer. Lipton también trabajó en ‘La patrulla juvenil’ de Aaron Spelling, papel por el que llegó a obtener un Globo de Oro a principios de los 70. La actriz había debutado con tan solo 19 años en ‘Embrujada’, y también era conocida por su participación en otras series como ‘La hora de Alfred Hitchcock’.
‘Vestida de azul’ es una de las películas más singulares 
No va a ser casual que esta semana el Sonorama haya anunciado a Nacho Cano como un gran bombazo para su cartel 2019 justo unos días después de que se haya publicado ‘
Brigitte Laverne ha sorprendido últimamente con un cambio de sonido que podría ser el definitivo, aunque no necesariamente. Si la cantante catalana ya había firmado buenos temas de synth-pop en la onda ‘Drive’ como ‘Tinder Love’ o ‘Crush on You’, su nuevo disco ‘
‘Con altura’ de Rosalía, J Balvin y El Guincho lleva 5 semanas en el número 1 de España, todas las que ha estado en el mercado. Sin embargo, su reinado peligra ante la llegada de las nuevas canciones del verano. En los últimos días ha empezado a recibir la amenaza de ‘La Playa’ de Myke Towers, que ha logrado ser top 1 en Spotify España durante 2 días de esta semana.
Entre las novedades de la semana que os hemos presentado en
Srbuk acude a Eurovisión 2019 con el típico medio tiempo chillón, cuyo vídeo ‘Walking Out’ parece inspirarse en los vídeos coreografiados y virales de Dua Lipa, si bien con un blanco y negro y unos trajes un poco más David Fincher en el vídeo de ‘Vogue’.